Russell Garcia & His Orchestra • Carioca

 

Biography
by Jason Ankeny
West Coast jazz arranger and composer Russ Garcia was born April 12, 1916, in Oakland, CA. A product of San Francisco State University, he later studied composition under Mario Castelnuovo-Tedesco before mounting a professional career as an arranger, collaborating with bandleaders Horace Heidt and Al Donahue. After settling in Los Angeles, Garcia worked as a composer and conductor on the Ronald Reagan-hosted radio show This Is America. After the program ended, he tenured for two years as a staff arranger with NBC Radio, followed by a stint teaching at Hollywood's Westlake School of Music, where his students included jazzmen Bill Holman, Bob Graettinger, and Gene Puerling. (Garcia later transformed his curriculum into a book, The Professional Arranger.) With 1946's My Dog Shep, Garcia began composing and arranging for feature films. Henry Mancini later tapped him to work on The Glenn Miller Story, resulting in a 15-year tenure at Universal Pictures alongside Pete Rugolo and Benny Carter. In later years Garcia also toiled for Warner Bros. and Disney, working on projects including George Pal's sci-fi classic The Time Machine as well as television series like Rawhide and The Virginian; he also freelanced behind vocalists Anita O'Day and Frances Faye, and by the mid-'50s was also a regular on West Coast jazz dates, eventually forming his own combo, the Wigville Band, featuring Charlie Mariano, Jimmy Giuffre, and brothers Pete and Conte Candoli. In 1957 Garcia also served as arranger and musical director on Louis Armstrong and Ella Fitzgerald's classic Porgy and Bess sessions. However, his most memorable work falls outside the jazz sphere altogether: while the AAMCO release Sounds in the Night remains one of the most beautiful and mysterious vocal ensemble recordings ever released, 1959's Fantastica is Garcia's masterpiece, a quintessential space age pop LP that brilliantly imagines the music of other planets and realms. After arranging for Stan Kenton's Neophonic Orchestra, in 1966 Garcia turned his back on his career, selling his home and possessions and with wife Gina setting sail for the Pacific Ocean, determined to bring the message of the Baha'i faith to the remote islands of the Pacific Rim. The Garcias ultimately settled in New Zealand, and he returned to music infrequently in the years to follow.
https://www.allmusic.com/artist/russell-garcia-mn0000808436/biography

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Biografía
por Jason Ankeny
El arreglista y compositor de jazz de la costa oeste Russ Garcia nació el 12 de abril de 1916 en Oakland, California. Estudió composición en la Universidad Estatal de San Francisco con Mario Castelnuovo-Tedesco antes de iniciar una carrera profesional como arreglista, colaborando con los directores de orquesta Horace Heidt y Al Donahue. Tras establecerse en Los Ángeles, García trabajó como compositor y director de orquesta en el programa de radio This Is America, presentado por Ronald Reagan. Una vez finalizado el programa, trabajó durante dos años como arreglista en la NBC Radio, a lo que siguió una temporada como profesor en la Westlake School of Music de Hollywood, donde tuvo como alumnos a los jazzistas Bill Holman, Bob Graettinger y Gene Puerling. (García transformó más tarde su plan de estudios en un libro, The Professional Arranger). Con My Dog Shep (1946), García empezó a componer y arreglar para largometrajes. Henry Mancini le contrató más tarde para trabajar en The Glenn Miller Story, lo que le llevó a trabajar durante 15 años en Universal Pictures junto a Pete Rugolo y Benny Carter. En años posteriores, García también trabajó para Warner Bros. y Disney, en proyectos como el clásico de ciencia ficción de George Pal La máquina del tiempo, así como en series de televisión como Rawhide y The Virginian; también trabajó como freelance detrás de las vocalistas Anita O'Day y Frances Faye, y a mediados de los 50 también era un habitual en las citas de jazz de la costa oeste, formando finalmente su propio combo, la Wigville Band, con Charlie Mariano, Jimmy Giuffre y los hermanos Pete y Conte Candoli. En 1957, García también trabajó como arreglista y director musical en las sesiones clásicas de Porgy and Bess de Louis Armstrong y Ella Fitzgerald. Sin embargo, su trabajo más memorable se sitúa totalmente fuera de la esfera del jazz: mientras que el lanzamiento de AAMCO Sounds in the Night sigue siendo una de las grabaciones de conjuntos vocales más bellas y misteriosas jamás publicadas, Fantastica de 1959 es la obra maestra de Garcia, un LP pop de la era espacial por excelencia que imagina brillantemente la música de otros planetas y reinos. Tras hacer arreglos para la Neophonic Orchestra de Stan Kenton, en 1966 García dio la espalda a su carrera, vendió su casa y sus posesiones y, junto con su esposa Gina, se embarcó rumbo al Océano Pacífico, decidido a llevar el mensaje de la fe bahaí a las remotas islas de la costa del Pacífico. Los García acabaron estableciéndose en Nueva Zelanda, y él volvió a la música con poca frecuencia en los años siguientes.
https://www.allmusic.com/artist/russell-garcia-mn0000808436/biography

Russ Garcia • Four Horns And A Lush Life

 

Review
by Ken Dryden
Russ Garcia was a popular arranger in the mid-'50s, often working with some of the best jazz artists of the day. On this session for Bethlehem, he conducts an octet with four trombonists (including Maynard Ferguson, Frank Rosolino, Herbie Harper and Tommy Pederson), plus baritone saxophonist Dick Houlgate, pianist Marty Paich, bassist Red Mitchell and drummer Stan Levey. Most of Garcia's cool arrangements are of standards, while his "I'll Never Forget What's Her Name (The Lo-est)" is a barely disguised reworking of the chord changes to "Fine and Dandy." Obviously, the trombonists are the primary focus of the solos, though Paich, Houlgate and Mitchell get a chance to get in a few licks of their own. Garcia's use of a trombone choir is very effective in the warm treatment of "Lush Life" and a cooking "What Is This Thing Called Love."
https://www.allmusic.com/album/four-horns-and-a-lush-life-mw0000866746

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Reseña
por Ken Dryden
Russ Garcia fue un arreglista muy popular a mediados de los 50, trabajando a menudo con algunos de los mejores artistas de jazz de la época. En esta sesión para Bethlehem, dirige un octeto con cuatro trombonistas (entre ellos Maynard Ferguson, Frank Rosolino, Herbie Harper y Tommy Pederson), además del saxofonista barítono Dick Houlgate, el pianista Marty Paich, el bajista Red Mitchell y el batería Stan Levey. La mayoría de los geniales arreglos de García son de estándares, mientras que su "I'll Never Forget What's Her Name (The Lo-est)" es una reelaboración apenas disimulada de los cambios de acordes de "Fine and Dandy". Obviamente, los trombonistas son el foco principal de los solos, aunque Paich, Houlgate y Mitchell tienen la oportunidad de hacer algunos licks por su cuenta. El uso que hace García de un coro de trombones es muy efectivo en el cálido tratamiento de "Lush Life" y en un cocinado "What Is This Thing Called Love".
https://www.allmusic.com/album/four-horns-and-a-lush-life-mw0000866746

Ray Brown ‎• Jazz Cello

On the last day of August and the first day of September 1960, bassist Ray Brown recorded his third album for the Verve label, focusing most of his attention upon the cello while Joe Mondragon handled the bass. The 11-piece band on this date was conducted by arranger Russ Garcia and included reed players Paul Horn and Bob Cooper as well as pianist Jimmy Rowles. The results were typical of late-'50s West Coast mainstream jazz: familiar ballads and friendly, uplifting standards, tidily performed. Some of the tunes reach back to the 1920s, with "Rock-A-Bye Your Baby with a Dixie Melody" serving as a surprisingly hip link with vaudeville as Brown's pizzicato maneuverings are punctuated with punchy blasts from reeds and brass. If one takes the time to place this recording within an historical context, an impressive evolution reveals itself. The first bassist to cross over to cello on records in modern times is believed to have been Oscar Pettiford, while Fred Katz popularized the warm-toned instrument through his work with drummer Chico Hamilton. The progression of jazz cellists since then is impressive, from Ray Brown, Sam Jones, Percy Heath and Ron Carter to Abdul Wadud, David Holland, David Darling, David Eyges and Diedre Murray. By the first decade of the 21st century, an unprecedented number of improvising cellists had appeared, making Ray Brown's 1960 Jazz Cello album seem like a sunny little episode in the foundation of a fascinating modern tradition spanning several generations.

 

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El último día de agosto y el primero de septiembre de 1960, el bajista Ray Brown grabó su tercer álbum para el sello Verve, centrando la mayor parte de su atención en el violonchelo mientras que Joe Mondragón se ocupaba del bajo. La banda de 11 músicos en esta fecha estaba dirigida por el arreglista Russ García e incluía a los músicos de lengüeta Paul Horn y Bob Cooper, así como al pianista Jimmy Rowles. Los resultados fueron típicos del jazz de la costa oeste de finales de los años 50: baladas familiares y estándares amistosos y edificantes, interpretados con orden. Algunas de las canciones se remontan a los años 20, con "Rock-A-Bye Your Baby with a Dixie Melody" sirviendo como un vínculo sorprendentemente moderno con el vodevil, ya que las maniobras de pizzicato de Brown están salpicadas de potentes explosiones de cañas y metales. Si uno se toma el tiempo de colocar esta grabación en un contexto histórico, se revela una evolución impresionante. Se cree que el primer bajista que pasó al violonchelo en los discos de los tiempos modernos fue Oscar Pettiford, mientras que Fred Katz popularizó el instrumento de tono cálido a través de su trabajo con el baterista Chico Hamilton. La progresión de los violonchelistas de jazz desde entonces es impresionante, desde Ray Brown, Sam Jones, Percy Heath y Ron Carter hasta Abdul Wadud, David Holland, David Darling, David Eyges y Diedre Murray. Para la primera década del siglo XXI, había aparecido un número sin precedentes de violonchelistas improvisadores, haciendo que el álbum Jazz Cello de 1960 de Ray Brown pareciera un pequeño y soleado episodio en la fundación de una fascinante tradición moderna que abarca varias generaciones.

 

 

Julie London • About The Blues

 

This release presents the complete original thematic album, "About the Blues" (Liberty LRP 3043), on which Julie London devotes her sensuous voice to a variety of blues and blues-inspired tunes. It was conducted and arranged by the well-known Russell Garcia. To round out this edition, we have also added four extra songs from the latter album’s sessions that were originally issued as singles.

According to All Music Guide reviewer Nick Dedina, “Julie London wasn’t really a jazz singer, but she possessed a definite jazz feeling and many of her finest albums (such as Julie Is Her Name and Julie...At Home) feature small-group jazz backings. "About the Blues" was aimed at the 1950s pop market, but it may just be her best orchestral session. Since downbeat torch songs were London’s specialty, the album features an excellent selection of nocturnal but classy blues songs that play to her subtle strengths instead of against them. Likewise, Russ Garcia’s clever arrangements bleed jazz touches and short solos over the solitary strings and big-band charts.

Like June Christy, London usually included a couple of new songs in with a selection of standards, and her husband, Bobby Troup, wrote two excellent numbers for the album. One of them, the emotionally devastating ‘Meaning of the Blues’, is the album’s highlight, and was turned into a jazz standard after Miles Davis recorded it the same year for Miles Ahead.”
https://www.jazzmessengers.com/en/73997/julie-london/about-the-blues

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Este lanzamiento presenta el álbum temático original completo, "About the Blues" (Liberty LRP 3043), en el que Julie London dedica su sensual voz a una variedad de melodías inspiradas en el blues. Fue dirigido y arreglado por el conocido Russell García. Para completar esta edición, también hemos añadido cuatro canciones extra de las sesiones de este último álbum que fueron publicadas originalmente como singles.

Según el crítico de All Music Guide, Nick Dedina, "Julie London no era realmente una cantante de jazz, pero poseía un sentimiento definitivamente jazzístico y muchos de sus mejores álbumes (como Julie Is Her Name y Julie...At Home) cuentan con el respaldo de pequeños grupos de jazz". "About the Blues" estaba dirigido al mercado pop de los años 50, pero puede que sea su mejor sesión orquestal. Dado que las canciones de fondo eran la especialidad de London, el álbum presenta una excelente selección de canciones de blues nocturnas pero con clase que juegan a favor de sus sutiles puntos fuertes en lugar de en contra. Asimismo, los ingeniosos arreglos de Russ García aportan toques de jazz y breves solos sobre las cuerdas solitarias y los gráficos de la big band.

Al igual que June Christy, London suele incluir un par de canciones nuevas con una selección de estándares, y su marido, Bobby Troup, escribió dos excelentes números para el álbum. Uno de ellos, el emocionalmente devastador 'Meaning of the Blues', es el punto culminante del álbum, y se convirtió en un estándar de jazz después de que Miles Davis lo grabara ese mismo año para Miles Ahead".
https://www.jazzmessengers.com/en/73997/julie-london/about-the-blues

Buddy DeFranco & Oscar Peterson • Play George Gershwin