Rale Micic • Serbia

 

 

Rale Micic is one of the most successful and critically acclaimed jazz musicians to emerge from Serbia. Audiences throughout the world have been captivated by Micic’s mesmerizing music, exploring interaction between his Serbian musical roots and his extensive knowledge of jazz.

With three albums‘released on CTA Records, Rale Micic created cult-like following among music fans with his mix of jazz and haunting melodies from the Balkans. On his second release entitled Serbia, Micic establishes himself as one of the most inventive voices on the music scene today, featuring renowned Grammy-nominated trumpet player Tom Harrell, and was called “mellow, tight and tasteful” by Downbeat. His trio album, symbolically titled “3”, is an entrancing trio record described as “ a groove heavy record… pure listening pleasure”.

On his new album entitled Night Music (Whaling City Sound) , Rale looks closer to home for his inspiration. It features all new music, a modern day re-imaging of Bela Bartok’s idea of night music and what it would sound like in the city today.

Rale Micic has been featured in numerous publications including Downbeat, JazzTimes, LA Times, San Diego Tribune, Boston Globe, etc. He has performed at prominent jazz clubs and music festivals in US and Europe including Village Vanguard, Catalina Jazz Club, Blues Alley,, Scullers Jazz Club, Dizzy’s, Smalls, San Jose Jazz Festival, Hartford International Jazz Festival, etc.

As a sideman, Micic has worked with the jazz artists such as Tom Harrell, Don Friedman, Eric Alexander, Jason and Delfayo Marsalis, etc. He is a member of Tom Harrell Chamber Ensemble and is featured on critically acclaimed release First Impression (2015 High Note). Rale Micic plays Sadowsky guitars and D’Addario strings.
https://www.ralemicic.com/ralewp/?page_id=4149#about

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Rale Micic es uno de los músicos de jazz más exitosos y aclamados por la crítica que ha surgido de Serbia. El público de todo el mundo ha quedado cautivado por la hipnotizante música de Micic, que explora la interacción entre sus raíces musicales serbias y sus amplios conocimientos de jazz.

Con tres álbumes publicados en CTA Records, Rale Micic creó un culto entre los aficionados a la música con su mezcla de jazz y melodías inquietantes de los Balcanes. En su segundo disco, titulado Serbia, Micic se consolida como una de las voces más inventivas del panorama musical actual, con la colaboración del renombrado trompetista nominado al Grammy Tom Harrell, y fue calificado de "suave, ajustado y de buen gusto" por Downbeat. Su álbum de trío, titulado simbólicamente "3", es un disco de trío fascinante, descrito como "un disco lleno de groove... puro placer de escuchar".

En su nuevo álbum, titulado Night Music (Whaling City Sound), Rale se inspira en su país. El álbum contiene música nueva, una reimaginación moderna de la idea de Bela Bartok sobre la música nocturna y cómo sonaría en la ciudad hoy en día.

Rale Micic ha aparecido en numerosas publicaciones como Downbeat, JazzTimes, LA Times, San Diego Tribune, Boston Globe, etc. Ha actuado en destacados clubes de jazz y festivales de música de Estados Unidos y Europa, como el Village Vanguard, el Catalina Jazz Club, el Blues Alley, el Scullers Jazz Club, el Dizzy's, el Smalls, el San Jose Jazz Festival, el Hartford International Jazz Festival, etc.

Como sideman, Micic ha trabajado con artistas de jazz como Tom Harrell, Don Friedman, Eric Alexander, Jason y Delfayo Marsalis, etc. Es miembro del Tom Harrell Chamber Ensemble y aparece en el aclamado lanzamiento First Impression (2015 High Note). Rale Micic toca guitarras Sadowsky y cuerdas D'Addario.
https://www.ralemicic.com/ralewp/?page_id=4149#about


https://www.ralemicic.com/ralewp/

Colaborador / Contributor:  Mich58

Key Depositfiles for 24hs

 

 

 How to activate pass-Gold:
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At the bottom of the web page it states:
“If you have (purchased) a Gold key and wish to activate it, enter it here and click Activate”.

Please, if you already have a DepositFiles pass, refrain from participating to give other blog visitors the opportunity to benefit. 

It is important, and I would appreciate it if whoever is fortunate enough to achieve this would comment that they have done so.

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Cómo activar pass-Gold:
Una vez registrado ira a
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Al pie de la página web se indica:
"Si usted tiene (ha comprado) una clave Gold y desea activarla, introdúzcala aquí y haga clic en Activar"

Por favor, si ya cuentas con un pase para DepositFiles, abstente de participar para dar oportunidad a otros visitantes del blog de beneficiarse. 

Es importante y agradecería que quien sea el afortunado, que comente que ya lo ha logrado.

 

James Brown • Living In America-The Best Of

 

Don Byas • Amoureusement Votre

 

Don Byas was one of the most respected and recorded tenor players of the 1940’s. In that fruitful period he had few peers in the the area of prolific productivity. Byas was a masterful swing player with his own style, an advanced sense of harmony, and a confidence and adventurousness that found him hanging around the beboppers and asking to play. He held his own and did so while insistently remaining himself: he never picked up the rhythmic phrases, the lightning triplets, which are indigenous to bop. Yet Charlie Parker said of him that Byas was playing everything there was to play.

Born in Muskogee, Oklahoma, in 1912, he played alto as a teenager, subbing in territorial bands like Bennie Moten's and Walter Page's Blue Devils. As a student at Langston College, he led his own band, Don Byas and the Collegiate Ramblers. Between 1933, when he switched to tenor, and 1941, he worked with a variety of bands, first in California and then New York--among them: Buck Clayton, Lionel Hampton, Eddie Barefield, Eddie Mallory, Lucky Millinder, Andy Kirk and Redman. In January '41, he became Lester Young's successor in the Count Basie band and quickly established his abilities, cementing his reputation.

Byas' style evolved in the lush, full-bodied tenor tradition of Coleman Hawkins, but his sound was unmistakably his own, immediately recognizable. A master of technique, he accomplished both tender warmth and the most strident sting. His sense of drama coupled with a brilliant use of dynamics and timbre, a deeply-felt romanticism, and an innate sense of swing made his improvisations unique.

When he left for Europe in the fall of 1946 with the Don Redman band, his reputation was at its peak. Admired by the modernists and the traditional swingers, he was celebrated as a tireless, original and influential saxophonist. His solo on Basie's “Harvard Blues” had created a stir in 1941 and he followed it with a remarkable series of recordings for small labels. In his romantic approach to “Laura,” he had something of a hit.

He stayed in Europe, where he was quite the star in France, then the Netherlands, becoming the first in a continuously expanding family of expatriate jazzmen. Although Byas was much in demand by the jazz-appreciative Europeans, he was largely forgotten back home. Few of his records were available here and without personal appearances it is difficult, if not impossible, to sustain a following. He returned to the U.S. once, in the summer of 1970, received little of the money or adulation he might have expected, and returned to Holland where he died in August 1972 of lung cancer. He was 59.

https://musicians.allaboutjazz.com/donbyas

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Don Byas fue uno de los tenoristas más respetados y grabados de la década de 1940. En ese fructífero período tuvo pocos pares en el área de la productividad prolífica. Byas era un maestro del swing con su propio estilo, un avanzado sentido de armonía, y una confianza y aventuras que lo encontraron merodeando entre los beboppers y pidiendo jugar. Se mantuvo firme y lo hizo mientras insistía en seguir siendo él mismo: nunca recogió las frases rítmicas, las trillizas relámpago, que son autóctonas del bop. Sin embargo, Charlie Parker dijo de él que Byas estaba tocando todo lo que había que tocar.

Nacido en Muskogee, Oklahoma, en 1912, tocó alto en su adolescencia, subtitulando en bandas territoriales como Bennie Moten's y Walter Page's Blue Devils. Como estudiante en Langston College, dirigió su propia banda, Don Byas and the Collegiate Ramblers. Entre 1933, cuando cambió a tenor, y 1941, trabajó con una variedad de bandas, primero en California y luego en Nueva York, entre ellas: Buck Clayton, Lionel Hampton, Eddie Barefield, Eddie Mallory, Lucky Millinder, Andy Kirk y Redman. En enero de 1941, se convirtió en el sucesor de Lester Young en la banda Count Basie y rápidamente estableció sus habilidades, consolidando su reputación.

El estilo de Byas evolucionó en la exuberante tradición del tenor Coleman Hawkins, pero su sonido era inconfundiblemente suyo, inmediatamente reconocible. Maestro de la técnica, logró tanto la calidez tierna como el aguijón más estridente. Su sentido del drama, junto con un uso brillante de la dinámica y el timbre, un romanticismo profundo y un sentido innato del swing, hicieron que sus improvisaciones fueran únicas.

Cuando se fue a Europa en el otoño de 1946 con la banda de Don Redman, su reputación estaba en su apogeo. Admirado por los modernistas y los swingers tradicionales, fue celebrado como un saxofonista incansable, original e influyente. Su solo en "Harvard Blues" de Basie había creado un gran revuelo en 1941 y lo siguió con una notable serie de grabaciones para pequeños sellos discográficos. En su romántica aproximación a "Laura", tuvo algo de éxito.

Se quedó en Europa, donde fue una gran estrella en Francia, luego en los Países Bajos, convirtiéndose en el primero de una familia de jazzistas expatriados en continua expansión. Aunque Byas era muy solicitado por los europeos apreciados por el jazz, fue olvidado en su país. Pocas de sus grabaciones estaban disponibles aquí y sin apariciones personales es difícil, si no imposible, mantener a sus seguidores. Regresó a los Estados Unidos una vez, en el verano de 1970, recibió poco del dinero o la adulación que hubiera esperado, y regresó a Holanda donde murió en agosto de 1972 de cáncer de pulmón. Tenía 59 años.

https://musicians.allaboutjazz.com/donbyas

Royce Campbell • All Standards ... And A Blues

 

Biography
by Rovi Staff
Royce Campbell's blues-influenced, hyper-relaxed jazz-guitar playing has earned him accolades as a solo performer and made him a sought-after session musician. His first experience came touring the U.S. in Marvin Gaye's band, before being tapped by Henry Mancini, in whose orchestra Campbell stayed for two decades; Campbell's gentle, flowing swing formed a subtle backdrop for the composer's ever-cinematic works. A versatile performer, Campbell's expert guitar graced recordings of everyone from Dave Brubeck to Liza Minnelli to Sarah Vaughan. In the '90s, Campbell stepped out under his own name, starting with the dreamily melodic Nighttime Daydreams in 1990, and eventually extending to several dozen recordings.
https://www.allmusic.com/artist/royce-campbell-mn0000851616/biography

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Biografía
por el Personal de Rovi
La guitarra de jazz hiper relajada e influenciada por el blues de Royce Campbell le ha valido elogios como solista y lo ha convertido en un músico de sesión muy solicitado. Su primera experiencia fue de gira por los Estados Unidos en la banda de Marvin Gaye, antes de ser tocado por Henry Mancini, en cuya orquesta Campbell permaneció durante dos décadas; el suave y fluido swing de Campbell formó un sutil telón de fondo para las obras siempre cinematográficas del compositor. Intérprete versátil, la guitarra experta de Campbell adornó grabaciones de todos, desde Dave Brubeck hasta Liza Minnelli y Sarah Vaughan. En los años 90, Campbell salió bajo su propio nombre, comenzando con los ensoñadores Sueños melódicos nocturnos en 1990, y eventualmente extendiéndose a varias docenas de grabaciones.
https://www.allmusic.com/artist/royce-campbell-mn0000851616/biography


www.roycecampbell.net ...

Jerry Kennedy • Dancing Guitars Rock Elvis' Hits

 

American producer, guitarist and dobro player born in Shreveport, Louisiana, USA, on 10th August 1940. Often associated with Shelby S Singleton Jr.
Often incorrectly credited for co-writing Elvis Presley's song "Way Down" actually written by Layng Martine Jr. in 1977. He co-wrote a song by the same name with Leon Martin in 1963.
https://www.discogs.com/artist/322813-Jerry-Kennedy

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Productor, guitarrista y dobro estadounidense nacido en Shreveport, Luisiana, Estados Unidos, el 10 de agosto de 1940. A menudo se le asocia con Shelby S Singleton Jr.
A menudo se le atribuye incorrectamente la autoría de la canción de Elvis Presley "Way Down", escrita en realidad por Layng Martine Jr. en 1977. Co-escribió una canción con el mismo nombre con Leon Martin en 1963.
https://www.discogs.com/artist/322813-Jerry-Kennedy

Grumpy Old Rock Star: and Other Wondrous Stories (Rick Wakeman)

 

Around about September 1948, Mr and Mrs Cyril Wakeman had an early night and some time later, at Perivale in Middlesex, Mrs Wakeman produced a bonny baby son. They named him Richard, but he quickly became known as Rick. Later he joined a popular music group called Yes and became a legend.

 

Historia de la Guitarra • Martín Pedreira

La presente selección de textos tiene como objetivo suministrar una información básica sobre la historia de la guitarra española desde sus probables orígenes y posterior evolución, hasta aproximadamente mediados del pasado siglo, momento que hoy podríamos calificar de una definida universalización de su modalidad concertante.

VA • Jazz Dispensary Cosmic Stash, 4 Vols.

 

Carles Benavent & Salvador Font • Mantequilla

Carles Benavent (Barcelona, 1 de marzo de 1954) es un músico español de flamenco y de jazz.

Carles Benavent es natural del barrio del Poble-sec en Barcelona. Bajista, aunque también dobla con la mandolina y la mandola, Benavent ha tocado con Paco de Lucía, Chick Corea y Miles Davis, y es habitual verle tocar con Jorge Pardo. Benavent que ha trabajado en los últimos años el llamado nuevo flamenco, especialmente desde su colaboración con Paco de Lucía, que dejó como muestra el impresionante "Live in America" (1993).

A los 13 años forma el grupo 'Crac' (que hace una mezcla de blues, jazz y rock, como otros muchos grupos de la época) con Salvador Font (batería) y Emili Baleriola (guitarra).
1971 - Los miembros de 'Crac' se incorporan a Máquina!, banda que marca un hito en la música española de la época.
1973 a 1974 - Alterna trabajos con grupos de jazz y música brasileña.
1975 - Funda, junto a Joan Albert Amargós (tec.), Salvador Font (bat.), Luigi Cabanach (guit.) y Lucky Guri (tec.) el grupo 'Música Urbana'. Después de dejar el grupo primero Guri y más tarde Cabanach, se incorporarían Jordi Bonell (guit.), Jaume Cortadellas (flauta travesera y flautín) y Matthew L. Simon (trompeta, fliscorno y onoven; éste último es el fliscorno en mi bemol). Con este plantel grabarían en RCA el disco "Iberia", donde ya se aprecia claramente la maestría del bajista.
1979 - Toca en diversas formaciones jazzísticas con músicos como Kitflus, el violinista Mantequilla (Salvador Font el padre), Tito Duarte y Max Sunyer, con el cual funda un trío juntamente con Salvador Niebla. Éste año se forma también un efímero grupo para actuaciones en directo: Funky-jazz 80, con Benavent, Vladimiro Bas y Kitflus entre otros músicos.
1980 - En este año entra a formar parte del grupo de Paco de Lucía, realizando giras por Europa, América y Japón, compartiendo escenario con Jorge Pardo, Rubem Dantas y Ramón de Algeciras entre otros.
1981 - A partir de ahora colabora en numerosas producciones discográficas flamencas: algunas de Camarón de la Isla y Paco de Lucía se cuentan entre las más conocidas.
1982 - Entra en contacto con Chick Corea, con el que graba dos álbumes y realiza dos giras por todo el mundo.
En los años 80 formó parte del grupo intermitente "Puente Aéreo", en el que se daban cita músicos afincados en Madrid y en Barcelona: Tito Duarte, Jorge Pardo, Joan Albert Amargós, Kitflus, Max Sunyer, Jordi Bonell, Pedro Ruy-Blas, Rubem Dantas, Salvador Font el hijo...
1983 - Graba su primer disco como solista, disco que también es editado en Alemania, Suiza y Austria. Debuta con su propia banda en el IV Festival de Jazz de Madrid, y forma grupo con Jorge Pardo, con el que graba dos discos.
1985 - Publica su primer disco junto a Joan Albert Amargós: "Dos de Copas". Junto a Jorge Pardo, participa en los festivales internacionales de Estambul y Cork.
1986 - Actúa en el festival de Grenoble con Jorge Pardo. Recibe el premio especial de la crítica otorgado por RNE / RTVE y la revista Quártica Jazz.
1987 a 1988 - Continúa realizando giras por todo el mundo con el sexteto de Paco de Lucía, y colabora con el violinista francés Didier Lockwood, y con la banda de Bernard Lubat en Francia.
1989 - Con el grupo Flamenco Fusión actúa en Nueva York con Michel Camilo y Paquito D'Rivera. Graba su segundo disco con Joan Albert Amargós ("Colors"), que cuenta con la colaboración de Didier Lockwood entre otros.
1990 - Es invitado, junto a Jorge Pardo, el pianista y últimamente también acordeonista Gil Goldstein, Don Alias y Alex Acuña, a dar un concierto especial en la TV Suiza (Schweizer Fernsehen); ese concierto da lugar a actuaciones de la banda en Nueva York en octubre del mismo año y a la grabación de un disco a nombre de Gil Goldstein ("Zebra Coast") para la compañía Blue Note. A partir de entonces, Gil Goldstein colabora habitualmente en los discos de Carles Benavent.
1991 - Es invitado a tocar en un concierto especial en homenaje a Gil Evans con Miles Davis y Quincy Jones en el Festival de Jazz de Montreux. Ese concierto también queda registrado en un álbum: "Live in Montreux".
1992 - Se presenta en el Town Hall de Nueva York junto a Jorge Pardo, invitados por el New Music Seminar. En julio del mismo año participan en el proyecto alemán Jazzpaña con la big band de la WDR de Colonia, con arreglos y dirección de Ariff Mardin y Vince Mendoza.
1994: Es galardonado por la Generalidad de Cataluña como mejor músico de jazz del año.
1995: Edita su cuarto disco como solista ("Agüita que corre"). El 4 de abril de ese año sufre un grave accidente de coche que le tendrá alejado de los escenarios durante un año.
1996: Justo al cumplirse un año del accidente, comienza una gira por europa con Paco de Lucía y reaparece con su grupo en julio del mismo año, actuando en el Festival de Jazz de Getxo y en Barcelona, donde también graba su quinto disco ("Fénix"), en el que interviene, además de sus colaboradores habituales, Othello Molineaux, que toca el steel drum, bidón de metal de Trinidad, y algún instrumento parecido.
1998/99: Forma el trío 'Pardo, Benavent, Di Geraldo', (con el que sigue trabajando actualmente, se graba una de las actuaciones del trío ("El concierto de Sevilla") en diciembre de 1999.
2000: Gira en enero por Inglaterra con el "Homenaje de cumpleaños a Don Alias" con el mismo Don Alias, Alex Acuña, Giovanni Hidalgo, Steve Barrios, Michael Brecker, Randy Brecker y Gil Goldstein.
2002: Edita su séptimo disco ("Aigua"), galardonado como el mejor disco de jazz del año por los 'Premios de la Música'
2003: Forma otro trío con Jordi Bonell y Roger Blavia. Es invitado, junto a Jorge Pardo, Tino Di Geraldo y Gil Goldstein a participar en el Festival de Jazz de Vitoria, en el que tocan con Pat Metheny.
2004: Vuelve a trabajar con Chick Corea juntamente con Jorge Pardo, Rubem Dantas y Tommy Brechtlein: hacen giras por Europa y Estados Unidos con el nombre de Chick Corea & Touchstone. En septiembre del mismo año, actúa en Barcelona con sus "Benavent 3 Trios": uno de esos tríos es con Jordi Bonell y Roger Blavia; otro, con Gil Golstein y Jordi Rossy; y el otro, con Jorge Pardo y Tino di Geraldo... y de nuevo la colaboración especial de Othello Molineaux. Graba con Jorge y Tino un nuevo disco: "Sin Precedentes".
2005: Graba con Chick Corea, Steve Gadd, Vinnie Colaiuta, Hubert Laws, Airto Moreira, Hossam Ramzy y Tim Garland el disco The Ultimate Adventure, de la Chick Corea & "Touchstone Band, con la cual sigue haciendo giras por los Estados Unidos, Europa y América Latina.
2009: Colabora en el nuevo disco del guitarrista italiano Flavio Sala, titulado De La Buena Onda.
2011: Colabora en el disco Ondines ballen del arpista catalán Josep-Maria Ribelles, en el tema Vent de novembre.

Salvador Font MANTEQUILLA

info en catalán ...

Salvador Font "Mantequilla", saxofonista de referencia en la historia del jazz español, reconvertido en violinista después de algunos problemas respiratorios y que se estableció en Mallorca a finales de los 60.

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Carles Benavent (Barcelona, ​​March 1, 1954) is a Spanish flamenco and jazz musician.

Carles Benavent is a native of the Poble-sec neighborhood in Barcelona. Bassist, although he also doubles with the mandolin and the mandola, Benavent has played with Paco de Lucía, Chick Corea and Miles Davis, and it is usual to see him play with Jorge Pardo. Benavent who has worked in recent years the so-called new flamenco, especially since his collaboration with Paco de Lucía, which left as a sample the impressive "Live in America" ​​(1993).

At age 13, he forms the group 'Crac' (which mixes blues, jazz and rock, like many other bands of the time) with Salvador Font (drums) and Emili Baleriola (guitar).

1971 - The members of 'Crac' join Machine !, a band that marks a milestone in Spanish music of the time.

1973 to 1974 - Alternate works with jazz groups and Brazilian music.

1975 - Funda, together with Joan Albert Amargós (tec.), Salvador Font (bat.), Luigi Cabanach (guit.) And Lucky Guri (tec.) The group 'Música Urbana'. After leaving the group first Guri and later Cabanach, Jordi Bonell (guit.), Jaume Cortadellas (flute and flute) and Matthew L. Simon (trumpet, flugelhorn and onoven, the latter is the flugelhorn in E flat) would join. . With this establishment they would record in RCA the album "Iberia", where the mastery of the bass player is already clearly appreciated.

1979 - He plays in various jazz formations with musicians such as Kitflus, the violinist Mantequilla (Salvador Font el padre), Tito Duarte and Max Sunyer, with whom he founded a trio together with Salvador Niebla. This year also forms an ephemeral group for live performances: Funky-jazz 80, with Benavent, Vladimiro Bas and Kitflus among other musicians.

1980 - In this year he joined the group of Paco de Lucía, touring Europe, America and Japan, sharing the stage with Jorge Pardo, Rubem Dantas and Ramón de Algeciras among others.

1981 - From now on he collaborates in numerous flamenco record productions: some of Camarón de la Isla and Paco de Lucía are among the best known.

1982 - He comes in contact with Chick Corea, with whom he records two albums and makes two tours around the world.

In the 80s he was part of the intermittent group "Puente Aéreo", which brought together musicians based in Madrid and Barcelona: Tito Duarte, Jorge Pardo, Joan Albert Amargós, Kitflus, Max Sunyer, Jordi Bonell, Pedro Ruy-Blas , Rubem Dantas, Salvador Font the son ...

1983 - Records his first solo album, a disc that is also released in Germany, Switzerland and Austria. He debuted with his own band at the IV Jazz Festival of Madrid, and formed a group with Jorge Pardo, with whom he recorded two albums.

1985 - He publishes his first album with Joan Albert Amargós: "Dos de Copas". Together with Jorge Pardo, he participates in the international festivals of Istanbul and Cork.

1986 - Acts at the Grenoble festival with Jorge Pardo. Receives the special award of the critique awarded by RNE / RTVE and the magazine Quártica Jazz.

1987 to 1988 - Continues to tour around the world with Paco de Lucía's sextet, and collaborates with French violinist Didier Lockwood, and with Bernard Lubat's band in France.

1989 - With the Flamenco Fusión group he performs in New York with Michel Camilo and Paquito D'Rivera. He recorded his second album with Joan Albert Amargós ("Colors"), which has the collaboration of Didier Lockwood among others.

1990 - He is invited, along with Jorge Pardo, the pianist and lately also accordionist Gil Goldstein, Don Alias ​​and Alex Acuña, to give a special concert in the Swiss TV (Schweizer Fernsehen); that concert gives rise to performances by the band in New York in October of the same year and to the recording of a record in the name of Gil Goldstein ("Zebra Coast") for the company Blue Note. From then on, Gil Goldstein regularly collaborates on the discs of Carles Benavent.

1991 - He is invited to play at a special concert in homage to Gil Evans with Miles Davis and Quincy Jones at the Montreux Jazz Festival. That concert is also recorded in an album: "Live in Montreux".

1992 - He appears at the Town Hall in New York with Jorge Pardo, invited by the New Music Seminar. In July of the same year they participated in the German project Jazzpaña with the big band of the WDR of Cologne, with arrangements and direction by Ariff Mardin and Vince Mendoza.

1994: He is awarded by the Generalitat of Catalonia as the best jazz musician of the year.

1995: Edits his fourth album as a soloist ("Agüita que corre"). On April 4 of that year he suffers a serious car accident that will take him away from the stage for a year.

1996: Just one year after the accident, he began a tour of Europe with Paco de Lucía and reappeared with his group in July of the same year, performing at the Getxo Jazz Festival and in Barcelona, ​​where he also recorded his fifth album (" Fénix "), in which it intervenes, in addition to its usual collaborators, Othello Molineaux, who plays the steel drum, metal drum of Trinidad, and some similar instrument.

1998/99: Formed the trio 'Pardo, Benavent, Di Geraldo', (with which he continues to work at the moment, one of the trio's performances is recorded ("El concierto de Sevilla") in December 1999.

2000: Tour in January for England with the "Homage to Don Alias ​​birthday" with the same Don Alias, Alex Acuna, Giovanni Hidalgo, Steve Barrios, Michael Brecker, Randy Brecker and Gil Goldstein.

2002: Edits his seventh album ("Aigua"), awarded as the best jazz album of the year by the 'Premios de la Música'

2003: Form another trio with Jordi Bonell and Roger Blavia. He is invited, along with Jorge Pardo, Tino Di Geraldo and Gil Goldstein to participate in the Jazz Festival of Vitoria, where they play with Pat Metheny.

2004: He returns to work with Chick Corea along with Jorge Pardo, Rubem Dantas and Tommy Brechtlein: they tour around Europe and the United States under the name of Chick Corea & Touchstone. In September of the same year, he performed in Barcelona with his "Benavent 3 Trios": one of those trios is with Jordi Bonell and Roger Blavia; another, with Gil Golstein and Jordi Rossy; and the other, with Jorge Pardo and Tino di Geraldo ... and again the special collaboration of Othello Molineaux. Record with Jorge and Tino a new album: "Without Precedents".

2005: He records with Chick Corea, Steve Gadd, Vinnie Colaiuta, Hubert Laws, Airto Moreira, Hossam Ramzy and Tim Garland the album The Ultimate Adventure, by Chick Corea & "Touchstone Band, with which he continues to tour the United States, Europe and Latin America

2009: Contributes to the new album by Italian guitarist Flavio Sala, entitled De La Buena Onda.

2011: Collaborates in the album Ondines ballen of the Catalan harpist Josep-Maria Ribelles, on the theme Vent de novembre.


Salvador Font BUTTER

info in Catalan ...

Salvador Font "Mantequilla", a reference saxophonist in the history of Spanish jazz, who became a violinist after some respiratory problems and who settled in Mallorca at the end of the 60s.

Tyree Glenn • At The London House In Chicago

 

 

Album Notes:
Tyree Glenn is one of those rare artists who manages to convey his own personality through his music. The very essence of his character is in his performances. He is by nature a warm, happy-go-lucky gregarious sort who would prefer to always leave you laughing. This is not to say that Tyree doesn’t have his serious moments, it’s just that by his very make-up he rarely comes upon such moments. This is the nature of the man, and this too is the nature of the artist. His music is smart, light, effervescent, often tongue in check—and always a delight to hear. This collection depicts Tyree’s successful stand at the famed London House in Chicago. For this purpose, Tyree has brought together some of the greatest musicians now playing. Together they mix some old and new favorites with a verve and bounce that belies the fact that some of these songs have been performed many times, by many artists. Tyree’s lightning fast arrangement on the vibes on “Avalon” or his slow, “two beat gut” raucous trombone rendition of “Lonsome Road” are just two examples of Tyree and the group’s sparkling originality with the songs in this set. Tyree Glenn is a personality worth meeting and the best way to meet and know him is to hear him. Whether live at the London House in Chicago, or at your house on the phonograph, Tyree Glenn is always fun and it’s always a pleasure to have him around...

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Notas del álbum:
Tyree Glenn es uno de esos raros artistas que consigue transmitir su propia personalidad a través de su música. La esencia misma de su carácter está en sus actuaciones. Es, por naturaleza, un tipo cálido, alegre y gregario que prefiere dejarte siempre riendo. Esto no quiere decir que Tyree no tenga sus momentos serios, sino que, por su propia naturaleza, rara vez se encuentra con esos momentos. Esta es la naturaleza del hombre, y esta también es la naturaleza del artista. Su música es inteligente, ligera, efervescente, a menudo con la lengua en ristre, y siempre es un placer escucharla. Esta colección recoge el exitoso stand de Tyree en la famosa London House de Chicago. Para ello, Tyree ha reunido a algunos de los más grandes músicos que están tocando en la actualidad. Juntos mezclan algunos favoritos antiguos y nuevos con un brío y rebote que desmiente el hecho de que algunas de estas canciones han sido interpretadas muchas veces, por muchos artistas. Los rápidos arreglos de Tyree con el vibráfono en "Avalon" o su lenta y estridente interpretación con el trombón de "Lonsome Road" son sólo dos ejemplos de la chispeante originalidad de Tyree y el grupo con las canciones de este conjunto. Tyree Glenn es una personalidad que merece la pena conocer y la mejor manera de conocerlo es escuchándolo. Ya sea en directo en el London House de Chicago, o en tu casa en el fonógrafo, Tyree Glenn siempre es divertido y siempre es un placer tenerlo cerca...

John Zorn-Bill Frisell-Julian Lage-Gyan Riley • Virtue

 

 

 

 

 

 

 Colaborador / Contributor:  Mich58

 

 

Eddie Pianola Barnes • Honky Tonk Piano

 

Lee Konitz & The Gerry Mulligan Quartet • Konitz Meets Mulligan

 

Tony Lakatos • Nothing Like A Ballad

 

He was born in a musician family in Budapest, Hungary. His Father was a famous gipsy violinist as well as his younger Brother Roby. The musical study began on the violin at the age of 6. Began to play the saxophone when he was 15 years old, and became a professional musician when he won a national jazz competition in 1977. He graduated from the jazz department of the Bela Bartók Conservatory in Budapest 1979. Shortly after he moved to Germany in 1981, became one of the most respected saxophone player in Germany as well as worldwide. He performed as a saxophone soloist in numerous jazz/pop/rock recordings and concerts. Tony has played the saxophone about 350 LP/CD recordings as a leader or as a sideman.

From 1985 thru 1996 member of the succesful PILI-PILI Band ( leading by Jasper Van't Hof )

He has been living in Germany since 1981, Frankfurt am Main since 1993 and working as a soloist in the H. R. Big band - Radio station.

Tony Lakatos was the first Hungarian musician who appeared on the Gavin Report Top Ten in the American Jazz Music Radio with his CDs.
1. 1993 "Recycling"(jazzline) Feat. Kirk Lightsey (piano) and Al Foster (drums) was the seventh best CD.
2. 1994 "The News" (jazzline)Feat. Kirk Lightsey (piano), George Mraz (bass) and Al Foster (drums) won the fourth place.

In 1997 a CD " Generation X " (jazzline) came out with American world star trumpeter Randy Brecker.

He is continually touring in Japan with his own formations, and signed an exclusive contract with SKIP RECORDS in year 2002.

The recording of Gerschwin‘s “Porgy&Bess“ with the Frankfurt Radio BigBand won the “Deutsche Schallplatten Preis“ 2009

Tony Lakatos has been touring in all countries of Europe, in the USA,Canada, Japan, South Africa, Lebanon,India,Thailand, Singapore,Taiwan,China and many other parts of the world.
http://www.tonylakatos.com/Tony_Lakatos/BIO.html

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Nació en una familia de músicos en Budapest, Hungría. Su padre era un famoso violinista gitano, así como su hermano menor Roby. El estudio musical comenzó con el violín a los 6 años. Comenzó a tocar el saxofón cuando tenía 15 años, y se convirtió en músico profesional cuando ganó un concurso nacional de jazz en 1977. Se graduó en el departamento de jazz del Conservatorio Bela Bartók de Budapest en 1979. Poco después de mudarse a Alemania en 1981, se convirtió en uno de los saxofonistas más respetados en Alemania y en todo el mundo. Actuó como solista de saxofón en numerosas grabaciones y conciertos de jazz/pop/rock. Tony ha tocado el saxofón en unas 350 grabaciones de LP / CD como líder o acompañante.

De 1985 a 1996 miembro de la exitosa PILI-PILI Band (liderada por Jasper Van't Hof )

Vive en Alemania desde 1981, Frankfurt am Main desde 1993 y trabaja como solista en la estación de radio H. R. Big band.

Tony Lakatos fue el primer músico húngaro que apareció en el Top Ten de Gavin Report en la Radio Estadounidense de Música Jazz con sus CD.
1. 1993 "Reciclaje" (jazzline) Feat. Kirk Lightsey (piano) y Al Foster (batería) fue el séptimo mejor CD.
2. 1994 "Las noticias" (jazzline)Feat. Kirk Lightsey (piano), George Mraz (bajo) y Al Foster (batería) ganaron el cuarto lugar.

En 1997 salió un CD "Generation X" (jazzline) con el trompetista estrella mundial estadounidense Randy Brecker.

Él está continuamente de gira en Japón con sus propias formaciones, y firmó un contrato exclusivo con SKIP RECORDS en el año 2002.

La grabación de "Porgy&Bess" de Gerschwin con la BigBand de Frankfurt Radio ganó el "Deutsche Schallplatten Preis" 2009

Tony Lakatos ha estado de gira por todos los países de Europa, Estados Unidos, Canadá, Japón, Sudáfrica, Líbano, India, Tailandia, Singapur, Taiwán, China y muchas otras partes del mundo.
http://www.tonylakatos.com/Tony_Lakatos/BIO.html


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Nat Adderley • Sayin' Somethin'

 

Review
by Scott Yanow
Cornetist Nat Adderley was at the peak of his powers in the mid-1960's. This Atlantic issue has four quintet numbers with tenor-saxophonist Joe Henderson (three also feature pianist Herbie Hancock) plus four tunes in which Nat is part of an 11-piece group. He plays quite well on such songs as "Cantaloupe Island," "Hippodelphia," "Gospellete" and even the then-current pop tune "Call Me," making this set one to search for.
https://www.allmusic.com/album/sayin-somethin-mw0000870948

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Revisión
por Scott Yanow
El cornetista Nat Adderley estaba en la cima de sus poderes a mediados de los años 60. Esta edición de Atlantic tiene cuatro números de quinteto con el tenor-saxofonista Joe Henderson (tres también cuentan con el pianista Herbie Hancock) más cuatro melodías en las que Nat es parte de un grupo de 11 piezas. Toca muy bien canciones como "Cantaloupe Island", "Hippodelphia", "Gospellete" e incluso el tema pop de entonces "Call Me", lo que hace que este conjunto sea uno de los que hay que buscar.
https://www.allmusic.com/album/sayin-somethin-mw0000870948

Clifton Chenier • Squeezebox Boogie

 

Hal McKusick Quartet • The Complete Barry Galbraith, Milt Hinton And Osie Johnson Recordings

 

 

Colaborador / Contributor:  Michel

Leroy Holmes And His Orchestra • Music From The Modern Screen

 

Quincy Jones • This Is How I Feel About Jazz

 

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Önder Focan & David Friesen ‎• REMinisce

 

 

Önder Focan started music by playing mandolin at the age of 8. He switched to guitar at 15 and concentrated on jazz in 1975. Being mainly self- taught, he has become a jazz musician most sought after as a guitarist, player, composer arranger and lyrics writer. In 1986,  he got married to Zuhal Focan withn whom founded Nardis Jazz Club in 2002.

Focan improved his skills in music and teaching by attending seminars by IAJE (International Association for Jazz Musicians). From 1996 to 1999, he conducted Jazz Ensemble courses at the Istanbul Academy. In 1997, he performed in the Guitar Night that was organized by MIDEM (Marché International du Disque et de l’Edition Musicale) with 11 international guitarists representing Istanbul Culture and Arts Fund (IKSV).

Between the years of 2001 and 2005, he taught harmony classes at Mujdat Gezen Art Centre where he was elected as the best artist in Western Music in 2000. At Yildiz Technical University, he lectured “Jazz Styles in Analysis” in 2003-2004 and also “Jazz Guitar” in 2006-2007.

Since 2002, he has been the art director of Nardis Jazz Club, where he organizes concerts for more than 315 musicians and accompanies them on stage every year. Some of these musicians are Benny Golson, Kurt Elling, Dianne Reeves, Al Foster, Dee Dee Bridgewater, Roy Haynes, Tierney Sutton, Kenny Drew Jr, Roseanne Vitro, Christian Mc Bride, Roy Hargrove, Ron Carter and majority of top local musicians.

Always valuing and recognizing social responsibility projects, Focan has directed and the coordinated IPMN (Istanbul – Pori Music Networking). This project supported jazz education, enabling young musicians to have experience on stage in both cities, Istanbul and Pori.

He has released 13 CD’s. In 1998, featuring the great drummer Bill Stewart and Hammond B3 player Sam Yahel, his album

“Beneath The Stars” honored him as the first Turkish Jazz musician to have released an album on Blue Note label.
He has participated in 94 Festivals, while 43 have taken place in various cities in Turkey, the other 51 have been in other countries such as the USA (Los Angeles), France, Germany, China, Malta, Italy, Brazil, Senegal, Indiana, Finland, Australia, Jordan, Hungary, Switzerland, Croatia and Estonia.
http://focanjazz.com/bio/

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Önder Focan se inició en la música tocando la mandolina a los 8 años, se pasó a la guitarra a los 15 y se concentró en el jazz en 1975. Siendo principalmente autodidacta, se ha convertido en un músico de jazz muy solicitado como guitarrista, intérprete, compositor, arreglista y escritor de letras. En 1986 se casó con Zuhal Focan, con quien fundó el Nardis Jazz Club en 2002.

Focan se perfeccionó en la música y la enseñanza asistiendo a seminarios de la IAJE (Asociación Internacional de Músicos de Jazz). De 1996 a 1999, dirigió cursos de conjuntos de jazz en la Academia de Estambul. En 1997, actuó en la Noche de la Guitarra que organizó el MIDEM (Marché International du Disque et de l'Edition Musicale) con 11 guitarristas internacionales en representación del Fondo de Cultura y Arte de Estambul (IKSV).

Entre los años 2001 y 2005, impartió clases de armonía en el Centro de Arte Mujdat Gezen, donde fue elegido mejor artista de música occidental en 2000. En la Universidad Técnica de Yildiz, impartió clases de "Estilos de Jazz en Análisis" en 2003-2004 y también de "Guitarra de Jazz" en 2006-2007.

Desde 2002, es el director artístico del Club de Jazz Nardis, donde organiza conciertos para más de 315 músicos y los acompaña en el escenario cada año. Algunos de estos músicos son Benny Golson, Kurt Elling, Dianne Reeves, Al Foster, Dee Dee Bridgewater, Roy Haynes, Tierney Sutton, Kenny Drew Jr, Roseanne Vitro, Christian Mc Bride, Roy Hargrove, Ron Carter y la mayoría de los mejores músicos locales.

Siempre valorando y reconociendo los proyectos de responsabilidad social, Focan ha dirigido y coordinado el IPMN (Istanbul - Pori Music Networking). Este proyecto apoyó la educación del jazz, permitiendo a los jóvenes músicos tener experiencia en el escenario en ambas ciudades, Estambul y Pori.

Ha publicado 13 CD. En 1998, con el gran baterista Bill Stewart y el intérprete de Hammond B3 Sam Yahel, su álbum

"Beneath The Stars" le honró como el primer músico de jazz turco que publicó un álbum en el sello Blue Note.
Ha participado en 94 festivales, mientras que 43 han tenido lugar en diversas ciudades de Turquía, los otros 51 han sido en otros países como Estados Unidos (Los Ángeles), Francia, Alemania, China, Malta, Italia, Brasil, Senegal, Indiana, Finlandia, Australia, Jordania, Hungría, Suiza, Croacia y Estonia.

http://focanjazz.com/bio/


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Colaborador / Contributor:  Michel

Harold Mabern • The Leading Man

Biography by Matt Collar
An excellent hard bop pianist, Harold Mabern was a highly regarded performer who emerged from the Memphis jazz and R&B scene of the 1950s. Mabern developed a commanding style that combined harmonic and modal sophistication with an impressive technical virtuosity.

Born in Memphis in 1936, Mabern initially started out on the drums before switching to piano. By his teens he was playing locally, often sharing the stage with such fellow up-and-comers as George Coleman, Charles Lloyd, and Booker Little. Although largely self-taught, he moved to Chicago after high school, where he did receive some private training. From there, he moved to New York City, where he found work recording with saxophonist Jimmy Forrest as well as Walter Perkins' MJT + 3 alongside fellow Memphis native Frank Strozier. More high-profile dates followed, including sessions with Johnny Griffin, Freddie Hubbard, Lee Morgan, Jackie McLean, Hank Mobley, and Wes Montgomery, among others.

In 1968, Mabern signed with Prestige and made his recording debut as a leader with A Few Miles from Memphis, followed by the same year's Rakin' and Scrapin', 1969's Workin' and Wailin', and 1970's Greasy Kid Stuff! Aside from the somewhat obscure 1978 trio date Pisces Calling, Mabern's own recordings largely came to a halt during the 1970s. However, he remained a highly sought-after sideman, appearing on albums by George Benson, Archie Shepp, Billy Harper, and others. He finally returned to his work as a leader with 1985's Joy Spring, a live solo date recorded at Toronto's Café des Copains. The trio date Straight Street, featuring longtime associates Ron Carter and Jack DeJohnette, appeared in 1989.

Mabern's output picked up considerably over the next decade, beginning with 1993's Leading Man, which featured Carter and DeJohnette along with altoist Bill Easley, trumpeter Bill Mobley, guitarist Kevin Eubanks, and vocalist Pamela Baskin-Watson. More well-regarded efforts followed with 1993's Lookin' on the Bright Side, 1995's For Phineas, and 1998's Mabern's Grooveyard. The pianist hailed the start of the new millennium with a flurry of albums for Japan's Venus label, including 2002's Kiss of Fire, 2003's Falling in Love with Love, 2005's Fantasy, and 2007's Somewhere Over the Rainbow. In 2008, he delivered another date for the Japanese market, the solo piano session Misty.

In 2012, he signed with HighNote and delivered the quartet album Mr. Lucky: A Tribute to Sammy Davis Jr. with tenor saxophonist Eric Alexander, bassist John Webber, and drummer Joe Farnsworth. Alexander was also on board for 2017's live Smoke Sessions release To Love and Be Loved, which also featured trumpeter Freddie Hendrix, bassist Nat Reeves, drummer Jimmy Cobb, and percussionist Cyro Baptista. The concert album The Iron Man: Live at Smoke arrived in 2018 and again found the pianist leading his quartet with Webber, Farnsworth, and Alexander. Mabern died on September 19, 2019 after suffering a heart attack. He was 83 years old.
https://www.allmusic.com/artist/harold-mabern-mn0000670211/biography

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Biografía de Matt Collar
Un excelente pianista de hard bop, Harold Mabern fue un intérprete muy respetado que surgió de la escena del jazz y el R&B de Memphis en la década de 1950. Mabern desarrolló un estilo dominante que combinaba la sofisticación armónica y modal con un virtuosismo técnico impresionante.

Nacido en Memphis en 1936, Mabern empezó con la batería antes de pasar al piano. En su adolescencia tocaba en su localidad, compartiendo a menudo el escenario con otros jóvenes como George Coleman, Charles Lloyd y Booker Little. Aunque en gran parte autodidacta, se trasladó a Chicago después de la escuela secundaria, donde recibió algo de formación privada. Desde allí, se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde encontró trabajo grabando con el saxofonista Jimmy Forrest, así como con el MJT + 3 de Walter Perkins, junto con su compañero de Memphis Frank Strozier. Siguieron más fechas de alto perfil, incluyendo sesiones con Johnny Griffin, Freddie Hubbard, Lee Morgan, Jackie McLean, Hank Mobley y Wes Montgomery, entre otros.

En 1968, Mabern firmó con Prestige e hizo su debut discográfico como líder con A Few Miles from Memphis, seguido por Rakin' and Scrapin' del mismo año, Workin' and Wailin' de 1969 y Greasy Kid Stuff de 1970. Aparte del algo oscuro trío de 1978 con fecha de Piscis Calling, las grabaciones de Mabern se detuvieron en gran parte durante los años 70. Sin embargo, siguió siendo un sideman muy solicitado, apareciendo en álbumes de George Benson, Archie Shepp, Billy Harper y otros. Finalmente volvió a su trabajo como líder con Joy Spring de 1985, una cita en solitario en directo grabada en el Café des Copains de Toronto. La cita en trío Straight Street, en la que participaron los antiguos socios Ron Carter y Jack DeJohnette, apareció en 1989.

La producción de Mabern aumentó considerablemente durante la siguiente década, comenzando con Leading Man de 1993, que incluía a Carter y DeJohnette junto con el altoista Bill Easley, el trompetista Bill Mobley, el guitarrista Kevin Eubanks y la vocalista Pamela Baskin-Watson. Más esfuerzos bien considerados siguieron con Lookin' on the Bright Side de 1993, For Phineas de 1995 y Grooveyard de Mabern de 1998. La pianista celebró el comienzo del nuevo milenio con una serie de álbumes para el sello japonés Venus, incluyendo Kiss of Fire de 2002, Falling in Love de 2003, Fantasy de 2005 y Somewhere Over the Rainbow de 2007. En 2008, entregó otra fecha para el mercado japonés, la sesión de piano solista Misty.

En 2012, firmó con HighNote y entregó el álbum de cuarteto Mr. Lucky: A Tribute to Sammy Davis Jr. con el saxofonista tenor Eric Alexander, el bajista John Webber y el baterista Joe Farnsworth. Alexander también estuvo a bordo para el lanzamiento en vivo de Smoke Sessions de 2017 To Love and Be Loved, que también contó con la participación del trompetista Freddie Hendrix, el bajista Nat Reeves, el baterista Jimmy Cobb y el percusionista Cyro Baptista. El álbum de concierto The Iron Man: Live at Smoke llegó en 2018 y de nuevo encontró al pianista liderando su cuarteto con Webber, Farnsworth y Alexander. Mabern murió el 19 de septiembre de 2019 tras sufrir un ataque al corazón. Tenía 83 años.
https://www.allmusic.com/artist/harold-mabern-mn0000670211/biography

 

haroldmabern.jazzgiants.net ...

Roy Ayers • Virgo Vibes

 Artist Biography:

Once one of the most visible and winning jazz vibraphonists of the 1960s, then an R&B bandleader in the 1970s and '80s, Roy Ayers' reputation s now that of one of the prophets of acid jazz, a man decades ahead of his time. A tune like 1972's "Move to Groove" by the Roy Ayers Ubiquity has a crackling backbeat that serves as the prototype for the shuffling hip-hop groove that became, shall we say, ubiquitous on acid jazz records; and his relaxed 1976 song "Everybody Loves the Sunshine" has been frequently sampled. Yet Ayers' own playing has always been rooted in hard bop: crisp, lyrical, rhythmically resilient. His own reaction to being canonized by the hip-hop crowd as the "Icon Man" is tempered with the detachment of a survivor in a rough business. "I'm having fun laughing with it," he has said. "I don't mind what they call me, that's what people do in this industry."

Growing up in a musical family -- his father played trombone, his mother taught him the piano -- the five-year-old Ayers was given a set of vibe mallets by Lionel Hampton, but didn't start on the instrument until he was 17. He got involved in the West Coast jazz scene in his early 20s, recording with Curtis Amy (1962), Jack Wilson (1963-1967), and the Gerald Wilson Orchestra (1965-1966); and playing with Teddy Edwards, Chico Hamilton, Hampton Hawes and Phineas Newborn. A session with Herbie Mann at the Lighthouse in Hermosa Beach led to a four-year gig with the versatile flutist (1966-1970), an experience that gave Ayers tremendous exposure and opened his ears to styles of music other than the bebop that he had grown up with.

After being featured prominently on Mann's hit Memphis Underground album and recording three solo albums for Atlantic under Mann's supervision, Ayers left the group in 1970 to form the Roy Ayers Ubiquity, which recorded several albums for Polydor and featured such players as Sonny Fortune, Billy Cobham, Omar Hakim, and Alphonse Mouzon. An R&B-jazz-rock band influenced by electric Miles Davis and the Herbie Hancock Sextet at first, the Ubiquity gradually shed its jazz component in favor of R&B/funk and disco. Though Ayers' pop records were commercially successful, with several charted singles on the R&B charts for Polydor and Columbia, they became increasingly, perhaps correspondingly, devoid of musical interest.

In the 1980s, besides leading his bands and recording, Ayers collaborated with Nigerian musician Fela Anikulapo-Kuti, formed Uno Melodic Records, and produced and/or co-wrote several recordings for various artists. As the merger of hip-hop and jazz took hold in the early '90s, Ayers made a guest appearance on Guru's seminal Jazzmatazz album in 1993 and played at New York clubs with Guru and Donald Byrd. Though most of his solo records had been out of print for years, Verve issued a two-CD anthology of his work with Ubiquity and the first U.S. release of a live gig at the 1972 Montreux Jazz Festival; the latter finds the group playing excellent straight-ahead jazz, as well as jazz-rock and R&B.

Source: Richard S. Ginell

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 Biografía del artista:

Una vez fue uno de los vibrafonistas de jazz más visibles y ganadores de los años 60, luego director de una banda de R&B en los 70 y 80, la reputación de Roy Ayers es ahora la de uno de los profetas del acid jazz, un hombre adelantado a su tiempo. Una canción como "Move to Groove" de 1972 de Roy Ayers Ubiquity tiene un ritmo de fondo chispeante que sirve de prototipo para el arrastrado del hip-hop que se convirtió, digamos, en omnipresente en los discos de acid jazz; y su relajada canción de 1976 "Everybody Loves the Sunshine" ha sido frecuentemente sampleada. Sin embargo, el propio juego de Ayers siempre ha estado enraizado en el hard bop: nítido, lírico, rítmicamente resistente. Su propia reacción al ser canonizado por la multitud del hip-hop como el "Hombre Icono" se templa con el desapego de un sobreviviente en un negocio difícil. "Me estoy divirtiendo riéndome con ello", ha dicho. "No me importa cómo me llamen, eso es lo que hace la gente en esta industria".

Creciendo en una familia musical - su padre tocaba el trombón, su madre le enseñó el piano - el niño de cinco años Ayers recibió un juego de mazos de vibración de Lionel Hampton, pero no empezó con el instrumento hasta los 17 años. Se involucró en la escena del jazz de la Costa Oeste a los 20 años, grabando con Curtis Amy (1962), Jack Wilson (1963-1967) y la Orquesta de Gerald Wilson (1965-1966); y tocando con Teddy Edwards, Chico Hamilton, Hampton Hawes y Phineas Newborn. Una sesión con Herbie Mann en el Faro de Hermosa Beach condujo a un concierto de cuatro años con el versátil flautista (1966-1970), una experiencia que le dio a Ayers una tremenda exposición y le abrió los oídos a otros estilos de música distintos del bebop con el que había crecido.

Después de haber aparecido de forma destacada en el exitoso álbum de Mann Memphis Underground y de haber grabado tres álbumes en solitario para Atlantic bajo la supervisión de Mann, Ayers dejó el grupo en 1970 para formar el Roy Ayers Ubiquity, que grabó varios álbumes para Polydor y contó con la participación de jugadores como Sonny Fortune, Billy Cobham, Omar Hakim y Alphonse Mouzon. Una banda de R&B-jazz-rock influenciada por el eléctrico Miles Davis y el Sexteto Herbie Hancock al principio, Ubiquity fue abandonando gradualmente su componente de jazz en favor del R&B/funk y la música disco. Aunque los discos de pop de Ayers tuvieron éxito comercial, con varios singles en las listas de R&B de Polydor y Columbia, se fueron quedando sin interés musical.

En el decenio de 1980, además de dirigir sus bandas y grabar, Ayers colaboró con el músico nigeriano Fela Anikulapo-Kuti, formó Uno Melodic Records y produjo y/o co-escribió varias grabaciones para varios artistas. Cuando la fusión del hip-hop y el jazz se afianzó a principios de los años 90, Ayers apareció como invitado en el disco seminal de Guru Jazzmatazz en 1993 y tocó en los clubes de Nueva York con Guru y Donald Byrd. Aunque la mayoría de sus discos solistas habían estado agotados durante años, Verve publicó una antología en dos CDs de su trabajo con Ubiquity y el primer lanzamiento estadounidense de un concierto en vivo en el Festival de Jazz de Montreux de 1972; este último encuentra al grupo tocando un excelente jazz directo, así como jazz-rock y R&B.

Fuente: Richard S. Ginell

royayers.net ...

Orgone • Orgone

 

 

 Orgone is an American band from Los Angeles, California. The group's sound draws from 1960s and 1970s-era funk and soul.
While several members of the band played together from the early 1990s, Orgone did not coalesce into a regular band until around 1999.
Many of their early gigs were as a backing band for hip-hop musicians. After a 2001 debut release, the band added vocalist Fanny Franklin to do a cover of "Funky Nassau" by the Beginning of the End; she remained as a full-time member, although much of their music is instrumental. 
The group released its second album The Killion Floor in 2007, which featured "Funky Nassau" as well as covers of "Do Your Thing" by Isaac Hayes and "I Get Lifted" by Harry Wayne Casey of K.C. and the Sunshine Band. In 2010 the band opened for Sharon Jones & the Dap-Kings on tour. They have also performed at festivals like Bonnaroo and New Orleans Jazz & Heritage Festival.

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Orgone es una banda americana de Los Ángeles, California. El sonido del grupo se inspira en el funk y el soul de los años 60 y 70.
Mientras que varios miembros de la banda tocaron juntos desde principios de los 90, Orgone no se unió a una banda regular hasta alrededor de 1999.
Muchos de sus primeros conciertos fueron como banda de apoyo para músicos de hip-hop. Después de un lanzamiento de debut en 2001, la banda añadió a la vocalista Fanny Franklin para hacer una versión de "Funky Nassau" al principio del fin; ella permaneció como miembro a tiempo completo, aunque gran parte de su música es instrumental. 
El grupo lanzó su segundo álbum The Killion Floor en 2007, que incluía "Funky Nassau" así como versiones de "Do Your Thing" de Isaac Hayes y "I Get Lifted" de Harry Wayne Casey de K.C. y la Sunshine Band. En 2010 la banda abrió para Sharon Jones & the Dap-Kings en la gira. También han actuado en festivales como el Bonnaroo y el New Orleans Jazz & Heritage Festival.

www.orgonespace.com ...

Renaud Garcia-Fons-Gérard Marais • Acoustic Songs

 

Renaud Garcia-Fons, a singular route between classical, jazz and world music.

Renaud Garcia-Fons was born in 1962 near Paris to parents from the Catalonia region of northeastern Spain, and was introduced to music at age five, taking up the piano and classical guitar. As a young man, he studied the double bass at the Paris Conservatory of Music, performing in its orchestras and refining his knowledge of music theory and performance. He also became the private student of François Rabbath,  as a member of Le Big Band Roger Guerin, he performed side-by-side with some of the most renowned of jazz drummers, including Kenny Clarke and Sam Woodyard. By age 21, Renaud  was awarded a diploma by the French Cultural Minister as Professor of Double Bass. From this point forward he worked independently, allowing his adventurous spirit to liberate him from the technical limitations of his instrument in favor of greater freedom to improvise; and to explore music at the crossroads of jazz, traditional, and contemporary music.

Ten years into this journey, he decided to add a fifth string to his bass, enabling possibilities well beyond the idea of the double bass as an accompanying instrument and particularly the option to be one of an ensemble's improvising voices. Combining this innovation with his con arco and pizzicato techniques, he reached an unprecedented level of performance. Some began to call him the “Paganini of the double bass.” While this has been a great compliment, a more accurate comparison is to Astor Piazzolla, Jimi Hendrix, and Paco de Lucia – artists who have advanced the possibilities of their instrument on the force of selfdirected study and research.

As a member of the Orchestre des Contrebasses and later of the Orchestre National de Jazz directed by Claude Barthélémy, Renaud's knowledge of jazz and improvisation deepened, and brought him into direct contact with many leading European and American jazz musicians. The art of improvisation became a central element in his artistic vision. There are multiple sources for his musical inspiration. He feels as close to the Flamenco tradition, which he has transposed for the double bass, as to the music of the Mediterranean and Orient. This has led him to collaborations with David Dorantes, Gerardo Núñez, and Esperanza Fernandez, as well as Angélique Ionatos (Greece),  Dhafer Youssef (Tunisia), Huong Tanh (Vietnam), and Kudsi Ergüner (Turkey).

A fruitful relationship with Matthias Winckelmann, producer and founder of the German label Enja Records, has resulted in nine recordings: Légendes, Alboréa, Oriental Bass, Fuera (with accordionist Jean-Louis Matinier), Navigatore, Entremundo, Arcoluz (a DVD-CD recording of a trio concert given in Germany), La Línea del Sur with guest singer Esperanza Fernandez, and the newly released Méditerranées. Renaud Garcia-Fons page two Renaud has led a variety of ensembles including the Oriental Bass ensemble, Navigatore 5tet and 8tet, and he has given solo concerts whose title is Pilgrim. Over the past three years, he's performed most frequently with his trio, consisting of Flamenco guitarist Antonio “Kiko” Ruiz and percussionist Pascal Rollando. The trio has evolved into a new quartet with the addition of accordionist David Venitucci who performs on La Línea del Sur. Also new is Renaud's collaboration with Flamenco dancer and singer Sabrina Romero in both solo and quartet settings.

In parallel with his career as a performer, Renaud has been a prolific composer, fulfilling commissions as well as broadening the repertoire of his performing ensembles. At the Scene Nationale de Sceaux in October 2004, he presented World Chamber Music, a piece for string quartet, double bass, and two instruments of Eastern origin: the bansuri, a fute prominent in northern Indian music; and the riq, a small tambourine equipped with cymbals that is played in all Arab music. A commission for the anniversary of the Entente Franco-Ecossaise ofered an opportunity to bring together artists of diferent worlds. For this occasion Renaud composed a piece in five movements for his trio and seven soloists from the Scottish Chamber Orchestra. Tutti orchestral sequences alternate with more intimate orchestrations, giving individual chamber orchestra members an opportunity to join the trio in improvisation. Renaud and the soloists gave the work's premiere in Scotland in late October 2004 and, the following month, performed it in France at the Festival de la Côte d'Opale and at the Grand Théâtre de Dijon. In 2007, Opera de Lyon gave him carte blanche to program five evenings of concerts.

The following year began with Paquito D'Rivera's Concerto for Clarinet, Double Bass, and Symphony Orchestra, written in tribute to Cuban double bassist Cachao and premiered in Spain's Canary Islands with Renaud on double bass. That summer, Renaud visited Canada for the first time, giving festival performances in Toronto, Ottawa, Vancouver, Calgary, Montréal, and Québec, and gave his first performance at the North Sea Jazz Festival in the Netherlands. The Montréal Jazz Festival invited Renaud to return in 2008 for its prestigious Invitation Series, where artists are presented in three distinct musical settings in the course of three successive nights. He performed in two duos – one with Flamenco dancer Sabrina Romero and another with accordionist Jean-Louis Matinier – and then with his La Línea del Sur quartet. The summer also brought recognition from the International Society of Bassists, which gave Renaud its biennial award for Solo Performance. In 2010, the Deutsch Phono-Akademie chose him for its 2010 ECHO Deutsche Musikpreis for international bassist of the year and the recording La Línea del Sur; and did so again in 2012 for the recording Méditerranées. The Bienal de Flamenco de Sevilla awarded its 2010 Giraddillo de Oro prize to Renaud, marking the first time a double bassist has received this prestigious Flamenco award. For its 2011 edition, Germany's Kurt Weill Fest commissioned Renaud to compose and perform new music for the showing of the film classic Die Abenteuer des Prinzen Achmed directed by Lotte Reiniger. This new work has toured in Europe since its festival premiere. He has also been commissioned by Ballet du Grand Théâtre de Limoges to write music for the ballet Carmen in collaboration with choreographer by Sergio Simon for premiere in 2012. This past September, he recorded a solo performance in a 12th century church in southern France, Le prieuré de Marcevol, and released it as the DVD-CD entitled Solo – the Marcevol Concert, his tenth recording for Enja Records. The album has received critical acclaim, including the Preis der Deutschen Schallplatten Kritik (German Record Critics' Award).

http://www.renaudgarciafons.com/index.php/en/biography

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Renaud Garcia-Fons, un recorrido singular entre la música clásica, el jazz y las músicas del mundo.

Renaud Garcia-Fons nació en 1962 cerca de París de padres de la región catalana del noreste de España, y se inició en la música a los cinco años, aprendiendo a tocar el piano y la guitarra clásica. De joven estudió contrabajo en el Conservatorio Superior de Música de París, actuando en sus orquestas y perfeccionando sus conocimientos de teoría e interpretación musical. También se convirtió en el estudiante privado de François Rabbath, como miembro de Le Big Band Roger Guerin, tocó codo con codo con algunos de los más renombrados bateristas de jazz, entre ellos Kenny Clarke y Sam Woodyard. A la edad de 21 años, Renaud recibió un diploma del Ministerio de Cultura francés como profesor de contrabajo. A partir de ese momento trabajó de forma independiente, permitiendo que su espíritu aventurero lo liberara de las limitaciones técnicas de su instrumento y le permitiera una mayor libertad para improvisar y explorar la música en la encrucijada del jazz, la música tradicional y la música contemporánea.

Diez años después de este viaje, decidió añadir una quinta cuerda a su bajo, lo que le permitió tener posibilidades que iban mucho más allá de la idea del contrabajo como instrumento de acompañamiento y, en particular, la opción de ser una de las voces improvisadoras de un conjunto. Combinando esta innovación con sus técnicas con arco y pizzicato, alcanzó un nivel de rendimiento sin precedentes. Algunos comenzaron a llamarlo el "Paganini del contrabajo". Aunque esto ha sido un gran cumplido, una comparación más precisa es con Astor Piazzolla, Jimi Hendrix y Paco de Lucía - artistas que han avanzado las posibilidades de su instrumento en la fuerza del estudio y la investigación autodirigida.

Como miembro de la Orchestre des Contrebasses y más tarde de la Orchestre National de Jazz dirigida por Claude Barthélémy, Renaud profundizó sus conocimientos sobre el jazz y la improvisación y entró en contacto directo con muchos de los más importantes músicos de jazz europeos y americanos. El arte de la improvisación se convirtió en un elemento central de su visión artística. Hay múltiples fuentes de inspiración musical. Se siente tan cercano a la tradición flamenca, que ha transpuesto para el contrabajo, como a la música del Mediterráneo y Oriente. Esto le ha llevado a colaborar con David Dorantes, Gerardo Núñez y Esperanza Fernández, así como con Angélique Ionatos (Grecia), Dhafer Youssef (Túnez), Huong Tanh (Vietnam) y Kudsi Ergüner (Turquía).

Una fructífera relación con Matthias Winckelmann, productor y fundador del sello alemán Enja Records, ha dado como resultado nueve grabaciones: Légendes, Alboréa, Oriental Bass, Fuera (con el acordeonista Jean-Louis Matinier), Navigatore, Entremundo, Arcoluz (una grabación en DVD-CD de un concierto de trío dado en Alemania), La Línea del Sur con la cantante invitada Esperanza Fernández, y el recién estrenado Méditerranées. Renaud Garcia-Fons página dos Renaud ha liderado una variedad de conjuntos incluyendo el conjunto Oriental Bass, Navigatore 5tet y 8tet, y ha dado conciertos en solitario cuyo título es Pilgrim. En los últimos tres años ha actuado con mayor frecuencia con su trío, formado por el guitarrista flamenco Antonio "Kiko" Ruiz y el percusionista Pascal Rollando. El trío se ha convertido en un nuevo cuarteto con la incorporación del acordeonista David Venitucci que actúa en La Línea del Sur. También es nueva la colaboración de Renaud con la bailaora y cantante flamenca Sabrina Romero, tanto en solitario como en cuarteto.

Paralelamente a su carrera como intérprete, Renaud ha sido un compositor prolífico, realizando encargos y ampliando el repertorio de sus conjuntos. En la Scene Nationale de Sceaux, en octubre de 2004, presentó World Chamber Music, una pieza para cuarteto de cuerda, contrabajo y dos instrumentos de origen oriental: el bansuri, un fute prominente en la música del norte de la India; y el riq, una pequeña pandereta equipada con címbalos que se toca en toda la música árabe. Una comisión para el aniversario de la Entente Franco-Ecossaise ofreció la oportunidad de reunir a artistas de diferentes mundos. Para esta ocasión Renaud compuso una pieza en cinco movimientos para su trío y siete solistas de la Scottish Chamber Orchestra. Las secuencias orquestales de Tutti se alternan con orquestaciones más íntimas, dando a los miembros individuales de la orquesta de cámara la oportunidad de unirse al trío en la improvisación. Renaud y los solistas estrenaron la obra en Escocia a finales de octubre de 2004 y, al mes siguiente, la presentaron en Francia en el Festival de la Côte d'Opale y en el Grand Théâtre de Dijon. En 2007, la Opera de Lyon le dio carta blanca para programar cinco noches de conciertos.

El año siguiente comenzó con el Concierto para Clarinete, Contrabajo y Orquesta Sinfónica de Paquito D'Rivera, escrito en homenaje al contrabajista cubano Cachao y estrenado en las Islas Canarias con Renaud al contrabajo. Ese verano, Renaud visitó Canadá por primera vez, dando presentaciones en Toronto, Ottawa, Vancouver, Calgary, Montreal y Québec, y dio su primera presentación en el Festival de Jazz del Mar del Norte en los Países Bajos. El Festival de Jazz de Montreal invitó a Renaud a volver en 2008 para su prestigioso Ciclo de Invitaciones, donde los artistas se presentan en tres escenarios musicales distintos en el transcurso de tres noches consecutivas. Actuó en dos dúos -uno con la bailaora flamenca Sabrina Romero y otro con el acordeonista Jean-Louis Matinier- y luego con su cuarteto La Línea del Sur. El verano también trajo el reconocimiento de la Sociedad Internacional de Bajistas, que otorgó a Renaud su premio bienal de interpretación en solitario. En 2010, la Deutsch Phono-Akademie lo eligió para su premio ECHO Deutsche Musikpreis 2010 para el mejor bajista internacional del año y la grabación La Línea del Sur; y lo hizo de nuevo en 2012 para la grabación Méditerranées. La Bienal de Flamenco de Sevilla otorgó el premio Giraddillo de Oro 2010 a Renaud, lo que supone la primera vez que un contrabajista recibe este prestigioso premio flamenco. Para su edición de 2011, el alemán Kurt Weill Fest encargó a Renaud la composición e interpretación de nueva música para la proyección del clásico cinematográfico Die Abenteuer des Prinzen Achmed, dirigido por Lotte Reiniger. Este nuevo trabajo ha estado de gira por Europa desde su estreno en el festival. También ha sido comisionado por el Ballet du Grand Théâtre de Limoges para escribir música para el ballet Carmen en colaboración con el coreógrafo de Sergio Simon para su estreno en 2012. El pasado mes de septiembre grabó una actuación en solitario en una iglesia del siglo XII del sur de Francia, Le prieuré de Marcevol, y la editó como DVD-CD titulado Solo - El Concierto de Marcevol, su décima grabación para Enja Records. El álbum ha recibido elogios de la crítica, incluyendo el Preis der Deutschen Schallplatten Kritik (Premio de la Crítica Discográfica Alemana).

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Colaborador / Contributor:  Mich58