Bucky says, "This is the best record I've ever recorded". Coffee, doughnuts and a lot of music books is all Bucky and Frank need to create great music together. This was recorded in NYC (DB Plus) in Sept 2006 by the great grammy award winning engineer, Gene Paul (Les1 Son) and is sure to become a classic both musically and sonically. From inside album.
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Bucky dice: "Este es el mejor disco que he grabado nunca". Café, donuts y un montón de libros de música es todo lo que Bucky y Frank necesitan para crear buena música juntos. Fue grabado en NYC (DB Plus) en septiembre de 2006 por el gran ingeniero ganador de un Grammy, Gene Paul (Les1 Son) y seguro que se convertirá en un clásico tanto musical como sonoro. Del interior del álbum.
Review by Scott Yanow This generally interesting but only adequately recorded set, which was issued for the first time on this 1996 CD, features duets played by Zoot Sims (doubling on tenor and soprano) and guitarist Bucky Pizzarelli. The pair mostly sticks to swinging standards, other than Neal Hefti's "Fred" and Rod McKuen's "Jean," and there are some strong moments (particularly on "Lester Leaps In," "Limehouse Blues" and "Softly As In a Morning Sunrise"), but one does miss the bass and drums after awhile. https://www.allmusic.com/album/elegiac-mw0000083647
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Reseña de Scott Yanow Este conjunto generalmente interesante pero solo adecuadamente grabado, que se publicó por primera vez en este CD de 1996, presenta duetos interpretados por Zoot Sims (doblando tenor y soprano) y el guitarrista Bucky Pizzarelli. La pareja se apega principalmente a los estándares del swing, aparte de "Fred" de Neal Hefti y "Jean" de Rod McKuen, y hay algunos momentos fuertes (particularmente en "Lester Leaps In", "Limehouse Blues" y "Softly As In a Morning Sunrise"), pero uno extraña el bajo y la batería después de un tiempo. https://www.allmusic.com/album/elegiac-mw0000083647
Review by Jim Santella (All About Jazz): The tribute to Zoot Sims by Scott Hamilton and Bucky Pizzarelli is, as one would expect, wrinkle-free, easy on the ears, and nostalgic. The duo has chosen tunes associated, in one way or another, with the tenor saxophonist who delighted audiences for some 40 years; Sims passed away in 1985 at age 59. Allowing each voice to be heard unobstructed while still providing ample interaction, the duo format works well; Pizzarelli worked and recorded briefly as a duo with Zoot Sims. His 7-string electric model allows the guitarist to supply a bass line, rhythm/harmony and melody. Scott Hamilton's reputation precedes him; the full, relaxed tenor sound is quite pleasant. Zoot Sims and Al Cohn wrote "Morning Fun," which aptly describes the session. The saxophonist and guitarist fill the air with a style of music that remains pleasurable to fans of all jazz sub-genres, while performing songs familiar to most. "Just You, Just Me" includes a guitar solo in which Pizzarelli allows the enthusiasm to take him through string slaps and strums that exert additional rhythmic force. Elsewhere, the duo harmonizes and takes turns improvising on the familiar melodies without ever losing sight of the swing in jazz. Highly recommended. https://www.allaboutjazz.com/the-red-door-scott-hamilton-concord-music-group-review-by-jim-santella
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Reseña de Jim Santella (All About Jazz) - Traducción: El tributo a Zoot Sims de Scott Hamilton y Bucky Pizzarelli es, como era de esperar, impecable, agradable al oído y nostálgico. El dúo ha elegido temas asociados, de una forma u otra, con el saxofonista tenor que deleitó al público durante unos 40 años; Sims falleció en 1985 a los 59 años. Permitiendo que cada voz sea escuchada sin obstrucciones mientras aún proporciona amplia interacción, el formato de dúo funciona bien; Pizzarelli trabajó y grabó brevemente como dúo con Zoot Sims. Su modelo eléctrico de 7 cuerdas permite al guitarrista suministrar una línea de bajo, ritmo/armonía y melodía. La reputación de Scott Hamilton lo precede; el sonido de tenor lleno y relajado es bastante placentero. Zoot Sims y Al Cohn escribieron "Morning Fun", que describe con precisión la sesión. El saxofonista y el guitarrista llenan el aire con un estilo de música que sigue siendo placentero para los fanáticos de todos los subgéneros del jazz, mientras interpretan canciones familiares para la mayoría. "Just You, Just Me" incluye un solo de guitarra en el que Pizzarelli permite que el entusiasmo lo lleve a través de golpes y rasgueos de cuerdas que ejercen fuerza rítmica adicional. En otras partes, el dúo armoniza y se turna improvisando sobre las melodías familiares sin perder nunca de vista el swing en el jazz. Muy recomendado. https://www.allaboutjazz.com/the-red-door-scott-hamilton-concord-music-group-review-by-jim-santella
Walter
Wanderley was a talented and gifted organist with an acute ear for new
harmonies. With 46 recorded solo albums in his entire career, both in
Brazil and the U.S., he reached number 26 on the Billboard pop charts in
September 1966, opening a large pathway of success only menaced by
himself and his complex character. Ten years after his death from
cancer, with a new fad coming, he was repackaged by the entertainment
industry as a mere lounge player, carrying his record sales even further
and sending the cost of his out-of-print albums to the stratosphere,
but all at the cost of minimizing his significance. It is forgotten that
the time lag worked against him and what today is lounge music was then
innovative and revolutionary. With all those fans of samba-canção divas
feeling personally insulted by those percussive rhythms reminiscent of a
Brazilian black tradition that was not dear to the average Brazilian,
it has to be stressed that the bossa nova movement, and Wanderley within
it, had the role of affirming Brazilian identity in a broader cultural
industry which was developed out of the folkloric redoubts. In fact, he
also has an upbeat production full of that energy provided by his
distinctive staccato stuttering style, immediately reminiscent of
authentic Brazilian rhythmic and percussive impetus. He also improvised
extended melodic solos without reheated licks, but that was obviously
also left out of his most popular albums.
At
five, he was already playing the piano. At 12, he attended the Licee of
Arts for a year of theory classes, later studying harmony and
arranging. Beginning his professional career while still in Recife, a
most lively city with a vibrant cultural life, he worked every night
either at the piano or at the organ. At 26, in 1958, he moved to São
Paulo and immediately became an active player in nightclubs such as the
Claridge, the Captain's Bar, and Oásis. Wanderley's first recording was
in August 1959 for Odeon, with Carlos Lyra's "Lobo Bobo." Backing his
wife, Brazilian singer Isaurinha Garcia (with whom he had a daughter,
Monica), he recorded for the second time one month later. At that time,
he was Garcia's accompanist and arranger. He would record another six
LPs accompanying Garcia and another 19 solo albums in Brazil for several
labels; he was left out of some of the credits because of his contract
with Philips. Wanderley became known on the artistic scene for recording
young artists, like Marcos Valle, Tom Jobim, João Donato, and others,
until then with no expression out of the little nightclubs in which they
performed on a nightly basis. But as the tunes and arrangements were
fun to dance to, the albums sold very well. João Gilberto's João
Gilberto (later reissued as O Mito in Brazil and as The Legendary João
Gilberto in the U.S. in 1990 by World Pacific) from 1961 also had Walter
in it. An impatient Wanderley then bent under Gilberto's oppressive,
meticulous direction on March 10. That was the third album Gilberto was
recording for Odeon and would be the last. Until then, Gilberto had Tom
Jobim as pianist and Aluísio de Oliveira as producer. In spite of his
frequent discussions with de Oliveira, the producer was the person who
mediated Gilberto's hard relationship with Jobim. But de Oliveira had
left Odeon the previous September, and Jobim didn't want to be scheduled
for that recording. Gilberto, not knowing how to write music, insisted
on expressing his musical vision of overall arrangements by singing, and
that not only included the tones themselves, but the expression,
timbre, and articulation. This drove Wanderley mad, especially with a
certain sound effect of a boat's siren for "O Barquinho" ("Little
Boat"), which was never good enough for Gilberto. The next day, Gilberto
interrupted the recording of that album, only resuming it five months
later with Jobim as musical director. Wanderley went on with his career
and life, beginning an association with singer Claudette Soares in 1963,
as an arranger and accompanist. His marriage was broken at this period.
He also recorded for several renowned Brazilian singers in that time,
among them Dóris Monteiro and Geraldo Vandré. It was when Tony Bennett
saw Wanderley during a Brazilian tour and was taken by his playing. He
urged Wanderley to move to the U.S. and, he himself talked about him to
Verve Records producer Creed Taylor, also giving Taylor some of
Wanderley's albums. After some insistence, Taylor sent contracts for
Wanderley and his trio to record a single. So in 1966, they recorded
brothers Marcos and Paulo Sérgio Valle's "Samba de Verão" ("Summer
Samba"). It was an instant success, with radio stations playing it four
or five times per hour. In that same year, the LP Rain Forest came out,
also selling very well and was certified platinum (one million units
sold) in two years. The trio accompanied Astrud Gilberto on her A
Certain Smile, a Certain Sadness album, also in 1966. He would record
six more solo LPs or singles for Verve until the next year, and ten more
in his career in the U.S. He always sold well and had a full performing
schedule, in which local presentations at the San Francisco area were
interspersed with some tours to Mexico. He never did return to Brazil
after moving to the U.S. and he went on with his life until death caught
up with him.
Walter
Wanderley era un organista talentoso y dotado con un oído agudo para
las nuevas armonías. Con 46 discos en solitario grabados en toda su
carrera, tanto en Brasil como en Estados Unidos, alcanzó el número 26 en
las listas de éxitos de Billboard en septiembre de 1966, abriendo un
gran camino de éxito sólo amenazado por él mismo y su complejo
personaje. Diez años después de su muerte por cáncer, con una nueva moda
que se avecinaba, fue reempaquetado por la industria del
entretenimiento como un simple jugador de salón, llevando sus ventas de
discos aún más lejos y enviando el costo de sus álbumes agotados a la
estratosfera, pero todo a costa de minimizar su importancia. Se olvida
que el desfase temporal le perjudicó y que lo que hoy en día es música
de salón era entonces innovadora y revolucionaria. Con todos esos
fanáticos de las divas de la samba-canção sintiéndose personalmente
insultados por esos ritmos percusivos que recuerdan a una tradición
negra brasileña que no era querida por el brasileño promedio, hay que
subrayar que el movimiento bossa nova, y Wanderley dentro de él, tuvo el
papel de afirmar la identidad brasileña en una industria cultural más
amplia que se desarrolló a partir de los reductos folclóricos. De hecho,
también tiene una producción optimista llena de esa energía que le
proporciona su distintivo estilo de tartamudeo del staccato, que
recuerda inmediatamente el auténtico impulso rítmico y percusivo
brasileño. También improvisó solos melódicos extendidos sin lametones
recalentados, pero eso obviamente también fue dejado fuera de sus
álbumes más populares.
A
los cinco años, ya tocaba el piano. A los 12 años, asistió a la
Licenciatura de Artes durante un año de clases de teoría, para luego
estudiar armonía y arreglos. Comenzó su carrera profesional en Recife,
una ciudad muy animada con una vibrante vida cultural, donde trabajó
todas las noches, ya sea en el piano o en el órgano. A los 26 años, en
1958, se trasladó a São Paulo e inmediatamente se convirtió en un
jugador activo en clubes nocturnos como el Claridge, el Captain's Bar y
Oásis. La primera grabación de Wanderley fue en agosto de 1959 para
Odeon, con "Lobo Bobo" de Carlos Lyra. Apoyando a su esposa, la cantante
brasileña Isaurinha García (con quien tuvo una hija, Mónica), grabó por
segunda vez un mes después. En ese momento, era el acompañante y
arreglista de García. Grabaría otros seis LPs acompañando a García y
otros 19 álbumes en solitario en Brasil para varios sellos; fue excluido
de algunos de los créditos debido a su contrato con Philips. Wanderley
se dio a conocer en la escena artística por la grabación de jóvenes
artistas, como Marcos Valle, Tom Jobim, João Donato, y otros, hasta
entonces sin expresión alguna de los pequeños clubes nocturnos en los
que actuaban todas las noches. Pero como las canciones y los arreglos
eran divertidos para bailar, los álbumes se vendieron muy bien. João
Gilberto de João Gilberto (más tarde reeditado como O Mito en Brasil y
como The Legendary João Gilberto en los EE.UU. en 1990 por World
Pacific) de 1961 también tenía a Walter en él. Un Wanderley impaciente
se inclinó bajo la opresiva y meticulosa dirección de Gilberto el 10 de
marzo. Ese fue el tercer álbum que Gilberto estaba grabando para Odeon y
sería el último. Hasta entonces, Gilberto tenía a Tom Jobim como
pianista y a Aluísio de Oliveira como productor. A pesar de sus
frecuentes conversaciones con de Oliveira, el productor fue la persona
que mediaba en la dura relación de Gilberto con Jobim. Pero de Oliveira
había dejado Odeon el pasado septiembre, y Jobim no quería que se le
programara para esa grabación. Gilberto, sin saber escribir música,
insistió en expresar su visión musical de los arreglos globales a través
del canto, y eso no sólo incluía los tonos en sí mismos, sino también
la expresión, el timbre y la articulación. Esto volvió loco a Wanderley,
especialmente con un cierto efecto sonoro de la sirena de un barco para
"O Barquinho" ("El Barquito"), que nunca fue suficiente para Gilberto.
Al día siguiente, Gilberto interrumpió la grabación de ese disco y sólo
lo reanudó cinco meses después con Jobim como director musical.
Wanderley continuó con su carrera y su vida, comenzando una asociación
con la cantante Claudette Soares en 1963, como arreglista y acompañante.
Su matrimonio se rompió en este período. También grabó para varios
cantantes brasileños de renombre en esa época, entre ellos Dóris
Monteiro y Geraldo Vandré. Fue cuando Tony Bennett vio a Wanderley
durante una gira brasileña y se dejó llevar por su forma de tocar. Instó
a Wanderley a mudarse a los Estados Unidos y él mismo habló de él con
el productor de Verve Records, Creed Taylor, dándole también a Taylor
algunos de los discos de Wanderley. Después de alguna insistencia,
Taylor envió contratos para que Wanderley y su trío grabaran un
sencillo. Así que en 1966, grabaron a los hermanos Marcos y Paulo Sérgio
Valle "Samba de Verão" ("Samba de verano"). Fue un éxito instantáneo,
con estaciones de radio que lo tocaban cuatro o cinco veces por hora. En
ese mismo año, el LP Rain Forest salió a la venta, también se vendió
muy bien y fue certificado platino (un millón de unidades vendidas) en
dos años. El trío acompañó a Astrud Gilberto en su álbum A Certain
Smile, a Certain Sadness, también en 1966. Grabaría seis LPs o singles
más para Verve hasta el próximo año, y diez más en su carrera en los
Estados Unidos. Siempre se vendió bien y tenía un programa completo de
presentaciones, en el que las presentaciones locales en el área de San
Francisco se intercalaban con algunas giras a México. Nunca regresó a
Brasil después de mudarse a Estados Unidos y continuó con su vida hasta
que la muerte lo atrapó.
Elek Bacsik (22 May 1926 – 14 February 1993) was a Hungarian-born American jazz violinist and guitarist.
Bacsik was born in Budapest, the son of Arpad Bacsik and Erzsebet Pocsi.
He was of Romani ethnicity and studied violin at the Budapest
Conservatory, but found his primary musical inspiration in bebop
pioneers Dizzy Gillespie and Charlie Parker. He was also the cousin of
Django Reinhardt. In his early years he travelled as a musician to
Lebanon, Spain, Portugal and Italy. He worked in Paris in the early
1960s and recorded with some well known French musicians such as Jeanne
Moreau, Serge Gainsbourg and Claude Nougaro as well as making solo
albums. In 1966, he went to work and live in the United States and
played at Las Vegas. Bacsik recorded on guitar on Gillespie's Dizzy on
the French Riviera (1962) and later appeared on violin with Gillespie at
the Newport Jazz Festival in 1974. His bebop violin playing is featured
on his two albums as a leader, I Love You (1974) and Bird and Dizzy: A
Musical Tribute (1975).
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Elek Bacsik (22 de mayo de 1926 - 14 de febrero de 1993) fue un violinista y guitarrista de jazz americano nacido en Hungría.
Bacsik nació en Budapest, hijo de Arpad Bacsik y Erzsebet Pocsi. De
etnia romaní, estudió violín en el Conservatorio de Budapest, pero
encontró su principal inspiración musical en los pioneros del bebop
Dizzy Gillespie y Charlie Parker. También era primo de Django Reinhardt.
En sus primeros años viajó como músico al Líbano, España, Portugal e
Italia. Trabajó en París a principios de la década de 1960 y grabó con
algunos músicos franceses muy conocidos como Jeanne Moreau, Serge
Gainsbourg y Claude Nougaro, además de hacer álbumes en solitario. En
1966, se fue a trabajar y a vivir a los Estados Unidos y tocó en Las
Vegas. Bacsik grabó con la guitarra en Dizzy on the French Riviera de
Gillespie (1962) y más tarde apareció en el violín con Gillespie en el
Festival de Jazz de Newport en 1974. Su violín bebop aparece en sus dos
álbumes como líder, I Love You (1974) y Bird and Dizzy: A Musical
Tribute (1975).
Biography by Eugene Chadbourne Entering her nineties, Barbara Carroll could boast that she had been playing piano for over 85 years. Not without a pause to sleep and eat, obviously, but with a determination that might suggest such extremes. Born Barbara Carole Coppersmith, she began the instrument at only five years old and went on to classical training three years later, eventually graduating from the New England Conservatory. In terms of professional stagecraft, her initial training ground was a USO tour during World War II in which she was part of an all-girl trio. This was quickly followed by leading her own trio on New York City's famous lane of jazz, 52nd Street, where she adopted a variation of her middle name, Carole, as a stage name. The pianist was associated with such fine players as guitarist Chuck Wayne and bassist Clyde Lombardi, but what would develop into an extensive discography began in 1949 with a recording session backing up multi-instrumentalist Eddie Shu for the Rainbow label.
Among female piano players, Carroll was known as the first to venture into the progressive bebop style that was especially associated with Bud Powell. Unlike the infamous Billy Tipton, Carroll also did not think it was necessary to hide the fact that she was a woman in jazz -- but this was New York City, not Oklahoma or the state of Washington. Not that Carroll had an easy time in a genre dominated by men. "People tended to put you down before they ever heard you," she commented. "If you were a girl piano player, the tendency was to say: 'Oh, how could she possibly play?' You never even got a chance to present what you could do. But then, if you did prove yourself, it almost became a commercial asset, in a sense; you were regarded as unique."
One audience that found Carroll to their liking was the high society crowd, becoming enamored with her during an extended run at the ultra-chic Embers supper club. Her group at the latter venue included the bassist Joe Shulman, whom she married in 1954. Carroll did not ignore the pop styles of subsequent decades, yet always managed to keep a strong jazz flavor present in whatever material she performed. If swing was a bay leaf, it would be said that Carroll had a large bush growing right outside her kitchen window. She recorded for many of the best labels in the genre including Verve and Atlantic and continued to be in demand at clubs and cabarets into her nineties, playing a regular gig at Manhattan's Birdland venue until December 2016. Carroll also worked as an actress on occasion, such as the Broadway play entitled Me and Juliet. She died in February 2017 at the age of 92. https://www.allmusic.com/artist/barbara-carroll-mn0000788256/biography
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Biografía por Eugene Chadbourne A punto de cumplir los noventa, Barbara Carroll podía presumir de llevar más de 85 años tocando el piano. No sin hacer una pausa para dormir y comer, obviamente, pero con una determinación que podría sugerir tales extremos. Nacida con el nombre de Barbara Carole Coppersmith, empezó a tocar el instrumento con sólo cinco años y, tres años más tarde, recibió formación clásica y se graduó en el Conservatorio de Nueva Inglaterra. En el terreno profesional, su formación inicial fue una gira de la USO durante la II Guerra Mundial, en la que formó parte de un trío femenino. Rápidamente se puso al frente de su propio trío en el famoso carril del jazz de Nueva York, la calle 52, donde adoptó una variación de su segundo nombre, Carole, como nombre artístico. La pianista se asoció con músicos de la talla del guitarrista Chuck Wayne y el bajista Clyde Lombardi, pero lo que se convertiría en una extensa discografía comenzó en 1949 con una sesión de grabación como telonera del multiinstrumentista Eddie Shu para el sello Rainbow.
Entre las pianistas femeninas, Carroll era conocida por ser la primera en aventurarse en el estilo bebop progresivo que se asociaba especialmente con Bud Powell. A diferencia del infame Billy Tipton, Carroll tampoco creía necesario ocultar el hecho de que era una mujer en el jazz, pero esto era Nueva York, no Oklahoma ni el estado de Washington. Carroll no lo tuvo fácil en un género dominado por hombres. "La gente tendía a menospreciarte antes de escucharte", comenta. "Si eras una chica pianista, la tendencia era decir: 'Oh, ¿cómo es posible que toque? Ni siquiera tenías la oportunidad de demostrar lo que sabías hacer. Pero luego, si demostrabas lo que sabías hacer, casi se convertía en un activo comercial, en cierto sentido; te consideraban única".
Un público que encontró a Carroll de su agrado fue el de la alta sociedad, que se enamoró de ella durante una larga temporada en el ultra-chic club Embers. Su grupo en este último local incluía al bajista Joe Shulman, con quien se casó en 1954. Carroll no ignoró los estilos pop de décadas posteriores, pero siempre se las arregló para mantener un fuerte sabor a jazz en cualquier material que interpretara. Si el swing fuera una hoja de laurel, se diría que Carroll tenía un gran arbusto creciendo justo al lado de la ventana de su cocina. Grabó para muchos de los mejores sellos del género, como Verve y Atlantic, y siguió siendo solicitada en clubes y cabarets hasta los noventa, actuando regularmente en el local Birdland de Manhattan hasta diciembre de 2016. Carroll también trabajó como actriz en ocasiones, como en la obra de Broadway titulada Me and Juliet. Murió en febrero de 2017 a los 92 años. https://www.allmusic.com/artist/barbara-carroll-mn0000788256/biography
Review from AllMusic (by Ken Dryden): Bucky Pizzarelli salutes arranger Bill Challis, who was responsible for many of the most important charts played by the Jean Goldkette Orchestra and Paul Whiteman's Orchestra, along with helping transcribe the handful of compositions by legendary cornetist Bix Beiderbecke. In his eighties at the time of these sessions, the seven-string guitarist shows no signs of slowing down, joined by bassist Jerry Bruno and on a few tracks adding his son John on guitar or a swinging string quartet led by the talented young violinist Aaron Weinstein with string arrangements by Dick Lieb. Most of the repertoire includes music of the '20s and '30s, with two exceptions. Pizzarelli's original "Challis in Wonderland" is a lush, laid-back ballad saluting the arranger performed as a guitar duet, while Bob Haggart's timeless ballad "What's New" has long been a part of the leader's repertoire. Zez Confrey penned the obscure "Romanza," played as an intimate father/son duet. The trio's intricate reading of Beiderbecke's "In the Dark" is a lyrical masterpiece. Pizzarelli is buoyed by the strings in his breezy, toe-tapping rendition of Beiderbecke's "Davenport Blues," while the cornetist's "In a Mist" has long been a brilliant, expected solo feature for the guitarist at jazz parties. Weinstein switches to mandolin for a swinging setting of "Oh Baby" with the leader and Bruno. These rewarding sessions by Bucky Pizzarelli provide ample proof that the master guitarist keeps the spirits of Bix Beiderbecke and Bill Challis very much alive. https://www.allmusic.com/album/challis-in-wonderland-mw0002314734
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Resena de AllMusic (por Ken Dryden): Bucky Pizzarelli rinde homenaje al arreglista Bill Challis, responsable de algunos de los mas importantes arreglos interpretados por la Jean Goldkette Orchestra y la Paul Whiteman's Orchestra, ademas de haber ayudado a transcribir las composiciones del legendario cornetista Bix Beiderbecke. En sus ochenta anos al momento de estas sesiones, el guitarrista de siete cuerdas no da senales de detenerse, acompanado por el bajista Jerry Bruno y, en algunos tracks, por su hijo John en guitarra o por un swingueante cuarteto de cuerdas liderado por el talentoso violinista Aaron Weinstein con arreglos de Dick Lieb. La mayor parte del repertorio incluye musica de los anos 20 y 30, con dos excepciones. El original "Challis in Wonderland" de Pizzarelli es una balada exuberante y relajada que homenajea al arreglista, interpretada como duo de guitarras, mientras que la eterna balada "What's New" de Bob Haggart ha sido parte del repertorio del lider desde hace mucho tiempo. Zez Confrey escribio la poco conocida "Romanza", interpretada como un intimo duo padre/hijo. La intrincada lectura del trio de "In the Dark" de Beiderbecke es una obra maestra de la lirica. Pizzarelli se apoya en las cuerdas en su alegre y animada version del "Davenport Blues" de Beiderbecke, mientras que "In a Mist" del cornetista ha sido durante mucho tiempo un brillante numero en solitario del guitarrista en las jazz parties. Weinstein cambia al mandolin para una version swinguera de "Oh Baby" con el lider y Bruno. Estas gratificantes sesiones de Bucky Pizzarelli son prueba fehaciente de que el maestro guitarrista mantiene muy vivos los espiritus de Bix Beiderbecke y Bill Challis. https://www.allmusic.com/album/challis-in-wonderland-mw0002314734
An all-strings swing session with a Gallic twist, this trio offering
from three vets is enjoyable enough to make you think the “standards”
concept isn’t entirely played out yet. At least for an hour or so.
Certainly there’s no sign that fiddler Michele Ramo, guitarist Bucky
Pizzarelli and bassist Jerry Bruno have grown tired of playing the tunes
gathered here, though one suspects these cozy performances were more
inspired by chemistry and camaraderie than by repertory. Suffice to say
that there are no surprises here, tunewise. In addition to the title
track, the Gershwins are represented by “They Can’t Take That Away From
Me” (which moves from rubato melody and arpeggiated accompaniment into
4/4 chordal propulsion); Rodgers and Hart by “Have You Met Miss Jones?”
(another out-of-tempo showcase for Ramo’s lyrical fiddle until
Pizzarelli pushes the tune into gear); Hoagy Carmichael by “Stardust”
(mostly slow and soulful but enlivened by Pizzarelli’s strumming); and
Johnny Mandel by “A Time for Love” (the album’s haunting coda).
Django Reinhardt’s legacy, however, looms large. He had a hand in
composing three of the pieces on the CD-“Nuages, “Tears” and “Mélodie au
Crépuscule.” Not surprisingly, all rank among the album’s highlights,
particularly the last, with Ramo and Pizzarelli evoking the Stéphane
Grappelli-Reinhardt pairing with aplomb and affection. All the while,
Bruno underscores the melodies and rhythms with a resonant tone or a
swinging pulse, completing this portrait of pre-war jazz.
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Una sesión de swing de todas las cuerdas con un giro galo, esta oferta
de tres veterinarios de tres tríos es lo suficientemente agradable como
para hacerte pensar que el concepto de "estándares" no está
completamente implementado todavía. Al menos por una hora más o menos.
Ciertamente, no hay ninguna señal de que la violinista Michele Ramo, el
guitarrista Bucky Pizzarelli y el bajista Jerry Bruno se hayan cansado
de tocar las melodías reunidas aquí, aunque uno sospecha que estas
actuaciones acogedoras están más inspiradas en la química y la
camaradería que en el repertorio. Basta con decir que aquí no hay
sorpresas, por cierto. Además de la pista del título, los Gershwins
están representados por "No pueden quitar eso de mí" (que se mueve desde
la melodía de rubato y el acompañamiento arpegiado a la propulsión
cordal 4/4); Rodgers y Hart de "¿Has conocido a la señorita Jones?"
(Otro escaparate fuera de ritmo para el violín lírico de Ramo hasta que
Pizzarelli empuja la melodía); Hoagy Carmichael por "Stardust" (en su
mayoría lento y conmovedor, pero animado por el rasgueo de Pizzarelli); y
Johnny Mandel por "A Time for Love" (la coda inquietante del álbum).
El legado de Django Reinhardt, sin embargo, cobra gran importancia.
Participó en la composición de tres de las piezas del CD: “Nuages,“
Tears ”y“ Mélodie au Crépuscule ”. No es sorprendente que todos se
encuentren entre los aspectos más destacados del álbum, particularmente
el último, con Ramo y Pizzarelli evocando a Stéphane Grappelli-
Reinhardt emparejamiento con aplomo y cariño. Al mismo tiempo, Bruno
subraya las melodías y los ritmos con un tono resonante o un pulso
oscilante, completando este retrato del jazz de preguerra.
Pizzarelli was faceless for most of his 75-year career, working with big
bands, television ensembles, session musicians, and vocalists’
orchestras. When he was nearly 50 the guitarist began to gain a
reputation with the public, getting notice first for a duo act with
fellow guitarist George Barnes and then on his own, either leading his
own bands or playing solo guitar.
He was a pioneer in jazz for his use of the seven-string guitar, which
allowed him to play bass parts simultaneously with understated chords
and single-note lines. The unusual instrument aside, he was known for
his tasteful style, with chord-based solos that nodded more to rhythm
guitarists like Freddie Green (whom he cited as his major influence)
than melodists like Wes Montgomery.
Asked in his mid-eighties by writer George Cole about his approach to
music, Pizzarelli replied, “Every day I get up and I try to correct what
I screwed up the night before!”
John Paul Pizzarelli was born January 9, 1926 in Paterson, New Jersey.
His parents, John and Amelia DiDomenico Pizzarelli, owned a grocery
store—although his father had previously been a ranch hand in Texas and
was obsessed with cowboys. He nicknamed his baby son “Buckskin,” which
was shortened to Bucky and stuck for life.
Two of Pizzarelli’s uncles played guitar and banjo, and young Bucky
decided to be a musician when he saw his uncle Bobby, the guitarist,
working in big bands (and making big money despite the Great
Depression). He began playing the guitar himself when he was nine, with
his uncles as his first teachers.
Outside his family, Pizzarelli’s musical models were Green, Django
Reinhardt, and two guitarists associated with Benny Goodman: Charlie
Christian, the first great electric guitarist in jazz, and George Van
Eps, the first to play a seven-string guitar. Through these gateways,
Pizzarelli became a deep scholar of jazz guitar, able to outline its
history and key players chapter and verse.
At 17, he joined singer Vaughn Monroe’s dance band and went on the road.
After only a few months, however, he was drafted into the U.S. Army
infantry, seeing action in Germany and Austria in the few months before
the end of the European phase of World War II. He went to the
Philippines to mobilize for an invasion of Japan—which, because of the
atomic bombs dropped on Hiroshima and Nagasaki, never came. After his
1946 discharge, he rejoined Monroe.
Pizzarelli went in 1952 to NBC Television, working in the orchestra for
singer Kate Smith’s program. When that ended, he joined pop band the
Three Suns for two years, then became a New York session
player—appearing, uncredited, on massive hit records such as Dion and
the Belmonts’ “A Teenager in Love,” Ray Charles’ “Georgia on My Mind,”
and Ben E. King’s “Stand By Me.”
He returned in 1964 to NBC, where he became the guitarist in the Tonight
Show band. In 1972, when the show’s production moved to Los Angeles,
Pizzarelli stayed behind. He had already formed a duo with guitarist
George Barnes, winning considerable acclaim and a sizable following at
the Playboy Club. (They also performed a much-lauded concert at Town
Hall in 1971, later released as an album on Columbia Records.) After
breaking with Barnes, Pizzarelli started playing solo gigs and became a
success. He soon began recording regularly as a leader.
In 1980, Pizzarelli and his son John, a guitarist and vocalist, began a
four-week residency at the Pierre Hotel in New York. It was the
beginning of a 40-year collaboration between father and son, who made
numerous records together and toured frequently, sometimes with other
players but more often just as a duo. Pizzarelli also worked over the
years with another son, bassist Martin, and his daughter, Mary, yet
another (classical) guitarist.
In addition to Benny Goodman, with whom Pizzarelli worked regularly from
1966 until Goodman’s death in 1986, his high-profile gigs included two
performances at the White House under Ronald Reagan—one for the
president of Italy, the other for the King of Jordan—and a third under
Bill Clinton, as well as a performance at former First Lady Pat Nixon’s
birthday party. In 2012, he (and son John) appeared on Paul McCartney’s
standards album Kisses on the Bottom.
Bucky Pizzarelli, a celebrated guitarist whose collaborators ranged from
Vaughn Monroe and Benny Goodman to Ben E. King and Paul McCartney, died
April 1 at his home in Saddle River, New Jersey. He was 94.
His death was announced by his son John Pizzarelli, another frequent
collaborator, who said that the cause of death was coronavirus, with
which the elder Pizzarelli had been diagnosed on March 29.
Pizzarelli no tuvo rostro durante la mayor parte de su carrera de 75
años, trabajando con grandes bandas, conjuntos de televisión, músicos de
sesión y orquestas de vocalistas. Cuando tenía casi 50 años, el
guitarrista comenzó a ganarse una reputación entre el público,
consiguiendo que le llamaran la atención primero un dúo con su colega
George Barnes y luego por su cuenta, dirigiendo sus propias bandas o
tocando la guitarra en solitario.
Fue pionero en el jazz por su uso de la guitarra de siete cuerdas, que
le permitió tocar partes de bajo simultáneamente con acordes discretos y
líneas de una sola nota. Aparte de este inusual instrumento, era
conocido por su estilo de buen gusto, con solos basados en acordes que
asentían más a guitarristas rítmicos como Freddie Green (a quien citaba
como su mayor influencia) que a melodistas como Wes Montgomery.
Cuando el escritor George Cole le preguntó a mediados de los ochenta
sobre su enfoque de la música, Pizzarelli respondió: "Todos los días me
levanto e intento corregir lo que he estropeado la noche anterior".
John Paul Pizzarelli nació el 9 de enero de 1926 en Paterson, Nueva
Jersey. Sus padres, John y Amelia DiDomenico Pizzarelli, eran dueños de
una tienda de comestibles, aunque su padre había sido anteriormente un
ranchero en Texas y estaba obsesionado con los vaqueros. Apodó a su hijo
pequeño "Buckskin", que se acortó a Bucky y se quedó para toda la vida.
Dos de los tíos de Pizzarelli tocaban la guitarra y el banjo, y el joven
Bucky decidió ser músico cuando vio a su tío Bobby, el guitarrista,
trabajando en grandes bandas (y ganando mucho dinero a pesar de la Gran
Depresión). Empezó a tocar la guitarra él mismo cuando tenía nueve años,
con sus tíos como sus primeros maestros.
Fuera de su familia, los modelos musicales de Pizzarelli eran Green,
Django Reinhardt, y dos guitarristas asociados con Benny Goodman:
Charlie Christian, el primer gran guitarrista eléctrico del jazz, y
George Van Eps, el primero en tocar una guitarra de siete cuerdas. A
través de estas puertas, Pizzarelli se convirtió en un profundo erudito
de la guitarra de jazz, capaz de esbozar su historia y los capítulos y
versos de los músicos clave.
A los 17 años, se unió a la banda de baile del cantante Vaughn Monroe y
se fue de gira. Después de sólo unos meses, sin embargo, fue reclutado
por la infantería del ejército de los Estados Unidos, viendo la acción
en Alemania y Austria en los pocos meses antes del final de la fase
europea de la Segunda Guerra Mundial. Fue a Filipinas para movilizarse
para una invasión al Japón que, debido a las bombas atómicas lanzadas
sobre Hiroshima y Nagasaki, nunca llegó. Después de su baja en 1946, se
reincorporó a Monroe.
Pizzarelli fue en 1952 a la televisión NBC, trabajando en la orquesta
para el programa de la cantante Kate Smith. Cuando eso terminó, se unió a
la banda de pop Three Suns durante dos años, y luego se convirtió en un
intérprete de sesiones de Nueva York, apareciendo, sin crédito, en
grandes éxitos como "A Teenager in Love" de Dion y los Belmonts,
"Georgia on My Mind" de Ray Charles, y "Stand By Me" de Ben E. King.
Regresó en 1964 a la NBC, donde se convirtió en el guitarrista de la
banda Tonight Show. En 1972, cuando la producción del show se trasladó a
Los Ángeles, Pizzarelli se quedó atrás. Ya había formado un dúo con el
guitarrista George Barnes, ganando una considerable aclamación y un
considerable número de seguidores en el Club Playboy. (También dieron un
muy aplaudido concierto en el Town Hall en 1971, más tarde lanzado como
un álbum en Columbia Records). Después de romper con Barnes, Pizzarelli
empezó a dar conciertos en solitario y se convirtió en un éxito. Pronto
comenzó a grabar regularmente como líder.
En 1980, Pizzarelli y su hijo John, guitarrista y vocalista, comenzaron
una residencia de cuatro semanas en el Hotel Pierre de Nueva York. Fue
el comienzo de una colaboración de 40 años entre padre e hijo, que
hicieron numerosos discos juntos y salieron de gira con frecuencia, a
veces con otros músicos pero más a menudo sólo como dúo. Pizzarelli
también trabajó a lo largo de los años con otro hijo, el bajista Martin,
y su hija, Mary, otra guitarrista (clásica).
Además de Benny Goodman, con quien Pizzarelli trabajó regularmente desde
1966 hasta la muerte de Goodman en 1986, sus actuaciones de alto perfil
incluyeron dos actuaciones en la Casa Blanca bajo la dirección de
Ronald Reagan - una para el presidente de Italia, la otra para el Rey de
Jordania - y una tercera bajo la dirección de Bill Clinton, así como
una actuación en la fiesta de cumpleaños de la ex Primera Dama Pat
Nixon. En 2012, él (y su hijo John) aparecieron en el álbum de Paul
McCartney Kisses on the Bottom.
Bucky Pizzarelli, un célebre guitarrista cuyos colaboradores iban desde
Vaughn Monroe y Benny Goodman hasta Ben E. King y Paul McCartney, murió
el 1 de abril en su casa de Saddle River, Nueva Jersey. Tenía 94 años.
Su muerte fue anunciada por su hijo John Pizzarelli, otro frecuente
colaborador, quien dijo que la causa de la muerte fue un coronavirus,
con el que el anciano Pizzarelli había sido diagnosticado el 29 de
marzo.
The Pizzarelli family treasured musical gatherings at home from the time the patriarch was just starting to play guitar, where he learned a lot from his two uncles about playing rhythm guitar. Long an accomplished sideman, soloist, and bandleader, Bucky Pizzarelli has performed and recorded with his sons John and Martin on a number of occasions over the years, while John has had Martin as the bassist in his group for a number of years. But this is the first family recording date with all three present and not a larger supporting cast, except for drummer Tony Tedesco, who is so well known to them he is considered family. But this time around, it is John playing electric lead guitar, with his father sticking to playing acoustic rhythm guitar. The songs selected date back many decades to the early days of the swing era and earlier. The breezy treatment of "Alabamy Bound" suggest a train barreling down the tracks, while a wave of nostalgia is awash in the swinging setting of "In the Good Old Summertime" and the upbeat western swing setting of "Red Wing." The one new composition is "Night on Garrett Mountain," an extended blues evidently conjured up during the recording session. It's obvious that the many jam sessions held at Uncle Pete's paid numerous musical dividends, with the listener reaping the rewards.
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Reseña de Ken Dryden
La familia Pizzarelli atesoraba las reuniones musicales en casa desde que el patriarca empezó a tocar la guitarra, donde aprendió mucho de sus dos tíos sobre cómo tocar la guitarra rítmica. Bucky Pizzarelli, un consumado sideman, solista y líder de banda, ha tocado y grabado con sus hijos John y Martin en varias ocasiones a lo largo de los años, mientras que John ha tenido a Martin como bajista en su grupo durante varios años. Pero esta es la primera fecha de grabación familiar con los tres presentes y no con un gran elenco de apoyo, excepto el baterista Tony Tedesco, que es tan conocido por ellos que se le considera de la familia. Pero esta vez, es John tocando la guitarra eléctrica, con su padre pegado a la guitarra rítmica acústica. Las canciones seleccionadas se remontan a muchas décadas atrás, a los primeros días de la era del swing y antes. El tratamiento despreocupado de "Alabamy Bound" sugiere un tren que se desliza por las vías, mientras que una ola de nostalgia inunda el ambiente de swing de "In the Good Old Summertime" y el optimista ambiente de swing del oeste de "Red Wing". La única composición nueva es "Night on Garrett Mountain", un blues extendido evidentemente evocado durante la sesión de grabación. Es obvio que las muchas jam sessions celebradas en Uncle Pete's pagaron numerosos dividendos musicales, con el oyente cosechando las recompensas.
Review by Ken Dryden The music within this two-CD set by Bucky Pizzarelli consists of several different sessions that initially appeared on separate Stash LPs and CDs before being combined for this collection. The first 22 tracks are taken from solo seven-string electric guitar sessions recorded in 1981 and 1986. His lyrical, strolling interpretation of "The Folks Who Live on the Hill," plus brilliant performances of two Bix Beiderbecke compositions ("Flashes" and "Candlelight") and a lush take of "'Round Midnight" are but a few of the many highlights. Both dates are virtual master classes for solo jazz guitarists. He's also joined by his talented son, John Pizzarelli, for 23 duets on seven-string guitar, mostly songs from the swing era, including a hard-charging "Love for Sale," an intricate "Nuages," and a sparkling "In a Mellow Tone." But there are surprises, including a delicate interpretation of Stephen Sondheim's ballad "Pretty Women" (from the musical Sweeney Todd) and Chick Corea's masterpiece "Spain" (inspired by Rodrigo's Guitar Concerto). Father and son were hardly strangers playing together, even at this relatively early point in the younger man's career; they comp one another beautifully. Unfortunately, the packaging of this two-CD reissue is severely flawed. Not only are both artists' photos given a bizarre coloring that make them look like post-nuclear war mutants, but they're shown playing guitar left-handed. In addition, all of the songs from disc one are actually on disc two, and vice versa, and the composer credits are omitted. But such sloppy work by the label shouldn't prevent fans of Bucky and John Pizzarelli from picking up this musically excellent release on Jazz Classics. https://www.allmusic.com/album/release/solos-duets-mr0001366794
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Reseña de Ken Dryden La música de este conjunto de dos CDs de Bucky Pizzarelli consiste en varias sesiones diferentes que aparecieron inicialmente en LPs y CDs separados de Stash antes de ser combinados para esta colección. Las primeras 22 pistas proceden de sesiones de guitarra eléctrica de siete cuerdas grabadas en 1981 y 1986. Su lírica y paseante interpretación de "The Folks Who Live on the Hill", además de brillantes interpretaciones de dos composiciones de Bix Beiderbecke ("Flashes" y "Candlelight") y una exuberante toma de "'Round Midnight" son sólo algunos de los muchos momentos destacados. Ambas fechas son virtuales clases magistrales para guitarristas de jazz solistas. También se le une su talentoso hijo, John Pizzarelli, para 23 dúos de guitarra de siete cuerdas, la mayoría canciones de la era del swing, como la enérgica "Love for Sale", la intrincada "Nuages" y la chispeante "In a Mellow Tone". Pero hay sorpresas, como una delicada interpretación de la balada de Stephen Sondheim "Pretty Women" (del musical Sweeney Todd) y la obra maestra de Chick Corea "Spain" (inspirada en el Concierto para guitarra de Rodrigo). Padre e hijo no eran extraños tocando juntos, incluso en este punto relativamente temprano de la carrera del más joven; se compenetran maravillosamente. Desgraciadamente, el embalaje de esta reedición en dos CD es muy defectuoso. No sólo las fotos de ambos artistas están coloreadas de una forma extraña que les hace parecer mutantes de la posguerra nuclear, sino que además aparecen tocando la guitarra con la mano izquierda. Además, todas las canciones del primer disco están en el segundo, y viceversa, y se omiten los créditos de los compositores. Pero esta chapuza de la discográfica no debería impedir que los fans de Bucky y John Pizzarelli se hagan con este excelente disco de Jazz Classics. https://www.allmusic.com/album/release/solos-duets-mr0001366794
Master guitarist Bucky Pizzarelli offers 20 short, patient solo pieces played on his seven-string, acoustic, Benedetto, plectrum, archtop, hollow-bodied, double f-hole instrument. They reflect the style and compositions of early pioneers Carl Kress, Eddie Lang, and George VanEps, and emphasize that Pizzarelli was, and still is in the company of these peers, mentors, and historic figures. A flamenco tinge is unmistakable on the first two numbers, Kress' "Helena" and the Lang written title cut. Then a classical, no-time feeling comes about on the regret filled three part Kress suite "Afterthoughts." By "The End of a Love Affair" Pizzarelli's guitar is weeping and moaning. George M. Smith is another figurehead in this tradition and he gets his due on "Slow Burning," as does Django Reinhardt for "Tears." More classical sounding selections as Kress' "Love Song" make way for tunes with some tempo, like the two beat Pizzarelli original "Indy Annie," based on "Back Home Again in Indiana," the upbeat Kress number "Sutton Mutton," and the slower VanEps chestnut "Squattin' at the Grotto." Pizzarelli tosses in a polka-like, cat quick single line with chordal accented tribute to bassist Slam Stewart "Slamerino," a technical marvel. Concluding the program are more swinging displays like Kress' "Peg Leg Shuffle," Bucky's hard driving "Stompin' for Boz," and the slicker "Silk City Blues." Pizzarelli's sound should be put on the commodities market and sold as a public offering. This music is much more precious than bars of gold. Only the lack of a rhythm section might detract more listeners from getting next to this beautifully conceived work. Those who don't need bass and drums surely will treasure this regardless.
John Paul "Bucky" Pizzarelli (January 9, 1926 – April 1, 2020) was an American jazz guitarist.
He was the father of jazz guitarist John Pizzarelli and double bassist Martin Pizzarelli. He worked for NBC as a staffman for Dick Cavett (1971) and ABC with Bobby Rosengarden in (1952). The list of musicians he collaborated with includes Benny Goodman, Les Paul, Stéphane Grappelli, and Antônio Carlos Jobim. Pizzarelli cited as influences Django Reinhardt, Freddie Green, and George Van Eps
Early life : Pizzarelli was born on January 9, 1926, in Paterson, New Jersey. He learned to play guitar and banjo at a young age. His uncles, Pete and Bobby Domenick, were professional musicians, and sometimes the extended family would gather at one of their homes with their guitars for jam sessions. Pizzarelli cited as an inspiration Joe Mooney, a blind accordion player who led a quartet that included Pizzarelli's uncle, Bobby Domenick.During high school, Pizzarelli was the guitarist for a small band that performed classical music.
Career : Pizzarelli began his professional career at 17 when he joined the Vaughn Monroe dance band in 1944.
In 1952 Pizzarelli became a staff musician for NBC, playing with Skitch Henderson.In 1964, he became a member of The Tonight Show Band on The Tonight Show Starring Johnny Carson. During his time spent performing for the Tonight Show, he accompanied guest bands and musicians playing through a variety of musical genres, including playing with Tiny Tim (after tuning the performer's ukulele) on the day that Tiny Tim married Miss Vicki on Carson's show.
From 1956 to 1957, Pizzarelli used the stage name "Johnny Buck" and performed with The Three Suns pop music trio. He toured several times with Benny Goodman until Goodman's death in 1986. During the following year, he and guitarist George Barnes formed a duo and recorded two albums, including a live performance in August 1971, at The Town Hall in New York City. Beginning in the 1970s, he began recording as a leader, issuing many tributes to musicians of the 1930s. He performed with Benny Goodman at the White House in Washington, D.C., and he performed for presidents Ronald Reagan, Bill Clinton,and First Lady Pat Nixon.
"Jersey Jazz Guitars" was the name of a 1985 concert held at the Rutgers University Nicholas Music Center in New Brunswick, New Jersey. The ticket featured Pizzarelli, Les Paul, Tal Farlow, and Pizzarelli's son, John. The concert was aired on New Jersey's public radio station as part of their three-part New Jersey Summerfare Series. Pizzarelli and Les Paul had performed together before, as they were neighbors and friends. The show aired for one hour in August 1985, with son John adding his vocals on two selections.
Pizzarelli continued to play into his 90s, making several appearances even after a stroke in 2016, officially retiring after a final brief appearance with Michael Feinstein in 2018.
Guitars : Pizzarelli's first guitar was an archtop Gibson, an expensive instrument at the time. He played a Benedetto Bucky Pizzarelli Signature seven-string guitar made by Robert Benedetto, who also makes guitars for Howard Alden and Frank Vignola. He learned to play the seven-string from George Van Eps.The extra string on Pizzarelli's guitar provided him with a bass line during performances. Pizzarelli also played a custom seven-string American archtop guitar made by luthier Dale Unger, who also makes custom guitars for Pizzarelli's partner, Ed Laub.
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El maestro guitarrista Bucky Pizzarelli ofrece 20 cortos y pacientes solos tocados en su instrumento de siete cuerdas, acústico, Benedetto, púa, arco, cuerpo hueco, doble f. Reflejan el estilo y las composiciones de los primeros pioneros Carl Kress, Eddie Lang y George VanEps, y enfatizan que Pizzarelli estuvo y sigue estando en compañía de estos compañeros, mentores y figuras históricas. Un matiz flamenco es inconfundible en los dos primeros números, la "Helena" de Kress y el corte del título escrito por Lang. Luego un sentimiento clásico, sin tiempo, aparece en la suite de tres partes de Kress "After Thoughts". En "El fin de una aventura amorosa" la guitarra de Pizzarelli llora y se queja. George M. Smith es otra figura de esta tradición y se le debe en "Slow Burning", al igual que a Django Reinhardt por "Tears". Selecciones de sonidos más clásicos como "Love Song" de Kress dan paso a melodías con cierto tempo, como la original de Pizzarelli "Indy Annie", basada en "Back Home Again in Indiana", el optimista número de Kress "Sutton Mutton", y el más lento de los VanEps "Squattin' at the Grotto". Pizzarelli lanza una línea rápida como la de una polca, con acento en los acordes, en homenaje al bajista Slam Stewart "Slamerino", una maravilla técnica. Concluyendo el programa hay más exhibiciones de swing como "Peg Leg Shuffle" de Kress, "Stompin' for Boz" de Bucky, y el más elegante "Silk City Blues". El sonido de Pizzarelli debería ser puesto en el mercado de materias primas y vendido como una oferta pública. Esta música es mucho más valiosa que los lingotes de oro. Sólo la falta de una sección rítmica podría distraer a más oyentes de acercarse a esta obra bellamente concebida. Aquellos que no necesiten el bajo y la batería seguramente atesorarán esto a pesar de todo.
John Paul "Bucky" Pizzarelli (9 de enero de 1926 - 1 de abril de 2020) era un guitarrista de jazz americano.
Era el padre del guitarrista de jazz John Pizzarelli y del contrabajista Martin Pizzarelli. Trabajó para la NBC como empleado de Dick Cavett (1971) y para la ABC con Bobby Rosengarden (1952). La lista de músicos con los que colaboró incluye a Benny Goodman, Les Paul, Stéphane Grappelli y Antônio Carlos Jobim. Pizzarelli citó como influencias a Django Reinhardt, Freddie Green, y George Van Eps
La vida temprana : Pizzarelli nació el 9 de enero de 1926 en Paterson, Nueva Jersey. Aprendió a tocar la guitarra y el banjo a una edad temprana. Sus tíos, Pete y Bobby Domenick, eran músicos profesionales, y a veces la familia extendida se reunía en una de sus casas con sus guitarras para las jam sessions. Pizzarelli citó como inspiración a Joe Mooney, un acordeonista ciego que dirigía un cuarteto que incluía al tío de Pizzarelli, Bobby Domenick. Durante la secundaria, Pizzarelli fue el guitarrista de una pequeña banda que tocaba música clásica.
Carrera: Pizzarelli comenzó su carrera profesional a los 17 años cuando se unió a la banda de baile de Vaughn Monroe en 1944.
En 1952 Pizzarelli se convirtió en un músico de plantilla de la NBC, tocando con Skitch Henderson. En 1964, se convirtió en miembro de la banda del Tonight Show en el Tonight Show protagonizado por Johnny Carson. Durante el tiempo que pasó actuando para el Tonight Show, acompañó a bandas invitadas y músicos que tocaban en una variedad de géneros musicales, incluyendo tocar con Tiny Tim (después de afinar el ukelele del intérprete) el día que Tiny Tim se casó con la Srta. Vicki en el show de Carson.
De 1956 a 1957, Pizzarelli usó el nombre artístico "Johnny Buck" y actuó con el trío de música pop The Three Suns. Hizo varias giras con Benny Goodman hasta la muerte de Goodman en 1986. Durante el año siguiente, él y el guitarrista George Barnes formaron un dúo y grabaron dos álbumes, incluyendo una actuación en vivo en agosto de 1971, en el Town Hall de la ciudad de Nueva York. A partir de la década de 1970, comenzó a grabar como líder, rindiendo muchos homenajes a los músicos de la década de 1930. Actuó con Benny Goodman en la Casa Blanca en Washington, D.C., y actuó para los presidentes Ronald Reagan, Bill Clinton y la Primera Dama Pat Nixon.
"Jersey Jazz Guitars" fue el nombre de un concierto celebrado en 1985 en el Centro de Música Nicholas de la Universidad de Rutgers en New Brunswick, Nueva Jersey. La entrada incluía a Pizzarelli, Les Paul, Tal Farlow, y el hijo de Pizzarelli, John. El concierto se transmitió en la estación de radio pública de Nueva Jersey como parte de su serie de tres conciertos de verano de Nueva Jersey. Pizzarelli y Les Paul habían actuado juntos antes, ya que eran vecinos y amigos. El programa se emitió durante una hora en agosto de 1985, con el hijo John añadiendo sus voces en dos selecciones.
Pizzarelli continuó tocando hasta los 90 años, haciendo varias apariciones incluso después de un derrame cerebral en 2016, retirándose oficialmente después de una breve aparición final con Michael Feinstein en 2018.
Guitarras : La primera guitarra de Pizzarelli fue una Gibson de arco, un instrumento muy caro en ese momento. Tocaba una guitarra de siete cuerdas Benedetto Bucky Pizzarelli Signature hecha por Robert Benedetto, quien también hace guitarras para Howard Alden y Frank Vignola. Aprendió a tocar las siete cuerdas de George Van Eps. La cuerda extra de la guitarra de Pizzarelli le proporcionó una línea de bajo durante las actuaciones. Pizzarelli también tocaba una guitarra americana de siete cuerdas hecha por el luthier Dale Unger, que también hace guitarras personalizadas para el socio de Pizzarelli, Ed Laub.
Review by Michael P. Gladstone (All About Jazz): These sessions appeared on Campbell's own Paddlewheel Records, which was a subsidiary of the Japanese King label. They were released in the United States on Evidence. At that time, Royce Campbell was approached regarding a new project that would team the guitarist with five leading jazz plectrists of his choice. The resulting album, 6 X 6, featuring Campbell in performance with John Abercrombie, Larry Coryell, Pat Martino, Bucky Pizzarelli and Dave Stryker, was released in 1994 in Japan and later in Europe to critical praise. One decade later, the album is finally being made available in the US, retitled Six By Six. Each of the guest guitarists is given two tracks apiece with, essentially, their own bassist and drummer, and Royce Campbell is the second guitarist on each of the selections, providing rhythm and the opportunity to trade fours with the respective players. https://www.allaboutjazz.com/six-by-six-royce-campbell-moon-cycle-review-by-michael-p-gladstone
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Reseña de Michael P. Gladstone (All About Jazz) - Traducción: Estas sesiones aparecieron en el sello propio de Campbell, Paddlewheel Records, que era una subsidiaria del sello japonés King. Fueron lanzadas en los Estados Unidos por Evidence. En ese momento, Royce Campbell fue contactado con respecto a un nuevo proyecto que uniría al guitarrista con cinco destacados plectristas de jazz de su elección. El álbum resultante, 6 X 6, con Campbell en actuación con John Abercrombie, Larry Coryell, Pat Martino, Bucky Pizzarelli y Dave Stryker, fue lanzado en 1994 en Japón y posteriormente en Europa con elogios de la crítica. Una década después, el álbum finalmente está siendo puesto a disposición en los EE. UU., retitulado Six By Six. A cada uno de los guitarristas invitados se le dan dos pistas cada uno con, esencialmente, su propio bajista y baterista, y Royce Campbell es el segundo guitarrista en cada una de las selecciones, proporcionando ritmo y la oportunidad de intercambiar cuartos con los respectivos músicos. https://www.allaboutjazz.com/six-by-six-royce-campbell-moon-cycle-review-by-michael-p-gladstone
Rex Allen was born in Pittsburgh, PA and grew up in the San Francisco Bay Area. His father Charles was an amateur drummer and follower of early big bands in New York City. "He indoctrinated me with old Ellington and Armstrong records when I was five," according to Rex. "I never had a chance to discover Rock 'n Roll - but why eat oatmeal when you can have steak?"
At the age of 24, he was a featured jazz trombone soloist with the Tommy Dorsey Orchestra in 1977. During 1978 to 1980,
Rex toured with Yank Lawson and Bob Haggart's World's Greatest Jazz Band ("a dream come true working with my idols"), and was a member of the Bob Crosby Bob Cats from 1979 thru 1987. He led the new Gene Krupa Orchestra for for six years. Rex is active as a producer and participant in many national concert tours, including The Big Bands Festival of the Fabulous 40's - a 61-city tour. Rex was the leader in the 75-city National Tour of A Salute to Glenn Miller in 1993, with the Modernaires, Dick Haymes, Jr and Beryl Davis.
Rex produces the Tommy Dorsey Swinging Years Show with singing star Connie Haines, and has shared stages with Lionel Hampton, Helen Forrest, Helen O'Connell, Phil Harris, Milt Hinton, and the Pied Pipers.
Rex Allen's America Swings Again radio show airs weekly on KNOB radio in San Francisco.
He is a frequent guest star or member of all-star groups at jazz parties and festivals including The Sacramento Jazz Jubilee, Indianapolis' Jazz Artists Musicale, Chicago's Big Horn Festival and the Los Angeles Classic.
The hot quintet Rex Allen's Swing Express has recorded four albums, including one from its 1994 tour of Germany, and a KJAZ radio air date form the band's long engagement at the Claremont Hotel in Oakland, CA
Leonard Feather in the Los Angeles Times called him "A splendid trombonist," and PSA Magazine said Rex Allen is "one of the brightest young stars of Jazz."
Rex believes that "people want to hear music from the heart, and I think that's what Dixieland and Swing are all about - it's timeless music that's just as fresh and alive as it was 40 and 50 years ago!" The Mississippi Rag notes: "When he says that the best years of jazz lie ahead and that we need a revitalization rather than a repeat, the power he puts behind those words makes one want to lead the crusade." http://www.trombone-usa.com/allen_rex_bio.htm
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Rex Allen nació en Pittsburgh, Pensilvania y creció en el área de la Bahía de San Francisco. Su padre Charles era un baterista aficionado y seguidor de las primeras grandes bandas de la ciudad de Nueva York. "Me adoctrinó con viejos discos de Ellington y Armstrong cuando tenía cinco años", según Rex. "Nunca tuve la oportunidad de descubrir el Rock and Roll, pero ¿por qué comer avena cuando puedes comer bistec?"
A la edad de 24 años, fue solista destacado de trombón de jazz con la Orquesta Tommy Dorsey en 1977. Durante 1978 a 1980,
Rex estuvo de gira con Yank Lawson y Bob Haggart's World's Greatest Jazz Band ("un sueño hecho realidad trabajando con mis ídolos"), y fue miembro de Bob Crosby Bob Cats desde 1979 hasta 1987. Dirigió la nueva Orquesta Gene Krupa durante seis años. Rex es productor activo y participa en muchas giras nacionales de conciertos , incluido el Festival de Grandes Bandas de los Fabulosos años 40, una gira por 61 ciudades. Rex fue el líder en la gira nacional de 75 ciudades de A Salute to Glenn Miller en 1993, con The Modernaires, Dick Haymes, Jr y Beryl Davis.
Rex produce el espectáculo Tommy Dorsey Swinging Years con la estrella cantante Connie Haines, y ha compartido escenarios con Lionel Hampton, Helen Forrest, Helen O'Connell, Phil Harris, Milt Hinton y the Pied Pipers.
El programa de radio America Swings Again de Rex Allen se transmite semanalmente en KNOB radio en San Francisco.
Es una estrella invitada frecuente o miembro de grupos de estrellas en fiestas y festivales de jazz, incluido Sacramento Jazz Jubilee, Jazz Artists Musicale de Indianápolis, Big Horn Festival de Chicago y Los Angeles Classic.
El quinteto caliente Rex Allen's Swing Express ha grabado cuatro álbumes, incluido uno de su gira de 1994 por Alemania, y una fecha de emisión en la radio KJAZ forman el largo compromiso de la banda en el Hotel Claremont en Oakland, California.
Leonard Feather en Los Angeles Times lo llamó "Un trombonista espléndido", y PSA Magazine dijo que Rex Allen es "una de las estrellas jóvenes más brillantes del Jazz."
Rex cree que " la gente quiere escuchar música desde el corazón, y creo que de eso se trata Dixieland y Swing: ¡es música atemporal que está tan fresca y viva como hace 40 y 50 años! El Trapo de Mississippi señala: "Cuando dice que los mejores años del jazz están por venir y que necesitamos una revitalización en lugar de repetirlos, el poder que pone detrás de esas palabras hace que uno quiera liderar la cruzada." http://www.trombone-usa.com/allen_rex_bio.htm
''These two jazz giants met for a duet recording session with the resulting sides released in 1976. This startling document of two swing era stylists joining forces has been re-issued on Classic Jazz Records as ''Zoot Sims With Bucky Pizzarelli.'' Both men are on full and total display, as the sparse nature of a duet leaves no room to hide. The two seem to act as one and certainly need no rhythm section to swing hard. Sims and Pizzarelli run through a program of mostly familiar tunes. ''What is This Thing Called Love'' and ''There Will Never Be Another You'' are handled in medium/up tempo swing. Pizzarelli sets the feel for each performance. Sims delivers the melodies in a clean, pure tone, full of warmth and vibrato. Pizzarelli comps energetically behind him and takes strong unaccompanied solos. The blues is well represented with such tunes as ''Tooz Blues'' and ''Mynah Blooze.'' Pizzarelli lays into some slick guitar riffs throughout the latter. Both men are clearly in their element with the traditional song form. Sims' ballad tone is full and rich and he delivers a gentle melody like no other. ''Watch What Happens'' and ''Willow Weep For Me'' are fine examples -- the latter featuring the only non-sax or guitar sound, with a gentle ringing of chimes. The final two tunes, ''Take Ten'' and ''Not So Deep,'' are both medium swing numbers. Again, Sins delivers the melodies while Pizzarelli comps sympathetically and both men follow with strong improvisations. ''Zoot Sims with Bucky Pizzarelli'' is a wonderful tribute to two men who were able to retain their swing roots while still sounding fresh and alive. This music was recorded during the height of the ''funky-jazz'' fusion styles and amidst the new sounds of synthesizers and electronic keyboards. While the instrumentation and the style are from a much older era, the musicality is as fresh and new as jazz from the swing era, the fusion era, or today's contemporary music. Good is good -- young, old, or anywhere in between.'' Dave Miele --''Jazz Improv NY'' 02/09
Tenor-saxophonist Zoot Sims's ''friend'' on this LP is guitarist Bucky Pizzarelli and together they perform eight highly enjoyable duets although, at under 32 minutes, this album is overly brief. However what is here is excellent with the highlights including ''What Is This Thing Called Love,'' ''Take Ten'' and ''There Will Never Be Another You.'' Scott Yanow --All Music Guide
Tenor saxist Zoot Sims swung like very few others. Blessed with a warm tone, he could breath life into almost any song. Joining forces with four-to-the-bar soulmate and 7 string guitarist Bucky Pizzarelli, Sims croons like Tony Bennett through just under 40 minutes on this joyful 78 session. The Spartan surroundings actually frees up the musicians as these gents coax each other on uptempo tunes like There Will Never Be Another You, while squeezing out every ounce of from the succulent Watch What Happens and Willow Weep For Me. Can anyone around do it like this anymore? George Harris --Jazz Weekly
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Reseña:
"Estos dos gigantes del jazz se reunieron para una sesión de grabación a dúo con los lados resultantes lanzados en 1976. Este sorprendente documento de dos estilistas de la era del swing uniendo fuerzas ha sido reeditado en Classic Jazz Records como "Zoot Sims Con Bucky Pizzarelli."Ambos hombres están en exhibición total y total, ya que la naturaleza escasa de un dúo no deja espacio para esconderse. Los dos parecen actuar como uno y ciertamente no necesitan una sección rítmica para balancearse con fuerza. Sims y Pizzarelli ejecutan un programa de melodías en su mayoría familiares. "What is This Thing Called Love" y "There Will Never Be Another You" se manejan en swing de tempo medio/alto. Pizzarelli establece la sensación de cada actuación. Sims ofrece las melodías en un tono limpio y puro, lleno de calidez y vibrato. Pizzarelli compila enérgicamente detrás de él y toma fuertes solos sin acompañamiento. El blues está bien representado con melodías como "Tooz Blues" y " Mynah Blooze."Pizzarelli se basa en algunos riffs de guitarra elegantes en todo este último. Ambos hombres están claramente en su elemento con la forma de canción tradicional. El tono de balada de Sims es completo y rico y ofrece una melodía suave como ninguna otra. "Watch What Happens" y "Willow Weep For Me" son buenos ejemplos; este último presenta el único sonido que no es de saxo o guitarra, con un suave repique de campanas. Las dos últimas melodías, "Take Ten" y "Not So Deep", son números de swing medio. Nuevamente, Sins entrega las melodías mientras Pizzarelli compensa con simpatía y ambos hombres siguen con fuertes improvisaciones. "Zoot Sims con Bucky Pizzarelli" es un maravilloso tributo a dos hombres que pudieron conservar sus raíces swing sin dejar de sonar frescos y vivos. Esta música fue grabada durante el apogeo de los estilos de fusión "funky-jazz" y en medio de los nuevos sonidos de sintetizadores y teclados electrónicos. Si bien la instrumentación y el estilo son de una época mucho más antigua, la musicalidad es tan fresca y nueva como el jazz de la era del swing, la era de la fusión o la música contemporánea de hoy. Lo bueno es bueno young joven, viejo o en cualquier punto intermedio.'' Dave Miele Impro "Improvisación de jazz NY" 02/09
El "amigo" del saxofonista tenor Zoot Sims en este LP es el guitarrista Bucky Pizzarelli y juntos interpretan ocho duetos muy agradables aunque, con menos de 32 minutos, este álbum es demasiado breve. Sin embargo, lo que está aquí es excelente con los aspectos más destacados que incluyen " ¿Qué Es Esto Llamado Amor?", "Toma Diez" y " Nunca Habrá Otro Tú.'' Scott Yanow All Toda la Guía de Música
El saxofonista tenor Zoot Sims se balanceó como muy pocos. Bendecido con un tono cálido, podía dar vida a casi cualquier canción. Uniendo fuerzas con Bucky Pizzarelli, su alma gemela de cuatro y guitarrista de 7 cuerdas, Sims canta como Tony Bennett durante poco menos de 40 minutos en esta alegre sesión de 78. El entorno espartano en realidad libera a los músicos mientras estos caballeros se persuaden mutuamente con melodías rápidas como si Nunca Hubiera Otro Tú, mientras exprimen hasta el último gramo de la suculenta Watch What Happens y Willow Weep For Me. ¿Alguien por ahí puede hacerlo más así? George Harris Jazz Jazz Semanal
