VA • Jump & Swing with Black Top

Introduction to the contemporary West Coast blues sound, Jump and Swing With Black Top features artists including Rod Piazza, Guitar Shorty, Greg Piccolo, James Harman playing in the tradition of the music of the 1940s.

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Introducción al sonido contemporáneo del blues de la Costa Oeste, Jump and Swing With Black Top presenta a artistas como Rod Piazza, Guitar Shorty, Greg Piccolo, James Harman tocando en la tradición de la música de los años 40.

Allen Toussaint • The Wild Sound Of New Orleans

 

 

Biography by Steve Huey
Producer, songwriter, arranger, session pianist, solo artist -- Allen Toussaint wore all these hats over the course of his lengthy and prolific career, and his behind-the-scenes work alone would have been enough to make him a legend of New Orleans R&B. Thanks to his work with numerous other artists, Toussaint bore an enormous amount of responsibility for the sound of R&B in the Crescent City from the '60s on into the '70s. His productions kept with the times, moving from rollicking, earthy soul in the '60s to gritty, rambunctious funk in the '70s. As a composer, Toussaint proved himself a consistent hitmaker, penning more than a few gems that have since become R&B standards and been covered by countless artists working in many different styles. In keeping with that across-the-board appeal, Toussaint worked in some supporting capacity for a wide variety of rock and blues legends, particularly from the '70s on. On top of all that, Toussaint waxed his own records from time to time, enjoying a creative peak in the '70s with several albums that highlighted his laid-back vocals and elegantly funky piano work. Even if he wasn't always the most visible figure, Toussaint's contributions to New Orleans music -- and to rock & roll in general -- were such that he earned induction into the Rock and Roll Hall of Fame in 1998.

Toussaint was born January 14, 1938, in New Orleans, and began learning piano at age seven, inspired by Professor Longhair; his style later grew to include elements of Fats Domino, Huey "Piano" Smith, and Ray Charles. As a teenager, he played in a band called the Flamingoes with bluesman Snooks Eaglin. Toussaint caught his first professional break at age 17, when Earl King tapped him to fill in for Smith at a live gig. Not long after, famed producer/songwriter Dave Bartholomew -- whose role in New Orleans R&B during the '50s was fairly analogous to Toussaint's later career -- hired him to lay down the piano parts at a Fats Domino recording session for which Domino himself was unavailable. Bartholomew made regular use of Toussaint, most notably on further sessions for Domino and Smiley Lewis, and demand for the young pianist's services grew quickly, especially after he first displayed his talent as an arranger on saxman Lee Allen's biggest hit, "Walkin' with Mr. Lee." In 1958, Toussaint recorded an instrumental album for RCA called The Wild Sound of New Orleans, under the alias Tousan; one of his original compositions for the record, "Java," went on to become a smash hit for Dixieland jazz trumpeter Al Hirt five years later. Toussaint also began writing under the pseudonym Naomi Neville, after his mother's maiden name.

In 1960, Toussaint was hired by Joe Banashak as an A&R man for the brand-new Minit label; in practice, he wound up masterminding most of the label's recording sessions. It was here that Toussaint truly began to build his legend. His first national success as a producer came with Jessie Hill's R&B Top Five smash "Ooh Poo Pah Doo" in 1960, and the classic hits came fast and furious after that: Ernie K-Doe's pop and R&B number one "Mother-in-Law" (a Toussaint composition), Benny Spellman's "Fortune Teller," and "Lipstick Traces (On a Cigarette)" (both Toussaint tunes written as Naomi Neville, with the former later covered by the Rolling Stones), Chris Kenner's original version of "Land of 1000 Dances," Lee Dorsey's "Ya Ya," and numerous sides with New Orleans soul queen Irma Thomas. Toussaint's singular touch on all these records redefined the sound of New Orleans R&B for a new decade. When Banashak left Minit to found another label, Instant, Toussaint went with him to fulfill much the same duties; he also freelanced elsewhere, most prominently with Dorsey's recordings for the Fury label, and cut a few low-profile singles of his own, mostly for Seville. In 1963, Toussaint was drafted into the military, during which time he recorded with his backing band the Stokes while on leave; one of their tunes, the Naomi Neville credit "Whipped Cream," was covered by Herb Alpert in 1965 for an instrumental hit, which was in turn later adopted as the theme for TV's The Dating Game.

Upon his discharge in 1965, Toussaint teamed up with fellow producer Marshall Sehorn to form a production company and record label, Sansu Enterprises. Sansu recorded the likes of Betty Harris, Earl King, Chris Kenner, and Lou Johnson, among others, often leasing their singles to larger labels for official release. Their most profitable association was with Lee Dorsey, who returned to the upper reaches of the R&B charts with Toussaint-penned hits like "Ride Your Pony," the oft-covered "Get Out of My Life Woman," the immortal "Working in a Coalmine," and "Everything I Do Gonh Be Funky (From Now On)" (covered by jazzman Lou Donaldson). In 1966, Sansu also engaged the services of a house band dubbed the Meters, who supplied backing for nearly all of the company's productions; after the Meters started making their own records in 1969 (produced by Toussaint), they developed into arguably the top instrumental funk ensemble of the '70s outside of the J.B.'s.

Allen Toussaint
In 1971, Toussaint recorded his first solo album in over a decade for Scepter, calling it simply Toussaint (it was later reissued in the U.K. as From a Whisper to a Scream, after its best-known track). The following year, he moved up to Reprise for Life, Love and Faith, and he and Sehorn opened a state-of-the-art recording studio in New Orleans called Sea-Saint, which became the site for most of his subsequent projects. In addition to his solo records, Toussaint was getting more high-profile offers for outside work during the first half of the '70s. He did horn arrangements for the Band, Paul Simon, Little Feat, and Sandy Denny, and his continued work with the Meters was moving him into contemporary funk with a harder edge than his own albums. In fact, he wound up producing two of New Orleans' greatest funk records: Dr. John's Top Ten hit "Right Place, Wrong Time" and LaBelle's number one disco-funk smash "Lady Marmalade." In 1975, Toussaint released what many regarded as his finest solo album, Southern Nights; the title track went on to become a huge hit for country-pop superstar Glen Campbell, and "What Do You Want the Girl to Do?" was covered by Boz Scaggs, Lowell George, and Bonnie Raitt.

In 1976, Toussaint produced the Meters-related group the Wild Tchoupitoulas, whose self-titled debut was hailed as a classic of New Orleans funk. The record's experimentalism signaled a growing desire to branch out in the Meters camp, though, which would soon cause the band's split with Toussaint and, eventually, each other. The absence of their unerring sense of groove was noticeable on Toussaint's final solo LP for quite some time, 1978's Motion. Toussaint's activities tailed off in the years that followed; he still produced, arranged, and played piano on selected projects, which included albums by blues artists Etta James and Albert King, and rockers Elvis Costello and Joe Cocker, among others. In the meantime, his extensive song catalog was still mined regularly for cover material; the Lee Dorsey period was the most fertile, not just for "Working in a Coalmine" (Devo, the Judds), but lesser-known items like "Yes We Can" (the Pointer Sisters), "Sneakin' Sally Through the Alley" (Robert Palmer), and "Freedom for the Stallion" (the Oak Ridge Boys, among others). In addition, "Play Something Sweet (Brickyard Blues)" was a hit for Three Dog Night, and Bonnie Raitt cut a well-received version of "What Is Success."

The Allen Toussaint Collection, a fine overview of his major-label recordings in the '70s, was released in 1991. In 1996, Toussaint formed a new label, NYNO, and recorded a full album of new material at his Sea-Saint studio titled Connected. Toussaint also began recording newer Crescent City artists in hopes of preserving the classic New Orleans sound. He was inducted into the Rock & Roll Hall of Fame in 1998 in the non-performer category. Going Places, attributed to Allen Toussaint's Jazzity Project, appeared in 2005, followed by the Joe Henry-produced The Bright Mississippi from Nonesuch Records in 2009. Four years later, the solo live album Songbook -- its performances dating from 2006 -- appeared on Rounder. Although Toussaint continued to perform, Songbook was the last album he released; he died in Madrid on November 10, 2015 while touring. A few weeks prior to his passing, Toussaint reunited with Joe Henry to cut material for a new record. Those recordings, combined with some solo 2013 sessions, were packaged as the posthumous American Tunes, released in June of 2016.
https://www.allmusic.com/artist/allen-toussaint-mn0000933172/biography

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Biografía de Steve Huey
Productor, compositor, arreglista, pianista de sesión, solista -- Allen Toussaint llevó todos estos sombreros a lo largo de su larga y prolífica carrera, y su trabajo entre bastidores por sí solo habría sido suficiente para convertirlo en una leyenda del R&B de Nueva Orleans. Gracias a su trabajo con muchos otros artistas, Toussaint tuvo una enorme responsabilidad en el sonido del R&B en Crescent City desde los años 60 hasta los 70. Sus producciones se mantuvieron con los tiempos, pasando de un alma terrenal y alegre en los 60 a un funk descarnado y bullicioso en los 70. Como compositor, Toussaint demostró ser un hitmaker consistente, escribiendo más de unas pocas gemas que se han convertido en estándares del R&B y han sido cubiertas por innumerables artistas que trabajan en muchos estilos diferentes. Para mantener ese atractivo general, Toussaint trabajó en cierta medida como soporte de una amplia variedad de leyendas del rock y el blues, especialmente a partir de los años 70. Además, Toussaint enceró sus propios discos de vez en cuando, disfrutando de un pico creativo en los 70 con varios álbumes que destacaban sus relajadas voces y su elegante trabajo en el piano. Aunque no siempre fue la figura más visible, las contribuciones de Toussaint a la música de Nueva Orleans, y al rock & roll en general, fueron tales que le hicieron entrar en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1998.

Toussaint nació el 14 de enero de 1938 en Nueva Orleans, y comenzó a aprender piano a los siete años, inspirado por el profesor Longhair; su estilo creció más tarde para incluir elementos de Fats Domino, Huey "Piano" Smith y Ray Charles. En su adolescencia, tocó en una banda llamada los Flamingoes con el bluesman Snooks Eaglin. Toussaint tuvo su primera oportunidad profesional a los 17 años, cuando Earl King le pidió que sustituyera a Smith en un concierto en vivo. Poco después, el famoso productor y compositor Dave Bartholomew, cuyo papel en el R&B de Nueva Orleans durante los años 50 era bastante análogo a la carrera posterior de Toussaint, le contrató para que pusiera las partes de piano en una sesión de grabación de Fats Domino para la que el propio Domino no estaba disponible. Bartholomew utilizó regularmente a Toussaint, sobre todo en sesiones posteriores para Domino y Smiley Lewis, y la demanda de los servicios del joven pianista creció rápidamente, especialmente después de que mostrara su talento como arreglista en el mayor éxito del saxofonista Lee Allen, "Walkin' with Mr. Lee". En 1958, Toussaint grabó un álbum instrumental para RCA llamado The Wild Sound of New Orleans, bajo el alias de Tousan; una de sus composiciones originales para el disco, "Java", se convirtió en un gran éxito para el trompetista de jazz de Dixieland, Al Hirt, cinco años más tarde. Toussaint también empezó a escribir bajo el seudónimo de Naomi Neville, por el apellido de soltera de su madre.

En 1960, Toussaint fue contratado por Joe Banashak como hombre de A&R para el flamante sello Minit; en la práctica, terminó siendo el cerebro de la mayoría de las sesiones de grabación del sello. Fue aquí donde Toussaint realmente comenzó a construir su leyenda. Su primer éxito nacional como productor llegó con el éxito del Top 5 de R&B de Jessie Hill "Ooh Poo Pah Doo" en 1960, y los éxitos clásicos llegaron rápido y furiosos después de eso: El pop y R&B número uno de Ernie K-Doe "Mother-in-Law" (una composición de Toussaint), "Fortune Teller" de Benny Spellman, y "Lipstick Traces (On a Cigarette)" (ambas canciones de Toussaint escritas como Naomi Neville, con el primero cubierto más tarde por los Rolling Stones), la versión original de Chris Kenner de "La Tierra de los 1000 Bailes", "Ya Ya" de Lee Dorsey, y numerosos lados con la reina del soul de Nueva Orleans, Irma Thomas. El toque singular de Toussaint en todos estos discos redefinió el sonido del R&B de Nueva Orleans para una nueva década. Cuando Banashak dejó Minit para fundar otra discográfica, Instant, Toussaint se fue con él para cumplir con los mismos deberes; también trabajó como freelance en otros lugares, sobre todo con las grabaciones de Dorsey para la discográfica Fury, y grabó algunos sencillos de bajo perfil propios, sobre todo para Sevilla. En 1963, Toussaint fue reclutado en el ejército, durante el cual grabó con su banda de apoyo los Stokes mientras estaba de permiso; una de sus canciones, el crédito de Naomi Neville "Whipped Cream", fue cubierta por Herb Alpert en 1965 para un éxito instrumental, que a su vez fue adoptado más tarde como el tema para el programa de televisión The Dating Game.


Tras su licenciamiento en 1965, Toussaint se asoció con su colega Marshall Sehorn para formar una compañía de producción y un sello discográfico, Sansu Enterprises. Sansu grabó a gente como Betty Harris, Earl King, Chris Kenner y Lou Johnson, entre otros, y a menudo alquiló sus singles a grandes sellos para su lanzamiento oficial. Su asociación más provechosa fue con Lee Dorsey, que regresó a los primeros puestos de las listas de R&B con éxitos de Toussaint como "Ride Your Pony", el frecuentemente cubierto "Get out of my life woman", el inmortal "Working in a coaline" y "Everything I do gonh be funky (from now on)" (cubierto por el jazzista Lou Donaldson). En 1966, Sansu también contrató los servicios de una banda de la casa llamada The Meters, que proporcionó el respaldo para casi todas las producciones de la compañía; después de que The Meters comenzara a hacer sus propios discos en 1969 (producidos por Toussaint), se convirtieron en el principal conjunto de funk instrumental de los 70 fuera de los J.B.'s.

Allen Toussaint
En 1971, Toussaint grabó su primer álbum en solitario en más de un decenio para Scepter, llamándolo simplemente Toussaint (posteriormente se reeditó en el Reino Unido como From a Whisper to a Scream, en honor a su canción más conocida). Al año siguiente, ascendió a Reprise for Life, Love and Faith, y él y Sehorn abrieron un estudio de grabación de última generación en Nueva Orleans llamado Sea-Saint, que se convirtió en el lugar de la mayoría de sus proyectos posteriores. Además de sus discos en solitario, Toussaint recibió más ofertas de alto perfil para trabajos externos durante la primera mitad de los 70. Hizo arreglos de trompa para la banda, Paul Simon, Little Feat y Sandy Denny, y su trabajo continuo con los Meters lo llevó al funk contemporáneo con un filo más duro que sus propios álbumes. De hecho, terminó produciendo dos de los mejores discos de funk de Nueva Orleans: El éxito de Dr. John "Right Place, Wrong Time" y el éxito disco-funk número uno de LaBelle "Lady Marmalade". En 1975, Toussaint lanzó lo que muchos consideraban su mejor álbum en solitario, Southern Nights; el tema que da título al disco se convirtió en un gran éxito para la superestrella del country-pop Glen Campbell, y "What Do You Want the Girl to Do?" fue cubierto por Boz Scaggs, Lowell George y Bonnie Raitt.

En 1976, Toussaint produjo el grupo relacionado con Meters, los Wild Tchoupitoulas, cuyo debut autotitulado fue aclamado como un clásico del funk de Nueva Orleans. El experimentalismo del disco señaló un creciente deseo de expandirse en el campo de los Meters, lo que pronto causaría la separación de la banda con Toussaint y, eventualmente, entre ellos mismos. La ausencia de su infalible sentido del groove se notó en el último LP en solitario de Toussaint durante bastante tiempo, Motion de 1978. Las actividades de Toussaint disminuyeron en los años siguientes; todavía producía, arreglaba y tocaba el piano en proyectos seleccionados, que incluían álbumes de los artistas de blues Etta James y Albert King, y de los rockeros Elvis Costello y Joe Cocker, entre otros. Mientras tanto, su extenso catálogo de canciones seguía siendo extraído regularmente para el material de portada; el período de Lee Dorsey fue el más fértil, no sólo para "Working in a Coalmine" (Devo, the Judds), sino también para temas menos conocidos como "Yes We Can" (the Pointer Sisters), "Sneakin' Sally Through the Alley" (Robert Palmer), y "Freedom for the Stallion" (the Oak Ridge Boys, entre otros). Además, "Play Something Sweet (Brickyard Blues)" fue un éxito para Three Dog Night, y Bonnie Raitt hizo una versión bien recibida de "What Is Success".

La colección de Allen Toussaint, un buen resumen de sus grabaciones para grandes sellos en los años 70, se publicó en 1991. En 1996, Toussaint formó un nuevo sello, NYNO, y grabó un álbum completo de nuevo material en su estudio de Sea-Saint titulado Connected. Toussaint también empezó a grabar a los nuevos artistas de Crescent City con la esperanza de preservar el sonido clásico de Nueva Orleans. Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock & Roll en 1998 en la categoría de no artista. Going Places, atribuido al proyecto Jazzity de Allen Toussaint, apareció en 2005, seguido por la producción de Joe Henry de The Bright Mississippi de Nonesuch Records en 2009. Cuatro años más tarde, el álbum en vivo en solitario Songbook, cuyas actuaciones datan de 2006, apareció en Rounder. Aunque Toussaint siguió actuando, Songbook fue el último álbum que publicó; murió en Madrid el 10 de noviembre de 2015 mientras estaba de gira. Unas semanas antes de su fallecimiento, Toussaint se reunió con Joe Henry para cortar material para un nuevo disco. Esas grabaciones, combinadas con algunas sesiones en solitario en 2013, fueron empaquetadas como el póstumo American Tunes, publicado en junio de 2016.
https://www.allmusic.com/artist/allen-toussaint-mn0000933172/biography

 

Milt Buckner • Rockin' With Milt

Milt Buckner's Hammond organ sound is quite different than others who followed in his footsteps. His choppy two-hand chord approach, thorny and biting sound, and his regular usage of a bass player identified him as a raw industrialist, coming from the Midwest hearths of St. Louis and Detroit. Buckner has largely been ignored as a pioneer of the organ in the '50s, so this reissue of his recordings for the Capitol label -- Rockin' with Milt, Rockin' Hammond, and Send Me Softly, plus five tracks from 7" EPs -- should reinforce why he was an important purveyor of the primordial soul-jazz movement. Buckner came out of the swing era as a pianist and sometimes cocktail lounge performer who was able to straddle the line between popular sounds of the day and more riveting and substantive jazz. The title Rockin' with Milt is apropos, as these tunes establish the rhythm & blues based beat that Elvis Presley, Bill Haley, and Chuck Berry turned into the seminal rock & roll that took over popular and dancehall music. The saxophonists who work with Buckner on these individual sessions are interesting picks, considering where their careers eventually landed. Danny Turner was a New York based alto and tenor saxophonist and a favorite of Sarah Vaughan and Count Basie, ex-Basie sax section stalwart Earle Warren's vibrato flavored alto was favorably compared to Earl Bostic, while tenor saxophone honker "Sam "The Man" Taylor" was well known in blues circles, also accompanying Cab Calloway, Louis Jordan, and Ray Charles, but could swing with the best. Tracks from the Rockin' with Milt sessions feature bassist Wendell Marshall and Duke Ellington drummer Sam Woodyard, including four Buckner originals like the R&B based "Movin' with Mitch," the fleet "Slaughter on 125th Street," and the cute unison organ/sax tune "Little Miss Maudlin." Boppers like the speedy "Bernie's Tune" and the easygoing "Robbins Nest" are hardcore classics. Overdubbing piano and organ, Buckner uses only guitarists and bass/drums rhythm mates for the stomping "Hey Now, Zorina!," and originals like the keyboards calling back and forth to each other on "Count's Basement," the shuffling "Wild Scene" and well after midnight "Mighty Low." Warren enters with pronounced, bent, flatted notes on Ahmad Jamal's "Night Mist" and the lovely, romantic "Dinner Date." Sam "The Man" Taylor and plucky guitarist Skeeter Best drench champagne and chocolate respectively over the bluesy melodies of "Good Time Express" and the jive "Second Section." The sessions from the Send Me Softly LP are distinctly more cocktail or martini induced than ale or stout, with some light calypso, cha cha, nonchalant background music, and themes of regret or loneliness. "All or Nothing at All" is a mysterious and unique Latin treatment of this standard, while Warren's somber reading of "Lullaby of the Leaves" will leave you breathless. "Our Engagement Day" is a sentimental theme that nuptials should discover. Master bassist Milt Hinton is all over the second CD, and provides a good study in supportive rhythm and swing for those learning the idiom. Aside from the contrasts of tinkling piano as opposed to stabbing organ chords on "One O'Clock Jump," or the slow and slinky "Blue & Sentimental," Buckner is regular and predictable for those who know his work. If you are unfamiliar with Buckner's style, surprises abound, especially considering how his Hammond sound would preclude the more legato Wurlitzer or Farfisa sonic palate that was too slow for jazz improvisation in the '60s. As there are too few Milt Buckner recordings in contemporary catalogs, this is as close to his essential period as is available. ~ Michael G. Nastos, All Music Guide

http://www.allmusic.com/album/rockin-with-milt-mw0000876805

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El sonido del órgano Hammond de Milt Buckner es muy diferente a otros que siguieron sus pasos. Su agitado enfoque de acordes a dos manos, su sonido espinoso y mordaz, y su uso regular de un bajista lo identificaron como un industrial inexperto, proveniente de los hogares del Medio Oeste de San Luis y Detroit. Buckner ha sido ignorado como pionero del órgano en los años 50, así que esta reedición de sus grabaciones para el sello Capitol -- Rockin' with Milt, Rockin' Hammond, and Send Me Softly, plus five tracks from 7" EPs -- debería reforzar la razón por la que era un importante proveedor del movimiento primordial del soul-jazz. Buckner salió de la era del swing como pianista y a veces como intérprete de cocktail lounge, quien fue capaz de transitar la línea entre los sonidos populares del día y el jazz más fascinante y sustantivo. El título Rockin' with Milt es apropiado, ya que estas melodías establecen el ritmo basado en rhythm & blues que Elvis Presley, Bill Haley y Chuck Berry convirtieron en el rock & roll seminal que se apoderó de la música popular y dancehall. Los saxofonistas que trabajan con Buckner en estas sesiones individuales son una selección interesante, teniendo en cuenta el lugar en el que finalmente aterrizaron sus carreras. Danny Turner era un saxofonista alto y tenor de Nueva York y uno de los favoritos de Sarah Vaughan y Count Basie, la sección de saxo del ex-Basie de Earle Warren fue favorablemente comparada con Earl Bostic, mientras que el saxofón tenor "Sam "The Man" Taylor" era bien conocido en los círculos del blues, también acompañando a Cab Calloway, Louis Jordan, y Ray Charles, pero podía columpiarse con los mejores. Los temas de las sesiones de Rockin' with Milt incluyen al bajista Wendell Marshall y al baterista de Duke Ellington Sam Woodyard, incluyendo cuatro originales de Buckner, como el basado en R&B "Movin' with Mitch", la flota "Slaughter on 125th Street" y la linda melodía al unísono de órgano y saxofón "Little Miss Maudlin". Boppers como el veloz "Bernie's Tune" y el desenfadado "Robbins Nest" son clásicos del hardcore. Con el piano y el órgano sobredoblando, Buckner sólo utiliza guitarristas y compañeros de ritmo de bajo/batería para el stomping "Hey Now, Zorina! y originales como los teclados que se llaman unos a otros en "Count's Basement", la barajada "Wild Scene" y mucho después de la medianoche "Mighty Low". Warren entra con notas pronunciadas, dobladas y planas en "Night Mist" de Ahmad Jamal y la encantadora y romántica "Dinner Date". Sam "The Man" Taylor y el valiente guitarrista Skeeter Best beben champán y chocolate respectivamente sobre las melodías blues de "Good Time Express" y el jive "Second Section". Las sesiones del LP Send Me Softly son claramente más inducidas por el cóctel o el martini que por la cerveza o la cerveza negra, con un poco de calypso ligero, cha cha cha, música de fondo indiferente y temas de arrepentimiento o soledad. "Todo o nada en absoluto" es un misterioso y único tratamiento latino de este estándar, mientras que la lectura sombría de Warren de "Lullaby of the Leaves" le dejará sin aliento. "Nuestro día de compromiso" es un tema sentimental que las nupcias deben descubrir. El bajista maestro Milt Hinton está en todo el segundo CD, y proporciona un buen estudio en ritmo y swing de apoyo para aquellos que están aprendiendo el idioma. Aparte de los contrastes del piano tintineante en vez de los acordes del órgano de apuñalamiento en "One O'Clock Jump", o el lento y delgado "Blue & Sentimental", Buckner es regular y predecible para aquellos que conocen su trabajo. Si no está familiarizado con el estilo de Buckner, las sorpresas abundan, especialmente considerando cómo su sonido Hammond excluiría el paladar sónico más legato de Wurlitzer o Farfisa que era demasiado lento para la improvisación de jazz en los años 60. Como hay muy pocas grabaciones de Milt Buckner en los catálogos contemporáneos, esto es lo más cercano a su período esencial que está disponible. ~ Michael G. Nastos, Guía de Música

http://www.allmusic.com/album/rockin-with-milt-mw0000876805

 

King Curtis • It's Party Time With King Curtis

 

Biography

Curtis 'King Curtis' Ousley was already a well-respected Jazz tenor saxophonist in 1952 when he moved to New York, to concentrate on doing session work for the growing Pop and R&B markets. Over the next decade, saxophone became the pre-eminent lead instrument within Rhythm & Blues/Rock n' Roll, and King Curtis became its leading exponent, spicing up massive numbers of hits with ear catching solos, sealing his reputation as one of the leading instrumentalists of that era. Perhaps he'll be most remembered as blowing that solo on The Coasters 1958 smash “Yakety Yak.”

King Curtis was originally part of the late 40's honking Texas tenor sax brigade, counting Arnett Cobb, Earl Bostic, and Illinois Jacquet as influences. He played in bands of Lionel Hampton and Horace Silver. Upon moving to New York from Fort Worth TX (his 1934 birthplace), he was already well grounded in Jazz, R&B, and Pop. Curtis could play any style on a moment's notice. Curtis had also pursued a highly successful solo career, primarily in contemporary R&B. But he also stretched out with the best Jazzmen: about half of his Prestige output circa 1960-62 he's surrounded by top line players like Jack McDuff, Billy Butler, Billy Gale, Ray Lucas, and Willie Rodriguez. On his classic “Soul Meeting,” the personnel includes: King Curtis (tenor saxophone); Nat Adderly (cornet); Wynton Kelly (piano); Paul Chambers, Sam Jones (bass); Oliver Jackson, Belton Evans (drums)

Recording with Capitol, Epic, and Atlantic, he garnered instrumental hits like 1962's “Soul Twist,” and 1967's “Memphis Soul Stew,” . That same year he did a successful cover of “Ode To Billie Joe.”

He made a big impression in the late 60's, hooking up with artists like Eric Clapton who performed on King's “Teasin'” album in 1970. The saxophonist had meanwhile put together a superb studio group: The Kingpins, with Richard Tee, Cornell Dupree, Jerry Jemmott and Bernard Purdie, all of whom contributed to several of Aretha Franklin's finest records. King Curtis topped the R&B charts in 1971, handling the sax on Aretha Franklin's version of “Bridge Over Troubled Waters,” and played on several tracks on John Lennon's 'Imagine' album that same year.

When King Curtis departed this world in 1971 -the victim of a brutal stabbing outside his apartment- he wasn't yet 40, but was at the apex of his career. In 2000, King Curtis was inducted into the Rock&Roll Hall of Fame.

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Biografía

Curtis 'King Curtis' Ousley ya era un respetado saxofonista tenor de Jazz en 1952 cuando se mudó a Nueva York, para concentrarse en hacer trabajo de sesión para los crecientes mercados de Pop y R&B. Durante la siguiente década, el saxofón se convirtió en el principal instrumento del Rhythm & Blues/Rock n' Roll, y King Curtis se convirtió en su principal exponente, condimentando un gran número de éxitos con solos que atrapan las orejas, sellando su reputación como uno de los principales instrumentistas de esa época. Tal vez sea más recordado por soplar ese solo en Los Posavasos de 1958 y aplastar "Yakety Yak".

King Curtis fue originalmente parte de la brigada de saxos tenor de Texas a finales de los 40, contando a Arnett Cobb, Earl Bostic e Illinois Jacquet como influencias. Tocó en bandas de Lionel Hampton y Horace Silver. Al mudarse a Nueva York desde Fort Worth TX (su lugar de nacimiento en 1934), ya estaba bien arraigado en el Jazz, el R&B y el Pop. Curtis podía tocar cualquier estilo en un momento. Curtis también había desarrollado una exitosa carrera en solitario, principalmente en el R&B contemporáneo. Pero también se extendió con los mejores Jazzmen: alrededor de la mitad de su producción de Prestige alrededor de 1960-62 está rodeado de jugadores de primera línea como Jack McDuff, Billy Butler, Billy Gale, Ray Lucas, y Willie Rodríguez. En su clásico "Soul Meeting", el personal incluye: King Curtis (saxo tenor); Nat Adderly (corneta); Wynton Kelly (piano); Paul Chambers, Sam Jones (bajo); Oliver Jackson, Belton Evans (batería)

Grabando con Capitol, Epic y Atlantic, obtuvo éxitos instrumentales como "Soul Twist" de 1962 y "Memphis Soul Stew" de 1967. Ese mismo año hizo una exitosa portada de "Oda a Billie Joe".

Causó una gran impresión a finales de los 60's, uniéndose a artistas como Eric Clapton, quien actuó en el álbum "Teasin'" de King en 1970. Mientras tanto, el saxofonista había formado un magnífico grupo de estudio: The Kingpins, con Richard Tee, Cornell Dupree, Jerry Jemmott y Bernard Purdie, todos los cuales contribuyeron a varios de los mejores discos de Aretha Franklin. King Curtis encabezó las listas de éxitos de R&B en 1971, manejando el saxo en la versión de "Bridge Over Troubled Waters" de Aretha Franklin, y tocó en varios temas del álbum'Imagine' de John Lennon ese mismo año.

Cuando el rey Curtis partió de este mundo en 1971 -víctima de una brutal puñalada fuera de su apartamento- aún no tenía 40 años, pero estaba en la cúspide de su carrera. En el año 2000, King Curtis fue admitido en el Rock&Roll Hall of Fame.

 

Little Richard • The Fabulous - LP London HA U 2193

 

 

Lou Bennett Trio • Jazz

  

 

Lou Bennett began as a bop pianist, then switched to organ and became a solid player in the late '50s. With Jimmy Smith's virtuostic approach as inspiration, Bennett left piano behind in 1956, and toured the East and Midwest with his organ trio from 1957 through 1959. Bennett left America for Paris in 1960. He recorded there, played at the city's Blue Note club with Jimmy Gourley and fellow expatriate Kenny Clarke, who became one of his regulars alongside Rene Thomas. Bennett made only one return visit to America, appearing at the 1964 Newport Jazz Festival. He led his own group during the '80s." -All Music Guide

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Lou Bennett fue el nombre artístico de Jean-Louis Benoît (n. Filadelfia, Estados Unidos, 18 de mayo de 1926 - Le Chesnay, Francia, 10 de febrero de 1997), músico organista de jazz norteamericano.

Lou Bennett tocó primero bebop al piano en algunos locales de Baltimore hasta 1956 y se decide por consagrarse al órgano tras escuchar la música de Jimmy Smith.

Gira por Estados Unidos con un trío de órgano entre 1957 y 1959, y se traslada a París en 1960 para iniciar su carrera europea, allí toca y graba en Blue Note con Jimmy Gourley y Kenny Clarke, así como con René Thomas, volverá solo en una ocasión a América, al Newport Jazz Festival de 1964.

Grabó además en los años 60 con Philip Catherine y Franco Manzecchi. En los años 80 tocó en su propio quinteto junto a Gerard Badini, entre otros, en ese período realizó giras por España, pasando por escenarios de Almería, Barcelona, La Coruña, Segovia y Madrid. En 1966 graba un disco junto a la cantante catalana Núria Feliu: Núria Feliu amb Lou Bennett i els seus amics y su disco Now hear my meaning editado en 1993 fue grabado en vivo en Barcelona.

Eddie Cleanhead Vinson • Kidney Stew (The Definitive Black & Blue Sessions)

 

Detroit 67 The Year That Changed Soul

 

Detroit 67 is the story of Motor City in the year that changed everything. Twelve chapters take you on a turbulent year-long journey through the drama and chaos that ripped through the city in 1967 and tore it apart in personal, political and interracial disputes. It is the story of Motown, the break-up of The Supremes and the damaging disputes at the heart of the most successful African-American music label ever.

Set against a backdrop of urban riots, escalating war in Vietnam and police corruption, the book weaves its way through a year when soul music came of age and the underground counterculture flourished. LSD arrived in the city with hallucinogenic power and local guitar band MC5 – self-styled holy barbarians of rock – went to war with mainstream America. A summer of street-level rebellion turned Detroit into one of the most notorious cities on earth, known for its unique creativity, its unpredictability and self-lacerating crime rates.

The year 1967 ended in social meltdown, rancour and intense legal warfare as the complex threads that held Detroit together finally unravelled.

 

Stuart Cosgrove (Autor)  

 

Memphis 68 The Tragedy of Southern Soul

 

In the 1950s and 1960s, Memphis, Tennessee, was the launch pad of musical pioneers such as Aretha Franklin, Elvis Presley, Johnny Cash, Al Green and Isaac Hayes, and by 1968 was a city synonymous with soul music. It was a deeply segregated city, ill at ease with the modern world and yet to adjust to the era of civil rights and racial integration. Stax Records offered an escape from the turmoil of the real world for many soul and blues musicians, with much of the music created there becoming the soundtrack to the civil rights movements. The book opens with the death of the city’s most famous recording artist, Otis Redding, who died in a plane crash in the nal days of 1967, and then follows the fortunes of Redding’s label, Stax/Volt Records, as its fortunes fall and rise again. But, as the tense year unfolds, the city dominates world headlines for the worst of reasons: the assassination of civil rights leader Martin Luther King.

 

Stuart Cosgrove (Autor)  

 

Harlem 69 The Future of Soul

 

 

Harlem, 1969, and the vibrant community around 125th Street is rife with creative innovation. Troubled genius Donny Hathaway, bandleader King Curtis, and Miles Davis and his visionary wife Betty Mabry are reinventing black music. Jimi Hendrix is staging a benefit concert in support of the Biafran famine victims, and helping him behind the scenes is flamboyant indie label owner and heroin kingpin, Fat Jack Taylor. The Apollo Theater is bringing the best of soul music to the crowded streets, and at the height of a blistering summer Harlem plays host to Black Woodstock, a series of free concerts starring Sly and the Family Stone, Stevie Wonder and Nina Simone.

Meanwhile, a city-wide raid has led to the arrest of twenty-one members of the Black Panther Party - and ultimately to one of the most controversial trials of the era - and a heroin epidemic is spiralling out of control. Young people are dying on the streets of Harlem faster than the body count in Vietnam.

Harlem 69 has all the trademarks of its predecessors - deep research, compelling storytelling and a keen awareness of social change - and maps out how Harlem became the genesis of future musical forms including jazz-funk, psychedelic soul, disco, boogie, rap and hip-hop amidst intense social change.

Stuart Cosgrove's critically acclaimed trilogy began with Detroit 67 and was followed by Memphis 68, which won the Penderyn Prize for Music Book of the Year in 2018. Harlem 69 brings his epic story of sixties soul to its triumphant conclusion.

 

Stuart Cosgrove (Autor)  

 

Jesse Powell • The R&B Years

  

Artist Biography by Michael Erlewine

Texas tenorman Jesse Powell was born February 2, 1924. There is very little biographical information about his early years, other than his working with Hot Lips Page, Louis Armstrong, and Luis Russell. He joined Count Basie's Band in 1946, replacing the great sax player Illinois Jacquet, which says something about his abilities.

Powell appears on a number of blues recordings in the late 1940s with people like Brownie McGhee, Willie Jordan, and Doc Pomus. He also worked with Champion Jack Dupree and continued to play jazz, touring France with Howard McGee in 1948. He played bop and recorded with Dizzy Gillespie in 1949. During the 1950s, as bebop fell out of favor, Powell found steady work with a variety of R&B artists.

He recorded as a leader for Federal in 1951 and 1953 and had established himself with the Josie label by 1954, which included groups like the Cadillacs. His R&B work included a number of singles, and studio work with Atlantic/Atco in the late 1950s. His work can be seen on the classic single "Mr. Lee," by the Bobbettes, where he takes the tenor solo.

Powell was back recording jazz in the early 1960s. In 1961, he recorded Party Time for a subsidiary of Prestige. In his later years, he worked in Harlem and made only a few recordings.

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Traducción Automática:

Biografía del artista por Michael Erlewine

El teniente de Texas Jesse Powell nació el 2 de febrero de 1924. Hay muy poca información biográfica sobre sus primeros años, aparte de su trabajo con Hot Lips Page, Louis Armstrong y Luis Russell. Se unió a Count Basie's Band en 1946, reemplazando al gran saxofonista Illinois Jacquet, que dice algo acerca de sus habilidades.

Powell aparece en una serie de grabaciones de blues a finales de la década de 1940 con personas como Brownie McGhee, Willie Jordan y Doc Pomus. También trabajó con el campeón Jack Dupree y continuó tocando jazz, recorriendo Francia con Howard McGee en 1948. Tocó bop y grabó con Dizzy Gillespie en 1949. Durante la década de 1950, cuando el bebop cayó en desgracia, Powell encontró un trabajo estable con una variedad. de artistas del R&B.

Grabó como líder para el Federal en 1951 y 1953 y se estableció con el sello Josie en 1954, que incluía grupos como los Cadillacs. Su trabajo en R&B incluyó varios solteros y trabajo en estudio con Atlantic / Atco a fines de los años cincuenta. Su trabajo se puede ver en el clásico single "Mr. Lee", de Bobbettes, donde toma el solo de tenor.

Powell estaba de vuelta grabando jazz a principios de los sesenta. En 1961, grabó Party Time para una subsidiaria de Prestige. En sus últimos años, trabajó en Harlem y realizó solo algunas grabaciones. 

 

 

 

Phil Upchurch • Tell The Truth

 

Review
by Paula Edelstein
The world-renowned guitarist Phil Upchurch plays 13 great songs on Tell the Truth. This CD is a gem. Playing blues, soul, R&B, and jazz, Upchurch shows his remarkable versatility on such great songs as "Jive Samba," "La Costa," the title track, and "St. Louis Blues." He performs a flamenco version of "La Costa" with beauty and style, and flaunts his "stride guitar" technique on a solo rendition of "St. Louis Blues." His inimitably smooth and soulful phrasing shines on "Manhattan," and he doubles on harmonica on his original composition "She's Alright." However, the highlights of this great program are "Tell the Truth," a song Upchurch wrote with Ray Charles in mind, and his great arrangement of Dave Brubeck's "Take Five," which he plays much in the same way as he did on George Benson's smash hit "Breezin'." Joined by David Arnay on piano, Kevin Axt on bass, Vince Wilburn, Jr. on drums, and Mike Smith on percussion, this great CD comes 40 years after Upchurch's first recording as a leader, and it's priceless.
https://www.allmusic.com/album/tell-the-truth%21-mw0000588735

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Reseña
por Paula Edelstein
El mundialmente conocido guitarrista Phil Upchurch toca 13 grandes canciones en Tell the Truth. Este CD es una joya. Tocando blues, soul, R&B y jazz, Upchurch muestra su notable versatilidad en temas tan buenos como "Jive Samba", "La Costa", el tema que da título al disco y "St. Louis Blues". Louis. Interpreta una versión flamenca de "La Costa" con belleza y estilo, y hace alarde de su técnica de "stride guitar" en una interpretación en solitario de "St. Su fraseo inimitablemente suave y conmovedor brilla en "Manhattan", y dobla la armónica en su composición original "She's Alright". Sin embargo, lo más destacado de este gran programa es "Tell the Truth", una canción que Upchurch escribió pensando en Ray Charles, y su gran arreglo de "Take Five" de Dave Brubeck, que toca de forma muy parecida a como lo hizo en el gran éxito de George Benson "Breezin'". Acompañado por David Arnay al piano, Kevin Axt al bajo, Vince Wilburn, Jr. a la batería y Mike Smith a la percusión, este gran CD llega 40 años después de la primera grabación de Upchurch como líder, y no tiene precio.
https://www.allmusic.com/album/tell-the-truth%21-mw0000588735

www.philupchurch.com ...

Junior Walker • Soul Session

 

King Curtis • King Of The Sax

Review by Steve Leggett

King Curtis and his bubbling, stutter-style tenor sax playing brought a touch of jazz and a whole ton of R&B to countless rock & roll tracks in the early '60s, and his funky edge is one of the reasons records by the Coasters, for instance, continue to sound good 40 years later. This collection brings together a nice set of solo Curtis singles, kicking off with his first hit, "Soul Twist," and its B-side, "Twisting Time," which came out on Enjoy Records in 1962. Curtis was a more versatile musician than many people realize (he did sessions with artists as varied as Lonnie Donegan and Andy Williams, and shows it here by going sans sax, playing a solid electric guitar and handling the vocals on a two-part version of the Ray Charles classic "What'd I Say." Curtis shows himself right at home in Memphis soul territory, too, with the Booker T. & the MG's-styled "Hot Potato (Piping Hot)." The haunting and slightly ominous instrumental "Midnight Blue" is another highlight included here, although one wishes room could have been found for one of Curtis' best tunes, "Soul Serenade," which featured Curtis on saxello. That omission aside, King of the Sax makes for a fine introduction to this extraordinary musician.

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Reseña de Steve Leggett

King Curtis y su saxo tenor burbujeante y tartamudo aportó un toque de jazz y una tonelada de R&B a innumerables temas de rock & roll a principios de los 60, y su toque funky es una de las razones por las que los discos de los Coasters, por ejemplo, siguen sonando bien 40 años después. Esta colección reúne un buen conjunto de singles de Curtis en solitario, comenzando con su primer éxito, "Soul Twist", y su lado B, "Twisting Time", que salió en Enjoy Records en 1962. Curtis era un músico más versátil de lo que mucha gente cree (hizo sesiones con artistas tan variados como Lonnie Donegan y Andy Williams, y lo muestra aquí yendo sin saxo, tocando una sólida guitarra eléctrica y manejando las voces en una versión a dos partes del clásico de Ray Charles "What'd I Say". Curtis también se siente en casa en el territorio del soul de Memphis, con el Booker T. y el MG "Hot Potato (Piping Hot)". El inquietante y ligeramente ominoso instrumental "Midnight Blue" es otro punto culminante incluido aquí, aunque uno desearía que se hubiera encontrado espacio para una de las mejores melodías de Curtis, "Soul Serenade", que presentaba a Curtis en saxo. Aparte de esa omisión, "King of the Sax" es una buena introducción a este extraordinario músico.

 

 

 

VA • Kings of Boogie Woogie

Albert Ammons, Meade Lux Lewis, Blind John Davis ...

 

 

VA • Ace Story

 

Little over 30 years ago, the R&B and rock'n'roll loving directorate of Chiswick Records decided that it might be fun to start a sister label, which did for the recordings of what was then a mere 20 years previously what Chiswick was doing for the more current stuff. Chiswick itself had sprung from small beginnings involving two men with a market stall full of golden oldies both common and rare, so this was not something that surprised too many people who witnessed the birth of this new reissue label which shared the name of one of the most famous imprints in rock'n'roll/R&B history and which, in 2010, still goes by the name of Ace Records.

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Hace poco más de 30 años, la dirección de Chiswick Records, amante del R&B y el rock'n'roll, decidió que sería divertido crear un sello hermano que hiciera por las grabaciones de apenas 20 años antes lo que Chiswick hacía por las más actuales. El propio Chiswick había surgido de unos comienzos modestos en los que dos hombres tenían un puesto en el mercado repleto de viejos éxitos tanto comunes como raros, así que esto no sorprendió a demasiada gente que presenció el nacimiento de este nuevo sello de reediciones que compartía el nombre de uno de los sellos más famosos de la historia del rock'n'roll/R&B y que, en 2010, sigue llamándose Ace Records.
    

Daddy's Rebels • Jive Party

 

Bo Diddley • Have A Good Time Tonight

 

Bo Diddley • A Man Amongst Men

 

Bo Diddley • Rare & Well Done

www.bodiddley.com ...