Freddie Hubbard • The Body & The Soul

 

 

Review by Michael G. Nastos
At age 25, Freddie Hubbard made inroads into modern jazz most trumpeters could not imagine, much less come through with. As a soloist, one of Hubbard's crowning achievements in his early period was this recording on which he teamed with Wayne Shorter, marginally as a performer but prominent in the role of arranger/conductor for his first time ever. Utilizing a septet, 16-piece big band, and orchestra plus stings to play concise, tight tunes, Shorter provides the backdrop to employ Hubbard's bold toned trumpet and all of its devices in a full display of his powerful melodic talents. Yeoman Reggie Workman plays bass on all selections, with drummer Louis Hayes in the seven-piece combo, and great work from Philly Joe Jones in the larger bands. Interestingly enough, the three tracks with the smaller ensemble are the most interesting, due to the presence of Eric Dolphy, Curtis Fuller, Cedar Walton, and Shorter on the front line. "Clarence's Place" is a post-bop jewel with spiky brass accents and Dolphy's ribald and outre alto sax solo contrasting Shorter's relatively reserved tenor, "Dedicated to You" is a wisp of a tune, while "Body & Soul," an atypical choice for the opening selection, is a straight read of the classic ballad with a chart that sounds larger than the small horn section, and a wavering flute via Dolphy. The big band does an unusual soul-jazz treatment of the Brazilian number "Manha de Carnaval" flavored by Robert Northern's French horn, while "Aries" is a hard bop show stopper with two-note accents buoying Hubbard's great lyrical lines, and goes further into hard bop with "Thermo" as the horns demand attention with the trumpeter as an afterthought. The string section, ten pieces strong, joins the big band on the film noir type Duke Ellington piece "Chocolate Shake," the stock "I Got It Bad," and "Skylark," with its soft clarion intro bubbling underneath with the violins, violas, and cellos. The manner in which this recording is programmed is thoughtful in that it lends to the diversity of the project, but is seamless from track to track. Dan Morgenstern's hefty liner notes also explain the concept behind this ambitious project, one which did not compare to any of Hubbard's other recordings in his career. Therefore it stands alone as one of the most unique productions in his substantive discography, and a quite credible initial go-round for Shorter as an orchestrator.
https://www.allmusic.com/album/the-body-the-soul-mw0000612194

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Reseña de Michael G. Nastos
A la edad de 25 años, Freddie Hubbard hizo incursiones en el jazz moderno que la mayoría de los trompetistas no podían imaginar, y mucho menos llegar. Como solista, uno de los logros más importantes de Hubbard en su primera etapa fue esta grabación en la que se asoció con Wayne Shorter, marginalmente como intérprete pero prominente en el papel de arreglista/director de orquesta por primera vez. Utilizando un septeto, una big band de 16 piezas y una orquesta más stings para tocar melodías concisas y ajustadas, Shorter proporciona el telón de fondo para emplear la audaz trompeta de Hubbard y todos sus dispositivos en un despliegue completo de sus poderosos talentos melódicos. El músico Reggie Workman toca el bajo en todas las selecciones, con el baterista Louis Hayes en el combo de siete piezas, y un gran trabajo de Philly Joe Jones en las bandas más grandes. Curiosamente, los tres temas con el conjunto más pequeño son los más interesantes, debido a la presencia de Eric Dolphy, Curtis Fuller, Cedar Walton y Shorter en primera línea. "Clarence's Place" es una joya post-bop con acentos de metal puntiagudos y el solo de saxo alto de Dolphy, mordaz y extravagante, que contrasta con el tenor relativamente reservado de Shorter, "Dedicated to You" es una melodía muy ligera, mientras que "Body & Soul", una elección atípica para la selección de apertura, es una lectura directa de la balada clásica con un gráfico que suena más grande que la pequeña sección de vientos, y una flauta vacilante a través de Dolphy. La big band hace un tratamiento inusual de soul-jazz del número brasileño "Manha de Carnaval" con el sabor de la trompa de Robert Northern, mientras que "Aries" es un espectáculo de hard bop con acentos de dos notas que animan las grandes líneas líricas de Hubbard, y va más allá en el hard bop con "Thermo", ya que las trompas exigen atención con el trompetista como una idea de último momento. La sección de cuerdas, compuesta por diez piezas, se une a la big band en la pieza de Duke Ellington de tipo cine negro "Chocolate Shake", en la clásica "I Got It Bad" y en "Skylark", con su suave introducción de clarín burbujeando por debajo con los violines, las violas y los chelos. La forma en que se ha programado esta grabación está bien pensada, ya que contribuye a la diversidad del proyecto, pero es perfecta de una pista a otra. Las abundantes notas de Dan Morgenstern también explican el concepto que hay detrás de este ambicioso proyecto, que no se compara con ninguna de las otras grabaciones de Hubbard en su carrera. Por lo tanto, se trata de una de las producciones más singulares de su extensa discografía, y de una primera vuelta de tuerca bastante creíble para Shorter como orquestador.
https://www.allmusic.com/album/the-body-the-soul-mw0000612194

Cristian Cuturrufo • Puro Jazz

 

Influential trumpeter and jazz fusion bebop rock musician from Chile. Born 27 June 1972. He died from COVID 19 on March 19, 2021.

No Strings Sextet - Mannie Klein's Sextet • Rare and Obscure Jazz Albums

 

Description from Fresh Sound Records / Blue Sounds:

Peter Matz (1928–2002) was an American musician, composer, arranger, and conductor. His illustrious musical career in film, theater, television, and studio recording spanned five decades, during which he collaborated with several renowned artists, including Marlene Dietrich, Anita Ellis, Noël Coward, and Barbra Streisand. In 1962, he conducted the orchestra for the Broadway show 'No Strings' and led the sextet from the production in this jazz-oriented rendition of the musical's songs. The combo performs the songs in a light and breezy style, enhancing the Richard Rodgers tunes with finesse. Matz's fresh and imaginative arrangements of Rodgers' superb 'No Strings' score are brought to life by six exceptionally talented wind players and two of the best rhythm musicians in the business. Qualities, which fully highlight the essentially lyrical nature of these songs.

Emmanuel Klein (1908–1994) was an American jazz trumpeter closely associated with the Swing Era. He was active throughout the 1930s, working as a studio musician and performing with bands such as Jimmy & Tommy Dorsey, Benny Goodman and others. In 1937, he moved to California and joined Frank Trumbauer's orchestra, quickly becoming one of the most sought-after trumpet players in Hollywood studios. In this album, he and a group of West Coast jazz musicians perform selections from the highly successful Rodgers and Hammerstein II musical 'The Sound of Music' with taste and imagination, resulting in an outstanding recording. The arrangements were crafted by Henry Beau and Bobby Hammack. For this session, Klein assembled a stellar line-up of musicians, including Bobby Hammack on piano, Ronnie Lang on saxophone, Al Hendrickson on guitar (alternating with Bobby Gibbons), Morty Corb on bass, and Frank Flynn (alternating with Irving Cottler) on drums and percussion.

https://www.freshsoundrecords.com/peter-matz-manny-klein-albums/57141-no-strings-the-sound-of-music-2-lp-on-1-cd.html

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Descripción de Fresh Sound Records / Blue Sounds:

Peter Matz (1928–2002) fue un músico, compositor, arreglista y director estadounidense. Su ilustre carrera musical en cine, teatro, televisión y grabación en estudio se extendió durante cinco décadas, durante las cuales colaboró con varios artistas de renombre, incluyendo a Marlene Dietrich, Anita Ellis, Noël Coward y Barbra Streisand. En 1962, dirigió la orquesta del espectáculo de Broadway 'No Strings' y lideró el sexteto de la producción en esta versión jazzística de las canciones del musical. El combo interpreta las canciones con un estilo ligero y animado, realzando las melodías de Richard Rodgers con fineza. Los frescos e imaginativos arreglos de Matz de la soberbia partitura de 'No Strings' de Rodgers cobran vida gracias a seis extraordinarios instrumentistas de viento y dos de los mejores músicos de ritmo del negocio. Cualidades que destacan plenamente la naturaleza esencialmente lírica de estas canciones.

Emmanuel Klein (1908–1994) fue un trompetista de jazz estadounidense estrechamente asociado con la Era del Swing. Estuvo activo durante la década de 1930, trabajando como músico de estudio y actuando con bandas como las de Jimmy y Tommy Dorsey, Benny Goodman y otras. En 1937, se trasladó a California y se unió a la orquesta de Frank Trumbauer, convirtiéndose rápidamente en uno de los trompetistas más solicitados en los estudios de Hollywood. En este álbum, él y un grupo de músicos de jazz de la Costa Oeste interpretan selecciones del altamente exitoso musical de Rodgers y Hammerstein II 'The Sound of Music' con gusto e imaginación, con un resultado excepcional. Los arreglos fueron elaborados por Henry Beau y Bobby Hammack. Para esta sesión, Klein reunió una formación estelar de músicos, incluyendo a Bobby Hammack al piano, Ronnie Lang al saxofón, Al Hendrickson a la guitarra (alternando con Bobby Gibbons), Morty Corb al bajo y Frank Flynn (alternando con Irving Cottler) a la batería y la percusión.

https://www.freshsoundrecords.com/peter-matz-manny-klein-albums/57141-no-strings-the-sound-of-music-2-lp-on-1-cd.html

 

 

www.freshsoundrecords ...

Fats Navarro • The Fabulous Fats Navarro

 

Review from AllMusic (by Stephen Cook):
Primarily comprised of recordings made with pianist Tadd Dameron, The Fabulous Fats Navarro spotlights the fluid and inventive bebop trumpeter on nine master takes and several alternate versions. (The impressive bonus cuts will not only excite completists, but should please the casual fan as well.) From the two Dameron-led dates in 1947 and 1948, we have classic Navarro performances like "The Chase," "Our Delight," "The Squirrel," and "Lady Bird." Navarro's stellar solos here (both muted and not) are complimented by equally impressive statements from alto saxophonist Ernie Henry and tenor saxophonists Wardell Gray and Charlie Rouse. And while drummers Shadow Wilson and Kenny Clarke provide fine rhythmic support throughout, conga player Chino Pozo (cousin of Chano Pozo) provides some nice additional texture on a few numbers. Also included on this disc are excellent tracks from a 1948 date with trumpeter Howard McGhee. Covering McGhee and Navarro originals like "Boperation" and "Double Talk," this session features more stellar solo work from Henry as well as some fine contributions by vibraphonist Milt Jackson (who actually plays piano on most of the cuts). And rounding out things are a few alternate takes from a date with pianist Bud Powell, including worthwhile versions of "Wail" and "Bouncing With Bud." This is an essential title for jazz enthusiasts, but one that seems to go in and out of print quite often.
https://www.allmusic.com/album/the-fabulous-fats-navarro-vol-1-mw0000199614

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Reseña de AllMusic (por Stephen Cook):
Compuesto principalmente de grabaciones realizadas con el pianista Tadd Dameron, The Fabulous Fats Navarro pone de relieve al fluido e inventivo trompetista de bebop en nueve tomas maestras y varias versiones alternativas. (Los impresionantes cortes adicionales no solo emocionarán a los coleccionistas, sino que también deberían complacer al aficionado casual.) De las dos fechas lideradas por Dameron en 1947 y 1948, tenemos actuaciones clásicas de Navarro como "The Chase," "Our Delight," "The Squirrel" y "Lady Bird." Los estelares solos de Navarro aquí (con y sin sordina) están complementados por declaraciones igualmente impresionantes del saxofonista alto Ernie Henry y los saxofonistas tenores Wardell Gray y Charlie Rouse. Y mientras los bateristas Shadow Wilson y Kenny Clarke proporcionan un excelente soporte rítmico a lo largo del disco, el congero Chino Pozo (primo de Chano Pozo) aporta una agradable textura adicional en algunos números. También se incluyen excelentes temas de una fecha de 1948 con el trompetista Howard McGhee. Cubriendo originales de McGhee y Navarro como "Boperation" y "Double Talk," esta sesión presenta más trabajo solista estelar de Henry, así como finas contribuciones del vibrafonista Milt Jackson (quien en realidad toca el piano en la mayoría de los cortes). Y para rematar, hay algunas tomas alternativas de una fecha con el pianista Bud Powell, incluyendo versiones valiosas de "Wail" y "Bouncing With Bud." Este es un título esencial para los entusiastas del jazz, aunque parece entrar y salir de la imprenta con bastante frecuencia.
https://www.allmusic.com/album/the-fabulous-fats-navarro-vol-1-mw0000199614

Dizzy Reece • Soundin' Off

 

Review by Rick Anderson
Originally issued in 1960 and subsequently reissued multiple times in a variety of formats, the trumpeter Dizzy Reece's fourth Blue Note outing as a leader is here presented in Super Audio CD format by the APO label. While it would have been nice to see a bit more material on a reissue like this (with at least a couple of alternate takes), the original program is densely packed with high-quality music and makes for a solidly satisfying listening experience on its own. The opening track, interestingly enough, is both a ballad and a standard: on "Ghost of a Chance" Reece plays with a buttery, burnished tone that coats the familiar melody in a golden haze like the quality of light at dusk. The sun rises again on the next track, a midtempo number titled "Once in a While," and the tempo ratchets up another notch on "Eb Pob," a rather undistinguished composition on the "I Got Rhythm" changes that is completely redeemed by the quality of the solos. "Yesterday" finds pianist Walter Bishop delivering a curiously lackadaisical solo, but he gets back in the groove on a wonderful version of "Our Love Is Here to Stay." The program ends with a nice, bouncy blues original titled "Blue Streak." Throughout the album, Reece digs into his bag of sonic tricks without ever doing anything that detracts from the music itself. Soundin' Off is a little bit uneven, but is never less than a solid pleasure to listen to.
https://www.allmusic.com/album/soundin-off-mw0000368905

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Reseña de Rick Anderson
Publicada originalmente en 1960 y posteriormente reeditada varias veces en una variedad de formatos, la cuarta salida de Blue Note del trompetista Dizzy Reece como líder se presenta aquí en formato de Súper CD de audio por el sello APO. Si bien hubiera sido bueno ver un poco más de material en una reedición como esta (con al menos un par de tomas alternativas), el programa original está densamente repleto de música de alta calidad y ofrece una experiencia auditiva sólidamente satisfactoria por sí sola. La pista de apertura, curiosamente, es tanto una balada como un estándar: en" Ghost of a Chance", Reece toca con un tono mantecoso y bruñido que recubre la melodía familiar en una bruma dorada como la calidad de la luz al atardecer. El sol vuelve a salir en la siguiente pista, un número de medio tiempo titulado "Once in a While", y el tempo sube otro escalón en "Eb Pob", una composición bastante poco distinguida sobre los cambios de "I Got Rhythm"que se redime por completo por la calidad de los solos. "Yesterday" encuentra al pianista Walter Bishop interpretando un solo curiosamente mediocre, pero vuelve al ritmo con una maravillosa versión de " Our Love Is Here to Stay."El programa termina con un original de blues agradable y animado titulado" Blue Streak."A lo largo del álbum, Reece se mete en su bolsa de trucos sónicos sin hacer nada que le reste valor a la música en sí. Soundin ' Off es un poco desigual, pero nunca es menos que un placer sólido de escuchar.
https://www.allmusic.com/album/soundin-off-mw0000368905

Dizzy Gillespie • Sonny Side Up

 

 

Donald Byrd • Fancy Free

 

Review by Steve Huey

1969's Fancy Free marked the beginning of Donald Byrd's move away from hard bop, staking out fusion-flavored territory that -- at this juncture -- owed more to Miles Davis than the R&B-dominated jazz-funk Byrd would embrace several years down the road. Recorded just a few months after Davis' In a Silent Way, Fancy Free finds Byrd leading a large ensemble prominently featuring Frank Foster on tenor, Lew Tabackin or Jerry Dodgion on flute, and several percussionists. But the most important piece of the puzzle is Duke Pearson's electric piano, the first time Byrd utilized the instrument. Pearson dominates the texture of the group sound, which makes the entirety of the session seem farther outside the realm of funky hard bop than it actually is. However, that's not to say that Fancy Free isn't a clear break with Byrd's past -- especially the two Byrd originals that open the album. The title track -- which later became one of Byrd's more covered compositions -- contrasts Pearson's spacy musings with a busy, funky percussion groove, and there's a loose, open feel to the improvisations that breaks with hard bop conventions. The warm ballad "I Love the Girl" has a similarly airy feel, and at eight and a half minutes, is the shortest cut; clearly Byrd wanted an open framework for exploration. The other two numbers are more traditional hard bop compositions by former Byrd students, which -- although funky and full of improvisations -- can't help but feel more tethered than their predecessors. Still, even if it isn't his most adventurous fusion outing, Fancy Free is the rare Donald Byrd album that holds appeal for rare-groove fanatics and traditionalists alike.

https://www.allmusic.com/album/fancy-free-mw0000103324

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Reseña de Steve Huey

El Fancy Free de 1969 marcó el comienzo del alejamiento de Donald Byrd del hard bop, marcando un territorio con sabor a fusión que -en esta coyuntura- le debía más a Miles Davis de lo que el jazz-funk dominado por el R&B Byrd abrazaría varios años más tarde. Grabado sólo unos meses después de In a Silent Way de Davis, Fancy Free encuentra a Byrd liderando un gran grupo en el que destacan Frank Foster en el tenor, Lew Tabackin o Jerry Dodgion en la flauta, y varios percusionistas. Pero la pieza más importante del rompecabezas es el piano eléctrico de Duke Pearson, la primera vez que Byrd utilizó el instrumento. Pearson domina la textura del sonido del grupo, lo que hace que la totalidad de la sesión parezca más allá del reino del hard bop funky de lo que realmente es. Sin embargo, eso no quiere decir que Fancy Free no sea una ruptura clara con el pasado de Byrd, especialmente con los dos originales de Byrd que abren el álbum. El tema del título, que más tarde se convirtió en una de las composiciones más cubiertas de Byrd, contrasta las reflexiones espaciadas de Pearson con un ritmo de percusión ocupado y funky, y las improvisaciones que rompen con las convenciones del hard bop tienen un aire suelto y abierto. La cálida balada "I Love the Girl" tiene un aire similar, y a los ocho minutos y medio, es el atajo más corto; claramente Byrd quería un marco abierto para la exploración. Los otros dos números son composiciones de hard bop más tradicionales de antiguos alumnos de Byrd, que -aunque funky y lleno de improvisaciones- no pueden evitar sentirse más atados que sus predecesores. Aún así, aunque no sea su salida de fusión más aventurera, Fancy Free es el raro álbum de Donald Byrd que atrae tanto a los fanáticos de los ritmos raros como a los tradicionalistas.

https://www.allmusic.com/album/fancy-free-mw0000103324

Woody Shaw • Rosewood

 

Clark Terry Quartet With Thelonious Monk • In Orbit

 

Review by Scott Yanow
One of Thelonious Monk's rare appearances as a sideman is on this quartet set led by flügelhornist Clark Terry. With bassist Sam Jones and drummer Philly Joe Jones, Terry and pianist Monk perform a set that surprisingly has only one Monk song ("Let's Cool One"). Among the high points of this spirited, boppish date are Terry's "One Foot in the Gutter" and "Argentia."
https://www.allmusic.com/album/in-orbit-mw0000198803

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Reseña de Scott Yanow
Una de las raras apariciones de Thelonious Monk como sideman es en este set de cuarteto liderado por el flügelhornista Clark Terry. Con el bajista Sam Jones y el batería Philly Joe Jones, Terry y el pianista Monk interpretan un set que sorprendentemente sólo tiene una canción de Monk ("Let's Cool One"). Entre los puntos álgidos de esta animada y boppish cita están "One Foot in the Gutter" y "Argentia" de Terry.
https://www.allmusic.com/album/in-orbit-mw0000198803

Idrees Sulieman • Bird's Grass

 

Blue Mitchell • Graffiti Blues

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):

The fourth of five Mainstream sets led by Blue Mitchell (which has been reissued on CD) finds the flexible hard bop trumpeter joined by a soulful and funky rhythm section (either Joe Sample or Walter Bishop Jr. on keyboards, guitarist Freddie Robinson, electric bassist Darrell Clayborn and drummer Ray Pounds) and tenor saxophonist Herman Riley. The group plays three straight funky blues, including the title cut which features Don Bailey on harmonica, as well as a couple of basic Sample originals and a Mitchell ballad feature on "Alone Again, Naturally." Although not up to the same level of Mitchell's earlier Blue Note dates, this accessible set does a good job of balancing worthwhile solos with catchy rhythms and has dated surprisingly well.

[https://www.allmusic.com/album/graffiti-blues-mw0000277566](https://www.allmusic.com/album/graffiti-blues-mw0000277566)

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Resena de AllMusic (por Scott Yanow):

El cuarto de los cinco trabajos de Mainstream liderados por Blue Mitchell, que posteriormente fue reeditado en CD, encuentra al flexible trompetista de hard bop acompañado por una ritmica de marcado caracter soul y funk, con Joe Sample o Walter Bishop Jr. en los teclados, el guitarrista Freddie Robinson, el bajista electrico Darrell Clayborn, el baterista Ray Pounds y el saxofonista tenor Herman Riley. El grupo interpreta tres blues directamente funky, incluido el tema que da titulo al album y que cuenta con Don Bailey en la armonica, ademas de un par de composiciones basicas de Sample y una interpretacion de Mitchell de la balada "Alone Again, Naturally." Aunque no alcanza el mismo nivel de las primeras grabaciones de Mitchell para Blue Note, este accesible conjunto consigue equilibrar buenos solos con ritmos pegadizos y ha envejecido sorprendentemente bien.

[https://www.allmusic.com/album/graffiti-blues-mw0000277566](https://www.allmusic.com/album/graffiti-blues-mw0000277566)

The Adderley Brothers • The Summer Of '55

 

Review from AllMusic:
Julian "Cannonball" Adderley and Nat Adderley are both legendary names in jazz now, but when the material on these two discs was recorded in 1955, they were newcomers on the New York jazz scene. These 21 tracks were originally released on three separate LPs: the first as Bohemia After Dark (with drummer Kenny Clarke billed as leader), the second under Cannonball's name as Spontaneous Combustion, and the third titled That's Nat. This reissue leaves the tracks in the same order as that found on the original LPs (with the addition of several alternate takes). The playing is stupendous, and Cannonball's alto sax is particularly reminiscent of Charlie Parker at the peak of his powers. Cannonball and Nat's compositions, especially the very boppish "Chasm" and the bluesy "Hear Me Talkin' to Ya" simultaneously hark back to and expand the bebop tradition in a way that would lead directly to the hard bop sound of Art Blakey and others.
https://www.allmusic.com/album/the-summer-of-55-mw0000252296

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Reseña de AllMusic:
Julian "Cannonball" Adderley y Nat Adderley son ahora nombres legendarios en el jazz, pero cuando el material de estos dos discos fue grabado en 1955, eran recién llegados a la escena del jazz de Nueva York. Estos 21 temas fueron publicados originalmente en tres LPs separados: el primero como Bohemia After Dark (con el baterista Kenny Clarke acreditado como líder), el segundo bajo el nombre de Cannonball como Spontaneous Combustion, y el tercero titulado That's Nat. Esta reedición mantiene los temas en el mismo orden que el encontrado en los LPs originales (con la adición de varias tomas alternativas). La interpretación es estupenda, y el saxofón alto de Cannonball recuerda particularmente a Charlie Parker en la cima de sus poderes. Las composiciones de Cannonball y Nat, especialmente el muy boppish "Chasm" y el bluesy "Hear Me Talkin' to Ya" evocan y expanden simultáneamente la tradición del bebop de una manera que llevaría directamente al sonido hard bop de Art Blakey y otros.
https://www.allmusic.com/album/the-summer-of-55-mw0000252296

Idrees Sulieman • The Camel

 

Donald Byrd • Byrd Blows On Beacon Hill

  

Review by Thom Jurek
This 1956 (released in 1957) session is Donald Byrd's quartet session. Utilizing a rhythm section of Beacon Hill's finest -- bassist Doug Watkins, pianist Ray Santisi, and drummer Jim Zitano -- Byrd establishes himself here as an individual voice on the trumpet and as a leader as well. The material is comprised of well-known standards and catalog jazz tunes such as "Stella by Starlight," "Polka Dots and Moonbeams," "People Will Say We're in Love," "If I Love Again," and "What's New"; it's hardly the high-flying hard bop material that became his signature during his early years at Blue Note. Mostly the pace is slow, easy, and swinging, with enough of the funky blues Byrd would blow later to make these nuggets sound interesting. Byrd's interpretation of older material like this was one of both observance and phrasing. He never overplays either on the vamping lyric or in his solos. Likewise, his rhythm section keeps things spare, if not necessarily simple. Nowhere is this more evident than in "Polka Dots and Moonbeams," where the melody is inverted after the first three choruses have been played, but it is never overstated or broken apart, just observed and actively pursued for its chromatic richness. Byrd's tone is not quite as biting as it would become in later years, though it is imbued with the same ghostly timbral grace that distinguished him as a soloist. While this date may not be of interest to Byrd's soul-jazz fans, it will no doubt enlighten those who are partial to Byrd's early Blue Note material.
https://www.allmusic.com/album/byrd-blows-on-beacon-hill-mw0000900883

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Reseña de Thom Jurek
Esta sesión de 1956 (publicada en 1957) es la sesión de cuarteto de Donald Byrd. Utilizando una sección rítmica de lo mejor de Beacon Hill -el bajista Doug Watkins, el pianista Ray Santisi y el baterista Jim Zitano- Byrd se establece aquí como una voz individual en la trompeta y también como líder. El material se compone de estándares conocidos y temas de jazz de catálogo como "Stella by Starlight", "Polka Dots and Moonbeams", "People Will Say We're in Love", "If I Love Again" y "What's New"; no es el material hard bop de alto vuelo que se convirtió en su firma durante sus primeros años en Blue Note. En su mayoría, el ritmo es lento, fácil y oscilante, con el suficiente funky blues que Byrd tocaría más tarde para hacer que estas piezas suenen interesantes. La interpretación de Byrd de material más antiguo como éste era tanto de observancia como de fraseo. Nunca exagera ni en la letra vampírica ni en sus solos. Del mismo modo, su sección rítmica mantiene las cosas en su sitio, aunque no necesariamente en su sencillez. En ninguna parte es esto más evidente que en "Polka Dots and Moonbeams", donde la melodía se invierte después de que se hayan tocado los tres primeros estribillos, pero nunca se exagera ni se rompe, sólo se observa y se persigue activamente por su riqueza cromática. El tono de Byrd no es tan mordaz como lo sería en años posteriores, aunque está impregnado de la misma gracia tímbrica fantasmal que le distinguía como solista. Si bien esta fecha puede no ser de interés para los fans del soul-jazz de Byrd, sin duda iluminará a aquellos que tienen debilidad por el primer material de Blue Note de Byrd.
https://www.allmusic.com/album/byrd-blows-on-beacon-hill-mw0000900883

 

Lee Morgan • The Gigolo

  

Review
by Scott Yanow
Lee Morgan was the leading trumpeter in hard bop during the 1960s and he recorded quite a few classic albums for Blue Note. This is one of them. The CD reissue (which adds an alternate take of the title cut to the original five-song program) features Morgan at his best, whether playing his memorable blues "Speed Ball," an explorative ballad version of "You Go to My Head," a lengthy "The Gigolo," or his other two originals ("Yes I Can, No You Can't" and "Trapped"). There are no weak selections on this set and the playing by the leader, Wayne Shorter on tenor, pianist Harold Mabern, bassist Bob Cranshaw, and drummer Billy Higgins is beyond any serious criticism.
https://www.allmusic.com/album/the-gigolo-mw0000203611

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Reseña
por Scott Yanow
Lee Morgan fue el trompetista más destacado del hard bop durante la década de 1960 y grabó bastantes álbumes clásicos para Blue Note. Éste es uno de ellos. La reedición en CD (que añade una toma alternativa del corte del título al programa original de cinco canciones) presenta a Morgan en su mejor momento, ya sea tocando su memorable blues "Speed Ball", una versión de balada exploratoria de "You Go to My Head", una larga "The Gigolo", o sus otros dos originales ("Yes I Can, No You Can't" y "Trapped"). No hay selecciones flojas en este conjunto y la interpretación del líder, Wayne Shorter al tenor, el pianista Harold Mabern, el bajista Bob Cranshaw y el batería Billy Higgins está más allá de cualquier crítica seria.
https://www.allmusic.com/album/the-gigolo-mw0000203611

Freddie Hubbard • Blue Spirits

 

Art Farmer • Farmer's Market

 

 

Born on Aug. 21, 1928, in Iowa, Farmer was raised in Phoenix, Arizona along with his twin brother Addison. They moved to Los Angeles in 1945 and during the late '40s, Farmer worked with the West Coast based bands of Jay McShann, Johnny Otis, Roy Porter and Benny Carter. He also worked with Wardell Gray and in 1952-'53 he went to Europe on the same Lionel Hampton tour as Clifford Brown, Gigi Gryce and Quincy Jones. Upon his return he decided to settle in New York City and shortly thereafter, he worked with Gryce (1954-'56), Horace Silver (1956-'58) and Gerry Mulligan (1958-'59).

Then, in 1959, he became a co-leader of the Jazztet with Benny Golson, a group that remained together from 1959-'62 and was revived in the early '80s. The Jazztet possibly enjoyed less success than it deserved. The unique combination of Farmer's improvisational talent and leadership combined with Benny Golson's gift for composition and arrangement produced a number of world-class recordings. Apart from Golson, the Jazztet included a young McCoy Tyner and trombonist Curtis Fuller.

Following the first Jazztet, Farmer worked in a quartet format with Jim Hall, which lasted until 1964. In musical terms Farmer's trademarks have always been; carefully built melodic statements, beautifully proportioned solos and a rich and mellow sound. Since the early 60-s Farmer has played the flugelhorn as his primary instrument which has only enhanced the mellowness of his tone. He travelled to Europe in the mid '60s for solo tours and worked with Jimmy Heath at home, before taking a job with the Austrian Radio Orchestra in 1968.

Since then he has toured around the world, often returning home for club dates and recordings. In the 80s he recorded 3 fine albums for Contemporary, Clifford Jordan plays sax on all three. In recent years he has taken up the flumpet, a hybrid blending qualities of the trumpet and flugelhorn.
https://musicians.allaboutjazz.com/artfarmer

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Nacido el 21 de agosto de 1928 en Iowa, Farmer se crió en Phoenix, Arizona, junto con su hermano gemelo Addison. Se trasladaron a Los Ángeles en 1945 y, a finales de los años 40, Farmer trabajó con las bandas de la Costa Oeste de Jay McShann, Johnny Otis, Roy Porter y Benny Carter. También trabajó con Wardell Gray y en 1952-53 fue a Europa en la misma gira de Lionel Hampton que Clifford Brown, Gigi Gryce y Quincy Jones. A su regreso, decidió instalarse en Nueva York y, poco después, trabajó con Gryce (1954-'56), Horace Silver (1956-'58) y Gerry Mulligan (1958-'59).

Luego, en 1959, se convirtió en colíder del Jazztet con Benny Golson, un grupo que permaneció unido desde 1959-'62 y que se recuperó a principios de los 80. El Jazztet posiblemente tuvo menos éxito del que merecía. La combinación única del talento para la improvisación y el liderazgo de Farmer, junto con el don de Benny Golson para la composición y los arreglos, produjo una serie de grabaciones de primera clase. Además de Golson, el Jazztet incluía a un joven McCoy Tyner y al trombonista Curtis Fuller.

Tras el primer Jazztet, Farmer trabajó en formato de cuarteto con Jim Hall, que duró hasta 1964. Desde el punto de vista musical, las marcas de Farmer siempre han sido: declaraciones melódicas cuidadosamente construidas, solos bellamente proporcionados y un sonido rico y suave. Desde principios de los años 60, Farmer ha tocado el flugelhorn como su instrumento principal, lo que no ha hecho más que aumentar la suavidad de su tono. A mediados de los 60 viajó a Europa para hacer giras en solitario y trabajó con Jimmy Heath en su país, antes de aceptar un trabajo en la Orquesta de la Radio Austriaca en 1968.

Desde entonces, ha realizado giras por todo el mundo, volviendo a menudo a su país para participar en clubes y grabaciones. En los años 80 grabó tres excelentes álbumes para Contemporary, en los que Clifford Jordan toca el saxo. En los últimos años se ha dedicado a tocar la flumpet, un híbrido que combina las cualidades de la trompeta y el flugelhorn.
https://musicians.allaboutjazz.com/artfarmer

Kenny Dorham • Jazz Contrasts

 

Review by Scott Yanow
Some of trumpeter Kenny Dorham's finest recordings were his sessions as a leader for Riverside in the '50s and fortunately all of that music has been reissued on CD. This album is a bit brief in time (41 minutes) but contains many memorable selections. Three of the songs ("Falling in Love with Love" a 12-minute version of "I'll Remember April" and the trumpeter's "La Villa") match Dorham in an all-star quintet with the great tenor Sonny Rollins, pianist Hank Jones, bassist Oscar Pettiford and drummer Max Roach. The other three numbers (of which only "My Old Flame" includes Rollins) adds a fine harp player (Betty Glauman) and focuses on Dorham's lyricism.
https://www.allmusic.com/album/jazz-contrasts-keepnews-collection-mw0000267564

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Reseña de Scott Yanow
Algunas de las mejores grabaciones del trompetista Kenny Dorham fueron sus sesiones como líder para Riverside en los años 50 y afortunadamente toda esa música ha sido reeditada en CD. Este álbum es un poco breve (41 minutos) pero contiene muchas selecciones memorables. Tres de las canciones ("Falling in Love with Love" una versión de 12 minutos de "I'll Remember April" y "La Villa" del trompetista) hacen coincidir a Dorham en un quinteto de estrellas con el gran tenor Sonny Rollins, el pianista Hank Jones, el bajista Oscar Pettiford y el baterista Max Roach. Los otros tres números (de los cuales sólo "My Old Flame" incluye a Rollins) añaden una excelente arpista (Betty Glauman) y se centran en el lirismo de Dorham.
https://www.allmusic.com/album/jazz-contrasts-keepnews-collection-mw0000267564

Clora Bryant • Gal With a Horn

Nacida en Tejas, se inició en la música como cantante en la iglesia bautista, posteriormente empezó a tocar la trompeta que su hermano dejó al ser llamado a servir en la guerra en 1941, y no paró nunca de tocar hasta 1996 que por razones de salud debió declinar de seguir tocando, si embargo ha seguido cantando esporádicamente y brindando entrevistas.

Estudió en forma autodidacta oyendo a sus ídolos de la trompeta, grabándose a sí misma en una grabadora de cinta y escuchando el resultado para ir mejorando su técnica.

Dizzy y Satchmo, con quienes ha tocado, sintieron admiración por esta dama y junto a Charlie Parker tuvo una jam en un café de California, convirtiéndose en la única mujer que haya tocado con el gran "Bird".

Se tomo un tiempo para criar a sus hijos, volviendo en los '60 con gran suceso en el show de Ed Sullivan y participando en proyectos con otros músicos, en 1989 fue la primer dama del jazz en tocar, en la por aquel entonces Unión Soviética, a pedido del mismísimo Mikhail Gorbachov.

Bryant murió en el Centro Médico Cedars-Sinai de Los Ángeles el 25 de agosto de 2019, después de sufrir un ataque al corazón en su casa. En el momento de su muerte, tenía nueve nietos y cinco bisnietos

Clora Bryant (born May 30, 1927, in Denison, Texas) is an American jazz trumpeter and as a young girl she fell in love with music and classic southern fish fries. Music came easy for Bryant and as a child she sang in her church’s choir, played piano, and of course the trumpet. Although her mother passed when she was three her father raised her and supported her music career from the very beginning. Her father would take her to Jazz concerts growing up, and during college her father moved her to Los Angeles to pursue her music career and get discovered.
As a teen Bryant traveled around the nation making a name for herself playing the trumpet with all female bands. During that time the trumpet was viewed as a male dominated instrument, but she persevered. During jam sessions in L.A., she liked the song that was being performed she would walk on stage and begin playing, or she would take the trumpet away from another artist like Dizzy Gillespie and play his trumpet. Although Bryant was a skilled trumpeter she was very naïve growing up; she has mentioned times as a young woman in her late teens and early twenties in which she was very confused because she did not know about different sexualities or drugs which became available after she moved to Los Angeles. Clora Bryant is a decorated musician who broke down a lot walls for female musicians, and helped spread jazz across the nation.
Bryant died at Cedars-Sinai Medical Center in Los Angeles on August 25, 2019, after suffering a heart attack at home. At the time of her death, she had nine grandchildren and five great-grandchildren.

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Chet Baker Quintet • At the Forum Theater

 

Chet Baker Quintet (with Phil Urso and Bobby Timmons) - At the Forum Theater (1956) {Fresh Sound Records FSRCD 9004, Spain} - 1995
This cd contains,the recordings he made with his quintetthe crewunder Dick Bocks direction at the Los Angeles Forum Theatre in July 1956. On these sessions Chet plays throughout with even greater warmth, virility and maturity of conception than on previous recordings, but with the lyricism that was his forte intact. Ursos earthy, strongly swinging tenor, out of the brothers school, also raises the ante. In the rhythm section Bobby Timmons, who adds a powerful solo voice on piano, is buoyantly funky, while Jimmy Bond and Peter Littman complete a grooving, effectively driving unit behind the soloists.

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Chet Baker Quintet (con Phil Urso y Bobby Timmons) - At the Forum Theater (1956) {Fresh Sound Records FSRCD 9004, España} - 1995
Este cd contiene las grabaciones que hizo con su quinteto bajo la dirección de Dick Bocks en el Forum Theatre de Los Angeles en julio de 1956. En estas sesiones Chet toca con mayor calidez, virilidad y madurez de concepción que en grabaciones anteriores, pero con el lirismo que era su fuerte intacto. El tenor de Ursos, terrenal y con un fuerte swing, salido de la escuela de los hermanos, también sube la apuesta. En la sección rítmica, Bobby Timmons, que añade una poderosa voz solista al piano, es alegremente funky, mientras que Jimmy Bond y Peter Littman completan una unidad groove y eficaz detrás de los solistas.