egroj world: March 2022

Thursday, March 31, 2022

Kai Winding And His Septet • The Trombone Sound


Trombonist Kai Christen Winding (pronounced ki-win-ding) was one of the founding fathers of be-bop music and truly one of the finest-ever jazz trombonists.

As a sideman to bop’s reigning kings “ Fats Navarro, Miles Davis, Charlie Parker, Dizzy Gillespie and Tadd Dameron “ he was more a bridesmaid than a bride. Winding recorded too infrequently as a leader during this period and none of his compositions ever really caught on. Indeed, he was adept at putting a defining stamp on others’ compositions “ a trait he picked up while outlining the artistry of Stan Kenton’s sound during the mid 1940s.

Kai was born on May 18, 1922, in Aarhaus, Denmark. He came to the United States with his family in 1934. In 1940, he made his professional debut as trombonist with Shorty Allen’s band. He played with the bands of Sonny Dunham and Alvino Rey before joining the U.S. Coast Guard during World War II. After becoming a civilian in 1945, he worked with Benny Goodman’s highly popular band and moved onto Stan Kenton’s orchestra, where he helped defined the brassy Kenton sound and, quickly became a featured soloist. Thereafter, he hooked himself up with a number of emerging stars of be-bop, the “new jazz,” and recorded prolifically “ most notably, as part of one of the nonets featured on the historic “The Birth of the Cool” (Capitol/1949).

Winding recorded and performed prolifically during the 1950s, as a leader and “ with distinction “ behind a number of significant and popular soloists such as Sonny Stitt, Billy Eckstein, Neal Hefti, Woody Herman, Chris Connor, Sylvia Syms.

Still, the trombone was considered an unusual instrument to lead a combo. So it was with prescient oddity that in 1954, producer Ozzie Cadena proposed the marriage of two trombones “ Winding’s quick-witted mellifluousness with fellow trombonist J.J. Johnson’s hard-edged angularity. The two leaders clicked together musically right away (check out Savoy “Jay& Kai”) and, surprisingly, became a hugely popular club attraction and critical favorite. Jay and Kai - or “Kai and Jay” or “J.J. & K” or “J & K” or any other of a number of other combinations - was born.

The duo recorded eight highly popular “ and consistently artistic “ albums over the next two years for the Savoy, RCA, Bethlehem, Prestige and Columbia labels. It was during this period that Kai's great compositional skill was finally recognized with such memorable tunes as “Don't Argue,” “Wind Bag,” “That's How I Feel About You,” “Gong Rock,” “Jeanne” and “Caribe.”

At this point, Kai Winding was a well-known “ and bankable “ entity. In addition to continuing session work and well-paid gigs, Winding recorded several “concept” oriented albums for Columbia where he embarked on his own remarkable - and successful - concept of a four-trombone front line.

Producer Creed Taylor, who has always recognized a sale-able sound (and produced the duo’s fourth album on Bethlehem from 1955, K + JJ), kept close tabs on Kai Winding. The producer brought the trombonist in for the delightful 1958 album, “The Axidentals “ with the Kai Winding Trombones” (ABC Paramount) and reunited with him when the producer helmed the inception of Impulse Records “ for the Kai and J.J. reunion (The Great Kai & J.J. “ with the catalog number “A-1”) and the marvelous solo record “The Incredible Trombones of Kai Winding.”

When Creed Taylor accepted a lucrative offer from MGM to head the jazz division of their record label, Verve, Kai Winding was invited too. Winding recorded a dozen albums and 4 non-LP 45-rpm records with Creed Taylor during his stay at the label (1961-67). The music Winding made during this time is well worth hearing and, surprisingly, uncharacteristic of his recordings before or after.

This is the period that my discography is most concerned with “ and when the be-bop legend recorded what I consider some of his most interesting material. There’s no doubt that Verve Records provided Kai Winding with the most popularity he’d known during his entire career and, in some odd and sometimes wonderful coincidences, provided the great trombone player, composer and arranger with the most notable music of his career.

Kai Winding's first Verve record was the wondrous, Latin-esque “Kai Olé”(1961). Still firmly rooted in bebop, Winding goes a bit further South of the Border than he did on his Columbia records, where he simply added a conga or a bongo to spice up the mix. Winding quickly followed with 1962's “Suspense Times in Jazz,” (1962), a collection of “crime jazz” (lots of Henry Mancini covers!), arranged by either Winding or the great Oliver Nelson.

Next came “Solo,” (1963), one of the first of Kai Winding's many 1963 recordings and a landmark in the trombonist's career. While not exactly true to its title, since it was a trombone-with-rhythm-section date, “Solo” did represent Winding's first solo recording where he was the only horn player! The record also featured several titles that celebrated Winding's role as the musical director of New York's Playboy Club - a position the musician maintained throughout the 1960s. “Solo” is, perhaps, Kai Winding's best jazz record on Verve, and maybe one of his least known for the label.

The next record, “Soul Surfin” (1963) changed all the rules. Quite unexpectedly, Kai Winding's cover of Riz Orolani's “More (Theme From Mondo Cane)” became a top ten hit in 1963 - spawning innumerable covers from the bachelor-pad crowd. The album, a collection of somewhat interesting surf tunes featured Winding and guitarist Kenny Burrell behind the oddly-annoying ondioline (played, without credit, by the legendary Jean Jacques Perrey!). After the single's unbelievable success, the album was renamed “More.”

Next up was the rather strange album titled “Kai Winding” (1963). The record was also known by the title”The Lonely One” due to the release of the one 45 from the album. This one, which features some pretty rockin' tunes, notably Claus Ogerman's hip “Get Lost,” certainly features Winding. But the trombonist barely solos and hardly ever takes a lead line. This writer guesses that the album was intended to be a feature for Garry (or “Gary,” or “Gerry”) Sherman, the arranger of many of the album's tunes. But the success of “More” encouraged Verve to issue the record (or a bunch of recordings that included Kai Winding) under the trombonist's name.

“Mondo Cane #2” (1963-64) next featured Winding covering Nino Oliviero's sequel (and not as good as the oriiginal) theme to Winding's top ten hit. Covering several Ogerman tunes here (notably “Python”) and a few originals (the best, which is “ Simian Theme”), Winding seems barely present on this record. Jean Jacques Perrey is again said to have played the ondioline (credited to Winding!), which dominates the sound and solos of the record. This is not the record for those that admire hearing Winding's magical trombone sound. When the hits didn't follow, Creed Taylor moved Kai Winding away from the surfing (and, thankfully, the ondioline) gimmick to other gimmick-y pastures. “Modern Country” (1964) followed, matching Kai's trombone and arrangements with the Anita Kerr Singers and a Nashville rhythm section. Somehow, the concept (which Taylor would explore again with Hubert Laws for CTI) yielded some exceptionally notable performances. Check out “Busted,” “Wolverton Mountain” and “Dang Me.”

Getting back to basics, Taylor and Winding thereafter conceived “Rainy Day” (1965) and The In Instrumentals” (1965), both which - much in the style of the time - attempt to place Kai Winding's sound into more contemporary arenas.

Things started gelling again when the pair conceived Kai Winding's excellent “More Brass” (1966), a not-so-veiled reference to both the trombonist's biggest hit and his best asset. The record yielded several credible performances of contemporary pop - highlighted especially by the delicate harpsichord styling of Hank Jones - that still had that sound of the past (and a marvelous re-arrangement of Winding's hit, “More”).

But perhaps the “hippest” Kai Winding ever got for Verve was on his next record, 1966's”Dirty Dog.” Featuring his patented four-trombone line-up with Carl Fontana, Urbie Green and Bill Watrous, Winding surrounded himself well with two-handed genius and funk overlord Herbie Hancock, bassist Bob Cranshaw, drummer Grady Tate and guitarist Al Gafa (under the pseudonym “Buzzy Bavarian,” to hide, perhaps an unusually rock-ish quality he lays down here). Winding traverses fast takes of the Hancock hits “Cantaloupe Island” and “Blind Man, Blind Man” and Gafa's surprisingly funky title track.

Winding's finest work with producer Creed Taylor, however, remains their last collaboration for Verve. “Penny Lane & Time” (1967) is an incredible accomplishment of pure pop finesse (shocking, given the number of Beatles covers here) and magical jazz arrangement (courtesy of Kai Winding himself). Winding pairs his mellifluous trombone with a four-part flute choir (featuring Hubert Laws, Danny Bank, Romeo Penque, Jerry Dodgion and Jerome Richardson). The result, probably inspired by Winding's former partner, arranger Claus Ogerman, is truly ethereal. Winding ended his 12-album run at Verve much the way he began it: with great artistic beauty.

Shortly thereafter, Creed Taylor left Verve Records to form his own CTI Records label. Winding recorded yet another album - that remains unreleased - for the MGM label (with Taylor, most likely) before Taylor reunited Winding with J.J. Johnson. The pair collaborated on three high-profile reunion projects at A&M/CTI during the late 1960s. Winding also did session work at the time for such A&M/CTI recordings as Paul Desmond's “Summertime,” and Quincy Jones's “Walking in Space.”

By the early 1970s, Kai Winding toured extensively with The Giants Of Jazz, featuring such old comrades as Dizzy Gillespie and Sonny Stitt and legendary masters Thelonius Monk and Art Blakey. He was also caught on a series of records which captured the 1972 Newport in New York Festival, reuniting with such early cohorts as Billy Eckstein, Flip Phillips and Zoot Sims.

Winding eventually chose to play when he felt like it, settling in Spain with his third wife, Ezshwan. Records during these years were sparse and on very small labels: two for the Glendale label and two for Lionel Hampton's Who's Who In Jazz label. Winding still performed on a regular basis, pairing up with the great Curtis Fuller in 1979 for two excellent “Giant Bones” recordings. Finally, Winding recorded an incredible “Trombone Summit” for the German MPS label (1980), heading a bone quartet featuring Albert Mangelsdorff, Bill Watrous and Jiggs Whigham - even reuniting one last time with J.J. Johnson for “All Star Jam Live- - Aurez Jazz Festival '82” (1982).

Unfortunately, after a long and artistically fulfilling career, Kai Winding succumbed to a brain tumor in a New York hospital on May 6, 1983, just shy of his 61st birthday. One of his sons, Jai, has kept Kai Winding's musical legacy alive as a respected - and busy! - session keyboard player for a wide variety of artists including George Benson, Michael Jackson, Madonna, America, The Eagles, Boz Scaggs, Jackson Browne, Molly Hatchet, Ted Nugent and many, many others.

Kai Winding's bop legacy has been kept alive in a variety of worthwhile reissues and countless compilations. However, one hopes that eventually major labels will concede to acknowledge the considerable contribution Kai Winding made during the 1960s as part of Verve Records.
Source: Doug Payne


El trombonista Kai Christen Winding fue uno de los padres fundadores de la música be-bop y uno de los mejores trombonistas de la historia del jazz.

Como acompañante de los reyes del bop -Fats Navarro, Miles Davis, Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Tadd Dameron- fue más una dama de honor que una novia. Winding grabó con muy poca frecuencia como líder durante este periodo y ninguna de sus composiciones llegó a tener éxito. De hecho, era experto en poner un sello definitorio en las composiciones de otros " un rasgo que recogió mientras perfilaba el arte del sonido de Stan Kenton a mediados de la década de 1940.

Kai nació el 18 de mayo de 1922 en Aarhaus, Dinamarca. Llegó a Estados Unidos con su familia en 1934. En 1940, debutó profesionalmente como trombonista con la banda de Shorty Allen. Tocó con las bandas de Sonny Dunham y Alvino Rey antes de alistarse en la Guardia Costera de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial. Tras convertirse en civil en 1945, trabajó con la popular banda de Benny Goodman y pasó a la orquesta de Stan Kenton, donde ayudó a definir el sonido descarado de Kenton y se convirtió rápidamente en un solista destacado. A partir de entonces, se unió a una serie de estrellas emergentes del be-bop, el "nuevo jazz", y grabó prolíficamente, sobre todo como parte de uno de los nonetos incluidos en el histórico "The Birth of the Cool" (Capitol/1949).

Winding grabó y actuó prolíficamente durante la década de 1950, como líder y "con distinción" detrás de una serie de solistas importantes y populares como Sonny Stitt, Billy Eckstein, Neal Hefti, Woody Herman, Chris Connor, Sylvia Syms.

Sin embargo, el trombón se consideraba un instrumento poco habitual para liderar un combo. Por eso, en 1954, el productor Ozzie Cadena propuso la unión de dos trombones: la melifluidad de Winding y la angulosidad del trombonista J.J. Johnson. Los dos líderes congeniaron musicalmente de inmediato (véase Savoy "Jay& Kai") y, sorprendentemente, se convirtieron en una atracción de club enormemente popular y en la favorita de la crítica. Jay y Kai -o "Kai y Jay" o "J.J. & K" o "J & K" o cualquier otra de las numerosas combinaciones- había nacido.

El dúo grabó ocho álbumes de gran popularidad y de gran calidad artística durante los dos años siguientes para los sellos Savoy, RCA, Bethlehem, Prestige y Columbia. Fue durante este periodo cuando la gran habilidad compositiva de Kai fue finalmente reconocida con temas tan memorables como "Don't Argue", "Wind Bag", "That's How I Feel About You", "Gong Rock", "Jeanne" y "Caribe".

A estas alturas, Kai Winding era una entidad bien conocida " y financiable ". Además de continuar con trabajos de sesión y actuaciones bien pagadas, Winding grabó varios álbumes orientados al "concepto" para Columbia, donde se embarcó en su propio y notable -y exitoso- concepto de una línea frontal de cuatro trombones.

El productor Creed Taylor, que siempre reconoció un sonido vendible (y produjo el cuarto álbum del dúo en Bethlehem de 1955, K + JJ), siguió de cerca a Kai Winding. El productor trajo al trombonista para el delicioso álbum de 1958, "The Axidentals " con los Kai Winding Trombones" (ABC Paramount) y se reunió con él cuando el productor dirigió el inicio de Impulse Records " para la reunión de Kai y J.J. (The Great Kai & J.J. " con el número de catálogo "A-1") y el maravilloso disco en solitario "The Incredible Trombones of Kai Winding".

Cuando Creed Taylor aceptó una lucrativa oferta de MGM para dirigir la división de jazz de su sello discográfico, Verve, Kai Winding también fue invitado. Winding grabó una docena de álbumes y 4 discos de 45 rpm sin LP con Creed Taylor durante su estancia en el sello (1961-67). La música que Winding hizo durante esta época merece la pena ser escuchada y, sorprendentemente, no es característica de sus grabaciones anteriores o posteriores.

Este es el periodo que más interesa en mi discografía " y cuando la leyenda del be-bop grabó lo que considero parte de su material más interesante. No hay duda de que Verve Records proporcionó a Kai Winding la mayor popularidad que conoció durante toda su carrera y, en algunas extrañas y a veces maravillosas coincidencias, proporcionó al gran trombonista, compositor y arreglista la música más notable de su carrera.

El primer disco de Kai Winding en Verve fue el maravilloso y latino "Kai Olé" (1961). Todavía firmemente arraigado en el bebop, Winding va un poco más al sur de la frontera que en sus discos de Columbia, donde simplemente añadía una conga o un bongó para animar la mezcla. Winding no tardó en publicar "Suspense Times in Jazz" (1962), una colección de "jazz criminal" (¡muchas versiones de Henry Mancini!), con arreglos de Winding o del gran Oliver Nelson.

A continuación llegó "Solo" (1963), una de las primeras grabaciones de Kai Winding en 1963 y un hito en la carrera del trombonista. Aunque no es exactamente fiel a su título, ya que se trata de una cita con el trombón y la sección rítmica, "Solo" representó la primera grabación en solitario de Winding en la que era el único trompetista. El disco también incluía varios títulos que celebraban el papel de Winding como director musical del Playboy Club de Nueva York, un puesto que el músico mantuvo durante toda la década de 1960. "Solo" es, quizás, el mejor disco de jazz de Kai Winding en Verve, y tal vez uno de los menos conocidos para el sello.

El siguiente disco, "Soul Surfin" (1963) cambió todas las reglas. De forma bastante inesperada, la versión de Kai Winding de "More (Theme From Mondo Cane)" de Riz Orolani se convirtió en un éxito entre los diez primeros en 1963, lo que dio lugar a innumerables versiones de los solteros. El álbum, una colección de temas surfistas algo interesantes, contaba con Winding y el guitarrista Kenny Burrell detrás de la extrañamente molesta ondiolina (¡tocada, sin crédito, por el legendario Jean Jacques Perrey!). Tras el increíble éxito del single, el álbum pasó a llamarse "More".

El siguiente fue el álbum, bastante extraño, titulado "Kai Winding" (1963). El disco también fue conocido por el título "The Lonely One" (El solitario) debido a la publicación del único 45 del álbum. En este, que contiene algunos temas bastante rockeros, en particular el moderno "Get Lost" de Claus Ogerman, sí que aparece Winding. Pero el trombonista apenas hace solos y casi nunca toma una línea principal. Este escritor supone que el álbum estaba destinado a ser una característica para Garry (o "Gary", o "Gerry") Sherman, el arreglista de muchas de las melodías del álbum. Pero el éxito de "More" animó a Verve a publicar el disco (o un montón de grabaciones que incluían a Kai Winding) bajo el nombre del trombonista.

"Mondo Cane #2" (1963-64) presentaba a Winding cubriendo la secuela (y no tan buena como la original) del tema de Nino Oliviero que fue un éxito de Winding. Winding, que versiona varios temas de Ogerman (en particular "Python") y algunos originales (el mejor, "Simian Theme"), parece apenas presente en este disco. Se dice que Jean Jacques Perrey volvió a tocar la ondiolina (¡acreditada a Winding!), que domina el sonido y los solos del disco. Este no es el disco para los que admiran escuchar el mágico sonido del trombón de Winding. Cuando los éxitos no siguieron, Creed Taylor alejó a Kai Winding del truco del surf (y, afortunadamente, de la ondiolina) para llevarlo a otros pastizales de trucos. Le siguió "Modern Country" (1964), en el que se combinaba el trombón y los arreglos de Kai con las Anita Kerr Singers y una sección rítmica de Nashville. De alguna manera, el concepto (que Taylor exploraría de nuevo con Hubert Laws para CTI) dio lugar a algunas actuaciones excepcionalmente notables. Mira "Busted", "Wolverton Mountain" y "Dang Me".

Volviendo a lo básico, Taylor y Winding concibieron a partir de entonces "Rainy Day" (1965) y The In Instrumentals" (1965), que, muy al estilo de la época, intentan situar el sonido de Kai Winding en ámbitos más contemporáneos.

Las cosas empezaron a cuajar de nuevo cuando la pareja concibió el excelente "More Brass" (1966) de Kai Winding, una referencia no tan velada tanto al mayor éxito del trombonista como a su mejor baza. El disco produjo varias interpretaciones creíbles de pop contemporáneo -destacadas especialmente por el delicado estilo de clavicordio de Hank Jones- que todavía tenían ese sonido del pasado (y una maravillosa reordenación del éxito de Winding, "More").

Pero quizás el Kai Winding más "hippie" que consiguió para Verve fue en su siguiente disco, "Dirty Dog" de 1966. Con su alineación patentada de cuatro trombones con Carl Fontana, Urbie Green y Bill Watrous, Winding se rodeó bien con el genio de las dos manos y señor del funk Herbie Hancock, el bajista Bob Cranshaw, el baterista Grady Tate y el guitarrista Al Gafa (bajo el seudónimo de "Buzzy Bavarian", para ocultar, quizás una cualidad inusualmente rockera que pone aquí). Winding recorre tomas rápidas de los éxitos de Hancock "Cantaloupe Island" y "Blind Man, Blind Man" y el tema titular de Gafa, sorprendentemente funky.

El mejor trabajo de Winding con el productor Creed Taylor, sin embargo, sigue siendo su última colaboración para Verve. "Penny Lane & Time" (1967) es un logro increíble de pura delicadeza pop (sorprendente, dado el número de versiones de los Beatles que hay aquí) y de mágicos arreglos de jazz (cortesía del propio Kai Winding). Winding combina su melifluo trombón con un coro de flautas a cuatro voces (con Hubert Laws, Danny Bank, Romeo Penque, Jerry Dodgion y Jerome Richardson). El resultado, probablemente inspirado por el antiguo socio de Winding, el arreglista Claus Ogerman, es realmente etéreo. Winding terminó su carrera de 12 álbumes en Verve del mismo modo que la empezó: con gran belleza artística.

Poco después, Creed Taylor dejó Verve Records para formar su propio sello CTI Records. Winding grabó otro álbum -que permanece inédito- para el sello MGM (con Taylor, probablemente) antes de que Taylor reuniera a Winding con J.J. Johnson. La pareja colaboró en tres proyectos de reunión de alto nivel en A&M/CTI a finales de la década de 1960. Winding también hizo trabajos de sesión en esa época para grabaciones de A&M/CTI como "Summertime" de Paul Desmond, y "Walking in Space" de Quincy Jones.

A principios de la década de 1970, Kai Winding realizó numerosas giras con The Giants Of Jazz, en las que participaron viejos camaradas como Dizzy Gillespie y Sonny Stitt y los legendarios maestros Thelonius Monk y Art Blakey. También participó en una serie de discos que recogieron el Festival de Newport en Nueva York de 1972, reuniéndose con compañeros de la época como Billy Eckstein, Flip Phillips y Zoot Sims.

Con el tiempo, Winding optó por tocar cuando le apetecía, estableciéndose en España con su tercera esposa, Ezshwan. Los discos durante estos años fueron escasos y en sellos muy pequeños: dos para el sello Glendale y dos para el sello Who's Who In Jazz de Lionel Hampton. Winding siguió actuando con regularidad, formando pareja con el gran Curtis Fuller en 1979 para dos excelentes grabaciones de "Giant Bones". Finalmente, Winding grabó un increíble "Trombone Summit" para el sello alemán MPS (1980), encabezando un cuarteto de huesos con Albert Mangelsdorff, Bill Watrous y Jiggs Whigham - incluso reuniéndose una última vez con J.J. Johnson para "All Star Jam Live- - Aurez Jazz Festival '82" (1982).

Desgraciadamente, tras una larga y artística carrera, Kai Winding sucumbió a un tumor cerebral en un hospital de Nueva York el 6 de mayo de 1983, justo antes de cumplir 61 años. Uno de sus hijos, Jai, ha mantenido vivo el legado musical de Kai Winding como respetado -¡y ocupado! - teclista de sesión para una gran variedad de artistas, como George Benson, Michael Jackson, Madonna, America, The Eagles, Boz Scaggs, Jackson Browne, Molly Hatchet, Ted Nugent y muchos, muchos otros.

El legado del bop de Kai Winding se ha mantenido vivo en una variedad de reediciones que merecen la pena y en innumerables recopilaciones. Sin embargo, uno espera que, con el tiempo, los grandes sellos discográficos reconozcan la considerable contribución que Kai Winding hizo durante la década de 1960 como parte de Verve Records.
Fuente: Doug Payne

VA - Essential Rockabilly • The Dot Story


Pete Fountain & Big Tiny Little • Mr. New Orleans Meets Mr. Honky Tonk


Earl Washington • Reflections


Earl "The Ghost" Washington (April 3, 1921 in Chicago, Illinois – June 18, 1975 in Evergreen Park, Illinois) was a jazz pianist.

Early life
Earl Edward Washington was born, the third child (two older sisters before him), on Sunday, April 3, 1921, in the Prairie Avenue District neighborhood on the near Southeast Side of Chicago. His parents experienced hard economic times in the pre- and post-Depression era, moving their ever-expanding family to the small neighborhood of Morgan Park where they could afford a home. Washington attended Washburn High School, also on the South side of Chicago, that his mother enrolled him in due to his interest in "art".

As a young boy, Washington wanted to be a jazz pianist, but his mother wanted him to study classical music, as she had done as a child herself. She arranged private classical piano lessons with the family's music teacher Dr. Walter Dellers (Professor of Music at the Chicago Academy of Music). Dellers advised her not to change his eye–hand coordination that was so envied by most ragtime musicians of the era.

In the summer of 1938, Washington competed in the Chicago Golden Gloves boxing tournament. It is unknown if he won the event at his 160-pound weight class.

After dropping out of high school in his junior year, he worked as a laborer at Inland Steel located in nearby East Chicago, Indiana.

During World War II, Washington enlisted in the United States Navy as an Apprentice Seaman II; emphasis as a musician (MU SEA). He joined the Illinois Great Lakes Navy Orchestra from 1943 to 1945.

After time spent in the Navy, he attended both the Boston and Chicago Conservatories of Music. He joined the Chicago Musicians' Union Local 10–208 on November 15, 1945.

Washington joined the Red Saunders Band in 1949 at the popular nightclub Club DeLisa, where he remained until the mid 1950s. On leaving Saunders' band, Washington worked in the recording studios of Chicago, Detroit and New York City. He wrote music for Motown artists and recorded scores and jingles with Chicago's jazz pioneer/innovator Quincy Jones and nationally known Chicago disc jockey Herb Kent on Chicago's WVON Radio.

While representing the Motown jazz imprint and releasing a couple LPs on its sub-label Workshop Jazz Records, Washington worked as a featured artist at Chicago's Blue Note Club, the Gaslight Club and the Playboy Club.

Before his death, Washington worked at The Inn Place, taught private jazz-piano lessons and lectured on "The History of Jazz" at Indiana University.

Washington's nickname, "The Ghost", grew out of his light-skin complexion.

- Johnny Pate wrote the liner note for Washington's Workshop released LP "Reflections."

"There is much that can be said about a serious musician, and Earl Washington is a very serious musician. He is the kind of musician who spends practically all of his time working on his music in one way or another. When he is not practicing at the piano, he’s writing either original works, or arrangements. In his spare time he listens to some of his favorites, which include Art Tatum, Oscar Peterson, Quincy Jones, plus contemporary composers such as Ravel, Stravinsky, and Bernstein.

“Earl evidently does not believe in the biblical admonition, ‘Let not thy left hand know what thy right hand doesth,’ at least not when he's playing piano. For on ‘It Ain’t Necessary So’ he uses both hands beautifully and each definitely knows what the other is doing. It is the left hand playing that pleasant intro leading into the gently rollicking syncopation that is the mood of the ‘preaching’ right hand throughout the recording.

"At present Earl is engage in composing a suite entitled, “Omen Portend.” This work will feature the piano with orchestral background. He is in hopes of recording it in the very near future.

“Reflections,” the title tune, is a blues with a far-eastern tint. Earl seems to be remembering, or reflecting over, if you please, a trip through valleys, hills and streams in some far away land of a strange name. He seems filled with awe – and beautifully projects that feeling to the listener. Vernel Fournier (Drummer) seems delighted with the trip, eager to move around that next rhythmical corner. Israel Crosby (Bassist) seems to have been there before; he moves ably, steadily, surely throughout. “Reflections” is a musical journey the listener will want to make again many times.

"Mr. Washington’s treatment of “After Hours” is quite unique, due to the fact that he first does a rendition quite close to the original Avery Parrish version. Then he expresses his personal feeling for this."

- Mr. Pate worked as a Pianist, Bassist; an Arranger of Production Numbers for the Club Delisa (in the 1950s); a Composer, Conductor, and Producer is an important figure in the evolution of music on the Chicago music scene. His name appears in the credits of classic hits by Curtis Mayfield and The Impressions. He also acts on Okeh Records and Workshop Jazz label; wrote and scored “Shaft In Africa,” which became a theme backdrop for Jay Z’ 2006 platinum award winning CD Show Me What You Got.


Earl "The Ghost" Washington (3 de abril de 1921 en Chicago, Illinois - 18 de junio de 1975 en Evergreen Park, Illinois) fue un pianista de jazz.

Primeros años de vida
Earl Edward Washington nació, el tercer hijo (dos hermanas mayores le precedieron), el domingo 3 de abril de 1921, en el barrio de Prairie Avenue District, cerca del Southeast Side de Chicago. Sus padres vivieron momentos económicos difíciles en la época anterior y posterior a la Depresión, por lo que trasladaron a su familia, cada vez más numerosa, al pequeño barrio de Morgan Park, donde pudieron permitirse una casa. Washington asistió a la Washburn High School, también en el lado sur de Chicago, en la que su madre le inscribió debido a su interés por el "arte".

De joven, Washington quería ser pianista de jazz, pero su madre quería que estudiara música clásica, como ella misma había hecho de niña. Organizó clases privadas de piano clásico con el profesor de música de la familia, el Dr. Walter Dellers (profesor de música en la Academia de Música de Chicago). Dellers le aconsejó que no cambiara su coordinación ojo-mano, tan envidiada por la mayoría de los músicos de ragtime de la época.

En el verano de 1938, Washington compitió en el torneo de boxeo Chicago Golden Gloves. Se desconoce si ganó el evento en su categoría de peso de 160 libras.

Tras abandonar el instituto en su primer año, trabajó como obrero en Inland Steel, situada en la cercana East Chicago, Indiana.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Washington se alistó en la Armada de los Estados Unidos como aprendiz de marinero II; énfasis como músico (MU SEA). Se incorporó a la Orquesta de la Marina de los Grandes Lagos de Illinois de 1943 a 1945.

Tras su paso por la Marina, asistió a los Conservatorios de Música de Boston y Chicago. Se afilió al sindicato de músicos de Chicago, Local 10-208, el 15 de noviembre de 1945.

Carrera profesional
Washington se unió a la Red Saunders Band en 1949 en el popular club nocturno DeLisa, donde permaneció hasta mediados de la década de 1950. Al dejar la banda de Saunders, Washington trabajó en los estudios de grabación de Chicago, Detroit y Nueva York. Escribió música para artistas de la Motown y grabó partituras y jingles con el pionero/innovador del jazz de Chicago, Quincy Jones, y con el conocido disc-jockey de Chicago, Herb Kent, en la radio WVON de Chicago.

Mientras representaba al sello de jazz de Motown y publicaba un par de LPs en su subsello Workshop Jazz Records, Washington trabajó como artista destacado en el Blue Note Club de Chicago, el Gaslight Club y el Playboy Club.

Antes de su muerte, Washington trabajó en The Inn Place, impartió clases particulares de piano-jazz y dio clases de "Historia del Jazz" en la Universidad de Indiana.

El apodo de Washington, "The Ghost", surgió de su complexión de piel clara.

- Johnny Pate escribió la nota de presentación del LP "Reflections", publicado por el taller de Washington.

"Hay mucho que se puede decir de un músico serio, y Earl Washington es un músico muy serio. Es el tipo de músico que pasa prácticamente todo su tiempo trabajando en su música de una forma u otra. Cuando no está practicando al piano, está escribiendo obras originales o arreglos. En su tiempo libre escucha algunos de sus favoritos, entre los que se encuentran Art Tatum, Oscar Peterson, Quincy Jones, además de compositores contemporáneos como Ravel, Stravinsky y Bernstein.

"Evidentemente, Earl no cree en la admonición bíblica "Que tu mano izquierda no sepa lo que hace tu mano derecha", al menos no cuando toca el piano. Porque en 'It Ain't Necessary So' utiliza ambas manos de forma magnífica y cada una sabe definitivamente lo que hace la otra. Es la mano izquierda la que toca esa agradable introducción que da paso a la síncopa suavemente rodante que es el estado de ánimo de la mano derecha "predicadora" durante toda la grabación.

"En la actualidad, Earl está inmerso en la composición de una suite titulada "Omen Portend". Esta obra estará protagonizada por el piano con fondo orquestal. Espera poder grabarla en un futuro muy cercano.

"Reflections", la melodía del título, es un blues con tintes orientales. Earl parece recordar, o reflexionar, si se quiere, sobre un viaje a través de valles, colinas y arroyos en alguna tierra lejana de nombre extraño. Parece estar lleno de asombro, y proyecta maravillosamente ese sentimiento al oyente. Vernel Fournier (baterista) parece encantado con el viaje, deseoso de moverse por la siguiente esquina rítmica. Israel Crosby (bajista) parece haber estado allí antes; se mueve con habilidad, constancia y seguridad en todo momento. "Reflections" es un viaje musical que el oyente querrá volver a hacer muchas veces.

"El tratamiento de "After Hours" por parte del Sr. Washington es bastante singular, ya que primero hace una interpretación bastante cercana a la versión original de Avery Parrish. Luego expresa su sentimiento personal al respecto".

- El Sr. Pate trabajó como pianista, bajista; arreglista de números de producción para el Club Delisa (en los años 50); compositor, director de orquesta y productor es una figura importante en la evolución de la música en la escena musical de Chicago. Su nombre aparece en los créditos de éxitos clásicos de Curtis Mayfield y The Impressions. También actúa en Okeh Records y en el sello Workshop Jazz; escribió y compuso "Shaft In Africa", que se convirtió en el tema de fondo del CD Show Me What You Got, ganador del premio de platino en 2006, de Jay Z.

Paul Desmond • Glad To Be Unhappy

Review by Richard S. Ginell
Even though Desmond was kidding when he described himself as the world's slowest alto player, this record bears out the kernel of truth within the jest. Here, Desmond set out to make a record of love songs and torch ballads, so the tempos are very slow to medium, the mood is of wistful relaxation, and the spaces between the notes grow longer. At first glance, Desmond may seem only peripherally involved with the music-making, keeping emotion at a cool, intellectual arms' length, yet his exceptionally pure tone and ruminative moods wear very well over the long haul. Again, Jim Hall is his commiserator and partner, and the guitarist gets practically as much space to unwind as the headliner; the solo on "Angel Eyes" is an encyclopedia of magnificent chording and single-string eloquence. Gene Wright returns on bass, spelled by Gene Cherico on "Poor Butterfly," and Connie Kay's brush-dominated drum work is pushed even further into the background. A lovely recording, though not the best album in the Desmond/Hall collaboration.


Revisión por Richard S. Ginell
A pesar de que Desmond estaba bromeando cuando se describió a sí mismo como el jugador más lento del mundo, este registro soporta el núcleo de la verdad dentro de la broma. Aquí, Desmond se propuso hacer un registro de canciones de amor y baladas de antorchas, por lo que los tempos son muy lentos a medianos, el estado de ánimo es de relajación nebulosa y los espacios entre las notas se hacen más largos. A primera vista, Desmond puede parecer solo involucrado periféricamente con la creación de música, manteniendo la emoción a la altura de los brazos, intelectuales, pero su tono excepcionalmente puro y su humor rumiante se visten muy bien a largo plazo. Una vez más, Jim Hall es su compañero y compañero, y el guitarrista tiene prácticamente tanto espacio para relajarse como el jefe de cartel; El solo de "Angel Eyes" es una enciclopedia de magníficas frases y elocuencia de una sola cuerda. Gene Wright regresa al bajo, escrito por Gene Cherico en "Poor Butterfly", y el trabajo de batería dominado por el pincel de Connie Kay se empuja aún más al fondo. Una grabación encantadora, aunque no es el mejor álbum en la colaboración de Desmond / Hall.

The Royal Rhythmaires • Shuck And Jive

The Royal Rhythmaires are a roots Rhythm and Blues band ready to get people dancing again and keep them dancing! This band provides the blues shoutin', horn honkin', hand clappin', foot stompin' sound of 40's-50's Rhythm and Blues by bringing back to life the music of Lavern Baker, Little Richard, Sam "The Man" Taylor, Red Prysock, Ruth Brown, and Ike Turner and The Kings of Rhythm to name a few!

With a powerhouse soulful singer, honking tenor and bariton sax, slapping upright bass, pounding piano and driving drums this band is a must see! "Shuck And Jive" is the debut album, and it is a rockin' rhythm & blues gem that manages to sound both exciting and authentic. A great mix of vintage cover songs (Little Walter, Roy Brown etc) and first class original material.


El Royal Rhythmaires está a raíz Rhythm and Blues band ready to get people dancing de nuevo y mantener estos bailes! , Que se ha convertido en una de las mejores películas de la saga de la saga de la saga de la saga. , Ruth Brown, y Ike Turner y los Kings of Rhythm to name a few!

Con el powerhouse soulful cantante, honaje tenor y bariton sax, slapping upright bass, pounding piano y conducir drums esta banda es a must see! "Shuck And Jive" es el álbum debut, y es un rockin 'rhythm y blues gem que manages to sound ambos emocionante y auténtico. La gran mezcla de las tapas de la cubierta de la vendimia (Little Walter, Roy Brown, etc) y la primera clase de material original.

Ehud Asherie With Harry Allen • Lower East Side

Pianist Ehud Asherie and tenor saxophonist Harry Allen are established musical partners with a shared fondness for a time when songwriting giants like Irving Berlin and Richard Rodgers were at their creative zeniths. Lower East Side is the pair's second duo outing, following on from Upper West Side (Posi-Tone, 2012), and once again the two demonstrate how this fondness for a bygone era can still produce fresh and joyous music.

The journey from Upper West Side to Lower East Side is geographically short—just a few miles. Musically, Esherie and Allen's journey is as brief as can be. Both albums feature the same mix of standards—some famous, some undeservedly less so—and the same stylish combination of tenor sax and piano. Why mess up a good thing, as they say.

The mood throughout Lower East Side is relaxed, inviting, friendly. Asherie and Allen form a democratic, unselfish, partnership: a duo that functions best through mutual encouragement and cooperation. Such an arrangement may lack the fire and excitement of more competitive pairings but it more than makes up for this with a surfeit of good humor and high quality musicianship.

Asherie's playing sparkles with a lightness of touch and an understated charm. He has a superb sense of rhythm—there's never a moment where the music misses drums or bass especially when his stride playing takes center stage on tunes like Rodgers' "Thou Swell." His confidence is clear, his strong left-hand rhythms matched by emphatic, percussive, right hand melody lines. Allen's soft, slightly breathy, sound gives every note he plays a tonal richness. He's eminently capable of adding a raw edge but he does so sparingly, which simply heightens the impact of this shift in tone when it does appear—his use of it on "Thou Swell" gives the tune a sexier vibe than usual.

Both men have a warmth to their playing, which heightens the emotional impact of the songs, whether they are upbeat and cheerful or a little more romantic; Allen's tenor on Leonard Bernstein's "Some Other Time" combines softness and warmth like a favorite blanket. The pair's delightful take on Fred Rose's "'Deed I Do" finds them both at their most assertive, driving the tune at a fast tempo that guarantees to drive away the blues.

Although Esherie gets top billing on Lower East Side the great joy of this record is to be found in the interplay between piano and saxophone, between two terrific players with a deep, yet still evolving, musical relationship. Esherie and Allen form one of the most talented and most rewarding partnerships on the contemporary jazz scene.


El pianista Ehud Asherie y el saxofonista tenor Harry Allen son socios musicales establecidos con una afición compartida por un tiempo en que los gigantes compositores como Irving Berlin y Richard Rodgers se encontraban en su cenit creativo. Lower East Side es la segunda salida del dúo de la pareja, continuando desde Upper West Side (Posi-Tone, 2012), y una vez más, los dos demuestran cómo esta afición por una época pasada puede producir música fresca y alegre.

El viaje desde Upper West Side a Lower East Side es geográficamente corto: solo unas pocas millas. Musicalmente, el viaje de Esherie y Allen es tan breve como puede ser. Ambos álbumes presentan la misma combinación de estándares, algunos famosos, otros no lo merecen, y la misma combinación elegante de saxo tenor y piano. Por qué arruinar una cosa buena, como dicen.

El ambiente en Lower East Side es relajado, acogedor, amigable. Asherie y Allen forman una sociedad democrática y abnegada: un dúo que funciona mejor a través del estímulo y la cooperación mutuos. Tal disposición puede carecer del fuego y la emoción de los emparejamientos más competitivos, pero lo compensa con una gran cantidad de humor y música de alta calidad.

El juego de Asherie brilla con una ligereza de toque y un encanto sobrio. Tiene un excelente sentido del ritmo: nunca hay un momento en el que la música se pierda la batería o el bajo, especialmente cuando su ritmo de juego ocupa un lugar central en temas como "Thou Swell" de Rodgers. Su confianza es clara, sus fuertes ritmos de la mano izquierda combinados con líneas de melodía enfáticas, percusivas y derechas. El sonido suave y ligeramente entrecortado de Allen le da a cada nota que toca una riqueza tonal. Es sumamente capaz de agregar un borde simple, pero lo hace con moderación, lo que simplemente aumenta el impacto de este cambio de tono cuando aparece: su uso en "Thou Swell" le da a la melodía una sensación más sexy de lo normal.

Ambos hombres tienen una calidez en su interpretación, lo que aumenta el impacto emocional de las canciones, ya sea que sean alegres y alegres o un poco más románticas; El tenor de Allen en "Some Other Time" de Leonard Bernstein combina suavidad y calidez como una manta favorita. La encantadora toma de la pareja en "Deed I Do" de Fred Rose los encuentra a ambos en su forma más asertiva, conduciendo la melodía a un ritmo rápido que garantiza alejar el blues.

A pesar de que Esherie obtiene la máxima facturación en Lower East Side, la gran alegría de este disco se encuentra en la interacción entre el piano y el saxofón, entre dos magníficos músicos con una relación musical profunda pero en constante evolución. Esherie y Allen forman una de las asociaciones más talentosas y más gratificantes en la escena del jazz contemporáneo. ...

Eddie Baxter • Organ Festival


Wednesday, March 30, 2022

Suggested video: Jazz Docu - Ronnie Scott - and All That Jazz


Documentary celebrating the founding of Ronnie Scott's Jazz club in 1959. Scott, a rising young saxophone player, opened a club where he and his friends could play the music they liked. Over the following years, the club had its ups and downs, reflecting the changes in attitudes to jazz and the social life of surrounding Soho. Now Ronnie Scott's is known throughout the world as the hearbeat of British jazz. In this tribute, Omnibus talks to some of Ronnie's greatest admirers including Mel Brooks, the Rt Hon Kenneth Clarke MP and writer Alan Plater, and features rare archive footage of some of the club's historic performances by Zoot Sims, Sonny Rollins, Dizzy Gillespie and Ella Fitzgerald.


Nota: Activando los subtítulos en ingles y configurando la traducción al español automáticamente el documental pasa a un subtitulado en español aceptable.



YT:  All That Jazz Don Kaart






Victor Feldman • Don't Blame Me


Sam Butera • The Saxy Sounds Of Sam Butera

Saxophonist Sam Butera is best known for the time he spent backing Louis Prima and Keely Smith. He started his career in New Orleans, but moved to Las Vegas in the early 50’s when Louis Prima called his brother desperately needing a band to back him at The Sahara’s Casbar Lounge. Leaving behind the Shim Sham club and New Orleans, he brought the rollicking New Orleans Rock n Roll sound to Las Vegas and stayed active in show biz throughout the ensuing decades. A dynamic and active septuagenarian, Butera continued to play regularly the clubs on the Vegas strip and occasional tour forays into the early millennium.
El saxofonista Sam Butera es más conocido por el tiempo que pasó acompañando a Louis Prima y Keely Smith. Comenzó su carrera en Nueva Orleans, pero se trasladó a Las Vegas a principios de los años 50, cuando Louis Prima llamó a su hermano desesperado buscando una banda que le acompañara en el Casbar Lounge de The Sahara. Dejando atrás el club Shim Sham y Nueva Orleans, llevó el alegre sonido del Rock n Roll de Nueva Orleans a Las Vegas y se mantuvo activo en el mundo del espectáculo durante las décadas siguientes. Butera, un septuagenario dinámico y activo, continuó tocando con regularidad en los clubes de la franja de Las Vegas y haciendo incursiones ocasionales en giras hasta principios del milenio.

Beegie Adair • As Time Goes By

Editorial Reviews
A jazz piano salute to silver screen classics from the golden age of cinema.
Born in Cave City, Kentucky, a small farming community of 1,400 residents, Beegie Adair (pronounced B-G) grew up avidly listening to music. At age four she started the 'two-finger-hunt-and-peck' system on the piano, but began actual lessons when she was five and continued studying piano through college at Western Kentucky University in Bowling Green where she received her Bachelor of Science Degree in Music Education. Arriving in Nashville during the heyday of Country music allowed her the opportunity to accompany such legendary performers as Chet Atkins, Johnny Cash, and Dolly Parton. Because Nashville was a hot bed of musical television tapings and live performances during that time, Adair also worked with such entertainers as Neil Diamond, Mama Cass Elliott, and Peggy Lee in her position as in-house pianist for The Johnny Cash Show for ABC-TV plus other television programs featuring Lucille Ball, Carol Burnette, and Dinah Shore. Adair serves as adjunct professor in jazz studies at Vanderbilt University's Blair School of Music and currently teaches singers repertoire at the Nashville Jazz Workshop. Beegie credits as her main influences Jimmy Jones, George Shearing, Teddy Wilson, Tommy Flanagan, Oscar Peterson, Bill Evans, and Russ Freeman (the pianist who played with Chet Baker in the Fifties).


Reseñas editorial
Un piano de jazz rinde homenaje a los clásicos de la pantalla de plata de la época dorada del cine.
Nacida en Cave City, Kentucky, una pequeña comunidad agrícola de 1,400 residentes, Beegie Adair (pronunciado B-G) creció con avidez escuchando música. A la edad de cuatro años comenzó el sistema de 'cazar y besar con dos dedos' en el piano, pero comenzó las lecciones reales cuando tenía cinco años y continuó estudiando piano en la universidad de Western Kentucky University en Bowling Green, donde recibió su licenciatura en ciencias. Licenciada en Educación Musical. Llegar a Nashville durante el apogeo de la música country le dio la oportunidad de acompañar a artistas tan legendarios como Chet Atkins, Johnny Cash y Dolly Parton. Debido a que Nashville fue una cama caliente de grabaciones de televisión y actuaciones musicales en vivo durante ese tiempo, Adair también trabajó con artistas como Neil Diamond, Mama Cass Elliott y Peggy Lee en su posición como pianista de The Johnny Cash Show para ABC. TV y otros programas de televisión con Lucille Ball, Carol Burnette y Dinah Shore. Adair es profesor adjunto de estudios de jazz en la Escuela de Música Blair de la Universidad de Vanderbilt y actualmente enseña repertorio para cantantes en el Nashville Jazz Workshop. Beegie acredita como sus principales influencias a Jimmy Jones, George Shearing, Teddy Wilson, Tommy Flanagan, Oscar Peterson, Bill Evans y Russ Freeman (el pianista que tocó con Chet Baker en los años cincuenta).

Freddie Hubbard • Back to Birdland


by Scott Yanow
This well-recorded outing (which has been reissued on CD by Drive Archive) was trumpeter Freddie Hubbard's first worthwhile studio recording (with the exception of Super Blue) since the mid-'70s. Essentially a bebop date, Hubbard is teamed with a sextet comprised of altoist Richie Cole, trombonist Ashley Alexander, pianist George Cables, bassist Andy Simpkins and drummer John Dentz; altoist Med Flory sits in on "Byrdlike." Hubbard shows on such standards as "Shaw Nuff," "Star Eyes" and "Lover Man" that he could still play straightahead jazz with the best of them, Alexander is featured on "Stella by Starlight" and Cole is also in excellent form.

by Scott Yanow
One of the great jazz trumpeters of all time, Freddie Hubbard formed his sound out of the Clifford Brown/Lee Morgan tradition, and by the early '70s was immediately distinctive and the pacesetter in jazz. However, a string of blatantly commercial albums later in the decade damaged his reputation and, just when Hubbard, in the early '90s (with the deaths of Dizzy Gillespie and Miles Davis), seemed perfectly suited for the role of veteran master, his chops started causing him serious troubles.

Born and raised in Indianapolis, Hubbard played early on with Wes and Monk Montgomery. He moved to New York in 1958, roomed with Eric Dolphy (with whom he recorded in 1960), and was in the groups of Philly Joe Jones (1958-1959), Sonny Rollins, Slide Hampton, and J.J. Johnson, before touring Europe with Quincy Jones (1960-1961). He recorded with John Coltrane, participated in Ornette Coleman's Free Jazz (1960), was on Oliver Nelson's classic Blues and the Abstract Truth album (highlighted by "Stolen Moments"), and started recording as a leader for Blue Note that same year. Hubbard gained fame playing with Art Blakey's Jazz Messengers (1961-1964) next to Wayne Shorter and Curtis Fuller. He recorded Ascension with Coltrane (1965), Out to Lunch (1964) with Eric Dolphy, and Maiden Voyage with Herbie Hancock, and, after a period with Max Roach (1965-1966), he led his own quintet, which at the time usually featured altoist James Spaulding. A blazing trumpeter with a beautiful tone on flügelhorn, Hubbard fared well in freer settings but was always essentially a hard bop stylist.

In 1970, Freddie Hubbard recorded two of his finest albums (Red Clay and Straight Life) for CTI. The follow-up, First Light (1971), was actually his most popular date, featuring Don Sebesky arrangements. But after the glory of the CTI years (during which producer Creed Taylor did an expert job of balancing the artistic with the accessible), Hubbard made the mistake of signing with Columbia and recording one dud after another; Windjammer (1976) and Splash (a slightly later effort for Fantasy) are low points. However, in 1977, he toured with Herbie Hancock's acoustic V.S.O.P. Quintet and, in the 1980s, on recordings for Pablo, Blue Note, and Atlantic, he showed that he could reach his former heights (even if much of the jazz world had given up on him). But by the late '80s, Hubbard's "personal problems" and increasing unreliability (not showing up for gigs) started to really hurt him, and a few years later his once mighty technique started to seriously falter. In late 2008, Hubbard suffered a heart attack that left him hospitalized until his death at age 70 on December 29 of that year.Freddie Hubbard's fans can still certainly enjoy his many recordings for Blue Note, Impulse, Atlantic, CTI, Pablo, and his first Music Masters sets.


por Scott Yanow
Esta salida bien grabada (que ha sido reeditada en CD por Drive Archive) fue la primera grabación de estudio que merece la pena del trompetista Freddie Hubbard (con la excepción de Super Blue) desde mediados de los años 70. Esencialmente una fecha de bebop, Hubbard se une a un sexteto compuesto por el contralto Richie Cole, el trombonista Ashley Alexander, el pianista George Cables, el bajista Andy Simpkins y el baterista John Dentz; el contralto Med Flory se sienta en "Byrdlike". Hubbard demuestra en estándares como "Shaw Nuff", "Star Eyes" y "Lover Man" que todavía puede tocar jazz directo con los mejores, Alexander aparece en "Stella by Starlight" y Cole también está en excelente forma.

por Scott Yanow
Uno de los grandes trompetistas de jazz de todos los tiempos, Freddie Hubbard formó su sonido a partir de la tradición de Clifford Brown/Lee Morgan, y a principios de los años 70 era inmediatamente distintivo y el líder del jazz. Sin embargo, una serie de álbumes descaradamente comerciales a finales de la década dañaron su reputación y, justo cuando Hubbard, a principios de los 90 (con la muerte de Dizzy Gillespie y Miles Davis), parecía perfectamente apto para el papel de maestro veterano, sus chuletas empezaron a causarle serios problemas.

Nacido y criado en Indianápolis, Hubbard tocó en sus inicios con Wes y Monk Montgomery. Se trasladó a Nueva York en 1958, compartió habitación con Eric Dolphy (con quien grabó en 1960), y estuvo en los grupos de Philly Joe Jones (1958-1959), Sonny Rollins, Slide Hampton y J.J. Johnson, antes de hacer una gira por Europa con Quincy Jones (1960-1961). Grabó con John Coltrane, participó en el Free Jazz de Ornette Coleman (1960), estuvo en el clásico álbum Blues and the Abstract Truth de Oliver Nelson (en el que destaca "Stolen Moments") y empezó a grabar como líder para Blue Note ese mismo año. Hubbard ganó fama tocando con los Jazz Messengers de Art Blakey (1961-1964) junto a Wayne Shorter y Curtis Fuller. Grabó Ascension con Coltrane (1965), Out to Lunch (1964) con Eric Dolphy, y Maiden Voyage con Herbie Hancock, y, tras un periodo con Max Roach (1965-1966), dirigió su propio quinteto, que en aquella época solía contar con el contralto James Spaulding. Hubbard, un trompetista ardiente con un hermoso tono en el flügelhorn, se desenvolvió bien en entornos más libres, pero siempre fue esencialmente un estilista del hard bop.

En 1970, Freddie Hubbard grabó dos de sus mejores álbumes (Red Clay y Straight Life) para CTI. La continuación, First Light (1971), fue en realidad su fecha más popular, con arreglos de Don Sebesky. Pero después de la gloria de los años de CTI (durante los cuales el productor Creed Taylor hizo un trabajo experto para equilibrar lo artístico con lo accesible), Hubbard cometió el error de firmar con Columbia y grabar un fracaso tras otro; Windjammer (1976) y Splash (un esfuerzo ligeramente posterior para Fantasy) son puntos bajos. Sin embargo, en 1977, realizó una gira con el quinteto acústico V.S.O.P. de Herbie Hancock y, en la década de 1980, en grabaciones para Pablo, Blue Note y Atlantic, demostró que podía alcanzar sus antiguas cotas (aunque gran parte del mundo del jazz se había rendido ante él). Pero a finales de los 80, los "problemas personales" de Hubbard y su creciente falta de fiabilidad (no presentarse a los conciertos) empezaron a perjudicarle de verdad, y unos años más tarde su otrora poderosa técnica empezó a flaquear seriamente. A finales de 2008, Hubbard sufrió un ataque al corazón que lo dejó hospitalizado hasta su muerte, a los 70 años, el 29 de diciembre de ese año.Los fans de Freddie Hubbard pueden seguir disfrutando, sin duda, de sus numerosas grabaciones para Blue Note, Impulse, Atlantic, CTI, Pablo y sus primeros sets de Music Masters.

King Curtis • Instant Soul - The Legendary King Curtis

Review by Cub Koda
A nice overview of Curtis' solo career, Instant Soul: The Legendary King Curtis begins with the breakthrough success of "Soul Twist" and "Soul Serenade," then moves through his later recordings for Atlantic. It's interesting to hear Curtis in both the Memphis and Muscle Shoals settings and how he adapts his horn to different grooves along the way. A solid collection of this artist's best.


Revisión por Cub Koda
Una buena descripción de la carrera en solitario de Curtis, Instant Soul: The Legendary King Curtis comienza con el gran éxito de "Soul Twist" y "Soul Serenade", luego se mueve a través de sus últimas grabaciones para Atlantic. Es interesante escuchar a Curtis tanto en la configuración de Memphis como en Muscle Shoals y cómo adapta su cuerno a diferentes ritmos a lo largo del camino. Una sólida colección de lo mejor de este artista.

Joe Turner • Pee Wee Crayton And Sonny Stitt ‎– Everyday I Have The Blues

Review by Scott Yanow
This CD reissues one of Big Joe Turner's better Pablo releases. In 1975 Turner's voice was still strong and he had a compatible four-piece group that featured veteran guitarist Pee Wee Crayton. With guest Sonny Stitt contributing typically boppish solos on tenor and alto, Turner sings mostly familiar material (including "Stormy Monday," "Piney Brown" and "Shake, Rattle and Roll") plus his recent "Martin Luther King Southside." Recommended.


Revisión por Scott Yanow
Este CD reedita uno de los mejores lanzamientos de Pablo de Big Joe Turner. En 1975, la voz de Turner aún era fuerte y tenía un grupo de cuatro piezas compatible que incluía al veterano guitarrista Pee Wee Crayton. Con el invitado Sonny Stitt contribuyendo solos típicamente boppish en tenor y alto, Turner canta sobre todo material familiar (incluyendo "Stormy Monday", "Piney Brown" y "Shake, Rattle and Roll") además de su reciente "Martin Luther King Southside". Recomendado.


Chet Atkins • The Most Popular Guitar

Review by William Ruhlmann
Chet Atkins hit the jackpot with his 12th 12" LP release, Chet Atkins' Workshop, which soared into the pop Top Ten, and RCA Victor Records hopefully released his 13th one with the title The Most Popular Guitar and adorned it with a cover picture of a comely girl in a negligee. The notion here seems to have been to present Atkins not so much as a guitar instrumentalist (though his guitar playing was, as usual, front and center) as the leader of a lush studio orchestra and chorus playing easy listening favorites in the manner of Percy Faith. The varied selections ranged from show tunes like the leadoff track, George and Ira Gershwin's "It Ain't Necessarily So" from Porgy and Bess, to recent pop hits like the Platters' "My Prayer" and swing era favorites such as "East of the Sun (West of the Moon)." But no matter the source, the treatment was in middle-of-the-road ballad form, with piano and harpsichord, muted horns, swirling strings, and wordless choruses augmenting Atkins' dreamy electric-guitar stylings. But perhaps Chet Atkins was not destined to become the next Ray Conniff. In any case, The Most Popular Guitar, despite spending ten weeks in the Billboard LP chart, did not match the sales of Chet Atkins' Workshop, and the guitarist was free to go his own way, making whatever style of record he wanted in the future.


Revisión por William Ruhlmann
Chet Atkins alcanzó el premio mayor con su 12º lanzamiento de 12 "LP, Chet Atkins 'Workshop, que se disparó en el Top Ten pop, y RCA Victor Records lanzó su 13º con el título The Most Popular Guitar y lo adornó con una portada de una nena agradable en una negligencia. La noción aquí parece haber sido presentar a Atkins no tanto como un instrumentista de guitarra (aunque su forma de tocar la guitarra era, como siempre, el centro y el centro) como el líder de una orquesta de estudio exuberante y un coro fácil de tocar. escuchando favoritos a la manera de Percy Faith. Las variadas selecciones iban desde temas como la pista de salida, "It Ain't Necessarily So" de George e Ira Gershwin, desde Porgy and Bess, hasta éxitos pop recientes como "My Prayer" de los Platters y los favoritos de la era del swing como "East of the Sun (West of the Moon)". Pero independientemente de la fuente, el tratamiento fue en forma de balada a mitad de camino, con piano y clave, cuernos apagados, cuerdas giratorias, y coros sin palabras que aumentan la energía de ensueño de Atkins Estilos de guitarra eléctrica. Pero quizás Chet Atkins no estaba destinado a convertirse en el próximo Ray Conniff. En cualquier caso, la guitarra más popular, a pesar de pasar diez semanas en la lista de Billboard LP, no coincidió con las ventas de Chet Atkins 'Workshop, y el guitarrista era libre de seguir su propio camino, creando el estilo de grabación que deseaba en el futuro.

The Jet Black's • Remember Shadows & The Ventures

Artist Biography by Alvaro Neder
Formed in 1961, the Jet Black's was one of the first Brazilian instrumental rock groups. Like the other groups of the same period (the Jordans, the Fellows, and the Avalons, among others), the Jet Black's were influenced by the English group the Shadows, and by the American the Ventures. After backing up famous interpreters, they were allowed to record their own albums. The Jet Black's were Chantecler's first group in this line to have success, which made it possible for the recording company to compete with Copacabana, which had the Jordans. Their first single ("Apache"/"Kon-Tiki") scored a hit, and was followed by Hully-Gully (1962), Twist/The Jet Black's Again (1963), and Top Top Top, the latter heavily influenced by the Beatles. They also backed up singers like Galli Jr./ Prini Lorez (founder of the Rebels) on "What'd I Say" (Ray Charles), Ronnie Cord on "Rua Augusta" (1964), Deny & Dino and Roberto Carlos (1966), Sérgio Reis, Celly Campelo, and others, sharing with the Clevers the preference of the artists of São Paulo. In 1965, the group performed at the official opening of the Jovem Guarda TV show, with Roberto Carlos, Erasmo Carlos, Wanderléa, and others; it was the same year in which they recorded vocals for the first time, on The Jet Black's. In 1966, the Jet Black's had another hit with the double single Zorba, O Grego, which also had their biggest hit, the old youth anthem "Theme for Young Lovers" (recorded by the Shadows) and departed for tours in Paraguay and Japan. In 1967, the guitarist Gato left the group and the Jet Black's became exclusively a house band (for Continental), recording occasional albums with their hits until the '90s. Still active, the group re-recorded "Apache" for the box set 30 Anos da Jovem Guarda.

from Wikipedia:
The Jet Black's was an instrumental rock band from São Paulo, Brazil. The band was formed in 1961 (as "The Vampires") by Jurandi (drums), Orestes (rhythm guitar), Ernestico (saxophone), and José Paulo (bass), and Cat/Gato (guitar-solo and organ) joined the following year. Their first single was "Apache"/"Kon-Tiki", followed by "Hully-Gully" (1962), and "Twist/The Jet Black's Again" (1963).
Cat (Gato) left the group in 1967, and the other members became purely a house band for Continental Records.


Biografía del artista por Alvaro Neder
Formado en 1961, el Jet Black fue uno de los primeros grupos de rock instrumental brasileño. Al igual que los otros grupos del mismo período (los Jordans, los Fellows y los Avalons, entre otros), los Jet Black's fueron influenciados por el grupo inglés Shadows y por American The Ventures. Después de respaldar a intérpretes famosos, se les permitió grabar sus propios álbumes. Los Jet Black fueron el primer grupo de Chantecler en esta línea que tuvo éxito, lo que hizo posible que la compañía de grabación compitiera con Copacabana, que tenía a los Jordan. Su primer sencillo ("Apache" / "Kon-Tiki") anotó un hit, y fue seguido por Hully-Gully (1962), Twist / The Jet Black's Again (1963), y Top Top Top, este último fuertemente influenciado por el Beatles También respaldaron a cantantes como Galli Jr./ Prini Lorez (fundador de los Rebeldes) en "What'd I Say" (Ray Charles), Ronnie Cord en "Rua Augusta" (1964), Deny & Dino y Roberto Carlos (1966). ), Sérgio Reis, Celly Campelo y otros, compartiendo con los Clevers la preferencia de los artistas de São Paulo. En 1965, el grupo actuó en la inauguración oficial del programa de televisión Jovem Guarda, con Roberto Carlos, Erasmo Carlos, Wanderléa y otros; Fue el mismo año en que grabaron voces por primera vez, en The Jet Black's. En 1966, los Jet Black tuvieron otro éxito con el doble sencillo Zorba, O Grego, que también tuvo su mayor éxito, el viejo himno juvenil "Theme for Young Lovers" (grabado por Shadows) y partió para giras en Paraguay y Japón. En 1967, el guitarrista Gato abandonó el grupo y los Jet Black se convirtieron exclusivamente en una banda house (para Continental), grabando discos ocasionales con sus éxitos hasta los años 90. Aún activo, el grupo volvió a grabar "Apache" para el conjunto de cuadros 30 Anos da Jovem Guarda.

de Wikipedia:
The Jet Black's era una banda de rock instrumental de São Paulo, Brasil. La banda se formó en 1961 (como "The Vampires") por Jurandi (batería), Orestes (guitarra rítmica), Ernestico (saxofón), y José Paulo (bajo) y Cat / Gato (guitarra-solo y órgano) se unieron a la año siguiente. Su primer sencillo fue "Apache" / "Kon-Tiki", seguido de "Hully-Gully" (1962) y "Twist / The Jet Black's Again" (1963).
Cat (Gato) dejó el grupo en 1967, y los otros miembros se convirtieron puramente en una banda de house para Continental Records.

Tuesday, March 29, 2022

Art Blakey & The Jazz Messengers • At The Jazz Corner Of The World Vol. 1-2


by Michael G. Nastos  
Art Blakey's Jazz Messengers of 1959 were hitting their full stride, as trumpeter Lee Morgan joined the fold with tenor saxophonist Hank Mobley, the reliable pianist Bobby Timmons and steady bassist Jymie Merritt. Recorded live at New York's City's Birdland aka the "Jazz Corner of the World," this double-CD set reissued of two Blue Note LPs represents four 20-minute sets of this incredible band at their best, and in their element. Mixing up standards and favored originals from peer group composers, the band is, in the vernacular of the era, cooking. Introductions by the legendary M.C. Pee Wee Marquette precede the ultra-cool blues shuffle "Hipsippy Blues," as Morgan and Mobley sing beautifully through their horns in delightful unison. "Chicken an' Dumplins" is one of the hip, cool, chatty, and clipped melodies that will be memorable and hummable 'til jazz do us part. The theme "Art's Revelation" in a minor key has Jewish elements and a solid swing base where Blakey constantly switches up rhythms, but not the tempo. The fast hard bop theme "M & M" defines the genre and the era, while "Just Coolin'" is depicted as a foxtrot, but in hot, hard swinging trim. Several standards include a great read of Randy Weston's "Hi-Fly" with a pristine intro and Mobley's wonderful harmonic interpretation. Thelonious Monk's "Justice" (better known in later years as "Evidence") fully exploits the written pedal point stop-start theme, while the languid "Close Your Eyes" has modal piano and horn inserts further enhancing this sweet tune. You also get a short and stouter version of "The Theme," the former with Marquette's announcing. When Mobley left and Wayne Shorter joined this ensemble, they hit their peak of performance, but this band was as definitive a modern jazz ensemble as there ever was, and the immaculately chosen repertoire elevates this to one of the greatest live jazz session ever, and belongs on the shelf of all serious jazz listeners.


por Michael G. Nastos  
Los Jazz Messengers de Art Blakey de 1959 estaban en pleno apogeo, cuando el trompetista Lee Morgan se unió al redil con el saxofonista tenor Hank Mobley, el fiable pianista Bobby Timmons y el estable bajista Jymie Merritt. Grabado en directo en el Birdland de Nueva York, también conocido como el "Rincón del Jazz del Mundo", este doble CD reeditado de dos LPs de Blue Note representa cuatro sets de 20 minutos de esta increíble banda en su mejor momento, y en su elemento. Mezclando estándares y originales favoritos de los compositores del grupo, la banda está, en la jerga de la época, cocinando. Las introducciones del legendario M.C. Pee Wee Marquette preceden al blues shuffle ultra fresco "Hipsippy Blues", mientras Morgan y Mobley cantan maravillosamente a través de sus cuernos en un delicioso unísono. "Chicken an' Dumplins" es una de las melodías hip, cool, parlanchinas y recortadas que serán memorables y tarareables hasta que el jazz nos separe. El tema "Art's Revelation" en clave menor tiene elementos judíos y una sólida base de swing donde Blakey cambia constantemente de ritmo, pero no de tempo. El rápido tema de hard bop "M & M" define el género y la época, mientras que "Just Coolin'" se representa como un foxtrot, pero en caliente, con una base de swing duro. Varios estándares incluyen una gran lectura de "Hi-Fly" de Randy Weston con una prístina introducción y la maravillosa interpretación armónica de Mobley. "Justice" de Thelonious Monk (más conocido en años posteriores como "Evidence") explota plenamente el tema de parada-arranque con punto de pedal escrito, mientras que la lánguida "Close Your Eyes" tiene inserciones modales de piano y trompa que mejoran aún más esta dulce melodía. También se obtiene una versión corta y más robusta de "The Theme", la primera con el anuncio de Marquette. Cuando Mobley se marchó y Wayne Shorter se unió a este conjunto, alcanzaron su punto álgido de rendimiento, pero esta banda fue un conjunto de jazz moderno tan definitivo como nunca lo fue, y el repertorio inmaculadamente elegido eleva esto a una de las mejores sesiones de jazz en vivo de la historia, y pertenece a la estantería de todos los oyentes de jazz serios.

Eric Alexander • In Europe

Review by Scott Yanow
For a change of pace, Eric Alexander recorded this set with an organ trio. The fact that it was cut in Europe is not too relevant, since the musicians are all Americans. With stimulating backing by organist Melvin Rhyne, guitarist Bobby Broom, and drummer Joe Farnsworth, Alexander plays five originals by bandmembers (including three of his own) and a trio of standards. However, the originals all swing and mostly sound as if they could have been veteran standards, too. With the underrated Rhyne keeping the rhythm grooving and lightly funky, Alexander often tears into the pieces, while playing the ballads with a great deal of warmth. Virtually all of Eric Alexander's recordings are easily recommended.


Revisión por Scott Yanow
Para un cambio de ritmo, Eric Alexander grabó este set con un trío de órganos. El hecho de que se haya cortado en Europa no es demasiado relevante, ya que los músicos son todos estadounidenses. Con el estimulante respaldo del organista Melvin Rhyne, el guitarrista Bobby Broom y el baterista Joe Farnsworth, Alexander interpreta cinco originales de miembros de la banda (incluidos tres de los suyos) y un trío de estándares. Sin embargo, los originales todos giran y en su mayoría suenan como si pudieran haber sido estándares veteranos también. Con el subestimado Rhyne manteniendo el ritmo acelerado y ligeramente funky, Alexander a menudo rompe en pedazos mientras toca las baladas con mucho calor. Prácticamente todas las grabaciones de Eric Alexander son fácilmente recomendables.

The Funkstamatics • Lift Off

Jump on board with Holland's hardest rockin' jazzed-up funk band and travel through ten banging tracks of Hammond grooves, spaced-out jazzfunk, garage-style stompers and the occasional hint of breezy disco/boogie.

Flying new start for Dutch funksters who had to change band name
The Funkstamatics are ready for Lift Off - are you?
Imagine playing almost a hundred gigs in 7 years, releasing several albums and vinyl singles. But then, just as BBC funk guru Craig Charles supports your tracks Koekwaus and the Spotify counter runs towards 40.000 plays, you receive an email from the US. As it turns out, an American company holds a trademark to 'your' band name: Euro Cinema. Even for a band that's renowned for the pleasure they exude on stage, that's anything but pleasant. After some emails back and forth and a few curses, the band chooses a new name, after their own second album: The Funkstamatics.
Next, they get to the studio to funk all the bad vibes away. And establish their credentials once more as the hardest rockin’ jazzed-up funk band in the Netherlands. As always, they plunder their elaborate vinyl collections for inspiration. From Meters-style raw Hammond grooves and James Brown breaks to spacey jazz-funk in a Herbie Hancock vein, lazy New Orleans rhythms, filthy funk rock guitars and even a hit of boogie/disco … it's all there on the album Lift Off. So what if the guitar play needs physical therapy on his arm after recording the hyperactive title track? Nothing can stop The Funkstamatics now - they're ready for Lift Off.
Raw sound
Besides the original quartet of Tim den Heijer (guitar), Niels Piay (drums), Dennis Orsel (bass) and Rob Schepens (Hammond & vintage keys), sax player Efraïm Trujillo (Ploctones, New Cool Collective) plays an important part on the album. Singer Sanne Monster (ex-Laura Vane & The Vipertones) also returns and on three tracks trumpet player Dirk Beets (Candy Dulfer) completes a JB’s style horn section. Three tracks were produced by Dutch funk mastermind Phil Martin (Laura Vane & The Vipertones, Soul Snatchers). The band produced the remainder of the album using vintage analogue gear in the Electric Monkey Studios in Amsterdam, favourite among the likes of Lefties Soul Connection for its raw and warm sound.
"One of the coolest funk combos we've heard in years" - Dusty Groove America"One heavy collection of Hammond led grooves" - Craig Charles, BBC Funk & Soul Show
"***** One of the heaviest slices of Hammond funk you’ll ever hear"


Súbete a bordo con la banda de funk de jazz rock más duro de Holland y recorre diez canciones de Hammond Grooves, jazzfunk espaciado, pompas de estilo de garaje y el ocasional toque de ventosa discoteca / boogie.

Un nuevo comienzo para los funksters holandeses que tuvieron que cambiar el nombre de la banda.
Los Funkstamatics están listos para el despegue, ¿verdad?

Imagínese tocando casi cien conciertos en 7 años, lanzando varios álbumes y singles de vinilo. Pero entonces, al igual que el gurú del funk de la BBC Craig Charles soporta tus pistas Koekwaus y el contador de Spotify se ejecuta hacia 40.000 reproducciones, recibes un correo electrónico de los EE. Como resultado, una compañía estadounidense posee una marca registrada con el nombre de su banda: Euro Cinema. Incluso para una banda que es famosa por el placer que exudan en el escenario, eso no es nada agradable. Después de algunos correos electrónicos de ida y vuelta y algunas maldiciones, la banda elige un nuevo nombre, después de su segundo álbum: The Funkstamatics.
A continuación, llegan al estudio para hacer desaparecer todas las malas vibras. Y establecer sus credenciales una vez más como la banda de funk de jazz de rock más duro de los Países Bajos. Como siempre, saquean sus elaboradas colecciones de vinilos en busca de inspiración. Desde los ritmos crudos de Hammond al estilo de Meters y James Brown hasta spacey jazz-funk en un estilo Herbie Hancock, los perezosos ritmos de Nueva Orleans, las sucias guitarras de funk rock e incluso un éxito de boogie / disco ... todo está en el álbum Lift Off. Entonces, ¿qué pasa si la guitarra necesita una terapia física en su brazo después de grabar la pista de título hiperactiva? Nada puede detener a The Funkstamatics ahora; están listos para el despegue.
Sonido crudo
Además del cuarteto original de Tim den Heijer (guitarra), Niels Piay (batería), Dennis Orsel (bajo) y Rob Schepens (Hammond y teclas vintage), el jugador de saxos Efraïm Trujillo (Ploctones, New Cool Collective) juega un papel importante en la álbum. La cantante Sanne Monster (ex-Laura Vane y The Vipertones) también regresa y en tres pistas el trompetista Dirk Beets (Candy Dulfer) completa la sección de bocina de estilo JB. Tres pistas fueron producidas por el maestro de funk holandés Phil Martin (Laura Vane & The Vipertones, Soul Snatchers). La banda produjo el resto del álbum con equipos analógicos vintage en Electric Monkey Studios en Ámsterdam, uno de los favoritos de Lefties Soul Connection por su sonido crudo y cálido.
"Uno de los mejores combos de funk que hemos escuchado en años" - Dusty Groove America "Una gran colección de grooves de Hammond" - Craig Charles, BBC Funk & Soul Show
"***** Una de las rebanadas más pesadas de Hammond Funk que jamás hayas escuchado"