Thad Jones & The Prestige All Stars • Olio-After Hours

 

 

Thad Jones & The Prestige All Stars • Olio / After Hours 

 

J.R. Monterose • T.T.T

 

Biography
by Scott Yanow

J.R. Monterose (not to be confused with fellow tenor Jack Montrose) is most famous for a gig that he personally did not enjoy, playing with Charles Mingus in 1956 and recording on Mingus' breakthrough album Pithecanthropus Erectus. He grew up in Utica, NY, played in territory bands in the Midwest, and then moved to New York City in the early '50s. Monterose played with Buddy Rich (1952) and Claude Thornhill and recorded with (among others) Teddy Charles, Jon Eardley, and Eddie Bert. After leaving Mingus (whom he did not get along with), Monterose played with Kenny Dorham's Jazz Prophets and recorded a strong set for Blue Note as a leader. Although he performed into the 1980s (doubling on soprano in later years), Monterose never really became famous. In addition to his Blue Note date, he led sets for Jaro (a 1959 session later reissued by Xanadu), Studio 4 (which was reissued by V.S.O.P.), a very obscure 1969 outing for the Dutch label Heavy Soul Music (1969), and, during 1979-1981, albums for Progressive, Cadence, and two for Uptown.

https://www.allmusic.com/artist/jr-monterose-mn0000117136/biography

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Biografía
por Scott Yanow

J.R. Monterose (no hay que confundirlo con el tenor Jack Montrose) es más famoso por una actuación que no disfrutó personalmente, tocar con Charles Mingus en 1956 y grabar en el álbum pionero de Mingus, Pithecanthropus Erectus. Creció en Utica (Nueva York), tocó en bandas territoriales en el Medio Oeste y luego se trasladó a Nueva York a principios de los años 50. Monterose tocó con Buddy Rich (1952) y Claude Thornhill y grabó con (entre otros) Teddy Charles, Jon Eardley y Eddie Bert. Después de dejar a Mingus (con quien no se llevaba bien), Monterose tocó con los Jazz Prophets de Kenny Dorham y grabó un sólido conjunto para Blue Note como líder. Aunque actuó hasta la década de 1980 (doblando como soprano en años posteriores), Monterose nunca llegó a ser realmente famoso. Además de su fecha en Blue Note, dirigió conjuntos para Jaro (una sesión de 1959 que luego fue reeditada por Xanadu), Studio 4 (que fue reeditado por V.S.O.P.), una salida muy oscura de 1969 para el sello holandés Heavy Soul Music (1969), y, durante 1979-1981, álbumes para Progressive, Cadence, y dos para Uptown.

https://www.allmusic.com/artist/jr-monterose-mn0000117136/biography

J.R. Monterose-Hugh Brodie • Bebop Loose & Live

 

Review by Scott Yanow
Tenor saxophonist J.R. Monterose final recording has some strong moments. He performs a very long (over 18½-minute) version of "Blue Bossa" with pianist Larry Ham, bassist Pat O'Leary, drummer Tom Melito and high-powered fellow tenor Hugh Brodie. While Brodie has his own "Kiamesha" as a feature, Monterose is the only horn on lengthy renditions of "Green Dolphin Street" and "What's New."  In better shape than he had been for his Uptown set of 1979, J.R. sounds fairly distinctive and pushes himself. Unfortunately, he never did emerge from obscurity.
https://www.allmusic.com/album/bebop-loose-live-mw0000915137


Biography by Scott Yanow
J.R. Monterose (not to be confused with fellow tenor Jack Montrose) is most famous for a gig that he personally did not enjoy, playing with Charles Mingus in 1956 and recording on Mingus' breakthrough album Pithecanthropus Erectus. He grew up in Utica, NY, played in territory bands in the Midwest, and then moved to New York City in the early '50s. Monterose played with Buddy Rich (1952) and Claude Thornhill and recorded with (among others) Teddy Charles, Jon Eardley, and Eddie Bert. After leaving Mingus (whom he did not get along with), Monterose played with Kenny Dorham's Jazz Prophets and recorded a strong set for Blue Note as a leader. Although he performed into the 1980s (doubling on soprano in later years), Monterose never really became famous. In addition to his Blue Note date, he led sets for Jaro (a 1959 session later reissued by Xanadu), Studio 4 (which was reissued by V.S.O.P.), a very obscure 1969 outing for the Dutch label Heavy Soul Music (1969), and, during 1979-1981, albums for Progressive, Cadence, and two for Uptown.
https://www.allmusic.com/artist/jr-monterose-mn0000117136#biography

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Reseña de Scott Yanow
La grabación final del saxofonista tenor J. R. Monterose tiene algunos momentos fuertes. Interpreta una versión muy larga (más de 18½ minutos) de "Blue Bossa" con el pianista Larry Ham, el bajista Pat O'Leary, el baterista Tom Melito y el tenor Hugh Brodie. Si bien Brodie tiene su propia "Kiamesha" como característica, Monterose es la única bocina en las largas interpretaciones de "Green Dolphin Street" y " What's New."En mejor forma de lo que había estado para su set Uptown de 1979, J. R. suena bastante distintivo y se esfuerza. Desafortunadamente, él nunca emergió de la oscuridad.
https://www.allmusic.com/album/bebop-loose-live-mw0000915137


Biografía de Scott Yanow
J. R. Monterose (que no debe confundirse con su compatriota tenor Jack Montrose) es más famoso por un concierto que personalmente no disfrutó, tocando con Charles Mingus en 1956 y grabando en el álbum revelación de Mingus, Pithecanthropus Erectus. Creció en Utica, Nueva York, tocó en bandas territoriales en el Medio Oeste y luego se mudó a la ciudad de Nueva York a principios de los años 50. Monterose tocó con Buddy Rich (1952) y Claude Thornhill y grabó con (entre otros) Teddy Charles, Jon Eardley y Eddie Bert. Después de dejar a Mingus (con quien no se llevaba bien), Monterose tocó con Jazz Prophets de Kenny Dorham y grabó un set fuerte para Blue Note como líder. Aunque actuó hasta la década de 1980 (doblando a soprano en años posteriores), Monterose nunca se hizo realmente famoso. Además de su fecha Blue Note, dirigió sets para Jaro (una sesión de 1959 reeditada más tarde por Xanadu), Studio 4( que fue reeditada por V. S. O. P.), una salida muy oscura de 1969 para el sello holandés Heavy Soul Music (1969) y, durante 1979-1981, álbumes para Progressive, Cadence y dos para Uptown.
https://www.allmusic.com/artist/jr-monterose-mn0000117136#biography

Önder Focan Group • Swing A La Turc

 

 

Önder Focan started music by playing mandolin at the age of 8. He switched to guitar at 15 and concentrated on jazz in 1975. Being mainly self- taught, he has become a jazz musician most sought after as a guitarist, player, composer arranger and lyrics writer. In 1986,  he got married to Zuhal Focan withn whom founded Nardis Jazz Club in 2002.

Focan improved his skills in music and teaching by attending seminars by IAJE (International Association for Jazz Musicians). From 1996 to 1999, he conducted Jazz Ensemble courses at the Istanbul Academy. In 1997, he performed in the Guitar Night that was organized by MIDEM (Marché International du Disque et de l’Edition Musicale) with 11 international guitarists representing Istanbul Culture and Arts Fund (IKSV).

Between the years of 2001 and 2005, he taught harmony classes at Mujdat Gezen Art Centre where he was elected as the best artist in Western Music in 2000. At Yildiz Technical University, he lectured “Jazz Styles in Analysis” in 2003-2004 and also “Jazz Guitar” in 2006-2007.

Since 2002, he has been the art director of Nardis Jazz Club, where he organizes concerts for more than 315 musicians and accompanies them on stage every year. Some of these musicians are Benny Golson, Kurt Elling, Dianne Reeves, Al Foster, Dee Dee Bridgewater, Roy Haynes, Tierney Sutton, Kenny Drew Jr, Roseanne Vitro, Christian Mc Bride, Roy Hargrove, Ron Carter and majority of top local musicians.

Always valuing and recognizing social responsibility projects, Focan has directed and the coordinated IPMN (Istanbul – Pori Music Networking). This project supported jazz education, enabling young musicians to have experience on stage in both cities, Istanbul and Pori.

He has released 13 CD’s. In 1998, featuring the great drummer Bill Stewart and Hammond B3 player Sam Yahel, his album

“Beneath The Stars” honored him as the first Turkish Jazz musician to have released an album on Blue Note label.
He has participated in 94 Festivals, while 43 have taken place in various cities in Turkey, the other 51 have been in other countries such as the USA (Los Angeles), France, Germany, China, Malta, Italy, Brazil, Senegal, Indiana, Finland, Australia, Jordan, Hungary, Switzerland, Croatia and Estonia.
http://focanjazz.com/bio/

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Önder Focan se inició en la música tocando la mandolina a los 8 años, se pasó a la guitarra a los 15 y se concentró en el jazz en 1975. Siendo principalmente autodidacta, se ha convertido en un músico de jazz muy solicitado como guitarrista, intérprete, compositor, arreglista y escritor de letras. En 1986 se casó con Zuhal Focan, con quien fundó el Nardis Jazz Club en 2002.

Focan se perfeccionó en la música y la enseñanza asistiendo a seminarios de la IAJE (Asociación Internacional de Músicos de Jazz). De 1996 a 1999, dirigió cursos de conjuntos de jazz en la Academia de Estambul. En 1997, actuó en la Noche de la Guitarra que organizó el MIDEM (Marché International du Disque et de l'Edition Musicale) con 11 guitarristas internacionales en representación del Fondo de Cultura y Arte de Estambul (IKSV).

Entre los años 2001 y 2005, impartió clases de armonía en el Centro de Arte Mujdat Gezen, donde fue elegido mejor artista de música occidental en 2000. En la Universidad Técnica de Yildiz, impartió clases de "Estilos de Jazz en Análisis" en 2003-2004 y también de "Guitarra de Jazz" en 2006-2007.

Desde 2002, es el director artístico del Club de Jazz Nardis, donde organiza conciertos para más de 315 músicos y los acompaña en el escenario cada año. Algunos de estos músicos son Benny Golson, Kurt Elling, Dianne Reeves, Al Foster, Dee Dee Bridgewater, Roy Haynes, Tierney Sutton, Kenny Drew Jr, Roseanne Vitro, Christian Mc Bride, Roy Hargrove, Ron Carter y la mayoría de los mejores músicos locales.

Siempre valorando y reconociendo los proyectos de responsabilidad social, Focan ha dirigido y coordinado el IPMN (Istanbul - Pori Music Networking). Este proyecto apoyó la educación del jazz, permitiendo a los jóvenes músicos tener experiencia en el escenario en ambas ciudades, Estambul y Pori.

Ha publicado 13 CD. En 1998, con el gran baterista Bill Stewart y el intérprete de Hammond B3 Sam Yahel, su álbum

"Beneath The Stars" le honró como el primer músico de jazz turco que publicó un álbum en el sello Blue Note.
Ha participado en 94 festivales, mientras que 43 han tenido lugar en diversas ciudades de Turquía, los otros 51 han sido en otros países como Estados Unidos (Los Ángeles), Francia, Alemania, China, Malta, Italia, Brasil, Senegal, Indiana, Finlandia, Australia, Jordania, Hungría, Suiza, Croacia y Estonia.

http://focanjazz.com/bio/


focanjazz.com ...

Colaborador / Contributor:  Michel 

 

Ken Clark Organ Trio • Live @ Backbeat Brewing Company Beverly, Massachusetts, 2021-05-04

     

 

www.kenclarkorgantrio.us ...

Colaborador / Contributor:  Mich58

Charles McPherson • What Is Love

 

Gaël Horellou Quintet Feat. Jeremy Pelt • Coup De Vent

 

"Strong toned French alto saxist Gael Horellou brings together an international team of Jeremy Pelt/tp, Etienne Deconfin/p, Viktor Nyberg/b and Antoine Paganotti/dr for a collection of strong post modern originals. The team hits hard wit Paganotti’s assertive drum work on the two takes of the extroverted “The Gale Force” and the team lilts with grace on “Melody” and the horns create a milky froth on “GK.” Horellou’s horn is assertive and searching, snapping on the bopper “Moral De Fer” and delivering rich embers for “Blame it On My Youth.” Pelt feels at home in this setting, searing through “Spiral Dance” and leading the charge on “Roy.” Strong and virule."
George W. Harris (February 5, 2018)
http://www.jazzweekly.com


"This is hard-swinging and intense contemporary jazz at its best, with well-crafted tunes (mostly by the leader) in the manner of Kenny Garrett’s Quartets and Quintets. In a blindfold test it could almost be Garrett on alto, but Horellou has a slightly sweeter tone and adds a little more vibrato to his notes. Otherwise, they’re very much from the same mould, in terms of choice of tunes and improvised lines.

Pianist Etienne Déconfin (who composed the opener) is very much in the McCoy Tyner mould. In fact, at times, particularly early in the album, he sounds more like McCoy than any other pianist I can think of, but later in the album on e.g. Moral De Fer, you can also hear something of Kenny Kirkland in Déconfin’s urgent, driving combination of searing but melodic right-hand lines and agitated supporting chords. The rhythm pairing of Nyberg and Paganotti sound well-suited to the other players and the material, and propel the band with verve.

Pelt as guest adds some nice touches, whilst giving the composers that welcome option of more than one front-line instrument for the melodies. However, I’m not sure that the band really needs the addition of trumpet, as it’s a very strong-sounding quartet. Soundwise, at times Pelt sounds like he’s approaching the studio from an adjoining room. He’s a strident, dynamic player, so maybe the engineer did something in the mix to try to cope with that dynamic range, but the end result makes the trumpet sound a little distant at times. The closer, The Gale Force is an alternate take, and I normally complain about these, but I certainly won’t in this case."
Dave Jones
Jazz Journal (February, 2017)

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"El saxo alto francés de tonos fuertes Gael Horellou reúne a un equipo internacional de Jeremy Pelt/ tp, Etienne Deconfin / p, Viktor Nyberg / b y Antoine Paganotti / dr para una colección de originales postmodernos fuertes. El equipo golpea con fuerza el asertivo trabajo de batería de Paganotti en las dos tomas de la extrovertida "The Gale Force" y el equipo canta con gracia en "Melody" y los cuernos crean una espuma lechosa en " GK."Horellou's horn es asertivo y buscador, rompiendo el bopper" Moral De Fer "y entregando brasas ricas por" Échale la culpa a Mi Juventud."Pelt se siente como en casa en este entorno, atravesando "Spiral Dance" y liderando la carga sobre " Roy."Fuerte y virulento . "
George W. Harris (5 de febrero de 2018)
http://www.jazzweekly.com


"Este es el jazz contemporáneo intenso y duro en su máxima expresión, con melodías bien elaboradas (en su mayoría por el líder) a la manera de los Cuartetos y Quintetos de Kenny Garrett. En una prueba con los ojos vendados, casi podría ser Garrett en contralto, pero Horellou tiene un tono ligeramente más dulce y agrega un poco más de vibrato a sus notas. De lo contrario, son en gran medida del mismo molde, en términos de elección de melodías y líneas improvisadas.

El pianista Etienne Déconfin (quien compuso el abridor) está muy en el molde de McCoy Tyner. De hecho, a veces, particularmente al principio del álbum, suena más a McCoy que a cualquier otro pianista que se me ocurra, pero más adelante en el álbum, por ejemplo, en Moral De Fer, también puedes escuchar algo de Kenny Kirkland en la combinación urgente y dinámica de Déconfin de líneas derechas abrasadoras pero melódicas y acordes de apoyo agitados. El emparejamiento rítmico de Nyberg y Paganotti suena bien para los otros músicos y el material, e impulsa a la banda con entusiasmo.

Pelt como invitado agrega algunos toques agradables, al tiempo que brinda a los compositores la bienvenida opción de más de un instrumento de primera línea para las melodías. Sin embargo, no estoy seguro de que la banda realmente necesite la adición de trompeta, ya que es un cuarteto que suena muy fuerte. Por lo demás, a veces Pelt parece que se acerca al estudio desde una habitación contigua. Es un músico estridente y dinámico, así que tal vez el ingeniero hizo algo en la mezcla para tratar de hacer frente a ese rango dinámico, pero el resultado final hace que la trompeta suene un poco distante a veces. Cuanto más cerca, The Gale Force es una versión alternativa, y normalmente me quejo de ellas, pero ciertamente no lo haré en este caso."
Dave Jones
Jazz Journal (febrero, 2017)

 

 

www.facebook.com/gaelhorellou ...

http://jeremypelt.net/

Tom Kennedy • Just For The Record

Tom Kennedy is an accomplished touring and studio musician who ranks as one of the top acoustic and electric bass players in the world. His credits include performances and recordings with both mainstream legends and leading contemporary players.

Tom’s musical roots with on the acoustic bass, an instrument he started playing at age 9 and took to so naturally that within a few years he was performing with internationally known players such as Freddie Hubbard, James Moody, Nat Adderly, Sonny Stitt and Stan Kenton.

At age 17, Tom would create a musical alter ego when he began playing the electric bass. Intrigued by the endless possibilities of the instrument, he began developing his now signature style best described as deep, soulful grooves merging seamlessly into acrobatic, horn-like soloing.

Gaining a reputation that soon traveled beyond his native St. Louis, Tom relocated to New York City, where he quickly gained work with multiple groups. Further accolades came through a recording with guitar great Bill Connors and tours with tenor saxophonist Michael Brecker in the world-renowned jazz-fusion group Steps Ahead. Additional tours and recordings with Brazilian pianist Tania Maria and guitarist Al DiMeola followed.

In 1998, Tom became an integral part of Modern Drummer hall of famer Dave Weckl’s band, a group he toured, composed and recorded with for over nine years. Tom and Dave have continued to perform and record together on various projects for other artists, including Mike Stern, Didier Lockwood, Dave Grusin and Lee Ritenour.

Tom has also performed and recorded with top contemporary players Simon Phillips, Steve Gadd, Frank Gambale, Steve Lukather, David Sanborn, Jeff Lorber, Ricky Lawson, Joe Sample and fusion band Planet X.

Tom has released five solo CDs: Basses Loaded in 1996, Bassics in 2004 featuring Mundell Lowe and Joe LaBarbera,  Just for the Record in 2011, featuring Dave Weckl and Mike Stern, and Just Play! in 2013 featuring Lee Ritenour, Renee Rosnes and George Garzone. His most recent solo project, Points of View, released in 2017.

LA Weekly writes that Tom’s playing is “nothing short of inspiring.” His reputation as a master of his craft is evident among fans worldwide.
http://www.tomkennedymusic.com/about/

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Tom Kennedy es un consumado músico de gira y de estudio que se cuenta entre los mejores bajistas acústicos y eléctricos del mundo. Sus créditos incluyen actuaciones y grabaciones tanto con leyendas de la música tradicional como con destacados músicos contemporáneos.

Las raíces musicales de Tom se encuentran en el bajo acústico, un instrumento que empezó a tocar a los 9 años y al que se aficionó de forma tan natural que en pocos años ya actuaba con músicos de renombre internacional como Freddie Hubbard, James Moody, Nat Adderly, Sonny Stitt y Stan Kenton.

A los 17 años, Tom crearía un alter ego musical cuando empezó a tocar el bajo eléctrico. Intrigado por las infinitas posibilidades del instrumento, comenzó a desarrollar su estilo característico, que se describe mejor como grooves profundos y conmovedores que se fusionan a la perfección con solos acrobáticos y de cuerno.

Alcanzando una reputación que pronto se extendió más allá de su San Luis natal, Tom se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde rápidamente consiguió trabajar con múltiples grupos. Otros reconocimientos llegaron a través de una grabación con el gran guitarrista Bill Connors y giras con el saxofonista tenor Michael Brecker en el grupo de jazz-fusión de renombre mundial Steps Ahead. A esto le siguieron giras y grabaciones con la pianista brasileña Tania Maria y el guitarrista Al DiMeola.

En 1998, Tom se convirtió en parte integrante de la banda de Dave Weckl, miembro del Salón de la Fama de la Batería Moderna, un grupo con el que hizo giras, compuso y grabó durante más de nueve años. Tom y Dave han seguido actuando y grabando juntos en varios proyectos para otros artistas, como Mike Stern, Didier Lockwood, Dave Grusin y Lee Ritenour.

Tom también ha actuado y grabado con los mejores músicos contemporáneos Simon Phillips, Steve Gadd, Frank Gambale, Steve Lukather, David Sanborn, Jeff Lorber, Ricky Lawson, Joe Sample y la banda de fusión Planet X.

Tom ha publicado cinco CDs en solitario: Basses Loaded en 1996, Bassics en 2004 con Mundell Lowe y Joe LaBarbera, Just for the Record en 2011, con Dave Weckl y Mike Stern, y Just Play! en 2013 con Lee Ritenour, Renee Rosnes y George Garzone. Su más reciente proyecto en solitario, Points of View, salió a la venta en 2017.

LA Weekly escribe que la forma de tocar de Tom es "nada menos que inspiradora". Su reputación como maestro de su oficio es evidente entre los fans de todo el mundo.
http://www.tomkennedymusic.com/about/

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Brian Charette • You Don't Know Jack

 

Review from DownBeat (by Michael J. West):
With the Hammond organ riding a wave of visibility it hasn't seen since late-'60s soul jazz, what better stratagem than a tribute to one of the avatars of that sound? Brian Charette first established himself in New York playing at a Harlem club on an organ that once belonged to "Brother" (or "Captain") Jack McDuff, whose vinegary sound and soulful licks Charette successfully channels and extends on You Don't Know Jack! It's not an album of McDuff's music, per se; only two of his tunes, the blues "Jolly Black Giant" and the bossa nova "6:30 In The Morning," stand against originals by Charette (and one by tenor saxophonist Cory Weeds, who also produced the album in Vancouver). But it groks the sound and style that made McDuff tick, compositionally -- place Charette's opening "Early America" next to McDuff's 1969 "Theme From An Electric Surfboard" and see if they're not congruent -- and improvisationally. "Microcosmic Orbit" might sound like a title from a Sun Ra record, but it's a vehicle for the kind of punctilious, singsong phrasings that McDuff loved. (Not to mention his weirdly scratchy organ timbre; I don't know how the hell McDuff made that sound, but Charette does.) All that is not to say that there's no originality on You Don't Know Jack! The title track, oddly enough, features Charette playing a hiccup-y blues line that Jack would probably never touch. And while Weeds and guitarist Dave Sikula easily evoke the greasy, gritsy feel of down-home soul jazz, neither conjures the sound of any instrumentalist in particular. (As for drummer John Lee, he simply and tastefully swings: What else is there?) What's more, Weeds' "Have You Met Joan?" is a Bird-style bebop head that, for its six-minute length, recontextualizes the whole affair.
https://downbeat.com/reviews/detail/you-dont-know-jack

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Resena de DownBeat (por Michael J. West):
Con el organo Hammond cabalgando una ola de visibilidad que no habia visto desde el soul jazz de finales de los 60, que mejor estrategia que un tributo a uno de los avatares de ese sonido? Brian Charette se establecio por primera vez en Nueva York tocando en un club de Harlem en un organo que una vez pertencio al "Brother" (o "Captain") Jack McDuff, cuyo sonido avinagrado y sus licks llenos de alma Charette canaliza y extiende exitosamente en You Don't Know Jack! No es un album de la musica de McDuff, per se; solo dos de sus temas, el blues "Jolly Black Giant" y la bossa nova "6:30 In The Morning", se enfrentan a los originales de Charette (y uno del saxofonista tenor Cory Weeds, quien tambien produjo el album en Vancouver). Pero capta el sonido y el estilo que hacia funcionar a McDuff, composicionalmente -- coloca el "Early America" de apertura de Charette junto al "Theme From An Electric Surfboard" de McDuff de 1969 y comprueba si no son congruentes -- e improvisacionalmente. "Microcosmic Orbit" podria sonar como un titulo de un disco de Sun Ra, pero es un vehiculo para el tipo de fraseados meticulosos y cantarines que McDuff amaba. (Sin mencionar su extranamente aspero timbre de organo; no se como diablos McDuff lograba ese sonido, pero Charette si lo sabe.) Todo eso no quiere decir que no haya originalidad en You Don't Know Jack! El tema titular, curiosamente, presenta a Charette tocando una linea de blues sincopada que Jack probablemente nunca tocaria. Y si bien Weeds y el guitarrista Dave Sikula evocan facilmente el sabor grasiento y rasposo del soul jazz de barrio, ninguno conjura el sonido de ningun instrumentista en particular. (En cuanto al baterista John Lee, simplemente swingea con buen gusto: que mas hay que decir?) Ademas, "Have You Met Joan?" de Weeds es un head de bebop al estilo de Bird que, en sus seis minutos de duracion, recontextualiza todo el asunto.
https://downbeat.com/reviews/detail/you-dont-know-jack

Nat Adderley • A Sunshine State [Live Tampa '82]

 

Biography by Scott Yanow
Nat Adderley's cornet (which in its early days was strongly influenced by Miles Davis) was always a complementary voice to his brother Cannonball in their popular quintet. His career ran parallel to his older brother for quite some time. Nat took up trumpet in 1946, switched to cornet in 1950, and spent time in the military, playing in an Army band during 1951-1953. After a period with Lionel Hampton (1954-1955), Nat made his recording debut in 1955, joined Cannonball's unsuccessful quintet of 1956-1957, and then spent periods with the groups of J.J. Johnson and Woody Herman before hooking up with Cannonball again in October 1959. This time the group became a major success and Nat remained in the quintet until Cannonball's death in 1975, contributing such originals as "Work Song," "Jive Samba," and "The Old Country" along with many exciting hard bop solos. Nat Adderley, who was at the peak of his powers in the early to mid-'60s and became adept at playing solos that dipped into the subtone register of his horn, led his own quintets after Cannonball's death; his most notable sidemen were altoists Sonny Fortune (in the early '80s) and Vincent Herring. Although his own playing declined somewhat -- Adderley's chops no longer had the endurance of his earlier days -- Nat continued recording worthwhile sessions in the years prior to his death on January 2, 2000. Many but not all of his recordings through the years are currently available (for such labels as Savoy, EmArcy, Riverside, Jazzland, Atlantic, Milestone, A&M, Capitol, Prestige, SteepleChase, Galaxy, Theresa, In & Out, Landmark, Evidence, Enja, Timeless, Jazz Challenge, and Chiaroscuro).
https://www.allmusic.com/artist/nat-adderley-mn0000377060#biography

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Biografía de Scott Yanow
La corneta de Nat Adderley (que en sus inicios estuvo fuertemente influenciado por Miles Davis) fue siempre una voz complementaria a la de su hermano Cannonball en su popular quinteto. Su carrera fue paralela a la de su hermano mayor durante bastante tiempo. Nat empezó a tocar la trompeta en 1946, cambió a la corneta en 1950 y pasó un tiempo en el ejército, tocando en una banda del ejército durante 1951-1953. Tras un periodo con Lionel Hampton (1954-1955), Nat hizo su debut discográfico en 1955, se unió al fracasado quinteto de Cannonball de 1956-1957, y luego pasó periodos con los grupos de J.J. Johnson y Woody Herman antes de volver a unirse a Cannonball en octubre de 1959. Esta vez el grupo se convirtió en un gran éxito y Nat permaneció en el quinteto hasta la muerte de Cannonball en 1975, contribuyendo con originales como "Work Song", "Jive Samba" y "The Old Country" junto con muchos emocionantes solos de hard bop. Nat Adderley, que estaba en la cima de sus facultades a principios y mediados de los 60 y se convirtió en un experto en solos que se sumergían en el registro de subtonos de su trompa, dirigió sus propios quintetos tras la muerte de Cannonball; sus acompañantes más notables fueron los contraltos Sonny Fortune (a principios de los 80) y Vincent Herring. Aunque su forma de tocar decayó un poco (las habilidades de Adderley ya no tenían la resistencia de sus primeros días), Nat siguió grabando sesiones que merecían la pena en los años anteriores a su muerte, el 2 de enero de 2000. Muchas de sus grabaciones, aunque no todas, están disponibles actualmente (para sellos como Savoy, EmArcy, Riverside, Jazzland, Atlantic, Milestone, A&M, Capitol, Prestige, SteepleChase, Galaxy, Theresa, In & Out, Landmark, Evidence, Enja, Timeless, Jazz Challenge y Chiaroscuro).
https://www.allmusic.com/artist/nat-adderley-mn0000377060#biography

Marco Di Marco Trio • At The Living Room

 

Italian Pianist and composer.


www.marcodimarco.net ...

Grant Gordy • Interpreter

 

Acclaimed progressive acoustic guitarist Grant Gordy makes his first on-the-record foray into straight ahead, electric guitar-driven jazz with Aidan O’Donnell on bass and Alwyn Robinson on drums.

For several years Brooklyn-based guitarist Grant Gordy has been a major voice on the American "acoustic music" scene, and one of the most highly regarded young instrumentalists of his generation. Having held the guitar chair in the legendary David Grisman Quintet for six years, he's also worked alongside such musical luminaries as Edgar Meyer, Steve Martin, Tony Trischka and Darol Anger. Grant has performed all over North America and Europe, everywhere from Carnegie Hall to Montreal Jazz Festival; Jazz at Lincoln Center to Bonnaroo.

His music has been heard on NPR's Morning Edition, All Things Considered and Tiny Desk Concerts, and he's received attention from international music periodicals such as The Fretboard Journal, Acoustic Guitar Magazine, Japanese bluegrass publication Moonshiner, Just Jazz Guitar and Flatpicking Guitar Magazine.

In addition to freelancing as a soloist and collaborator in New York City-as an acoustic guitarist, and on electric in the city's thriving jazz scene- Grant's current bands include:

Mr Sun, an acoustic supergroup of sorts with Darol Anger (violin), Joe K. Walsh (mandolin) and Aidan O'Donnell (bass)

A duo with guitarist Ross Martin; their debut Year of the Dog was released late 2016

His own band featuring prodigious acoustic talents Alex Hargreaves (violin) and Dominick Leslie (mandolin)

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El aclamado guitarrista acústico progresivo Grant Gordy hace su primera incursión discográfica en el jazz con guitarra eléctrica, con Aidan O'Donnell en el bajo y Alwyn Robinson en la batería.

Durante varios años, el guitarrista de Brooklyn Grant Gordy ha sido una voz importante en la escena de la "música acústica" americana, y uno de los jóvenes instrumentistas más respetados de su generación. Habiendo ocupado la silla de guitarra en el legendario David Grisman Quintet durante seis años, también ha trabajado junto a luminarias musicales como Edgar Meyer, Steve Martin, Tony Trischka y Darol Anger. Grant ha actuado en toda América del Norte y Europa, en todas partes, desde el Carnegie Hall hasta el Festival de Jazz de Montreal; desde el Jazz del Lincoln Center hasta el Bonnaroo.

Su música se ha escuchado en la edición matutina de NPR, All Things Considered y Tiny Desk Concerts, y ha recibido la atención de publicaciones musicales internacionales como The Fretboard Journal, Acoustic Guitar Magazine, la publicación japonesa de bluegrass Moonshiner, Just Jazz Guitar y Flatpicking Guitar Magazine.

Además de trabajar como solista y colaborador en la ciudad de Nueva York, como guitarrista acústico y en electricidad en la próspera escena de jazz de la ciudad, las bandas actuales de Grant incluyen:

Mr Sun, una especie de supergrupo acústico con Darol Anger (violín), Joe K. Walsh (mandolina) y Aidan O'Donnell (bajo)

Un dúo con el guitarrista Ross Martin; su debut "Year of the Dog" fue lanzado a finales de 2016

Su propia banda con prodigiosos talentos acústicos Alex Hargreaves (violín) y Dominick Leslie (mandolina)

http://www.grantgordy.com

Eric Alexander • Second Impression

 

Review from DownBeat (by Yoshi Kato):
Since he began recording under his own name almost 25 years ago, tenor saxophonist Eric Alexander has led at least 15 sessions with double bassist John Webber and drummer Joe Farnsworth -- frequently rounded out by pianist and mentor Harold Mabern (the respected pianist was a teacher for classmates Alexander and Farnsworth at William Paterson University).

Second Impression features Mabern, Farnsworth and, in what was likely his final recording session, bassist Bob Cranshaw, who was name-checked in the spoken-word introduction to the Alexander composition "Blueski For Vonski" on his 2014 Chicago Fire album.

The "second impression" may subconsciously be a nod to a trio of atypical tracks that feature Cranshaw on an electric bass guitar and Mabern on a Fender Rhodes that were both found in the studio, as the liner notes explain. Farnsworth's funky "Jennie's Dance" struts assuredly with an authoritative and somewhat surprising extended solo by the pianist on that cult-worthy keyboard.

Sammy Fain and Paul F. Webster's "Secret Love" is buoyed by the partially electrified rhythm section. Alexander solos with elan while Mabern glides in another expanded exploration just prior to Farnsworth's demonstration in rhythmic fluency.

The Wes Montgomery classic "Full House" closes out Second Impressions with flair; the bandleader's spry tone matches the spirit of the piece, and Cranshaw seems to subtly propel the group forward with his note choices and reliable ease.
https://downbeat.com/reviews/detail/second-impression

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Resena de DownBeat (por Yoshi Kato):
Desde que comenzo a grabar bajo su propio nombre hace casi 25 anos, el saxofonista tenor Eric Alexander ha liderado al menos 15 sesiones con el contrabajista John Webber y el baterista Joe Farnsworth -- frecuentemente completadas por el pianista y mentor Harold Mabern (el respetado pianista fue profesor de sus companeros de clase Alexander y Farnsworth en la William Paterson University).

Second Impression cuenta con Mabern, Farnsworth y, en lo que probablemente fue su ultima sesion de grabacion, el bajista Bob Cranshaw, quien fue mencionado en la introduccion hablada de la composicion de Alexander "Blueski For Vonski" en su album Chicago Fire de 2014.

La "segunda impresion" puede ser inconscientemente un guino a un trio de tracks atipicos que presentan a Cranshaw en bajo electrico y a Mabern en un Fender Rhodes que ambos encontraron en el estudio, como explican las notas del liner. El funky "Jennie's Dance" de Farnsworth avanza con seguridad y un autoritario y algo sorprendente solo extendido del pianista en ese iconico teclado.

"Secret Love" de Sammy Fain y Paul F. Webster se ve impulsado por la seccion ritmica parcialmente electrificada. Alexander improvisa con elan mientras Mabern se desliza en otra exploracion ampliada justo antes de la demostracion de fluidez ritmica de Farnsworth.

El clasico de Wes Montgomery "Full House" cierra Second Impression con flair; el tono vivaz del lider encaja con el espiritu de la pieza, y Cranshaw parece impulsar sutilmente al grupo hacia adelante con sus elecciones de notas y su facilidad confiable.
https://downbeat.com/reviews/detail/second-impression

Jesper Thilo Quintet Featuring Hank Jones • Jesper Thilo Quintet Featuring Hank Jones

 

 

storyvillerecords.com ...

Ari Seder • Organ Trio

Chicago-based jazz guitarist Ari Seder releases his second album featuring eleven original compositions of straight-ahead jazz with material ranging from slow ballads to some hard-driving rhythms. This recording is one fine session of fresh new jazz delivered by a very capable trio. Seder is joined here by drummer Darren Scorza and Paul Mutzabaugh on the organ. While this is clearly a Seder project with the guitar featured in the lead, organist Mutzabaugh plays a very prominent role in this recording, hence the title of the album Organ Trio.

There’s a terrific variety of jazzy tunes that grabs your attention like the second number "Big Plans," a very catchy melody containing crisp guitar work from the leader accompanied by sharp play by the organist. The group slides into a faster pace with the swinging "Not Alone" revealing an outstanding performance by Seder. In contrast, the music slows down with the beautiful ballad of "The Routine." Another warm and soft piece of music that goes to the heart is the enchanting "Impossible."

The list of splendid music goes on to include the light ballad of "Down Time," in which Mutzabaugh takes center stage with his play, the lively pick up beat of "With Visions" and the melancholy sounds of "Cloudy" just to name a few. All together these clever compositions combine to make one nice package of rhythm-based music that will appeal to the aficionado and the average jazz fan alike. Organ Trio has all of the elements that will make this a successful effort, great writing, excellent musicianship and a sound that deserves to be heard. Kudos for Mr. Seder and his marvelous trio.

Edward Blanco, JazzReview.com

"The musicians sound inspired by the fresh material and while the individual solos are colorful, it is the interplay between the musicians and the appealing ensemble sound that makes Organ Trio....well worth acquiring." ~Scott Yanow, L.A. Jazz Scene

"....it's easy to hear Wes Montgomery's sense of economy, Pat Metheny's sense of melody, and Grant Green's sense of groove. Add to that the tasteful organ playing of Paul Mutzabaugh and the grooving drums of Darren Scorza, and you've got a band that can play it's collective tail off." ~Paul Abella, Chicago Jazz Magazine

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El guitarrista de jazz de Chicago Ari Seder lanza su segundo álbum con once composiciones originales de jazz directo con material que va desde baladas lentas hasta algunos ritmos de gran fuerza. Esta grabación es una buena sesión de nuevo jazz fresco, interpretado por un trío muy capaz. A Seder se le unen el baterista Darren Scorza y Paul Mutzabaugh al órgano. Mientras que este es claramente un proyecto de Seder con la guitarra como protagonista, el organista Mutzabaugh juega un papel muy prominente en esta grabación, de ahí el título del álbum Organ Trio.

Hay una gran variedad de temas de jazz que llaman la atención como el segundo número "Big Plans", una melodía muy pegadiza que contiene un nítido trabajo de guitarra del líder acompañado de un agudo toque del organista. El grupo se desliza a un ritmo más rápido con el balanceo de "Not Alone" que revela una destacada actuación de Seder. En contraste, la música se ralentiza con la hermosa balada de "La Rutina". Otra cálida y suave pieza musical que llega al corazón es la encantadora "Imposible".

La lista de música espléndida incluye la ligera balada de "Down Time", en la que Mutzabaugh se convierte en el centro de la escena con su obra, el animado ritmo de "With Visions" y los melancólicos sonidos de "Cloudy" por nombrar algunos. Todas estas ingeniosas composiciones se combinan para crear un bonito paquete de música rítmica que atraerá tanto al aficionado como al fanático medio del jazz. El Trío de Órgano tiene todos los elementos que harán de esto un esfuerzo exitoso, una gran escritura, excelente musicalidad y un sonido que merece ser escuchado. Felicitaciones para el Sr. Seder y su maravilloso trío.

Edward Blanco, JazzReview.com

"Los músicos suenan inspirados por el material fresco y mientras que los solos individuales son coloridos, es la interacción entre los músicos y el atractivo sonido de conjunto lo que hace que el Trío de Órgano.... valga la pena adquirirlo." ~Scott Yanow, L.A. Jazz Scene

"...es fácil escuchar el sentido de la economía de Wes Montgomery, el sentido de la melodía de Pat Metheny, y el sentido del ritmo de Grant Green. Añade el buen gusto del órgano de Paul Mutzabaugh y la batería de Darren Scorza, y tienes una banda que puede tocar su cola colectiva." ~Paul Abella, Chicago Jazz Magazine 

 

 

 

ari-seder ...

Philip Catherine • Concert In Capbreton

 

 

Philip Catherine has been on the forefront of the European jazz scene since the sixties and worked with great artists like Chet Baker, Stéphane Grappelli, Charlie Mingus and Dexter Gordon. His unique approach and sound, his dedication to music have been important and influential, and today he is a source of inspiration for many artists of the new generation.

Born in London in 1942 and being from a musical family, he developed a musical ear from an early age. When he was 18 he already toured Europe with Lou Bennett. With his recordings “September Man” and “Guitars” in the mid-seventies, jazz amateurs all over the world discovered not only a brilliant guitarist but also a talented composer: themes like “Homecomings” and “Nairam” have become famous.

Philip Catherine has played in the most prestigious concert halls, from the Berlin Philharmonic to the Carnegie Hall, from the Concertgebouw in Amsterdam to the Olympia and Salle Pleyel in Paris and the Palais des Beaux-Arts of Brussels.

About the solo album “Guitars Two” (2008, Dreyfus Jazz) the magazine Guitarist Acoustic wrote : “simply one of the most beautiful cd’s of this year”. The CD “Concert in CapBreton” (2010, Dreyfus Jazz) is a magic live recording with an all star line up featuring Enrico Pieranunzi, Hein Van de Geyn and Joe LaBarbera. “Philip Catherine plays Cole Porter” - in Quartet with Karel Boehlee (p), Philippe Aerts (b) and Martijn Vink (dr) - was released in 2011 on Challenge Records and received among others the CHOC in JazzMag.

Philip Catherine celebrated his 70th birthday in October 2012 with a memorable anniversary concert at the Brussels Palais des Beaux-Arts and a new CD. “Coté Jardin” (11/2012, Challenge Records) was recorded with his new quartet : great italian pianist Nicola Andrioli, young drum phenomenon Antoine Pierre and longstanding companion Philippe Aerts on bass, and enchants both jazz fans and classical music lovers.

In january 2014 the album ‘New Folks’ was released on ACT Music, a duo recording with German bassplayer Martin Wind, followed by several tours throughout Europe and the US.

The première of Philip Catherine's 'String project', a selection of his compositions in arrangements with string orchestra, took place on 13.01.2015 at Flagey/Brussels. Philip's quintet, together with the Orchestre Royal de Chambre de Wallonie conducted by Frank Braley, gave a sublime concert for a full house. The performance was filmed by national TV VRT-Canvas, and a selection was released on CD in September 2015 on ACT Music : “The String Project – Live in Brussels”. R.Garszczyński wrote in JazzPress : “This is one of the best jazz recordings with strings of all times.”

In May 2016 Philip received the ECHO JAZZ AWARD 2016 'Best international guitarist' in Hamburg/Germany, with this album.

Philip Catherine will celebrate his 75th birthday in the autumn 2017. For this occasion WARNER Music France prepares a special 5-CD Box : the long awaited re-release of his early vinyl records 'September Man' and 'Guitars', the albums 'Babel' and 'End of August', completed with an unedited solo recording by Radio Bremen of 1979 & 1982.

Philip Catherine continues relentlessly and open-minded his search for renewal and perfection. The formulas with which he performs give him the rhythmic support and freedom to unfold his wide palette of musical styles, from that irresistible groovy rock sound to the broad lyrical phrases of which he is a master.

Downbeat : « He is one of the most accomplished and rewarding guitarists now playing jazz. »

Francis Marmande-‘Le Monde’ : « Philip Catherine is one of the last ‘romantics’ in jazz. Philip Catherine doesn’t play music: he is music. A lyricism that hits the unconscience. Music, music, sometimes with an air of simplicity that makes you believe nothing is easier than observe a photon in it’s course. Great art. »
https://musicians.allaboutjazz.com/philipcatherine

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Philip Catherine ha estado en la vanguardia de la escena europea del jazz desde los años sesenta y ha trabajado con grandes artistas como Chet Baker, Stéphane Grappelli, Charlie Mingus y Dexter Gordon. Su enfoque y sonido únicos, su dedicación a la música han sido importantes e influyentes, y hoy es una fuente de inspiración para muchos artistas de la nueva generación.

Nacido en Londres en 1942 y perteneciente a una familia de músicos, desarrolló el oído musical desde una edad temprana. A los 18 años ya realizaba una gira por Europa con Lou Bennett. Con sus grabaciones "September Man" y "Guitars", a mediados de los años setenta, los aficionados al jazz de todo el mundo descubrieron no sólo a un brillante guitarrista, sino también a un talentoso compositor: temas como "Homecomings" y "Nairam" se hicieron famosos.

Philip Catherine ha tocado en las salas de concierto más prestigiosas, desde la Filarmónica de Berlín hasta el Carnegie Hall, desde el Concertgebouw de Ámsterdam hasta el Olympia y la Salle Pleyel de París y el Palais des Beaux-Arts de Bruselas.

Sobre el álbum en solitario "Guitars Two" (2008, Dreyfus Jazz) la revista Guitarist Acoustic escribió: "simplemente uno de los más bellos cd's de este año". El CD "Concert in CapBreton" (2010, Dreyfus Jazz) es una mágica grabación en directo con una formación de estrellas que incluye a Enrico Pieranunzi, Hein Van de Geyn y Joe LaBarbera. "Philip Catherine plays Cole Porter" - en cuarteto con Karel Boehlee (p), Philippe Aerts (b) y Martijn Vink (dr) - se publicó en 2011 en Challenge Records y recibió, entre otros, el CHOC en JazzMag.

Philip Catherine celebró su 70 cumpleaños en octubre de 2012 con un memorable concierto de aniversario en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas y un nuevo CD. "Coté Jardin" (11/2012, Challenge Records) se grabó con su nuevo cuarteto: el gran pianista italiano Nicola Andrioli, el joven fenómeno de la batería Antoine Pierre y su viejo compañero Philippe Aerts al bajo, y encanta tanto a los aficionados al jazz como a los amantes de la música clásica.

En enero de 2014 se publicó el álbum "New Folks" en ACT Music, una grabación a dúo con el bajista alemán Martin Wind, a la que siguieron varias giras por Europa y Estados Unidos.

El estreno del 'String project' de Philip Catherine, una selección de sus composiciones en arreglos con orquesta de cuerda, tuvo lugar el 13.01.2015 en Flagey/Bruselas. El quinteto de Philip, junto con la Orchestre Royal de Chambre de Wallonie dirigida por Frank Braley, ofreció un concierto sublime para una sala llena. La actuación fue filmada por la televisión nacional VRT-Canvas, y una selección fue publicada en CD en septiembre de 2015 en ACT Music : "The String Project - Live in Brussels". R.Garszczyński escribió en JazzPress : "Esta es una de las mejores grabaciones de jazz con cuerdas de todos los tiempos."

En mayo de 2016 Philip recibió el ECHO JAZZ AWARD 2016 'Mejor guitarrista internacional' en Hamburgo/Alemania, con este álbum.

Philip Catherine celebrará su 75º cumpleaños en otoño de 2017. Para esta ocasión WARNER Music France prepara una caja especial de 5 CD: la esperada reedición de sus primeros discos de vinilo 'September Man' y 'Guitars', los álbumes 'Babel' y 'End of August', completados con una grabación inédita en solitario de Radio Bremen de 1979 y 1982.

Philip Catherine continúa sin descanso y con la mente abierta su búsqueda de la renovación y la perfección. Las fórmulas con las que actúa le dan el soporte rítmico y la libertad para desplegar su amplia paleta de estilos musicales, desde ese irresistible sonido groovy rock hasta las amplias frases líricas de las que es un maestro.

Downbeat : " Es uno de los guitarristas más completos y gratificantes que tocan actualmente el jazz. "

Francis Marmande-'Le Monde' : " Philip Catherine es uno de los últimos 'románticos' del jazz. Philip Catherine no toca música: es música. Un lirismo que golpea el inconsciente. Música, música, a veces con un aire de simplicidad que hace creer que nada es más fácil que observar un fotón en su curso. Un gran arte. "
https://musicians.allaboutjazz.com/philipcatherine


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John Coltrane • Both Directions At Once, The Lost Album

The newly discovered, unreleased album from 1963 featuring the “classic quartet” finds the jazz giant thrillingly caught between shoring up and surging forth.

From April 1962 to September 1965, while under contract to the record label Impulse!, John Coltrane led a more or less consistent working group with the same four musicians. After his death in 1967, this group—Coltrane on tenor and soprano saxophone, McCoy Tyner on piano, Jimmy Garrison on bass, Elvin Jones on drums—became known as Coltrane’s “classic quartet.” The group was powerful, elegant, and scarily deep. It was also a well-proportioned framing device. It made an artist with great ambitions easier to understand.

It is possible to hear conviction and morality in some of the classic quartet’s best-known music—like the devotional A Love Supreme, recorded in late 1964—as clearly as you can hear melody or rhythm. As a consequence, all of it can appear set on one venerable plane. As it moves inexorably from ballads, blues, and folk songs into abstraction, the classic-quartet corpus can seem an index not only for the range of acoustic jazz but for possibly how to live, gathered and contained, as if it were always there. But the corpus is only what we have been given to hear. And then one day a closet door flies open, a stack of tapes fall out, and a dilemma begins.

A fair amount of Coltrane’s music has been released after the fact, but nothing that would seem, from a distance, quite so canonical as Both Directions At Once, which is 90 minutes worth of (mostly) previously unheard recordings made at Rudy Van Gelder’s studio on March 6, 1963—the middle of the classic-quartet period. The Van Gelder studio, in Englewood Cliffs, New Jersey, can be considered part of the framing device. It was where the group did nearly all its studio work. For reasons of acoustics, it had a 39-foot-high, cathedral-like, vaulted wooden ceiling, fabricated by the same Oregon lumber company that made blimp hangars during World War II. Coltrane’s music during that period, possibly encouraged by the cathedral-like room, became blimpier and churchier.

Why have we not heard these tapes before? It’s hard to imagine that they could have been blithely ignored or forgotten. The 2018 answer is that mono audition reels of the session were only recently found in the possession of the family of Coltrane’s first wife, Juanita Naima Coltrane. (Impulse! didn’t have the music; the label’s master tapes may have been lost in a company move from New York to Los Angeles.) The 1963 answer is unknown, and probably more complicated.

Coltrane’s contract with Impulse! called for two records a year. Whether that day’s work in March was to be conceived at the time as a whole album, or most of one, is uncertain. The extent to which you believe the record’s subtitle—The Lost Album—might be the extent to which you are excited by the news of Both Directions. I can’t quite do it, but there are other reasons to be excited.

It may be hard to hear as a coherent album for back then, though it is easy to hear it as one for now, in our current, expanded notion of what an album is. The music does not seem, in its context, to be a full step forward. It’s a little caught between shoring up and surging forth. (The after-the-fact title—alluding to a conversation Coltrane had with Wayne Shorter about the possibility of improvising as if starting a sentence in the middle, moving backward and forward simultaneously—helps turn a possible liability into a strength.) It can give you new respect for the rigor, compression, and balance of some of his other albums from the period. It is at times, as Coltrane’s son Ravi pointed out, surprisingly like a live session in a studio; parts of the music sound geared toward a captive audience. That may be the best thing about it.

Included on the album—which comes either as a single-disc version or a double-disc with alternate takes, both including extensive liner notes by historian Ashley Kahn—is a sunny, bright-tempo melody (the theme from “Vilia,” written by the Hungarian composer Franz Lehár for the operetta The Merry Widow); a downtempo, minor-key, semi-standard (“Nature Boy,” from the book of eden ahbez, the California proto-hippie songwriter); one of Coltrane’s best original lines, in four different takes (“Impressions,” which he’d been working out in concert for several years); a couple of pieces for soprano saxophone which are representative but not stunning (“Untitled Original 11383,” minor-key and modal, and “Untitled Original 11386,” with a pentatonic melody); “One Up, One Down,” a short, wily theme as a pretext for eight minutes of hard-and-fast jamming; and “Slow Blues,” about which more in a minute.

Coltrane was already building albums from disparate sessions, a practice that would soon yield 1963’s Impressions and Live at Birdland, two records that set live and studio tracks side by side. He may have been stockpiling without a clear purpose; he also had to consider what would sell. Since his recording of “My Favorite Things” in 1961—a hit by jazz terms—Coltrane had become recognizable. His subsequent working relationship with Bob Thiele, the head of Impulse!, was based on the notion that he could expand that audience, not shrink it. Six months before the Both Directions session, he’d made a record with Duke Ellington; the day after it, he’d make another with the singer Johnny Hartman. He was entering the popular artist’s paradox of striving to repeat a past success and trying not to run aground on retreads.

The sense of strength and inevitability we associate with Coltrane’s music didn’t just tumble out. It was likely a byproduct of diligence, restlessness, exhausted possibilities, obsession and counter-obsession. He thought about progress. He passed through serial phases of exploring harmonic sequences, modes, and multiple rhythms; when he acknowledged one phase in an interview, he was generally looking for the next. At the height of the classic quartet, he often didn’t have the time or psychic space for study and practice. “I’m always walking around trying to keep my ear open for another ‘Favorite Things’ or something,” he told the writer Ralph Gleason in May, 1961. “I can’t get in the woodshed like I used to. I’m commercial, man.” More: “I didn’t have to worry about it, you know, making a good record, because that wasn’t important. Maybe I should just go back in the woodshed and just forget it.” At the time, a record like Both Directions might have seemed an open admission that he could have used less worry and more woodshed.

What he meant by “another ‘Favorite Things’” might have been a similar act of counterintuition: a sweet, sentimental tune made paranormal, a curiosity that could break out beyond the normal jazz audience and anchor a hit record. If “Vilia” was intended for that role, it isn’t strong enough. “Impressions,” on Both Directions, in its first known studio recording—especially take 3—sounds sublimely focused. But I’m not sure Coltrane plays it here any better than he did sixteen months earlier at the Village Vanguard, the live version he’d choose later in 1963 when finally issuing the tune, on the record of that name. (It’s complicated, I know.)

“Slow Blues” is the one. There is no narrative here, as there sometimes was with Coltrane’s originals; it is not expressly about love or hardship or religious joy. But Coltrane turns himself inside-out. First, he phrases in bare, hesitant strokes, using negative space; then he begins to whip phrases around, repeating them up and down the horn in rapid, shinnying patterns, reaching for inexpressible sounds, getting ugly. (McCoy Tyner’s solo, directly following Coltrane’s, is tidy and elegant, thorough in its own radically contrasting way.) There is the idea of the “new,” and then there is something like this track, which transcends the burden of newness.

I imagine three possible problems someone might have had with putting “Slow Blues” on a record in 1963. One is that, at 11 and a half minutes, it would have taken up a third of the record. Two is that a long blues probably wouldn’t be properly commercial unless there was some sort of story attached to it. And three is that, as was the case with “Impressions,” “Slow Blues” doesn’t explicitly show progress. Hear Coltrane on the long, slow “Vierd Blues” from the Sutherland Hotel in Chicago in 1961. It’s not great sound quality, but it is great in every other way. “Slow Blues” grows from the same root. It’s no “better,” really, but it’s better to have more of it, and better recorded. It is possible to take in Both Directions At Once, some of it middling by Coltrane’s standards and some of it extraordinary by anyone’s, without much thought about sellability or progress. In an ideal case, both qualities are overrated anyway. This is an ideal case.

by Ben Ratliff

June 30 2018

https://pitchfork.com/reviews/albums/john-coltrane-both-directions-at-once-the-lost-album/

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El álbum recién descubierto, inédito de 1963 con el "cuarteto clásico" encuentra al gigante del jazz sorprendentemente atrapado entre apuntalar y salir adelante.

Desde abril de 1962 hasta septiembre de 1965, mientras estaba bajo contrato con el sello discográfico Impulse, John Coltrane dirigió un grupo de trabajo más o menos consistente con los mismos cuatro músicos. Después de su muerte en 1967, este grupo —Coltrane en el tenor y el saxofón soprano, McCoy Tyner en el piano, Jimmy Garrison en el bajo, Elvin Jones en la batería— se conoció como el "clásico cuarteto" de Coltrane. El grupo era poderoso, elegante y extremadamente profundo. . También era un dispositivo de encuadre bien proporcionado. Hizo un artista con grandes ambiciones más fácil de entender.

Es posible escuchar la convicción y la moralidad en algunas de las músicas más conocidas del cuarteto clásico, como el devocional A Love Supreme, grabado a fines de 1964, tan claramente como se puede escuchar la melodía o el ritmo. Como consecuencia, todo esto puede aparecer en un plano venerable. A medida que se mueve inexorablemente de baladas, blues y canciones populares a la abstracción, el corpus del cuarteto clásico puede parecer un índice no solo para el rango del jazz acústico sino también para cómo vivir, reunirse y contenerse, como si siempre estuviera ahí. Pero el corpus es solo lo que se nos ha dado para escuchar. Y luego, un día, una puerta de un armario se abre de golpe, una pila de cintas se cae y comienza un dilema.

Una buena cantidad de la música de Coltrane ha sido lanzada después del hecho, pero nada que parezca, a la distancia, tan canónico como Both Directions At Once, que equivale a 90 minutos de grabaciones nunca antes escuchadas en el estudio de Rudy Van Gelder. el 6 de marzo de 1963, la mitad del período del cuarteto clásico. El estudio Van Gelder, en Englewood Cliffs, Nueva Jersey, puede considerarse parte del dispositivo de enmarcado. Fue donde el grupo hizo casi todo su trabajo de estudio. Por razones acústicas, tenía un techo de madera abovedado, similar a una catedral, de 39 pies de altura, fabricado por la misma compañía de madera de Oregón que hizo hangares dirigibles durante la Segunda Guerra Mundial. La música de Coltrane durante ese período, posiblemente alentada por una sala con forma de catedral, se volvió más débil y más eclesiástica.

¿Por qué no hemos escuchado estas cintas antes? Es difícil imaginar que podrían haber sido ignorados u olvidados alegremente. La respuesta de 2018 es que los carretes de audición mono de la sesión solo se encontraron recientemente en posesión de la familia de la primera esposa de Coltrane, Juanita Naima Coltrane. (¡Impulse! No tenía la música; es posible que las cintas maestras de la discográfica se hayan perdido en un cambio de compañía de Nueva York a Los Ángeles). La respuesta de 1963 es desconocida, y probablemente más complicada.

¡El contrato de Coltrane con Impulse! pidió dos registros al año. Si el trabajo de ese día en marzo se iba a concebir en el momento como un álbum completo, o la mayoría de uno, es incierto. La medida en que creas en el subtítulo del disco, The Lost Album (Álbum perdido), podría ser la medida en que estés emocionado por las noticias de Both Directions No puedo hacerlo, pero hay otras razones para estar emocionado.

Puede ser difícil escucharlo como un álbum coherente para ese entonces, aunque es fácil escucharlo como uno por ahora, en nuestra noción actual y ampliada de qué es un álbum. La música no parece, en su contexto, ser un paso adelante. Está un poco atrapado entre apuntalar y surgir. (El título posterior al hecho, aludiendo a una conversación que Coltrane tuvo con Wayne Shorter sobre la posibilidad de improvisar como si comenzara una oración en el medio, moviéndose hacia atrás y hacia adelante simultáneamente) ayuda a convertir una posible responsabilidad en una fortaleza. le dará un nuevo respeto por el rigor, la compresión y el equilibrio de algunos de sus otros álbumes de la época. Es a veces, como señaló el hijo de Coltrane, Ravi, sorprendentemente como una sesión en vivo en un estudio; partes de la música suenan dirigidas a un público cautivo. Eso puede ser lo mejor de esto.

Incluido en el álbum, que viene ya sea como una versión de un solo disco o como un disco doble con tomas alternativas, ambas con extensas notas de la historiadora Ashley Kahn, es una melodía brillante y de tempo brillante (el tema de "Vilia", escrito del compositor húngaro Franz Lehár para la opereta The Merry Widow); un tempo descendente, de menor importancia, semi-estándar ("Nature Boy", del libro de Eden Ahbez, el compositor de canciones proto-hippie de California); una de las mejores líneas originales de Coltrane, en cuatro tomas diferentes ("Impresiones", que había estado trabajando en concierto durante varios años); un par de piezas para saxofón soprano representativas pero no deslumbrantes ("Untitled Original 11383", de menor importancia y modal, y "Untitled Original 11386", con una melodía pentatónica); "One Up, One Down", un tema corto y astuto como pretexto para ocho minutos de interferencia rápida y dura; y "Slow Blues", sobre que más en un minuto.

Coltrane ya estaba construyendo álbumes a partir de sesiones dispares, una práctica que pronto produciría las Impresiones de 1963 y Live at Birdland, dos discos que se unieron en vivo y pistas de estudio. Él pudo haber estado almacenando sin un propósito claro; También tenía que considerar qué vendería. Desde su grabación de "Mis cosas favoritas" en 1961, un éxito de los términos del jazz, Coltrane se había vuelto reconocible. Su posterior relación laboral con Bob Thiele, el jefe de Impulse !, se basó en la idea de que podía ampliar esa audiencia, no reducirla. Seis meses antes de la sesión de Both Directions, había hecho un disco con Duke Ellington; Al día siguiente, haría otro con el cantante Johnny Hartman. Estaba entrando en la paradoja del artista popular de esforzarse por repetir un éxito pasado y tratar de no encallar en los recauchutados.

La sensación de fuerza e inevitabilidad que asociamos con la música de Coltrane no se desplomó. Probablemente fue un subproducto de diligencia, inquietud, agotadas posibilidades, obsesión y contra obsesión. Pensó en el progreso. Pasó a través de fases seriales de exploración de secuencias armónicas, modos y ritmos múltiples; cuando reconoció una fase en una entrevista, generalmente buscaba la siguiente. En el apogeo del cuarteto clásico, a menudo no tenía tiempo ni espacio psíquico para estudiar y practicar. "Siempre ando por ahí tratando de mantener mi oído abierto para otras" Cosas favoritas "o algo así", le dijo al escritor Ralph Gleason en mayo de 1961. "No puedo meterme en la leñera como solía hacerlo. Soy comercial, hombre. "Más:" No tenía que preocuparme por eso, ya sabes, hacer un buen registro, porque eso no era importante. Tal vez debería simplemente regresar al cobertizo de madera y olvidarlo ". En ese momento, un registro como Both Directions podría parecer una admisión abierta de que él podría haber usado menos preocupación y más cobertizo de leña.

Lo que quiso decir con "otras" cosas favoritas "" podría haber sido un acto de contraintuición similar: una melodía dulce y sentimental hecha paranormal, una curiosidad que podría ir más allá de la audiencia normal de jazz y anclar un disco exitoso. Si "Vilia" estaba destinado a ese rol, no es lo suficientemente fuerte. "Impresiones", en Both Directions, en su primera grabación de estudio conocida, especialmente en 3, suena con un enfoque sublime. Pero no estoy seguro de que Coltrane juegue aquí mejor que dieciséis meses antes en el Village Vanguard, la versión en vivo que elegiría más tarde en 1963 cuando finalmente emitiera la melodía, en el registro de ese nombre. (Es complicado, lo sé.)

"Slow Blues" es el uno. No hay narrativa aquí, como a veces hubo con los originales de Coltrane; no se trata expresamente de amor, dificultades o alegría religiosa. Pero Coltrane se vuelve del revés. En primer lugar, las frases con movimientos vacíos, vacilantes, con espacio negativo; luego comienza a dar vueltas a las frases, repitiéndolas arriba y abajo de la bocina en patrones rápidos y brillantes, alcanzando sonidos inexpresables, volviéndose feos. (El solo de McCoy Tyner, siguiendo directamente a Coltrane, es ordenado y elegante, completo en su propia manera de contraste radical). Existe la idea de lo "nuevo", y luego hay algo como esta pista, que trasciende la carga de la novedad.

Me imagino tres posibles problemas que alguien podría haber tenido al poner "Slow Blues" en un registro en 1963. Uno es que, a los 11 minutos y medio, habría ocupado un tercio del registro. Dos es que un blues largo probablemente no sería comercialmente correcto a menos que hubiera algún tipo de historia adjunta. Y tres es que, como fue el caso con "Impresiones", "Slow Blues" no muestra explícitamente el progreso. Escuche a Coltrane en el largo y lento "Vierd Blues" del Sutherland Hotel en Chicago en 1961. No es una gran calidad de sonido, pero es excelente en todos los sentidos. "Slow Blues" crece de la misma raíz. No es un "mejor", realmente, pero es mejor tener más de él y estar mejor grabado. Es posible tomar en ambas direcciones a la vez, una parte de la cual se encuentra en medio de los estándares de Coltrane y otra extraordinaria por parte de cualquiera, sin pensar mucho en la posibilidad de aprobación o el progreso. En un caso ideal, ambas cualidades están sobrevaloradas de todos modos. Este es un caso ideal.

by Ben Ratliff

June 30 2018

https://pitchfork.com/reviews/albums/john-coltrane-both-directions-at-once-the-lost-album/

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Rodney Jones • Right Now!

 

Biography by Scott Yanow
An underrated cool-toned guitarist who sounds at his best in straight-ahead settings, Rodney Jones had his highest visibility during his period with Dizzy Gillespie (1976-1979), when he was in his early twenties. Jones had previously worked with Jaki Byard and recorded with Chico Hamilton, and he would follow the association with Gillespie by working for a time as Lena Horne's accompanist. As a leader, Jones has recorded for Timeless (in 1978 and 1981), the RR label, and in the late '80s for Minor Music.
https://www.allmusic.com/artist/rodney-jones-mn0000299275#biography

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Biografía de Scott Yanow
Rodney Jones, un infravalorado guitarrista de tonos fríos que suena mejor en entornos directos, tuvo su mayor visibilidad durante su periodo con Dizzy Gillespie (1976-1979), cuando tenía poco más de veinte años. Jones había trabajado anteriormente con Jaki Byard y grabado con Chico Hamilton, y tras su asociación con Gillespie trabajó durante un tiempo como acompañante de Lena Horne. Como líder, Jones ha grabado para Timeless (en 1978 y 1981), el sello RR, y a finales de los 80 para Minor Music.
https://www.allmusic.com/artist/rodney-jones-mn0000299275#biography

rodneyjones.com ...

Brian Charette • Groovin' with Big G

 

Groovin' With Big G was destined to come about. When a young Brian Charette was cutting his teeth on jazz piano gigs in his home state of Connecticut in the early '90s, he wound up working dates with drummer George Coleman Jr. The two struck up a friendship, and Coleman's encouragement helped Charette make the leap to New York a few years later. Coleman even let the budding pianist crash in his rehearsal studio for a spell.

Some time later, after transitioning into the world of jazz organ and going all in with the purchase of a Hammond B3, Charette's instrument took residence in that very same studio. There, this pair was free to practice and jam to its heart's content. On one particularly memorable occasion in said spot, the drummer's famed father—George Coleman, Sr., the Memphis Mafia tenor titan known for his unflagging attitude and virtuosity—dropped in to play with them. Whether they knew it or not at the time, the seeds for this album were planted at that very point.

Fast-forward more than two decades and we come to the moment when those aforementioned seeds began to sprout. The younger Coleman called Charette to see if he could join the elder in a gig in the saxophonist's hometown of Memphis, Tennessee. That fruitful collaboration, ultimately, led to this one.

A wonderfully limber outing wedding the Colemans with Charette and ace guitarist Vic Juris, Groovin' With Big G maintains the jam session vibe that these men are so accustomed to. The tunes, save for a soulful "Father And Son" credited to Charette and shaped by this foursome, are all jazz warhorses. But this crew doesn't view these standards with a sense of "been there, done that" apathy. Instead, these musicians make a few tweaks here and there, saddle up, and enjoy seeing where the ride takes them. A comfortably swinging "Stella By Starlight" sets things in motion and leads to a light-as-air "Body And Soul," a performance modified with a waltzing gait ; a streamlined trip through Tadd Dameron's "On A Misty Night" ends with an arrival at Lou Donaldson's "Alligator Boogaloo," where some zany Charette-isms lighten up the outro; and the closing triptych—a low-temperature "Autumn Leaves" enlivened by a vamping send-off, an appropriately tender "Never Let Me Go," and a quick jaunt through "Tenor Madness"—offers all parties some room to shine in various lights. As if we need a reminder about the saxophone-wielding Coleman's stature, Charette also includes a take on Herbie Hancock's "Maiden Voyage" as the centerpiece. It nods to Coleman's work on the original while inhabiting its own dreamy space.

There's such a natural fit from musician to musician and band to song here, and that shouldn't come as a real surprise. These men are in their element when digging into chestnuts like these, and this quartet is top-shelf all the way. The chance to hear Brian Charette grooving with George Coleman, Sr. and company is simply priceless.
By DAN BILAWSKY
July 4, 2018
https://www.allaboutjazz.com/groovin-with-big-g-brian-charette-steeplechase-records-review-by-dan-bilawsky.php

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Groovin' With Big G estaba destinado a producirse. Cuando un joven Brian Charette se iniciaba en el piano de jazz en su estado natal, Connecticut, a principios de los años 90, acabó trabajando con el baterista George Coleman Jr. Ambos entablaron una amistad, y el estímulo de Coleman ayudó a Charette a dar el salto a Nueva York unos años más tarde. Coleman incluso dejó que el pianista en ciernes se instalara en su local de ensayo durante un tiempo.

Un tiempo después, tras la transición al mundo del órgano de jazz y la compra de un Hammond B3, el instrumento de Charette se instaló en ese mismo estudio. Allí, esta pareja tenía libertad para practicar y tocar a su antojo. En una ocasión particularmente memorable en dicho lugar, el famoso padre del baterista -George Coleman, Sr., el titán tenor de la Mafia de Memphis conocido por su incansable actitud y virtuosismo- se presentó para tocar con ellos. Lo supieran o no en aquel momento, las semillas de este álbum se plantaron en ese mismo momento.

Si avanzamos más de dos décadas, llegamos al momento en el que esas semillas mencionadas empezaron a brotar. El Coleman más joven llamó a Charette para ver si podía unirse al mayor en un concierto en la ciudad natal del saxofonista, Memphis, Tennessee. Esa fructífera colaboración, en última instancia, dio lugar a ésta.

Groovin' With Big G, una maravillosa boda de los Coleman con Charette y el guitarrista Vic Juris, mantiene el ambiente de jam session al que estos hombres están tan acostumbrados. Las melodías, salvo la conmovedora "Father And Son", atribuida a Charette y creada por este cuarteto, son todos caballos de batalla del jazz. Pero este grupo no ve estos estándares con una sensación de apatía de "ya lo he hecho". En lugar de ello, estos músicos hacen algunos ajustes aquí y allá, ensillan y disfrutan viendo a dónde les lleva el viaje. Un "Stella By Starlight" cómodamente oscilante pone las cosas en movimiento y conduce a un "Body And Soul" ligero como el aire, una actuación modificada con un paso de vals; un viaje aerodinámico a través de "On A Misty Night" de Tadd Dameron termina con una llegada a "Alligator Boogaloo" de Lou Donaldson, donde algunos alocados Charette-ismos aligeran la salida; y el tríptico de cierre -un "Autumn Leaves" de baja temperatura animado por una despedida vampírica, un "Never Let Me Go" apropiadamente tierno, y una rápida excursión a través de "Tenor Madness"- ofrece a todas las partes algo de espacio para brillar en varias luces. Como si necesitáramos un recordatorio de la talla del saxofonista Coleman, Charette también incluye una versión de "Maiden Voyage" de Herbie Hancock como pieza central. Hace un guiño al trabajo de Coleman en el original mientras habita su propio espacio de ensueño.

Hay un ajuste natural de músico a músico y de banda a canción aquí, y eso no debería ser una verdadera sorpresa. Estos hombres se encuentran en su elemento cuando se adentran en canciones como éstas, y este cuarteto es de primera categoría en todo momento. La oportunidad de escuchar a Brian Charette bailando con George Coleman, Sr. y compañía no tiene precio.
Por DAN BILAWSKY
4 de julio de 2018
https://www.allaboutjazz.com/groovin-with-big-g-brian-charette-steeplechase-records-review-by-dan-bilawsky.php

www.briancharette.com ...