Jack Montrose Sextet • Jack Montrose Sextet

 

Biography by Jason Ankeny
Tenor saxophonist and composer Jack Montrose was a premier exponent of the West Coast jazz movement. His terse phrasing and smooth tone remain the quintessence of California cool. Born December 30, 1928, in Detroit, Montrose spent the first several years of the Depression in Chicago until poverty forced his family to relocate to Chattanooga, TN. Upon teaching himself saxophone he joined a local dance band at the age of 14, and after several tours of the South he relocated to Southern California, where in 1947 he joined the John Kirby Sextet, beginning a long and fertile collaboration with Kirby's baritone saxophonist, Bob Gordon. Montrose continued working with Kirby while studying at Los Angeles State College, and after the bandleader's 1952 death he supported Shorty Rogers and Art Pepper. Upon graduating in 1953, Montrose earned notoriety as a session musician and arranger, contributing to dates headlined by Chet Baker, Clifford Brown, and Dave Pell. After returning from a six-month tour with Stan Kenton in mid-1954, Montrose reunited with Gordon for the Pacific Jazz LP Meet Mr. Gordon. In 1955, the saxophonists convened for an acclaimed Atlantic date, Arranged/Played/Composed by Jack Montrose, followed by a Pacific Jazz session headlined by the former. But by the time of both albums' commercial release, Gordon was dead, killed in a fatal auto accident on August 28, 1955, at the age of only 27.

Montrose resurfaced in 1957 with a pair of RCA releases, Blues and Vanilla and The Horn's Full. He also backed Mel Tormé on a series of LPs recorded with arranger Marty Paich, and briefly collaborated with trumpeter Jack Millman. But by the mid-'50s Montrose was losing a battle with heroin addiction, earning a nagging reputation for missing recording sessions and live gigs. By the time he conquered drug abuse for good in 1961, the West Coast vogue was over and he was relegated to playing local strip joints before relocating to Las Vegas, where he appeared in casino show bands for the better part of the decade. After years out of the limelight, Montrose finally returned to the studio in 1977 for drummer Frank Butler's Xanadu label comeback effort, Stepper. Only in 1986 did he earn his own comeback bid, collaborating with pianist Pete Jolly for the Slingshot release Better Late Than Never. After the Holt imprint issued Montrose's Let's Do It four years later, the saxophonist became a fixture of the West Coast jazz revival circuit, returning to Los Angeles to contribute to efforts including The American Jazz Institute's 2003 Clifford Brown Project, which employed many of the same arrangements Montrose wrote for Brown a half-century earlier. The reissue boom also made several of Montrose's vintage LPs available for a new generation of jazz aficionados, and he finally began to enjoy the recognition long due him when he died in Las Vegas on February 7, 2006.

https://www.allmusic.com/artist/jack-montrose-mn0000778697#biography

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Biografía por Jason Ankeny
El saxofonista tenor y compositor Jack Montrose fue un destacado exponente del movimiento de jazz de la Costa Oeste. Su fraseo conciso y su tono suave siguen siendo la quintaesencia del cool californiano. Nacido el 30 de diciembre de 1928 en Detroit, Montrose pasó los primeros años de la Depresión en Chicago hasta que la pobreza obligó a su familia a mudarse a Chattanooga, Tennessee. Al aprender saxofón por sí mismo, se unió a una banda de baile local a la edad de 14 años, y después de varias giras por el Sur, se mudó al sur de California, donde en 1947 se unió al Sexteto John Kirby, comenzando una larga y fértil colaboración con el saxofonista barítono de Kirby, Bob Gordon. Montrose continuó trabajando con Kirby mientras estudiaba en el Los Angeles State College, y después de la muerte del líder de la banda en 1952 apoyó a Shorty Rogers y Art Pepper. Al graduarse en 1953, Montrose ganó notoriedad como músico de sesión y arreglista, contribuyendo a las fechas encabezadas por Chet Baker, Clifford Brown y Dave Pell. Después de regresar de una gira de seis meses con Stan Kenton a mediados de 1954, Montrose se reunió con Gordon para el LP de Jazz del Pacífico Meet Mr.Gordon. En 1955, los saxofonistas se reunieron para una aclamada cita Atlántica, Arreglada / Tocada / Compuesta por Jack Montrose, seguida de una sesión de Jazz del Pacífico encabezada por el primero. Pero para el momento del lanzamiento comercial de ambos álbumes, Gordon estaba muerto, muerto en un fatal accidente automovilístico el 28 de agosto de 1955, a la edad de solo 27 años.

Montrose resurgió en 1957 con un par de lanzamientos de RCA, Blues and Vanilla y The Horn's Full. También respaldó a Mel Tormé en una serie de LP grabados con el arreglista Marty Paich, y colaboró brevemente con el trompetista Jack Millman. Pero a mediados de los 50, Montrose estaba perdiendo una batalla contra la adicción a la heroína, ganándose una reputación molesta por perderse sesiones de grabación y conciertos en vivo. Para cuando conquistó definitivamente el abuso de drogas en 1961, la moda de la Costa Oeste había terminado y fue relegado a tocar en locales de striptease antes de mudarse a Las Vegas, donde apareció en bandas de espectáculos de casino durante la mayor parte de la década. Después de años fuera del centro de atención, Montrose finalmente regresó al estudio en 1977 para el esfuerzo de regreso del sello Xanadu del baterista Frank Butler, Stepper. Recién en 1986 se ganó su propia oferta de regreso, colaborando con el pianista Pete Jolly para el lanzamiento de Slingshot Better Late Than Never. Después de que el sello Holt emitiera Let's Do It de Montrose cuatro años después, el saxofonista se convirtió en un elemento fijo del circuito de avivamiento del jazz de la Costa Oeste, regresando a Los Ángeles para contribuir a los esfuerzos, incluido el Proyecto Clifford Brown de 2003 del American Jazz Institute, que empleó muchos de los mismos arreglos que Montrose escribió para Brown medio siglo antes. El boom de la reedición también puso a disposición de una nueva generación de aficionados al jazz varios de los LP antiguos de Montrose, y finalmente comenzó a disfrutar del reconocimiento que tanto le merecía cuando murió en Las Vegas el 7 de febrero de 2006.

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Wardell Gray & Dexter Gordon • The Chase And The Steeplechase [1952-1953]

 

Gerry Mulligan • In Concert

 

Review from London Jazz News (by Len Weinreich):
Sometime during the late 1940s, jazz hipperati first clocked Gerry Mulligan as a fledging composer and arranger slyly inserting bebop flavouring into charts for the Elliot Lawrence, Claude Thornhill and Gene Krupa big bands. In 1949, his reputation increased through his total immersion in the legendary Miles Davis's 'Birth of the Cool' Nonet for which he supplied original charts and arrangements and occupied the baritone chair.

Until then (notable exceptions: the revered Harry Carney in Ellington's orchestra, Serge Chaloff in Woody Herman's Herd and, to a lesser extent, Jack Washington with Basie), the sole function of baritone saxophonists had been to anchor big band reed sections and/or, occasionally, provide corny novelty effects. But Mulligan, displaying the benign influence of Lester Young, redefined the baritone's role by developing an individual timbre (significantly, his first wind instrument was the Bb clarinet) coupled with a fearsomely dextrous technique. Describing the unwieldy horn as 'a butterfly with hiccups', by giving it a lyrical voice he liberated the baritone forever.

But Mulligan's big time arrived in 1952 at Los Angeles' Haig club when he shocked aficionados by forming joining an iconoclastic quartet with trumpeter Chet Baker that elbowed the piano. Supported only by bass and drums, their two-part harmonies and counterpoint produced an airy, unencumbered sound unlike any other. Haig audiences were transported to a new level of cool.

Having applied his minimalist approach to upend the jazz universe, innate arranger Mulligan perplexed fans and critics by altering his approach. Instead of continuing with his stripped-down instrumentation, drawing on his arranging skills, he opted for sumptuous backdrops, draping his baritone with the dense textures and voluptuous harmonies of a full-blown jazz orchestra. Explaining why, eight years after his triumphant Haig debut, we hear him in 1960 surrounded by 14 star musicians at two concerts in Copenhagen and West Berlin.

In effect, it was a glorified arranger-fest. Mulligan shared chart duties with valve trombonist Bob Brookmeyer (the unofficial co-founder of the Concert Jazz Band, according to Neil Tesser's informative sleeve notes), and the highly experienced arranger, Bill Holman.

The Danish concert opens with Mulligan's spiky theme tune, Utter Chaos, before Buddy Clarke's walking bass and Mel Lewis's drums usher the band into Johnny Mandel's Black Nightgown from the soundtrack of the noir Hollywood movie, 'I Want To Live' (Mulligan played baritone on the soundtrack recording). The brilliance of the brass section, each member a virtuoso, stimulates excited Danish applause. Then the mood softens for Django Reinhardt's exquisite Manoir De Mes Reves, a serious contender for the dreamiest jazz song ever composed. Over luscious organ chords, Mulligan reveals his emotions with elegance without ever resorting to sentimentality.

Due homage is paid to one of Mulligan's greatest heroes, Johnny (Rabbit) Hodges, alto-saxophone superstar of the Ellington band, with the furiously fast 18 Carrots For Rabbit, arranged by Bill Holman and featuring exceptional (and elusive) altoist Gene Quill and the equally breath-taking reed section.

Johnny Mandel's Latin-inspired Barbara's Theme is the album's second visit to the 'I Want To Live' movie soundtrack, this time featuring the trumpet of Don Ferrara and consummate big band drumming skills of Mel Lewis (who would later co-lead his own ground-breaking orchestra with trumpeter Thad Jones).

The next couple of tracks present two facets of Zoot Sims, master tenor saxophonist. Bill Holman arranged Mulligan's composition Apple Core (a contrafact of Love Me Or Leave Me) at a fierce up-tempo, highly suited to Sims' tearaway mode, immediately followed by Mulligan's succulent chart of Arlen and Mercer's ballad, Come Rain Or Come Shine, offering a glimpse of Sims' more sensitive side.

As well as appearing in the movie 'Anatomy Of A Murder' as a roadhouse piano player, Duke Ellington also wrote the unorthodox 6/8 time theme of I'm Gonna Go Fishin' as part of the soundtrack (sometime later, singer Peggy Lee added lyrics). Trumpeter Conte Candoli, Zoot Sims and Mulligan take turns at weaving intricate solos around the tricky time signature and Brookmeyer's lilting arrangement.

At track 9, the recording switches location to West Berlin which, in 1960, is a beleaguered island surrounded by a hostile Soviet sea. But neither harsh geopolitics nor the auditorium's excess reverb faze this enthusiastic band. Both Brookmeyer and Mulligan solo on Brookmeyer's fine arrangement of Rogers and Hart's You Took Advantage Of Me demonstrating relaxed swing and relaxed dynamics prior to an abrupt and surprising halt. The first chorus of Mulligan's Bweedia Bobbida provides a nostalgic reminder of the original Mulligan Quartet with Chet Baker. Johnny Green's Body And Soul, arranged by Brookmeyer, allows both Brookmeyer and Mulligan ample room to contemplate the venerable ballad against an opulent, yet sympathetic, backing from the band.

The extra versions of I'm Gonna Go Fishin' and 18 Carrots For Rabbit recorded in Berlin provide unusual opportunities for listeners to contrast, compare and marvel at the soloists' musical creativity. Furthermore, listeners can delight in an extra helping of the gifted Gene Quill, a much-overlooked alto player, once the recording partner of alto player, Phil Woods ('Phil and Quill').

So, if you crave unlimited virtuosity and brilliant arranging, all bristling with the high voltage of live performance, here's your album. And many thanks to Nils Winther who restored the tapes with so much love and care.
https://londonjazznews.com/2022/11/21/gerry-mulligan-concert-jazz-band-in-concert-rec-1960/

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Resena de London Jazz News (por Len Weinreich):
A finales de los anos 40, los entendidos del jazz comenzaron a fijarse en Gerry Mulligan como un compositor y arreglista incipiente que insertaba sutilmente sabores bebop en los arreglos para las big bands de Elliot Lawrence, Claude Thornhill y Gene Krupa. En 1949, su reputacion crecio gracias a su total inmersion en el legendario Noneto de Miles Davis 'Birth of the Cool', para el que aporto arreglos y composiciones originales y ocupo el asiento del baritono.

Hasta entonces (excepciones notables: el venerado Harry Carney en la orquesta de Ellington, Serge Chaloff con Woody Herman y, en menor medida, Jack Washington con Basie), la unica funcion de los saxofonistas baritono habia sido anclar las secciones de vientos de las big bands y, ocasionalmente, aportar efectos de novedad. Pero Mulligan, mostrando la benigna influencia de Lester Young, redefinio el papel del baritono desarrollando un timbre individual acoplado a una tecnica de asombrosa destreza. Describiendo el aparatoso instrumento como 'una mariposa con hipo', al darle una voz lirica libero al baritono para siempre.

Pero el gran momento de Mulligan llego en 1952 en el club Haig de Los Angeles, cuando sorprendio a los aficionados formando un iconoclasta cuarteto con el trompetista Chet Baker que prescindia del piano. Apoyados solo por bajo y bateria, sus armonias a dos voces y su contrapunto produjeron un sonido aireado y desencadenado como ningun otro. Las audiencias del Haig fueron transportadas a un nuevo nivel de cool.

Habiendo aplicado su enfoque minimalista para trastocar el universo del jazz, Mulligan desconcierta a fans y criticos al alterar nuevamente su propuesta. En lugar de continuar con su instrumentacion reducida, optando por sus habilidades de arreglo, eligio fondos suntuosos, envolviendo su baritono con las densas texturas y las opulentas armonias de una orquesta de jazz en toda regla. Esto explica por que, ocho anos despues de su triunfal debut en el Haig, lo escuchamos en 1960 rodeado de 14 musicos estelares en dos conciertos en Copenhague y Berlin Occidental.

En la practica, fue una fiesta de arreglistas. Mulligan compartio la tarea de los arreglos con el trombonista de valvula Bob Brookmeyer (el cofundador no oficial del Concert Jazz Band, segun las informativas notas del libreto de Neil Tesser) y el experimentado arreglista Bill Holman.

El concierto danes abre con el spiky tema emblematico de Mulligan, Utter Chaos, antes de que el walking bass de Buddy Clarke y la bateria de Mel Lewis conduzcan a la banda hacia el Black Nightgown de Johnny Mandel, de la banda sonora de la pelicula noir de Hollywood 'I Want To Live' (Mulligan toco el baritono en la grabacion de la banda sonora). La brillantez de la seccion de bronces, cada miembro un virtuoso, desata los aplausos daneses. Luego el clima se suaviza para el exquisito Manoir De Mes Reves de Django Reinhardt, serio candidato al sueno del jazz mas onico jamas compuesto. Sobre lujosos acordes de organo, Mulligan revela sus emociones con elegancia sin recurrir jamas a la sentimentalidad.

Se rinde homenaje a uno de los grandes heroes de Mulligan, Johnny (Rabbit) Hodges, superestrella del alto en la banda de Ellington, con el furiosa y veloz 18 Carrots For Rabbit, arreglado por Bill Holman y con la actuacion excepcional del altista Gene Quill y la igualmente impresionante seccion de vientos.

El Latino Barbara's Theme de Johnny Mandel es la segunda visita del album a la banda sonora de 'I Want To Live', esta vez con la trompeta de Don Ferrara y las consumadas habilidades de bateria de big band de Mel Lewis (quien mas tarde co-lideraria su propia innovadora orquesta con el trompetista Thad Jones).

Los siguientes temas presentan dos facetas de Zoot Sims, maestro del tenor. Bill Holman arrreglo la composicion de Mulligan Apple Core (un contrafact de Love Me Or Leave Me) a un feroz tempo rapido, muy adecuado para el modo desbocado de Sims, seguido inmediatamente por el suculento arreglo de Mulligan de la balada de Arlen y Mercer Come Rain Or Come Shine, que ofrece un atisbo del lado mas sensible de Sims.

Ademas de aparecer en la pelicula 'Anatomy Of A Murder' como pianista de bar de carretera, Duke Ellington tambien escribio el heterodoxo tema en compas de 6/8 I'm Gonna Go Fishin' como parte de la banda sonora (tiempo despues, la cantante Peggy Lee le agrego letra). El trompetista Conte Candoli, Zoot Sims y Mulligan se turnan tejiendo intrincados solos alrededor del complicado compas y el suave arreglo de Brookmeyer.

En el track 9, la grabacion cambia de ubicacion a Berlin Occidental que, en 1960, es una isla sitiada rodeada de un mar sovietico hostil. Pero ni la dura geopolitica ni el exceso de reverberacion del auditorio amilanan a esta entusiasta banda. Tanto Brookmeyer como Mulligan improvisan en el fino arreglo de Brookmeyer de You Took Advantage Of Me de Rogers y Hart. El primer coro del Bweedia Bobbida de Mulligan evoca nostalgicamente el cuarteto original de Mulligan con Chet Baker. Body And Soul de Johnny Green, arreglado por Brookmeyer, da a ambos amplio espacio para contemplar la venerable balada ante un lujoso y simpatico acompanamiento de la banda.

Las versiones extra de I'm Gonna Go Fishin' y 18 Carrots For Rabbit grabadas en Berlin ofrecen inusuales oportunidades para contrastar, comparar y maravillarse con la creatividad musical de los solistas. Ademas, los oyentes pueden deleitarse con una porcion extra del talentoso Gene Quill, un altista muy pasado por alto, otrora compañero de grabacion del altista Phil Woods ('Phil and Quill').

Asi que si anhelas virtuosismo ilimitado y arreglos brillantes, todo rebosante del alto voltaje de la actuacion en vivo, aqui esta tu album. Y muchas gracias a Nils Winther que restauro las cintas con tanto amor y cuidado.
https://londonjazznews.com/2022/11/21/gerry-mulligan-concert-jazz-band-in-concert-rec-1960/

Manny Albam - Ernie Wilkins And Their Orchestra • The Drum Suite

 

Bobby Scott • The Compositions Of Bobby Scott

 

After an impressive debut as a pianist in 1953, Bobby Scott was 17 when, a year later, he conducted the first of a series of three genuinely creative albums dedicated to his own works, all now compiled on this CD. A man of many moods, bursting with creativity, his compositions are full of a fine feel for harmonic textures and melodically interesting lines.

But also among the outstanding aspects of these sessions are the soloists given ample scope by the writing; Hal McKusick, Eddie Bert, Conte Candoli, Frank Rosolino, Charlie Mariano, Bill Holman, Jimmy Giuffre, Marty Flax and the little known Ronnie Woellmer and John Murtaugh are prime examples of the best of the East and West Coast jazzmen of the era. With Scott also shining as pianist on the second and third dates, this collection is a unique portrait of his precocious talent.
https://www.freshsoundrecords.com/bobby-scott-albums/4883-the-compositions-of-bobby-scott.html

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Tras un impresionante debut como pianista en 1953, Bobby Scott tenía 17 años cuando, un año más tarde, dirigió el primero de una serie de tres álbumes genuinamente creativos dedicados a sus propias obras, todos ellos recopilados ahora en este CD. Un hombre de muchos estados de ánimo, rebosante de creatividad, sus composiciones están llenas de una fina sensación de texturas armónicas y líneas melódicamente interesantes.

Pero también entre los aspectos destacados de estas sesiones se encuentran los solistas a los que la escritura les da un amplio alcance; Hal McKusick, Eddie Bert, Conte Candoli, Frank Rosolino, Charlie Mariano, Bill Holman, Jimmy Giuffre, Marty Flax y los poco conocidos Ronnie Woellmer y John Murtaugh son los mejores ejemplos de los mejores jazzistas de la costa este y oeste de la época. Con Scott brillando también como pianista en la segunda y tercera fechas, esta colección es un retrato único de su precoz talento.

https://www.freshsoundrecords.com/bobby-scott-albums/4883-the-compositions-of-bobby-scott.html


Fresh Sound Records ...

 

Red Mitchell, Bob Brookmeyer & Zoot Sims • Happy Minors

 

Bethlehem Records was founded in 1953 by Gus Wildi who initially employed the talents of vibraphonist Teddy Charles (West Coast) and, the visionary producer Creed Taylor (East Coast) as A & R men. This gem of a sextet fronted by bassist Red Mitchell was recorded on 02/01/1955 (BCP-1033- 10" Lp highly prized today by collectors) consisting of Bob Brookmeyer (trb), John Haley "Zoot" Sims (ts) (mispelled "Simms" on puckish cover by Burt Goldblatt), Conte Candoli (tpt), Claude Williamson (p) and, Stan Levey (drm). Long unavailable on CD, this Japanese import appeared unexpectedly on the web without fanfare in 2013. The Bethlehem catalog has moved between nine owners since its sale to King Records in the early 1960's. Previous Bethlehem titles were re-issued seemingly at random under several different labels both domestic and foreign. The Bethlehem catalog is now owned and licensed by VMG-Salsoul, Division of Verse Music Group. Bethlehem Records official website conveniently provides a monthly schedule of prior and future releases via i-tunes for downloading individual songs or, entire albums with original artwork.

The average age of the participants recording this music was twenty eight, all were experienced veterans of the big bands then based in L.A. The West Coast scene in the early 1950's was flush with talented soloists and arrangers whom Bethlehem was anxious to record. The music heard here is tightly voiced in the ensembles (no arranging credits but, I suspect Brookmeyer was involved) and the solos are crisp, confident and, charged with vitality particulary, in the horns of Candoli and Sims. Each artist gets a chance to stretch out supported by the superb rhythm section throughout. Williamson shows his preference for Bud Powell while strongly introducing the stylings of Hampton Hawes and Horace Silver in his funky approach to comping behind Mitchell's solo on the trio feature entitled; "Bluesology". Mitchell solos with grace on a pensive version of the ballad, "Once in a While" displaying not only his jazz chops but, technical vistuosity. Williamson then adds his own Be- bop inspired commentary to complete the piece. The full sextet performs on the title tune "Happy Minor" (Zoot jumps out of the starting gate like a thoroughbred), "Long Ago and Far Away" and, "Gone with the Wind". Brookmeyer constructs a solo statement on "Gone with The Wind" that perfectly displays his unique flair for both melodic improvisation and structure which would eventually evolve into a career as a highly respected composer/arranger. "Kelly Green" again features the trio with the spotlite focusing on Mitchell whose virtuosity is reminiscent of Ellington's "Jack the Bear" with the legendary bassist, Jimmy Blanton. The date ends on Charlie Parker's "Scrapple from the Apple" with Sims out first (always swinging...) followed by Brookmeyer blending his 4/4 Kansas City roots with modernism and, unique valve trombone timbre. Candoli offers yet again another peppery solo driven forward by Mitchell, Williamson and, Levey providing the heat.

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Bethlehem Records fue fundada en 1953 por Gus Wildi, quien inicialmente empleó el talento del vibrafonista Teddy Charles (Costa Oeste) y del visionario productor Creed Taylor (Costa Este) como A & R men. Esta joya de sexteto liderado por el bajista Red Mitchell fue grabado el 01/02/1955 (BCP-1033- 10" Lp muy apreciado hoy en día por los coleccionistas) y está compuesto por Bob Brookmeyer (trb), John Haley "Zoot" Sims (ts) (mal escrito "Simms" en la portada pícara de Burt Goldblatt), Conte Candoli (tpt), Claude Williamson (p) y, Stan Levey (drm). Esta importación japonesa, que durante mucho tiempo no estuvo disponible en CD, apareció inesperadamente en la web sin fanfarria en 2013. El catálogo de Belén se ha movido entre nueve propietarios desde su venta a King Records a principios de los años 60. Los títulos anteriores de Bethlehem fueron reeditados aparentemente al azar bajo varios sellos diferentes tanto nacionales como extranjeros. El catálogo de Bethlehem es ahora propiedad y está licenciado por VMG-Salsoul, División de Verse Music Group. El sitio web oficial de Bethlehem Records proporciona convenientemente un calendario mensual de los lanzamientos anteriores y futuros a través de i-tunes para descargar canciones individuales o, álbumes enteros con el arte original.

La edad promedio de los participantes que grabaron esta música fue de veintiocho años, todos eran veteranos experimentados de las grandes bandas de entonces con base en L.A. La escena de la Costa Oeste a principios de los años 50 estaba repleta de talentosos solistas y arreglistas que Bethlehem estaba ansiosa por grabar. La música que se escucha aquí está fuertemente expresada en los conjuntos (no hay créditos de arreglos pero, sospecho que Brookmeyer estuvo involucrado) y los solos son nítidos, confiados y, cargados de vitalidad particularmente, en las trompas de Candoli y Sims. Cada artista tiene la oportunidad de estirarse apoyado por la magnífica sección rítmica en todo momento. Williamson muestra su preferencia por Bud Powell mientras que introduce con fuerza los estilos de Hampton Hawes y Horace Silver en su enfoque funky de compaginar detrás del solo de Mitchell en el trío titulado; "Bluesología". Los solos de Mitchell con gracia en una versión pensativa de la balada, "Once in a While", mostrando no sólo sus chuletas de jazz, sino también su vistuosidad técnica. Williamson luego agrega su propio comentario inspirado en el Be-bop para completar la pieza. El sexteto completo actúa en el tema del título "Happy Minor" (Zoot salta desde la puerta de salida como un pura sangre), "Long Ago and Far Away" y, "Gone with the Wind". Brookmeyer construye una declaración en solitario sobre "Gone with the Wind" que muestra perfectamente su estilo único tanto para la improvisación melódica como para la estructura, que eventualmente evolucionaría en una carrera como un compositor/arreglador muy respetado. "Kelly Green" nuevamente presenta al trío con el spotlite enfocado en Mitchell, cuyo virtuosismo recuerda al de "Jack the Bear" de Ellington con el legendario bajista Jimmy Blanton. La cita termina con "Scrapple from the Apple" de Charlie Parker con Sims en primer lugar (siempre balanceándose...) seguido de Brookmeyer que mezcla sus raíces 4/4 de Kansas City con el modernismo y, un timbre de trombón de válvula único. Candoli ofrece una vez más otro solo picante impulsado por Mitchell, Williamson y Levey que proporcionan el calor.

João Donato • A Bad Donato

 

 

 

Biography by Alvaro Neder
João Donato started his recording career at 15, already a challenging task in an association with a great master, Altamiro Carrilho. He also recorded with Bud Schank, Ron Carter, Airto Moreira, Elmir Deodato, Randy Brecker, Ray Barretto, Mongo Santamaria, Tito Puente, Astrud Gilberto, Cal Tjader, and several others, along with many important Brazilian musicians, including Johnny Alf and Tom Jobim. His solo career is registered with 29 albums recorded since 1953. A major figure as a musician and arranger in the bossa nova movement, he is profoundly influential, having inspired generations of players. João Gilberto confessed to have taken his bossa nova beat at the violão from Donato's piano playing. He is generally perceived as a crazy and detached genius; maybe he is a little of each.

He started making music very early and soon he was already animating dance parties with his accordion. His first music notions were given by a sergeant of Acre's Military Band. At 11, he moved to Rio and studied piano with professor Werther. At 15, he was already a professional accordion musician, playing at suburban balls. His first recording dates back from that period, a 78 rpm for the Star label with Altamiro Carrilho e Seu Regional, although the label omits Donato's credits. He also performed, at that time, continuing for nine years, at the jam sessions of the seminal amateur jazz circle Sinatra-Farney Fan Club in Rio, which gathered people who would be important jazz musicians, producers, and journalists in Brazil. At 17, he was hired by Rádio Guanabara as a sideman on the Zé do Norte show, working there for two years. In 1952, he was hired by the great violinist Fafá Lemos to play in his group, which was performing at the Monte Carlo nightclub. He also played at several other nightclubs which brought together Rio's good musicians, at places such as Sacha's, Drink's, Bon Gourmet, and, most importantly, Plaza, where bossa nova was born. His first solo album, a 78 rpm for Sinter, was entitled João Donato e seu Conjunto, and was released in April 1953, containing "Tenderly" and "Invitation." In May of that year, he recorded, under the same title, another 78 rpm for the same label. In July, he recorded with the vocal and instrumental group Os Namorados for a 78 rpm with the songs "Eu Quero Um Samba" (Haroldo Barbosa/Janet de Almeida), later recorded solo by João Gilberto, and "Três Ave-Marias" (Hanibal Cruz). He also recorded two other albums with Os Namorados, always for Sinter, in October 1953 and January 1954. The group Os Namorados was the same as Os Namorados da Lua, without Lúcio Alves. When Alves departed for a solo career, he prohibited his old bandmates from using the old name, as he wanted to reserve it for future projects. Donato also worked for the Garotos da Lua vocal group. They were hired by Rádio Tupi. Donato was the group's pianist and arranger and João Gilberto joined them in 1949, subbing for crooner Jonas Silva. Their strong friendship began before they even met: before leaving Bahia, someone said to João Gilberto that he was going to meet a guy "exactly like him." At the same time, Donato was told that the forthcoming crooner was very much alike him. When they met, they only said to each other "That's true!," leaving bystanders to wonder what was going on. Numerous eccentric anecdotes of both idiosyncratic musicians date from that period. Later, they would move to Luiz Teles' (from the Quitandinha Serenaders group) apartment, and live there for a while. Gilberto recorded two albums with the Garotos da Lua in July and November 1951. Soon after, Gilberto was fired from the group by Rádio Tupi's artistic direction as "too bad a crooner." In 1954, Donato recorded another 78 rpm for Sinter. In 1956, in spite of hating the cold weather of the city of São Paulo, Donato moved there, joining the group Os Copacabanas and the Luís César Orchestra, alongside his own group. He recorded another solo album, now with this group, for Odeon in March 1956. In the same year and on the same label, he recorded Chá Dançante, produced by Tom Jobim. In 1958, he composed his first hit, "Minha Saudade," with Gilberto. At that time, Donato was playing at the Copacabana Palace with the orchestra of Copinha (fined every two days for being late everyday), and Gilberto used to go there often to chat with Donato during the orchestra's breaks (when Dick Farney's group performed). Donato said in an interview in the '70s that Gilberto confessed to him that he, Donato, was the inspirer of Gilberto's bossa nova beat at the violão. Maestro Gaya also said that. Also in 1958, he recorded on his LP Dance Conosco (Copacabana) two partnerships with Gilberto: the mambo "Mambinho" and the samba "Minha Saudade."

In 1959, he was being rejected by all nightclubs. Ahead of its time, his modern swinging piano was too strong rhythmically and excessively difficult to follow by other musicians, and customers complained about it as not danceable. He ran out of gigs and used to ask all nightclubs' owners to play for free, just to be available for anyone interested. Even then, he was only allowed to play after 4:00 a.m., when most customers were gone. His situation was so bad, he decided to move away from Brazil. His friend Nanai, having toured Mexico with the great singer Elizete Cardoso, settled in the U.S. and telegraphed Donato, inviting him to a two-week season there. Donato went and ended up residing in the U.S. for 14 years. Very requested by Latin artists, he recorded Arriba! for Mongo Santamaria (Fantasy 1961), Vaya Puente for Tito Puente (Philips 1962), At the Black Hawk for Santamaria (Fantasy 1962), The Astrud Gilberto Album for Astrud Gilberto (Elenco 1964, released in the U.S. through Verve, Silver Collection 1991), Shadow of Your Smile for Astrud Gilberto (Verve 1965), Brazil! Brazil! Brazil! for Bud Shank (World Pacific 1967), Solar Heat for Cal Tjader (Skye 1968), and Prophet for Cal Tjader (Verve 1969). Given the long years they worked together in Rio, and also that they were longtime friends, Donato and Brazilian drummer Milton Banana developed a rare symbiosis, each one rhythmically complementing the other's ideas. Banana was the first musician to develop a proper bossa nova drum beat, with brushes over a cloth and stick at the snare's rim. His sound was so distinctive that it was copied by many musicians and most bossa nova recordings bring that drum sound. After the historic concert at Carnegie Hall, in which Donato didn't participate, Donato and Milton Banana accompanied Gilberto on a tour through Italy, where they worked for six weeks. In spite of being harassed by more people interested in contracting him than he could handle, Gilberto alleged a pain in his finger which impeded him of playing, and they stopped everything to wait for his recovery. Believing that only one person in the world could cure him, Gilberto went to Paris, France, to meet Dr. Zapalla, who had been Brazilian soccer player Pelé's acupuncturist. After four weeks waiting in vain and not receiving any money, Donato and Milton departed from Europe. Donato came back to Brazil. In 1962, Polydor recorded the LP Muito à Vontade, with his compositions. This LP was reissued later by Polyfar and in CD format by Pacific Jazz Japan. At the same time, he recorded through Polydor A Bossa Muito Moderna de Donato e seu Trio and it was released the next year. He just finished the two albums and returned to the U.S. In 1965, with Brazilian violonista/composer/singer Rosinha de Valença, he recorded for Bud Schank Bud Shank & His Brazilian Friends for Elenco, also reissued by Polydor and Toshiba EMI Japan. In the same year, he recorded for RCA Victor USA Piano of Joao Donato -- The New Sound of Brasil. His compositions "Amazonas" (recorded by Chris Montez), "A Rã," and "Caranguejo" (both recorded by Sérgio Mendes), all were big hits, receiving other interpretations by several artists. In 1969, he recorded for Muse (which released it in 1973) Donato/Deodato, a classic album where Latin jazz meets bossa nova. It was followed by A Bad Donato (Blue Thumb 1970) with Ron Carter. Returning to Brazil in 1972, the next year he recorded for Odeon Quem é Quem. In 1974, he directed Gal Costa's show Cantar, recorded live and released with Costa singing a couple of Donato's songs, one with Caetano Veloso. In 1975, Donato recorded Lugar Comum for Philips and in 1986, his live show at the People's nightclub was released by Elektra Musician as Leilíadas. In 1996, he recorded for Odeon Coisas tão Simples and in 1997, Café com Pão -- João Donato & Eloir de Morais with the Brazilian drummer. He also composed, together with Gilberto Gil, "Lugar Comum" (1974), "Bananeira," "Emoriô," and "Tudo Tem" (all in 1975).
https://www.allmusic.com/artist/jo%C3%A3o-donato-mn0000118493/biography

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Biografía de Alvaro Neder
João Donato comenzó su carrera discográfica a los 15 años, ya una tarea difícil en una asociación con un gran maestro, Altamiro Carrilho. También grabó con Bud Schank, Ron Carter, Airto Moreira, Elmir Deodato, Randy Brecker, Ray Barretto, Mongo Santamaria, Tito Puente, Astrud Gilberto, Cal Tjader, y varios otros, junto con muchos importantes músicos brasileños, incluyendo Johnny Alf y Tom Jobim. Su carrera en solitario está registrada con 29 álbumes grabados desde 1953. Figura importante como músico y arreglista en el movimiento de la bossa nova, es profundamente influyente, habiendo inspirado a generaciones de músicos. João Gilberto confesó haber tomado el ritmo de la bossa nova en el violón del piano de Donato. Generalmente se le percibe como un genio loco y desapegado; tal vez sea un poco de cada uno.

Empezó a hacer música muy temprano y pronto ya estaba animando fiestas de baile con su acordeón. Sus primeras nociones musicales fueron dadas por un sargento de la Banda Militar de Acre. A los 11 años, se mudó a Río y estudió piano con el profesor Werther. A los 15, ya era un músico profesional de acordeón, tocando en los bailes de los suburbios. Su primera grabación se remonta a ese período, a 78 rpm para el sello Star con Altamiro Carrilho e Seu Regional, aunque el sello omite los créditos de Donato. También actuó, en ese momento, continuando durante nueve años, en las jam sessions del seminal círculo de jazz amateur Sinatra-Farney Fan Club en Río, que reunió a personas que serían importantes músicos de jazz, productores y periodistas en Brasil. A los 17 años, fue contratado por la Rádio Guanabara como sideman en el show de Zé do Norte, trabajando allí durante dos años. En 1952, fue contratado por el gran violinista Fafá Lemos para tocar en su grupo, que se presentaba en el club nocturno de Monte Carlo. También tocó en otros clubes nocturnos que reunían a los buenos músicos de Río, en lugares como Sacha's, Drink's, Bon Gourmet, y, lo más importante, Plaza, donde nació la bossa nova. Su primer álbum en solitario, a 78 rpm para Sinter, se tituló João Donato e seu Conjunto, y fue lanzado en abril de 1953, conteniendo "Tenderly" e "Invitation". En mayo de ese año, grabó, bajo el mismo título, otras 78 rpm para el mismo sello. En julio, grabó con el grupo vocal e instrumental Os Namorados para un 78 rpm con las canciones "Eu Quero Um Samba" (Haroldo Barbosa/Janet de Almeida), más tarde grabada en solitario por João Gilberto, y "Três Ave-Marias" (Hanibal Cruz). También grabó otros dos álbumes con Os Namorados, siempre para Sinter, en octubre de 1953 y enero de 1954. El grupo Os Namorados era el mismo que Os Namorados da Lua, sin Lúcio Alves. Cuando Alves partió para una carrera en solitario, prohibió a sus antiguos compañeros de banda utilizar el antiguo nombre, ya que quería reservarlo para futuros proyectos. Donato también trabajó para el grupo vocal Garotos da Lua. Fueron contratados por Rádio Tupi. Donato era el pianista y arreglista del grupo y João Gilberto se unió a ellos en 1949, sustituyendo al cantante Jonas Silva. Su fuerte amistad comenzó antes de que se conocieran: antes de dejar Bahía, alguien le dijo a João Gilberto que iba a conocer a un tipo "exactamente como él". Al mismo tiempo, le dijeron a Donato que el próximo cantante se parecía mucho a él. Cuando se encontraron, sólo se dijeron "¡Es verdad!", dejando a los transeúntes con la duda de qué estaba pasando. Numerosas anécdotas excéntricas de ambos músicos idiosincrásicos datan de ese período. Más tarde, se mudarían al apartamento de Luiz Teles (del grupo Quitandinha Serenaders), y vivirían allí por un tiempo. Gilberto grabó dos álbumes con los Garotos da Lua en julio y noviembre de 1951. Poco después, Gilberto fue despedido del grupo por la dirección artística de Rádio Tupi como "un cantante muy malo". En 1954, Donato grabó otros 78 rpm para Sinter. En 1956, a pesar de odiar el frío de la ciudad de São Paulo, Donato se mudó allí, uniéndose al grupo Os Copacabanas y a la Orquesta Luís César, junto a su propio grupo. Grabó otro álbum en solitario, ahora con este grupo, para Odeon en marzo de 1956. En el mismo año y en la misma discográfica, grabó Chá Dançante, producido por Tom Jobim. En 1958, compuso su primer éxito, "Minha Saudade", con Gilberto. En esa época, Donato tocaba en el Palacio de Copacabana con la orquesta de la Copinha (multado cada dos días por llegar tarde todos los días), y Gilberto solía ir allí a menudo para charlar con Donato durante los descansos de la orquesta (cuando actuaba el grupo de Dick Farney). Donato dijo en una entrevista en los años 70 que Gilberto le confesó que él, Donato, fue el inspirador del ritmo de bossa nova de Gilberto en el violón. El Maestro Gaya también dijo eso. También en 1958, grabó en su LP Dance Conosco (Copacabana) dos colaboraciones con Gilberto: el mambo "Mambinho" y la samba "Minha Saudade".

En 1959, fue rechazado por todos los clubes nocturnos. Adelantado a su tiempo, su moderno piano de swing era demasiado fuerte rítmicamente y excesivamente difícil de seguir por otros músicos, y los clientes se quejaban de que no era bailable. Se le acabaron los conciertos y solía pedir a los dueños de los clubes nocturnos que tocaran gratis, para que estuvieran disponibles para todos los interesados. Incluso entonces, sólo se le permitía tocar después de las 4 de la mañana, cuando la mayoría de los clientes se habían ido. Su situación era tan mala que decidió mudarse de Brasil. Su amigo Nanai, después de haber hecho una gira por México con la gran cantante Elizete Cardoso, se instaló en Estados Unidos y telegrafió a Donato, invitándolo a una temporada de dos semanas allí. Donato fue y terminó residiendo en los EE.UU. durante 14 años. Muy solicitado por los artistas latinos, grabó Arriba! para Mongo Santamaría (Fantasía 1961), Vaya Puente para Tito Puente (Philips 1962), At the Black Hawk para Santamaría (Fantasía 1962), The Astrud Gilberto Album para Astrud Gilberto (Elenco 1964, lanzado en los EE.UU. a través de Verve, Silver Collection 1991), Shadow of Your Smile para Astrud Gilberto (Verve 1965), Brazil! ¡Brasil! ¡Brasil! para Bud Shank (World Pacific 1967), Solar Heat para Cal Tjader (Skye 1968), y Prophet para Cal Tjader (Verve 1969). Dados los largos años que trabajaron juntos en Río, y también que eran amigos desde hace mucho tiempo, Donato y el baterista brasileño Milton Banana desarrollaron una rara simbiosis, cada uno complementando rítmicamente las ideas del otro. Banana fue el primer músico en desarrollar un ritmo adecuado de tambor de bossa nova, con pinceles sobre un paño y palo en el borde de la caja. Su sonido era tan distintivo que fue copiado por muchos músicos y la mayoría de las grabaciones de bossa nova traen ese sonido de tambor. Después del histórico concierto en el Carnegie Hall, en el que Donato no participó, Donato y Milton Banana acompañaron a Gilberto en una gira por Italia, donde trabajaron durante seis semanas. A pesar de ser acosado por más gente interesada en contratarlo de la que podía manejar, Gilberto alegó un dolor en el dedo que le impedía tocar, y pararon todo para esperar su recuperación. Creyendo que sólo una persona en el mundo podía curarlo, Gilberto fue a París, Francia, para conocer al Dr. Zapalla, que había sido el acupuntor del futbolista brasileño Pelé. Después de cuatro semanas de espera en vano y sin recibir dinero, Donato y Milton partieron de Europa. Donato volvió a Brasil. En 1962, Polydor grabó el LP Muito à Vontade, con sus composiciones. Este LP fue reeditado más tarde por Polyfar y en formato CD por Pacific Jazz Japan. Al mismo tiempo, grabó a través de Polydor A Bossa Muito Moderna de Donato e seu Trio y fue lanzado al año siguiente. Acaba de terminar los dos álbumes y regresó a los EE.UU. En 1965, con la violonista/compositora/cantante brasileña Rosinha de Valença, grabó para Bud Schank Bud Shank & His Brazilian Friends para Elenco, también reeditado por Polydor y Toshiba EMI Japón. En el mismo año, grabó para RCA Victor USA Piano de Joao Donato -- The New Sound of Brasil. Sus composiciones "Amazonas" (grabada por Chris Montez), "A Rã" y "Caranguejo" (ambas grabadas por Sérgio Mendes), todas fueron grandes éxitos, recibiendo otras interpretaciones de varios artistas. En 1969, grabó para Muse (que lo lanzó en 1973) Donato/Deodato, un álbum clásico donde el jazz latino se encuentra con la bossa nova. Le siguió A Bad Donato (Blue Thumb 1970) con Ron Carter. Volvió a Brasil en 1972, y al año siguiente grabó para Odeon Quem é Quem. En 1974, dirigió el espectáculo Cantar de Gal Costa, grabado en vivo y lanzado con Costa cantando un par de canciones de Donato, una de ellas con Caetano Veloso. En 1975, Donato grabó Lugar Comum para Philips y en 1986, su espectáculo en vivo en la discoteca People fue lanzado por Elektra Musician como Leilíadas. En 1996, grabó para Odeon Coisas tão Simples y en 1997, Café com Pão -- João Donato & Eloir de Morais con el baterista brasileño. También compuso, junto con Gilberto Gil, "Lugar Comum" (1974), "Bananeira", "Emoriô" y "Tudo Tem" (todos en 1975).
https://www.allmusic.com/artist/jo%C3%A3o-donato-mn0000118493/biography
 

Charlie Ventura • A Charlie Ventura Concert

 

Biography by Chris Kelsey
A fine swing-oriented tenor saxophonist, Ventura is best-remembered for his attempt at popularizing bebop during the tail end of the music's mid- to late-'40s heyday. Born Charles Venturo, he came from a large, musically inclined family. His first instrument was C-melody sax. He switched to alto before eventually settling on tenor. Ventura left his day job at the Philadelphia Navy Yard in 1942 to join Gene Krupa's band. He became a featured soloist with Krupa, playing with the drummer from 1942-1943 and 1944-1946 (working in the interim with guitarist/bandleader Teddy Powell). Ventura achieved considerable popularity while with Krupa, winning a Down Beat magazine award as best tenor saxophonist in 1945. He started his own big band in 1946 with middling results. He had more success fronting a small band, one version of which included trumpeter Conte Candoli, trombonist Bennie Green, alto saxophonist Boots Mussulli, drummer Ed Shaughnessy, and vocalists Jackie Cain and Roy Kral. Ventura recorded for small labels before getting signed to RCA Victor, which at the time wanted to capitalize on the emergence of bebop. An RCA executive purportedly told him that they wanted the word "bop" in the band's name. Ventura came up with the phrase "Bop for the People," which implied an accessible form of the music. Ventura formed a big band in 1948, but soon cut it down to eight members, retaining Cain and Kral, who were crucial components of the band's sound. The Bop for the People band worked through 1949 (during which time Ventura employed modern jazz's greatest saxophonist, Charlie Parker, on a record date), but in the end Ventura's stab at making a commercial success of bop failed. Indeed, as fine a player as he was, Ventura himself was never really a bopper. During the early '50s Ventura led another big band; formed a highly acclaimed group called the Big Four with bassist Chubby Jackson, drummer Buddy Rich, and pianist Marty Napoleon; briefly ran his own night club in Philadelphia; and also worked again with Cain and Kral. Ventura's health was not the best, yet he continued to work with Krupa into the '60s. After the '50s, Ventura recorded commercially only once (in 1977, with pianist John Bunch for the Famous Door label). Still, he remained active. He worked in Las Vegas (with comedian Jackie Gleason), and fronted various groups in the '70s and '80s, before dying of lung cancer in 1992. https://www.allmusic.com/artist/charlie-ventura-mn0000101628#biography

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Biografía de Chris Kelsey
Un excelente saxofonista tenor orientado al swing, Ventura es mejor recordado por su intento de popularizar el bebop durante el final del apogeo de la música de mediados a finales de los 40. Nacido como Charles Venturo, provenía de una familia numerosa y con inclinaciones musicales. Su primer instrumento fue el saxo C-melody. Cambió al alto antes de decidirse finalmente por el tenor. Ventura dejó su trabajo diario en el Astillero Naval de Filadelfia en 1942 para unirse a la banda de Gene Krupa. Se convirtió en solista destacado de Krupa, tocando con el baterista de 1942 a 1943 y de 1944 a 1946 (trabajando interinamente con el guitarrista y líder de la banda Teddy Powell). Ventura logró una considerable popularidad mientras estaba con Krupa, ganando un premio de la revista Down Beat como mejor saxofonista tenor en 1945. Fundó su propia big band en 1946 con resultados mediocres. Tuvo más éxito al frente de una pequeña banda, una de cuyas versiones incluía al trompetista Conte Candoli, el trombonista Bennie Green, el saxofonista alto Boots Mussulli, el baterista Ed Shaughnessy y los vocalistas Jackie Cain y Roy Kral. Ventura grabó para sellos pequeños antes de firmar con RCA Victor, que en ese momento quería capitalizar el surgimiento del bebop. Un ejecutivo de RCA supuestamente le dijo que querían la palabra " bop " en el nombre de la banda. Ventura ideó la frase "Bop para la gente", que implicaba una forma accesible de la música. Ventura formó una big band en 1948, pero pronto la redujo a ocho miembros, reteniendo a Cain y Kral, que eran componentes cruciales del sonido de la banda. La banda Bop for the People funcionó hasta 1949 (tiempo durante el cual Ventura empleó al mejor saxofonista del jazz moderno, Charlie Parker, en una fecha récord), pero al final fracasó la tentativa de Ventura de convertir el bop en un éxito comercial. De hecho, por muy buen jugador que fuera, el propio Ventura nunca fue realmente un bopper. A principios de los 50, Ventura dirigió otra big band; formó un grupo muy aclamado llamado Big Four con el bajista Chubby Jackson, el baterista Buddy Rich y el pianista Marty Napoleon; dirigió brevemente su propio club nocturno en Filadelfia; y también volvió a trabajar con Cain y Kral. La salud de Ventura no era la mejor, sin embargo, continuó trabajando con Krupa hasta los años 60. Después de los 50, Ventura grabó comercialmente solo una vez (en 1977, con el pianista John Bunch para el famoso sello Door). Aún así, se mantuvo activo. Trabajó en Las Vegas( con la comediante Jackie Gleason) y lideró varios grupos en los años 70 y 80, antes de morir de cáncer de pulmón en 1992. https://www.allmusic.com/artist/charlie-ventura-mn0000101628#biography

Pete Rugolo • Ten Trumpets & Two Guitars

 

Review by arwulf arwulf
A sequel to his cool, carefully mannered Mercury Perfect Presence Sound album Ten Trombones Like Two Pianos, Pete Rugolo's Ten Trumpets and Two Guitars showcases a skilled team of brass players who juggle trumpets and flugelhorns backed by a solid rhythm section featuring guitarists Howard Roberts and Al Viola. Although some of Rugolo's arrangements contain squirrel-like passages, most of the textures encountered here are characteristically cool and firmly rooted in traditional jazz. Rugolo invokes various trumpeters including Henry Busse ("Hot Lips"); Louis Armstrong ("Struttin' with Some Barbecue"); Clyde McCoy ("Sugar Blues") and Cootie Williams ("Echoes of Harlem"). In a friendly spirit of modernistic playfulness, the old time melody "Whispering" is revealed as the root of Dizzy Gillespie's "Groovin' High." The last two tracks feature only the guitarists accompanied by vibraphone and rhythm. This intriguing music was reissued on compact disc in 2007 by the Fresh Sound label as part of Rugolo's Exploring New Sounds.
https://www.allmusic.com/album/ten-trumpets-and-two-guitars-mw0001591149

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Revisión por arwulf arwulf
Una secuela de su genial y cuidadoso álbum Mercury Perfect Presence Sound Ten Trombones Like Two Pianos, Pete Rugolo's Ten Trumpets and Two Guitars muestra un hábil equipo de metales que hacen malabarismos con trompetas y fliscorno, respaldados por una sólida sección rítmica con los guitarristas Howard Roberts y Al Viola. Aunque algunos de los arreglos de Rugolo contienen pasajes como de ardilla, la mayoría de las texturas que se encuentran aquí son característicamente frescas y están firmemente arraigadas en el jazz tradicional. Rugolo invoca a varios trompetistas, entre ellos Henry Busse ("Labios Ardientes"); Louis Armstrong ("Pavonearse con algo de barbacoa"); Clyde McCoy ("Blues de Azúcar") y Cootie Williams ("Ecos de Harlem"). En un amistoso espíritu de juego modernista, la vieja melodía "Whispering" se revela como la raíz de "Groovin' High" de Dizzy Gillespie. En las dos últimas pistas sólo aparecen los guitarristas acompañados de vibráfono y ritmo. Esta intrigante música fue reeditada en disco compacto en 2007 por el sello Fresh Sound como parte de "Exploring New Sounds" de Rugolo.
https://www.allmusic.com/album/ten-trumpets-and-two-guitars-mw0001591149

  

Atlantic Jazz • Mainstream

 

 

Johnny Hodges,Charlie Byrd,Conte Candoli,Art Farmer,Duke Ellington,Kenny Clarke,Victor Feldman,Paul Gonsalves,Richie Kamuca,Ray Charles,Kenny Burrell,Percy Heath,Urbie Green ...

Sonny Criss • Sonny's Dream [Birth of the New Cool]

 

Review by Scott Yanow
For Sonny Criss this was an unusual date. The altoist is backed for the set by a nonet arranged by the great Los Angeles legend Horace Tapscott. The arrangements are challenging but complementary to Criss' style, and he is in top form on the six Tapscott originals. The CD reissue includes two additional alternate takes, and is highly recommended for both Criss' playing and Tapscott's writing. https://www.allmusic.com/album/sonnys-dream-birth-of-the-new-cool-mw0000087973

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Reseña de Scott Yanow
Para Sonny Criss, esta fue una fecha inusual. El altoista está respaldado para el set por un noneto arreglado por la gran leyenda de Los Ángeles Horace Tapscott. Los arreglos son desafiantes pero complementarios al estilo de Criss, y él está en plena forma en los seis originales de Tapscott. La reedición en CD incluye dos tomas alternativas adicionales, y es muy recomendable tanto para la interpretación de Criss como para la escritura de Tapscott. https://www.allmusic.com/album/sonnys-dream-birth-of-the-new-cool-mw0000087973

John Graas • Jazz Studio 3-4 Complete Sessions

 

Review by Ken Dryden
This Lonehill Jazz CD compiles the contents of two Decca LPs, Jazz Studio, Vol. 3 and Jazz Studio, Vol. 4. The first sessions consist of several different small groups led by French horn player John Graas, highlighted by the three tracks featuring his good friend Gerry Mulligan on baritone sax. In fact, Mulligan's influence on Graas' writing style is apparent, creating tight ensembles that nevertheless consistently swing, with the leader's well-named "Mulliganesque," a brisk cooker, being especially noteworthy. Among the other musicians are pianist Marty Paich, bassist Red Mitchell, and trumpeter Don Fagerquist. Other tracks feature tenor saxophonist Zoot Sims, trumpeter Conte Candoli, alto saxophonist Charlie Mariano, and either Paich or André Previn, with Jimmy Giuffre on baritone sax. Graas' "Rogersesque," which salutes Shorty Rogers (another prominent influence upon the leader), showcases Mariano, Candoli, Paich, and guitarist Howard Roberts to good effect. The last 12 selections are from Jazz Studio, Vol. 4, with all of the compositions contributed by trumpeter and flügelhornist Jack Millman, though the personnel and arrangers vary widely from one song to the next. Like Graas' works, Millman's have stood the test of time, even if they never became a part of regularly played jazz repertoire. The music is still very fresh decades after it was recorded, with some of the cream of the crop of West Coast musicians present, including Gerry Wiggins, Curtis Counce, Chico Hamilton, Bob Gordon, Buddy Collette, Jack Montrose, and Russ Freeman, among others. Perhaps one of the biggest surprises of the date is the Latin-infused "Cathy Goes South," arranged by Johnny Mandel with Maynard Ferguson playing claves. 
https://www.allmusic.com/album/jazz-studio-vols-3-4-complete-sessions-mw0000191145

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Reseña de Ken Dryden
Este CD de Lonehill Jazz recopila el contenido de dos LP de Decca: Jazz Studio, Vol. 3 y Jazz Studio, Vol. 4. Las primeras sesiones consisten en varios grupos pequeños liderados por el trompista John Graas, destacando los tres temas en los que su buen amigo Gerry Mulligan toca el saxo barítono. De hecho, la influencia de Mulligan en el estilo compositivo de Graas es evidente, creando conjuntos sólidos que, sin embargo, mantienen un swing consistente, destacando especialmente el acertado "Mulliganesque" del líder, un estilo de cocción enérgico. Entre los músicos que lo acompañan se encuentran el pianista Marty Paich, el bajista Red Mitchell y el trompetista Don Fagerquist. Otros temas incluyen al saxofonista tenor Zoot Sims, al trompetista Conte Candoli, al saxofonista alto Charlie Mariano y a Paich o André Previn, con Jimmy Giuffre al saxo barítono. "Rogersesque" de Graas, que rinde homenaje a Shorty Rogers (otra influencia destacada del líder), presenta con gran éxito a Mariano, Candoli, Paich y al guitarrista Howard Roberts. Las últimas 12 selecciones pertenecen a Jazz Studio, Vol. 4, con todas las composiciones aportadas por el trompetista y fliscornista Jack Millman, aunque el personal y los arreglistas varían considerablemente de una canción a otra. Al igual que las obras de Graas, las de Millman han resistido el paso del tiempo, incluso si nunca llegaron a formar parte del repertorio de jazz habitual. La música sigue muy vigente décadas después de su grabación, con la presencia de algunos de los músicos más destacados de la Costa Oeste, como Gerry Wiggins, Curtis Counce, Chico Hamilton, Bob Gordon, Buddy Collette, Jack Montrose y Russ Freeman, entre otros. Quizás una de las mayores sorpresas de la cita sea "Cathy Goes South", con influencias latinas, arreglada por Johnny Mandel con Maynard Ferguson tocando las claves. https://www.allmusic.com/album/jazz-studio-vols-3-4-sesiones-completas-mw0000191145

Harry Betts & His Orchestra • The Jazz Soul Of Doctor Kildare

 

Review by Bruce Eder
This wasn't the first album of its kind -- others had done jazz interpretations of television music, going back to the '50s -- but Harry Betts' Jazz Soul of Doctor Kildare was one of the better ones in the subgenre, an enjoyable and occasionally surprisingly ambitious pop-jazz creation, by a top arranger and trombonist. Betts and company -- including Jack Sheldon, Bud Shank, Conte Candoli, and Red Callender on tuba, no less -- manage to find room for improvisation without straying so far from the mood and character of the series for which the music was written that it ever becomes unrecognizable. And engineer Bones Howe recorded them so crisply and vividly that the record has held up as an audiophile quality release across more than three decades, even earning a Mobile Fidelity CD reissue in the '80s.
https://www.allmusic.com/album/jazz-soul-of-doctor-kildare-mw0000193513

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Reseña de Bruce Eder
Este no fue el primer álbum de este tipo - otros habían hecho interpretaciones de jazz de la música de la televisión, remontándose a los años 50 - pero el Jazz Soul of Doctor Kildare de Harry Betts fue uno de los mejores en el subgénero, una creación pop-jazz agradable y ocasionalmente sorprendente, de un arreglista y trombonista de primera. Betts y compañía -incluyendo a Jack Sheldon, Bud Shank, Conte Candoli, y Red Callender en la tuba, nada menos- consiguen encontrar espacio para la improvisación sin alejarse tanto del ambiente y el carácter de la serie para la que se escribió la música como para resultar irreconocible. Y el ingeniero Bones Howe los grabó de forma tan nítida y vívida que el disco se ha mantenido como un lanzamiento de calidad audiófila a lo largo de más de tres décadas, ganándose incluso una reedición en CD de Mobile Fidelity en los años 80.
https://www.allmusic.com/album/jazz-soul-of-doctor-kildare-mw0000193513

Conte Candoli All Stars • Little Band - Big Jazz

 

Clare Fischer • Manteca!

 

One of our favorite albums ever from the great Clare Fischer – and one of the first to really show his special talents at their best! The sound here is a wonderful blend of jazz, Latin, and Brazilian modes – and in addition to piano, Clare plays plenty of organ on the date – which bristles with this cool, clear sound amidst larger backdrops that have a very driving feel! There's lots of percussive energy at the bottom of the bigger group tracks – thanks to work from Latin percussionists Carlos Vidal, Cuco Martinez, Chino Valdes, and Rudy Calzado – and some of the other cuts feature a smaller group, but still with lots of great percussion! Clare's organ has this feel that's very different than the usual Hammond jazz style – and really sounds great throughout – on a batch of tracks that includes a key reading of his classic "Morning" – plus the cuts "Manteca", "Favela", "Afro Blue", "Dulzura", and "Negrita".  
https://www.dustygroove.com/item/2385/Clare-Fischer:Manteca

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Uno de nuestros álbumes favoritos de la gran Clare Fischer, ¡y uno de los primeros en mostrar realmente sus talentos especiales en su máxima expresión! El sonido aquí es una maravillosa combinación de jazz, música latina y brasileña, y además del piano, Clare toca mucho órgano en la fecha, lo que se eriza con este sonido fresco y claro en medio de fondos más grandes que dan una sensación muy emocionante. Hay mucha energía de percusión al final de los temas del grupo más grande, gracias al trabajo de los percusionistas latinos Carlos Vidal, Cuco Martínez, Chino Valdés y Rudy Calzado, y algunos de los otros cortes presentan un grupo más pequeño, pero aún con mucha genialidad. ¡percusión! El órgano de Clare tiene una sensación que es muy diferente al estilo habitual de jazz de Hammond – y realmente suena genial en todo momento – en un lote de temas que incluye una lectura clave de su clásico "Morning" - además de los cortes "Manteca", "Favela", " Afro Azul", "Dulzura" y "Negrita".
https://www.dustygroove.com/item/2385/Clare-Fischer:Manteca

Shorty Rogers • Martians Come Back

 

Biography by Scott Yanow
A fine middle-register trumpeter whose style seemed to practically define "cool jazz," Shorty Rogers was actually more significant for his arranging, both in jazz and in the movie studios. After gaining early experience with Will Bradley and Red Norvo and serving in the military, Rogers rose to fame as a member of Woody Herman's First and Second Herds (1945-1946 and 1947-1949), and somehow he managed to bring some swing to the Stan Kenton Innovations Orchestra (1950-1951), clearly enjoying writing for the stratospheric flights of Maynard Ferguson. After that association ran its course, Rogers settled in Los Angeles where he led his Giants (which ranged from a quintet to a nonet and a big band) on a series of rewarding West Coast jazz-styled recordings and wrote for the studios, helping greatly to bring jazz into the movies; his scores for The Wild One and The Man With the Golden Arm are particularly memorable. After 1962, Rogers stuck almost exclusively to writing for television and films, but in 1982 he began a comeback in jazz. Rogers reorganized and headed the Lighthouse All-Stars and, although his own playing was not quite as strong as previously, he remained a welcome presence both in clubs and recordings.
https://www.allmusic.com/artist/shorty-rogers-mn0000028646#biography

more: https://londonjazzcollector.wordpress.com/2015/11/03/shorty-rogers-martians-come-back-1955-atlantic/

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Biografía de Scott Yanow
Excelente trompetista de registro medio cuyo estilo parecía definir prácticamente el «cool jazz», Shorty Rogers fue en realidad más importante por sus arreglos, tanto en el jazz como en los estudios de cine. Tras adquirir una temprana experiencia con Will Bradley y Red Norvo y servir en el ejército, Rogers saltó a la fama como miembro de la Primera y Segunda Manadas de Woody Herman (1945-1946 y 1947-1949), y de alguna manera consiguió aportar algo de swing a la Stan Kenton Innovations Orchestra (1950-1951), disfrutando claramente escribiendo para los vuelos estratosféricos de Maynard Ferguson. Después de que esa asociación siguiera su curso, Rogers se instaló en Los Ángeles, donde dirigió a sus Giants (que iban desde un quinteto a un noneto y una big band) en una serie de grabaciones gratificantes con estilo de jazz de la Costa Oeste y escribió para los estudios, ayudando en gran medida a llevar el jazz al cine; sus partituras para The Wild One y The Man With the Golden Arm son particularmente memorables. Después de 1962, Rogers se dedicó casi exclusivamente a escribir para la televisión y el cine, pero en 1982 inició un regreso al jazz. Rogers reorganizó y dirigió el Lighthouse All-Stars y, aunque su forma de tocar ya no era tan fuerte como antes, siguió siendo una presencia bienvenida tanto en los clubes como en las grabaciones.
https://www.allmusic.com/artist/shorty-rogers-mn0000028646#biography


 

Conte Candoli & Max Roach • Jazz Structures

 

 

The Shelly Manne Quintet And Big Band • Manne-That's Gershwin!

 

Maynard Ferguson • Maynard Ferguson Octet

 

Shelly Manne • The Manne We Love