Kenny Dorham • Jazz Contemporary

 

Biography
by Ron Wynn
Kenny Dorham had a deeply moving, pure tone on trumpet; his sound was clear, sharp, and piercing, especially during ballads. He could spin out phrases and lines, but when he slowly and sweetly played the melody it was an evocative event. Dorham was a gifted all-round trumpeter, but seldom showcased his complete skills, preferring an understated, subtle approach. Unfortunately, he never received much publicity, and though a highly intelligent, thoughtful individual who wrote insightful commentary on jazz, he's little more than a footnote to many fans.

Dorham studied and played trumpet, tenor sax, and piano. He was a bandmember in high school and college; a college bandmate was Wild Bill Davis. Dorham started during the swing era, but was recruited by Dizzy Gillespie and Billy Eckstine to join their bands in the mid-'40s. He even sang blues with Gillespie's band. He recorded with the Be Bop Boys on Savoy in 1946. After short periods with Lionel Hampton and Mercer Ellington, Dorham joined Charlie Parker's group in 1948, staying there until 1949. He did sessions in New York during the early and mid-'50s, making his recording debut as a leader on Charles Mingus and Max Roach's Debut label in 1953. He then cut Afro-Cuban for Blue Note with Cecil Payne, Hank Mobley, and Horace Silver in 1955.

Dorham was a founding member of Art Blakey's Jazz Messengers in 1954, and also led a short-lived similar band, the Jazz Prophets. Dorham played on the soundtrack of A Star Is Born in 1954, then spent two years with Max Roach from 1956 to 1958. There were dates for Riverside in the late '50s with Paul Chambers, Tommy Flanagan, and Art Taylor, plus other sessions with ABC-Paramount, three volumes for Blue Note done live at the Cafe Bohemia, and an intriguing but uneven session with John Coltrane and Cecil Taylor, Coltrane Time, in 1958.

Dorham taught at the Lenox School of Jazz in 1958 and 1959, and wrote scores for the films Les Liaisons Dangereuses and Un Témoin dans la Ville in 1959. During the mid-'60s, he co-led a band with tenor saxophonist Joe Henderson that was shamefully neglected. There were such classic Blue Note releases as Whistle Stop, Una Mas, and Trumpet Toccata. Dorham made one album for Cadet in 1970, Kenny Dorham Sextet, with Muhal Richard Abrams. He died in 1972. Several of his Blue Note albums have been reissued, while his Prestige and Riverside dates have come out in sporadic fashion, some in two-record samplers. Other material for Pacific Jazz, United Artists, Steeplechase, Xanadu, and Time isn't as widely available.
https://www.allmusic.com/artist/kenny-dorham-mn0000768027/biography

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Biografía
por Ron Wynn
Kenny Dorham tenía un tono profundamente conmovedor y puro en la trompeta; su sonido era claro, agudo y penetrante, especialmente durante las baladas. Podía hilar frases y líneas, pero cuando tocaba la melodía lenta y dulcemente era un acontecimiento evocador. Dorham era un trompetista polifacético y dotado, pero rara vez mostraba toda su habilidad, prefiriendo un enfoque discreto y sutil. Desgraciadamente, nunca recibió mucha publicidad y, aunque era una persona muy inteligente y reflexiva que escribía comentarios perspicaces sobre el jazz, es poco más que una nota a pie de página para muchos aficionados.

Dorham estudió y tocó la trompeta, el saxo tenor y el piano. Fue miembro de una banda en el instituto y en la universidad; un compañero de banda en la universidad fue Wild Bill Davis. Dorham empezó en la época del swing, pero fue reclutado por Dizzy Gillespie y Billy Eckstine para unirse a sus bandas a mediados de los años 40. Incluso cantó blues con la banda de Gillespie. Grabó con los Be Bop Boys en Savoy en 1946. Tras breves periodos con Lionel Hampton y Mercer Ellington, Dorham se unió al grupo de Charlie Parker en 1948, donde permaneció hasta 1949. Realizó sesiones en Nueva York a principios y mediados de los años 50, y debutó como líder en el sello Debut de Charles Mingus y Max Roach en 1953. Luego grabó Afro-Cuban para Blue Note con Cecil Payne, Hank Mobley y Horace Silver en 1955.

Dorham fue miembro fundador de los Jazz Messengers de Art Blakey en 1954, y también dirigió una banda similar de corta duración, los Jazz Prophets. Dorham tocó en la banda sonora de Ha nacido una estrella en 1954, y luego pasó dos años con Max Roach, de 1956 a 1958. A finales de los años 50, grabó para Riverside con Paul Chambers, Tommy Flanagan y Art Taylor, además de otras sesiones con ABC-Paramount, tres volúmenes para Blue Note realizados en directo en el Cafe Bohemia y una intrigante pero irregular sesión con John Coltrane y Cecil Taylor, Coltrane Time, en 1958.

Dorham dio clases en la Lenox School of Jazz en 1958 y 1959, y escribió partituras para las películas Les Liaisons Dangereuses y Un Témoin dans la Ville en 1959. A mediados de los años 60, codirigió una banda con el saxofonista tenor Joe Henderson que fue vergonzosamente descuidada. Hubo lanzamientos clásicos de Blue Note como Whistle Stop, Una Mas y Trumpet Toccata. Dorham grabó un álbum para Cadet en 1970, Kenny Dorham Sextet, con Muhal Richard Abrams. Murió en 1972. Se han reeditado varios de sus álbumes para Blue Note, mientras que sus fechas para Prestige y Riverside han salido a la luz de forma esporádica, algunas en samplers de dos discos. Otros materiales para Pacific Jazz, United Artists, Steeplechase, Xanadu y Time no están tan disponibles.
https://www.allmusic.com/artist/kenny-dorham-mn0000768027/biography

Kenny Dorham • Quiet Kenny

 

Review
by Michael G. Nastos
In the liner notes of Quiet Kenny, former Downbeat magazine publisher Jack Maher states that trumpeter Kenny Dorham's music is not necessarily the demure, balladic, rapturous jazz one might associate as romantic or tranquil. Cool and understated might be better watchwords for what the ultra-melodic Dorham achieves on this undeniably well crafted set of standards and originals that is close to containing his best work overall during a far too brief career. Surrounded by an excellent rhythm team of the equally sensitive pianist Tommy Flanagan, emerging bassist Paul Chambers, and the always-beneficial drummer Art Taylor, Dorham and his mates are not prone to missteps or overt exaggerations. One of Dorham's all-time best tunes "Lotus Blossom" kicks off the set with its bop to Latin hummable melody, fluid dynamics, and Dorham's immaculate, unpretentious tone. "Old Folks," a classic ballad, is done mid-tempo, while the true "quiet" factor comes into play on interesting version of "My Ideal" where Dorham gingerly squeezes out the slippery wet notes, and on the sad ballad "Alone Together." The rest of the material is done in easygoing, unforced fashion, especially the originals "Blue Friday" and the simple swinger "Blue Spring Shuffle" which is not really a shuffle. Never known as a boisterous or brash player, but also not a troubadour of romanticism -- until he started singing -- Dorham's music is also far from complacent, and this recording established him as a Top Five performer in jazz on his instrument. It comes recommended to all.
https://www.allmusic.com/album/quiet-kenny-mw0000649483

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Reseña
por Michael G. Nastos
En las notas de Quiet Kenny, el antiguo editor de la revista Downbeat, Jack Maher, afirma que la música del trompetista Kenny Dorham no es necesariamente el jazz recatado, baladístico y arrebatador que uno podría asociar como romántico o tranquilo. Fresco y discreto podrían ser mejores palabras para lo que el ultra-melódico Dorham logra en este conjunto de estándares y originales innegablemente bien elaborados que está cerca de contener su mejor trabajo en general durante una carrera demasiado breve. Rodeado por un excelente equipo rítmico formado por el igualmente sensible pianista Tommy Flanagan, el emergente bajista Paul Chambers y el siempre beneficioso baterista Art Taylor, Dorham y sus compañeros no son propensos a cometer errores o exageraciones manifiestas. Uno de los mejores temas de Dorham de todos los tiempos, "Lotus Blossom", da el pistoletazo de salida al conjunto con su melodía tarareable en clave latina, su dinámica fluida y el tono inmaculado y sin pretensiones de Dorham. "Old Folks", una balada clásica, se hace a medio tiempo, mientras que el verdadero factor "tranquilo" entra en juego en la interesante versión de "My Ideal", donde Dorham exprime con cautela las resbaladizas notas húmedas, y en la triste balada "Alone Together". El resto del material está hecho de forma fácil y no forzada, especialmente los originales "Blue Friday" y el sencillo swinger "Blue Spring Shuffle" que no es realmente un shuffle. Nunca se le conoció como un intérprete bullicioso o descarado, pero tampoco como un trovador del romanticismo -hasta que empezó a cantar- la música de Dorham también está lejos de ser complaciente, y esta grabación lo estableció como un intérprete del Top 5 del jazz en su instrumento. Se recomienda a todos.
https://www.allmusic.com/album/quiet-kenny-mw0000649483

Thelonious Monk • The Very Best

 

Hank Mobley • Curtain Call

 

Review by Lee Bloom
Today we can only speculate as to why so many Blue Note sessions were not originally issued. Blue Note founder/producer Alfred Lion, known to be punctilious in upholding a very high standard for his product, sometimes felt that a particular session was not worthy of public release. While neither the playing nor writing is quite at the level of Mobley's 1960 critically acclaimed Soul Station (Blue Note 4031), "Curtain Call" is nevertheless a fine effort; yet it was only made available in 1984 by Toshiba EMI in Japan. Kenny Dorham, who like Mobley had worked in Max Roach's group, is featured on trumpet. (Dorham and Mobley had also recorded together on an earlier Mobley session for the Prestige label.) Highlights include the ballad "Deep in a Dream," which was to be re-recorded four years later with Ike Quebec for inclusion on Sonny Clark's great Leapin' and Lopin' LP. Hank's originals "Curtain Call" and "The Mobe" are sprightly and likable bop lines. Despite an occasional tendency for Mobley's relaxed articulation to sound a bit languorous, his playing is generally enjoyable, and his writing exhibits character, maturity, and a uniquely rhythmic approach to crafting memorable melodies.
https://www.allmusic.com/album/curtain-call-mw0000370566

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Reseña de Lee Bloom
Hoy en día sólo podemos especular sobre por qué tantas sesiones de Blue Note no se publicaron originalmente. El fundador y productor de Blue Note, Alfred Lion, conocido por ser puntilloso a la hora de mantener un nivel muy alto para su producto, a veces consideraba que una sesión en particular no merecía ser publicada. Aunque ni la forma de tocar ni la de componer están al nivel del aclamado Soul Station (Blue Note 4031) de Mobley de 1960, "Curtain Call" es, no obstante, un buen trabajo; sin embargo, sólo estuvo disponible en 1984 por Toshiba EMI en Japón. Kenny Dorham, que al igual que Mobley había trabajado en el grupo de Max Roach, toca la trompeta. (Dorham y Mobley también habían grabado juntos en una sesión anterior de Mobley para el sello Prestige). Destaca la balada "Deep in a Dream", que sería regrabada cuatro años más tarde con Ike Quebec para su inclusión en el gran LP Leapin' and Lopin' de Sonny Clark. Los originales de Hank, "Curtain Call" y "The Mobe", son líneas de bop ágiles y agradables. A pesar de una tendencia ocasional a que la articulación relajada de Mobley suene un poco lánguida, su forma de tocar es generalmente agradable, y su escritura exhibe carácter, madurez y un enfoque rítmico único para crear melodías memorables.
https://www.allmusic.com/album/curtain-call-mw0000370566


 

VA • New Blue Horns

 

At the time this music was released on Riverside, the six performances of blues by trumpeters had not been issued before. It was reissued on this album as part of the OJC series and since that time some of these selections have appeared as "bonus cuts" along with the other numbers recorded at the same sessions. However this album is worth getting, for it has excellent performances by Clark Terry (who uses pianist Thelonious Monk as one of his sidemen on "Fluegelin' the Blues"), Blue Mitchell, Nat Adderley, Kenny Dorham and two by Chet Baker. ~ Scott Yanow

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Cuando esta música se publicó en Riverside, las seis interpretaciones de blues a cargo de trompetistas no se habían publicado antes. Se reeditó en este álbum como parte de la serie OJC y, desde entonces, algunas de estas selecciones han aparecido como "cortes extra" junto con los demás temas grabados en las mismas sesiones. Sin embargo, vale la pena adquirir este álbum, ya que cuenta con excelentes interpretaciones de Clark Terry (quien cuenta con el pianista Thelonious Monk como uno de sus acompañantes en "Fluegelin' the Blues"), Blue Mitchell, Nat Adderley, Kenny Dorham y dos de Chet Baker. ~ Scott Yanow

Tadd Dameron • Fontainebleau

Biography

Tadd Dameron as a composer and arranger was the man who in the 1940s and ‘50s was among the first to use the sometimes raw and undisciplined devices of the then- new style of jazz called bebop in well-developed arrangements for big bands and small groups. Perhaps more than any other musician, Dameron added form to the then-emerging style of bop.

Born in Cleveland in 1917, Dameron grew up with music all around him, his mother first taught him to play piano, “not to read, but by memory.” But, it was Dameron’s older brother, Caesar, a saxophonist, who got his brother interested in jazz by listening to the records of the big bands of the 1930’s like Fletcher Henderson, Duke Ellington, and the Casa Loma band that was playing unique arrangements at the time.

Cleveland jazz musician Andy Anderson said he first heard Dameron in the 1930s when Caesar brought his kid brother to a nightclub, and asked if the boy could sit in with the Snake White Band. Anderson said he was amazed when Tadd started playing piano. Anderson said, “He’s got ten fingers and all of them went down on the keys and all of them were on different notes. You didn’t expect to hear anything like that.”

Before long, a Central High School friend, trumpeter Freddie Webster, persuaded Dameron to join his band playing in Cleveland. By 1938 at the age of 21, he began to write arrangements for a band that had been formed in Cleveland by James Jeter and Hayes Pillars. In 1940, Dameron went on the road with bands led by Zack Whyte and Blanche Calloway and went to New York with Vito Musso’s band. When Musso’s band folded, he went to Kansas City where he composed and arranged for Harlan Leonard’s Rockets. Among his compositions for the Leonard band were “400 Swing,” “Rock and Ride” and “A La Bridges.” At this point in his life, Dameron was writing almost pure swing. There was no evidence yet of the modern sounds he would later pioneer.

https://musicians.allaboutjazz.com/tadddameron

Artist Biography

The definitive arranger/composer of the bop era, Tadd Dameron wrote such standards as "Good Bait," "Our Delight," "Hot House," "Lady Bird," and "If You Could See Me Now." Not only did he write melody lines, but full arrangements, and he was an influential force from the mid-'40s on even though he never financially prospered. Dameron started out in the swing era touring with the Zack Whyte and Blanche Calloway bands, he wrote for Vido Musso in New York and most importantly, contributed arrangements for Harlan Leonard's Kansas City Orchestra, some of which were recorded. Soon Dameron was writing charts for such bands as Jimmie Lunceford, Count Basie, Billy Eckstine, and Dizzy Gillespie (1945-1947) in addition to Sarah Vaughan. Dameron was always very modest about his own piano playing but he did gig with Babs Gonzales' Three Bips & a Bop in 1947 and led a sextet featuring Fats Navarro (and later Miles Davis) at the Royal Roost during 1948-1949.

Dameron co-led a group with Davis at the 1949 Paris Jazz Festival, stayed in Europe for a few months (writing for Ted Heath), and then returned to New York. He wrote for Artie Shaw's last orchestra that year, played and arranged R&B for Bull Moose Jackson (1951-1952) and in 1953 led a nonet featuring Clifford Brown and Philly Joe Jones. Drug problems, however, started to get in the way of his music. After recording a couple of albums (including 1958's Mating Call with John Coltrane) he spent much of 1959-1961 in jail. After he was released, Dameron wrote for Sonny Stitt, Blue Mitchell, Milt Jackson, Benny Goodman and his last record but was less active in the years before his death from cancer. Tadd Dameron's classic Blue Note recordings of 1947-48, his 1949 Capitol sides and Prestige/Riverside sets of 1953, 1956, 1958, and 1962 are all currently in print on CD.

by Scott Yanow

https://www.allmusic.com/artist/tadd-dameron-mn0000016759/biography

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Biografía

Tadd Dameron como compositor y arreglista fue el hombre que en los años 40 y 50 fue uno de los primeros en utilizar los dispositivos a veces crudos e indisciplinados del entonces nuevo estilo de jazz llamado bebop en arreglos bien desarrollados para grandes bandas y grupos pequeños. Tal vez más que cualquier otro músico, Dameron añadió forma al entonces emergente estilo del bop.

Nacido en Cleveland en 1917, Dameron creció con la música a su alrededor, su madre le enseñó por primera vez a tocar el piano, "no para leer, sino de memoria". Pero fue el hermano mayor de Dameron, César, un saxofonista, quien hizo que su hermano se interesara por el jazz escuchando los discos de las grandes bandas de los años 30 como Fletcher Henderson, Duke Ellington, y la banda de Casa Loma que tocaba arreglos únicos en ese momento.

El músico de jazz de Cleveland Andy Anderson dijo que escuchó a Dameron por primera vez en los años 30 cuando César llevó a su hermano menor a un club nocturno, y le preguntó si el chico podía estar con la Snake White Band. Anderson dijo que se sorprendió cuando Tadd comenzó a tocar el piano. Anderson dijo: "Tiene diez dedos y todos bajaron en las teclas y todos estaban en notas diferentes. No esperabas escuchar algo así".

Poco después, un amigo de la Escuela Secundaria Central, el trompetista Freddie Webster, convenció a Dameron de que se uniera a su banda para tocar en Cleveland. En 1938, a la edad de 21 años, comenzó a escribir arreglos para una banda que se había formado en Cleveland por James Jeter y Hayes Pillars. En 1940, Dameron se fue de gira con bandas lideradas por Zack Whyte y Blanche Calloway y se fue a Nueva York con la banda de Vito Musso. Cuando la banda de Musso se retiró, fue a Kansas City donde compuso y arregló para Harlan Leonard's Rockets. Entre sus composiciones para la banda de Leonard estaban "400 Swing", "Rock and Ride" y "A La Bridges". En este punto de su vida, Dameron estaba escribiendo casi puro swing. Aún no había evidencia de los sonidos modernos que más tarde sería pionero.

https://musicians.allaboutjazz.com/tadddameron

Biografía del artista

El arreglista/compositor definitivo de la era bop, Tadd Dameron escribió estándares como "Good Bait", "Our Delight", "Hot House", "Lady Bird" y "If You Could See Me Now". No sólo escribió líneas de melodía, sino arreglos completos, y fue una fuerza influyente a partir de mediados de los 40, aunque nunca prosperó financieramente. Dameron empezó en la era del swing haciendo giras con las bandas de Zack Whyte y Blanche Calloway, escribió para Vido Musso en Nueva York y lo más importante, contribuyó con arreglos para la Orquesta de Kansas City de Harlan Leonard, algunos de los cuales fueron grabados. Pronto Dameron estaba escribiendo listas de éxitos para bandas como Jimmie Lunceford, Count Basie, Billy Eckstine y Dizzy Gillespie (1945-1947) además de Sarah Vaughan. Dameron siempre fue muy modesto en cuanto a su manera de tocar el piano, pero actuó con Three Bips & a Bop de Babs Gonzales en 1947 y dirigió un sexteto con Fats Navarro (y más tarde con Miles Davis) en el Royal Roost durante 1948-1949.

Dameron codirigió un grupo con Davis en el Festival de Jazz de París de 1949, permaneció en Europa durante unos meses (escribiendo para Ted Heath), y luego regresó a Nueva York. Escribió para la última orquesta de Artie Shaw ese año, tocó y arregló R&B para Bull Moose Jackson (1951-1952) y en 1953 dirigió un noneto con Clifford Brown y Philly Joe Jones. Los problemas de drogas, sin embargo, empezaron a interponerse en el camino de su música. Después de grabar un par de álbumes (incluyendo Mating Call de 1958 con John Coltrane) pasó gran parte de 1959-1961 en la cárcel. Después de ser liberado, Dameron escribió para Sonny Stitt, Blue Mitchell, Milt Jackson, Benny Goodman y su último disco, pero fue menos activo en los años anteriores a su muerte por cáncer. Las grabaciones clásicas de Tadd Dameron, Blue Note, de 1947-48, sus lados del Capitol de 1949 y los sets de Prestige/Riverside de 1953, 1956, 1958 y 1962 están actualmente en CD.

por Scott Yanow

https://www.allmusic.com/artist/tadd-dameron-mn0000016759/biography

Thelonious Monk • The Best Of Remastered

 

VA • High Fidelity Jazz-Blues Jazz

 

Baby Face Willette, Benny Green, Dexter Gordon, Freddie Hubbard, Grant Green, Hank Mobley, Horace Silver, Jimmy Smith, Lou Donaldson ...

 

 

 

Art Blakey & The Jazz Messengers • At The Cafe Bohemia

 

 

artblakey.com ...

Jackie McLean • Jackie McLean Quintet

 

Biography
John Lenwood (Jackie) McLean was an alto saxophonist, composer, bandleader and educator, born in New York City.

His father, John Sr., who died in 1939, played guitar in Tiny Bradshaw's orchestra. After his father's death, his musical education was continued by his godfather, by his stepfather, who owned a record store, and by several noted teachers. He also received informal tutoring from neighbours Thelonious Monk, Bud Powell, and Charlie Parker. During high school he played in a band with Kenny Drew, Sonny Rollins, and Andy Kirk Jr. (the tenor saxophonist son of Andy Kirk).

He recorded with Miles Davis, on Davis' Dig album, when he was 19 years old. Rollins played on the same album. As a young man McLean also recorded with Gene Ammons, Charles Mingus, andGeorge Wallington, and as a member of Art Blakey's Jazz Messengers (he reportedly joined the Jazz Messengers after being punched by the notoriously violent Mingus and, fearing for his life, stabbing him in self-defence). His early recordings as leader were in the hard bop school. He later became an exponent of modal jazz without abandoning his foundation in hard bop. Throughout his career he was known for his distinctive tone (often described with such adjectives as withering, piercing, or searing), his slightly sharp pitch, and a strong foundation in blues.

McLean was a heroin addict throughout his early career, and the resulting loss of his New York City cabaret licence forced him to undertake a large number of recording dates; consequently, he produced a large body of recorded work in the 1950s and 60s. He was under contract with Blue Note Records from 1959 to 1967, having previously recorded for Prestige. Blue Note offered better pay and more artistic control than other labels, and his work for Blue Note is highly regarded.

In 1962 he recorded Let Freedom Ring for Blue Note. This album was the culmination of attempts he had made over the years to deal with harmonic problems in jazz, especially in soloing on his piece "Quadrangle." (*"Quadrangle" appears on BST 4051, Jackie's Bag, recorded in 1959). Let Freedom Ring began a period in which he performed with avant-garde musicians rather than the veteran hard bop performers he had been playing with. His recordings from 1962 on, in which he adapted the innovations of modal and free jazz to hard bop, made his body of work distinctive.

In 1964, he served six months in prison on drug charges. The period immediately after his release from prison is known as his acid period because the three albums he released during it were much harsher in tone than his previous albums.

In 1967, his recording contract, like those of many other progressive musicians, was terminated by Blue Note's new management. His opportunities to record promised so little pay that he abandoned recording as a way to earn a living, concentrating instead on touring. In 1968, he began teaching at The Hartt School of the University of Hartford. He later set up the university's African American Music Department (now the Jackie McLean Institute of Jazz) and its Jazz Studies degree program.

In 1970, he and his wife, Dollie, founded the Artists' Collective, Inc. of Hartford, an organization dedicated to preserving the art and culture of the African diaspora. It provides educational programs and instruction in dance, theatre, music and visual arts.

He received an American Jazz Masters fellowship from the National Endowment for the Arts in 2001.

His stepson René is a jazz saxophonist and flautist as well as a jazz educator.

After a long illness, McLean died on March 31, 2006, in Hartford, Connecticut.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jackie-mclean/

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 Biografía
John Lenwood (Jackie) McLean fue un saxofonista alto, compositor, director de orquesta y educador, nacido en la ciudad de Nueva York.

Su padre, John Sr., fallecido en 1939, tocaba la guitarra en la orquesta de Tiny Bradshaw. Tras la muerte de su padre, su educación musical fue continuada por su padrino, por su padrastro, propietario de una tienda de discos, y por varios profesores de renombre. También recibió clases informales de sus vecinos Thelonious Monk, Bud Powell y Charlie Parker. Durante el instituto tocó en una banda con Kenny Drew, Sonny Rollins y Andy Kirk Jr. (el saxofonista tenor hijo de Andy Kirk).

Grabó con Miles Davis, en el álbum Dig de Davis, cuando tenía 19 años. Rollins tocó en el mismo álbum. De joven, McLean también grabó con Gene Ammons, Charles Mingus y George Wallington, y como miembro de los Jazz Messengers de Art Blakey (al parecer, se unió a los Jazz Messengers después de recibir un puñetazo del notoriamente violento Mingus y, temiendo por su vida, apuñalarle en defensa propia). Sus primeras grabaciones como líder pertenecían a la escuela del hard bop. Más tarde se convirtió en un exponente del jazz modal sin abandonar su base en el hard bop. A lo largo de su carrera fue conocido por su tono característico (a menudo descrito con adjetivos como fulminante, penetrante o abrasador), su tono ligeramente agudo y una sólida base de blues.

McLean fue adicto a la heroína al principio de su carrera, y la consiguiente pérdida de su licencia de cabaret en Nueva York le obligó a realizar un gran número de grabaciones; en consecuencia, produjo una gran cantidad de trabajos discográficos en los años cincuenta y sesenta. Entre 1959 y 1967 firmó un contrato con Blue Note Records, tras haber grabado anteriormente para Prestige. Blue Note le ofrecía mejores salarios y más control artístico que otros sellos, y su trabajo para Blue Note goza de gran prestigio.

En 1962 grabó Let Freedom Ring para Blue Note. Este álbum fue la culminación de los intentos que había hecho a lo largo de los años para tratar los problemas armónicos en el jazz, especialmente en el solo de su pieza "Quadrangle". (*"Quadrangle" aparece en BST 4051, Jackie's Bag, grabado en 1959). Let Freedom Ring inició un periodo en el que actuó con músicos de vanguardia en lugar de con los veteranos intérpretes de hard bop con los que había estado tocando. Sus grabaciones a partir de 1962, en las que adaptó las innovaciones del jazz modal y el free jazz al hard bop, dieron un carácter distintivo a su obra.

En 1964 pasó seis meses en la cárcel acusado de tráfico de drogas. El periodo inmediatamente posterior a su salida de la cárcel se conoce como su periodo ácido porque los tres álbumes que publicó durante el mismo tenían un tono mucho más duro que sus álbumes anteriores.

En 1967, su contrato discográfico, como el de muchos otros músicos progresistas, fue rescindido por la nueva dirección de Blue Note. Sus oportunidades de grabar prometían tan poca paga que abandonó la grabación como forma de ganarse la vida, concentrándose en cambio en las giras. En 1968 empezó a dar clases en la Hartt School de la Universidad de Hartford. Más tarde creó el Departamento de Música Afroamericana de la universidad (ahora Instituto de Jazz Jackie McLean) y su programa de estudios de jazz.

En 1970, él y su esposa, Dollie, fundaron el Artists' Collective, Inc. de Hartford, una organización dedicada a preservar el arte y la cultura de la diáspora africana. Ofrece programas educativos e instrucción en danza, teatro, música y artes visuales.

En 2001 recibió una beca American Jazz Masters de la National Endowment for the Arts.

Su hijastro René es saxofonista y flautista de jazz, además de profesor de jazz.

Tras una larga enfermedad, McLean falleció el 31 de marzo de 2006 en Hartford, Connecticut.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jackie-mclean/

Horace Silver • Horace Silver And The Jazz Messengers

 

Review
by Rovi Staff
In 1954, pianist Horace Silver teamed with drummer Art Blakey to form a cooperative ensemble that would combine the dexterity and power of bebop with the midtempo, down-home grooves of blues and gospel music. The results are what would become known as hard bop, and the Jazz Messengers were one of the leading exponents of this significant era in jazz history. Before Silver's departure and Blakey's lifetime of leadership, this first major session by the original Jazz Messengers set the standard by which future incarnations of the group would be measured. The tunes here are all Silver's, save the bopping "Hankerin'" by tenor man Hank Mobley. Such cuts as the opening "Room 608," the bluesy "Creepin' In," and "Hippy" are excellent examples of both Silver's creative composing style and the Messengers' signature sound. Of course, the most remembered tunes from the session are the classic "The Preacher" and "Doodlin'," two quintessential hard bop standards. In all, this set is not only a stunning snapshot of one of the first groups of its kind, but the very definition of a style that dominated jazz in the 1950s and '60s.
https://www.allmusic.com/album/horace-silver-and-the-jazz-messengers-mw0000192509

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Reseña
por Rovi Staff
En 1954, el pianista Horace Silver se asoció con el batería Art Blakey para formar un conjunto cooperativo que combinara la destreza y la fuerza del bebop con los ritmos a medio tiempo y desenfadados del blues y la música gospel. El resultado es lo que se conocería como hard bop, y los Jazz Messengers fueron uno de los principales exponentes de esta importante época de la historia del jazz. Antes de la marcha de Silver y del liderazgo vitalicio de Blakey, esta primera gran sesión de los Jazz Messengers originales marcó la pauta por la que se medirían las futuras encarnaciones del grupo. Todas las melodías son de Silver, excepto el bopping "Hankerin'" del tenor Hank Mobley. Temas como el inicial "Room 608", el blues "Creepin' In" y "Hippy" son excelentes ejemplos tanto del creativo estilo compositivo de Silver como del característico sonido de los Messengers. Por supuesto, los temas más recordados de la sesión son los clásicos "The Preacher" y "Doodlin'", dos estándares del hard bop por excelencia. En conjunto, este conjunto no es sólo una impresionante instantánea de uno de los primeros grupos de su clase, sino la definición misma de un estilo que dominó el jazz en las décadas de 1950 y 1960.
https://www.allmusic.com/album/horace-silver-and-the-jazz-messengers-mw0000192509

Kenny Dorham • Last But Not The Least

 

Harold Land • Eastward Ho! Harold Land In New York

Review
by Scott Yanow
Tenor saxophonist Harold Land and trumpeter Kenny Dorham make for a potent front line on this CD reissue, a superior hard bop set. With an obscure and quietly boppish rhythm section (pianist Amos Trice, bassist Clarence Jones, and drummer Joe Peters) giving suitable backup, Land and Dorham stretch out on five selections, most notably Cole Porter's "So in Love," "On a Little Street in Singapore," and Land's "O.K. Blues," which was dedicated to producer Orrin Keepnews. A fine effort that serves as a strong example of Harold Land's early work.
https://www.allmusic.com/album/eastward-ho%21-harold-land-in-new-york-mw0000691038


Biography
by Matt Collar
Texas-born tenor saxophonist Harold Land was an adept stylist whose sound brought together the big swinging tone and edgy harmonics of the hard bop era with the warm lyricism and dusky romance of the West Coast, where he spent much of his life. A member of the celebrated Clifford Brown and Max Roach Quintet, Land also enjoyed a vibrant solo career, releasing albums like 1959's The Fox, 1963's Jazz Impressions of Folk Music, and 1968's The Peace-Maker, the latter of which introduced his long-running quintet with vibraphonist Bobby Hutcherson. He also worked with luminaries like Wes Montgomery, Thelonious Monk, Hampton Hawes, and Red Mitchell, and was a member of the Gerald Wilson Orchestra. Influenced by John Coltrane, his playing grew more exploratory throughout the '60s and '70s, yet he never lost his swinging, melodic style as evidenced by such late-career albums as 1995's A Lazy Afternoon and 2001's A Promised Land.

Born in 1928 in Houston, Texas, Land grew up in San Diego, where he started playing sax at age 16. He made his recorded debut for Savoy in 1949 leading his All-Stars with Leon Petties, Froebel Brigham, and others. Following a move to Los Angeles in the mid-'50s, he joined the Max Roach-Clifford Brown quintet, replacing Teddy Edwards. Land stayed in the group for over a year, appearing on such classic albums as 1954's Brown and Roach Incorporated and 1955's Study in Brown. He then left the group to play with Curtis Counce from 1956 to 1958, during which time he recorded with the bassist for labels like Contemporary and Dooto. There were also sessions with Herb Geller, Cal Tjader, Victor Feldman, and others.

As a leader, Land made his debut with 1958's Harold in the Land of Jazz, playing alongside trumpeter Rolf Ericson, pianist Carl Perkins, bassist Leroy Vinnegar, and drummer Frank Butler. A year later, he returned with The Fox, an superb quintet set with trumpeter Dupree Bolton and pianist Elmo Hope. By the '60s, Land was dividing his time between leading his own groups, as with bassist Red Mitchell on 1961's Hear Ye!, and playing with bandleader Gerald Wilson and his orchestra. In 1963, he showcased his wide-ranging taste reinterpreting traditional folk songs like "Tom Dooley" and "On Top of Old Smokey" on Jazz Impressions of Folk Music. There were also dates with Wes Montgomery and Kenny Dorham for Jazzland, and sessions with such notable players as Carmell Jones, Bud Shank, Gary Peacock, and Thelonious Monk, among others.

While Land never went completely avant-garde, he did expand his approach throughout the '60s, influenced by the work of John Coltrane and other progressive players. He formed a lasting quintet with vibraphonist Bobby Hutcherson which they debuted on 1968's The Peace-Maker and continued through the early '70s. Land also co-led a group with trumpeter Blue Mitchell from 1975 to 1978, recording albums like 1977's Mapenzi.

Beginning in the early '80s, he and Hutcherson often appeared as members of the Timeless All Stars, a group of veteran players connected to the Timeless label, also featuring pianist Cedar Walton, trombonist Curtis Fuller, bassist Buster Williams, and drummer Billy Higgins. Though his own recording slowed in the '80s (he released 1981's Xocia's Dance), Land continued his association with the Gerald Wilson Orchestra and performed live, often working with his son pianist Harold Land, Jr. He also moved into education, working as a professor at the University of California, Los Angeles. He also joined guitarist Kenny Burrell's UCLA Jazz Studies Program. In 1995, he released A Lazy Afternoon, a lush orchestral album featuring arrangements by Ray Ellis. Following a long recording hiatus, Land returned in March 2001 with Promised Land, a hard-swinging quartet date featuring pianist Mulgrew Miller, bassist Ray Drummond, and drummer Billy Higgins. Land died in July 2001 after suffering a stroke at the age of 72.
https://www.allmusic.com/artist/harold-land-mn0000665944/biography

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Reseña
por Scott Yanow
El saxofonista tenor Harold Land y el trompetista Kenny Dorham forman una potente primera línea en esta reedición en CD, un conjunto superior de hard bop. Con una oscura y tranquila sección rítmica (el pianista Amos Trice, el bajista Clarence Jones y el baterista Joe Peters) que ofrece un adecuado apoyo, Land y Dorham se extienden en cinco selecciones, entre las que destacan "So in Love" de Cole Porter, "On a Little Street in Singapore" y "O.K. Blues" de Land, dedicada al productor Orrin Keepnews. Un buen trabajo que sirve como ejemplo de los primeros trabajos de Harold Land.
https://www.allmusic.com/album/eastward-ho%21-harold-land-in-new-york-mw0000691038


Biografía
por Matt Collar
El saxofonista tenor Harold Land, nacido en Texas, era un experto estilista cuyo sonido aunaba el gran swing y la agresiva armónica de la era del hard bop con el cálido lirismo y el oscuro romanticismo de la costa oeste, donde pasó gran parte de su vida. Miembro de los célebres Clifford Brown y Max Roach Quintet, Land también disfrutó de una vibrante carrera en solitario, publicando álbumes como The Fox (1959), Jazz Impressions of Folk Music (1963) y The Peace-Maker (1968), este último en el que presentó su quinteto de larga duración con el vibrafonista Bobby Hutcherson. También trabajó con luminarias como Wes Montgomery, Thelonious Monk, Hampton Hawes y Red Mitchell, y fue miembro de la Gerald Wilson Orchestra. Influido por John Coltrane, su forma de tocar se hizo más exploratoria durante los años 60 y 70, aunque nunca perdió su estilo melódico y oscilante, como demuestran álbumes de finales de su carrera como A Lazy Afternoon, de 1995, y A Promised Land, de 2001.

Nacido en 1928 en Houston (Texas), Land creció en San Diego, donde empezó a tocar el saxo a los 16 años. Hizo su debut discográfico para Savoy en 1949 al frente de sus All-Stars con Leon Petties, Froebel Brigham y otros. Tras trasladarse a Los Ángeles a mediados de los 50, se unió al quinteto Max Roach-Clifford Brown, sustituyendo a Teddy Edwards. Land permaneció en el grupo durante más de un año, apareciendo en álbumes clásicos como Brown and Roach Incorporated, de 1954, y Study in Brown, de 1955. Después dejó el grupo para tocar con Curtis Counce de 1956 a 1958, periodo durante el cual grabó con el bajista para sellos como Contemporary y Dooto. También hubo sesiones con Herb Geller, Cal Tjader, Victor Feldman y otros.

Como líder, Land debutó con Harold in the Land of Jazz en 1958, tocando junto al trompetista Rolf Ericson, el pianista Carl Perkins, el bajista Leroy Vinnegar y el batería Frank Butler. Un año después, volvió con The Fox, un magnífico quinteto con el trompetista Dupree Bolton y el pianista Elmo Hope. En los años 60, Land dividía su tiempo entre dirigir sus propios grupos, como con el bajista Red Mitchell en Hear Ye! de 1961, y tocar con el director de orquesta Gerald Wilson y su orquesta. En 1963, mostró su amplio gusto reinterpretando canciones folk tradicionales como "Tom Dooley" y "On Top of Old Smokey" en Jazz Impressions of Folk Music. También colaboró con Wes Montgomery y Kenny Dorham en Jazzland, y en sesiones con músicos tan notables como Carmell Jones, Bud Shank, Gary Peacock y Thelonious Monk, entre otros.

Aunque Land nunca se volvió completamente vanguardista, amplió su enfoque a lo largo de los años 60, influido por el trabajo de John Coltrane y otros músicos progresivos. Formó un quinteto duradero con el vibrafonista Bobby Hutcherson, con el que debutó en The Peace-Maker, de 1968, y que continuó hasta principios de los setenta. Land también codirigió un grupo con el trompetista Blue Mitchell de 1975 a 1978, con el que grabó álbumes como Mapenzi, de 1977.

A principios de los 80, él y Hutcherson aparecieron a menudo como miembros de Timeless All Stars, un grupo de veteranos vinculados al sello Timeless, en el que también figuraban el pianista Cedar Walton, el trombonista Curtis Fuller, el bajista Buster Williams y el batería Billy Higgins. Aunque su actividad discográfica se ralentizó en los años 80 (en 1981 publicó Xocia's Dance), Land continuó su asociación con la Gerald Wilson Orchestra y actuó en directo, a menudo trabajando con su hijo, el pianista Harold Land, Jr. También se dedicó a la educación, trabajando como profesor en la Universidad de California, Los Ángeles. También se unió al Programa de Estudios de Jazz de la UCLA del guitarrista Kenny Burrell. En 1995, publicó A Lazy Afternoon, un exuberante álbum orquestal con arreglos de Ray Ellis. Tras un largo paréntesis discográfico, Land regresó en marzo de 2001 con Promised Land, una dura cita en cuarteto con el pianista Mulgrew Miller, el bajista Ray Drummond y el batería Billy Higgins. Land falleció en julio de 2001 tras sufrir un derrame cerebral a la edad de 72 años.
https://www.allmusic.com/artist/harold-land-mn0000665944/biography

Kenny Dorham • Trompete Toccata

 

Review
by Scott Yanow
It seems strange and somewhat tragic that this was trumpeter Kenny Dorham's last full album as a leader for he was only 40 at the time and still in his prime. Dorham contributed three of the four selections to the session (Joe Henderson's catchy "Mamacita" also receives its debut), and his very underrated abilities as a writer, trumpeter, and talent scout are very much in evidence.
This modern hard bop quintet set with Henderson on tenor, pianist Tommy Flanagan, bassist Richard Davis, and drummer Albert "Tootie" Heath served as a strong (if premature) ending to Dorham's impressive career as a solo artist.
https://www.allmusic.com/album/trompeta-toccata-mw0000571763

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Reseña
por Scott Yanow
Parece extraño y algo trágico que este fuera el último álbum completo del trompetista Kenny Dorham como líder, ya que sólo tenía 40 años en ese momento y todavía estaba en su mejor momento. Dorham contribuyó con tres de las cuatro selecciones de la sesión (la pegadiza "Mamacita" de Joe Henderson también recibe su debut), y sus muy infravaloradas habilidades como escritor, trompetista y cazatalentos están muy presentes.
Este moderno quinteto de hard bop, con Henderson al tenor, el pianista Tommy Flanagan, el bajista Richard Davis y el batería Albert "Tootie" Heath, sirvió como un fuerte (aunque prematuro) final a la impresionante carrera de Dorham como solista.
https://www.allmusic.com/album/trompeta-toccata-mw0000571763

Kenny Dorham • The Arrival Of Kenny Dorham

 

Biography
by Ron Wynn
Kenny Dorham had a deeply moving, pure tone on trumpet; his sound was clear, sharp, and piercing, especially during ballads. He could spin out phrases and lines, but when he slowly and sweetly played the melody it was an evocative event. Dorham was a gifted all-round trumpeter, but seldom showcased his complete skills, preferring an understated, subtle approach. Unfortunately, he never received much publicity, and though a highly intelligent, thoughtful individual who wrote insightful commentary on jazz, he's little more than a footnote to many fans.

Dorham studied and played trumpet, tenor sax, and piano. He was a bandmember in high school and college; a college bandmate was Wild Bill Davis. Dorham started during the swing era, but was recruited by Dizzy Gillespie and Billy Eckstine to join their bands in the mid-'40s. He even sang blues with Gillespie's band. He recorded with the Be Bop Boys on Savoy in 1946. After short periods with Lionel Hampton and Mercer Ellington, Dorham joined Charlie Parker's group in 1948, staying there until 1949. He did sessions in New York during the early and mid-'50s, making his recording debut as a leader on Charles Mingus and Max Roach's Debut label in 1953. He then cut Afro-Cuban for Blue Note with Cecil Payne, Hank Mobley, and Horace Silver in 1955.

Dorham was a founding member of Art Blakey's Jazz Messengers in 1954, and also led a short-lived similar band, the Jazz Prophets. Dorham played on the soundtrack of A Star Is Born in 1954, then spent two years with Max Roach from 1956 to 1958. There were dates for Riverside in the late '50s with Paul Chambers, Tommy Flanagan, and Art Taylor, plus other sessions with ABC-Paramount, three volumes for Blue Note done live at the Cafe Bohemia, and an intriguing but uneven session with John Coltrane and Cecil Taylor, Coltrane Time, in 1958.

Dorham taught at the Lenox School of Jazz in 1958 and 1959, and wrote scores for the films Les Liaisons Dangereuses and Un Témoin dans la Ville in 1959. During the mid-'60s, he co-led a band with tenor saxophonist Joe Henderson that was shamefully neglected. There were such classic Blue Note releases as Whistle Stop, Una Mas, and Trumpet Toccata. Dorham made one album for Cadet in 1970, Kenny Dorham Sextet, with Muhal Richard Abrams. He died in 1972. Several of his Blue Note albums have been reissued, while his Prestige and Riverside dates have come out in sporadic fashion, some in two-record samplers. Other material for Pacific Jazz, United Artists, Steeplechase, Xanadu, and Time isn't as widely available.
https://www.allmusic.com/artist/kenny-dorham-mn0000768027/biography

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Biografía
por Ron Wynn
Kenny Dorham tenía un tono profundamente conmovedor y puro en la trompeta; su sonido era claro, agudo y penetrante, especialmente durante las baladas. Podía hilar frases y líneas, pero cuando tocaba la melodía lenta y dulcemente era un acontecimiento evocador. Dorham era un trompetista polifacético y dotado, pero rara vez mostraba toda su habilidad, prefiriendo un enfoque discreto y sutil. Desgraciadamente, nunca recibió mucha publicidad y, aunque era una persona muy inteligente y reflexiva que escribía comentarios perspicaces sobre el jazz, es poco más que una nota a pie de página para muchos aficionados.

Dorham estudió y tocó la trompeta, el saxo tenor y el piano. Fue miembro de una banda en el instituto y en la universidad; un compañero de banda en la universidad fue Wild Bill Davis. Dorham empezó en la época del swing, pero fue reclutado por Dizzy Gillespie y Billy Eckstine para unirse a sus bandas a mediados de los años 40. Incluso cantó blues con la banda de Gillespie. Grabó con los Be Bop Boys en Savoy en 1946. Tras breves periodos con Lionel Hampton y Mercer Ellington, Dorham se unió al grupo de Charlie Parker en 1948, donde permaneció hasta 1949. Realizó sesiones en Nueva York a principios y mediados de los años 50, y debutó como líder en el sello Debut de Charles Mingus y Max Roach en 1953. Luego grabó Afro-Cuban para Blue Note con Cecil Payne, Hank Mobley y Horace Silver en 1955.

Dorham fue miembro fundador de los Jazz Messengers de Art Blakey en 1954, y también dirigió una banda similar de corta duración, los Jazz Prophets. Dorham tocó en la banda sonora de Ha nacido una estrella en 1954, y luego pasó dos años con Max Roach, de 1956 a 1958. A finales de los años 50, grabó para Riverside con Paul Chambers, Tommy Flanagan y Art Taylor, además de otras sesiones con ABC-Paramount, tres volúmenes para Blue Note realizados en directo en el Cafe Bohemia y una intrigante pero irregular sesión con John Coltrane y Cecil Taylor, Coltrane Time, en 1958.

Dorham dio clases en la Lenox School of Jazz en 1958 y 1959, y escribió partituras para las películas Les Liaisons Dangereuses y Un Témoin dans la Ville en 1959. A mediados de los años 60, codirigió una banda con el saxofonista tenor Joe Henderson que fue vergonzosamente descuidada. Hubo lanzamientos clásicos de Blue Note como Whistle Stop, Una Mas y Trumpet Toccata. Dorham grabó un álbum para Cadet en 1970, Kenny Dorham Sextet, con Muhal Richard Abrams. Murió en 1972. Se han reeditado varios de sus álbumes para Blue Note, mientras que sus fechas para Prestige y Riverside han salido a la luz de forma esporádica, algunas en samplers de dos discos. Otros materiales para Pacific Jazz, United Artists, Steeplechase, Xanadu y Time no están tan disponibles.
https://www.allmusic.com/artist/kenny-dorham-mn0000768027/biography

Joe Henderson • In 'N Out

 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

VA • Blue Note Hits! Vol 4

 

 

www.bluenote.com ...

VA • Blue Note Trip Jazzanova

 

Donald Byrd, Bobby Hutcherson, Bobbi Humphrey, Horace Silver, Horace Parlan, James Moody, Kenny Dorham, Lee Morgan, Nicola Conte, Sam Rivers, Herbie Hancock, Freddie Hubbard, Various Artists, Curtis Fuller, Gene Harris, Duke Pearson …

 

Kenny Dorham • Whistle Stop

 

 

Review
by Scott Yanow
Kenny Dorham was always underrated throughout his career, not only as a trumpeter but as a composer. Whistle Stop features seven of his compositions, none of which were picked up later by any of the Young Lions of the '90s despite their high quality and many fresh melodies. Dorham teams up with tenor-saxophonist Hank Mobley (who had recorded with him previously, along with Art Blakey and Max Roach), pianist Kenny Drew, bassist Paul Chambers, and drummer Philly Joe Jones for a set of lively, fresh, and consistently swinging music. This is a generally overlooked near-classic set.
https://www.allmusic.com/album/whistle-stop-mw0000101121

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Reseña
por Scott Yanow
Kenny Dorham siempre fue infravalorado a lo largo de su carrera, no sólo como trompetista sino como compositor. Whistle Stop presenta siete de sus composiciones, ninguna de las cuales fue recogida posteriormente por ninguno de los Young Lions de los 90, a pesar de su gran calidad y de sus muchas melodías frescas. Dorham se asocia con el tenor-saxofonista Hank Mobley (que ya había grabado con él, junto con Art Blakey y Max Roach), el pianista Kenny Drew, el bajista Paul Chambers y el baterista Philly Joe Jones para un conjunto de música animada, fresca y con mucho swing. Se trata de un conjunto casi clásico que generalmente se pasa por alto.
https://www.allmusic.com/album/whistle-stop-mw0000101121

Max Roach • Jazz In 3/4 Time

 

At the time of its appearance in 1957, this album, currently part of the limited EmArcy reissue series, was considered somewhat revolutionary due to its all-waltz program. That's become a moot point after all of the triple-meter jazz material that would follow—from "All Blues" to "Waltz for Debby" to "Someday My Prince Will Come." What makes this session essential listening is the masterful solo work, and not simply by Sonny Rollins.

With Clifford Brown gone, trumpeter Kenny Dorham makes each of his turns, as usual, an adventure in melodic and rhythmic surprises, deliberately getting himself into trouble and always finding a way out. And whereas Rollins almost overcompensates for the absence of Brown, playing these tunes with broad and ballsy, aria-like bravado, Dorham takes the tunes inward, not afraid of the empty spaces where the poetry often resides, and in the process looking forward to a more subtle, implicit rhythmic approach to jazz waltzes, such as Freddy Hubbard's "Up Jumped Spring."

The enigmatic pianist Billy Wallace, who made this single auspicious recorded appearance then disappeared into various urban lounge scenes, is one of the few truly ambidextrous bop pianists. On the opening "Blues Waltz" his solo sounds like Monk playing counterpoint with himself; on his remaining solo spots his interdependent melodies and rapid, two-handed octaves are reminiscent of Phineas Newborn, Jr. Whether or not his saucy, copy-cat rejoinder to Dorham's complex solo on "Lover" was appreciated by its originator, Wallace can't help but impress the listener with his ear and quick instincts. He's a far stronger player than his predecessor, Richie Powell, who perished in the same car crash that took Brown's life.

Besides the pop standards, Rollins' "Valse Hot" is a lovely composition, an extended 3/4 melodic equivalent of Brown's "Joy Spring." During each of his solos he clearly exudes a Viennese spirit, bringing to his deliberative, assured melodic constructions the singing bravura of a great tenor, legit or otherwise. It's a performance that clearly ranks with his work on the revered, almost contemporaneous Sonny Rollins, Vol. 2 (Blue Note, 1957).

Roach catches the lilting dancing spirit with heavily accented downbeats on his own "Little Folks, prompting both Rollins and Wallace to go for the gold on their solo turns. And for a change the relatively unfamiliar triple-meter holds down the tempos just sufficiently to allow Roach's bassist, George Morrow, to play some melodic lines during his solos.

There seems little doubt that this is the best post-Clifford Brown, Roach-led session on record—demonstrating that the fall of the drummer's ensembles from the visibility they once shared with Blakey's and Silver's groups cannot be entirely blamed on the loss of Clifford Brown (though nothing can detract from the luster of this musician's favorite). Consequently, as the only recording by this particular cast (there would be one sequel but without Billy Wallace), Jazz in 3/4 Time is a session that brings with its pleasures no small amount of regret about what might have been.
BY SAMUEL CHELL
December 25, 2006
https://www.allaboutjazz.com/jazz-in-3-4-time-max-roach-emarcy-review-by-samuel-chell.php

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En el momento de su aparición, en 1957, este álbum, que actualmente forma parte de la serie limitada de reediciones de EmArcy, se consideró algo revolucionario debido a su programa totalmente de vals. Eso se ha convertido en un punto discutible después de todo el material de jazz de triple metro que seguiría -desde "All Blues" hasta "Waltz for Debby" y "Someday My Prince Will Come". Lo que hace que esta sesión sea esencial para escuchar es el magistral trabajo en solitario, y no sólo de Sonny Rollins.

Sin Clifford Brown, el trompetista Kenny Dorham hace de cada uno de sus turnos, como siempre, una aventura de sorpresas melódicas y rítmicas, metiéndose deliberadamente en problemas y encontrando siempre una salida. Y mientras que Rollins casi compensa en exceso la ausencia de Brown, tocando estas melodías con amplitud y cojones, con una bravuconería similar a la del aria, Dorham lleva las melodías hacia el interior, sin temer los espacios vacíos en los que a menudo reside la poesía y, en el proceso, buscando un enfoque rítmico más sutil e implícito de los valses de jazz, como "Up Jumped Spring" de Freddy Hubbard.

El enigmático pianista Billy Wallace, que hizo esta única y auspiciosa aparición grabada y luego desapareció en varias escenas de salón urbano, es uno de los pocos pianistas de bop verdaderamente ambidiestros. En el primer "Blues Waltz", su solo suena como si Monk tocara el contrapunto consigo mismo; en sus restantes solos, sus melodías interdependientes y sus rápidas octavas a dos manos recuerdan a Phineas Newborn, Jr. Independientemente de si su descarada réplica al complejo solo de Dorham en "Lover" fue apreciada por su creador, Wallace no puede evitar impresionar al oyente con su oído y sus rápidos instintos. Es un músico mucho más fuerte que su predecesor, Richie Powell, que pereció en el mismo accidente de coche que acabó con la vida de Brown.

Además de los estándares pop, el "Valse Hot" de Rollins es una composición encantadora, un equivalente melódico extendido en 3/4 del "Joy Spring" de Brown. Durante cada uno de sus solos exuda claramente un espíritu vienés, aportando a sus deliberativas y seguras construcciones melódicas la bravura de canto de un gran tenor, legítimo o no. Es una interpretación que se sitúa claramente al nivel de su trabajo en el venerado y casi contemporáneo Sonny Rollins, Vol. 2 (Blue Note, 1957).

Roach capta el espíritu danzante y cadencioso de su propia "Little Folks", lo que hace que tanto Rollins como Wallace se lancen a por el oro en sus giros en solitario. Y para variar, el relativamente desconocido triple metro mantiene los tempos lo suficiente como para permitir al bajista de Roach, George Morrow, tocar algunas líneas melódicas durante sus solos.

No hay duda de que esta es la mejor sesión post-Clifford Brown, dirigida por Roach, demostrando que la caída de los conjuntos del baterista de la visibilidad que una vez compartieron con los grupos de Blakey y Silver no puede culparse enteramente a la pérdida de Clifford Brown (aunque nada puede restarle brillo al favorito de este músico). En consecuencia, como única grabación de este particular elenco (habría una secuela pero sin Billy Wallace), Jazz in 3/4 Time es una sesión que trae consigo no pocos placeres de lo que podría haber sido.
POR SAMUEL CHELL
25 de diciembre de 2006
https://www.allaboutjazz.com/jazz-in-3-4-time-max-roach-emarcy-review-by-samuel-chell.php