Cal Tjader • Soul Sauce

Review by Stephen Cook

Soul Sauce is one of the highlights from Tjader's catalog with its appealing mixture of mambo, samba, bolero, and boogaloo styles. Tjader's core band -- long-time piano player Lonnie Hewitt, drummer Johnny Rae and percussionist's Willie Bobo and Armanda PerazaÑ -- starts things off with a cooled down version of Dizzy Gillespie and Chano Pozo's latin jazz classic "Guachi Guaro (Soul Sauce)". With the help of guitarist Kenny Burrell, trumpeter Donald Byrd, and tenor saxophonist Jimmy Heath they offer up a lively version of Mongo Santamaria's "Afro Blue." Sticking to his music's "Mambo Without a Migraine" reputation, though, Tjader's musicians keep things fairly calm, especially on Latinized ballads such as Billy May's "Somewhere In the Night" and on midtempo swingers like "Tanya." On Soul Sauce Tjader had perfected a middle ground between the brisk, collegiate mambo of his early Fantasy records and the mood-heavy sound of Asian themed albums like Breeze From the East. In the process, he dodged the "Latin lounge" label with an album full of smart arrangements, subtly provocative vibe solos, and intricate percussion backing.

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Reseña de Stephen Cook

La Salsa para el Alma es uno de los aspectos más destacados del catálogo de Tjader con su atractiva mezcla de estilos de mambo, samba, bolero y boogaloo. El núcleo de la banda de Tjader - el pianista Lonnie Hewitt, el baterista Johnny Rae y los percusionistas Willie Bobo y Armanda PerazaÑ - comienza con una versión más fresca del clásico de jazz latino de Dizzy Gillespie y Chano Pozo "Guachi Guaro (Soul Sauce)". Con la ayuda del guitarrista Kenny Burrell, el trompetista Donald Byrd, y el saxofonista tenor Jimmy Heath ofrecen una versión animada de "Afro Blue" de Mongo Santamaría. Sin embargo, apegándose a la reputación de su música "Mambo Without a Migraine", los músicos de Tjader mantienen las cosas bastante tranquilas, especialmente en baladas latinizadas como "Somewhere In the Night" de Billy May y en swingers de medio tiempo como "Tanya". En Soul Sauce Tjader había perfeccionado un punto medio entre el mambo colegial y enérgico de sus primeros discos de Fantasía y el sonido agitado de los álbumes de temática asiática como Breeze From the East. En el proceso, esquivó el sello "Latin lounge" con un álbum lleno de arreglos inteligentes, sutilmente provocativos solos de vibración y un intrincado respaldo de percusión.

VA • Verve JazzClub - Latin Jazz

 

 

 

Sarah Vaughan, Oscar Peterson, Clark Terry, Chico O'Farrill, Quincy Jones, Machito, Cal Tjader, Les McCann, Ramsey Lewis, Willie Bobo, Xavier Cugat, Dizzy Gillespie, Dave Pike ...

 

VA • Super Funky Soul Jazz

 

 

Jimmy McGriff, Grant Green, George Benson, Bobbi Humphrey, Brother Jack McDuff, Willie Bobo, Roy Ayers, Dorothy Ashby, Archie Shepp, James Brown, Buddy Rich, John Scofield, Charlie Hunter, Lou Donaldson ...

 

VA • Afro-Cuban Jazz

 

Machito, Eddie Palmieri, Michel Camilo, Candido, Arturo Sandoval, Herbie Mann, Willie Bobo, Roy Hargrove, Tito Puente, Chico O'Farrill, Dizzy Gillespie, Dave Valentin, Cal Tjader …

Herbie Mann • Brazil, Bossa Nova & Blues

 

Biography by Scott Yanow

Herbie Mann played a wide variety of music throughout his career. He became quite popular in the 1960s, but in the '70s became so immersed in pop and various types of world music that he seemed lost to jazz. However, Mann never lost his ability to improvise creatively as his later recordings attest.

Herbie Mann began on clarinet when he was nine but was soon also playing flute and tenor. After serving in the Army, he was with Mat Mathews' Quintet (1953-1954) and then started working and recording as a leader. During 1954-1958 Mann stuck mostly to playing bop, sometimes collaborating with such players as Phil Woods, Buddy Collette, Sam Most, Bobby Jaspar, and Charlie Rouse. He doubled on cool-toned tenor and was one of the few jazz musicians in the '50s who recorded on bass clarinet; he also recorded a full album in 1957 (for Savoy) of unaccompanied flute.

After spending time playing and writing music for television, Mann formed his Afro-Jazz Sextet, in 1959, a group using several percussionists, vibes (either Johnny Rae, Hagood Hardy, or Dave Pike) and the leader's flute. He toured Africa (1960) and Brazil (1961), had a hit with "Comin' Home Baby," and recorded with Bill Evans. The most popular jazz flutist during the era, Mann explored bossa nova (even recording in Brazil in 1962), incorporated music from many cultures (plus current pop tunes) into his repertoire, and had among his sidemen such top young musicians as Willie Bobo, Chick Corea (1965), Attila Zoller, and Roy Ayers; at the 1972 Newport Festival his sextet included David Newman and Sonny Sharrock. By then Mann had been a producer at Embroyo (a subsidiary of Atlantic) for three years and was frequently stretching his music outside of jazz. As the '70s advanced, Mann became much more involved in rock, pop, reggae, and even disco. After leaving Atlantic at the end of the '70s, Mann had his own label for awhile and gradually came back to jazz. He recorded for Chesky, made a record with Dave Valentin, and in the '90s founded the Kokopelli label on which before breaking away in 1996, he was free to pursue his wide range of musical interests. Through the years, he recorded as a leader for Bethlehem, Prestige, Epic, Riverside, Savoy, Mode, New Jazz, Chesky, Kokopelli, and most significantly Atlantic. He passed away on July 1, 2003, following an extended battle with prostate cancer. His last record was 2004's posthumously released Beyond Brooklyn for Telarc.

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Biografía de Scott Yanow

Herbie Mann tocó una gran variedad de música a lo largo de su carrera. Se hizo muy popular en la década de 1960, pero en la década de los 70 se sumergió tanto en el pop como en varios tipos de músicas del mundo que parecía perdido en el jazz. Sin embargo, Mann nunca perdió su capacidad de improvisar creativamente como lo atestiguan sus últimas grabaciones.

Herbie Mann comenzó a tocar el clarinete cuando tenía nueve años, pero pronto también tocaba flauta y tenor. Después de servir en el Ejército, estuvo con Mat Mathews 'Quintet (1953-1954) y luego comenzó a trabajar y grabar como líder. Durante 1954-1958, Mann se dedicó principalmente a jugar bop, a veces colaborando con jugadores como Phil Woods, Buddy Collette, Sam Most, Bobby Jaspar y Charlie Rouse. Se dobló con un tenor de tono frío y fue uno de los pocos músicos de jazz en los años 50 que grabaron en el clarinete bajo; también grabó un álbum completo en 1957 (para Savoy) de flauta no acompañada.

Después de pasar el tiempo tocando y escribiendo música para la televisión, Mann formó su Sexteto Afro-Jazz, en 1959, un grupo que utiliza varios percusionistas, vibraciones (ya sea Johnny Rae, Hagood Hardy o Dave Pike) y la flauta del líder. Realizó una gira por África (1960) y Brasil (1961), tuvo un éxito con "Comin 'Home Baby" y grabó con Bill Evans. El flautista de jazz más popular durante la era, Mann exploró la bossa nova (incluso grabando en Brasil en 1962), incorporó música de muchas culturas (más las melodías pop actuales) en su repertorio, y tuvo entre sus dirigentes a músicos jóvenes tan importantes como Willie Bobo. Chick Corea (1965), Attila Zoller y Roy Ayers; en el Festival de Newport de 1972, su sexteto incluía a David Newman y Sonny Sharrock. Para entonces, Mann había sido productor en Embroyo (una subsidiaria de Atlantic) durante tres años y frecuentemente estaba extendiendo su música fuera del jazz. A medida que avanzaban los años 70, Mann se involucró mucho más en el rock, el pop, el reggae e incluso la discoteca. Después de dejar Atlantic a finales de los años 70, Mann tuvo su propio sello por un tiempo y gradualmente volvió al jazz. Grabó para Chesky, grabó un disco con Dave Valentin, y en los años 90 fundó el sello Kokopelli, en el cual, antes de separarse en 1996, tenía libertad para dedicarse a su amplia gama de intereses musicales. A través de los años, grabó como líder para Belén, Prestige, Epic, Riverside, Savoy, Mode, New Jazz, Chesky, Kokopelli y, lo más importante, Atlantic. Falleció el 1 de julio de 2003, luego de una prolongada batalla contra el cáncer de próstata. Su último disco fue 2004, lanzado póstumamente Beyond Brooklyn para Telarc.

Herbie Mann & Chick Corea • Complete Latin Band Session

 

Two CD set containing the complete recordings of Herbie Mann with Chick Corea, consisting of the three complete albums Monday Night at the Village Gate, Standing Ovation at Newport and Latin Mann: Afro to Bossa to Blues (all recorded in 1965), plus all seven of the tracks from the album The Roar of the Greasepaint the Smell of the Crowd in which both musicians are present.

 

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Juego de dos CDs que contiene las grabaciones completas de Herbie Mann con Chick Corea, consistentes en los tres álbumes completos Monday Night at the Village Gate, Standing Ovation at Newport y Latin Mann: Afro to Bossa to Blues (todos ellos grabados en 1965), más los siete temas del álbum The Roar of the Greasepaint the Smell of the Crowd en los que están presentes ambos músicos.

Willie Bobo • Talkin' Verve

 

Review by Richard S. Ginell
Whatever the meaning of the word "talkin," this is still a most valuable release because it succinctly sums up Willie Bobo's Verve recordings, most of which have yet to see the light of the laser. By this time, Bobo had followed Mongo Santamaria into the marketplace as an energetic exponent of the Latin boogaloo, even scoring a minor hit with "Spanish Grease."
But Bobo went even further than Mongo toward an accommodation with the '60s scene, adding the R&B-oriented electric rhythm guitar of Sonny Henry, dropping the piano, incorporating strings and even an occasional graceful vocal now and then. While there are a few covers of '60s standards here, like "The Look of Love" and "Grazing in the Grass" -- and he had the great sense to seek out and record a hip-shaking version of Eddie Harris' "Sham Time" -- Bobo's biggest contribution on these tracks was in providing the inspiration for the Latin rock boom to come. "Evil Ways" is almost an exact blueprint for Carlos Santana's career-launching hit version; "Spanish Grease" reappeared uncredited six years later as Santana's "No One to Depend On," and Santana also played Bobo's lowdown "Fried Neck Bones and Some Homefries" in the band's early days. With Bobo's galvanic congas and timbales swinging at all times, few CDs by a single artist capture the ambience of late-'60s jazz radio in the evening as well as this one.
https://www.allmusic.com/album/talkin-verve-mw0000023497

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Reseña de Richard S. Ginell
Cualquiera que sea el significado de la palabra "talkin", este sigue siendo un lanzamiento muy valioso porque resume sucintamente las grabaciones en Verve de Willie Bobo, la mayoría de las cuales aún no han visto la luz del láser. Para entonces, Bobo había seguido a Mongo Santamaría al mercado como un enérgico exponente del boogaloo latino, incluso logrando un pequeño éxito con " Spanish Grease."
Pero Bobo fue aún más lejos que Mongo hacia un acomodo con la escena de los 60, agregando la guitarra rítmica eléctrica orientada al R&B de Sonny Henry, dejando caer el piano, incorporando cuerdas e incluso una elegante voz ocasional de vez en cuando. Si bien hay algunas versiones de los estándares de los 60 aquí, como "The Look of Love" y "Grazing in the Grass", y tuvo el gran sentido de buscar y grabar una versión de Eddie Harris "Sham Time", la mayor contribución de Bobo en estas pistas fue proporcionar la inspiración para el boom del rock latino por venir. "Evil Ways" es casi un plan exacto para la exitosa versión de lanzamiento de la carrera de Carlos Santana ;" Spanish Grease " reapareció sin acreditar seis años después como "No One to Depend On" de Santana, y Santana también tocó "Fried Neck Bones and Some Homefries" de Bobo en los primeros días de la banda. Con las congas galvánicas y los timbales de Bobo balanceándose en todo momento, pocos CD de un solo artista capturan el ambiente de la radio de jazz de finales de los 60 por la noche tan bien como este.
https://www.allmusic.com/album/talkin-verve-mw0000023497

Herbie Mann • Live at Newport

 

Review by Scott Yanow
Most of Herbie Mann's Atlantic sessions of the 1960s are among the flutist's best and most popular work. Mann and his regular group of 1963 (which includes vibraphonist Dave Pike, pianist Don Friedman, guitarist Attila Zoller, bassist Ben Tucker and drummer Bob Thomas with added percussionists Willie Bobo and Potato Valdez) are heard in spirited form on this set from the 1963 Newport Jazz Festival. There are two surprises, both having to do with Antonio Carlos Jobim tunes. The bossa nova hit "Desafinado" is taken in straight 4/4 time without the percussionists, which makes it sound like a new song. And three months after Stan Getz, Jobim and the Gilbertos recorded "The Girl From Ipanema" (but before it was even released), Mann can be heard playing an instrumental version of the song, here listed as "Garota De Ipanema." A catchy rendition of "Soft Winds," the bossa nova "Samba De Orfeu," and Ben Tucker's "Don't You Know" round out the well-played program.

 

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Reseña de Scott Yanow
La mayoría de las sesiones de Herbie Mann en Atlantic de los años 60 se encuentran entre los mejores y más populares trabajos del flautista. Mann y su grupo habitual de 1963 (que incluye al vibrafonista Dave Pike, al pianista Don Friedman, al guitarrista Attila Zoller, al bajista Ben Tucker y al baterista Bob Thomas con los percusionistas añadidos Willie Bobo y Potato Valdez) se escuchan en forma animada en este set del Festival de Jazz de Newport de 1963. Hay dos sorpresas, ambas relacionadas con temas de Antonio Carlos Jobim. El éxito de la bossa nova "Desafinado" se interpreta en tiempo 4/4 sin los percusionistas, lo que la hace sonar como una canción nueva. Y tres meses después de que Stan Getz, Jobim y los Gilbertos grabaran "The Girl From Ipanema" (pero antes de que saliera a la venta), se puede escuchar a Mann tocando una versión instrumental de la canción, aquí catalogada como "Garota De Ipanema". Una pegadiza interpretación de "Soft Winds", la bossa nova "Samba De Orfeu" y "Don't You Know" de Ben Tucker completan el programa bien interpretado.

Willie Bobo & The Bo Gents • Do What You Want To Do

 

Description from Dusty Groove (Chicago's Online Record Store):
Incredible work by Willie Bobo — a slamming record of hard funky instrumentals, one that sounds different than any of his other albums! The record's a killer all the way through — a mixture of Latin and deep 70s funk, one of the few perfect fusions of the styles, held up beautifully all the way through the set. Includes the break cuts "Do What You Want to Do", "Broasted or Fried", and "Soul Foo Young" — plus a version of "Dindi", which, for some reason, Willie seemed to record every chance he got! Other titles include "Shut Up & Pay Attention", "Come Together", and "Never You Mind."
https://www.dustygroove.com/item/117611/Willie-Bobo-the-Bo-Gents:Do-What-You-Want-To-Do

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Descripción de Dusty Groove (Chicago's Online Record Store):
Un trabajo increíble de Willie Bobo — un disco contundente de instrumentales funky, que suena diferente a cualquier otro de sus álbumes. El disco es demoledor de principio a fin — una mezcla de funk latino y el deep funk de los años 70, una de las pocas fusiones perfectas de estos estilos, que aguanta hermosamente de principio a fin. Incluye los break cuts "Do What You Want to Do", "Broasted or Fried" y "Soul Foo Young" — más una versión de "Dindi", que, por algún motivo, Willie parecía grabar cada vez que tenía oportunidad. Otros títulos incluyen "Shut Up & Pay Attention", "Come Together" y "Never You Mind."
https://www.dustygroove.com/item/117611/Willie-Bobo-the-Bo-Gents:Do-What-You-Want-To-Do

Willie Bobo • Do What You Want To Do

 

Willie Bobo was one of the key players who fused influences from Latin soul, rock, and jazz in the late 1960s and 1970s. Willie went on to become an important band leader, whose music reflected the traditions of Spanish and Black Harlem. Born William Correa of Puerto Rican parents, in 1934, Willie was raised in New York City. In 1947, he worked as a band boy for Machito’s Afro-Cubans, one of the most popular Latin music ensembles of the era. Late at night, during the last set, he was sometimes allowed to sit in on bongos, getting his first taste of performing on a bandstand in the company of world class musicians. Good fortune led him to the side of Cuban conga legend Ramon “Mongo” Santamaria, a recent arrival in the Big Apple from Havana. In exchange for his services as Mongo’s much needed translator, the fledgling percussionist received lessons in Afro-Cuban techniques from the master. It was jazz pianist Mary Lou Williams who gave Willie the distinctive nickname “Bobo,” which he would soon adopt for his stage name and use for the rest of his life. The Spanish word means, among other things, “clown” or “funny man,” and was perfect to sum up Willie’s lighthearted demeanor and fun-loving attitude. He worked with Williams as a trap drummer and as a percussionist with Cuban big band leader Pérez Prado before being invited to join Santamaria in the rhythm section of Ernest “Tito” Puente’s mambo orchestra. The five years alongside Mongo and Puente produced what many scholarly observers consider to have been some of the finest Afro-Cuban percussion performances in “Top Percussion and Cuban Carnival” -- ever captured on tape. Bobo’s rendezvous with destiny, however, was just beginning. While still with Puente, he recorded with pianist George Shearing, on the pianists first album for Capitol, “The Shearing Spell.” Shearing would be the first of many jazz luminaries who would call on Bobo’s talents over the years. Throughout the 1950s, he accompanied numerous jazz artists such as Stan Getz, particularly on studio sessions--especially when everyone had to record a mambo or cha-cha somewhere in the course of their contract. Both he and Santamaria left Puente in 1957 and soon had another opportunity to make more Latin jazz history, joining vibraphonist Cal Tjader’s ensemble from 1958 to 1961 and participating on such landmark Tjader sessions as “Latino” and “Monterey Concerts.” Bobo partnered with the vibraphonist again in 1964 to record the top Latin jazz hit “Soul Sauce.” He and his former teacher Santamaria reunited in 1960 to record “Sabroso!” for Fantasy.

Soon after that, he picked up a contract as a solo artist for Roulette Records, which was looking for another artist to ride on the coattails of Ray Barretto's hit instrumental, "El Watusi." Bobo's career with Roulette ended about as quickly as the Watusi craze. Verve signed Bobo and quickly released his album, “Spanish Grease,” soon thereafter. When he began to lead his own groups in the mid 1960s, Bobo was quick to look to the popular culture of the day for inspiration. He was one of the pioneers of the boogaloo (bugalú) or “Spanish Soul” movement, a style known for its jaunty blend of R&B influences and Afro- Cuban rhythms that became wildly popular. On such albums as “Spanish Grease,” “Juicy,” “Spanish Blues Band” and “Uno Dos Tres,” Bobo rendered rock, pop, soul, Cuban and Brazilian songs with equal panache, substituting an electric guitar for the customary piano and emphasizing a funky, urban side of the style that expanded his audience even further. His recording of “Evil Ways,” for example, foreshadowed the hit version of the tune recorded by Santana a few years later. Like many of Verve's jazz artists, Bobo covered current pop hits as often as more serious Latin and jazz material. At the time, this choice was pretty much a sure-fire way to get panned by jazz critics, but in recent years, Bobo's albums have been reissued to new acclaim and provided a rich sampling source for breakbeat artists. He always has a strong following within the Puerto Rican community where he is still revered as a percussion legend. In the late 1960s, he moved to Los Angeles, where he worked as a session musician with Carlos Santana and others after his Verve contract expired. He played with the studio band on "The Cosby Show," and did other recordings as; “Tomorrow is Here,” in ’77 for Blue Note, and “Bobo,” in ’79 for Columbia. He reunited with Santamaria in 1983 at the Playboy Jazz Festival, and died the same year. Bobo’s son Eric released “Lost and Found,” in 2006 for Concord, it is, for the most part, a fine collection of unreleased recordings dating from the early to mid-'70s, when the artist was still at the peak of his creativity. Discovered by his son in the family home, the dozen tracks assembled here showcase Bobo in a number of settings. It is more of a tribute from a son than a best of compilation. For the uninitiated into Willie Bobo, and interested readers alike, I recommend “Willie Bobo’s Finest Hour,” as a good introduction into this man’s music. In an excellent review of this reissue by Thom Jurek he states: “What comes across so forcefully on the Bobo collection is that his ideas about music were progressive to the point of being oversimplified by others; Bobo saw all music as pop music and treated it as such on his records. His wish to make corner-bending sides for his friends in Harlem actually translates to the entire American populace very well, so well in their directness and emotional honesty -- as well sweet-grooving simplicity -- that sophisticated statements on race and class are played out in his pop music. For those who don't give a damn about this kind of analysis, it's safe to say that this set -- all 18 tracks of it -- constitutes one hell of a driving, partying, dancing, or goofing record straight from the heart to the street corner. This is amazing stuff.” Right On Willie !!
https://www.allaboutjazz.com/musicians/willie-bobo/

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Willie Bobo fue uno de los músicos clave que fusionó influencias del soul latino, el rock y el jazz a fines de la década de 1960 y 1970. Willie se convirtió en un importante líder de banda, cuya música reflejaba las tradiciones del Harlem español y negro. Nacido William Correa de padres puertorriqueños, en 1934, Willie se crió en la ciudad de Nueva York. En 1947, trabajó como chico de banda para Machito's Afro-Cubans, uno de los conjuntos de música latina más populares de la época. A altas horas de la noche, durante el último set, a veces se le permitía sentarse en los bongos, probando por primera vez tocar en un quiosco de música en compañía de músicos de clase mundial. La buena fortuna lo llevó al lado de la leyenda cubana de la conga Ramón "Mongo" Santamaría, recién llegado a la Gran Manzana desde La Habana. A cambio de sus servicios como traductor muy necesario de Mongo, el percusionista novato recibió lecciones de técnicas afrocubanas del maestro. Fue la pianista de jazz Mary Lou Williams quien le dio a Willie el apodo distintivo de "Bobo", que pronto adoptaría como su nombre artístico y usaría por el resto de su vida. La palabra en español significa, entre otras cosas, "payaso" u "hombre divertido", y fue perfecta para resumir el comportamiento alegre y la actitud amante de la diversión de Willie. Trabajó con Williams como baterista de trap y como percusionista con el líder de la big band cubana Pérez Prado antes de ser invitado a unirse a Santamaría en la sección rítmica de la orquesta de mambo de Ernest "Tito" Puente. Los cinco años junto a Mongo y Puente produjeron lo que muchos observadores académicos consideran que han sido algunas de las mejores actuaciones de percusión afrocubana en "La Mejor Percusión y el Carnaval Cubano", jamás capturadas en cinta. La cita de Bobo con el destino, sin embargo, apenas comenzaba. Mientras aún estaba con Puente, grabó con el pianista George Shearing, en el primer álbum de pianists para Capitol, " The Shearing Spell."Shearing sería la primera de muchas luminarias del jazz que recurrirían al talento de Bobo a lo largo de los años. A lo largo de la década de 1950, acompañó a numerosos artistas de jazz como Stan Getz, particularmente en sesiones de estudio, especialmente cuando todos tenían que grabar un mambo o cha-cha en algún momento de su contrato. Tanto él como Santamaría dejaron Puente en 1957 y pronto tuvieron otra oportunidad de hacer más historia del jazz latino, uniéndose al conjunto del vibrafonista Cal Tjader de 1958 a 1961 y participando en sesiones históricas de Tjader como los conciertos "Latino" y "Monterey"."Bobo se asoció nuevamente con el vibrafonista en 1964 para grabar el éxito más importante del jazz latino" Soul Sauce. Él y su ex maestra Santamaría se reunieron en 1960 para grabar " Sabroso!"por Fantasía.

Poco después de eso, consiguió un contrato como solista para Roulette Records, que buscaba otro artista para subirse al faldón del exitoso instrumental de Ray Barretto, "El Watusi."La carrera de Bobo con la Ruleta terminó tan rápido como la locura de los Watusi. Verve contrató a Bobo y rápidamente lanzó su álbum, "Spanish Grease", poco después. Cuando comenzó a liderar sus propios grupos a mediados de la década de 1960, Bobo se apresuró a buscar inspiración en la cultura popular de la época. Fue uno de los pioneros del movimiento boogaloo (bugalú) o "Alma Española", un estilo conocido por su alegre mezcla de influencias de R&B y ritmos afrocubanos que se hizo tremendamente popular. En álbumes como "Spanish Grease", "Juicy", "Spanish Blues Band" y "Uno Dos Tres", Bobo interpretó canciones de rock, pop, soul, cubanas y brasileñas con igual garbo, sustituyendo el piano habitual por una guitarra eléctrica y enfatizando un lado funky y urbano del estilo que expandió aún más a su audiencia. Su grabación de "Evil Ways", por ejemplo, presagió la exitosa versión de la canción grabada por Santana unos años más tarde. Como muchos de los artistas de jazz de Verve, Bobo cubrió éxitos pop actuales con tanta frecuencia como material latino y de jazz más serio. En ese momento, esta elección era prácticamente una forma segura de ser criticada por los críticos de jazz, pero en los últimos años, los álbumes de Bobo se han reeditado con nuevos elogios y han proporcionado una rica fuente de muestreo para los artistas de breakbeat. Siempre tiene un gran número de seguidores dentro de la comunidad puertorriqueña, donde todavía es venerado como una leyenda de la percusión. A fines de la década de 1960, se mudó a Los Ángeles, donde trabajó como músico de sesión con Carlos Santana y otros después de que expirara su contrato con Verve. Tocó con la banda de estudio en "The Cosby Show" e hizo otras grabaciones como; "Tomorrow is Here", en el 77 para Blue Note, y "Bobo", en el 79 para Columbia. Se reunió con Santamaría en 1983 en el Festival de Jazz Playboy, y murió el mismo año. El hijo de Bobo, Eric, lanzó "Lost and Found" en 2006 para Concord, es, en su mayor parte, una excelente colección de grabaciones inéditas que datan de principios a mediados de los 70, cuando el artista aún estaba en la cima de su creatividad. Descubiertas por su hijo en la casa familiar, las doce pistas reunidas aquí muestran a Bobo en varios escenarios. Es más un tributo de un hijo que lo mejor de la compilación. Para los no iniciados en Willie Bobo, y para los lectores interesados por igual, recomiendo "Willie Bobo's Finest Hour", como una buena introducción a la música de este hombre. En una excelente reseña de esta reedición de Thom Jurek afirma: "Lo que se ve con tanta fuerza en The Bobo collection es que sus ideas sobre la música eran progresivas hasta el punto de ser simplificadas por otros; Bobo veía toda la música como música pop y la trataba como tal en sus discos. Su deseo de hacer lados que doblen las esquinas para sus amigos en Harlem en realidad se traduce muy bien en toda la población estadounidense, tan bien en su franqueza y honestidad emocional, así como en su simplicidad dulce, que las declaraciones sofisticadas sobre raza y clase se reproducen en su música pop. Para aquellos a quienes les importa un comino este tipo de análisis, es seguro decir que este set, las 18 pistas, constituye un disco infernal de conducción, fiesta, baile o tonterías directamente desde el corazón hasta la esquina de la calle. Esto es algo asombroso."¡Justo En Willie !!
https://www.allaboutjazz.com/musicians/willie-bobo/

Bobby Hutcherson • Montara

 

Review from AllMusic (by Thom Jurek):
With the possible exception of Grover Washington's Feels So Good, no other album captured the spirit of jazz in 1975 like Bobby Hutcherson's Montara. Recorded in his hometown of L.A., Montara is the very sound of groove jazz coming out of fusion, and Latin jazz's tough salsa rhythms coming home to roost in something more warm and effluvial that would meet the populace where it was changing and mellowing out rather than making it sit up and take notice. That said, Montara is, like the Washington record, a masterpiece of the genre even though it isn't celebrated in the same way. Featuring a stellar cast of musicians -- among them Willie Bobo, Blue Mitchell, Bobby Matos, Ernie Watts, Harvey Mason, Plas Johnson, Fred Jackson, Larry Nash, and Chuck Domanico -- Montara is a portrait of Hutcherson's complex gift of subtlety and virtuosity. Whether it's the funky Weather Report dance of "Camel Rise," with Nash's electric piano and the horns weaving around one another in a soulful samba melody, the sweet soulful groove of the title track, where Hutcherson's solo lilts to the point of actually singing, the killer Cuban salsa of "La Malanga," done in complete minor-key frenzy (all the while without losing the easy, slippery grace of soul-jazz), the shimmering echoplexed electric piano and vibes interplay on "Love Song," or the steaming, burning gasoline orgy of Hutcherson's read of Santana's "Oye Como Va," with a killer flute line by Watts winding its way through a knotty bassline and multi-part percussion, the effect is the same: blissed-out moving and grooving for a summer day. Hutcherson's chameleon-like ability to shape-shift is truly remarkable as a sideman and especially as a leader. He never overplays, his charts are tight, and he always creates a band vibe. Almost all of his solo recordings reflect the strengths of the ensemble rather than his strengths as a soloist. Montara is one of the great feel-good jazz albums of the 1970s, one of the great Latin jazz albums of the 1970s, and one of the great groove jazz records. Seek it out without hesitation.
https://www.allmusic.com/album/montara-mw0000036961

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Reseña de AllMusic (por Thom Jurek):
Con la posible excepción de Feels So Good de Grover Washington, ningún otro álbum capturó el espíritu del jazz en 1975 como el Montara de Bobby Hutcherson. Grabado en su ciudad natal de Los Ángeles, Montara es el sonido mismo del groove jazz saliendo de la fusión, y los duros ritmos de salsa del jazz latino volviendo a casa para anidar en algo más cálido y efluente que se encontraría con el público donde se estaba transformando y relajando, en lugar de obligarlo a prestar atención. Dicho esto, Montara es, como el disco de Washington, una obra maestra del género aunque no sea celebrada de la misma manera. Con un elenco estelar de músicos — entre ellos Willie Bobo, Blue Mitchell, Bobby Matos, Ernie Watts, Harvey Mason, Plas Johnson, Fred Jackson, Larry Nash y Chuck Domanico — Montara es un retrato del complejo don de sutileza y virtuosismo de Hutcherson. Ya sea la danza funky al estilo Weather Report de "Camel Rise", con el piano eléctrico de Nash y los vientos entretejidos en una melodía de samba llena de alma, el dulce y anímico groove del tema titular, donde el solo de Hutcherson se inclina hasta el punto de realmente cantar, la asesina salsa cubana de "La Malanga", ejecutada en una frenética tonalidad menor (sin perder en ningún momento la gracia fácil y resbaladiza del soul-jazz), el interplay reluciente de piano eléctrico con echoplex y vibráfono en "Love Song", o la orgia de gasolina ardiente y humeante de la lectura de Hutcherson de "Oye Como Va" de Santana, con una línea de flauta asesina de Watts serpenteando a través de una línea de bajo intrincada y percusión de múltiples partes, el efecto es el mismo: un éxtasis de movimiento y groove para un día de verano. La capacidad camaleónica de Hutcherson para transformarse es verdaderamente notable tanto como sideman como especialmente como líder. Nunca toca de más, sus arreglos son ajustados y siempre crea un ambiente de banda. Casi todas sus grabaciones en solitario reflejan las fortalezas del ensemble más que las suyas como solista. Montara es uno de los grandes discos de jazz de buen rollo de los años 70, uno de los grandes discos de jazz latino de los años 70, y uno de los grandes discos de groove jazz. Búscalo sin vacilar.
https://www.allmusic.com/album/montara-mw0000036961

Chico Hamilton • The Further Adventures Of El Chico

 

Legendary jazz drummer and bandleader Foreststorn ‘Chico’ Hamilton, born September 21st, 1921 in Los Angeles, had a fast track musical education in a band with his schoolmates Charles Mingus, Illinois Jacquet, Ernie Royal, Dexter Gordon, Buddy Collette and Jack Kelso. Engagements with Lionel Hampton, Slim & Slam, T-Bone Walker, Lester Young, Count Basie, Duke Ellington, Charlie Barnett, Billy Eckstine, Nat King Cole, Sammy Davis Jr., Billie Holiday, Gerry Mulligan and six years with Lena Horne established this young West Coast prodigy as a jazz drummer on the rise, before striking out on his own as a bandleader in 1955.

Chico appears in the March Milastaire number in the film “You'll Never Get Rich” (1941) as part of the backing group supporting Fred Astaire, and performed on the soundtrack of the Bing Crosby/Bob Hope film “Road to Bali”.

Chico’s impact upon jazz includes the introduction of two unique and distinct sounds: first in 1955 with his Original Quintet which combined the sounds of his drums, the bass of Carson Smith, the guitar of Jim Hall, the cello of Fred Katz, and the flute of Buddy Collette; and the second in 1962 with his own drums, the bass of Albert Stinson, the guitar of Gabor Szabo, the tenor sax of Charles Lloyd, and the trombone of George Bohanon.

Recorded first lp as leader in '55 with George Duvivier and Howard Roberts for Pacific Jazz; in '55 formed an unusual quintet in L.A. feat. cello, flute, guitar, bass and drums which acquired national following; the original personnel incl. Buddy Collette, Jim Hall, Fred Katz and Carson Smith; Hamilton continued to tour using different personnel '57-'60; group incl. Paul Horne and John Pisano feat. in the film “Sweet Smell of Success” in '57; group incl. Nate Gershman and Eric Dolphy app. in film “Jazz on a Summer’s Day” in '60; Dolphy makes first recordings with Hamilton on “With Strings Attached”, “Gongs East”, “The Three Faces of Chico”, and “That Hamilton Man”.

Hamilton revamps group in '61 with new musical direction; new group incl. Charles Lloyd, Gabor Szabo, George Bohanon and Albert Stinson; group records for Columbia, Reprise and Impulse also records soundtrack for industrial film “Litho” in '62, the first American film to be shown behind the Iron Curtain. Hamilton forms commercial and film production company in '65; scores the feature films “Repulsion”, “Mr. Rico”, “By Design”, “Liebe Auf Den Ersten Blick”, “Die Sonnengottin”, and “A Practical Man”; scores for television “Portrait of Willie Mays” and the popular children's series “Gerald McBoing Boing”; scores hundreds of commercials for TV and radio. Forms new group with Larry Coryell, Richard Davis and Arnie Lawrence in '66 and records “The Dealer” for Impulse. Performs Montreux and North Sea Jazz Festivals in '72 and '73. Forms new “Players” group in '75 w. Arthur Blythe, Steve Turre, Barry Finnerty and Abdullah; tours with “Players” using different personnel '76-'80; records for Blue Note, Mercury, Nautilus and Elektra. Originating faculty member in '87 of New School University Jazz & Contemporary Music Program.

Forms new group “Euphoria” in '87 w. Eric Person, Cary DeNigris and Reggie Washington; records “Euphoria” '87; tours Europe with “Euphoria” '87, '88, '90. Performs at Verona, Bolzano, Vienne, Nice, North Sea and Montreux Jazz Festivals in '89 with regrouped original quintet w. Buddy Collette, Fred Katz, John Pisano, Carson Smith; records “Reunion” for Soul Note. For Soul Note records “Arroyo” with “Euphoria” group, “Trio!” w. Eric Person , Cary DeNigris, Eric Dolphy tribute “My Panamanian Friend” with “Euphoria” group, and solo drum session “Dancing to a Different Drummer”. Tours Europe with “Euphoria” group '94. Hamilton subject of documentary film by director Julian Benedikt “Dancing to a Different Drummer” '94. 1997 Hamilton receives the New School University Jazz & Contemporary Music Program’s Beacons in Jazz Award in recognition for his “significant contribution to the evolution of Jazz”.

Hamilton releases “Foreststorn” in 2001 featuring his new “Euphoria” group with stalwarts Cary DeNigris on guitar, Paul Ramsey on bass, and a new two horn front line featuring Eric Lawrence on alto and soprano saxes and Evan Schwam on tenor sax, as well as Special Guest Appearances from Former Band members Arthur Blythe, Steve Turre and his wife Akua Dixon, Eric Person, former Spin Doctors guitarist Eric Schenkman (a student of Chico's), Blues Traveler front man John Popper (also a student of Chico's), and Charlie Watts of The Rolling Stones. August 2001 performs in front of 2300 people at Lincoln Center “My Funny Valentine- A Tribute to Chico Hamilton” with “Euphoria” plus Special Guest Appearances from Joe Beck, Arthur Blythe, Larry Coryell, Akua Dixon, Rodney Jones and Eric Person. Fall 2002 releases “Thoughts of…” with his “Euphoria” group with Special Guest Appearances from guitarists and former band members Joe Beck, Larry Coryell and Rodney Jones.

In 1997, Chico received the New School University Jazz & Contemporary Music Programs Beacons in Jazz Award in recognition for his “significant contribution to the evolution of Jazz”. In 2002, Chico was awarded the WLIU-FM Radio Lifetime Achievement Award. At the IAJE in NYC January 2004, Hamilton was awarded a NEA Jazz Master Fellowship, presented to him by Roy Haynes. In December 2006, Congress confirmed the President’s nomination of Chico to the Presidents Council on the Arts. And in 2007, Chico received a Living Legacy Jazz Award as part of The Kennedy Center Jazz in Our Time Festival, as well as receiving a Doctor of Fine Arts from The New School.

Dynamic as ever at the age of 86, Chico Hamilton has a resume that includes scores for film, original compositions, commercial jingles, 50 + albums as a leader, and countless international tours. In 2006, Chico released four CD’s on Joyous Shout! in celebration of his 85th birthday: “Juniflip” featuring guest appearances from- legendary Love front- man Arthur Lee, criminally under-rated vocalist (and successful actor) Bill Henderson, and former Hamilton band members trombonist George Bohanon and bass trombonist Jimmy Cheatham; “Believe” with Special Guest appearances from vocalist and R & B Diva Fontella Bass and trombonist George Bohanon; “6th Avenue Romp” featuring Special Guest appearances from guitarist Shuggie Otis, trumpeter Jon Faddis, trombonist George Bohanon, vocalist Brenna Bavis and percussionist Jaimoe of the Allman Brothers Band; and “Heritage” with Special Guest appearances from vocalist Marya Lawrence and tromboist George Bohanon. September 2007, Chico released “Hamiltonia” sampling his original compositions from the four albums released in 2006. “Hamiltonia” is an impassioned statement of purpose- an emphatic endorsement of writing and performing THIS music in the NOW, the way the GREATS did in their time, and confirms Hamilton's status as one of the most important living jazz artists and composers.

Over the years, Chico has had a series of dance floor successes, including his signature song “Conquistadors from his 60's Impulse album “El Chico”, and the Brazilian influenced song “Strut” from Chico's 1979 outing on Elektra “Nomad”, which became so successful on the Northern Soul Scene in the U.K. that it had its own dance!! “Conquistadors” also was the signature track for E-man when he rocked the dance floor at Frank's Cocktail Lounge in Brooklyn. In 2002 a track titled “For Mods Only” from Chico's 1968 Impulse album “The Dealer”, was included on the [Thievery Corporations “Sounds from the Verve Hi-Fi”. Fall 2006, Rong Music released the 12” vinyl “Kerry's Caravan” from Mudd & Chico Hamilton, a moody yet stunning slice of modern music and a molten melting pot ready made for filling the dance floor with remixes from long-term Idjut Boys collaborator and Fiasco imprint boss Ray Mang!! And the recent Impulsive! Remix Project features Mark De Clive Lowe’s take on Chico’s classic 60s track “El Toro”. Released December of 2007 from SoulFeast (Joaquin 'Joe' Claussell & Brian Michel Bacchus) on 12” Limited Edition Vinyl is their recasting of Chico's classic track “Mysterious Maiden”, and coming Spring 2008 from SoulFeast is a CD & double vinyl 12” EP “Chico Hamilton Presents: Alternative Dimensions of El-Chico”.

Chico is presently teaching at New School University Jazz & Contemporary Music Program; touring extensively in North America with “Euphoria” group which includes Cary DeNigris on guitar, Paul Ramsey on bass, Evan Schwam on flute, tenor and soprano saxes, and Ian Young on flute, alto and baritone saxes, and Jeremy Carlstedt on percussion; recording with his “Euphoria” group and special guests; composing and performing music for film; and working on autobiography.

https://musicians.allaboutjazz.com/chicohamilton

 

Note:
Chico Hamilton passed away on 25 November 2013, in Manhattan, New York.

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El legendario baterista de jazz y director de banda Foreststorn 'Chico' Hamilton, nacido el 21 de septiembre de 1921 en Los Ángeles, tuvo una educación musical acelerada en una banda con sus compañeros de escuela Charles Mingus, Illinois Jacquet, Ernie Royal, Dexter Gordon, Buddy Collette y Jack Kelso. Sus compromisos con Lionel Hampton, Slim & Slam, T-Bone Walker, Lester Young, Count Basie, Duke Ellington, Charlie Barnett, Billy Eckstine, Nat King Cole, Sammy Davis Jr., Billie Holiday, Gerry Mulligan y seis años con Lena Horne hicieron que este joven prodigio de la costa oeste se convirtiera en un baterista de jazz en ascenso, antes de emprender su propio camino como director de orquesta en 1955.

Chico aparece en el número de marzo de Milastaire en la película "You'll Never Get Rich" (1941) como parte del grupo de apoyo a Fred Astaire, y actuó en la banda sonora de la película de Bing Crosby/Bob Hope "Road to Bali".

El impacto de Chico en el jazz incluye la introducción de dos sonidos únicos y distintos: el primero en 1955 con su Quinteto Original que combinaba los sonidos de su batería, el bajo de Carson Smith, la guitarra de Jim Hall, el violonchelo de Fred Katz y la flauta de Buddy Collette; y el segundo en 1962 con su propia batería, el bajo de Albert Stinson, la guitarra de Gabor Szabo, el saxo tenor de Charles Lloyd y el trombón de George Bohanon.

Grabó su primer LP como líder en el 55 con George Duvivier y Howard Roberts para Pacific Jazz; en el 55 formó un quinteto inusual en la hazaña de L.A.: cello, flauta, guitarra, bajo y batería que adquirió seguidores nacionales; el personal original incluía a Buddy Collette, Jim Hall, Fred Katz y Carson Smith; Hamilton siguió de gira usando personal diferente del 57 al 60; el grupo incluía a Paul Horne y John Pisano en la película "Sweet Smell of Success" en el 57; el grupo incluye a Nate Gershman y Eric Dolphy en la película "Jazz on a Summer's Day" en el 60; Dolphy hace las primeras grabaciones con Hamilton en "With Strings Attached", "Gongs East", "The Three Faces of Chico" y "That Hamilton Man".

Hamilton renueva el grupo en el 61 con una nueva dirección musical; el nuevo grupo incluye a Charles Lloyd, Gabor Szabo, George Bohanon y Albert Stinson; el grupo graba para Columbia, Reprise e Impulse y también graba la banda sonora de la película industrial "Litho" en el 62, la primera película americana que se proyectó tras el telón de acero. Hamilton forma una empresa de producción de películas y anuncios en el año 65; graba las partituras de los largometrajes "Repulsion", "Mr. Rico", "By Design", "Liebe Auf Den Ersten Blick", "Die Sonnengottin" y "A Practical Man"; graba las partituras para la televisión "Portrait of Willie Mays" y la popular serie infantil "Gerald McBoing Boing"; graba cientos de anuncios para la televisión y la radio. Forma un nuevo grupo con Larry Coryell, Richard Davis y Arnie Lawrence en el 66 y graba "The Dealer" para Impulse. Actúa en los festivales de jazz de Montreux y del Mar del Norte en 1972 y 1973. Forma un nuevo grupo "Players" en el 75 con Arthur Blythe, Steve Turre, Barry Finnerty y Abdullah; giras con "Players" con personal diferente en el 76-80; discos para Blue Note, Mercury, Nautilus y Elektra. Miembro de la facultad en el 87 del programa de Jazz y Música Contemporánea de la Universidad New School.

Forma el nuevo grupo "Euphoria" en el 87 con Eric Person, Cary DeNigris y Reggie Washington; graba "Euphoria" 87; gira por Europa con "Euphoria" 87, 88 y 90. Se presenta en los festivales de jazz de Verona, Bolzano, Viena, Niza, Mar del Norte y Montreux en el 89 con el quinteto original reagrupado con Buddy Collette, Fred Katz, John Pisano, Carson Smith; graba "Reunion" para Soul Note. Para Soul Note graba "Arroyo" con el grupo "Euphoria", "Trio!" con Eric Person, Cary DeNigris, Eric Dolphy tributo "My Panamanian Friend" con el grupo "Euphoria", y la sesión de batería en solitario "Dancing to a Different Drummer". Gira por Europa con el grupo "Euphoria" del 94. Hamilton tema del documental del director Julian Benedikt "Dancing to a Different Drummer" '94. 1997 Hamilton recibe el premio Beacons in Jazz del Programa de Jazz y Música Contemporánea de la New School University en reconocimiento a su "significativa contribución a la evolución del Jazz".

Hamilton lanza "Foreststorn" en 2001 con su nuevo grupo "Euphoria", con los incondicionales Cary DeNigris en la guitarra, Paul Ramsey en el bajo, y una nueva línea frontal de dos trompas con Eric Lawrence en los saxos alto y soprano y Evan Schwam en el saxo tenor, así como las apariciones como invitados especiales de los ex miembros de la banda Arthur Blythe, Steve Turre y su esposa Akua Dixon, Eric Person, el ex guitarrista de los Spin Doctors Eric Schenkman (un estudiante de Chico's), el testaferro de Blues Traveler John Popper (también un estudiante de Chico's), y Charlie Watts de los Rolling Stones. En agosto de 2001 actúa ante 2300 personas en el Lincoln Center "My Funny Valentine- A Tribute to Chico Hamilton" con "Euphoria", además de las apariciones como invitados especiales de Joe Beck, Arthur Blythe, Larry Coryell, Akua Dixon, Rodney Jones y Eric Person. El otoño de 2002 lanza "Thoughts of..." con su grupo "Euphoria" con Special Guest Appearances de los guitarristas y ex-miembros de la banda Joe Beck, Larry Coryell y Rodney Jones.

En 1997, Chico recibió el premio Beacons in Jazz de los programas de jazz y música contemporánea de la New School University en reconocimiento a su "significativa contribución a la evolución del jazz". En 2002, Chico fue galardonado con el premio WLIU-FM Radio Lifetime Achievement Award. En el IAJE de Nueva York, en enero de 2004, Hamilton fue premiado con una beca NEA Jazz Master Fellowship, presentada por Roy Haynes. En diciembre de 2006, el Congreso confirmó el nombramiento del Presidente de Chico en el Consejo Presidencial de las Artes. Y en 2007, Chico recibió un premio de Jazz del Legado Vivo como parte del Festival de Jazz en Nuestro Tiempo del Centro Kennedy, así como un Doctorado en Bellas Artes de la New School.

Dinámico como siempre a la edad de 86 años, Chico Hamilton tiene un currículum que incluye partituras para películas, composiciones originales, jingles comerciales, más de 50 álbumes como líder, e innumerables giras internacionales. En 2006, Chico lanzó cuatro CD en Joyous Shout! para celebrar su 85 cumpleaños: "Juniflip" con las apariciones como invitado del legendario cantante de Love Arthur Lee, el vocalista (y exitoso actor) Bill Henderson, y los ex miembros de la banda de Hamilton, el trombonista George Bohanon y el trombonista bajo Jimmy Cheatham; "Believe" con las apariciones como invitado especial del vocalista y R & B Diva Fontella Bass y el trombonista George Bohanon; "6th Avenue Romp" con apariciones como invitados especiales del guitarrista Shuggie Otis, el trompetista Jon Faddis, el trombonista George Bohanon, la vocalista Brenna Bavis y el percusionista Jaimoe de la Allman Brothers Band; y "Heritage" con apariciones como invitados especiales de la vocalista Marya Lawrence y el trombonista George Bohanon. En septiembre de 2007, Chico publicó "Hamiltonia" con una muestra de sus composiciones originales de los cuatro álbumes publicados en 2006. "Hamiltonia" es una apasionada declaración de intenciones - un apoyo rotundo a la escritura e interpretación de ESTA música en el AHORA, de la manera en que los GRANDES lo hicieron en su tiempo, y confirma el estatus de Hamilton como uno de los más importantes artistas y compositores de jazz vivos.

A lo largo de los años, Chico ha tenido una serie de éxitos en la pista de baile, incluyendo su canción característica "Conquistadors" de su álbum Impulse de los 60 "El Chico", y la canción de influencia brasileña "Strut" de la salida de Chico en 1979 en Elektra "Nomad", que tuvo tanto éxito en la escena Northern Soul en el Reino Unido que tuvo su propio baile!! "Conquistadors" también fue el tema característico de E-man cuando rockeó en la pista de baile del Frank's Cocktail Lounge en Brooklyn. En 2002, un tema titulado "For Mods Only" del álbum "The Dealer" de Chico's Impulse en 1968, fue incluido en el [Thievery Corporations "Sounds from the Verve Hi-Fi"]. En otoño de 2006, Rong Music lanzó el vinilo de 12" "Kerry's Caravan" de Mudd & Chico Hamilton, una malhumorada pero impresionante rebanada de música moderna y un crisol fundido listo para llenar la pista de baile con remezclas del colaborador de larga data de Idjut Boys y jefe de imprenta de Fiasco, Ray Mang!! ¡Y el reciente "Impulsivo"! Remix Project presenta la versión de Mark De Clive Lowe del clásico de los 60 "El Toro" de Chico. Lanzado en diciembre de 2007 por SoulFeast (Joaquin 'Joe' Claussell & Brian Michel Bacchus) en vinilo de 12" de edición limitada es su refundición del tema clásico de Chico "Mysterious Maiden", y la próxima primavera de 2008 de SoulFeast es un CD y doble vinilo de 12" EP "Chico Hamilton Presents": Dimensiones alternativas de El-Chico".

Chico está actualmente enseñando en el programa de jazz y música contemporánea de la New School University; está de gira por América del Norte con el grupo "Euphoria", que incluye a Cary DeNigris en la guitarra, Paul Ramsey en el bajo, Evan Schwam en la flauta, saxos tenor y soprano, e Ian Young en la flauta, saxos alto y barítono, y Jeremy Carlstedt en la percusión; está grabando con su grupo "Euphoria" e invitados especiales; está componiendo e interpretando música para películas; y está trabajando en la autobiografía.

https://musicians.allaboutjazz.com/chicohamilton

 

Note:
Chico Hamilton passed away on 25 November 2013, in Manhattan, New York.

Willie Bobo ‎• Bobo Motion

 

Review:

Recorded and released in 1967, Bobo Motion is one of percussionist Willie Bobo's best-known recordings of the 1960s. The album is best-known for its version of the Sonny Henry nugget "Evil Ways" that Carlos Santana and his band made their own a couple of years later, but there's more to it than that. Since Bobo signed with Verve in 1965, he'd been releasing wily blends of hot Latin tunes, and soul-jazz interpretations of pop tunes of the day. His five previous albums for the label had all been variations on this theme. On the earlier ones, safer pop and easy tunes played with Bobo's trademark hand drum grooves won out over original material. Indeed, 1965's Spanish Grease and 1966's Uno, Dos,Tres 1-2-3 had featured one tune apiece that featured the cooking Afro-Cuban flavored jams he'd become known for, and the rest were either soul-jazz arrangements of Latin standards or "with it" pop tunes of the day (Afro-Cuban versions of the organ trio records that Blue Note was shoveling out by the truckload at the time). Bobo Motion, however, is a different animal. While there are no originals on the Bert Keyes/Sonny Henry-arranged set, the grooves are tighter and more sophisticated, and the drumming is mixed way up above an uncredited smaller combo playing horns, electric bass, and Henry' electric guitar. The tune selection is also weirder and reflects the range of Bobo' eclectic tastes, and turns more firmly toward jazz (unlike Juicy, the 1967 precursor to this set, which was pregnant with workouts of soul hits of the day). There are trad standards like "Tuxedo Junction," Neal Hefti's swinging "Cute," -- which was almost a Count Basie evergreen of the early '60s -- and a smoking blues-out read of Sonny Burke' "Black Coffee." That's not to say there are no pop tunes here, Henry's "Evil Ways" features Bobo's less than hip vocals but the tune itself is so steamy and strange in its minor-key articulations, and the groove is such a monster, it doesn't matter. The same goes for Arthur Sterling's "Ain't That Right," that becomes a whomping boogaloo with the triple-time congas, gourd shaker, and timbales atop a fluid electric guitar groove. The transformation of Joe Tex's "Show Me," into a Latin jazz tune is remarkable to say the least -- even if it keeps its funky soul feel (the horns are the melody line here, and Bobo plays all around them setting up a monster conguero groove). Bobo Motion ends with a brief but burning version of "La Bamba." Its traditional roots are all on display here as Bobo's congas drive the rhythms into overdrive. Forget the quaint version by Trini Lopez, this one gets it. Recommended.

by Thom Jurek

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Revisión:

Grabado y lanzado en 1967, Bobo Motion es una de las grabaciones más conocidas del percusionista Willie Bobo de los años 60. El álbum es más conocido por su versión de la pepita de Sonny Henry "Evil Ways" que Carlos Santana y su banda hicieron suya un par de años después, pero hay más que eso. Desde que Bobo firmó con Verve en 1965, ha estado lanzando astutas mezclas de calientes melodías latinas, e interpretaciones de soul-jazz de las melodías pop de la época. Sus cinco álbumes anteriores para el sello habían sido variaciones de este tema. En los primeros, el pop seguro y las melodías fáciles tocadas con los ritmos de tambor de mano característicos de Bobo triunfaron sobre el material original. De hecho, Spanish Grease de 1965 y Uno, Dos, Tres 1-2-3 de 1966 habían presentado una canción cada uno que incluía las mermeladas de sabor afrocubano por las que se había hecho famoso, y el resto eran arreglos de soul-jazz de estándares latinos o canciones pop "con ello" de la época (versiones afrocubanas de los discos del trío de órgano que Blue Note estaba sacando a paladas por el camión en ese momento). Bobo Motion, sin embargo, es un animal diferente. Mientras que no hay originales en el set arreglado por Bert Keyes/Sonny Henry, los surcos son más cerrados y más sofisticados, y la batería está mezclada muy por encima de un combo más pequeño no acreditado tocando trompetas, bajo eléctrico y la guitarra eléctrica de Henry. La selección de los temas también es más extraña y refleja el rango de los gustos eclécticos de Bobo, y se vuelve más firmemente hacia el jazz (a diferencia de Juicy, el precursor de este set en 1967, que estaba preñado de entrenamientos de éxitos soul de la época). Hay estándares comerciales como "Tuxedo Junction", "Cute" de Neal Hefti, que era casi un Count Basie de principios de los 60, y una humeante lectura blues-out de "Black Coffee" de Sonny Burke. Eso no quiere decir que no haya canciones pop aquí, "Evil Ways" de Henry tiene la voz de Bobo, pero la canción en sí es tan vaporosa y extraña en sus articulaciones de teclas menores, y el ritmo es un monstruo, no importa. Lo mismo ocurre con "Ain't That Right" de Arthur Sterling, que se convierte en un enorme boogaloo con las congas de tres tiempos, el agitador de calabaza y los timbales sobre un fluido ritmo de guitarra eléctrica. La transformación de "Show Me" de Joe Tex, en una melodía de jazz latino es notable, por no decir otra cosa, incluso si mantiene su sensación de alma funky (los cuernos son la línea de melodía aquí, y Bobo toca a su alrededor estableciendo un groove de conguero monstruoso). Bobo Motion termina con una breve pero ardiente versión de "La Bamba". Sus raíces tradicionales están todas en exhibición aquí, mientras las congas de Bobo llevan los ritmos a una sobrecarga. Olvida la pintoresca versión de Trini López, ésta lo entiende. Recomendado.

por Thom Jurek 

Cal Tjader • Demasiado Caliente

 

 

 

Biography by Richard S. Ginell
Cal Tjader was undoubtedly the most famous non-Latino leader of Latin jazz bands, an extraordinary distinction. From the 1950s until his death, he was practically the point man between the worlds of Latin jazz and mainstream bop; his light, rhythmic, joyous vibraphone manner could comfortably embrace both styles. His numerous recordings for Fantasy and Verve and long-standing presence in the San Francisco Bay Area eventually had a profound influence upon Carlos Santana, and thus Latin rock. He also played drums and bongos, the latter most notably on the George Shearing Quintet's puckishly titled "Rap Your Troubles in Drums," and would occasionally sit in on piano as well.

Tjader studied music and education at San Francisco State College before hooking up with fellow Bay Area resident Dave Brubeck as the drummer in the Brubeck Trio from 1949 to 1951. He then worked with Alvino Rey, led his own group, and in 1953, joined George Shearing's then hugely popular quintet as a vibraphonist and percussionist. It was in Shearing's band that Tjader's love affair with Latin music began, ignited by Shearing's bassist Al McKibbon, nurtured by contact with Willie Bobo, Mongo Santamaria, and Armando Peraza, and galvanized by the '50s mambo craze. When he left Shearing the following year, Tjader promptly formed his own band that emphasized the Latin element yet also played mainstream jazz. Bobo and Santamaria eventually joined Tjader's band as sidemen, and Vince Guaraldi served for a while as pianist and contributor to the band's songbook ("Ginza," "Thinking of You, MJQ"). Tjader recorded a long series of mostly Latin jazz albums for Fantasy from the mid-'50s through the early '60s, switching in 1961 to Verve, where under Creed Taylor's aegis he expanded his stylistic palette and was teamed with artists like Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell, and Donald Byrd. Along the way, Tjader managed to score a minor hit in 1965 with "Soul Sauce," a reworking of Dizzy Gillespie/Chano Pozo's "Guacha Guaro," which Tjader had previously cut for Fantasy. Tjader returned to Fantasy in the 1970s, then in 1979 moved over to the new Concord Picante label, where he remained until his death.
https://www.allmusic.com/artist/cal-tjader-mn0000643549/biography

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Biografía de Richard S. Ginell
Cal Tjader fue sin duda el líder no latino más famoso de las bandas de jazz latino, una distinción extraordinaria. Desde los años 50 hasta su muerte, fue prácticamente el hombre de referencia entre los mundos del jazz latino y el bop de corriente principal; su manera ligera, rítmica y alegre de vibráfono podía abarcar cómodamente ambos estilos. Sus numerosas grabaciones para Fantasy y Verve y su larga presencia en el área de la bahía de San Francisco tuvieron finalmente una profunda influencia en Carlos Santana, y por lo tanto en el rock latino. También tocaba la batería y los bongos, este último más notablemente en el quinteto de George Shearing titulado "Rap Your Troubles in Drums", y ocasionalmente se sentaba en el piano también.

Tjader estudió música y educación en el San Francisco State College antes de unirse a Dave Brubeck, residente en el área de la bahía, como baterista del Brubeck Trio de 1949 a 1951. Luego trabajó con Alvino Rey, dirigió su propio grupo, y en 1953, se unió al entonces popular quinteto de George Shearing como vibrafonista y percusionista. Fue en la banda de Shearing donde comenzó el amor de Tjader por la música latina, encendido por el bajista de Shearing Al McKibbon, alimentado por el contacto con Willie Bobo, Mongo Santamaría, y Armando Peraza, y galvanizado por la locura del mambo de los 50. Cuando dejó Shearing al año siguiente, Tjader rápidamente formó su propia banda que enfatizó el elemento latino pero también tocó jazz convencional. Bobo y Santamaría eventualmente se unieron a la banda de Tjader como sidemen, y Vince Guaraldi sirvió por un tiempo como pianista y colaborador del libro de canciones de la banda ("Ginza", "Thinking of You, MJQ"). Tjader grabó una larga serie de álbumes de jazz, en su mayoría latinos, para Fantasy desde mediados de los años 50 hasta principios de los 60, y en 1961 cambió a Verve, donde bajo la tutela de Creed Taylor amplió su paleta estilística y se asoció con artistas como Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell y Donald Byrd. En el camino, Tjader logró anotar un éxito menor en 1965 con "Soul Sauce", una reelaboración de "Guacha Guaro" de Dizzy Gillespie/Chano Pozo, que Tjader había cortado previamente para Fantasía. Tjader regresó a Fantasía en los años 70, luego en 1979 se trasladó a la nueva discográfica Concord Picante, donde permaneció hasta su muerte.
https://www.allmusic.com/artist/cal-tjader-mn0000643549/biography

 

 

VA • Blue Note Plays Bossa Nova

Willie Bobo • Juicy

Biography by Richard S. Ginell
Willie Bobo was one of the great Latin percussionists of his time, a relentless swinger on the congas and timbales, a flamboyant showman onstage, and an engaging if modestly endowed singer. He also made serious inroads into the pop, R&B and straight jazz worlds, and he always said that his favorite song was Antonio Carlos Jobim's "Dindi." Growing up in Spanish Harlem, Bobo began on the bongos at age 14, only to find himself performing with Perez Prado a year later, studying with Mongo Santamaria while serving as his translator, and joining Tito Puente for a four-year stint at age 19. Mary Lou Williams gave Correa his nickname Bobo when they recorded together in the early '50s. After working with Cal Tjader, Herbie Mann and Santamaria with whom he recorded the evergreen Latin standard "Afro-Blue" -- Bobo stepped forward in 1963 with his first recording as a leader, with Clark Terry and Joe Farrell as sidemen. Recording for Verve in the mid-'60s, Bobo achieved his highest solo visibility with albums that enlivened pop hits of the day with Latin rhythms, spelled by sauntering originals like "Spanish Grease" and "Fried Neck Bones and Some Home Fries." In addition, Bobo played on innumerable sessions in New York, recording with artists like Miles Davis, Cannonball Adderley, Herbie Hancock, Wes Montgomery, Chico Hamilton and Sonny Stitt. In 1969, he moved to Los Angeles where he led jazz and Latin jazz combos, appeared on Bill Cosby's first comedy series (1969-1971) and short-lived 1976 variety show, and recorded on his own for Sussex, Blue Note and Columbia. One of Bobo's last appearances, only three months before his death from cancer, was at the 1983 Playboy Jazz Festival where he reunited with Santamaria for the first time in 15 years.
https://www.allmusic.com/artist/willie-bobo-mn0000688804/biography

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Biografía de Richard S. Ginell
Willie Bobo fue uno de los grandes percusionistas latinos de su tiempo, un incesante bailarín de congas y timbales, un extravagante showman en el escenario, y un atractivo aunque modesto cantante. También hizo serias incursiones en el mundo del pop, R&B y el jazz hetero, y siempre dijo que su canción favorita era "Dindi" de Antonio Carlos Jobim. Creciendo en el Spanish Harlem, Bobo comenzó con los bongos a los 14 años, sólo para encontrarse actuando con Pérez Prado un año más tarde, estudiando con Mongo Santamaría mientras servía como su traductor, y uniéndose a Tito Puente por un período de cuatro años a la edad de 19 años. Mary Lou Williams le dio a Correa su apodo de Bobo cuando grabaron juntos a principios de los 50. Después de trabajar con Cal Tjader, Herbie Mann y Santamaría con quienes grabó el estándar latino siempre verde "Afro-Blue" -- Bobo dio un paso adelante en 1963 con su primera grabación como líder, con Clark Terry y Joe Farrell como acompañantes. Grabando para Verve a mediados de los 60, Bobo alcanzó su mayor visibilidad como solista con álbumes que animaron los éxitos pop del día con ritmos latinos, deletreados por originales como "Spanish Grease" y "Fried Neck Bones and Some Home Fries". Además, Bobo tocó en innumerables sesiones en Nueva York, grabando con artistas como Miles Davis, Cannonball Adderley, Herbie Hancock, Wes Montgomery, Chico Hamilton y Sonny Stitt. En 1969, se trasladó a Los Ángeles donde dirigió combos de jazz y de jazz latino, apareció en la primera serie de comedia de Bill Cosby (1969-1971) y en el efímero espectáculo de variedades de 1976, y grabó por su cuenta para Sussex, Blue Note y Columbia. Una de las últimas apariciones de Bobo, sólo tres meses antes de su muerte por cáncer, fue en el Festival de Jazz de Playboy de 1983 donde se reunió con Santamaría por primera vez en 15 años.
https://www.allmusic.com/artist/willie-bobo-mn0000688804/biography

  

Miles Davis • Sorcerer

 

Review from AllMusic (by Stephen Thomas Erlewine):
Sorcerer, the third album by the second Miles Davis Quintet, is in a sense a transitional album, a quiet, subdued affair that rarely blows hot, choosing to explore cerebral tonal colorings. Even when the tempo picks up, as it does on the title track, there's little of the dense, manic energy on Miles Smiles -- this is about subtle shadings, even when the compositions are as memorable as Tony Williams' "Pee Wee" or Herbie Hancock's "Sorcerer." As such, it's a little elusive, since it represents the deepening of the band's music as they choose to explore different territory. It's such a layered, intriguing work.
https://www.allmusic.com/album/sorcerer-mw0000197402

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Reseña de AllMusic (por Stephen Thomas Erlewine):
Sorcerer, el tercer álbum del segundo Quinteto de Miles Davis, es en cierto sentido un álbum de transición, un asunto tranquilo y moderado que rara vez se calienta, optando por explorar coloridos tonales cerebrales. Incluso cuando el tempo se acelera, como en la pista del título, hay poca de la energía densa y maníaca de Miles Smiles -- esto se trata de matices sutiles, incluso cuando las composiciones son tan memorables como "Pee Wee" de Tony Williams o "Sorcerer" de Herbie Hancock. Como tal, es un poco elusivo, ya que representa la profundización de la música de la banda mientras eligen explorar territorio diferente. Es un trabajo en capas e intrigante.
https://www.allmusic.com/album/sorcerer-mw0000197402

 

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Don Wilkerson • The Complete Blue Note Sessions

By DAVID ADLER

One of the paragons of the "Texas tenor" style, Don Wilkerson gained his greatest notoriety as a soloist with Ray Charles throughout much of the 50s and 60s. Less known is Wilkerson’s limited work as a leader, the majority of which is collected on this two-disc package from Blue Note. Wilkerson made three albums for the label during the fruitful years of 1962 and 1963: Preach Brother!, Elder Don, and Shoutin’! All three records feature guitarist Grant Green, who certainly knows how to cook in such a setting. The first also boasts a classic Blue Note rhythm section: Sonny Clark on piano, Butch Warren on bass, and Billy Higgins on drums, with Jual Curtis sitting in on tambourine on "Dem Tambourines" and "Camp Meetin’." On the second album, Johnny Acea takes over on piano, with Lloyd Trotman on bass and Willie Bobo on drums. The last of the three sessions is particularly down and dirty, with Green, John Patton on organ and Ben Dixon on drums.

The prevailing ethos of Preach Brother! is simply summarized: blues, blues, and more blues. And not the fancied-up bebop variety, but straight-up shuffle and boogie and soul. Every track is a blues except for the closer, "Pigeon Peas," a funky thing in AABA form. The two later albums are a bit more compositionally varied. Wilkerson begins Elder Don with exquisitely singing tenor work on "Senorita Eula" and then salutes his fellow Texan Bob Wills with "San Antonio Rose." (Grant Green’s solo on the latter has to be heard to be believed.) From this point on there’s still plenty of blues, but Wilkerson breaks it up with originals like "Scrappy" and "Drawin’ a Tip." He also showcases a totally different aspect of his talent on the ballads "Poor Butterfly" and "Easy Living."

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 Por DAVID ADLER

Uno de los parangones del estilo "tenor de Texas", Don Wilkerson ganó su mayor notoriedad como solista con Ray Charles durante gran parte de los años 50 y 60. Menos conocido es el limitado trabajo de Wilkerson como líder, la mayoría del cual se recoge en este paquete de dos discos de Blue Note. Wilkerson hizo tres álbumes para la discográfica durante los fructíferos años de 1962 y 1963: Preach Brother!, Elder Don, y Shoutin'! Los tres discos cuentan con la participación del guitarrista Grant Green, que ciertamente sabe cómo cocinar en un ambiente así. El primero también cuenta con una sección rítmica clásica de Blue Note: Sonny Clark en el piano, Butch Warren en el bajo, y Billy Higgins en la batería, con Jual Curtis en la pandereta en "Dem Tambourines" y "Camp Meetin'". En el segundo álbum, Johnny Acea se hace cargo del piano, con Lloyd Trotman en el bajo y Willie Bobo en la batería. La última de las tres sesiones es particularmente baja y sucia, con Green, John Patton en el órgano y Ben Dixon en la batería.

El espíritu prevaleciente del Predicador Hermano! se resume simplemente: blues, blues y más blues. Y no la variedad de bebop de fantasía, sino el shuffle y el boogie y el soul. Cada canción es un blues excepto la más cercana, "Pigeon Peas", una cosa funky en forma de AABA. Los dos álbumes posteriores son un poco más variados en cuanto a la composición. Wilkerson comienza Elder Don con un exquisito trabajo de tenor en "Señorita Eula" y luego saluda a su compañero tejano Bob Wills con "San Antonio Rose". (El solo de Grant Green en esta última tiene que ser escuchado para ser creído.) A partir de aquí todavía hay mucho blues, pero Wilkerson lo rompe con originales como "Scrappy" y "Drawin' a Tip". También muestra un aspecto totalmente diferente de su talento en las baladas "Poor Butterfly" y "Easy Living".

Gary McFarland & Co. Clark Terry • Tijuana Jazz

 

Herbie Mann • My Kinda Groove