Stan Getz, Gerry Mulligan, Oscar Peterson... • Jazz Giants ‘58

Producer Norman Granz (1918-2001) had an uncanny ability to create really amazing jazz albums by experimenting with the combinative chemistry of musical minds, temperaments, and personalities. While not every Granz session resulted in recordings of equal depth or profundity, the number of artistically rewarding, genre-defining albums that came together under his supervision is almost difficult for the human mind to fully comprehend. One fine example is Jazz Giants '58, a Verve album recorded inside the rented Capitol studios in Hollywood, CA on August 1, 1957 and released almost exactly one year later. The 2008 Japanese CD reissue faithfully reproduces the original cover art and makes this outstanding music available in immaculately remastered sound. Although it has since come to be identified mainly with Stan Getz, Jazz Giants '58 feels a lot like a Gerry Mulligan session, with Harry "Sweets" Edison perfectly complementing the other two horns. To support and illuminate the trumpet, tenor, and baritone saxes, Granz used his preferred rhythm trio -- Oscar Peterson, Herb Ellis, and Ray Brown -- and added master percussionist Louie Bellson, fully primed after working for his wife Pearl Bailey, his hero Duke Ellington, and with Granz's internationally famous Jazz at the Philharmonic project. This was the blossoming of the great era of long-playing records, and the participants clearly relished the opportunity to stretch out and jam together in a relaxed, intimate studio environment. "Chocolate Sundae," a ten-minute collectively improvised blues of incredible warmth and irresistible texture, is followed by seven- and eight-minute sets of creative variations on a couple of tunes that were in the air during the '50s. The nearly 12-minute manifestation of the patented Norman Granz "Ballad Medley" is especially powerful by virtue of starting out with Billy Strayhorn's "Lush Life." An extended romp through the changes of Dizzy Gillespie's "Woody N You" (a tribute to the progressive sensibilities of bandleader Woody Herman penned during the 1940s) adds pure undiluted pleasure to an album that already sounds and feels like some of the best music ever recorded by any of the participants under any circumstances.
https://www.allmusic.com/album/jazz-giants-58-mw0000495109 

 

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El productor Norman Granz (1918-2001) tenía una asombrosa habilidad para crear álbumes de jazz realmente asombrosos al experimentar con la química combinativa de mentes, temperamentos y personalidades musicales. Si bien no todas las sesiones de Granz resultaron en grabaciones de la misma profundidad o profundidad, la cantidad de álbumes artísticamente gratificantes que definen el género que se juntaron bajo su supervisión es casi difícil de comprender por completo para la mente humana. Un buen ejemplo es Jazz Giants '58, un álbum de Verve grabado dentro de los estudios alquilados de Capitol en Hollywood, CA el 1 de agosto de 1957 y lanzado casi exactamente un año después. La reedición del CD japonés de 2008 reproduce fielmente la carátula original y hace que esta excelente música esté disponible en un sonido impecablemente remasterizado. Aunque desde entonces se ha identificado principalmente con Stan Getz, Jazz Giants '58 se parece mucho a una sesión de Gerry Mulligan, con Harry "Sweets" Edison complementando perfectamente los otros dos cuernos. Para apoyar e iluminar los saxos de trompeta, tenor y barítono, Granz usó su trío de ritmo preferido, Oscar Peterson, Herb Ellis y Ray Brown, y agregó al maestro percusionista Louie Bellson, completamente preparado después de trabajar para su esposa Pearl Bailey, su el héroe Duke Ellington, y con el proyecto internacional Jazz at the Philharmonic de Granz. Este fue el florecimiento de la gran era de los discos de larga duración, y los participantes claramente disfrutaron la oportunidad de estirarse y tocar juntos en un ambiente de estudio relajado e íntimo. "Chocolate Sundae", un blues improvisado colectivamente de diez minutos de increíble calidez y textura irresistible, es seguido por series de siete y ocho minutos de variaciones creativas en un par de melodías que estaban en el aire durante los años 50. La manifestación de casi 12 minutos del patentado "Ballad Medley" de Norman Granz es especialmente poderosa en virtud de comenzar con "Lush Life" de Billy Strayhorn. Un repaso extenso a través de los cambios de "Woody N You" de Dizzy Gillespie (un tributo a la sensibilidad progresiva del líder de la banda Woody Herman escrito durante la década de 1940) agrega puro placer puro a un álbum que ya suena y se siente como parte de la mejor música jamás grabada. por cualquiera de los participantes bajo ninguna circunstancia.
https://www.allmusic.com/album/jazz-giants-58-mw0000495109

Stan Getz • Stan Getz And The Oscar Peterson Trio

 

Review

In that quintessential breakthrough year of modern jazz -- 1957 -- Norman Granz was fond of pairing the legendary drummerless trio of Oscar Peterson with several different stars from the Jazz at the Philharmonic concert series. In this case, Stan Getz is the nominee, and Granz could not have found a better match for the pianist alongside his peerless combo than the ripe, mature, and bebopping tenor saxophonist. It was a one-shot deal, the only official collaboration between Getz and Peterson, expanded on this edition of the Silver Collection series with tracks from the complete session, with no alternate takes or bonus tracks and recorded entirely in monaural. Unlike Art Tatum -- who could never really restrain his notions to always cut loose -- Peterson sounds relatively relaxed on this date, understanding that Getz was also not going to shred up every tune they played. With guitarist Herb Ellis and bassist Ray Brown, the quartet members not only have all the rhythmic cohesion they need without a formal timekeeper, but interact in a way that approaches telepathic or magical. In short, the quartet is in the zone like few groups ever achieve in a studio setting. They zip through a bop-based edition of "I Want to Be Happy," a hopped-up adaptation of "Sweet Georgia Brown" titled "Tour's End," and the flawless "Three Little Words" like they are child's play. The strong Kansas City cum Texas-style guitar of Ellis cannot be denied during "Bronx Blues," while Getz reins in the countrified air of the jam in a laid-back but downtown fashion. During the great song (penned by Ellis) "Detour Ahead," heard here in an instrumental, post-Billie Holiday version, the ensemble shows ultimate flexibility, heightened by the tenor saxophonist's touching yet firm grasp of the melody. Aside from the closer, "Blues for Herky," with a choppy guitar from Ellis and a New Orleans-type feel, the rest of the material consists of ballads or midtempo cool tunes. This is where Peterson is most surprising, toning down his act, interpreting the songs with the precision of a diamond cutter, and using his acute listening skills to the fullest. Those bedazzled by the utter virtuosity of the pianist should listen more closely to this recording to hear how his taste level is as elevated as the monster technique he possesses. While "I Was Doing All Right" approaches a lounge sound, the five-tune "Ballad Medley" displays Peterson at his best, especially on his feature, "How Long Has This Been Going On." On this great album for the times and all time, these wonderful musicians are on from the word go, providing 60 priceless minutes of music that any mainstream jazz lover can embrace.

https://www.allmusic.com/album/stan-getz-and-the-oscar-peterson-trio-mw0000191869

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Reseña

En ese año de gran avance del jazz moderno, 1957, Norman Granz se encargó de emparejar al legendario trío sin batería de Oscar Peterson con varias estrellas de la serie de conciertos de Jazz en la Filarmónica. En este caso, Stan Getz es el nominado, y Granz no podría haber encontrado una mejor pareja para el pianista junto a su incomparable combo que el maduro, maduro y bebopping saxofonista tenor. Fue un acuerdo de una sola vez, la única colaboración oficial entre Getz y Peterson, ampliada en esta edición de la serie Silver Collection con temas de la sesión completa, sin tomas alternas ni bonus tracks y grabada totalmente en monaural. A diferencia de Art Tatum, que nunca pudo restringir sus nociones para siempre soltarse, Peterson suena relativamente relajado en esta fecha, entendiendo que Getz tampoco iba a destrozar cada canción que tocara. Con el guitarrista Herb Ellis y el bajista Ray Brown, los miembros del cuarteto no sólo tienen toda la cohesión rítmica que necesitan sin un cronómetro formal, sino que interactúan de una manera que se acerca a lo telepático o mágico. En resumen, el cuarteto está en la zona como pocos grupos logran en un estudio. Pasan por una edición basada en el bop de "I Want to Be Happy", una esperanzadora adaptación de "Sweet Georgia Brown" titulada "Tour's End", y las impecables "Three Little Words" como si fueran un juego de niños. La fuerte guitarra de Ellis al estilo Kansas City cum Texas no se puede negar durante el "Bronx Blues", mientras Getz se encarga del aire campestre de la mermelada de una manera relajada pero céntrica. Durante la gran canción (escrita por Ellis) "Detour Ahead", que se escucha aquí en una versión instrumental post-Billie Holiday, el conjunto muestra una flexibilidad definitiva, realzada por el conmovedor pero firme agarre de la melodía por parte del saxofonista tenor. Aparte del cierre, "Blues para Herky", con una guitarra entrecortada de Ellis y una sensación tipo New Orleans, el resto del material consiste en baladas o melodías frescas de medio tiempo. Aquí es donde Peterson es más sorprendente, bajando el tono de su actuación, interpretando las canciones con la precisión de un cortador de diamantes, y usando sus agudas habilidades de escucha al máximo. Aquellos deslumbrados por el virtuosismo del pianista deberían escuchar más de cerca esta grabación para oír cómo su nivel de gusto es tan elevado como la monstruosa técnica que posee. Mientras "I Was Doing All Right" se acerca a un sonido de salón, la "Ballad Medley" de cinco tonos muestra a Peterson en su mejor momento, especialmente en su artículo "How Long Has This Been Going On". En este gran álbum para la época y para siempre, estos maravillosos músicos están en marcha desde el principio, proporcionando 60 minutos de música que no tienen precio y que cualquier amante del jazz puede abrazar.

https://www.allmusic.com/album/stan-getz-and-the-oscar-peterson-trio-mw0000191869

Coleman Hawkins • Bean Stalkin'

 

Review
by Scott Yanow
In contrast to Hawkins's sometimes sleepy studio albums from this era, his live performances were generally quite exciting. This set features the great tenor at two European concerts in 1960, performing three fairly heated numbers with a four-piece rhythm section, matching wits with trumpeter Roy Eldridge on "Crazy Rhythm" and leading two all-star jams with Eldridge, fellow tenor Don Byas and altoist Benny Carter. Some of the music is quite fiery, making this a recommended disc.
https://www.allmusic.com/album/bean-stalkin-mw0000202874

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Reseña
por Scott Yanow
En contraste con los álbumes de estudio a veces somnolientos de Hawkins de esta época, sus presentaciones en vivo fueron generalmente bastante emocionantes. Este set presenta al gran tenor en dos conciertos europeos en 1960, interpretando tres números bastante acalorados con una sección rítmica de cuatro piezas, combinando ingenio con el trompetista Roy Eldridge en "Crazy Rhythm" y liderando dos improvisaciones de estrellas con Eldridge, su compañero tenor Don Byas y el altoista Benny Carter. Parte de la música es bastante ardiente, lo que hace de este un disco recomendado.
https://www.allmusic.com/album/bean-stalkin-mw0000202874

Ray Brown • This Is Ray Brown

 

Ray Brown was born in Pittsburgh, Pennsylvania, and had piano lessons from the age of eight. After noticing how many pianists attended his high school, he thought of taking up the trombone, but was unable to afford one. With a vacancy in the high school jazz orchestra, he took up the double bass.

A major early influence on Brown's bass playing was the bassist in the Duke Ellington band, Jimmy Blanton. As a young man Ray Brown became steadily more well known in the Pittsburgh jazz scene, with his first experiences playing in bands with the Jimmy Hinsley Sextet and the Snookum Russel band. After graduating from high school, hearing stories about the burgeoning jazz scene on 52nd Street, in New York City, he bought a one way ticket to New York.

Arriving in New York at the age of twenty, he met up with Hank Jones, with whom he had previously worked, and was introduced to Dizzy Gillespie, who was looking for a bass player. Gillespie hired Brown on the spot and he soon played with such established musicians as Art Tatum and Charlie Parker.

From 1946 to 1951 he played in Gillespie's band. Brown, along with the vibraphonist Milt Jackson, drummer Kenny Clarke, and the pianist John Lewis formed the rhythm section of the Gillespie band, and their work together eventually led to the creation of the Modern Jazz Quartet.

Around this time Brown was also appearing in Jazz at the Philharmonic concerts, organised by Norman Granz. It was at these concerts that he met the jazz singer Ella Fitzgerald, whom he married in 1947. Together they adopted a child born to Fitzgerald's half-sister Francis, whom they christened Ray Brown, Jr. Fitzgerald and Brown divorced in 1952.

It was at a Jazz at the Philharmonic concert in 1949 that Brown first worked with the jazz pianist Oscar Peterson, in whose trio Brown would play from 1951 to 1966. After leaving the Trio he became a manager and promoter as well as a performer.

In 1966, he settled in Los Angeles where he was in high demand working for various television show orchestras. He also accompanied some of the leading artists of the day, including Frank Sinatra, Billy Eckstine, Tony Bennett, Sarah Vaughan, and Nancy Wilson. He also managed his former musical partners, the Modern Jazz Quartet, as well as a young Quincy Jones, produced some shows for the Hollywood Bowl, wrote jazz double bass instruction books, and developed a jazz cello.

It was whilst in Los Angeles that he composed music for films and television shows. He was awarded his first Grammy for his composition, "Gravy Waltz", a tune which would later be used as the theme song for The Steve Allen Show.

In the 1980s and 1990s he led his own trios and continued to refine his bass playing style. In his later years he recorded and toured extensively with pianist Gene Harris. In the early 1980s, he discovered Diana Krall in a restaurant in Nanaimo, British Columbia.

He continued to perform until his death; he died while taking a nap before a show in Indianapolis.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/ray-brown/

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Ray Brown nació en Pittsburgh, Pensilvania, y recibió lecciones de piano desde los ocho años. Después de darse cuenta de cuántos pianistas asistían a su escuela secundaria, pensó en tomar el trombón, pero no pudo pagarlo. Con una vacante en la orquesta de jazz de la escuela secundaria, tomó el contrabajo.

Una gran influencia temprana en el bajo de Brown fue el bajista de la banda de Duke Ellington, Jimmy Blanton. De joven, Ray Brown se hizo cada vez más conocido en la escena del jazz de Pittsburgh, con sus primeras experiencias tocando en bandas con el Sexteto Jimmy Hinsley y la banda Snookum Russel. Después de graduarse de la escuela secundaria, escuchando historias sobre la floreciente escena del jazz en la calle 52, en la ciudad de Nueva York, compró un boleto de ida a Nueva York.

Al llegar a Nueva York a los veinte años, conoció a Hank Jones, con quien había trabajado anteriormente, y conoció a Dizzy Gillespie, que buscaba bajista. Gillespie contrató a Brown en el acto y pronto tocó con músicos establecidos como Art Tatum y Charlie Parker.

De 1946 a 1951 tocó en la banda de Gillespie. Brown, junto con el vibrafonista Milt Jackson, el baterista Kenny Clarke y el pianista John Lewis formaron la sección rítmica de Gillespie band, y su trabajo conjunto eventualmente condujo a la creación del Cuarteto de Jazz Moderno.

Por esta época, Brown también aparecía en Jazz en los conciertos Filarmónicos, organizados por Norman Granz. Fue en estos conciertos donde conoció a la cantante de jazz Ella Fitzgerald, con quien se casó en 1947. Juntos adoptaron a un niño nacido de la media hermana de Fitzgerald, Francis, a quien bautizaron Ray Brown, Jr.Fitzgerald y Brown se divorciaron en 1952.

Fue en un concierto de Jazz en la Filarmónica en 1949 cuando Brown trabajó por primera vez con el pianista de jazz Oscar Peterson, en cuyo trío Brown tocaría de 1951 a 1966. Después de dejar el Trío, se convirtió en gerente y promotor, además de intérprete.

En 1966, se instaló en Los Ángeles, donde tuvo una gran demanda trabajando para varias orquestas de programas de televisión. También acompañó a algunos de los principales artistas de la época, incluidos Frank Sinatra, Billy Eckstine, Tony Bennett, Sarah Vaughan y Nancy Wilson. También dirigió a sus antiguos socios musicales, el Cuarteto de Jazz Moderno, así como a un joven Quincy Jones, produjo algunos espectáculos para el Hollywood Bowl, escribió libros de instrucciones de contrabajo de jazz y desarrolló un violonchelo de jazz.

Fue mientras estaba en Los Ángeles cuando compuso música para películas y programas de televisión. Recibió su primer Grammy por su composición, "Gravy Waltz", una melodía que luego se usaría como tema principal de The Steve Allen Show.

En las décadas de 1980 y 1990 dirigió sus propios tríos y continuó refinando su estilo de tocar el bajo. En sus últimos años grabó y realizó numerosas giras con el pianista Gene Harris. A principios de la década de 1980, descubrió a Diana Krall en un restaurante en Nanaimo, Columbia Británica.

Continuó actuando hasta su muerte; murió mientras dormía una siesta antes de un espectáculo en Indianápolis.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/ray-brown/

Herb Ellis • An Evening With Herb Ellis

 

 

Review by Ken Dryden
Herb Ellis sets a concert stage afire with his masterful technique, sharpened during a long stretch as a member of the Oscar Peterson Trio during the 1950s. For this 1995 performance at Western Washington University, he's accompanied by pianist Bill MacDonough (a university alum), bassist Chuck Israels (a faculty member and ex-Bill Evans sideman), and Canadian drummer John Nolan, who worked with Ellis on other recordings. From listening to this show, it's hard not to think this is a working group, aside from an unsteady ending to a piece or two. The highlight of the date is easily the extended workout of "Things Ain't What They Used to Be," where Ellis really shows off his chops. His simmering take of "Billie's Bounce" never boils over, while Ellis displays his lyricism in a gorgeous rendition of "Body and Soul," even if he can't resist inserting a few humorous quotes.
https://www.allmusic.com/album/an-evening-with-herb-ellis-mw0000233075

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Reseña de Ken Dryden
Herb Ellis hace arder el escenario de un concierto con su magistral técnica, perfeccionada durante un largo periodo como miembro del Oscar Peterson Trio en la década de 1950. En esta actuación de 1995 en la Western Washington University, le acompañan el pianista Bill MacDonough (antiguo alumno de la universidad), el bajista Chuck Israels (miembro de la facultad y ex compañero de Bill Evans) y el batería canadiense John Nolan, que trabajó con Ellis en otras grabaciones. Escuchando este concierto, es difícil no pensar que se trata de un grupo de trabajo, aparte de un final inestable en una o dos piezas. Lo mejor de la actuación es sin duda la extensa versión de "Things Ain't What They Used to Be", en la que Ellis demuestra su talento. Su versión a fuego lento de "Billie's Bounce" nunca llega a hervir, mientras que Ellis hace gala de su lirismo en una magnífica interpretación de "Body and Soul", aunque no pueda resistirse a insertar algunas citas humorísticas.
https://www.allmusic.com/album/an-evening-with-herb-ellis-mw0000233075

Mel Brown • Chicken Fat

 

Review by Sean Westergaard

Guitarist Mel Brown is hailed as "An Impulse! Discovery" on Chicken Fat, his debut for the label, and this album does feature a fantastic unique sound. Brown played in the bands of T-Bone Walker and John Lee Hooker, and has an aggressive (though not harsh) single-string picking style. For this date he is paired with either Herb Ellis or Arthur Wright on guitar, Gerald Wiggins on organ, and Brown's regular rhythm section of Paul Humphrey on drums and Ronald Brown on electric bass. There are a couple tracks that are played as pretty straight blues, but this is a hoppin' soul-jazz date. The tunes are bouncy and funky, and Brown's playing is a real treat. His bluesy, almost reckless soloing gives a vastly different flavor that the playing of guys like Grant Green or Melvin Sparks. Gerald Wiggins' organ playing is cool and swinging, and the electric bass of Ronald Brown makes this album about as funky as Impulse ever got. Both Herb Ellis and Arthur Wright get some solo space as well, with Ellis sounding quite interesting playing an unamplified 12-string on a couple cuts. Brown gets some nice tones as well, and on "Hobo Flats" plays "an electronic guitar with Wah-Wah distortion" (remember, this is 1967 jazz) "that gives a weird shimmering sound," according to the liner notes. Leave it to Impulse! to put a new spin on the guitar/organ sound. This is hot stuff.

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Reseña por Sean Westergaard

El guitarrista Mel Brown es aclamado como "An Impulse! Discovery" en Chicken Fat, su debut para el sello, y este álbum presenta un sonido único fantástico. Brown tocó en las bandas de T-Bone Walker y John Lee Hooker, y tiene un estilo agresivo (aunque no severo) para escoger una sola cuerda. Para esta fecha está emparejado con Herb Ellis o Arthur Wright en la guitarra, Gerald Wiggins en el órgano y la sección de ritmo regular de Brown de Paul Humphrey en la batería y Ronald Brown en el bajo eléctrico. Hay un par de pistas que se tocan como blues bastante heterosexuales, pero esta es una cita de soul-jazz esperanzadora. Las melodías son animosas y divertidas, y la interpretación de Brown es un verdadero placer. Su solista de blues, casi imprudente le da un sabor muy diferente al de los tipos de Grant Green o Melvin Sparks. Tocar el órgano de Gerald Wiggins es genial y vibrante, y el bajo eléctrico de Ronald Brown hace que este álbum sea tan funky como Impulse nunca tuvo. Tanto Herb Ellis como Arthur Wright también tienen algo de espacio en solitario, y Ellis suena bastante interesante tocando una serie de 12 cuerdas sin amplificar en un par de cortes. Brown también tiene algunos tonos agradables, y en "Hobo Flats" toca "una guitarra electrónica con distorsión Wah-Wah" (recuerda, esto es el jazz de 1967) "que da un sonido extraño y brillante", según las notas del forro. ¡Dejalo a Impulso! Para darle un nuevo giro al sonido de guitarra / órgano. Esto es algo caliente.

Oscar Peterson • Trio Encore At The Blue Note

 

Review

The fourth CD taken from a reunion engagement at the Blue Note by pianist Oscar Peterson, guitarist Herb Ellis, bassist Ray Brown and drummer Bobby Durham, this set is up to the same level as the other three. The Oscar Peterson Trio of the late '50s (along with Peterson's drummer of a decade later) jam through five standards (including a heated "Falling in Love with Love") and four of Peterson's originals, highlighted by a medley of his "Goodbye Old Girl" and "He Has Gone."

by Scott Yanow

https://www.allmusic.com/album/encore-at-the-blue-note-mw0000112472

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Reseña

El cuarto CD tomado de un compromiso de reunión en el Blue Note por el pianista Oscar Peterson, el guitarrista Herb Ellis, el bajista Ray Brown y el baterista Bobby Durham, este conjunto está al mismo nivel que los otros tres. El Oscar Peterson Trio de finales de los 50 (junto con el baterista de Peterson de una década más tarde) improvisa a través de cinco estándares (incluyendo un acalorado "Falling in Love") y cuatro de los originales de Peterson, destacados por un medley de su "Goodbye Old Girl" y "He Has Gone".

por Scott Yanow
https://www.allmusic.com/album/encore-at-the-blue-note-mw0000112472

Herb Ellis • Man With The Guitar

 

Biography
by Scott Yanow
An excellent bop-based guitarist with a slight country twang to his sound, Herb Ellis became famous playing with the Oscar Peterson Trio during 1953-1958. Prior to that, he had attended North Texas State University and played with the Casa Loma Orchestra, Jimmy Dorsey (1945-1947), and the sadly under-recorded trio Soft Winds. While with Peterson, Ellis was on some Jazz at the Philharmonic tours and had a few opportunities to lead his own dates for Verve, including his personal favorite, Nothing But the Blues (1957). After leaving Peterson, Ellis toured a bit with Ella Fitzgerald; became a studio musician on the West Coast; made sessions with the Dukes of Dixieland, Stuff Smith, and Charlie Byrd; and in the 1970s became much more active in the jazz world. He can be heard on the first three releases issued by the Concord label, interacting with Joe Pass on the initial two, and he toured with the Great Guitars (along with Byrd and Barney Kessel) through much of the 1970s into the '80s. After a long series of Concord albums, Ellis cut a couple of excellent sessions in the 1990s for Justice, as well as 1999's Burnin' on Acoustic Music. After battling Alzheimer's disease, Herb Ellis died at the age of 88 at his home in Los Angeles on March 28, 2010.
https://www.allmusic.com/artist/herb-ellis-mn0000674310/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Herb Ellis, un excelente guitarrista basado en el bop con un ligero toque country en su sonido, se hizo famoso tocando con el Oscar Peterson Trio durante 1953-1958. Antes de eso, había asistido a la Universidad Estatal del Norte de Texas y tocado con la Orquesta Casa Loma, Jimmy Dorsey (1945-1947) y el trío Soft Winds, tristemente infrautilizado. Mientras estuvo con Peterson, Ellis participó en algunas giras de Jazz at the Philharmonic y tuvo algunas oportunidades de dirigir sus propias fechas para Verve, incluyendo su favorito personal, Nothing But the Blues (1957). Tras dejar a Peterson, Ellis realizó algunas giras con Ella Fitzgerald; se convirtió en músico de estudio en la Costa Oeste; realizó sesiones con los Dukes of Dixieland, Stuff Smith y Charlie Byrd; y en los años 70 se volvió mucho más activo en el mundo del jazz. Se le puede escuchar en los tres primeros lanzamientos publicados por el sello Concord, interactuando con Joe Pass en los dos primeros, y estuvo de gira con los Great Guitars (junto con Byrd y Barney Kessel) durante gran parte de los años 70 y los 80. Tras una larga serie de álbumes de Concord, Ellis grabó un par de excelentes sesiones en la década de 1990 para Justice, así como Burnin' on Acoustic Music de 1999. Tras luchar contra la enfermedad de Alzheimer, Herb Ellis murió a los 88 años en su casa de Los Ángeles el 28 de marzo de 2010.
https://www.allmusic.com/artist/herb-ellis-mn0000674310/biography

Oscar Peterson with Herb Ellis & Ray Brown • Tenderly

Herb Ellis-Barney Kessel • San Francisco 1975, Late Show

 

 

The Modern Jazz Quartet & The Oscar Peterson Trio • At The Opera House

 

Illinois Jacquet • Swing's The Thing

 

 Illinois Jacquet is considered to be one of the most influential tenor saxophonists in the history of jazz music. Born on October 31, 1922, in Broussard, Louisiana, Jean Baptiste Illinois Jacquet, at the age of 19 on the very first recording of his career, spawned an entirely new style and sound for the tenor saxophone. His classic solo on “Flying Home” recorded with the Lionel Hampton Band at Decca Records in New York City, on May 26, 1942, catapulted Jacquet to international fame and the solo became more famous than the song itself. All saxophonists learned to play Jacquet’s solo, every band recorded it, and people all over the world were humming this most famous solo in jazz history.

Two years later, on July 2, 1944, while improvising with Nat King Cole on piano and Les Paul on guitar for a benefit concert at the Philharmonic Auditorium in Los Angeles, California, Jacquet began to play a range of notes he had never played before. With an innovational use of harmonics in a creative impulse Jacquet discovered what would become a permanent expansion of the upper register on the tenor saxophone by two and one-half octaves. He then contrasted these stratospheric notes with sudden punctuations of sound from the lowest notes on the horn, and Jacquet thus gave birth to what was called the honking tenor that became the hallmark of rock and roll and greatly influenced rhythm and blues. In this less than three minute solo, later to be entitled “Philharmonic Blues, Part II”, Jacquet anticipated far into the future and encompassed the blue- print for several generations of saxophonists. This sensational explosive solo created the spark that helped to launch Jazz at the Philharmonic, the entity that took jazz out of night clubs and into concert halls around the world. In addition to knowing how to please the crowd with fiery excitement, Jacquet’s broad spectrum of musicianship allowed him also to carry his listeners into the depths of their being with his soulfully sensitive mastery of the ballad. He continued to be a star attraction with JATP until the final concert in 1957.

Illinois Jacquet grew up on stage, singing and dancing as a small child in front of his father’s territory band in Houston, Texas, the family having moved there from Louisiana before Jacquet was a year old. Formal musical training began in high school on drums and alto saxophone which he played with Milt Larkin’s legendary territory band. Graduation took him to the universities of the Lionel Hampton, Cab Calloway and Count Basie bands. After “Flying Home” with Hampton. he appeared in the film “Stormy Weather” with Calloway. For Basie, he recorded the hits “The King” and “Mutton Leg”; and with his own record-breaking small band he had hits on every major label. For both Aladdin and Apollo, who started in the recording business with Jacquet, he produced a string of hits that quickly elevated them to major record label status.

In the 60’s, Jacquet mastered the bassoon and recorded with it; he traveled and recorded as a trio with Milt Buckner and Jo Jones, and in the late 70’s he worked as a quintet with Slam Stewart on bass and Gray Sargent on guitar. An invitation to lecture to a jazz history class at Harvard University in 1982, led to Illinois Jacquet’s appointment as Kayden Artist-in-Residence in 1983 and 1984, bestowing upon him the honor of becoming the first jazz musician to serve a long-term residency at Harvard. His many subsequent master classes in the ensuing years have earned him the distinction of having visited Harvard more frequently than any other artist in any field.

His Harvard students gave Jacquet the inspiration to form his professional big band in 1983, which he maintained until his death, traveling and performing throughout the United States and Europe. He recorded grammy-award nominated “Jacquet’s Got It” with the band for Atlantic Records in 1987, and Jacquet and the band were the subject of Arthur Elgort’s award-winning documentary, “Texas Tenor, The Illinois Jacquet Story” released in 1991.

The Chestnut Room at The Tavern On The Green became the showcase for The Illinois Jacquet Big Band in the 1990’s attracting people from all over the world and from all walks of life to hear his music.

To commemorate Duke Ellington’s 100th birthday in 1999, Illinois was invited to perform as a featured soloist with the Lincoln Center Jazz Orchestra in the Great Performances documentary, “Swinging with the Duke.” In November 2000, Lincoln Center honored Jacquet by presenting him with its Award for Artistic Excellence, making him the fifth recipient of this distinguished award.

Jacquet celebrated his 80th birthday in 2002, with his Big Band’s performance at the Jazz Standard in New York City. On his 81st birthday, the spirit of Corcovado, which permeates the enchanted city of Rio de Janeiro, Brazil, stole Jacquet's heart. Captivated by the charm and beauty of the birthplace of one of his favorite composers, Antonio Carlos Jobim, and entranced by the enthusiastic adoration of his audience, Jacquet joyfully extended a scheduled one hour concert (Tim Music Festival) slot into two hours of inspired, rapturous music. Ecstatic dancers filled the aisles until the very last note.

On July 16, 2004, Jacquet gave his last live performance as he closed the Midsummer Night Swing Series at Lincoln Center for the sixteenth year. He and his big band had been the final night attraction for this annual series since its inception and this was Jacquet's favorite engagement. Every year he attracted thousands of people to swing to the sounds of his music, and every year Illinois was transported back to his beloved roots, back to a time when the dancers created the swing bands and the swing bands created the dancers.

The Juilliard School of Music awarded Illinois Jacquet an Honorary Doctorate of Music degree on May 21, 2004. As he told President Polisi, “This is the happiest day of my life.” The Illinois Jacquet Scholarship in Jazz Studies at The Juilliard School has been established to honor his memory.

https://musicians.allaboutjazz.com/illinoisjacquet

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Illinois Jacquet está considerado como uno de los saxofonistas tenor más influyentes en la historia del jazz. Nacido el 31 de octubre de 1922 en Broussard, Louisiana, Jean Baptiste Illinois Jacquet, a la edad de 19 años, en la primera grabación de su carrera, generó un estilo y un sonido completamente nuevos para el saxofón tenor. Su solo clásico en "Flying Home" grabado con la Lionel Hampton Band en Decca Records en la ciudad de Nueva York, el 26 de mayo de 1942, catapultó a Jacquet a la fama internacional y el solo se hizo más famoso que la canción misma. Todos los saxofonistas aprendieron a tocar el solo de Jacquet, cada banda lo grabó, y gente de todo el mundo tarareaba el solo más famoso de la historia del jazz.

Dos años más tarde, el 2 de julio de 1944, mientras improvisaba con Nat King Cole al piano y Les Paul a la guitarra para un concierto benéfico en el Auditorio Filarmónico de Los Ángeles, California, Jacquet comenzó a tocar una serie de notas que nunca antes había tocado. Con un uso innovador de los armónicos en un impulso creativo, Jacquet descubrió lo que se convertiría en una expansión permanente del registro superior del saxofón tenor en dos octavas y media. Luego contrastó estas notas estratosféricas con puntuaciones repentinas del sonido de las notas más bajas de la trompa, y así Jacquet dio a luz a lo que se llamó el tenor que se convirtió en el sello del rock and roll e influyó enormemente en el rhythm and roll y el blues. En este solo de menos de tres minutos, que más tarde se tituló "Philharmonic Blues, Part II", Jacquet se anticipó al futuro e incluyó el proyecto para varias generaciones de saxofonistas. Este sensacional y explosivo solo creó la chispa que ayudó a lanzar el Jazz en la Filarmónica, la entidad que sacó el jazz de los clubes nocturnos y lo llevó a las salas de conciertos de todo el mundo. Además de saber cómo complacer a la multitud con ardiente excitación, el amplio espectro musical de Jacquet le permitió también llevar a sus oyentes a las profundidades de su ser con su sensibilidad y maestría en la balada. Continuó siendo una atracción estrella de JATP hasta el concierto final en 1957.

Illinois Jacquet creció en el escenario, cantando y bailando como un niño pequeño frente a la banda del territorio de su padre en Houston, Texas, la familia se mudó allí desde Louisiana antes de que Jacquet cumpliera un año. La formación musical formal comenzó en la escuela secundaria con la batería y el saxofón alto que tocaba con la legendaria banda del territorio de Milt Larkin. La graduación lo llevó a las universidades de las bandas Lionel Hampton, Cab Calloway y Count Basie. Después de "Flying Home" con Hampton, apareció en la película "Stormy Weather" con Calloway. Para Basie, grabó los éxitos "The King" y "Mutton Leg"; y con su propia banda pequeña que rompe récords tuvo éxitos en todos los sellos importantes. Tanto para Aladino como para Apolo, que se inició en el negocio de la grabación con Jacquet, produjo una serie de éxitos que rápidamente los elevaron a la categoría de grandes sellos discográficos.

En los años 60, Jacquet domina el fagot y graba con él; viaja y graba como trío con Milt Buckner y Jo Jones, y a finales de los 70 trabaja como quinteto con Slam Stewart en el bajo y Gray Sargent en la guitarra. Una invitación a dar una conferencia en una clase de historia del jazz en la Universidad de Harvard en 1982, llevó al nombramiento de Illinois Jacquet como Artista Residente de Kayden en 1983 y 1984, otorgándole el honor de convertirse en el primer músico de jazz en hacer una residencia de larga duración en Harvard. Sus muchas clases magistrales posteriores en los años siguientes le han valido la distinción de haber visitado Harvard con más frecuencia que cualquier otro artista en cualquier campo.

Sus estudiantes de Harvard le dieron a Jacquet la inspiración para formar su big band profesional en 1983, la cual mantuvo hasta su muerte, viajando y tocando por todo Estados Unidos y Europa. Grabó nominado al premio Grammy "Jacquet's Got It" con la banda de Atlantic Records en 1987, y Jacquet y la banda fueron el tema del galardonado documental de Arthur Elgort, "Texas Tenor, The Illinois Jacquet Story", estrenado en 1991.

The Chestnut Room at The Tavern On The Green se convirtió en el escaparate de The Illinois Jacquet Big Band en la década de 1990, atrayendo a gente de todo el mundo y de todos los ámbitos de la vida para escuchar su música.

Para conmemorar el centenario del nacimiento de Duke Ellington en 1999, Illinois fue invitado a actuar como solista con la Lincoln Center Jazz Orchestra en el documental Great Performances, "Swinging with the Duke". En noviembre de 2000, el Lincoln Center honró a Jacquet entregándole el Premio a la Excelencia Artística, convirtiéndolo en el quinto receptor de este distinguido premio.

Jacquet celebró su 80 cumpleaños en 2002, con la actuación de su Big Band en el Jazz Standard de la ciudad de Nueva York. En su 81 cumpleaños, el espíritu de Corcovado, que impregna la encantadora ciudad de Río de Janeiro, Brasil, le robó el corazón a Jacquet. Cautivado por el encanto y la belleza del lugar de nacimiento de uno de sus compositores favoritos, Antonio Carlos Jobim, y fascinado por la entusiasta adoración de su público, Jacquet extendió alegremente un concierto programado de una hora (Tim Music Festival) a dos horas de música inspirada y apasionante. Los bailarines extáticos llenaron los pasillos hasta la última nota.

El 16 de julio de 2004, Jacquet dio su última presentación en vivo cuando cerró la Serie de Columpios Nocturnos de Verano en el Lincoln Center por decimosexto año. Él y su big band habían sido la última atracción nocturna de esta serie anual desde su inicio y este era el compromiso favorito de Jacquet. Cada año atrajo a miles de personas al swing con los sonidos de su música, y cada año Illinois fue transportado de vuelta a sus amadas raíces, a una época en la que los bailarines creaban las bandas de swing y las bandas de swing creaban a los bailarines.

La Juilliard School of Music otorgó a Illinois Jacquet un Doctorado Honorario en Música el 21 de mayo de 2004. Como le dijo al Presidente Polisi: "Este es el día más feliz de mi vida". La beca Illinois Jacquet Scholarship in Jazz Studies en The Juilliard School ha sido establecida para honrar su memoria.

https://musicians.allaboutjazz.com/illinoisjacquet

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

Monty Alexander, Ray Brown, Herb Ellis • Overseas Special

Claude Williamson Quartet • Theatre Party

 

Claude Berkeley Williamson (November 18, 1926 – July 16, 2016) was an American jazz pianist.
Williamson studied at the New England Conservatory of Music before moving to jazz, influenced mainly by Teddy Wilson, then by Al Haig and Bud Powell. In 1947 he moved to California, working first with Teddy Edwards, then with Red Norvo in San Francisco, with Charlie Barnet in 1949, and with June Christy for two years. Later he worked with Max Roach, Art Pepper and others. Williamson was a longtime member of the Lighthouse All-Stars (substituting for pianist Russ Freeman), performing with Bud Shank, Stan Levey, Bob Cooper, Conte Candoli and Howard Rumsey. In 1956 he became the piano player in the Bud Shank quartet. In 1968 he started working as a pianist for NBC, first on The Andy Williams Show, then for Sonny and Cher. In 1978 Williamson went back to the jazz world and released many albums, mainly for Japanese labels, often accompanied by Sam Jones and Roy Haynes. In 1995 he made a trio recording for Fresh Sound Records at the Jazz Bakery in Los Angeles.
His younger brother was trumpeter Stu Williamson (1933-1991).
He died on July 16, 2016 at the age of 89.  ~ wiki ~

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Claude Berkeley Williamson (18 de noviembre de 1926 - 16 de julio de 2016) fue un pianista de jazz estadounidense.
Williamson estudió en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra antes de pasarse al jazz, influenciado principalmente por Teddy Wilson, y luego por Al Haig y Bud Powell. En 1947 se trasladó a California, trabajando primero con Teddy Edwards, luego con Red Norvo en San Francisco, con Charlie Barnet en 1949 y con June Christy durante dos años. Más tarde trabajó con Max Roach, Art Pepper y otros. Williamson fue miembro durante mucho tiempo de los Lighthouse All-Stars (sustituyendo al pianista Russ Freeman), actuando con Bud Shank, Stan Levey, Bob Cooper, Conte Candoli y Howard Rumsey. En 1956 se convirtió en el pianista del cuarteto de Bud Shank. En 1968 empezó a trabajar como pianista para la NBC, primero en The Andy Williams Show, y luego para Sonny and Cher. En 1978, Williamson volvió al mundo del jazz y publicó muchos discos, principalmente para sellos japoneses, a menudo acompañado por Sam Jones y Roy Haynes. En 1995 realizó una grabación en trío para Fresh Sound Records en el Jazz Bakery de Los Ángeles.
Su hermano menor era el trompetista Stu Williamson (1933-1991).
Murió el 16 de julio de 2016 a la edad de 89 años.  ~ wiki ~


Colaborador / Contributor:  BOBpinBOB

Johnny Frigo & His Quintet • I Love John Frigo...He Swings

Review by Steve Leggett

Johnny Frigo spent most of his professional life as a jazz bassist, but in the mid-'80s he picked up his first instrument, the violin, and started what amounted to a second jazz career on that instrument. Frigo biographies frequently refer to an obscure album release from the 1950s that prefigured this change, and this is it, a session Frigo recorded in 1957 at Universal Recording Studios in Chicago for Mercury Records. Joined by guitarist Herb Ellis (Frigo and Ellis had previously worked together in the Soft Winds Trio with pianist Lou Carter), Norm Jeffries on drums, Dick Marx on piano, Cy Touff on trumpet, and the great Ray Brown on bass, Frigo delivers a wonderful swing/bop mixture that stands seamlessly with his 1980s releases. At times he uses the violin like a horn, punching in and blocking out solid runs, and at other times, like on the beautiful "Blue Orchids," he uses the instrument to approximate a tenor vocalist, stretching the melody into marvelous shapes. Frigo even does a call-and-response duet with himself on the self-penned "Big Me -- Little Me," answering the violin lines with his own bass runs. I Love John Frigo...He Swings somehow got lost in the shuffle when it was released, and Frigo went back to bass playing for 30 years before getting a late second chance at recording this kind of small-group sides on violin once more.

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Reseña por Steve Leggett

Johnny Frigo pasó la mayor parte de su vida profesional como bajista de jazz, pero a mediados de la década de los 80 tomó su primer instrumento, el violín, y comenzó lo que equivalía a una segunda carrera de jazz con ese instrumento. Las biografías de Frigo se refieren con frecuencia a un álbum oscuro de la década de 1950 que prefigura este cambio, y esto es todo, una sesión que Frigo grabó en 1957 en Universal Recording Studios en Chicago para Mercury Records. Junto al guitarrista Herb Ellis (Frigo y Ellis habían trabajado juntos en el Soft Winds Trio con el pianista Lou Carter), Norm Jeffries en la batería, Dick Marx en el piano, Cy Touff en la trompeta y el gran Ray Brown en el bajo, Frigo ofrece Maravillosa mezcla de swing / bop que se integra perfectamente con sus lanzamientos de los años 80. A veces usa el violín como un cuerno, pinchando y bloqueando carreras sólidas, y otras veces, como en las hermosas "Orquídeas azules", usa el instrumento para aproximarse a un vocalista de tenor, estirando la melodía en formas maravillosas. Frigo incluso hace un dúo de llamada y respuesta consigo mismo en el autoguiado "Big Me - Little Me", que responde a las líneas de violín con sus propias pistas de bajo. Amo a John Frigo ... He Swings, de alguna manera, se perdió en la confusión cuando fue lanzado, y Frigo volvió a tocar el bajo durante 30 años antes de tener una segunda oportunidad para grabar una vez más este tipo de equipos de grupos pequeños en el violín.

Vince Guaraldi • Alma-Ville

 

Luis Rivera • Filet of Soul + Las Vegas

 

Luis Rivera, born in San Antonio, Texas, and raised in Ohio, initially pursued psychology after graduating in 1948. However, his passion for music soon led him to leave his career as a clinical psychologist to fully embrace life as a musician.

As a pianist, Luis performed with Roy Milton’s band in Texas and later accompanied Billie Holiday at the Tiffany Club in Los Angeles in 1953. That same year, inspired by “Wild” Bill Davis’s organ sound, Luis adopted the Hammond organ and quickly gained recognition. He formed his first trio and performed at  major venues like the Oasis, Morocco, and the Keyboard in Beverly Hills, while also recording tracks for the Federal label.

In 1957, Luis recorded his first album, Las Vegas, under the direction of producer John Dolphin, released on his Cash label. The album featured a sextet of talented musicians, including Barney Kessel, and captured Rivera’s distinctive organ sound and repertoire from his Las Vegas performances.

In 1961, while enjoying a successful run at Dynamite Jackson’s Lounge, Luis recorded his second album for Imperial Records, Filet of Soul, showcasing a blend of blues and ballads. The lineup that included Anthony Ortega (alto and flute), Lorenzo Holden (tenor), and Herb Ellis (guitar).

Luis continued performing at prominent Los Angeles clubs like Marty’s, the Moulin Rouge, and the Trocadero, while also touring nationally. By 1965, after an engagement at Herb Jeffries’ Flamingo Room, details about his career and personal life became scarce.

These two albums highlight Luis Rivera’s unique contributions to soul jazz, reflecting his mastery of the Hammond organ and his ability to create captivating grooves.
—Jordi Pujol
https://www.freshsoundrecords.com/luis-rivera-albums/57469-filet-of-soul-las-vegas-2-lp-on-1-cd.html

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Luis Rivera, nacido en San Antonio, Texas, y criado en Ohio, inicialmente se dedicó a la psicología tras graduarse en 1948. Sin embargo, su pasión por la música pronto le llevó a abandonar su carrera como psicólogo clínico para dedicarse por completo a la música.

Como pianista, Luis actuó con la banda de Roy Milton en Texas y más tarde acompañó a Billie Holiday en el Tiffany Club de Los Ángeles en 1953. Ese mismo año, inspirado por el sonido del órgano de «Wild» Bill Davis, Luis adoptó el órgano Hammond y rápidamente ganó reconocimiento. Formó su primer trío y actuó en importantes locales como el Oasis, el Morocco y el Keyboard en Beverly Hills, al tiempo que grababa temas para el sello Federal.

En 1957, Luis grabó su primer álbum, Las Vegas, bajo la dirección del productor John Dolphin, publicado en su sello Cash. El álbum contó con un sexteto de músicos de gran talento, entre los que se encontraba Barney Kessel, y capturó el característico sonido del órgano de Rivera y el repertorio de sus actuaciones en Las Vegas.

En 1961, mientras disfrutaba de una exitosa temporada en el Dynamite Jackson's Lounge, Luis grabó su segundo álbum para Imperial Records, Filet of Soul, en el que mostraba una mezcla de blues y baladas. La formación incluía a Anthony Ortega (alto y flauta), Lorenzo Holden (tenor) y Herb Ellis (guitarra).

Luis siguió actuando en clubes destacados de Los Ángeles como Marty's, Moulin Rouge y Trocadero, al tiempo que realizaba giras por todo el país. En 1965, tras una actuación en el Flamingo Room de Herb Jeffries, los detalles sobre su carrera y su vida personal se hicieron escasos.

Estos dos álbumes destacan las contribuciones únicas de Luis Rivera al soul jazz, reflejando su maestría con el órgano Hammond y su capacidad para crear ritmos cautivadores.
—Jordi Pujol
https://www.freshsoundrecords.com/luis-rivera-albums/57469-filet-of-soul-las-vegas-2-lp-on-1-cd.html
https://www.freshsoundrecords.com/luis-rivera-albums/57469-filet-of-soul-las-vegas-2-lp-on-1-cd.html

Herb Ellis • Roll Call

Review by Scott Yanow
Herb Ellis' first full set as a leader since leaving the Concord label (where he had been during 1973-88) finds him in inspired form. The veteran guitarist is heard in a trio with the recently rediscovered organist Mel Rhyne and drummer Jake Hanna plus guest violinist Johnny Frigo and Jay Thomas on tenor and flugelhorn. A fire seemed to have been lit under Ellis for he plays on the well-rounded program with much more passion than he had on most of his later Concord albums. This CD is highlighted by "Just Blue," "Limehouse Blues," "Sugar Hill Stomp," and "Detour Ahead" but all 11 selections are worth hearing. Recommended.

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Reseña de Scott Yanow
El primer set completo de Herb Ellis como líder desde que dejó el sello Concord (donde había estado durante 1973-88) lo encuentra en una forma inspirada. El veterano guitarrista es escuchado en un trío con el recientemente redescubierto organista Mel Rhyne y el baterista Jake Hanna, además del violinista invitado Johnny Frigo y Jay Thomas en el tenor y flugelhorn. Parece que se ha encendido un fuego bajo Ellis, ya que toca en este programa tan completo con mucha más pasión que en la mayoría de sus últimos álbumes de Concord. En este CD destacan "Just Blue", "Limehouse Blues", "Sugar Hill Stomp" y "Detour Ahead", pero vale la pena escuchar las 11 selecciones. Recomendado.

Tod Vullo • Uh-Huh

 

Tod Vullo was a gifted and versatile jazz guitarist and composer. His ability to adapt to a wide range of styles made him a most sought-after performer. He organized and led the contemporary jazz group Cabo Frio. While recording their first album, Larry Coryell heard Tod and asked him to join his internationally acclaimed guitar trio.
Tod later moved to Houston, Texas and worked extensively with pianist Nat Adderley Jr. and with sax player Kirk Whalum, an association that lasted almost ten years. It was Bob James who heard Kirk Whalum's band and asked them to perform on his 1984 album “Bob James - 12”. He has also appeared with jazz greats such as Joe Sample, Wynton Marsalis, Arnett Cobb, Eddie "Cleanhead" Vinson and Kenny G (2), among others.
After leaving Kirk's band, Tod pursued his first love - straight-ahead jazz. While managing and playing at Houston's Blue Moon Jazz Club, Tod played alongside jazz legends like Ray Brown (12), Gene Harris, Monty Alexander, Emily Remler, Charlie Byrd and Hank Crawford. Sadly his untimely death occurred in 1999.

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Tod Vullo fue un talentoso y versátil guitarrista y compositor de jazz. Su capacidad para adaptarse a una amplia gama de estilos le convirtió en uno de los intérpretes más solicitados. Organizó y dirigió el grupo de jazz contemporáneo Cabo Frío. Durante la grabación de su primer álbum, Larry Coryell escuchó a Tod y le pidió que se uniera a su trío de guitarras, aclamado internacionalmente.
Más tarde, Tod se trasladó a Houston (Texas) y trabajó intensamente con el pianista Nat Adderley Jr. y con el saxofonista Kirk Whalum, una asociación que duró casi diez años. Fue Bob James quien escuchó a la banda de Kirk Whalum y les pidió que actuaran en su álbum de 1984 "Bob James - 12". También ha actuado con grandes del jazz como Joe Sample, Wynton Marsalis, Arnett Cobb, Eddie "Cleanhead" Vinson y Kenny G (2), entre otros.
Tras dejar la banda de Kirk, Tod se dedicó a su primer amor: el jazz directo. Mientras dirigía y tocaba en el Blue Moon Jazz Club de Houston, Tod tocó junto a leyendas del jazz como Ray Brown (12), Gene Harris, Monty Alexander, Emily Remler, Charlie Byrd y Hank Crawford. Lamentablemente, su prematura muerte se produjo en 1999. 

Colaborador / Contributor:  Mich58

Jazz At The Philharmonic • Norman Granz' Jazz At The Philharmonic Vol.17

 

Oscar Peterson is present throughout these recordings, which begin with an improvisation, followed by a drum solo by Louis Bellson, then Oscar Peterson's Trio, joined first by De Franco and Buddy Rich to form a quintet and finally by Lionel Hampton to form a sextet.

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Oscar Peterson está presente a lo largo de estas grabaciones, que comienzan con una improvisación, seguida de un solo de batería de Louis Bellson, luego el Trío de Oscar Peterson, al que se unen primero De Franco y Buddy Rich para formar un quinteto y, finalmente, Lionel Hampton para formar un sexteto.