Paul Bryant • The Blues Message / Burnin’

In the late Fifties organ had earned a place with modern jazz fans, and Paul Bryant [1933-2010] was but one of the latest organists to find an audience. He had a hard-hitting, two-fisted style that exploited the registers to the limit. In this set Bryant was blessed with the illustrious company of tenorist Curtis Amy, guitarist Jim Hall, and budding trombonist Roy Brewster.

On the rhythm section, bassist Clarence S. Jones—alternating with Jimmy Bond—and drummer Jimmy Miller, take care of the timing with devotion and intelligence.

This set includes The Blues Message and Burnin’ — the two albums that launched Bryant and Amy’s recording careers. Tenor man Amy, a member of that masculine school of Texas-born “preachers,” is impressive as a featured co-leader. Hall, thoroughly in the cooking spirit of things, was high-spirited and stirring in his solos, comping and balancing the predominant organ adequately. In these tunes, mostly blues with a soul-searching message (Searchin’ and Still Searchin’), Bryant stomps and hollers and then drifts into the sentimental, creating, at some points, moments of pure, unadulterated truth.

Source: http://www.freshsoundrecords.com/the_blues_message_2_lps_on_1_cd-cd-5467.html

A finales de los años 50 el órgano se había ganado un lugar entre los aficionados al jazz moderno, y Paul Bryant [1933-2010] fue uno de los últimos organistas en encontrar un público. Tenía un estilo contundente, de dos puños, que explotaba los registros hasta el límite. En este conjunto Bryant fue bendecido con la ilustre compañía del tenorista Curtis Amy, el guitarrista Jim Hall y el incipiente trombonista Roy Brewster.

En la sección rítmica, el bajista Clarence S. Jones -alternando con Jimmy Bond- y el baterista Jimmy Miller, se encargan de la sincronización con devoción e inteligencia.

Este set incluye The Blues Message y Burnin' - los dos álbumes que lanzaron las carreras de grabación de Bryant y Amy. El tenor Amy, miembro de esa escuela masculina de "predicadores" nacidos en Texas, es impresionante como co-líder destacado. Hall, con un espíritu de cocinero, era muy animado y conmovedor en sus solos, compaginando y equilibrando adecuadamente el órgano predominante. En estas melodías, en su mayoría blues con un mensaje de búsqueda del alma (Searchin' and Still Searchin'), Bryant pisa fuerte y grita y luego se sumerge en lo sentimental, creando, en algunos puntos, momentos de pura verdad no adulterada.

Fuente: http://www.freshsoundrecords.com/the_blues_message_2_lps_on_1_cd-cd-5467.html

Hampton Hawes Quartet • All Night Session [3 Vol]

 

vol 1: On the night of November 12 and into the morning of November 13, 1956, a quartet led by pianist Hampton Hawes recorded enough material to fill three long-playing phonograph record albums. This studio session contained many elements associated with a live gig: the work took place during regular nightclub performing hours, the improvisations were mostly extended, and there were no alternate takes. A remarkable freshness and spontaneity prevailed throughout the session. Although controversy continues regarding the original sequence of titles, Duke Jordan's "Jordu" and Dizzy Gillespie's "Groovin' High" are superb openers for this first of three volumes. In addition to an invigorating run down "Broadway," Hawes improvised two original themes: "Takin' Care" and a bluesy walk entitled "Hampton's Pulpit" that stretched out for more than 11 minutes, making it the longest track of the entire all-night session. Collaborating with the pianist on this historic date were guitarist Jim Hall, bassist Red Mitchell, and drummer Eldridge "Bruz" Freeman. The interplay between these four men is marvelous, particularly when heard with headphones or through a sound system allowing for a full appreciation of the stereophonic balance achieved by the recording engineers.
vol 2: This is the second of three albums that came about as the result of an all-night recording session that took place in Los Angeles on November 12 and 13, 1956. Although Hampton Hawes spontaneously created five original tunes at this extraordinarily inspired date, everything on Vol. 2 comes directly out of the standard bop musician's working repertoire. The quartet, with bassist Red Mitchell, guitarist Jim Hall, and drummer Eldridge "Bruz" Freeman, collectively improvise their way through four attractive standards ("I Should Care" turned out to be the only slow ballad of the entire session) and three of Dizzy Gillespie's most refreshing creations. In 1958 Hawes was quoted as saying "It's hard to put into words how good it feels to play jazz when it's really swinging...I've reached a point where the music fills you up so much emotionally that you feel like shouting hallelujah -- like people do in church when they're converted to God. That's the way I was feeling the night we recorded All Night Session!"
vol 3 of the Hampton Hawes Quartet's All Night Session contains three spontaneously improvised variations on the blues, one very cool extended rendition of Duke Ellington's "Do Nothin' 'Till You Hear from Me" and a strikingly handsome treatment of Harold Arlen's "Between the Devil and the Deep Blue Sea." The briskly paced "Blues #4" is especially progressive and exciting. Apparently "Blues of a Sort" was a warm-up performance, as voices are audible (discussing a football game!) in the background during the bass solo. For this one-take marathon late-night session of November 12 and 13, 1956, Hawes chose to share the studio with guitarist Jim Hall, bassist Red Mitchell and drummer Eldridge "Bruz" Freeman, who had replaced Chuck Thompson following that musician's sudden inability to continue touring with the group earlier that year. "We gave Chuck what money we could and left him sitting on a hospital cot in a white bathrobe." This grim image, like much of Hawes' autobiography Raise Up Off Me, paints a stark picture of the narcotics epidemic among jazz musicians during the '50s. Although this was the first peak of his career, Hawes later admitted that "during the fall of 1956 I was messing up consistently -- showing late on gigs or missing them altogether." He had lots of offers for work, including the possibility of providing music for a film soundtrack: "Wanted to do it, would have paid good, but at the time I didn't even have the bread to get high enough to get to the studio to see what they had in mind." One of the great incongruities of bop is the fact that Charlie Parker and the musicians who were most directly influenced by him were able to be so creative and prolific while grappling with addictions that confounded, immobilized, and eventually slew them. All of these insights quietly swarm beneath the surface of what added up to more than two hours of exceptionally fine quartet jazz.

///////

vol. 1: En la noche del 12 de noviembre y hasta la mañana del 13 de noviembre de 1956, un cuarteto dirigido por el pianista Hampton Hawes grabó suficiente material para llenar tres discos de larga duración. Esta sesión de estudio contenía muchos elementos asociados a un concierto en directo: el trabajo tuvo lugar durante el horario habitual de actuación en un club nocturno, las improvisaciones fueron en su mayoría prolongadas y no hubo tomas alternativas. Una notable frescura y espontaneidad prevalecieron durante toda la sesión. Aunque continúa la controversia sobre la secuencia original de los títulos, "Jordu" de Duke Jordan y "Groovin' High" de Dizzy Gillespie son magníficos abridores de este primero de los tres volúmenes. Además de un vigoroso recorrido por "Broadway", Hawes improvisó dos temas originales: "Takin' Care" y un paseo bluesero titulado "Hampton's Pulpit" que se alargó durante más de 11 minutos, convirtiéndose en el tema más largo de toda la sesión nocturna. Colaboraron con el pianista en esta fecha histórica el guitarrista Jim Hall, el bajista Red Mitchell y el baterista Eldridge "Bruz" Freeman. La interacción entre estos cuatro hombres es maravillosa, especialmente cuando se escucha con auriculares o a través de un sistema de sonido que permita apreciar plenamente el equilibrio estereofónico logrado por los ingenieros de grabación.
vol 2: Este es el segundo de los tres álbumes que surgieron como resultado de una sesión de grabación que duró toda la noche y que tuvo lugar en Los Ángeles los días 12 y 13 de noviembre de 1956. Aunque Hampton Hawes creó espontáneamente cinco temas originales en esta fecha extraordinariamente inspirada, todo lo que aparece en el Vol. 2 procede directamente del repertorio de trabajo del músico de bop estándar. El cuarteto, con el bajista Red Mitchell, el guitarrista Jim Hall y el baterista Eldridge "Bruz" Freeman, improvisan colectivamente su camino a través de cuatro atractivos estándares ("I Should Care" resultó ser la única balada lenta de toda la sesión) y tres de las creaciones más refrescantes de Dizzy Gillespie. En 1958 se citó a Hawes diciendo: "Es difícil expresar con palabras lo bien que se siente tocando jazz cuando hay mucho swing... He llegado a un punto en el que la música te llena tanto emocionalmente que tienes ganas de gritar aleluya, como hace la gente en la iglesia cuando se convierte a Dios. Así es como me sentía la noche que grabamos All Night Session".
El volumen 3 de All Night Session del cuarteto de Hampton Hawes contiene tres variaciones improvisadas de forma espontánea sobre el blues, una interpretación extendida muy genial de "Do Nothin' 'Till You Hear from Me" de Duke Ellington y un tratamiento sorprendentemente atractivo de "Between the Devil and the Deep Blue Sea" de Harold Arlen. El "Blues #4", de ritmo rápido, es especialmente progresivo y emocionante. Al parecer, "Blues of a Sort" fue una actuación de calentamiento, ya que se oyen voces (¡discutiendo un partido de fútbol!) de fondo durante el solo de bajo. Para esta sesión nocturna maratoniana de una sola toma del 12 y 13 de noviembre de 1956, Hawes eligió compartir el estudio con el guitarrista Jim Hall, el bajista Red Mitchell y el batería Eldridge "Bruz" Freeman, que había sustituido a Chuck Thompson tras la repentina incapacidad de este músico para seguir de gira con el grupo a principios de ese año. "Le dimos a Chuck el dinero que pudimos y le dejamos sentado en un catre de hospital con una bata blanca". Esta sombría imagen, al igual que gran parte de la autobiografía de Hawes, pinta un crudo panorama de la epidemia de narcóticos entre los músicos de jazz durante los años 50. Aunque este fue el primer pico de su carrera, Hawes admitió más tarde que "durante el otoño de 1956 estaba metiendo la pata constantemente: llegando tarde a los conciertos o perdiéndolos por completo". Tenía muchas ofertas de trabajo, incluida la posibilidad de poner música a la banda sonora de una película: "Quería hacerlo, me habrían pagado bien, pero en ese momento no tenía ni el pan para llegar al estudio y ver lo que tenían pensado". Una de las grandes incongruencias del bop es el hecho de que Charlie Parker y los músicos más directamente influenciados por él fueran capaces de ser tan creativos y prolíficos mientras lidiaban con adicciones que los confundían, inmovilizaban y finalmente los mataban. Todas estas reflexiones pululan silenciosamente bajo la superficie de lo que supuso más de dos horas de jazz de cuarteto excepcionalmente bueno.

The Bill Smith Quartet • Folk Jazz

Review by Stewart Mason

A record that could only have been made in the late '50s, 1959's Folk Jazz is a meeting of the two great collegiate crazes of the period, post-bebop modern jazz and traditional folk music. Clarinetist Bill Smith and a low-key piano-less trio ? Jim Hall on guitar, Monty Budwig on bass and the great Shelly Manne on drums ? take 10 songs from the folk tradition, strip them down to the bare essentials of melody and chord progressions and turn them into a Kind of Blue-like experiment in cool-toned modal jazz. Familiar standards like "Black Is the Color of My True Love's Hair" (which opens with an extended unaccompanied solo by Smith that's a marvel of economy) are presented in entirely new and fresh settings. Perhaps the best of the lot is an extended meditation on the spiritual "Go Down Moses" that turns the song from a gospel shout to an intimate whisper. The 2003 CD reissue adds two tracks, alternate takes of "Reuben, Reuben" and "Nobody Knows the Trouble I've Seen."

///////

Traducción Automática:
Revisión por Stewart Mason 

Un disco que solo se pudo haber hecho a finales de los años 50, el Folk Jazz de 1959 es una reunión de las dos grandes locuras universitarias de la época, el jazz moderno post-bebop y la música folclórica tradicional. ¿El clarinetista Bill Smith y un trío sin piano de bajo perfil? ¿Jim Hall en la guitarra, Monty Budwig en el bajo y el gran Shelly Manne en la batería? toma 10 canciones de la tradición folklórica, descárgalas a lo esencial de la melodía y las progresiones de acordes y conviértelos en un experimento parecido al tipo de azul en el modal jazz de tonos fríos. Estándares familiares como "El negro es el color de mi cabello de amor verdadero" (que se abre con un solo no acompañado de Smith, que es una maravilla de la economía) se presentan en entornos completamente nuevos y nuevos. Quizás lo mejor de todo es una meditación prolongada sobre el espiritual "Go Down Moses" que convierte la canción de un grito del evangelio en un susurro íntimo. La reedición del CD de 2003 agrega dos pistas, tomas alternativas de "Reuben, Reuben" y "Nadie sabe el problema que he visto".

Chico Hamilton • Chico Hamilton Trio

 

Review by Michael G. Nastos
Chico Hamilton's earliest bands in a trio setting featured two fine rising stars of jazz guitar in Howard Roberts and Jim Hall. With the always exceptional George Duvivier playing bass throughout, these three-piece bands laid a foundation for many of Hamilton's more famous groups in the '60s that sported sidemen Larry Coryell and Gabor Szabo. There are hints of the hardcore jazz swing and Latin boogaloo amalgam that Hamilton would perfect, but for this compilation of recordings originally for the Pacific Jazz label, you hear his immaculate work on brushes, more prevalent than his sticks, although many tunes combine the two as he switches off. The eight tracks with the refined playing of Roberts move from a delicate, tasteful version of "Broadway," through the slow, somewhat abstract "Street of Drums," and the ballad "What Is There to Say?" But then the pace picks up with the quick "Nuttye" reinforced by backdrop scat, and the bass-led bop-to-funk "Buddy Boo," where Hamilton's developing style is emerging. Rumbling and tribal drums for the late-night "Uganda" buoys the patient guitar of Roberts, while the two-minute shortie "Lollypop" is a delicious call and response bopper. As polished as the playing of Roberts is, the sessions with the brilliant Jim Hall are the gems of the set, with all of the compositions penned by Duvivier. "Autumn Landscape" is a bit somber and regretful, while "Porch Light" reads angular à la Thelonious Monk, with the guitarist stepping up. A unique, fluid, and dynamic voice at this stage of his career, Hall holds sway in a consistent mezzo piano volume for the bop-tinged "Blues on the Rocks" before Hamilton's deft solo on brushes, but with the wire flanges plays his tom-toms in ultra melodic and inventive fashion for "Skynned Strings." An entry point recording for Chico Hamilton, it displays his savory good common sense well before being more trend- and fashion-conscious, as psychedelia and fusion took over commercialized jazz. What needs to be recognized is that Hamilton did not so much assimilate the trends, but modified and adapted his music to the sign of the times and his own unique talents. This LP represents him at a more innocent time, when jazz was not so adulterated by more popular forms, and it's a fine West Coast-style time capsule for the era.
https://www.allmusic.com/album/chico-hamilton-trio-mw0000875212

///////

Reseña de Michael G. Nastos
Las primeras bandas de Chico Hamilton en un entorno de trío presentaban a dos excelentes estrellas emergentes de la guitarra de jazz en Howard Roberts y Jim Hall. Con el siempre excepcional George Duvivier tocando el bajo en todo momento, estas bandas de tres integrantes sentaron las bases para muchos de los grupos más famosos de Hamilton en los años 60 que contaban con los acompañantes Larry Coryell y Gabor Szabo. Hay indicios de la amalgama hardcore jazz swing y Latin boogaloo que Hamilton perfeccionaría, pero para esta compilación de grabaciones originalmente para el sello Pacific Jazz, escuchas su inmaculado trabajo en pinceles, más frecuente que sus baquetas, aunque muchas melodías combinan las dos mientras se apaga. Las ocho pistas con la interpretación refinada de Roberts pasan de una versión delicada y de buen gusto de "Broadway", a través de la lenta y algo abstracta "Street of Drums" y la balada " What Is There To Say?"Pero luego el ritmo se acelera con el rápido "Nuttye" reforzado por scat de fondo, y el bajo bop - to-funk "Buddy Boo", donde está surgiendo el estilo en desarrollo de Hamilton. Los tambores retumbantes y tribales de la "Uganda" nocturna hacen flotar la guitarra paciente de Roberts, mientras que la "Piruleta" de dos minutos es un delicioso bopper de llamada y respuesta. Tan pulida como es la interpretación de Roberts, las sesiones con el brillante Jim Hall son las gemas del set, con todas las composiciones escritas por Duvivier. "Autumn Landscape" es un poco sombrío y lamentable, mientras que" Porch Light " dice angular à la Thelonious Monk, con el guitarrista dando un paso al frente. Una voz única, fluida y dinámica en esta etapa de su carrera, Hall domina un volumen consistente de piano mezzo para el "Blues on the Rocks" teñido de bop antes del hábil solo de Hamilton con los pinceles, pero con las bridas de alambre toca sus tom-toms de manera ultra melódica e inventiva para "Skynned Strings."Una grabación de punto de entrada para Chico Hamilton, muestra su sabroso buen sentido común mucho antes de ser más consciente de las tendencias y la moda, ya que la psicodelia y la fusión se apoderaron del jazz comercializado. Lo que hay que reconocer es que Hamilton no asimiló tanto las tendencias, sino que modificó y adaptó su música al signo de los tiempos y a sus propios talentos únicos. Este LP lo representa en un momento más inocente, cuando el jazz no estaba tan adulterado por formas más populares, y es una excelente cápsula del tiempo al estilo de la Costa Oeste para la época.
https://www.allmusic.com/album/chico-hamilton-trio-mw0000875212

Ron Carter & Jim Hall • Live At Village West

 

 

www.roncarterbass.com ...

 

John Lewis • Jazz Abstractions

 

Review
by Scott Yanow
Although John Lewis is listed as the leader (this album's alternate title is "John Lewis Presents Contemporary Music"), the pianist does not actually appear on this record and only contributed one piece ("Django"). On what is very much a Gunther Schuller project, Schuller composed "Abstraction" and was responsible for the adventurous three-part "Variants on a Theme of John Lewis (Django)" and the four-part "Variants on a Theme of Thelonious Monk (Criss-Cross)"; Jim Hall contributed "Piece for Guitar & Strings." One of the most successful third stream efforts, this LP combines avant-garde jazz with aspects of classical music. Among the more notable stars, altoist Ornette Coleman is on "Abstraction" and "Criss Cross" (both of which have been reissued in his Rhino CD box) and multi-instrumentalist Eric Dolphy is on both of the "Variants." Other musicians in the eclectic cast include guitarist Hall, bassist Scott LaFaro, pianist Bill Evans, and several classical string players. This is very interesting music.
https://www.allmusic.com/album/john-lewis-presents-jazz-abstractions-mw0001881226

///////

Reseña
por Scott Yanow
Aunque John Lewis figura como líder (el título alternativo de este álbum es "John Lewis Presents Contemporary Music"), el pianista no aparece realmente en este disco y sólo contribuyó con una pieza ("Django"). En lo que es en gran medida un proyecto de Gunther Schuller, Schuller compuso "Abstraction" y fue responsable de las aventureras "Variants on a Theme of John Lewis (Django)" en tres partes y "Variants on a Theme of Thelonious Monk (Criss-Cross)" en cuatro partes; Jim Hall contribuyó con "Piece for Guitar & Strings". Este LP, uno de los más exitosos de la tercera corriente, combina el jazz de vanguardia con aspectos de la música clásica. Entre las estrellas más notables, el contralto Ornette Coleman está en "Abstraction" y "Criss Cross" (ambas reeditadas en su caja Rhino CD) y el multiinstrumentista Eric Dolphy está en las dos "Variants". Otros músicos del ecléctico elenco son el guitarrista Hall, el bajista Scott LaFaro, el pianista Bill Evans y varios instrumentistas clásicos de cuerda. Se trata de música muy interesante.
https://www.allmusic.com/album/john-lewis-presents-jazz-abstractions-mw0001881226

Jimmy Giuffre • Free Fall

 

Review by Thom Jurek
Jimmy Giuffre's 1962 recording for Columbia with his trio is one of the most revolutionary recordings to come out of the 1960s. While Coltrane and Coleman and Taylor were trying to tear music down from the inside out to discover what it really counted for, Giuffre was quietly creating his own microtonal revolution that was being overlooked by other avant-gardists in jazz. On Free Fall, Giuffre, pianist Paul Bley, and bassist Steve Swallow embarked on a voyage even farther-reaching than their previous two Verve albums, Fusion and Thesis (both recorded in 1961), in their search of pointillistic harmony, open-toned playing, and the power of the nuanced phrase to open new vistas for solo or group improvisation. The original album is comprised of five clarinet solos, two duets for clarinet and bass, and three trio pieces. The CD reissue adds five more clarinet solos to the bank and makes it a stunning view of Giuffre as a master of the idiom of not only jazz free improvisation but also a fine interpreter of the musical languages being discussed by classical composers Darius Milhaud, Stravinsky, Messiaen, and even Morton Feldman and Earle Brown. All of Giuffre's clarinet studies -- particularly "Man Alone," "Yggdrasill," and "Present Motion" -- are studies in tonal coloration, where phraseology opens onto second and third tonal ideas being layered atop one another to de-emphasize one or the other. Of the group interactions, "Threewe" and "Spasmodic" offer the view of intertwining chromatic pointillism as it shapes itself linguistically between one instrument and the next without concern for a dominant harmony, rhythm, or melody. Indeed, Free Fall was such radical music, no one, literally no one, was ready for it and the group disbanded shortly thereafter on a night when they made only 35 cents apiece for a set. Reissued in 1999, Free Fall predates all of the European microtonal studies and is indeed an inspiration to all who have embraced it.
https://www.allmusic.com/album/free-fall-mw0000042360

///////

Reseña de Thom Jurek
La grabación de Jimmy Giuffre en 1962 para Columbia con su trío es una de las grabaciones más revolucionarias de la década de 1960. Mientras Coltrane, Coleman y Taylor intentaban derribar la música de adentro hacia afuera para descubrir para qué valía realmente, Giuffre estaba creando silenciosamente su propia revolución microtonal que estaba siendo ignorada por otros vanguardistas del jazz. En Free Fall, Giuffre, el pianista Paul Bley y el bajista Steve Swallow se embarcaron en un viaje aún más lejano que sus dos álbumes anteriores de Verve, Fusion y Thesis (ambos grabados en 1961), en su búsqueda de armonía puntillista, interpretación de tonos abiertos y el poder de la frase matizada para abrir nuevas perspectivas para la improvisación en solitario o grupal. El álbum original está compuesto por cinco solos de clarinete, dos dúos para clarinete y bajo y tres piezas de trío. La reedición en CD agrega cinco solos de clarinete más al banco y ofrece una visión impresionante de Giuffre como un maestro del idioma no solo de la improvisación libre del jazz, sino también un excelente intérprete de los lenguajes musicales que discuten los compositores clásicos Darius Milhaud, Stravinsky, Messiaen, e incluso Morton Feldman y Earle Brown. Todos los estudios de clarinete de Giuffre, particularmente "Man Alone"," Yggdrasill " y "Present Motion", son estudios sobre coloración tonal, donde la fraseología se abre a ideas de segundo y tercer tono superpuestas entre sí para restar énfasis a una u otra. De las interacciones grupales, "Threewe" y "Spasmodic" ofrecen la visión de entrelazar el puntillismo cromático a medida que se forma lingüísticamente entre un instrumento y el siguiente sin preocuparse por una armonía, ritmo o melodía dominantes. De hecho, Free Fall era una música tan radical que nadie, literalmente nadie, estaba listo para ella y el grupo se disolvió poco después en una noche en la que ganaban solo 35 centavos por set. Reeditado en 1999, Free Fall es anterior a todos los estudios microtonales europeos y, de hecho, es una inspiración para todos los que lo han abrazado.
https://www.allmusic.com/album/free-fall-mw0000042360

Zoot Sims & Bob Brookmeyer • Stretching Out & Kansas City Sound

Bob Brookmeyer’s early environment was in the jazz bedrock of his native Kansas City. As a player, he has been one of the most expressive and emotional of all modern trombonists… His specialty being the one with valves rather than a slide. But despite his style not being limited to any school or attitude, he have always been very conscious of the foundations of jazz—with a heavy emphasis on the wonderful, rolling swing that was so much a part of the Basie organization.

His ideas evolved from his own experiences. “I’m not afraid of being called regressive,” he said. “Music can be like love and painting. Just because a song and spirit have been around for awhile doesn’t mean it’s diminished in value.” On these two great 1958 sessions, Brookmeyer and friends revisit some old, swinging Kansas City sounds along with pleasant new tunes. Over-all, there is a wonderful rhythm and feeling replete with good solos that make for very rewarding listening.

///////

El entorno inicial de Bob Brookmeyer estaba en la base del jazz de su ciudad natal, Kansas City. Como músico, ha sido uno de los trombonistas más expresivos y emocionales de todos los modernos... Su especialidad es el que tiene válvulas en lugar de diapositivas. Pero a pesar de que su estilo no se limita a ninguna escuela o actitud, siempre ha sido muy consciente de los fundamentos del jazz, con un gran énfasis en el maravilloso y rodante swing que fue parte de la organización Basie.

Sus ideas evolucionaron a partir de sus propias experiencias. "No tengo miedo de que me llamen regresivo", dijo. "La música puede ser como el amor y la pintura. El hecho de que una canción y un espíritu hayan existido durante un tiempo no significa que su valor haya disminuido." En estas dos grandes sesiones de 1958, Brookmeyer y sus amigos repasan algunos viejos sonidos de Kansas City junto con nuevas y agradables melodías. En general, hay un ritmo maravilloso y un sentimiento repleto de buenos solos que son muy gratificantes.

Gary Burton & Friends • Six Pack

 

  

Features Pat Metheny, Steve Swallow, Paul Schaffer, Mulgrew Miller -- and guest work from Jack DeJohnette, John Scofield, Jim Hall, and BB King. 

 

 

Gerry Mulligan • Night Lights

 

 

www.gerrymulligan.com ...

Jim Hall • Something Extraordinary

 

Biography:

A harmonically advanced cool-toned and subtle guitarist, Jim Hall was an inspiration to many guitarists, including some (such as Bill Frisell) who sound nothing like him. Hall attended the Cleveland Institute of Music and studied classical guitar in Los Angeles with Vicente Gómez. He was an original member of the Chico Hamilton Quintet (1955-1956), and during 1956-1959 was with the Jimmy Giuffre Three. After touring with Ella Fitzgerald (1960-1961) and sometimes forming duos with Lee Konitz, Hall was with Sonny Rollins' dynamic quartet in 1961-1962, recording The Bridge. He co-led a quartet with Art Farmer (1962-1964), recorded on an occasional basis with Paul Desmond during 1959-1965 (all of their quartet performances are collected on a Mosaic box set), and then became a New York studio musician. He was mostly a leader during the following years and, in addition to his own projects for World Pacific/Pacific Jazz, MPS, Milestone, CTI, Horizon, Artist House, Concord, MusicMasters, and Telarc, Jim Hall recorded two classic duet albums with Bill Evans. A self-titled collaboration with Pat Metheny followed in 1999. A flurry of studio albums, reissues, and compilations followed throughout the next few years, with the exceptional Jim Hall & Basses standing out for its bass/guitar duet format. Jim Hall died at his apartment in Manhattan on December 10, 2013; he was 83 years old.

///////

Biografía:

Un guitarrista armónicamente avanzado de tono frío y sutil, Jim Hall fue una inspiración para muchos guitarristas, incluyendo algunos (como Bill Frisell) que no se parecen en nada a él. Hall asistió al Instituto de Música de Cleveland y estudió guitarra clásica en Los Ángeles con Vicente Gómez. Fue miembro original del Quinteto Chico Hamilton (1955-1956), y durante 1956-1959 estuvo con los Tres de Jimmy Giuffre. Después de ir de gira con Ella Fitzgerald (1960-1961) y a veces formando dúos con Lee Konitz, Hall estuvo con el dinámico cuarteto de Sonny Rollins en 1961-1962, grabando The Bridge. Dirigió un cuarteto con Art Farmer (1962-1964), grabó ocasionalmente con Paul Desmond durante 1959-1965 (todas sus actuaciones en cuarteto se recogen en una caja de Mosaico), y luego se convirtió en un músico de estudio de Nueva York. Fue principalmente un líder durante los años siguientes y, además de sus propios proyectos para World Pacific/Pacific Jazz, MPS, Milestone, CTI, Horizon, Artist House, Concord, MusicMasters y Telarc, Jim Hall grabó dos álbumes clásicos a dúo con Bill Evans. En 1999 se produjo una colaboración autotitulada con Pat Metheny. Una ráfaga de álbumes de estudio, reediciones y compilaciones siguieron a lo largo de los siguientes años, con el excepcional Jim Hall & Basses destacándose por su formato de dúo bajo/guitarra. Jim Hall murió en su apartamento de Manhattan el 10 de diciembre de 2013; tenía 83 años. 

 

 

Stan Getz • The Girl From Ipanema - The Bossa Nova Years 4 CDs

 

Review:

"This 4-CD box set contains nearly all of Stan Getz's classic bossa nova sessions, five wonderful yet diverse LPs (Jazz Samba, Big Band Bossa Nova, Jazz Samba Encore, Stan Getz/Laurindo Almeida, and Getz/Gilberto). The cool-toned tenor is heard on his groundbreaking collaboration with guitarist Charlie Byrd (which resulted in the best-selling "Desafinado"), is showcased with a big band arranged by Gary McFarland (introducing "No More Blues" and "One Note Samba"), stars in recordings with guitarists Laurindo Almeida and Luiz Bonfa, and is heard at the famous meeting with composer/pianist Antonio Carlos Jobim, guitarist João Gilberto, and singer Astrud Gilberto, which resulted in the major hit "The Girl From Ipanema." This essential set finishes off with three previously unissued performances from a 1964 Carnegie Hall Concert, concluding with a remake of "The Girl From Ipanema." These recordings stand as proof that it is possible for good music to sell."

Scott Yanow -All Music Guide

///////

Revisar:

"Este set de 4 CDs contiene casi todas las sesiones clásicas de bossa nova de Stan Getz, cinco maravillosos y diversos LPs (Jazz Samba, Big Band Bossa Nova, Jazz Samba Encore, Stan Getz/Laurindo Almeida, y Getz/Gilberto). El tenor de tono fresco se escucha en su innovadora colaboración con el guitarrista Charlie Byrd (que resultó en el éxito de ventas "Desafinado"), y se presenta con una gran banda arreglada por Gary McFarland (presentando "No More Blues" y "One Note Samba"), es protagonista en grabaciones con los guitarristas Laurindo Almeida y Luiz Bonfa, y se escucha en el famoso encuentro con el compositor y pianista Antonio Carlos Jobim, el guitarrista João Gilberto y el cantante Astrud Gilberto, que dio como resultado el gran éxito "The Girl From Ipanema"." Este conjunto esencial se completa con tres actuaciones inéditas de un concierto en el Carnegie Hall de 1964, y concluye con un remake de "The Girl From Ipanema". Estas grabaciones son la prueba de que es posible que la buena música se venda".

Scott Yanow -All Music Guide

freshsoundrecords.com ...  

Jim Hall • San Francisco 1986

 

 

A consummate jazz guitarist, Hall's live albums (like "Jim Hall Live!", and "Vol. 2-4" from the same gig as "Live", and "Jim Hall in Tokyo" with the same rhythm section as "Live") have a different quality from his studio recordings. There was a certain subtle excitement, a bit more of an exploratory feel in his playing — nothing over the top, just a willingness to slightly expand his playing on both originals and standards. And this set from 1986 at the American Music Hall in S.F. (with his working rhythm section) is another example of how good Hall was in concert. The trio is Hall-guitar, Steve LaSpina-bass, and Akira Tana-drums. Listening to these three musicians you can hear why it was Hall's working trio at the time. Their intuitive playing is outstanding.

Every tune here has something to recommend it. Things like "With A Song In My Heart", "All The Things You Are", "Chelsea Bridge", from Disc 1 are just some of the highlights. Disc 2 has good things like "I Should Care", "Blue Monk>Hide & Seek", "Bottlenose Blues", and the theme from "MASH" — which isn't a pander to the audience — far from it. This arrangement is another real high point from this gig. There's also an unlisted tune at the end of Disc 2 titled "Aruba", which the trio played after the last listed track, "Waltz (reprise)".

The sound is very good/excellent. The discs snap into trays inside the tri-fold cardboard package which also has a slot for the booklet. The two page booklet has a two panel essay on Hall plus a b&w photo of the trio and one of Hall with his guitar I remember from his "Live!" album.

Speaking of good live Jim Hall, if you're a fan of Hall you already are familiar with the "Jim Hall Live !" album, and hopefully the additional set "Vol. 2-4" which is more from the "Live !" gig. Hopefully that set will be reissued in the future as it was available for a relatively short time. I first really heard Hall when he was with Jimmy Guiffre in the '50s, and was taken aback by his fine playing. Live Hall was always a bit better to my ears than his studio albums — he was a bit more exploratory in his playing, and this 2 CD set is yet another great example of his live work. Jim Hall fans gets this. If his name is new to you check out the live albums mentioned above plus the album with Bill Evans Undercurrent, plus other good examples of his studio recordings.
Stuart Jefferson
https://www.amazon.fr/San-Francisco-Radio-Broadcast-1986/dp/B08GLWD3QW#customerReviews

///////

Un consumado guitarrista de jazz, los álbumes en directo de Hall (como "Jim Hall Live!", y "Vol. 2-4" del mismo concierto que "Live", y "Jim Hall in Tokyo" con la misma sección rítmica que "Live") tienen una calidad diferente a sus grabaciones de estudio. Había un cierto entusiasmo sutil, un poco más de sensación exploratoria en su forma de tocar - nada exagerado, sólo una voluntad de ampliar ligeramente su forma de tocar tanto en los originales como en los estándares. Y este set de 1986 en el American Music Hall de S.F. (con su sección rítmica de trabajo) es otro ejemplo de lo bueno que era Hall en concierto. El trío está formado por Hall-guitarra, Steve LaSpina-bajo y Akira Tana-batería. Escuchando a estos tres músicos se puede entender por qué era el trío de trabajo de Hall en aquella época. Su forma de tocar intuitiva es extraordinaria.

Cada melodía aquí tiene algo que recomendar. Cosas como "With A Song In My Heart", "All The Things You Are", "Chelsea Bridge", del disco 1 son sólo algunas de las más destacadas. El disco 2 tiene cosas buenas como "I Should Care", "Blue Monk>Hide & Seek", "Bottlenose Blues", y el tema de "MASH", que no es una alabanza al público, ni mucho menos. Este arreglo es otro de los puntos fuertes de este concierto. Al final del disco 2 hay un tema que no figura en la lista, titulado "Aruba", que el trío tocó después del último tema de la lista, "Waltz (reprise)".

El sonido es muy bueno/excelente. Los discos encajan en bandejas dentro del paquete de cartón tríptico que también tiene una ranura para el folleto. El folleto de dos páginas tiene un ensayo de dos paneles sobre Hall, además de una foto en blanco y negro del trío y una de Hall con su guitarra que recuerdo de su álbum "Live!".

Hablando de un buen Jim Hall en vivo, si eres un fan de Hall ya estás familiarizado con el álbum "Jim Hall Live !", y con suerte el set adicional "Vol. 2-4" que es más del concierto "Live !". Esperemos que ese conjunto se reedite en el futuro, ya que estuvo disponible durante un tiempo relativamente corto. La primera vez que escuché a Hall fue cuando estaba con Jimmy Guiffre en los años 50, y me sorprendió su forma de tocar. Para mí, Hall en vivo siempre fue mejor que sus álbumes de estudio, ya que era un poco más explorador en su forma de tocar, y este conjunto de 2 CD es otro gran ejemplo de su trabajo en vivo. Los fans de Jim Hall tienen esto. Si su nombre es nuevo para ti, echa un vistazo a los álbumes en vivo mencionados anteriormente y al álbum con Bill Evans Undercurrent, además de otros buenos ejemplos de sus grabaciones de estudio.
Stuart Jefferson
https://www.amazon.fr/San-Francisco-Radio-Broadcast-1986/dp/B08GLWD3QW#customerReviews

Sonny Stitt • Stitt Plays Bird

 

Roger Kellaway • A Jazz Portrait of Roger Kellaway

 

Review from AllMusic (by Ken Dryden):
Roger Kellaway was at the beginning of his professional career when he recorded this album for the long-defunct Regina label in 1963. He had recently taken over as the featured pianist at Filly's, a 52nd Street nightclub in New York City. For these sessions, Kellaway utilizes two separate groups. The trio selections with bassist Ben Tucker and drummer Dave Bailey include Kellaway's forward-thinking uptempo blues "Double Fault," the bittersweet ballad "Here Today, Gone Tomorrow," and a romp through the oldie "Crazy She Calls Me" that proves very playful. His quartet with guitarist Jim Hall, bassist Steve Swallow, and drummer Tony Inzalaco plays his gospel-flavored "Same Old, Same Old" and the easygoing "And Elsewhere," the latter sounding like it could have been written for a '60s television theme. Kellaway may surprise a few fans with his brilliant stride piano interpretation of Sidney Bechet's "Broken Windmill." Long out of print, this rewarding release was finally reissued by Fresh Sound in 1990.
https://www.allmusic.com/album/a-jazz-portrait-of-roger-kellaway-mw0000308388

///////

Reseña de AllMusic (por Ken Dryden):
Roger Kellaway estaba al comienzo de su carrera profesional cuando grabo este album para el ya desaparecido sello Regina en 1963. Acababa de convertirse en el pianista estrella del Filly's, un club nocturno de la calle 52 en Nueva York. Para estas sesiones, Kellaway utiliza dos grupos distintos. Las selecciones en trio con el bajista Ben Tucker y el baterista Dave Bailey incluyen el blues de tempo rapido y vision de futuro "Double Fault", la balada agridulce "Here Today, Gone Tomorrow" y una version muy juguetona del clasico "Crazy She Calls Me". Su cuarteto con el guitarrista Jim Hall, el bajista Steve Swallow y el baterista Tony Inzalaco interpreta su "Same Old, Same Old" de sabor gospel y el relajado "And Elsewhere", que suena como si hubiera sido escrito para un programa de television de los anos 60. Kellaway puede sorprender a algunos fans con su brillante interpretacion al piano stride de "Broken Windmill" de Sidney Bechet. Agotado por mucho tiempo, este valioso lanzamiento fue finalmente reeditado por Fresh Sound en 1990.
https://www.allmusic.com/album/a-jazz-portrait-of-roger-kellaway-mw0000308388

Sonny Rollins • Sonny Rollins & Co. 1964

 

 

Review by Scott Yanow
This CD from the Bluebird reissue series fills a lot of gaps in Sonny Rollins' discography. The 13 selections are taken from six different sessions from 1964. The personnel changes from date to date, with either Ron Carter or Bob Cranshaw on bass and Roy McCurdy or Mickey Roker on drums, along with pianist Herbie Hancock on five songs and guitarist Jim Hall on three others. Some of the music comprises alternate takes, and in contrast to a rambling 16-minute version of "Now's the Time," a few of the briefer songs (seven are under four minutes) shut down prematurely. However, the great tenor's improvisations are consistently fascinating, as he reconciles his avant-garde flights to the standards he is performing. "Autumn Nocturne" is a high point.
https://www.allmusic.com/album/sonny-rollins-co-1964-mw0000124581

///////

Reseña de Scott Yanow
Este CD de la serie de reediciones de Bluebird llena muchos vacíos en la discografía de Sonny Rollins. Las 13 selecciones se toman de seis sesiones diferentes de 1964. El personal cambia de una fecha a otra, con Ron Carter o Bob Cranshaw en el bajo y Roy McCurdy o Mickey Roker en la batería, junto con el pianista Herbie Hancock en cinco canciones y el guitarrista Jim Hall en otras tres. Parte de la música comprende tomas alternativas, y en contraste con una versión laberíntica de 16 minutos de "Now's the Time", algunas de las canciones más breves (siete tienen menos de cuatro minutos) se apagan prematuramente. Sin embargo, las improvisaciones del gran tenor son siempre fascinantes, ya que concilia sus vuelos vanguardistas con los estándares que está interpretando. "Nocturno de otoño" es un punto culminante.
https://www.allmusic.com/album/sonny-rollins-co-1964-mw0000124581

sonnyrollins.com ...

 

Paul Desmond • Take Ten

Review by Richard S. Ginell

Now listeners enter the heart of the Paul Desmond/Jim Hall sessions, a great quartet date with Gene Cherico manning the bass (Gene Wright deputizes on the title track) and MJQ drummer Connie Kay displaying other sides of his personality. Everyone wanted Desmond to come up with a sequel to the monster hit "Take Five"; and so he did, reworking the tune and playfully designating the meter as 10/8. Hence "Take Ten," a worthy sequel with a solo that has a Middle-Eastern feeling akin to Desmond's famous extemporaneous excursion with Brubeck in "Le Souk" back in 1954. It was here that Desmond also unveiled a spin-off of the then-red-hot bossa nova groove that he called "bossa antigua" (a sardonic play-on-words meaning "old thing", which laid the ground for Desmond's next album and a few more later in the decade. Two of the best examples are his own tunes, the samba-like "El Prince" (named after arranger Bob Prince), an infectious number with on-the-wing solo flights that you can't get out of your head, and the haunting "Embarcadero." Hall now gets plenty of room to stretch out, supported by Kay's gently dropped bombs, and he is the perfect understated swinging foil for the wistful altoist. There is not a single track here that isn't loaded with ingeniously worked out, always melodic ideas.

///////

Traducción Automática:

Revisión por Richard S. Ginell
Ahora los oyentes entran en el corazón de las sesiones de Paul Desmond / Jim Hall, una gran cita con Gene Cherico manejando el bajo (Gene Wright actúa en la pista del título) y la baterista de MJQ, Connie Kay, muestra otros aspectos de su personalidad. Todos querían que Desmond propusiera una secuela del monstruo "Take Five"; y así lo hizo, reelaborando la melodía y designando juguetonamente el medidor como 10/8. De ahí "Take Ten", una digna secuela con un solo que tiene un sentimiento de Medio Oriente similar a la famosa excursión extemporánea de Desmond con Brubeck en "Le Souk" en 1954. Fue aquí donde Desmond también dio a conocer un spin-off del entonces -dirigió el ritmo de bossa nova que él llamó "bossa antigua" (una sardónica palabra de juego que significa "cosa antigua", que sentó las bases para el próximo álbum de Desmond y algunos más más adelante en la década. Dos de los mejores ejemplos son sus propias melodías, el samba "El Prince" (llamado así por el arreglista Bob Prince), un número contagioso con vuelos en solitario en el ala que no puedes salir de tu cabeza, y el inquietante "Embarcadero". Hall ahora tiene un montón de espacio para estirarse, apoyado por las bombas caídas de Kay, y es el perfecto y discreto balanceo para el nostálgico altoista. No hay una sola pista aquí que no esté cargada de ideas ingeniosas, siempre melódicas. .

Buddy Collette-Chico Hamilton • Tanganyika

 

Chico Hamilton • Complete Studio Sessions [1956-1957]

 

Review by Michael G. Nastos  
This is the fourth Fresh Sound CD reissuing drummer Chico Hamilton's early ensembles to come out, and it is perhaps his most important grouping. The quintet played originals and standard covers that combined elements of Eastern and Western strains of mainstream and chamber jazz with instruments like flute, cello, and guitar. Hamilton created new music that some scratched their heads at, but most understood and enjoyed its softer tones and rounded edges. These studio works from four Los Angeles based sessions released on the Pacific Jazz, World Pacific, and Decca labels stem from the second version of Hamilton's quintet, which originally included Jim Hall and Buddy Collette. When Hall joined the Jimmy Giuffre trio, the tasteful guitarist John Pisano was recruited, then original woodwind player Buddy Collette left for greener pastures, and multi-instrumentalist Paul Horn was asked to join. Cellist Fred Katz and bassist Carson Smith remained, retaining the classical spirit of the group, but the addition of Pisano and Horn did nothing to diminish what the ensemble sound had attained, and would embellish. And it is their compositions that distinguish this music from any other group of the era, save that of Dave Brubeck. Smith's "Chanel #5" is a fluid, sprightly flute/cello waltz with Horn's Paul Desmond style alto sax added on. "Beanstalk" is an easy swinger merging melodies of "Love Me or Leave Me" and "Softly, As in a Morning Sunrise," while "Mr. Smith Goes to Town" takes off with Smith's witty bass leading the charge. Of the classically oriented compositions of Katz, the beautiful ballad "Lillian" is as romantic as can be with Horn's alto singing his heart out, while "Reflections" has Horn's evocative and pristine flute countering a pristine cello from the author. Hall's tunes remained in the repertoire, especially the extraordinary "Siete-Cuatro" in 7/8 with ostinato bass, Horn's wonderful textures on alto, repeat guitar lines, legato cello, and tambourine accents. There are three abbreviated versions of Hall's band theme "I Know," a classic read of "Satin Doll," an intriguing calypso infused "Soft Winds," an outstanding take of "September Song" where Horn's clarinet and the cello of Katz weep mournfully about the change of season and lost love, and a fine flute front loaded Latin snake charmer style identifying the classic "Caravan." Collette also left behind "Blue Sands" and "The Ghost," performed on the Stars of Jazz ABC television program on Christmas Eve of 1956. The former is an exotic discourse in mysterious notions, the latter using very clever interplay between the five instrumentalists. Hamilton plays brushes and little instruments for the most part, composed two tracks where he is the featured soloist, and co-composed another four with Katz that appeared in the film of Sweet Smell of Success. There is a full CD of that movie soundtrack available on a separate CD that is the fifth reissued Fresh Sound CD featuring this ensemble. While this is not absolutely the complete studio recordings of this legendary ensemble, it is ultimately substantive, representing a marvelous sound that is as appealing as any in the modern post-bop idiom, and ranks favorably with any chamber jazz attempts of any era.
https://www.allmusic.com/album/complete-studio-sessions-1956-57-mw0001685367

///////

Reseña de Michael G. Nastos  
Este es el cuarto CD de Fresh Sound que reedita los primeros conjuntos del baterista Chico Hamilton, y es quizás su agrupación más importante. El quinteto tocó versiones originales y estándar que combinaban elementos de las cepas orientales y occidentales del jazz convencional y de cámara con instrumentos como flauta, violonchelo y guitarra. Hamilton creó nueva música que algunos se rascaron la cabeza, pero la mayoría entendió y disfrutó de sus tonos más suaves y bordes redondeados. Estos trabajos de estudio de cuatro sesiones con sede en Los Ángeles lanzados en los sellos Pacific Jazz, World Pacific y Decca provienen de la segunda versión del quinteto de Hamilton, que originalmente incluía a Jim Hall y Buddy Collette. Cuando Hall se unió al Jimmy Giuffre trio, se reclutó al guitarrista de buen gusto John Pisano, luego el músico de viento de madera original Buddy Collette se fue a pastos más verdes, y se le pidió al multiinstrumentista Paul Horn que se uniera. El violonchelista Fred Katz y el bajista Carson Smith permanecieron, conservando el espíritu clásico del grupo, pero la adición de Pisano y Horn no hizo nada para disminuir lo que el sonido del conjunto había logrado, y embellecería. Y son sus composiciones las que distinguen a esta música de cualquier otro grupo de la época, salvo la de Dave Brubeck. "Chanel #5" de Smith es un vals fluido y vivaz para flauta/violonchelo con saxo alto estilo Paul Desmond de Horn agregado. "Beanstalk" es un intercambio de parejas fácil que fusiona melodías de "Love Me or Leave Me" y "Softly, As in a Morning Sunrise", mientras que " Mr. Smith Goes to Town " despega con el ingenioso bajo de Smith liderando la carga. De las composiciones de orientación clásica de Katz, la hermosa balada "Lillian" es tan romántica como puede serlo con el alto de Horn cantando con todo su corazón, mientras que "Reflections" tiene la flauta evocadora y prístina de Horn contrarrestando un violonchelo prístino del autor. Las melodías de Hall permanecieron en el repertorio, especialmente el extraordinario "Siete-Cuatro" en 7/8 con bajo ostinato, maravillosas texturas de Cuerno en alto, líneas de guitarra repetidas, violonchelo legato y acentos de pandereta. Hay tres versiones abreviadas del tema de la banda de Hall, "I Know", una lectura clásica de "Satin Doll", un intrigante calipso infundido con "Soft Winds", una toma sobresaliente de" September Song "donde el clarinete de Horn y el violonchelo de Katz lloran tristemente por el cambio de estación y el amor perdido, y una flauta fina cargada de estilo encantador de serpientes latinas que identifica el clásico "Caravan". Collette también dejó atrás "Blue Sands" y "The Ghost", interpretadas en el programa de televisión Stars of Jazz ABC en la víspera de Navidad de 1956 .  El primero es un discurso exótico en nociones misteriosas, el segundo utiliza una interacción muy inteligente entre los cinco instrumentistas. Hamilton toca pinceles y pequeños instrumentos en su mayor parte, compuso dos temas en los que es el solista destacado, y co-compuso otros cuatro con Katz que aparecieron en la película de Sweet Smell of Success. Hay un CD completo de la banda sonora de esa película disponible en un CD separado que es el quinto CD de Sonido fresco reeditado con este conjunto. Si bien estas no son absolutamente las grabaciones de estudio completas de este legendario conjunto, en última instancia son sustantivas, representan un sonido maravilloso que es tan atractivo como cualquier otro en el lenguaje moderno post-bop, y se clasifica favorablemente con cualquier intento de jazz de cámara de cualquier época.
https://www.allmusic.com/album/complete-studio-sessions-1956-57-mw0001685367

Jimmy Giuffre • The Jimmy Giuffre 3