Bobby Hutcherson • Natural Illusions

Review by Stephen Thomas Erlewine

Natural Illusions is one of the rare Bobby Hutcherson dates that finds the vibraphonist flirting with the mainstream and fusion. Hutcherson leads a band that features Ron Carter and George Duvivier alternating on bass, guitarist Gene Bertoncini, pianist Hank Jones, drummer Jack DeJohnette and harpist Gene Bianco. The group plays a selection of standards ("The Folks Who Live on the Hill," "Sophisticated Lady," "Lush Life"), contemporary hits ("The Thrill is Gone"), and new jazz songs, giving them all a smooth, lush treatment. There's little of the unpredictable phrasing and modal harmonies that distinguished Hutcherson's albums, and the music often sounds conventional, making it one of the lesser efforts in his catalog.

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Reseña de Stephen Thomas Erlewine

Ilusiones Naturales es una de las raras citas de Bobby Hutcherson que encuentra al vibrafonista coqueteando con la corriente principal y la fusión. Hutcherson lidera una banda que cuenta con Ron Carter y George Duvivier alternando en el bajo, el guitarrista Gene Bertoncini, el pianista Hank Jones, el baterista Jack DeJohnette y el arpista Gene Bianco. El grupo toca una selección de estándares ("The Folks Who Live on the Hill", "Sophisticated Lady", "Lush Life"), éxitos contemporáneos ("The Thrill is Gone"), y nuevas canciones de jazz, dándoles a todos un tratamiento suave y exuberante. Hay poco de las impredecibles armonías de fraseo y modales que distinguieron a los álbumes de Hutcherson, y la música a menudo suena convencional, por lo que es uno de los esfuerzos menores de su catálogo.

Les McCann • Les McCann Ltd. In New York

 

 

 

Leslie Coleman "Les" McCann (born September 23, 1935, in Lexington, Kentucky) is an American soul jazz pianist and vocalist whose biggest successes came as a crossover artist into R&B and soul.

An early musical success for McCann was his winning of a Navy talent contest for singing; this led to an appearance on The Ed Sullivan Show. McCann's main career began in the early 1960s when he recorded as a pianist with his trio for Pacific Jazz Records.

In 1969, Atlantic Records released Swiss Movement, a recording of McCann with frequent collaborator, saxophonist Eddie Harris, and guest trumpeter Benny Bailey at that year's Montreux Jazz Festival. The album contained the song "Compared to What", and both the album and the single were huge Billboard pop chart successes. "Compared to What" featured political criticism of the Vietnam War. The song was not written by McCann; fellow Atlantic composer/singer Eugene McDaniels wrote it years earlier. "Compared to What" was initially recorded and released as a ballad by Les McCann in 1967 on his Les McCann Play The Hits, issued on the Limelight label. Roberta Flack's version appeared as the opening track on her debut recording, First Take (1969).

After the success of Swiss Movement, McCann – primarily a piano player – began to emphasize his rough-hewn vocals more. He became an innovator in the soul jazz style, merging jazz with funk, soul and world rhythms; much of his early 1970s music prefigures the Stevie Wonder albums of that decade. He was among the first jazz musicians to include electric piano, clavinet, and synthesizer in his music.

In 1971, he and Harris were part of a group of soul, R&B, and rock performers – including Wilson Pickett, the Staple Singers, Santana and Ike & Tina Turner – who flew to Accra, Ghana for a historic 14-hour concert before more than 100,000 Ghanaians. The March 6 concert was recorded for the documentary film Soul To Soul. In 2004 the movie was released on DVD with an accompanying soundtrack album.

Les McCann discovered Roberta Flack and arranged an audition which resulted in a recording contract for her with Atlantic Records.

A mild stroke in the mid-1990s sidelined McCann for a while, but in 2002 he released a new album, Pump it Up. McCann has also exhibited as a painter and photographer.

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Leslie Coleman "Les" McCann (nacida el 23 de septiembre de 1935 en Lexington, Kentucky) es una pianista y vocalista estadounidense de soul jazz cuyos mayores éxitos se produjeron como artista crossover en el R&B y el soul.

Uno de los primeros éxitos musicales de McCann fue que ganó un concurso de talentos de la Marina para cantar, lo que le llevó a aparecer en The Ed Sullivan Show. La principal carrera de McCann comenzó a principios del decenio de 1960 cuando grabó como pianista con su trío para Pacific Jazz Records.

En 1969, Atlantic Records publicó Swiss Movement, una grabación de McCann con su frecuente colaborador, el saxofonista Eddie Harris, y el trompetista invitado Benny Bailey en el Festival de Jazz de Montreux de ese año. El álbum contenía la canción "Compared to What", y tanto el álbum como el sencillo fueron grandes éxitos en las listas de éxitos pop de Billboard. "Compared to What" presentaba críticas políticas a la guerra de Vietnam. La canción no fue escrita por McCann; su compañero compositor y cantante Eugene McDaniels la escribió años antes. "Comparado con qué" fue inicialmente grabado y lanzado como una balada por Les McCann en 1967 en su obra Les McCann Play The Hits, publicada por el sello Limelight. La versión de Roberta Flack apareció como la pista de apertura en su grabación debut, First Take (1969).

Tras el éxito del Movimiento Suizo, McCann -principalmente un pianista- comenzó a hacer más hincapié en su voz áspera. Se convirtió en un innovador del estilo de jazz soul, fusionando el jazz con el funk, el soul y los ritmos del mundo; gran parte de su música de principios del decenio de 1970 prefigura los álbumes de Stevie Wonder de esa década. Fue uno de los primeros músicos de jazz en incluir el piano eléctrico, el clavinet y el sintetizador en su música.

En 1971, él y Harris formaron parte de un grupo de intérpretes de soul, R&B y rock -incluyendo a Wilson Pickett, los Staple Singers, Santana e Ike & Tina Turner- que volaron a Accra, Ghana, para un histórico concierto de 14 horas ante más de 100.000 ghaneses. El concierto del 6 de marzo se grabó para la película documental Soul To Soul. En 2004 la película se estrenó en DVD con un álbum de banda sonora de acompañamiento.

Les McCann descubrió a Roberta Flack y organizó una audición que dio lugar a un contrato de grabación para ella con Atlantic Records.

Un leve derrame cerebral a mediados de los 90 dejó a McCann fuera de juego por un tiempo, pero en 2002 lanzó un nuevo álbum, Pump it Up. McCann también ha expuesto como pintor y fotógrafo.

Eddie Henderson • Sunburst

 

 

Biography by Matt Collar
Balancing a career in psychiatry with his love of forward-thinking post-bop and fusion, trumpeter Eddie Henderson has cut a distinctive path in modern jazz. Mentored by Miles Davis in his teens, Henderson emerged as an original member of Herbie Hancock's Mwandishi band in the 1970s, appearing on the landmark jazz-funk album Sextant. From there, he embarked on a solo career, issuing several of his own cross-pollinated funk and disco-infused albums for Capricorn, Blue Note, and Capitol Records. These albums, and especially his breakthrough U.K. hit "Prance On" from 1978's Mahal, were influential touchstones for later hip-hop, electronic, and acid jazz musicians. A licensed psychiatrist with a degree from Howard University, Henderson often split his time playing jazz and working in medicine. From the late '80s onward, he has remained a vital presence on the New York City jazz scene, releasing a bevy of well-regarded acoustic jazz albums like 2010's For All We Know and working as a member of the hard bop supergroup the Cookers. He made his Smoke Sessions debut with 2018's Be Cool and joined fellow Hancock band veteran Mike Clark for 2023's Kosen Rufu.

Born Edward Jackson Henderson in New York City in 1940, Henderson grew up in a family steeped in the jazz tradition. His mother was a professional dancer at the Cotton Club, while his father was a member of the legendary Charioteers vocal group. Encouraged to play music, he first picked up the trumpet around age nine, and famously received an early lesson from Louis Armstrong, whom his mother knew from her days in Harlem. During his teens, Henderson moved to San Francisco with his family, where he continued to progress as a musician. A driven, highly disciplined student while in high school, he balanced his music practice, with studying, playing sports, and participating in competitive figure skating. It was during these years that he first met his longtime idol Miles Davis, who stayed at his parent's house when playing in the Bay Area. From the late '50s on, Davis was a heavy influence on the trumpeter's approach to jazz. It was also through Davis that Henderson first met future boss and bandmate Herbie Hancock.

After a stint in the Air Force, Henderson enrolled for medical school, earning his undergraduate degree at the University of California, and later finishing his medical studies at Howard University where he graduated in 1968. During his time at Howard, he would often spend the weekends driving from Washington, D.C. to New York to study with Freddie Hubbard and Lee Morgan. After earning his M.D., he then returned to the Bay Area where he served out a psychiatric residency and played jazz in his off-hours. While there, he was asked to join Herbie Hancock's innovative funk and fusion-based Mwandishi ensemble for a week-long run of shows in San Francisco. This led to a full-time appointment, and from 1970 to 1973, Henderson toured and recorded with the group, appearing on the influential 1973 album Sextant.

As a leader, Henderson debuted with two well-regarded albums on the independent Capricorn Records label, 1973's Realization and Inside Out. Produced by Skip Drinkwater, whom Henderson met via his work with guitarist Norman Connors, these albums essentially featured the Mwandishi band with Hancock on electric keyboards, Bennie Maupin on reeds, Patrick Gleeson on synthesizers, Buster Williams on bass, and Billy Hart on drums. There were also contributions from drummers Lenny White and Eric Gravatt, as well as future-Headhunters percussionist Bill Summers. Both albums showcased a funky, avant-garde, electric fusion style similar to Henderson's previous work with Hancock. More Drinkwater-produced albums followed on Blue Note, including the psychedelia-dipped Sunburst with George Duke and 1976's Heritage, which featured a young Patrice Rushen on keyboards, sax, and flute.

Around this time, Henderson signed with Capitol Records and released three albums beginning with 1977's Drinkwater-produced Comin' Through. These productions built upon his previous efforts, but found him moving in even more of a cross-over direction with a less spacy, more dance-oriented approach to jazz-funk. In 1978, he scored a U.K. hit with the disco-infused "Prance On," off Mahal. His Capitol era culminated in 1979's equally disco- and soul-leaning Runnin' to Your Love. Although somewhat dismissed as "commercial" in the decades following the fusion era of jazz, Henderson's electric recordings enjoyed great popularity with hip-hop and electronic musicians, and are often cited (along with Miles Davis' and Herbie Hancock's work) as influential on the development of trip-hop and acid jazz.

Moving to New York full-time in 1985, Henderson's solo recordings slowed somewhat as he worked increasingly as a physician. Nonetheless, he stayed active, appearing on albums with Billy Hart, Leon Thomas, Gary Bartz, and others. With 1989's Phantoms, he returned to regular recording with a series of albums that found him embracing an acoustic hard bop sound. He presence continued to grow throughout the '90s with harmonically nuanced, hard-swinging albums like 1994's Inspiration, 1995's Dark Shadows, and 1999's Reemergence. These albums still found Henderson indebted to Davis, but displaying his own brand aggressive, post-bop lyricism. It was an approach that only deepened as he entered his sixties, delivering such albums as 2004's Time and Spaces, 2006's Precious Moment, and 2010's For All We Know.

Along with his own work in the 2000s, Henderson also played with the Mingus Big Band, Benny Golson, and others. He worked regularly with Billy Harper, eventually joining the saxophonist in the all-star ensemble the Cookers alongside longtime associates drummer Billy Hart, pianist George Cables, and bassist Cecil McBee, as well as trumpeter David Weiss and saxophonist Donald Harrison. A regular at New York's Smoke nightclub, Henderson has released several albums for their in-house label, starting with 2015's Collective Portrait. That same year, he celebrated his work with Hancock on 2016's Infinite Spirit: Revisiting Music of the Mwandishi Band. In 2018, he delivered his second Smoke Sessions date with Be Cool, featuring Cookers bandmate Harrison, pianist Kenny Barron, bassist Essiet Essiet, and drummer Mike Clark. A second Smoke Sessions date, Shuffle and Deal, arrived two years later. In 2023, he reunited with longtime-associate and fellow Herbie Hancock band alum drummer Mike Clark for Kosen Rufu.
https://www.allmusic.com/artist/eddie-henderson-mn0000169948#biography

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Biografía de Matt Collar
Equilibrando una carrera en psiquiatría con su amor por el post-bop y la fusión con visión de futuro, el trompetista Eddie Henderson ha abierto un camino distintivo en el jazz moderno. Asesorado por Miles Davis en su adolescencia, Henderson surgió como miembro original de la banda Mwandishi de Herbie Hancock en la década de 1970, apareciendo en el histórico álbum de jazz-funk Sextant. A partir de ahí, se embarcó en una carrera en solitario, publicando varios de sus propios álbumes de funk e infusión disco de polinización cruzada para Capricorn, Blue Note y Capitol Records. Estos álbumes, y especialmente su gran avance en el Reino Unido. el éxito" Prance On " de Mahal de 1978, fueron piedras de toque influyentes para los músicos posteriores de hip-hop, electrónica y acid jazz. Henderson, psiquiatra licenciado con un título de la Universidad de Howard, a menudo dividía su tiempo tocando jazz y trabajando en medicina. Desde finales de los 80 en adelante, ha seguido siendo una presencia vital en la escena del jazz de la ciudad de Nueva York, lanzando un grupo de álbumes de jazz acústico bien considerados como For All We Know de 2010 y trabajando como miembro del supergrupo hard bop the Cookers. Hizo su debut en Smoke Sessions con Be Cool del 2018 y se unió al veterano Mike Clark de Hancock Band para Kosen Rufu del 2023.

Nacido como Edward Jackson Henderson en la ciudad de Nueva York en 1940, Henderson creció en una familia impregnada de la tradición del jazz. Su madre era bailarina profesional en el Cotton Club, mientras que su padre era miembro del legendario grupo vocal Charioteers. Animado a tocar música, tomó la trompeta por primera vez alrededor de los nueve años, y recibió una famosa lección temprana de Louis Armstrong, a quien su madre conocía de sus días en Harlem. Durante su adolescencia, Henderson se mudó a San Francisco con su familia, donde continuó progresando como músico. Un estudiante motivado y altamente disciplinado mientras estaba en la escuela secundaria, equilibró su práctica musical con el estudio, la práctica de deportes y la participación en patinaje artístico competitivo. Fue durante estos años que conoció a su ídolo de toda la vida, Miles Davis, quien se quedaba en la casa de sus padres cuando tocaba en el Área de la Bahía. Desde finales de los 50, Davis ejerció una gran influencia en el enfoque del trompetista hacia el jazz. También fue a través de Davis que Henderson conoció al futuro jefe y compañero de banda Herbie Hancock.

Después de un período en la Fuerza Aérea, Henderson se inscribió en la escuela de medicina, obtuvo su título universitario en la Universidad de California y luego terminó sus estudios de medicina en la Universidad de Howard, donde se graduó en 1968. Durante su tiempo en Howard, a menudo pasaba los fines de semana conduciendo desde Washington, DC a Nueva York para estudiar con Freddie Hubbard y Lee Morgan. Después de obtener su doctorado, regresó al Área de la Bahía, donde realizó una residencia psiquiátrica y tocó jazz en sus horas libres. Mientras estuvo allí, se le pidió que se uniera al innovador conjunto Mwandishi de funk y fusión de Herbie Hancock para una serie de espectáculos de una semana en San Francisco. Esto llevó a una cita a tiempo completo, y de 1970 a 1973, Henderson estuvo de gira y grabó con el grupo, apareciendo en el influyente álbum Sextant de 1973.

Como líder, Henderson debutó con dos álbumes bien considerados en el sello independiente Capricorn Records, Realization de 1973 e Inside Out. Producido por Skip Drinkwater, a quien Henderson conoció a través de su trabajo con el guitarrista Norman Connors, estos álbumes presentaban esencialmente a Mwandishi band con Hancock en los teclados eléctricos, Bennie Maupin en las cañas, Patrick Gleeson en los sintetizadores, Buster Williams en el bajo y Billy Hart en la batería. También hubo contribuciones de los bateristas Lenny White y Eric Gravatt, así como del percusionista Bill Summers, futuro cazatalentos. Ambos álbumes mostraron un estilo funky, vanguardista y de fusión eléctrica similar al trabajo anterior de Henderson con Hancock. Más álbumes producidos por Drinkwater siguieron en Blue Note, incluido Sunburst con psicodelia con George Duke y Heritage de 1976, que contó con un joven Patrice Rushen en teclados, saxo y flauta.

Por esta época, Henderson firmó con Capitol Records y lanzó tres álbumes comenzando con Comin' Through, producido por Drinkwater en 1977. Estas producciones se basaron en sus esfuerzos anteriores, pero lo encontraron moviéndose en una dirección aún más cruzada con un enfoque menos espacioso y más orientado a la danza del jazz-funk. En 1978, obtuvo un éxito en el Reino Unido con la canción con infusión de disco "Prance On", de Mahal. Su era en el Capitolio culminó en Runnin' to Your Love, de 1979, igualmente disco y soul. Aunque un poco descartadas como "comerciales" en las décadas posteriores a la era de la fusión del jazz,las grabaciones eléctricas de Henderson gozaron de gran popularidad entre los músicos de hip-hop y electrónica, y a menudo se citan (junto con el trabajo de Miles Davis y Herbie Hancock) como influyentes en el desarrollo de trip-hop y acid jazz.

Al mudarse a Nueva York a tiempo completo en 1985, las grabaciones en solitario de Henderson se ralentizaron un poco a medida que trabajaba cada vez más como médico. Sin embargo, se mantuvo activo, apareciendo en álbumes con Billy Hart, Leon Thomas, Gary Bartz y otros. Con Phantoms de 1989, volvió a grabar regularmente con una serie de álbumes que lo encontraron adoptando un sonido acústico hard bop. Su presencia continuó creciendo a lo largo de los 90 con álbumes armónicamente matizados y oscilantes como Inspiration de 1994, Dark Shadows de 1995 y Reemergence de 1999. Estos álbumes aún encontraban a Henderson en deuda con Davis, pero mostrando su propio lirismo agresivo y post-bop. Fue un enfoque que solo se profundizó a medida que ingresaba a los sesenta, entregando álbumes como Time and Spaces de 2004, Precious Moment de 2006 y For All We Know de 2010.

Junto con su propio trabajo en la década de 2000, Henderson también tocó con Mingus Big Band, Benny Golson y otros. Trabajó regularmente con Billy Harper, y finalmente se unió al saxofonista en el conjunto de estrellas The Cookers junto al baterista Billy Hart, el pianista George Cables y el bajista Cecil McBee, así como al trompetista David Weiss y al saxofonista Donald Harrison. Habitual del club nocturno Smoke de Nueva York, Henderson ha lanzado varios álbumes para su sello interno, comenzando con Collective Portrait de 2015. Ese mismo año, celebró su trabajo con Hancock en Infinite Spirit: Revisiting Music of the Mwandishi Band del 2016. En el 2018, ofreció su segunda cita de Smoke Sessions con Be Cool, con Harrison, compañero de banda de Cookers, el pianista Kenny Barron, el bajista Essiet Essiet y el baterista Mike Clark. Una segunda cita de Smoke Sessions, Shuffle and Deal, llegó dos años después. En el 2023, se reunió con Mike Clark, antiguo asociado y compañero baterista de Herbie Hancock Band, para Kosen Rufu.
https://www.allmusic.com/artist/eddie-henderson-mn0000169948#biography

www.oberlin.edu/eddie-henderson

VA • The Funk Jazz Brothers

 

Review

A compilation like this one is where Blue Note Records in the European Union has it all over us Americanskis. This 19-track double disc goes deep into the label's classics to pull out gem after gem of classic no-holds-barred quintessential soul-jazz and early jazz-funk. Lou Donaldson's "Hot Dog," Gene Harris' smokin' "Put on Train," and Reuben Wilson's "Love Bug" -- which have been sampled on countless hip-hop records -- are among the slew of well-known cuts here. But for every one of these there is a hidden nugget of pure funky gold, including cuts like Bobby Hutcherson's popping reads of Sly Stone's "Family Affair" and Marvin Gaye's "Inner City Blues," Candido's "I'm on My Way," and Grant Green's "I Don't Want Nobody to Give Me Nothing." The sequencing is dead-on, where the groove moves from intense heat to simmering nocturnal love burn and then party-down rowdy and back again. Simply put, this is one of those comps where there isn't a weak moment in the bunch throughout its nearly two hours. Check the disc one opener, Brother Jack McDuff's "Butter for You Popcorn," with a full-blown horn section on top of nasty electric guitar and drums, and you know you've arrived in the right spot. Add to this a fine price tag for a two-disc import, and there is absolutely no excuse not to snap this baby up as soon as you see it anywhere.

by Thom Jurek

https://www.allmusic.com/album/the-funk-jazz-brothers-mw0001217200

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Revisar

Una compilación como esta es donde Blue Note Records en la Unión Europea lo tiene todo sobre nosotros los esquíes americanos. Este doble disco de 19 pistas se adentra en los clásicos del sello para sacar gema tras gema del clásico soul-jazz sin límites y del jazz-funk temprano. El "Hot Dog" de Lou Donaldson, el humeante "Put on Train" de Gene Harris y "Love Bug" de Reuben Wilson, que han sido sampleados en innumerables discos de hip-hop, se encuentran entre la gran cantidad de cortes conocidos aquí. Pero para cada uno de ellos hay una pepita escondida de oro puro y funky, incluyendo cortes como la lectura popping de Bobby Hutcherson de "Family Affair" de Sly Stone y "Inner City Blues" de Marvin Gaye, "I'm on My Way" de Candido y "I Don't Want Nobody to Give Me Nothing" de Grant Green. La secuencia es perfecta, donde el ritmo pasa de un calor intenso a una quemadura de amor nocturno y luego a una fiesta ruidosa y otra vez. En pocas palabras, esta es una de esas composiciones en las que no hay un momento de debilidad en el grupo a lo largo de sus casi dos horas. Mira el primer disco, "Butter for You Popcorn", del hermano Jack McDuff, con una sección de trompeta completa encima de la guitarra eléctrica y la batería, y sabes que has llegado al lugar correcto. Añade a esto un buen precio por la importación de dos discos, y no hay ninguna excusa para no romper a este bebé tan pronto como lo veas en cualquier parte.

por Thom Jurek

https://www.allmusic.com/album/the-funk-jazz-brothers-mw0001217200

 

VA • Blue Note Plays Monk's Music

 

 

Bobby Hutcherson • The Kicker

Bobby Hutcherson recorded frequently for Blue Note in the 1960s, though this session remained unissued until 1999. The first half features the vibraphonist in a cooking hard bop session with Joe Henderson and Duke Pearson, starting with an energetic take on the normally slow ballad "If Ever I Would Leave You" and a sizzling Hutcherson original, "For Duke P." Guitarist Grant Green is added for the second half, beginning with the first recording of Henderson's "The Kicker," which became well known from it's later rendition on Horace Silver's highly successful release Song for My Father. Because this is part of Blue Note's limited-edition Jazz Connoisseur series, don't delay in picking it up. ~ Ken Dryden, AMG

It's interesting to note that in the liner notes to Grant Green's The Matador, described this session as "somewhat disappointing." Now, Cuscuna has mostly just praise for The Kicker, though he does point out similar to the amazon review that this was a much more straightforward Hutcherson than most of the public was used to.

I'm rather surprised as Hutcherson did play on some avante garde sessions with Eric Dolphy, Andrew Hill, Jackie McLean, and Archie Shepp, but for every avante garde session, there was another like Grant Green's Idle Moments, or his Streets of Dreams ( with Larry Young and Elvin Jones ). And, Hutcherson recorded several straight ahead sessions himself like 1966 session called Stick-Up! with Billy Higgins. That one is beautiful, straight ahead jazz. And albums like Patterns ( with James Spaulding and Joe Chambers ) are relatively straightforward.

Anyways, The Kicker. The album is great. The same lineup as Grant Green's Idle Moments ( with Green appearing on only 3/6 tracks ), The Kicker perhaps lacks the intamacy of Idle Moments, but shines much brighter. There are obviously easy comparisons to both. They were recorded with the same personel, a month apart. Songs contributions come from Joe Chambers ( who's not on the session ), Duke Pearson ( who is ), Joe Henderson ( two here ), and Bobby H ( 1 ), plus a standard to finish it off.

The standard is If Ever I would Leave You, and it's quite pretty. But it's the second song, Mirrors, by Joe Chambers that really caught my eye. It's slow and sensuous, and kind of has that Joe Chambers style to it. It's interesting to hear it though with Al Harewood on drums. For Duke P. is for Duke Pearson ( though was only named by Hutcherson for this release in 1999 ), is great... medium to up tempo and has some ultra-cool vibes playing. The last three songs each have Green on them which changes the scene a bit. Joe Henderson's, The Kicker has been recorded by just about everone, and is given a good, standard treatment here. Step Lightly is something pretty like what we would have found on Idle Moments. Bedouin was already familiar to bass player, Bob Cranshaw, and Grant Green as they played it on Green's The Matador. It's interesting to hear both versions. Above all, The Kicker is great Bobby H. Like I said, it may not be as great as Idle Moments... though what is? There is some great playing by everyone here. Joe Henderson was really coming to his own, and his tenor sax playing is unique and perfect for this setting. Bobby Hutcherson is always good, whether straight ahead or avante garde. Green rules. And Duke Pearson, Al Harewood, and Bob Cranshaw make for a kickin' rhythm section. I love Pearson in particular and find his piano playing to be quite subtle and fun to listen to in the mix. Focusing on his playing is great. So get the album. It's a good one. Especially for one that took 35 years to release! ~ Frank Bock

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Bobby Hutcherson grabó con frecuencia para Blue Note en la década de 1960, aunque esta sesión no se publicó hasta 1999. La primera mitad presenta al vibrafonista en una sesión de cocina hard bop con Joe Henderson y Duke Pearson, comenzando con una toma energética de la normalmente lenta balada "If Ever I Would Leave You" y un original de Hutcherson, "For Duke P.". El guitarrista Grant Green se añade para la segunda mitad, comenzando con la primera grabación de "The Kicker" de Henderson, que se hizo muy conocida por su posterior interpretación en el exitoso lanzamiento de Song for My Father de Horace Silver. Como esto forma parte de la serie Jazz Connoisseur de edición limitada de Blue Note, no te demores en recogerlo. ~ Ken Dryden, AMG

Es interesante notar que en las notas de Grant Green en The Matador, describió esta sesión como "algo decepcionante". Ahora, Cuscuna sólo tiene elogios para The Kicker, aunque señala de manera similar a la crítica amazónica que este fue un Hutcherson mucho más directo de lo que la mayoría del público estaba acostumbrado.

Me sorprende bastante como Hutcherson tocó en algunas sesiones de vanguardia con Eric Dolphy, Andrew Hill, Jackie McLean y Archie Shepp, pero para cada sesión de vanguardia, hubo otra como la de Grant Green's Idle Moments, o sus Streets of Dreams ("Calles de Sueños") ("Streets of Dreams") ("Calles de Sueños de Grant Green") ("Idle Moments"). Y, Hutcherson grabó varias sesiones en línea recta, como la sesión de 1966 llamada Stick-Up! con Billy Higgins. Ese es un hermoso jazz de frente. Y álbumes como Patterns (con James Spaulding y Joe Chambers) son relativamente sencillos.

De todos modos, The Kicker. El álbum es genial. La misma alineación que Grant Green's Idle Moments (con Green apareciendo sólo en 3/6 pistas), The Kicker quizás carece de la inutilidad de Idle Moments, pero brilla mucho más brillante. Obviamente, hay comparaciones fáciles con ambos. Fueron grabados con el mismo personaje, con un mes de diferencia. Las contribuciones de las canciones provienen de Joe Chambers ("quien no está en la sesión"), Duke Pearson ("quien está"), Joe Henderson ("dos aquí"), y Bobby H ("1"), más un estándar para terminar la sesión.

El estándar es Si alguna vez te dejo, y es bastante bonito. Pero es la segunda canción, Mirrors, de Joe Chambers, la que realmente me llamó la atención. Es lento y sensual, y tiene el estilo de Joe Chambers. Es interesante oírlo con Al Harewood a la batería. Para Duke P. es para Duke Pearson (aunque sólo fue nombrado por Hutcherson para este lanzamiento en 1999), es grandioso.... de medio a alto tempo y tiene algunas vibraciones ultra-cool jugando. Las últimas tres canciones tienen Green en cada una de ellas, lo que cambia un poco la escena. Joe Henderson's, The Kicker ha sido grabado por casi todos, y se le da un buen tratamiento estándar aquí. Step Lightly es algo parecido a lo que habríamos encontrado en Idle Moments. El beduino ya estaba familiarizado con el bajista Bob Cranshaw y Grant Green cuando lo tocaron en El Matador de Green. Es interesante escuchar ambas versiones. Sobre todo, The Kicker es un gran Bobby H. Como dije, puede que no sea tan grande como Idle Moments... aunque ¿qué es? Hay una gran actuación de todos aquí. Joe Henderson estaba realmente llegando a lo suyo, y su saxo tenor es único y perfecto para este escenario. Bobby Hutcherson siempre es bueno, ya sea en línea recta o de vanguardia. Reglas verdes. Y Duke Pearson, Al Harewood y Bob Cranshaw son una sección rítmica muy buena. Me encanta Pearson en particular y su piano es muy sutil y divertido de escuchar en la mezcla. Centrarse en su forma de tocar es genial. Así que coge el álbum. Es uno bueno. ¡Especialmente para uno que tardó 35 años en salir! ~ Frank Bock

'Big' John Patton • The Organization! The Best of 'Big' John Patton

Artist Biography

 Big John Patton was born July 12, 1935 in Kansas City, Missouri. A self-taught musician, he started playing the piano in 1948 and landed his first big gig touring with R&B sensation Lloyd Price from 1954-1959.
Upon his arrival in New York, around 1960, Patton began making the transition from piano to organ. Throughout the 1960's he recorded extensively for Blue Note Records as a leader and sideman, most notably with Grant Green and Lou Donaldson.
His music evolved to incorporate elements of modal and free jazz, without ever losing the basic, earthy groove that he brought to it from the beginning.
He wrote some organ jazz classics such as “Funky Mama” and “The Yodel.” His music will be remembered fondly by musicians and fans. During the late 60's Patton recorded some very adventurous music for the Blue Note label with artists such as Harold Alexander and George Coleman on lps such as Understanding and Accent on the Blues. Of particular note on the early sessions recorded for Blue Note both under his own name and also with George Braith, Don Wilkerson and Lou Donaldson was the superlative empathy he developed with guitarist Grant Green and drummer Ben Dixon - an organ trio whose work in the soul jazz genre remains unsurpassed to this day.

Since the resurgence in interest in music from this period Blue Note has unearthed many sessions that were buried in the vaults. LPs such as Blue John which was actually penciled for release, but never was, and two fantastic (and forward looking) albums Boogaloo and Memphis New York Spirit saw the light of day and showed the world more of this exceptional artist's work.

https://musicians.allaboutjazz.com/bigjohnpatton

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Biografía del artista
 Big John Patton nació el 12 de julio de 1935 en Kansas City, Missouri. Músico autodidacta, comenzó a tocar el piano en 1948 y consiguió su primer gran concierto de gira con la sensación del R&B Lloyd Price entre 1954 y 1959.
A su llegada a Nueva York, alrededor de 1960, Patton comenzó a hacer la transición del piano al órgano. A lo largo de los años 60 grabó extensamente para Blue Note Records como líder y sideman, sobre todo con Grant Green y Lou Donaldson.
Su música evolucionó para incorporar elementos del jazz modal y libre, sin perder nunca el groove básico y terrenal que le aportó desde el principio.
Escribió algunos clásicos del jazz de órgano como "Funky Mama" y "The Yodel". Su música será recordada con cariño por músicos y aficionados. A finales de los 60's Patton grabó música muy aventurera para el sello Blue Note con artistas como Harold Alexander y George Coleman en lps como Understanding y Accent on the Blues. De particular importancia en las primeras sesiones grabadas para Blue Note tanto bajo su propio nombre como con George Braith, Don Wilkerson y Lou Donaldson fue la superlativa empatía que desarrolló con el guitarrista Grant Green y el baterista Ben Dixon - un trío de órgano cuyo trabajo en el género de soul jazz sigue siendo insuperable hasta el día de hoy.
Desde el resurgimiento del interés por la música de este periodo, Blue Note ha desenterrado muchas de las sesiones que fueron enterradas en las bóvedas. LPs como Blue John, que en realidad fue escrito para su lanzamiento, pero nunca lo fue, y dos álbumes fantásticos (y con visión de futuro) Boogaloo y Memphis New York Spirit vieron la luz del día y mostraron al mundo más del trabajo de este artista excepcional.
https://musicians.allaboutjazz.com/bigjohnpatton

 

 

Jackie McLean • Destination... Out

 

Review
by Thom Jurek  
Like Eric Dolphy before him, Jackie McLean sought to create a kind of vanguard "chamber jazz" that still had the blues feel and -- occasionally -- the groove of hard bop, though with rounded, moodier edges. Destination Out! was the album on which he found it. Still working with Grachan Moncur III and Bobby Hutcherson -- his direct spiritual connection to Dolphy -- McLean changed his rhythm section by employing drummer Roy Haynes and bassist Larry Ridley. This combination proved a perfect balance of the four elements. The program is four tunes, three of which were written by Moncur. If there was a perfect Blue Note session after John Coltrane's Blue Train, this was it. Opening with a ballad was a novel idea in 1966, but McLean uses Moncur's love and hate to reveal all the tonal possibilities within this group of musicians, and the textural interplay that exists in the heightened sense of form, time breaks, and rhythm changes. As begun on One Step Beyond, the notion of interval is key in this band, and an elemental part of Moncur's composition. The horn lines are spare, haunting, warm, and treated as textural elements by Hutcherson's vibes. On the tune "Esoteric," Hutcherson and Haynes throw complex rhythmic figures into the mix. Moncur's writing is angular, resembling Ornette's early-'60s melodic notions more than Coltrane's modal considerations. Hutcherson's solo amid the complex, knotty melodic frame is just sublime. "Khalil the Prophet" is McLean's only contribution compositionally to the album, but it's a fine one. Using a hard bop lyric and a shape-shifting sense of harmonic interplay between the three front-line players, McLean moves deeply into a blues groove without giving into mere 4/4 time structures. The architecture of his solo is wonderfully obtuse, playing an alternating series of eighths, 12ths, and even 16ths against Hutcherson's wide-open comping and arpeggio runs. The set ends with Moncur's "Riff Raff," a strolling blues that makes full use of counterpoint on the vibes. Moncur sets his solo against McLean's melodic engagement of Hutcherson, forcing both men into opposition positions that get resolved in a sultry, funky, shimmering blues groove. Of all of McLean's Blue Note dates, so many of which are classic jazz recordings, Destination Out! stands as the one that reveals the true soulfulness and complexity of his writing, arranging, and "singing" voice.
https://www.allmusic.com/album/destination-out%21-mw0000124614

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Reseña
por Thom Jurek  
Al igual que Eric Dolphy antes que él, Jackie McLean trató de crear una especie de "jazz de cámara" de vanguardia que todavía tenía la sensación de blues y - ocasionalmente - el groove del hard bop, aunque con bordes más redondeados y de humor. Destination Out! fue el álbum en el que lo encontró. Todavía trabajando con Grachan Moncur III y Bobby Hutcherson - su conexión espiritual directa con Dolphy - McLean cambió su sección rítmica empleando al baterista Roy Haynes y al bajista Larry Ridley. Esta combinación resultó ser un equilibrio perfecto de los cuatro elementos. El programa consta de cuatro temas, tres de los cuales fueron escritos por Moncur. Si hubo una sesión perfecta de Blue Note después de Blue Train de John Coltrane, fue ésta. Abrir con una balada era una idea novedosa en 1966, pero McLean utiliza el amor y el odio de Moncur para revelar todas las posibilidades tonales dentro de este grupo de músicos, y la interacción textural que existe en el elevado sentido de la forma, las rupturas de tiempo y los cambios de ritmo. Tal y como se inició en One Step Beyond, la noción de intervalo es clave en esta banda, y una parte elemental de la composición de Moncur. Las líneas de vientos son escasas, inquietantes y cálidas, y son tratadas como elementos de textura por los vibráfonos de Hutcherson. En el tema "Esoteric", Hutcherson y Haynes introducen complejas figuras rítmicas en la mezcla. La escritura de Moncur es angular, y se parece más a las nociones melódicas de Ornette de principios de los 60 que a las consideraciones modales de Coltrane. El solo de Hutcherson en medio del complejo y nudoso marco melódico es simplemente sublime. "Khalil the Prophet" es la única contribución de McLean a la composición del álbum, pero es muy buena. Utilizando una letra de hard bop y un sentido cambiante de la interacción armónica entre los tres músicos de primera línea, McLean se adentra profundamente en un ritmo de blues sin ceder a meras estructuras de tiempo de 4/4. La arquitectura de su solo es maravillosamente obtusa, tocando una serie alternada de octavas, duodécimas e incluso dieciseisavas contra los compases abiertos de Hutcherson y las ejecuciones de arpegio. El conjunto finaliza con "Riff Raff" de Moncur, un blues de paseo que hace pleno uso del contrapunto en los vibráfonos. Moncur contrapone su solo al compromiso melódico de McLean con Hutcherson, forzando a ambos hombres a adoptar posiciones opuestas que se resuelven en un groove de blues sensual, funky y brillante. De todos los trabajos de McLean en Blue Note, muchos de los cuales son grabaciones clásicas de jazz, Destination Out! es el que revela la verdadera conmoción y complejidad de su escritura, sus arreglos y su voz "cantante".
https://www.allmusic.com/album/destination-out%21-mw0000124614

Bobby Hutcherson • Happenings

Happenings is the first album to present Hutcherson as the featured soloist fronting a conventional rhythm section, instead of amongst the experimentally-inclined sextets and quintets he'd led and guested with before. These had produced, most notably, Eric Dolphy's Out To Lunch (Blue Note, 1964) and Hutcherson's own Dialogue (Blue Note, 1965), the latter featuring two new thing auteurs in pianist Andrew Hill and saxophonist Sam Rivers.

More tellingly, the choice of material on Happenings makes for a safer, more mainstream affair than its predecessors. Previously, Hutcherson had either guested with premier league composers like Dolphy, Archie Shepp and Grachan Moncur III, or—with his own bands—relied on other writers (Dialogue was almost entirely written by Hill).

Here all but one of the tunes (pianist Herbie Hancock's "Maiden Voyage") are unremarkable, in-the-tradition Hutcherson originals. With the exception of "The Omen," an ambitious, wannabe-conservatoire construction which isn't convincing, they're a competent but derivative mix of swingers, ballads and Latin tunes.

There is, however, some great playing on Happenings. Hancock's stomping, cluster-chord chromaticism on the opening "Aquarian Moon" is a highlight, as is Hutcherson's own solo on "Maiden Voyage," a track also distinguished by drummer Joe Chambers' metronomic but magically propulsive, centre-of-the-cymbal stick work. "When You Are Near," a classy ballad (though one in search of a good bridge), is arguably the strongest Hutcherson original. But at less than four minutes, it is, perversely, by far the shortest track.

A year and a half after Happenings, Hutcherson, Hancock and Chambers returned to similar territory with Oblique (Blue Note, 1967). Crucially, half the six tracks were written by Hancock and the magnificently quirky Chambers, and the music was raised several storeys as a result.

History rarely runs in an entirely straight line. In the midst of his early-1960s avant-garde endeavours, Hutcherson was a featured soloist in the sextet that recorded Grant Green's exquisitely mellifluous Idle Moments (Blue Note, 1963). Hutcherson revealed himself as a formidable mainstream lyricist, and Happenings, Oblique and much of the work that has followed can be traced back at least as far as Green's album.

https://www.allaboutjazz.com/happenings-bobby-hutcherson-blue-note-records-review-by-chris-may.php

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Traducción Automática:

Happenings es el primer álbum en presentar a Hutcherson como el solista destacado al frente de una sección de ritmo convencional, en lugar de entre los sextetos y quintetos con tendencias experimentales que él había dirigido e invitado antes. Éstos habían producido, sobre todo, Out To Lunch (Blue Note, 1964) de Eric Dolphy y el propio Diálogo (Blue Note, 1965) de Hutcherson, este último con dos autores nuevos en el pianista Andrew Hill y el saxofonista Sam Rivers.De manera más reveladora, la elección del material sobre Acontecimientos hace que sea un asunto más seguro y más convencional que sus predecesores. Anteriormente, Hutcherson había invitado con compositores de primera clase como Dolphy, Archie Shepp y Grachan Moncur III o, con sus propias bandas, confiaba en otros escritores (Dialogue fue escrito casi en su totalidad por Hill).Aquí, todas menos una de las melodías ("Maiden Voyage" de la pianista Herbie Hancock) son originales de Hutcherson, tradicionales en la tradición. Con la excepción de "The Omen", una construcción ambiciosa, aspirante a conservador que no es convincente, son una combinación competente pero derivada de swingers, baladas y melodías latinas.Hay, sin embargo, algunos grandes juegos en Happenings. El pisotón de Hancock, el cromaticismo de grupo en la apertura "Aquarian Moon" es un punto culminante, como lo es el propio solo de Hutcherson en "Maiden Voyage", una pista que también se distingue por el metronómico baterista de Joe Chambers, centro de los platillos. trabajo de palo "When You Are Near", una balada con clase (aunque una en busca de un buen puente), es posiblemente el original más fuerte de Hutcherson. Pero a menos de cuatro minutos, es, perversamente, la pista más corta.Un año y medio después de Happenings, Hutcherson, Hancock y Chambers regresaron a un territorio similar con Oblique (Blue Note, 1967). De manera crucial, la mitad de las seis pistas fueron escritas por Hancock y las magníficamente extravagantes Chambers, y la música se elevó a varios pisos como resultado.La historia rara vez corre en línea recta. En medio de sus esfuerzos vanguardistas de los primeros años de la década de 1960, Hutcherson era un solista destacado en el sexteto que grababa los Momentos idéleos exquisitamente melifluos de Grant Green (Blue Note, 1963). Hutcherson se reveló a sí mismo como un formidable letrista principal, y Happenings, Oblique y gran parte del trabajo que siguió se remontan al menos hasta el álbum de Green.

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Dexter Gordon • Gettin' Around

 

An arterial link between Lester Young and the hard bop tenor saxophonists of the late '50s and early '60s, Dexter Gordon's brilliance and significance are today remembered mostly as an afterthought. Partly this is Gordon's own fault: after his prolific vanguard activities of the '40s, the '50s were for him a wasteland of heroin addiction, with few recording sessions or landmark live appearances. He's off the page of most jazz chronicles from the period.

Happily, though, Gordon's most on-fire recordings survive. Gettin' Around was made during his unexpected and magnificent renaissance on Blue Note in the mid '60s. Its inclusion in the Rudy Van Gelder remaster programme is great news for anyone who enjoys the eternal verities of American jazz—and who relishes in particular the tenor saxophonist as unruly sonic gunslinger.

Gordon's playing was an extension of his six and a half foot stature. His sound was big, his notes were big, and his lyricism was rough-hewn. His influences were one part Young and one part Charlie Parker. From Parker he took a hard and deliberate tone, vibrato-less except in the most intimate moments, and from Young he took a horizontal approach to improvisation, though gruffer and more bass register-rooted. Drop all that into the studio along with the rhythm section that helped make Lee Morgan's The Sidewinder as bad-ass as it was, stir in rising vibraphone star Bobby Hutcherson, and you have real voodou.

Most of the album is mid to up-tempo, hot, broad, careless, exuberant, and vigorously swinging. The pieces range from the wittily codified bossa nova "Manha De Carnaval" to the booting romps "Heartaches" and "Shiny Stockings" and the ten-minute blues jam "Flick Of A Trick." Gordon's only original, the pretty and balletic "Le Coiffeur," is clearly influenced by French chanson—by the time this album was recorded, Gordon had been resident in Europe for three years—but the only real ballad is "Who Can I Turn To" (check the vibrato-as-foreplay). The leader takes most of the solo space, but Harris and Hutcherson each get chances to shine. Harris' solo on "Le Coiffeur" is lovely, as are Hutcherson's pre-Leary but trippy sonics on "Flick Of A Trick."

Along with '63's Our Man In Paris and the original '61 comeback album Doin' Alright, this is one of three immortal works in the Gordon canon.
By Chris May
February 14, 2006
https://www.allaboutjazz.com/gettin-around-dexter-gordon-blue-note-records-review-by-chris-may



Review by Michael G. Nastos
Dexter Gordon's mid-'60s period living in Europe also meant coming back to the U.S. for the occasional recording session. His teaming with Bobby Hutcherson was intriguing in that the vibraphonist was marking his territory as a maverick and challenging improviser. Here the two principals prove compatible in that they have a shared sense of how to create sheer beauty in a post-bop world. Add the brilliant Barry Harris to this mix, and that world is fortunate enough to hear these grand masters at their creative peak, stoked by equally extraordinary sidemen like bassist Bob Cranshaw and drummer Billy Higgins, all on loan from Lee Morgan's hitmaking combo. The subtle manner in which Gordon plays melodies or caresses the most recognizable standard has always superseded his ability to ramble through rough-and-tumble bebop. It's hard to resist how Gordon massages the light and sweet bossa nova "Manha de Carnaval" hand in hand with Hutcherson, the heartfelt way "Who Can I Turn To?" or "Everybody's Somebody's Fool" is turned into a personalized statement, or how the co-leaders take Frank Foster's Count Basie staple, "Shiny Stockings," beyond a classic and into immortal territory. Where Gordon and Hutcherson's true strength lies is in their ability to listen and balance their sound into a unified whole beyond any other tenor sax-vibraphone combination you might care to name, unless it's Hutch's partnership in the ensuing years with Harold Land. Picking up on a Sonny Rollins idea, "Heartaches" is a loping cowboy-type swinger with some lustrous comping from Hutcherson and Harris, while the light, cat-prancing "Le Coiffeur" is the highlight among highlights, a stealth calypso with Gordon's deftly rendered staccato notation. One has to listen closer to the pianist on this date, as he buoys the others without demanding equal space, but he is just as reverberant. While this is not Gordon's ultimate hard bop date, it is reflective of his cooling out in Europe, adopting a tonal emphasis more under the surface than in your face. It's not essential, but quite enjoyable, and does mark a turning point in his illustrious career. [The CD version contains two bonus tracks, including the Onzy Matthews composition "Very Saxily Yours" with a melody very similar to "Shiny Stockings," Hutcherson alone during a second chorus, and a classy quarter-to-eighth note solo by Gordon. Ben Tucker's "Flick of a Trick" is added on, an 11-minute groove blues that lets Harris cut loose, digging in after-hours style.]
https://www.allmusic.com/album/gettin-around-mw0000188091

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Eslabón arterial entre Lester Young y los saxofonistas tenores del hard bop de finales de los 50 y principios de los 60, la brillantez y trascendencia de Dexter Gordon se recuerdan hoy en día sobre todo como algo secundario. En parte, esto es culpa del propio Gordon: después de sus prolíficas actividades vanguardistas de los años 40, los 50 fueron para él un páramo de adicción a la heroína, con pocas sesiones de grabación o apariciones históricas en directo. No aparece en la mayoría de las crónicas de jazz de la época.

Afortunadamente, se conservan las grabaciones más ardientes de Gordon. Gettin' Around se grabó durante su inesperado y magnífico renacimiento en Blue Note a mediados de los años sesenta. Su inclusión en el programa de remasterizaciones de Rudy Van Gelder es una gran noticia para cualquiera que disfrute de las eternas verdades del jazz americano y que disfrute en particular del saxofonista tenor como pistolero sónico rebelde.

La forma de tocar de Gordon era una extensión de su estatura de dos metros y medio. Su sonido era grande, sus notas eran grandes y su lirismo era áspero. Sus influencias eran en parte Young y en parte Charlie Parker. De Parker tomó un tono duro y deliberado, sin vibrato salvo en los momentos más íntimos, y de Young adoptó un enfoque horizontal de la improvisación, aunque más rudo y arraigado en el registro grave. Pon todo eso en el estudio junto con la sección rítmica que ayudó a que The Sidewinder de Lee Morgan fuera tan malo como era, añade a la estrella emergente del vibráfono Bobby Hutcherson, y tendrás un auténtico voodou.

La mayor parte del álbum es de medio a alto tempo, ardiente, amplio, descuidado, exuberante y vigorosamente oscilante. Las piezas van desde la ingeniosamente codificada bossa nova "Manha De Carnaval" a las rompedoras "Heartaches" y "Shiny Stockings" y el blues jam de diez minutos "Flick Of A Trick". La única canción original de Gordon, la bonita y balletística "Le Coiffeur", está claramente influenciada por la chanson francesa (cuando se grabó este álbum, Gordon había residido en Europa durante tres años), pero la única balada real es "Who Can I Turn To" (comprueba el vibrato). El líder ocupa la mayor parte del espacio solista, pero Harris y Hutcherson tienen oportunidades para brillar. El solo de Harris en "Le Coiffeur" es encantador, al igual que los sonidos pre-Leary pero triposos de Hutcherson en "Flick Of A Trick".

Junto con Our Man In Paris (63) y el álbum original de regreso Doin' Alright (61), ésta es una de las tres obras inmortales del canon de Gordon.
Por Chris May
14 de febrero de 2006
https://www.allaboutjazz.com/gettin-around-dexter-gordon-blue-note-records-review-by-chris-may



Reseña de Michael G. Nastos
El periodo en que Dexter Gordon vivió en Europa a mediados de los 60 también significó su regreso a los EE.UU. para alguna que otra sesión de grabación. Su asociación con Bobby Hutcherson fue intrigante en el sentido de que el vibrafonista estaba marcando su territorio como improvisador inconformista y desafiante. Aquí los dos principales demuestran ser compatibles en el sentido compartido de cómo crear pura belleza en un mundo post-bop. Si añadimos al brillante Barry Harris a esta mezcla, el mundo tiene la suerte de escuchar a estos grandes maestros en su apogeo creativo, avivados por acompañantes igualmente extraordinarios como el bajista Bob Cranshaw y el batería Billy Higgins, todos ellos cedidos por el exitoso combo de Lee Morgan. La sutileza con la que Gordon interpreta las melodías o acaricia los estándares más reconocibles siempre ha superado a su habilidad para divagar a través del bebop áspero y agitado. Es difícil resistirse a la forma en que Gordon masajea la ligera y dulce bossa nova "Manha de Carnaval" mano a mano con Hutcherson, la sentida forma en que "Who Can I Turn To?" o "Everybody's Somebody's Fool" se convierten en una declaración personalizada, o cómo los colíderes llevan el clásico de Count Basie de Frank Foster, "Shiny Stockings", más allá de un clásico y hacia territorio inmortal. Donde reside la verdadera fuerza de Gordon y Hutcherson es en su capacidad para escuchar y equilibrar su sonido en un todo unificado más allá de cualquier otra combinación de saxo tenor y vibráfono que se pueda nombrar, a menos que sea la asociación de Hutch en los años posteriores con Harold Land. Retomando una idea de Sonny Rollins, "Heartaches" es un vaquero de ritmo lento con algunas lustrosas composiciones de Hutcherson y Harris, mientras que "Le Coiffeur" es el punto culminante entre los puntos culminantes, un calipso sigiloso con la hábil notación staccato de Gordon. Hay que escuchar más de cerca al pianista en esta cita, ya que anima a los demás sin exigir el mismo espacio, pero es igual de reverberante. Aunque ésta no es la última cita hard bop de Gordon, refleja su enfriamiento en Europa, adoptando un énfasis tonal más bajo la superficie que en la cara. No es esencial, pero sí muy disfrutable, y marca un punto de inflexión en su ilustre carrera. [La versión en CD contiene dos temas extra, incluyendo la composición de Onzy Matthews "Very Saxily Yours" con una melodía muy similar a "Shiny Stockings", Hutcherson solo durante un segundo estribillo, y un elegante solo de cuarto de corchea de Gordon. Se añade "Flick of a Trick" de Ben Tucker, un groove blues de 11 minutos que deja a Harris suelto, cavando al estilo after-hours].
https://www.allmusic.com/album/gettin-around-mw0000188091

McCoy Tyner • Time For Tyner

  

Review by Scott Yanow
Time for Tyner finds pianist McCoy Tyner with vibraphonist Bobby Hutcherson, bassist Herbie Lewis, and drummer Freddie Waits. Tyner and Hutcherson blend together quite well on the first three tracks from the original program (all Tyner originals), and both display expertise at coming up with inventive ideas over modal vamps. The other three selections are veteran standards. "I Didn't Know What Time It Was" is taken by the full quartet, Hutcherson sits out on "Surrey with the Fringe on Top," and a rhapsodic "I've Grown Accustomed to Your Face" is a piano solo. A fine all-round showcase for McCoy Tyner in the late '60s.
https://www.allmusic.com/album/time-for-tyner-mw0000194022


Review by allaboutjazz
With the release of the latest batch of Rudy Van Gelder Blue Note reissues comes the opportunity to hear vibraphonist Bobby Hutcherson on two sessions that demonstrate just how flexible he is—something that continues to define him to this day on projects like the recently-released SFJazz Collective. But unlike SFJazz, which is a true cooperative ensemble, we're talking about Hutcherson the sideman on the '64 date that would become pianist Andrew Hill's Judgement, and here, on pianist McCoy Tyner's '68 session Time for Tyner.

Both sessions are quartet dates featuring vibes, piano, bass, and drums—in this case the rhythm section consists of bassist Herbie Lewis and drummer Freddie Waits. Waits comes to mind these days more as the father of drummer Nasheet Waits, but he was an equally versatile player who appeared on numerous sessions for Tyner, Hubert Laws, Hill, and others before his untimely passing in '89 at the age of 46. The teaming of two chordal instruments raises the possibility of some toe-stepping, but Hutcherson, unlike Gary Burton who emerged around the same time, was always a more linear player. And so while this is texturally lighter than dates featuring a horn in the front line, Hutcherson plays a similar role.

Time for Tyner is situated between two '67 releases, the quartet classic The Real McCoy and octet Tender Moments, and the less-reputed but equally significant Expansions—recorded a scant three months later with the same rhythm section, but featuring a three-horn front line and Ron Carter on cello. It distinguishes itself as the only session from that two-year period which is not weighted heavily towards Tyner originals.

Tyner's three originals here are characteristic of his writing at the time, logical expansions on the modal approach he honed in his years with John Coltrane. They are equally indicative of why he ultimately left the saxophonist in '65, with Coltrane's shift towards completely unstructured form becoming too extreme for Tyner's more down-the-middle disposition. Still, while songs like the three-over-four polyrhythmic "African Village and the more rhythmically straightforward "Little Madimba may not feel particularly innovative forty years later, with Tyner ultimately becoming one of the most influential pianists to emerge in the last half-century, they're certainly still compelling enough, as is the up-tempo swing of "May Street.

More telling is his take on three standards. Tyner adds a whole-tone vamp to break up the more familiar refrains of "I Didn't Know What Time It Was, while "The Surrey With the Fringe on Top, pared down to a trio, is taken at an uncharacteristically fast tempo with a middle section that returns to modal terrain. The album closes with an open-ended solo rendition of "I've Grown Accustomed to Her Face that demonstrates just how liberal Tyner could be within a mainstream context.

While the ensuing years have proven Time for Tyner to be more of a way station than a push forward, it's still fully deserving of the Van Gelder remaster treatment. It's also proof that Tyner's ability to reinvent standards was certainly on par with his own compositional acumen.
By John Kelman
September 19, 2005
https://www.allaboutjazz.com/time-for-tyner-mccoy-tyner-blue-note-records-review-by-john-kelman

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Reseña de Scott Yanow
Time for Tyner reúne al pianista McCoy Tyner con el vibrafonista Bobby Hutcherson, el bajista Herbie Lewis y el batería Freddie Waits. Tyner y Hutcherson se compenetran bastante bien en los tres primeros temas del programa original (todos originales de Tyner), y ambos demuestran su pericia a la hora de aportar ideas inventivas sobre los vamps modales. Las otras tres selecciones son estándares veteranos. "I Didn't Know What Time It Was" es interpretada por el cuarteto al completo, Hutcherson participa en "Surrey with the Fringe on Top" y la rapsódica "I've Grown Accustomed to Your Face" es un solo de piano. Un buen escaparate para McCoy Tyner a finales de los 60.
https://www.allmusic.com/album/time-for-tyner-mw0000194022


Reseña de allaboutjazz
Con la publicación del último lote de reediciones de Blue Note de Rudy Van Gelder llega la oportunidad de escuchar al vibrafonista Bobby Hutcherson en dos sesiones que demuestran lo flexible que es, algo que le sigue definiendo hasta hoy en proyectos como el recientemente publicado SFJazz Collective. Pero a diferencia de SFJazz, que es un verdadero conjunto cooperativo, estamos hablando de Hutcherson el sideman en la fecha de '64 que se convertiría en Judgement del pianista Andrew Hill, y aquí, en la sesión de '68 Time for Tyner del pianista McCoy Tyner.

Ambas sesiones son citas de cuarteto con vibráfono, piano, bajo y batería; en este caso, la sección rítmica está formada por el bajista Herbie Lewis y el batería Freddie Waits. A Waits se le recuerda más como el padre del batería Nasheet Waits, pero fue un músico igualmente versátil que participó en numerosas sesiones para Tyner, Hubert Laws, Hill y otros antes de su prematuro fallecimiento en el 89 a la edad de 46 años. La combinación de dos instrumentos de acordes plantea la posibilidad de algunos toe-stepping, pero Hutcherson, a diferencia de Gary Burton, que surgió en la misma época, siempre fue un músico más lineal. Y así, aunque esto es texturalmente más ligero que las fechas con un cuerno en primera línea, Hutcherson desempeña un papel similar.

Time for Tyner se sitúa entre dos lanzamientos del 67, el clásico cuarteto The Real McCoy y el octeto Tender Moments, y el menos reputado pero igualmente significativo Expansions, grabado apenas tres meses después con la misma sección rítmica, pero con tres trompas al frente y Ron Carter al violonchelo. Se distingue por ser la única sesión de ese periodo de dos años en la que no predominan los originales de Tyner.

Los tres temas originales de Tyner son característicos de su estilo en aquella época, expansiones lógicas del enfoque modal que perfeccionó en sus años con John Coltrane. Son igualmente indicativos de por qué finalmente abandonó al saxofonista en el 65, ya que el giro de Coltrane hacia una forma completamente desestructurada se volvió demasiado extremo para la disposición más relajada de Tyner. Aún así, aunque canciones como la polirrítmica "African Village" y la rítmicamente más sencilla "Little Madimba" no parezcan especialmente innovadoras cuarenta años después, cuando Tyner se ha convertido en uno de los pianistas más influyentes del último medio siglo, siguen siendo lo suficientemente convincentes, como lo es el swing de "May Street".

Más reveladora es su versión de tres estándares. Tyner añade un vampiro de tonos enteros para romper los estribillos más familiares de "I Didn't Know What Time It Was", mientras que "The Surrey With the Fringe on Top", reducida a un trío, se interpreta a un tempo inusualmente rápido con una sección central que vuelve al terreno modal. El álbum se cierra con una interpretación en solitario de "I've Grown Accustomed to Her Face" que demuestra lo liberal que podía ser Tyner en un contexto convencional.

Aunque los años siguientes han demostrado que Time for Tyner es más una estación de paso que un impulso hacia adelante, sigue mereciendo plenamente el tratamiento de remasterización de Van Gelder. También es la prueba de que la capacidad de Tyner para reinventar los estándares estaba ciertamente a la altura de su propia perspicacia compositiva.
Por John Kelman
19 de septiembre de 2005
https://www.allaboutjazz.com/time-for-tyner-mccoy-tyner-blue-note-records-review-by-john-kelman

Bobby Hutcherson • Montara

 

Review from AllMusic (by Thom Jurek):
With the possible exception of Grover Washington's Feels So Good, no other album captured the spirit of jazz in 1975 like Bobby Hutcherson's Montara. Recorded in his hometown of L.A., Montara is the very sound of groove jazz coming out of fusion, and Latin jazz's tough salsa rhythms coming home to roost in something more warm and effluvial that would meet the populace where it was changing and mellowing out rather than making it sit up and take notice. That said, Montara is, like the Washington record, a masterpiece of the genre even though it isn't celebrated in the same way. Featuring a stellar cast of musicians -- among them Willie Bobo, Blue Mitchell, Bobby Matos, Ernie Watts, Harvey Mason, Plas Johnson, Fred Jackson, Larry Nash, and Chuck Domanico -- Montara is a portrait of Hutcherson's complex gift of subtlety and virtuosity. Whether it's the funky Weather Report dance of "Camel Rise," with Nash's electric piano and the horns weaving around one another in a soulful samba melody, the sweet soulful groove of the title track, where Hutcherson's solo lilts to the point of actually singing, the killer Cuban salsa of "La Malanga," done in complete minor-key frenzy (all the while without losing the easy, slippery grace of soul-jazz), the shimmering echoplexed electric piano and vibes interplay on "Love Song," or the steaming, burning gasoline orgy of Hutcherson's read of Santana's "Oye Como Va," with a killer flute line by Watts winding its way through a knotty bassline and multi-part percussion, the effect is the same: blissed-out moving and grooving for a summer day. Hutcherson's chameleon-like ability to shape-shift is truly remarkable as a sideman and especially as a leader. He never overplays, his charts are tight, and he always creates a band vibe. Almost all of his solo recordings reflect the strengths of the ensemble rather than his strengths as a soloist. Montara is one of the great feel-good jazz albums of the 1970s, one of the great Latin jazz albums of the 1970s, and one of the great groove jazz records. Seek it out without hesitation.
https://www.allmusic.com/album/montara-mw0000036961

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Reseña de AllMusic (por Thom Jurek):
Con la posible excepción de Feels So Good de Grover Washington, ningún otro álbum capturó el espíritu del jazz en 1975 como el Montara de Bobby Hutcherson. Grabado en su ciudad natal de Los Ángeles, Montara es el sonido mismo del groove jazz saliendo de la fusión, y los duros ritmos de salsa del jazz latino volviendo a casa para anidar en algo más cálido y efluente que se encontraría con el público donde se estaba transformando y relajando, en lugar de obligarlo a prestar atención. Dicho esto, Montara es, como el disco de Washington, una obra maestra del género aunque no sea celebrada de la misma manera. Con un elenco estelar de músicos — entre ellos Willie Bobo, Blue Mitchell, Bobby Matos, Ernie Watts, Harvey Mason, Plas Johnson, Fred Jackson, Larry Nash y Chuck Domanico — Montara es un retrato del complejo don de sutileza y virtuosismo de Hutcherson. Ya sea la danza funky al estilo Weather Report de "Camel Rise", con el piano eléctrico de Nash y los vientos entretejidos en una melodía de samba llena de alma, el dulce y anímico groove del tema titular, donde el solo de Hutcherson se inclina hasta el punto de realmente cantar, la asesina salsa cubana de "La Malanga", ejecutada en una frenética tonalidad menor (sin perder en ningún momento la gracia fácil y resbaladiza del soul-jazz), el interplay reluciente de piano eléctrico con echoplex y vibráfono en "Love Song", o la orgia de gasolina ardiente y humeante de la lectura de Hutcherson de "Oye Como Va" de Santana, con una línea de flauta asesina de Watts serpenteando a través de una línea de bajo intrincada y percusión de múltiples partes, el efecto es el mismo: un éxtasis de movimiento y groove para un día de verano. La capacidad camaleónica de Hutcherson para transformarse es verdaderamente notable tanto como sideman como especialmente como líder. Nunca toca de más, sus arreglos son ajustados y siempre crea un ambiente de banda. Casi todas sus grabaciones en solitario reflejan las fortalezas del ensemble más que las suyas como solista. Montara es uno de los grandes discos de jazz de buen rollo de los años 70, uno de los grandes discos de jazz latino de los años 70, y uno de los grandes discos de groove jazz. Búscalo sin vacilar.
https://www.allmusic.com/album/montara-mw0000036961

Harold Land • The Peace-Maker

 

 

 

Biography
by Matt Collar
Texas-born tenor saxophonist Harold Land was an adept stylist whose sound brought together the big swinging tone and edgy harmonics of the hard bop era with the warm lyricism and dusky romance of the West Coast, where he spent much of his life. A member of the celebrated Clifford Brown and Max Roach Quintet, Land also enjoyed a vibrant solo career, releasing albums like 1959's The Fox, 1963's Jazz Impressions of Folk Music, and 1968's The Peace-Maker, the latter of which introduced his long-running quintet with vibraphonist Bobby Hutcherson. He also worked with luminaries like Wes Montgomery, Thelonious Monk, Hampton Hawes, and Red Mitchell, and was a member of the Gerald Wilson Orchestra. Influenced by John Coltrane, his playing grew more exploratory throughout the '60s and '70s, yet he never lost his swinging, melodic style as evidenced by such late-career albums as 1995's A Lazy Afternoon and 2001's A Promised Land.

Born in 1928 in Houston, Texas, Land grew up in San Diego, where he started playing sax at age 16. He made his recorded debut for Savoy in 1949 leading his All-Stars with Leon Petties, Froebel Brigham, and others. Following a move to Los Angeles in the mid-'50s, he joined the Max Roach-Clifford Brown quintet, replacing Teddy Edwards. Land stayed in the group for over a year, appearing on such classic albums as 1954's Brown and Roach Incorporated and 1955's Study in Brown. He then left the group to play with Curtis Counce from 1956 to 1958, during which time he recorded with the bassist for labels like Contemporary and Dooto. There were also sessions with Herb Geller, Cal Tjader, Victor Feldman, and others.

As a leader, Land made his debut with 1958's Harold in the Land of Jazz, playing alongside trumpeter Rolf Ericson, pianist Carl Perkins, bassist Leroy Vinnegar, and drummer Frank Butler. A year later, he returned with The Fox, an superb quintet set with trumpeter Dupree Bolton and pianist Elmo Hope. By the '60s, Land was dividing his time between leading his own groups, as with bassist Red Mitchell on 1961's Hear Ye!, and playing with bandleader Gerald Wilson and his orchestra. In 1963, he showcased his wide-ranging taste reinterpreting traditional folk songs like "Tom Dooley" and "On Top of Old Smokey" on Jazz Impressions of Folk Music. There were also dates with Wes Montgomery and Kenny Dorham for Jazzland, and sessions with such notable players as Carmell Jones, Bud Shank, Gary Peacock, and Thelonious Monk, among others.

While Land never went completely avant-garde, he did expand his approach throughout the '60s, influenced by the work of John Coltrane and other progressive players. He formed a lasting quintet with vibraphonist Bobby Hutcherson which they debuted on 1968's The Peace-Maker and continued through the early '70s. Land also co-led a group with trumpeter Blue Mitchell from 1975 to 1978, recording albums like 1977's Mapenzi.

Beginning in the early '80s, he and Hutcherson often appeared as members of the Timeless All Stars, a group of veteran players connected to the Timeless label, also featuring pianist Cedar Walton, trombonist Curtis Fuller, bassist Buster Williams, and drummer Billy Higgins. Though his own recording slowed in the '80s (he released 1981's Xocia's Dance), Land continued his association with the Gerald Wilson Orchestra and performed live, often working with his son pianist Harold Land, Jr. He also moved into education, working as a professor at the University of California, Los Angeles. He also joined guitarist Kenny Burrell's UCLA Jazz Studies Program. In 1995, he released A Lazy Afternoon, a lush orchestral album featuring arrangements by Ray Ellis. Following a long recording hiatus, Land returned in March 2001 with Promised Land, a hard-swinging quartet date featuring pianist Mulgrew Miller, bassist Ray Drummond, and drummer Billy Higgins. Land died in July 2001 after suffering a stroke at the age of 72.
https://www.allmusic.com/artist/harold-land-mn0000665944/biography

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Biografía
por Matt Collar
El saxofonista tenor Harold Land, nacido en Texas, era un experto estilista cuyo sonido aunaba el gran swing y la agresiva armónica de la era del hard bop con el cálido lirismo y el oscuro romanticismo de la costa oeste, donde pasó gran parte de su vida. Miembro de los célebres Clifford Brown y Max Roach Quintet, Land también disfrutó de una vibrante carrera en solitario, publicando álbumes como The Fox (1959), Jazz Impressions of Folk Music (1963) y The Peace-Maker (1968), este último en el que presentó su quinteto de larga duración con el vibrafonista Bobby Hutcherson. También trabajó con luminarias como Wes Montgomery, Thelonious Monk, Hampton Hawes y Red Mitchell, y fue miembro de la Gerald Wilson Orchestra. Influido por John Coltrane, su forma de tocar se hizo más exploratoria durante los años 60 y 70, aunque nunca perdió su estilo melódico y oscilante, como demuestran álbumes de finales de su carrera como A Lazy Afternoon, de 1995, y A Promised Land, de 2001.

Nacido en 1928 en Houston (Texas), Land creció en San Diego, donde empezó a tocar el saxo a los 16 años. Hizo su debut discográfico para Savoy en 1949 al frente de sus All-Stars con Leon Petties, Froebel Brigham y otros. Tras trasladarse a Los Ángeles a mediados de los 50, se unió al quinteto Max Roach-Clifford Brown, sustituyendo a Teddy Edwards. Land permaneció en el grupo durante más de un año, apareciendo en álbumes clásicos como Brown and Roach Incorporated, de 1954, y Study in Brown, de 1955. Después dejó el grupo para tocar con Curtis Counce de 1956 a 1958, periodo durante el cual grabó con el bajista para sellos como Contemporary y Dooto. También hubo sesiones con Herb Geller, Cal Tjader, Victor Feldman y otros.

Como líder, Land debutó con Harold in the Land of Jazz en 1958, tocando junto al trompetista Rolf Ericson, el pianista Carl Perkins, el bajista Leroy Vinnegar y el batería Frank Butler. Un año después, volvió con The Fox, un magnífico quinteto con el trompetista Dupree Bolton y el pianista Elmo Hope. En los años 60, Land dividía su tiempo entre dirigir sus propios grupos, como con el bajista Red Mitchell en Hear Ye! de 1961, y tocar con el director de orquesta Gerald Wilson y su orquesta. En 1963, mostró su amplio gusto reinterpretando canciones folk tradicionales como "Tom Dooley" y "On Top of Old Smokey" en Jazz Impressions of Folk Music. También colaboró con Wes Montgomery y Kenny Dorham en Jazzland, y en sesiones con músicos tan notables como Carmell Jones, Bud Shank, Gary Peacock y Thelonious Monk, entre otros.

Aunque Land nunca se volvió completamente vanguardista, amplió su enfoque a lo largo de los años 60, influido por el trabajo de John Coltrane y otros músicos progresivos. Formó un quinteto duradero con el vibrafonista Bobby Hutcherson, con el que debutó en The Peace-Maker, de 1968, y que continuó hasta principios de los setenta. Land también codirigió un grupo con el trompetista Blue Mitchell de 1975 a 1978, con el que grabó álbumes como Mapenzi, de 1977.

A principios de los 80, él y Hutcherson aparecieron a menudo como miembros de Timeless All Stars, un grupo de veteranos vinculados al sello Timeless, en el que también figuraban el pianista Cedar Walton, el trombonista Curtis Fuller, el bajista Buster Williams y el batería Billy Higgins. Aunque su actividad discográfica se ralentizó en los años 80 (en 1981 publicó Xocia's Dance), Land continuó su asociación con la Gerald Wilson Orchestra y actuó en directo, a menudo trabajando con su hijo, el pianista Harold Land, Jr. También se dedicó a la educación, trabajando como profesor en la Universidad de California, Los Ángeles. También se unió al Programa de Estudios de Jazz de la UCLA del guitarrista Kenny Burrell. En 1995, publicó A Lazy Afternoon, un exuberante álbum orquestal con arreglos de Ray Ellis. Tras un largo paréntesis discográfico, Land regresó en marzo de 2001 con Promised Land, una dura cita en cuarteto con el pianista Mulgrew Miller, el bajista Ray Drummond y el batería Billy Higgins. Land falleció en julio de 2001 tras sufrir un derrame cerebral a la edad de 72 años.
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