Medeski Scofield Martin & Wood • Juice

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Billy Cobham • Inner Conflicts

 

Review by Robert Taylor
A solid effort that has been dismissed based upon its associations with two Cobham lemons, Simplicity of Expression: Depth of Thought and B.C., all recorded around the same time. This recording finds Cobham continuing to explore the funk genre; however, the overall mood here is quite darker and more introspective, similar to Crosswinds. "Inner Conflicts" is a haunting song that includes Cobham's experimentation with electronic percussion and synthesizer. ""Nickels and Dimes" is a page out of Cobham's early work, while "El Barrio" is heavily influenced by African rhythms. Of note, Prince's former sidekick Sheila E. performs here with her father Pete. The closer, "Arroyo," is another of Cobham's memorable compositions that he continues to perform.
https://www.allmusic.com/album/inner-conflicts-mw0000069198

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Reseña de Robert Taylor
Un esfuerzo sólido que ha sido descartado en función de sus asociaciones con dos limones Cobham, Simplicity of Expression: Depth of Thought y B. C., todos grabados casi al mismo tiempo. En esta grabación, Cobham continúa explorando el género funk; sin embargo, el ambiente general aquí es bastante más oscuro e introspectivo, similar a Crosswinds. "Inner Conflicts" es una canción inquietante que incluye la experimentación de Cobham con percusión electrónica y sintetizador. ""Nickels and Dimes" es una página de los primeros trabajos de Cobham, mientras que "El Barrio" está fuertemente influenciado por los ritmos africanos. Cabe destacar que la excompañera de Prince, Sheila E., actúa aquí con su padre Pete. El cerrador, "Arroyo", es otra de las composiciones memorables de Cobham que continúa interpretando.
https://www.allmusic.com/album/inner-conflicts-mw0000069198


 

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John Scofield • Uncle John's Band

 

When it comes to the ever-evolving world of jazz, few artists have managed to capture the essence of improvisation and musical diversity like John Scofield - With his latest offering, a collection of 14 songs titled Uncle John’s Band, set to be unleashed on Oct.13, 2023, Scofield takes listeners on a euphonious journey with the assistance of Vincente Archer on double bass and Bill Stewart on drums.

The dynamic ensemble delivers a mesmerizing performance across the double CD set to be released via the renowned ECM label - The album presents a mix of musical styles, ranging from bebop classics to jazz-rock originals and homages to legendary artists, including Bob Dylan, Miles Davis, the Grateful Dead and more.

The project was recorded at Clubhouse Studio in Rhinebeck, N.Y., in August 2022, and the sessions at the storied space captured the raw and live chemistry of the trio - Scofield’s artistic vision shines as the trio guides the listener through a kaleidoscope of soundscapes - Together they effortlessly navigate through timeless compositions, each serving as a canvas for their intricate and soul-stirring improvisations - For jazz aficionados, the album encapsulates the very essence of evolving musical conversation pushing the boundaries of genre to its limits - For lovers of other sonic spaces, Scofield’s original compositions effortlessly traverse the realms of swing, funk, folk and more.

“All the compositions are vehicles for us to improvise on–improvisation and interaction being the jazz version of jamming,” Scofield shared with Relix.

Today, we premiere the titular song - Scofield’s history with the tune is deeply rooted, having found a renewed appreciation for it through his performances alongside Phil Lesh - This connection is further encapsulated in the project’s title, playfully referencing the iconic tune while highlighting Scofield’s role as the driving force behind the ensemble.

“I had always liked ‘Uncle John’s Band’ and heard it over the years though I didn’t have any Dead tunes in my repertoire - Playing it with Phil over the last couple of decades or so made me appreciate it,” Scofield added - “But all the songs on the CD are equally important to me - I just couldn’t resist using ‘Uncle John’s Band’ as the album title because, after all, when else would I have the chance to use that? It’s my band, and I’m John!”
https://www.birdland.com.au/john-scofield-uncle-johns-band

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Cuando se trata del mundo en constante evolución del jazz, pocos artistas han logrado capturar la esencia de la improvisación y la diversidad musical como John Scofield - Con su última oferta, una colección de 14 canciones titulada Uncle John's Band, que se lanzará en octubre.El 13 de diciembre de 2023, Scofield lleva a los oyentes a un viaje eufónico con la ayuda de Vincente Archer al contrabajo y Bill Stewart a la batería.

El conjunto dinámico ofrece una interpretación fascinante en el conjunto de doble CD que se lanzará a través del renombrado sello ECM - El álbum presenta una mezcla de estilos musicales, que van desde clásicos del bebop hasta originales de jazz-rock y homenajes a artistas legendarios, como Bob Dylan, Miles Davis, Grateful Dead y más.

El proyecto se grabó en Clubhouse Studio en Rhinebeck, Nueva York, en agosto de 2022, y las sesiones en el espacio histórico capturaron la química cruda y en vivo del trío - La visión artística de Scofield brilla a medida que el trío guía al oyente a través de un caleidoscopio de paisajes sonoros - Juntos navegan sin esfuerzo a través de composiciones atemporales, cada una de las cuales sirve como lienzo para sus intrincadas e inspiradoras improvisaciones - Para los aficionados al jazz, el álbum encapsula la esencia misma de la conversación musical en evolución que lleva los límites del género a sus límites - Para los amantes de otros espacios sonoros, las composiciones originales de Scofield atraviesan sin esfuerzo los reinos del swing, el funk, el folk y más.

"Todas las composiciones son vehículos para que improvisemos, la improvisación y la interacción son la versión jazz de la improvisación", compartió Scofield con Relix.

Hoy estrenamos la canción titular - La historia de Scofield con la melodía está profundamente arraigada, habiendo encontrado un renovado aprecio por ella a través de sus actuaciones junto a Phil Lesh - Esta conexión se encapsula aún más en el título del proyecto, haciendo referencia juguetonamente a la melodía icónica y destacando el papel de Scofield como la fuerza impulsora detrás del conjunto.

"Siempre me gustó' Uncle John's Band ' y la escuché a lo largo de los años, aunque no tenía canciones muertas en mi repertorio - Tocarlo con Phil en las últimas dos décadas me hizo apreciarlo", agregó Scofield - "Pero todas las canciones del CD son igualmente importantes para mí - Simplemente no pude resistirme a usar 'Uncle John's Band' como título del álbum porque, después de todo, ¿cuándo más tendría la oportunidad de usar eso? Es mi banda, y yo soy John!”
https://www.birdland.com.au/john-scofield-uncle-johns-band


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John Scofield • John Scofield

 

Review
by Thom Jurek
It's hard to believe it took guitarist John Scofield more than 30 albums, hundreds of credits, and 50 years to release a solo guitar album. His sound is almost instantly recognizable whether he's playing jazz, fusion, country, rock, or blues. The many records he's issued under his own name or with others (including Miles Davis, Gary Burton, Pat Metheny, and Medeski Martin and Wood, among others) has only entrenched Scofield's signature style and sound in the jazz canon. Here he plays unaccompanied with a looper. He offers heartfelt, skillful readings of jazz and pop standards, folk, R&B, country, and rock songs, plus a handful of originals. His looping technique involves comping -- sometimes for the entire duration of a tune -- as he solos over the top.

The set opens with a compelling interpretation of Keith Jarrett's "Coral." Scofield actually recorded it once before with a trio for the various-artists tribute set As Long as You're Living Yours: The Music of Keith Jarrett. This solo take reveals the reason for its enduring appeal. In just eight measures, Scofield reveals the pianist's canny ability to combine traditional and non-traditional harmonics simultaneously while underscoring them with intimate lyricism. A six-minute version of Jimmy Van Heusen and Johnny Burke's "It Could Happen to You" is rendered with abundant swing, glorious arpeggios, and bent notes. Not even peer Bill Frisell's version of "Danny Boy" is rendered with as much subtlety and introspection; Scofield moves through the Celtic melody and binds it to North American country music. While the original "Elder Dance" offers the guitarist's bluesy bebop chops, his "Mrs. Scofield's Waltz" cuts across jazz guitar history from Charlie Christian to Tiny Grimes to Wes Montgomery in its glorious demonstration of chordal harmony. He interprets the traditional blues "Junco Partner" through its 1951 original single version by James Waynes while imbuing it with a hint of New Orleans flavor via slippery chords and lithe single lines. Harry Warren's "There Will Never Be Another You," is offered as fleet bebop while "My Old Flame" is a sultry, simmering ballad that momentarily recalls Tal Farlow. Buddy Holly's bumping "Not Fade Way" uses loop technology to stack chord progressions as Scofield unwinds the melody with single-string runs. Its strong rhythmic pulse underscores the tune's debt to Bo Diddley's R&B in the process. The guitarist reveals two sides of his compositional style with the tender ballad "Since You Asked," and the angular avant groove of "Trance Du Jour." Scofield closes with a forlorn reading of Hank Williams' "You Win Again." Fueled by almost constant string bending and almost lush chord voicings, his inherent lyricism reflects the songwriter's poignant resignation. Scofield has distilled five decades of experience into these 13 songs. While the endeavor might initially appear slight, one listen will disavow that notion as he reveals an abundance of musical wisdom and sophistication in his approach to recording solo.
https://www.allmusic.com/album/john-scofield-mw0003696148

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Reseña
por Thom Jurek
Cuesta creer que el guitarrista John Scofield haya tardado más de 30 álbumes, cientos de créditos y 50 años en publicar un álbum de guitarra solista. Su sonido es casi instantáneamente reconocible tanto si toca jazz, fusión, country, rock o blues. Los numerosos discos que ha publicado con su propio nombre o con otros (como Miles Davis, Gary Burton, Pat Metheny y Medeski Martin and Wood, entre otros) no han hecho sino afianzar el estilo y el sonido característicos de Scofield en el canon del jazz. Aquí toca sin acompañamiento y con un looper. Ofrece lecturas sentidas y hábiles de estándares de jazz y pop, folk, R&B, country y canciones de rock, además de un puñado de originales. Su técnica de looping consiste en componer, a veces durante toda la melodía, mientras hace solos por encima.

El set se abre con una convincente interpretación de "Coral" de Keith Jarrett. De hecho, Scofield ya la había grabado una vez con un trío para el disco homenaje a varios artistas As Long as You're Living Yours: The Music of Keith Jarrett. Esta versión en solitario revela la razón de su perdurable atractivo. En sólo ocho compases, Scofield revela la astuta habilidad del pianista para combinar armónicos tradicionales y no tradicionales simultáneamente, subrayándolos con un lirismo íntimo. Una versión de seis minutos de "It Could Happen to You" de Jimmy Van Heusen y Johnny Burke se interpreta con abundante swing, gloriosos arpegios y notas dobladas. Ni siquiera la versión de "Danny Boy" de su homólogo Bill Frisell se interpreta con tanta sutileza e introspección; Scofield se mueve por la melodía celta y la une a la música country norteamericana. Mientras que el original "Elder Dance" ofrece las habilidades del guitarrista para el blues y el bebop, su "Mrs. Scofield's Waltz" recorre la historia de la guitarra de jazz desde Charlie Christian a Tiny Grimes y Wes Montgomery en su gloriosa demostración de armonía de acordes. Interpreta el blues tradicional "Junco Partner" a través de su versión original de 1951 por James Waynes, al tiempo que lo impregna con un toque de sabor de Nueva Orleans a través de acordes resbaladizos y ágiles líneas simples. There Will Never Be Another You", de Harry Warren, se ofrece como un fugaz bebop, mientras que "My Old Flame" es una sensual balada que recuerda momentáneamente a Tal Farlow. Not Fade Way" de Buddy Holly utiliza la tecnología de bucle para apilar progresiones de acordes mientras Scofield desenrolla la melodía con ejecuciones de una sola cuerda. Su fuerte pulso rítmico subraya la deuda de la melodía con el R&B de Bo Diddley en el proceso. El guitarrista revela dos caras de su estilo compositivo con la tierna balada "Since You Asked" y el anguloso avant groove de "Trance Du Jour". Scofield cierra con una desolada lectura de "You Win Again" de Hank Williams. Impulsado por una flexión de cuerdas casi constante y unas votaciones de acordes casi exuberantes, su lirismo inherente refleja la conmovedora resignación del compositor. Scofield ha destilado cinco décadas de experiencia en estas 13 canciones. Aunque el esfuerzo pueda parecer ligero en un principio, una escucha desmentirá esa idea, ya que revela una abundancia de sabiduría musical y sofisticación en su enfoque de la grabación en solitario.
https://www.allmusic.com/album/john-scofield-mw0003696148

 

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Gary Burton & Friends • Six Pack

 

  

Features Pat Metheny, Steve Swallow, Paul Schaffer, Mulgrew Miller -- and guest work from Jack DeJohnette, John Scofield, Jim Hall, and BB King. 

 

 

John Scofield • A Moment's Peace

 

Review from All About Jazz (by John Kelman):
In a career just entering its fifth decade, John Scofield may have covered a lot of stylistic territory -- from the burning modality of Rough House (Enja, 1978), funkified fusion of Blue Matter (Gramavision, 1987) and N'awlins leanings of Piety Street (EmArcy, 2009), to jamband workouts like A Go Go (Verve, 1998), burning modern mainstream on Time On My Hands (Blue Note, 1990) and the contemporary classicized Scorched (Deutsche Grammophon, 2004) -- but if a single word had to be chosen to describe the guitarist, it would have to be: incendiary. Magically combining inside and outside playing from one of his first recordings -- trumpeter Chet Baker and baritone saxophonist Gerry Mulligan's 1974 recording, Carnegie Hall Concert (CTI, 1976) -- Scofield has brought fire to whatever he touches, regardless of the context, and if unfettered burning won't do, then, at the very least, he simmers at a slow boll, his sophisticated vernacular still informed, with its gritty tone and predilection for greasy bends, by an early love of blues and R&B.

That's not to say Scofield can't nail a ballad, as he does on most of his thirty-plus recordings as a leader; but even when he covers an iconic one like "Georgia on My Mind," on Pick Hits Live (Gramavision, 1990), it's with a kind of understated energy that creates its own delicious tension and release. Most artists inevitably find themselves doing a ballads recording, but while Quiet (Verve, 1997) presented a different side to Scofield -- relegated exclusively to acoustic guitar on a set of originals that also featured a five-to-seven-piece brass section and guest appearances by saxophonist Wayne Shorter on three tracks -- it was more about reduced volume than tempo, and still, despite Scofield's cleaner tone and lower decibel level, imbued with some of his characteristic fire. Less overtly ambitious in its scope, perhaps, with a fixed quartet lineup and generally simpler arrangements -- but with the guitarist back on his trusty Ibanez hollow-body electric -- A Moment's Peace may not exactly be a ballads album by conventional definition, but it's the most relaxed album the guitarist has ever released, as he approaches his sixtieth birthday later this year.

That A Moment's Peace manages to never break a sweat is all the more remarkable given the group Scofield has assembled. That the ever-versatile Brian Blade -- a drummer as capable of unconstrained freedom in Wayne Shorter's decade-old quartet as he is delivering rock-steady grooves with Black Dub -- is still, like Scofield, so instantly recognizable is equally surprising, given the largely restrained nature of the material. Only a soulful, occasionally reggae-ified version of "You Don't Know What Love Is" approaches any kind of real heat, with Scofield letting loose rapid-fire flurries and cathartic bends, over Blade's periodic (and more characteristic) sharp punctuations, all the while grooving viscerally, thanks to the drummer's in-the-pocket lock with unshakable bassist Scott Colley.

Something of a sleeper that grows substantially with every listen, A Moment's Peace is also defined by Scofield's choice of material. His five originals run the gamut from the slightly countrified "Plain Song" -- another tune that kicks into a little higher gear during his solo -- to the ambling "Simply Put" and a mid-set trifecta of down-tempo tunes (the soft "Johan," swinging "Mood Returns" and change-heavy "Already September") that blur the boundaries between the guitarist's own material and his eclectic selection of covers.

And it's A Moment's Peace's seven covers that deliver the biggest surprises. The Beatles' "I Will," one of the more overlooked tracks from The Beatles (The White Album) (Apple, 1968), featuring Larry Goldings' cushiony, upper-harmonics organ, is the most literal arrangement of the set, though its just-over-three-minute duration still leaves room for concise, note-perfect solos from Scofield and Goldings. A Moment's Peace also represents a reunion of sorts, at least on record, for Scofield and Goldings, having last recorded together in 2004 (for Saudades (ECM, 2006), their Tony Williams Lifetime tribute project with drummer Jack DeJohnette, Trio Beyond), though they've continued to work together live in the ensuing years, including some recent duet shows in Italy.

Less direct is Scofield's arrangement of "Lawns"; having received the chart from Carla Bley a number of years ago, Scofield has never actually heard the keyboardist/composer's version. Here, Blade and Colley swing with conviction, as Goldings (again on organ) and Scofield solo over an arrangement taken at a slightly brighter clip than the original on Sextet (WATT, 1987). A dark reading of Abbey Lincoln's "Throw It Away," one of six tracks where Goldings economically trades his Hammond for grand piano, contrasts with a straight-ahead look at Billy Eckstine's "I Want to Talk About You" and a slow-grooving, blues-drenched version of Don Redman's 1929 classic, "Gee Baby Ain't I Good to You."

But it's the set-closer that's A Moment's Peace's most esoteric choice and clear indicator that, while the album may be considered one of Scofield's most centrist projects, it's not without its risks. George Gershwin and Ira Gershwin's "I Loves You Porgy" has been covered hundreds of times on record -- and the live count is likely orders of magnitude greater -- but few have turned it into a rubato tone poem, with Colley sitting out and Blade building a soft tumult of mallet-driven toms and cymbals from the bottom up and top down. Goldings' organ descends in a series of cascading notes that gradually settle into the song's familiar changes, as Scofield delivers the equally familiar melody peppered with low-end harmonies, in a reading that stays close to form but is as freely expressed as the fieriest free improv, the album fading on an unexpectedly abstruse note that should belie any suggestion that, with A Moment's Peace, Scofield has chosen a safe or easy route.

A Moment's Peace might be perceived by some, at least on the surface, as an album of little risk -- without Scofield's usual fire and grease, a set that might appear to coast when it ought to soar -- but it may well be Scofield's biggest gamble. Those prepared to accept the album on face value, as an hour's respite from life's normal hustle and bustle -- or, who are patient enough to dig deeper for its beyond-the-norm look at a handful of potentially worn-out standards, here reinvigorated; a quintet of perfectly dovetailing originals; and a couple of truly surprising song choices -- will find plenty to love about A Moment's Peace -- an album whose greatest charms are revealed not after one or two listens, but after ten or twenty.
https://www.allaboutjazz.com/john-scofield-a-moments-peace-by-john-kelman

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Resena de All About Jazz (por John Kelman):
En una carrera que entra en su quinta decada, John Scofield ha recorrido mucho territorio estilistico -- desde la modalidad ardiente de Rough House (Enja, 1978), la fusion funkificada de Blue Matter (Gramavision, 1987) y las inclinaciones de Nueva Orleans de Piety Street (EmArcy, 2009), hasta los workouts de jam band como A Go Go (Verve, 1998), el moderno mainstream ardiente de Time On My Hands (Blue Note, 1990) y el clasicismo contemporaneo de Scorched (Deutsche Grammophon, 2004) -- pero si hubiera que elegir una sola palabra para describir al guitarrista, seria: incendiario. Combinando magicamente el tocar dentro y fuera desde una de sus primeras grabaciones -- la grabacion de 1974 del trompetista Chet Baker y el saxofonista baritono Gerry Mulligan, Carnegie Hall Concert (CTI, 1976) -- Scofield ha traido fuego a todo lo que toca, independientemente del contexto, y si el ardor sin freno no es el camino, al menos simera a fuego lento, su sofisticado vocabulario aun informado, con su timbre aspero y su predileccion por los bends grasos, por un amor temprano por el blues y el R&B.

Eso no quiere decir que Scofield no pueda clavar una balada, como lo hace en la mayoria de sus mas de treinta grabaciones como lider; pero incluso cuando versiona una iconica como "Georgia on My Mind", en Pick Hits Live (Gramavision, 1990), lo hace con un tipo de energia discreta que crea su propia deliciosa tension y liberacion. La mayoria de los artistas inevitablemente terminan haciendo un disco de baladas, pero si bien Quiet (Verve, 1997) presento un lado diferente de Scofield -- relegado exclusivamente a la guitarra acustica en un set de originales que tambien contaba con una seccion de bronces de cinco a siete piezas y apariciones especiales del saxofonista Wayne Shorter en tres temas -- era mas sobre volumen reducido que tempo, y aun asi, a pesar del tono mas limpio de Scofield y el menor nivel de decibelios, imbuido de parte de su fuego caracteristico. Menos ambicioso en su alcance, quizas, con una formacion fija de cuarteto y arreglos generalmente mas simples -- pero con el guitarrista de vuelta en su confiable guitarra electrica hueca Ibanez -- A Moment's Peace puede no ser exactamente un album de baladas por definicion convencional, pero es el album mas relajado que el guitarrista haya publicado jamas, cuando se acerca a su sesenta cumpleanos.

Que A Moment's Peace logre nunca sudar la gota gorda es tanto mas notable dado el grupo que Scofield ha reunido. Que el versatil Brian Blade -- un baterista tan capaz de libertad sin restricciones en el cuarteto de decadas de Wayne Shorter como de entregar grooves solidisimos con Black Dub -- siga siendo, como Scofield, tan instantaneamente reconocible es igualmente sorprendente, dada la naturaleza en gran medida contenida del material. Solo una version llena de alma, ocasionalmente reggaeficada, de "You Don't Know What Love Is" se aproxima a algun tipo de calor real, con Scofield soltando rafagas de notas rapidas y bends catarticos, sobre las puntuaciones periodicas (y mas caracteristicas) afiladas de Blade, mientras groovea visceralmente, gracias al lock en el beat del baterista con el inamovible bajista Scott Colley.

Una suerte de sleeper que crece sustancialmente con cada escucha, A Moment's Peace tambien se define por la eleccion de material de Scofield. Sus cinco originales van desde el ligeramente countrificado "Plain Song" -- otro tema que sube un poco el gear durante su solo -- hasta el tranquilo "Simply Put" y una trifecta de temas lentos a mitad del disco (el suave "Johan", el swingueante "Mood Returns" y el cambiante "Already September") que difuminan los limites entre el material propio del guitarrista y su eclectica seleccion de versiones.

Y son las siete versiones de A Moment's Peace las que ofrecen las mayores sorpresas. "I Will" de los Beatles, una de las canciones menos advertidas de The Beatles (The White Album) (Apple, 1968), con el organo acolchado de armonicos agudos de Larry Goldings, es el arreglo mas literal del set, aunque su duracion de poco mas de tres minutos aun deja lugar para solos concisos y de notas perfectas de Scofield y Goldings. A Moment's Peace tambien representa un reencuentro de alguna manera, al menos en disco, para Scofield y Goldings, habiendo grabado juntos por ultima vez en 2004 (para Saudades (ECM, 2006), su proyecto tributo a Tony Williams Lifetime con el baterista Jack DeJohnette, Trio Beyond), aunque han seguido trabajando juntos en vivo en los anos siguientes, incluyendo algunos recientes shows en duo en Italia.

Menos directa es la version de "Lawns" de Scofield; habiendo recibido la partitura de Carla Bley hace algunos anos, Scofield en realidad nunca ha escuchado la version de la tecladista/compositora. Aqui, Blade y Colley swingean con conviccion, mientras Goldings (de nuevo en organo) y Scofield improvisan sobre un arreglo tomado a un ritmo ligeramente mas vivo que el original en Sextet (WATT, 1987). Una oscura lectura del "Throw It Away" de Abbey Lincoln, uno de los seis temas donde Goldings cambia economicamente su Hammond por piano de cola, contrasta con una mirada directa al "I Want to Talk About You" de Billy Eckstine y una version de groove lento, empapada en blues, del clasico de 1929 de Don Redman, "Gee Baby Ain't I Good to You."

Pero es el cierre del disco el que representa la eleccion mas esoterica de A Moment's Peace y el indicador claro de que, si bien el album puede ser considerado uno de los proyectos mas centrados de Scofield, no carece de riesgos. "I Loves You Porgy" de George Gershwin e Ira Gershwin ha sido versionado cientos de veces en disco -- y el conteo en vivo es probablemente ordenes de magnitud mayor -- pero pocos lo han convertido en un poema tonico rubato, con Colley haciendose a un lado y Blade construyendo una suave tumultuosidad de tom-toms y platillos impulsados con mazas de arriba abajo. El organo de Goldings desciende en una serie de notas en cascada que gradualmente se asientan en los cambios familiares del tema, mientras Scofield entrega la melodia igualmente familiar salpicada de armonias en el registro grave, en una lectura que se mantiene fiel a la forma pero se expresa tan libremente como la improvisacion libre mas ardiente, el album desvaneciendose en una nota inesperadamente abstru-sa que desmiente cualquier sugerencia de que, con A Moment's Peace, Scofield haya elegido un camino seguro o facil.

A Moment's Peace podria ser percibido por algunos, al menos en la superficie, como un album de poco riesgo -- sin el fuego y la grasa habituales de Scofield, un set que podria parecer que costea cuando deberia elevarse -- pero bien podria ser la mayor apuesta de Scofield. Quienes esten dispuestos a aceptar el album por su valor superficial, como una hora de respiro del ajetreo cotidiano -- o que tengan la paciencia de profundizar en su mirada mas alla de lo comun a un punado de standards potencialmente gastados, aqui reinvigorados; un quinteto de originales que encajan perfectamente; y un par de elecciones de canciones verdaderamente sorprendentes -- encontraran mucho que amar en A Moment's Peace -- un album cuyos mayores encantos se revelan no despues de una o dos escuchas, sino despues de diez o veinte.
https://www.allaboutjazz.com/john-scofield-a-moments-peace-by-john-kelman

Jay McShann • In Copenhagen

 

 

Review by Ken Dryden
Jay McShann is pretty much unaccompanied for the first half of this delightful 1977 studio session, almost as if he is reminiscing for an audience of one about the busy days on the 1930s Kansas City music scene. The pianist, equally at home in jazz and blues, sings on quite a few numbers, including the loping "Ace in the Hole" (a favorite for any rural joint with gambling as part of the entertainment) and the old chestnut "How Long Blues." The CD reissue of the original LP expanded to include other songs from the same session that were issued on an album by Fessor's Big City Band, including trombonist Ole "Fessor" Lindgreen and tenor saxophonist Steen Vig, but make no mistake, McShann isn't the sideshow but the star attraction on the group numbers.
https://www.allmusic.com/album/in-copenhagen-mw0001686661

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Reseña de Ken Dryden
Jay McShann está casi solo en la primera mitad de esta encantadora sesión de estudio de 1977, casi como si estuviera recordando para el público uno de los días más ocupados de la escena musical de Kansas City en los años 30. El pianista, que se siente igual de cómodo en el jazz y el blues, canta en bastantes números, incluyendo el loping "Ace in the Hole" (un favorito para cualquier antro rural con el juego como parte del entretenimiento) y el viejo castaño "How Long Blues". La reedición del CD del LP original se amplió para incluir otras canciones de la misma sesión que se publicaron en un álbum de la Big City Band de Fessor, incluyendo al trombonista Ole "Fessor" Lindgreen y al saxofonista tenor Steen Vig, pero no se equivoquen, McShann no es la atracción secundaria sino la estrella de los números del grupo.
https://www.allmusic.com/album/in-copenhagen-mw0001686661


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John Medeski's Mad Skillet • Mad Skillet

 

Steeped in, but hardly a slave to, the milieu of the Crescent City, John Medeski (of Medeski Martin & Wood fame) recorded in The Big Easy with sousaphonist Kirk Josephh and drummer Terence Higgins (both natives of New Orleans and members of the Dirty Dozen Brass Band), along with guitarist Will Bernard, one of the unsung heroes of modern jazz. On the opening track titled "Man About Town," as with the like-minded closer book-ending the nine tracks, "The Heart of Soul," the oddly-named quartet is clearly in no hurry to prove itself, yet manages to do so, in no uncertain terms, by the time the record's done.

Here as elsewhere, the foursome moves in a casual strut, its syncopation more implied that outright as Bernard unfurls twisting, turning guitar lines that alternately run parallel to and intersect with the elongated sonic threads spun from the bandleader's organ. At least at the outset here, guitarist Bernard's versatile dexterity distinguishes the sound of the group and its music, although, with all due respect to the namesake leader of this group, perhaps not much more than the founder/keyboardist himself: Medeski plays more organ here than any project in which he's participated in years.

The performance of "Invisible Bubble" is much more forceful, no doubt because the core four engages in both push and pull, sometimes simultaneously, with the horn players that augment Mad Skillet there; By this point, it's become obvious the absence of a bassist is no detriment and sousaphonist Joseph's quick turns on his instrument consolidate that impression, simultaneously whetting the appetite for similar intervals from drummer Higgins. Meanwhile, the prominence of Bernard is an ideal foil for an unconventional lineup, an impression consolidated by Medeski's frequent turns at the organ.

More meticulously arranged than much of what surrounds it, it is fascinating to hear how the expanded unit moves together with such fluidity. Yet, it's little more engrossing than following the nonchalance at the heart of "Tuna In A Can:" the foursome digs into a groove just as naturally as it outright stomps, while Bernard lets rip in a way that's rare for a musician who so prides himself on his understatement and restraint. But the foursome is called 'Mad Skillet' for good reason and, by the time "The Golden Lady" rolls around, Medeski and company offer an implicit declaration of their chemistry. The group sounds all the more unified for its underlying confidence.

Which may well explain why the better part of this eponymous album is comprised of four to eight minute tracks, the action of which is no doubt the distillation of any number of ideas borne in the fortuitous happenstance of improvisation. The piano-dominated "Piri Piri," for instance, is just such a cut, played with a speedy exposition usually the result of jumping on a newly-discovered theme before it's forgotten and lost. And that cut's placement in the exact middle of the track sequence is hardly coincidental; it is the immediate precursor to the ten minutes plus of "Psychedelic Rhino," where the bandleader and producer utilizes multiple keyboards to interweave detailed audio imagery, the detail of which may or may not correspond to the colorful swirls of the cover art, but no doubt required all the expertise of engineer Scotty Hard to properly mix (and may or may not.

Just for good measure, Medeski trots out the melodica later on for "Adele," but here his electric piano notes glisten as opaque synth lines waft in the air. All this action slowly unfolds before the organ rises to the surface, an acknowledgment of its importance in the sound of Mad Skillet, but also a signal to Bernard's guitar, which almost surreptitiously enters this slow-motion, after which the dream-like quality below the surface comes to the fore, thus setting the stage for the home stretch of this extended track and the album at large.

Ending as gingerly as that cut does, the contrasting emphasis in the structure of "Little Miss Piggy" is ideal to allow listeners to regain their bearings. An invitation to dance as much as its predecessor was temptation to space, this cut is no less a pleasure for connecting and extending these diametrically-opposing notions: John Medeski's Mad Skillet is equally capable of conjuring effects visceral and cerebral and comparably delightful to follow on both fronts.

By Doug Collette

https://www.allaboutjazz.com/john-medeskis-mad-skillet-by-doug-collette.php

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Empapado, pero difícilmente esclavo, del ambiente de Crescent City, John Medeski (de la fama de Medeski Martin & Wood) grabó en The Big Easy con el sousafonista Kirk Josephh y el baterista Terence Higgins (ambos nativos de Nueva Orleans y miembros de la Dirty Dozen Brass Band), junto con el guitarrista Will Bernard, uno de los héroes no reconocidos del jazz moderno. En el tema de apertura titulado "Man About Town", así como en el libro más cercano que cierra los nueve temas, "The Heart of Soul", el extrañamente llamado cuarteto no tiene prisa por demostrar su valía, pero se las arregla para hacerlo, en términos inequívocos, cuando el disco está terminado.

Aquí como en otros lugares, el cuarteto se mueve en un puntal casual, su síncopa implica más bien que, en el momento en que Bernard despliega líneas de guitarra giratorias que alternadamente corren paralelas y se intersectan con los alargados hilos sónicos hilados desde el órgano del director de la banda. Al menos al principio aquí, la destreza versátil del guitarrista Bernard distingue el sonido del grupo y su música, aunque, con todo respeto al líder homónimo de este grupo, quizás no mucho más que el propio fundador/teclista: Medeski toca más el órgano aquí que en cualquier otro proyecto en el que haya participado en años.

La interpretación de "Invisible Bubble" es mucho más contundente, sin duda porque el núcleo cuatro se dedica tanto a empujar como a tirar, a veces de forma simultánea, con los trompetistas que aumentan el Mad Skillet allí; a estas alturas, se ha hecho evidente que la ausencia de un bajista no es un detrimento y los rápidos giros del sousafonista Joseph en su instrumento consolidan esa impresión, despertando simultáneamente el apetito por intervalos similares del baterista Higgins. Mientras tanto, la prominencia de Bernard es una hoja ideal para una alineación no convencional, una impresión consolidada por los frecuentes giros de Medeski en el órgano.

Más meticulosamente arreglado que gran parte de lo que lo rodea, es fascinante escuchar cómo la unidad expandida se mueve junto con tal fluidez. Sin embargo, es un poco más absorbente que seguir la indiferencia del corazón de "Tuna In A Can": el cuarteto se introduce en un surco con la misma naturalidad con la que pisa a fondo, mientras que Bernard lo deja rasgar de una manera que es poco común para un músico que se enorgullece tanto de su moderación y su moderación. Pero el cuarteto se llama "Sartén loca" por una buena razón y, para cuando "La dama dorada" se presenta, Medeski y compañía ofrecen una declaración implícita de su química. El grupo suena aún más unificado por su confianza subyacente.

Lo que puede explicar por qué la mayor parte de este álbum homónimo está compuesto por temas de cuatro a ocho minutos, cuya acción es sin duda la destilación de cualquier número de ideas surgidas de la casualidad de la improvisación. El "Piri Piri", dominado por el piano, por ejemplo, es un corte de este tipo, interpretado con una rápida exposición que suele ser el resultado de saltar sobre un tema recién descubierto antes de que se olvide y se pierda. Y la colocación de ese corte en el centro exacto de la secuencia de la pista no es una coincidencia; es el precursor inmediato de los más de diez minutos de "Psychedelic Rhino", en el que el director de la banda y el productor utilizan múltiples teclados para entrelazar imágenes de audio detalladas, cuyo detalle puede o no corresponderse con los coloridos remolinos del arte de la portada, pero sin duda requiere toda la experiencia del ingeniero Scotty Hard para mezclar adecuadamente (y puede o no puede.

Sólo para tener una buena medida, Medeski saca la melódica más tarde para "Adele", pero aquí sus notas de piano eléctrico brillan como líneas de sintetizador opacas que flotan en el aire. Toda esta acción se desarrolla lentamente antes de que el órgano suba a la superficie, un reconocimiento de su importancia en el sonido de Mad Skillet, pero también una señal para la guitarra de Bernard, que entra casi subrepticiamente en esta cámara lenta, después de la cual la calidad onírica bajo la superficie se hace evidente, preparando así el escenario para la recta final de esta extensa pista y del álbum en general.

Terminando tan suavemente como lo hace este corte, el énfasis contrastado en la estructura de "Little Miss Piggy" es ideal para permitir a los oyentes recuperar su orientación. Una invitación a bailar tanto como su predecesor fue una tentación para el espacio, este corte no es menos un placer para conectar y extender estas nociones diametralmente opuestas: La Sartén Loca de John Medeski es igualmente capaz de conjurar efectos viscerales y cerebrales y es comparativamente deliciosa de seguir en ambos frentes.

Por Doug Collette

https://www.allaboutjazz.com/john-medeskis-mad-skillet-by-doug-collette.php

 

 

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John Scofield & Dave Holland • Memories of Home

 

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Joe Henderson • So Near, So Far [Musings for Miles]

 

Biography by Scott Yanow
Joe Henderson is proof that jazz can sell without watering down the music; it just takes creative marketing. Although his sound and style were virtually unchanged from the mid-'60s, Joe Henderson's signing with Verve in 1992 was treated as a major news event by the label (even though he had already recorded many memorable sessions for other companies). His Verve recordings had easy-to-market themes (tributes to Billy Strayhorn, Miles Davis, and Antonio Carlos Jobim) and, as a result, he became a national celebrity and a constant poll winner while still sounding the same as when he was in obscurity in the 1970s.

The general feeling is that it couldn't have happened to a more deserving jazz musician. After studying at Kentucky State College and Wayne State University, Joe Henderson played locally in Detroit before spending time in the military (1960-1962). He played briefly with Jack McDuff and then gained recognition for his work with Kenny Dorham (1962-1963), a veteran bop trumpeter who championed him and helped Henderson get signed to Blue Note. Henderson appeared on many Blue Note sessions both as a leader and as a sideman, spent 1964-1966 with Horace Silver's Quintet, and during 1969-1970 was in Herbie Hancock's band. From the start, he had a very distinctive sound and style which, although influenced a bit by both Sonny Rollins and John Coltrane, also contained a lot of brand new phrases and ideas. Henderson had long been able to improvise in both inside and outside settings, from hard bop to freeform. In the 1970s, he recorded frequently for Milestone and lived in San Francisco, but was somewhat taken for granted. The second half of the 1980s found him continuing his freelancing and teaching while recording for Blue Note, but it was when he hooked up with Verve that he suddenly became famous. Virtually all of his recordings are currently in print on CD, including a massive collection of his neglected (but generally rewarding) Milestone dates. On June 30, 2001, Joe Henderson passed away due to heart failure after a long battle with emphysema.
https://www.allmusic.com/artist/joe-henderson-mn0000139804/biography

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Reseña de Scott Yanow
Este álbum (que ha sido incluido en la caja completa de ocho CDs de Joe Henderson, Milestone Years) tiene bastantes momentos clásicos. En ese momento, el saxofonista tenor Henderson era miembro del Sexteto de Herbie Hancock, por lo que Hancock estuvo encantado de actuar como músico secundario, doblando al piano y al piano eléctrico, con el grupo de estrellas, que también incluye al trompetista Mike Lawrence, al bajista Ron Carter y al baterista Jack DeJohnette. Los aspectos más destacados son muchos e incluyen la versión original de "Black Narcissus", "Isotope", una interpretación lírica de "Lazy Afternoon" y la forma libre "Foresight and Afterthought".
https://www.allmusic.com/album/power-to-the-people-mw0000004668


Biografía de Scott Yanow
Joe Henderson es la prueba de que el jazz puede venderse sin diluir la música; sólo hace falta un marketing creativo. Aunque su sonido y su estilo no han cambiado prácticamente desde mediados de los años 60, el fichaje de Joe Henderson por Verve en 1992 fue tratado como un gran acontecimiento por la discográfica (a pesar de que ya había grabado muchas sesiones memorables para otras compañías). Sus grabaciones para Verve tenían temas fáciles de comercializar (homenajes a Billy Strayhorn, Miles Davis y Antonio Carlos Jobim) y, como resultado, se convirtió en una celebridad nacional y en un constante ganador de encuestas mientras seguía sonando igual que cuando estaba en la oscuridad en los años 70.

El sentimiento general es que no podría haberle ocurrido a un músico de jazz más meritorio. Tras estudiar en el Kentucky State College y en la Wayne State University, Joe Henderson tocó a nivel local en Detroit antes de pasar por el ejército (1960-1962). Tocó brevemente con Jack McDuff y luego ganó reconocimiento por su trabajo con Kenny Dorham (1962-1963), un veterano trompetista de bop que lo defendió y ayudó a Henderson a firmar con Blue Note. Henderson apareció en muchas sesiones de Blue Note como líder y como acompañante, pasó de 1964 a 1966 con el Quinteto de Horace Silver, y durante 1969-1970 estuvo en la banda de Herbie Hancock. Desde el principio, tenía un sonido y un estilo muy característicos que, aunque estaban un poco influenciados por Sonny Rollins y John Coltrane, también contenían muchas frases e ideas nuevas. Henderson llevaba mucho tiempo siendo capaz de improvisar tanto en ambientes interiores como exteriores, desde el hard bop hasta el freeform. En la década de 1970, grabó con frecuencia para Milestone y vivió en San Francisco, pero se le daba por descontado. En la segunda mitad de los años 80 continuó trabajando como freelance y dando clases mientras grababa para Blue Note, pero fue cuando se unió a Verve cuando se hizo famoso de repente. En la actualidad, casi todas sus grabaciones se encuentran en CD, incluida una enorme colección de sus olvidadas (pero generalmente gratificantes) fechas de Milestone. El 30 de junio de 2001, Joe Henderson falleció debido a un fallo cardíaco tras una larga batalla contra el enfisema.
https://www.allmusic.com/artist/joe-henderson-mn0000139804/biography

www.bluenote.com/joe-henderson ...

 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

John Scofield, Bill Stewart, Steve Swallow • Swallow Tales

 

Guitarist John Scofield celebrates the music of his friend and mentor Steve Swallow in an outgoing and spirited recording, made in a day in New York in March 2019 - “old school” style as Scofield says, while acknowledging that more than forty years of preparation led up to it. John was a 20-year-old student at Berklee when he first met and played with the bassist, and they have continued ever since. “I love these songs”, says Scofield of the selection of Swallow compositions explored here – a broad range including classics such as “Hullo Bolinas”, “Eiderdown”, “Falling Grace” and “Radio”, as well as lesser-known works. The rapport between Scofield and Swallow is evident in every moment. John: “Sometimes when we play it’s like one big guitar, the bass part and my part together.” Behind the drum kit, Bill Stewart, a close associate of Scofield’s since the early 90s, is alert to all the implications of the interaction. “What Bill does is more than ‘playing the drums,’” Scofield says. “He’s a melodic voice in the music, while also swinging really hard.”
https://www.jazzmessengers.com/es/82834/john-scofield/swallowtales

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El guitarrista John Scofield rinde homenaje a la música de su amigo y mentor Steve Swallow en una grabación extrovertida y llena de energía, realizada en un solo día en Nueva York en marzo de 2019, al estilo «de la vieja escuela», como dice Scofield, aunque reconoce que le han llevado más de cuarenta años de preparación llegar hasta aquí. John era un estudiante de 20 años en Berklee cuando conoció y tocó por primera vez con el bajista, y desde entonces han seguido juntos. «Me encantan estas canciones», dice Scofield sobre la selección de composiciones de Swallow que se exploran aquí, una amplia gama que incluye clásicos como «Hullo Bolinas», «Eiderdown», «Falling Grace» y «Radio», así como obras menos conocidas. La compenetración entre Scofield y Swallow es evidente en todo momento. John: «A veces, cuando tocamos, es como si fuéramos una gran guitarra, la parte del bajo y mi parte juntas». Detrás de la batería, Bill Stewart, colaborador cercano de Scofield desde principios de los 90, está atento a todas las implicaciones de la interacción. «Lo que hace Bill es más que «tocar la batería»», dice Scofield. «Es una voz melódica en la música, a la vez que tiene un swing muy potente».
https://www.jazzmessengers.com/es/82834/john-scofield/swallowtales


 

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Jack DeJohnette, Larry Grenadier, John Medeski & John Scofield • Hudson

 

Music giants Jack DeJohnette, Larry Grenadier, John Medeski, and John Scofield, join forces in the electrifying new jazz-meets-rock supergroup, Hudson. Inspired by the beauty and spirit of their home region, New York’s Hudson River Valley, these famed improvisers bring fresh dimensions to Woodstock associated classics by Bob Dylan, Joni Mitchell, Jimi Hendrix and The Band and as well as compelling original compositions. The music also celebrates NEA Jazzmaster Jack DeJohnette’s 75th birthday.

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Los gigantes de la música Jack DeJohnette, Larry Grenadier, John Medeski y John Scofield unen fuerzas en el electrizante nuevo supergrupo Hudson, que combina jazz y rock.  Inspirados por la belleza y el espíritu de su región natal, el Valle del río Hudson en Nueva York, estos famosos improvisadores aportan nuevas dimensiones a los clásicos asociados a Woodstock de Bob Dylan, Joni Mitchell, Jimi Hendrix y La Banda, así como atractivas composiciones originales.  La música también celebra el 75 cumpleaños del maestro de jazz de NEA, Jack DeJohnette.

 

 

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John Scofield • Past Present

 

Review by Matt Collar
During the '90s, ever-changing guitarist John Scofield paired with saxophonist and fellow Berklee alum Joe Lovano, drummer Bill Stewart, and bassists Charlie Haden, Marc Johnson, and Dennis Irwin, respectively, for three highly praised albums, Time on My Hands (1990), Meant to Be (1990), and What We Do (1992). Those albums found the oft-electrified Scofield, who played with Miles Davis in the '80s, investigating songs of a more acoustic, often straight-ahead, pre-fusion jazz style. After an over 20-year break, Scofield reunited with Lovano and Stewart for 2015's Past Present. Also joining the group this time is longtime Scofield associate bassist Larry Grenadier, who replaces the late Irwin. As with the quartet's previous work, Past Present is a largely acoustic jazz album, with Scofield playing on an amped, semi-hollow-body guitar. Scofield also supplies all of the compositions on Past Present, some of which, poignantly, were inspired by his son Evan Scofield, who died from cancer at age 26 in 2013. While the music on Past Present harks back to jazz's pre-rock-influenced golden age, there's nothing retro, staid, or unadventurous about the group's performance. This is propulsive, often angular and kinetic music that touches upon low-down blues ("Slinky"), Horace Silver-esque soul-jazz ("Get Proud"), and airy, swinging post-bop ("Museum"). In that sense, it brings to mind the '70s work of Scofield contemporary Pat Martino. Barring 2003's Oh! by the supergroup ScoLoHoFo, Past Present is one of the few times Lovano has recorded with Scofield in recent years and it's invigorating to hear them together; Lovano's warm saxophone dances against the crunchy decay of Scofield's guitar. It's that burlap-on-velvet combination that gives cuts like the languid "Hangover" and the moody "Season Creep" an organic, tactile quality. There's also a gleeful, almost comedic nature to the quartet's interplay, as if the musicians are sharing an inside joke. "Chap Dance," a bright, Western-swing-meets-soul-bop cut, is clearly a somewhat cheeky nod to saxophonist Sonny Rollins' take on "I'm an Old Cowhand." However, the comedic quality sometimes takes on a nuanced, melancholic tone, as on "Mr. Puffy." A reference to Evan Scofield's appearance while undergoing chemotherapy, the song starts out sounding sad, then quickly transitions into a tougher, overtly funky midsection anchored by a guttural, low-end riff from Lovano. Ultimately, the track, as with all of Past Present, is rife with love and in-the-moment energy inspired by Scofield's past experience, but created with a hopeful eye to the future. 
https://www.allmusic.com/album/past-present-mw0002871468

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Reseña de Matt Collar
Durante los años 90, el siempre cambiante guitarrista John Scofield se unió al saxofonista y compañero de Berklee Joe Lovano, al baterista Bill Stewart y a los bajistas Charlie Haden, Marc Johnson y Dennis Irwin, respectivamente, para grabar tres álbumes muy aclamados: Time on My Hands (1990), Meant to Be (1990) y What We Do (1992). En esos álbumes, Scofield, que solía tocar con Miles Davis en los años 80, exploraba canciones de un estilo más acústico, a menudo directo, anterior al jazz fusión. Tras una pausa de más de 20 años, Scofield se reunió con Lovano y Stewart para grabar Past Present en 2015. En esta ocasión, también se unió al grupo el bajista Larry Grenadier, colaborador habitual de Scofield, que sustituye al fallecido Irwin. Al igual que los trabajos anteriores del cuarteto, Past Present es un álbum de jazz en gran parte acústico, en el que Scofield toca una guitarra amplificada de caja semihueca. Scofield también es el autor de todas las composiciones de Past Present, algunas de las cuales, de forma conmovedora, se inspiraron en su hijo Evan Scofield, que falleció de cáncer a los 26 años en 2013. Aunque la música de Past Present remite a la edad de oro del jazz, antes de la influencia del rock, no hay nada retro, sobrio o poco arriesgado en la interpretación del grupo. Se trata de una música impulsiva, a menudo angular y cinética, que roza el blues más profundo («Slinky»), el soul-jazz al estilo de Horace Silver («Get Proud») y el post-bop aireado y swingante («Museum»). En ese sentido, recuerda el trabajo de los años 70 de Pat Martino, contemporáneo de Scofield. Salvo Oh! de 2003, del supergrupo ScoLoHoFo, Past Present es una de las pocas veces que Lovano ha grabado con Scofield en los últimos años y es estimulante escucharlos juntos; el cálido saxofón de Lovano baila contra el crujiente decaimiento de la guitarra de Scofield. Es esa combinación de arpillera y terciopelo la que da a temas como el lánguido «Hangover» y el melancólico «Season Creep» una calidad orgánica y táctil. También hay un carácter alegre, casi cómico, en la interacción del cuarteto, como si los músicos compartieran una broma privada. «Chap Dance», un tema brillante que mezcla el western swing con el soul bop, es claramente un guiño algo descarado a la versión del saxofonista Sonny Rollins de «I'm an Old Cowhand». Sin embargo, el carácter cómico a veces adquiere un tono melancólico y matizado, como en «Mr. Puffy». En referencia a la apariencia de Evan Scofield mientras se sometía a quimioterapia, la canción comienza con un tono triste, pero rápidamente pasa a una sección central más dura y abiertamente funky, anclada por un riff gutural y grave de Lovano. En última instancia, la pista, al igual que todo Past Present, está llena de amor y energía del momento inspirada en la experiencia pasada de Scofield, pero creada con una mirada esperanzada hacia el futuro. 
https://www.allmusic.com/album/past-present-mw0002871468
 

 

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Gerry Mulligan & Chet Baker • Carnegie Hall Concert

Artículo http://www.zonadejazz.com/2012/03/07/gerry-mulligan-chet-baker-carniege-hall-1974/
Carnegie Hall, 1974. Dos grandes sin discusión:
Chet Baker y Gerry Mulligan en directo. Esta
grabación en vivo pasará a la historia. Un servidor,
con la torpeza que le caracteriza, va a intentar
descubriros todo lo mágico y maravilloso que atesora
este concierto. Creo que no voy a tener éxito; es
demasiado bello.

- Reencuentro fructífero de dos colosos West
coasters tras diez años de carreras por separado.

- El Cool de los 50 llevado a los 70 con
frescura, modernidad y creatividad.

- Lección de veteranía y apuesta por formas
novedosas en la recreación de estándares exitosos de
épocas pasadas y de nuevas composiciones.

- Swing sólido, relajado y de una belleza extrema en
temas como “Line For Lyons” o en el estándar por excelencia
“My Funny Valentine”. La química y entendimiento entre estos
dos grandes maestros es emocionante; casi se puede vivir.

- Dos en uno. Baker y Gerry nos deleitarán con el complejo
dueto “Bernie’s Tune”. Las alternancias de los instrumentistas
son asombrosas. En una fundición imaginaria, la trompeta le
hace el amor al barítono y viceversa.

- Mulligan saca el tarro de las esencias y nos deleita como
nunca en su interpretación de una composición de su autoría
“Song 4 Strayhorn”. Demuestra el porqué fue uno de los más
grandes barítonos de la historia.

- Respeto al auditorio y al público. Chet se sentía nervioso,
de hecho, entre bambalinas, comentó :
“Es como grabar sin red. No se puede evitar sentir que
todo pesa. Mejor sería ya estar tocando en Stryker’s Pub”.

- Una gran banda que arropa a los dos solistas enriqueciendo
el resultado final. La sección rítmica resulta en conjunto
brillantísima. Bob James, Sco, el siempre eficaz Carter y
el vibrafonista Sammuels, se dan a sus dos ‘jefes de obra’ con
enorme generosidad. El piano eléctrico, los vibes y los bajos
de Ron, catapultan a las melodías hacia un sonido actual y
respetuoso con el legado de Chet y Mulligan. Ejemplo de ello
los temas “It’s Sandy at the beach” o “K-4 Pacific”.

- La participación de Scofield es extraordinaria. Aporta
a los temas sentido romántico y ritmo descansado e
intrincado en sus solos y líneas melódicas. Por entonces ,es
uno de los pocos guitarristas jóvenes que se dispone a
explorar el estilo de Jim Hall, posiblemente porque es
uno de los pocos capacitados técnica y temperamentalmente
para hacerlo.

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At this 1974 concert baritonist Gerry Mulligan and trumpeter Chet Baker had one of their very rare reunions; it would be only the second and final time that they recorded together after Mulligan's original quartet broke up in 1953. Oddly enough, a fairly contemporary rhythm section was used (keyboardist Bob James, vibraphonist Dave Samuels, bassist Ron Carter, drummer Harvey Mason, and in one of his first recordings, guitarist John Scofield). However, some of the old magic was still there between the horns, and in addition to two of Mulligan's newer tunes, this set (the first of two volumes) also includes fresh versions of "Line for Lyons" and "My Funny Valentine."

Notes
Recorded November 24, 1974. Original LP released 1975.
Track 2 is previously unreleased and did not appear on the original LP.

Medeski Scofield Martin & Wood • Out Louder

 

Review by Jeff Tamarkin
Out Louder reunites keyboardist John Medeski, drummer Billy Martin, and bassist Chris Wood with guitar great John Scofield, who employed the trio on his 1997 A Go Go album. That record opened the creativity gates for both the trio and Scofield, who fed off and goaded each other into territories neither party had previously gone separately. Out Louder isn't so much a rematch as an upgrade. Both Scofield and MMW have continued to explore in the near-decade since A Go Go, and they come to this project with a greater understanding of their collective abilities as well as a willingness to explore the possibilities further. Not unexpectedly, the four musicians work hard here, but they also have a ton of fun. The opening track, "Little Walter Rides Again," serves notice that this isn't going to be an exercise in showing off but rather four envelope-pushing musicians picking each other's brains and seeing what they find. An easygoing blues vamp with a funky, Memphis-style beat, the track keeps the quartet reined in while simultaneously allowing each musician to dance around a bit within its structure. That idea of holding back doesn't last long, however, as that leadoff gives way to "Miles Behind," a nod to electric Miles Davis minus the trumpet. Although the players, particularly Medeski and Scofield, take several opportunities to reach for the outside fringes, Out Louder never becomes inaccessible, even during its freer-jazz moments. "Tequila and Chocolate," for example, takes up with a simple bossa nova rhythm that eventually goes wildly astray without losing touch with its form, and the John Lennon tune "Julia" (which, honestly, borrows only minimally from the original melody) is a soft, sweet, and sensual ballad that never strays even close to the edge yet still manages to feel edgy. That's not to say that those looking for the heavy jams will be disappointed. "What Now" finds Medeski and Scofield challenging each other as if they were Keith Emerson and Jimi Hendrix having it out at some late-night club, and "Down the Tube," though essentially a simple funky blues, flirts with psychedelia, Scofield turning in some of his most startling playing of the set. The session ends with a virtually unrecognizable improv on Peter Tosh's reggae anthem "Legalize It" that spotlights Martin and Wood in lockstep groove. If ever MMW and Scofield decided to make something more permanent of their meet-ups, one can only guess where else they might go.
https://www.allmusic.com/album/out-louder-mw0000738853

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Reseña de Jeff Tamarkin
Out Louder reúne al teclista John Medeski, al baterista Billy Martin y al bajista Chris Wood con el gran guitarrista John Scofield, quien empleó al trío en su álbum A Go Go de 1997. Aquel disco abrió las puertas de la creatividad tanto para el trío como para Scofield, que se alimentaron mutuamente y se impulsaron hacia territorios que ninguna de las partes había recorrido antes por separado. Out Louder no es tanto una revancha como una mejora. Tanto Scofield como MMW han seguido explorando en la casi década transcurrida desde A Go Go, y llegan a este proyecto con una mayor comprensión de sus capacidades colectivas, así como con la voluntad de explorar más las posibilidades. No es de extrañar que los cuatro músicos trabajen duro aquí, pero también se divierten mucho. El tema que abre el disco, "Little Walter Rides Again", es un aviso de que esto no va a ser un ejercicio de exhibición, sino más bien cuatro músicos que se lanzan a explorar los cerebros de los demás y a ver qué encuentran. Un blues sencillo con un ritmo funky al estilo de Memphis, el tema mantiene al cuarteto controlado mientras permite a cada músico bailar un poco dentro de su estructura. Sin embargo, esa idea de contención no dura mucho, ya que ese primer tema da paso a "Miles Behind", un guiño al Miles Davis eléctrico sin la trompeta. Aunque los músicos, especialmente Medeski y Scofield, aprovechan varias oportunidades para llegar a los márgenes exteriores, Out Louder nunca se vuelve inaccesible, ni siquiera en sus momentos de jazz más libre. "Tequila and Chocolate", por ejemplo, toma un sencillo ritmo de bossa nova que eventualmente se desvía sin perder el contacto con su forma, y el tema de John Lennon "Julia" (que, honestamente, toma prestado sólo mínimamente de la melodía original) es una balada suave, dulce y sensual que nunca se aleja ni siquiera del borde y aún así se las arregla para sentirse afilada. Eso no quiere decir que los que busquen los temas más pesados se sientan decepcionados. En "What Now", Medeski y Scofield se desafían mutuamente como si fueran Keith Emerson y Jimi Hendrix en un club nocturno, y "Down the Tube", aunque esencialmente es un simple blues funky, coquetea con la psicodelia, y Scofield hace una de sus interpretaciones más sorprendentes del conjunto. La sesión termina con una improvisación prácticamente irreconocible sobre el himno reggae de Peter Tosh "Legalize It", en la que Martin y Wood se mueven al unísono. Si alguna vez MMW y Scofield decidieran hacer algo más permanente de sus encuentros, uno sólo puede adivinar dónde más podrían ir.
https://www.allmusic.com/album/out-louder-mw0000738853

Gary Burton & Friends • Departure

 

gary-burton ...

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Chris Potter • Unspoken

 

Review
by Leo Stanley
Working with drummer Jack DeJohnette, bassist Dave Holland, and guitarist John Scofield, saxophonist Chris Potter recorded his most adventurous record to date with Unspoken. Although his powerhouse rhythm section sometimes overwhelms him, Potter flexes more creative muscle throughout Unspoken, resulting in an engaging, frequently provocative listen.
https://www.allmusic.com/album/unspoken-mw0000595450

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Reseña
por Leo Stanley
Trabajando con el baterista Jack DeJohnette, el bajista Dave Holland y el guitarrista John Scofield, el saxofonista Chris Potter grabó su disco más aventurero hasta la fecha con Unspoken. Aunque su poderosa sección rítmica a veces le abruma, Potter despliega más músculo creativo a lo largo de Unspoken, lo que resulta en una escucha atractiva y a menudo provocativa.
https://www.allmusic.com/album/unspoken-mw0000595450

www.chrispottermusic.com ...

John Scofield • Live

 

Review
by Scott Yanow
This set features some high-quality post-bop guitar playing by the immediately distinctive John Scofield. The four lengthy selections -- three originals and an over 15-minute rendition of "Softly as in a Morning Sunrise" -- find Scofield, pianist Richie Beirach, bassist George Mraz and drummer Joe LaBarbera really stretching out. The music holds one's interest throughout and shows how mature a player the guitarist was even during his early pre-Miles Davis period.
https://www.allmusic.com/album/john-scofield-live-mw0000113308


Biography
by Scott Yanow
Known for his distinctive, slightly distorted sound, guitarist John Scofield is a masterful jazz improviser who has straddled the lines between straight-ahead post-bop, fusion, funk, and soul-jazz. One of the big three of late 20th century jazz guitarists (along with Pat Metheny and Bill Frisell), Scofield's influence grew in the '90s and continued into the 21st century. He first emerged in the mid-'70s playing with trumpeter Chet Baker and drummer Billy Cobham before launching his solo career and issuing pivotal early works like 1977's East Meets West and 1981's Out Like a Light. He was an integral member of Miles Davis' ensemble in the '80s, and kept on releasing his own albums, including 1986's Blue Matter and 1998's A Go Go with Medeski, Martin & Wood. Well into his fourth decade as a performer, Scofield won Grammy Awards for 2015's Past Present and 2016's Country for Old Men. He issued Combo '66 (his age at the time of release) with a quartet in 2018, and followed with the solo guitar offering John Scofield in 2022.

Born in Dayton, Ohio in 1951, Scofield grew up in Wilton, Connecticut, where he first started out on guitar while in high school. From 1970 to 1973 he studied at the Berklee College of Music in Boston, and often played locally. After recording with Gerry Mulligan and Chet Baker at Carnegie Hall, Scofield was a member of the Billy Cobham-George Duke band for two years. In 1977 he recorded with Charles Mingus, and later joined the Gary Burton quartet and Dave Liebman's quintet. His own early sessions as a leader, including 1977's East Meets West, 1978's Rough House, and 1979's Ivory Forest, were funk-oriented.

Between 1982 and 1985, Scofield toured the world and recorded with Miles Davis. While with Davis, he continued to make time for his own projects, recording with players like Charlie Haden, Jack DeJohnette, Joe Lovano, Eddie Harris, and a host of others. His own albums during this period, like 1988's Flat Out, 1990's Meant to Be, and 1993's Hand Jive, found him moving in a more post-bop-oriented direction. He also joined the jazz supergroup Bass Desires, playing alongside bassist Marc Johnson, guitarist Bill Frisell, and drummer Peter Erskine.

Scofield started a long-term relationship with the Verve label in 1996 with his acoustic album Quiet. He cut the funky A Go Go with Medeski, Martin & Wood in 1997, while 2000's Bump featured members of Sex Mob, Soul Coughing, and Deep Banana Blackout. Released in 2001, Works for Me featured a more traditional jazz sound, but for 2002's Uberjam and 2003's Up All Night, he was back to playing fusion. Drummer Bill Stewart and bassist Steve Swallow rounded out the John Scofield Trio for 2004's cerebral and complex live album EnRoute. In 2005, Scofield paid tribute to legendary soulman Ray Charles with That's What I Say. He featured a number of guest vocalist/musicians, including Dr. John, Warren Haynes, and Mavis Staples.

In 2007, Scofield released his debut for Emarcy, This Meets That. Once again, the set was theme-related and featured the guitarist in the company of a large horn section -- winds as well as brass and reeds -- playing original compositions as well as those from the rock and pop vernacular. Two of the more radical offerings on the album were the completely rearranged jazz-rock versions of Charlie Rich's "Behind Closed Doors" and the Rolling Stones' "(I Can't Get No) Satisfaction." Scofield took another left turn on 2009's Piety Street. He hired Jon Cleary on keys, ex-Meters bassist George Porter, and drummer Ricky Fataar to play on a set of spirituals and gospel tunes, all done in a grooved-out soul-jazz manner. In 2010, he was the featured soloist on the Metropole Orkest's Emarcy date 54.

Scofield returned to a theme-based format for his next date for the label, A Moment's Peace, a collection of ballads that ran the gamut from Gershwin to the Beatles and included some original compositions. The set, which was released in September of 2011, featured the guitarist in the company of drummer Brian Blade, organist Larry Goldings, and bassist Scott Colley. Also in 2011, MSMW Live: In Case the World Changes Its Mind was released by Indirecto Records. The double-length set was culled from the Medeski, Scofield, Martin & Wood 2006 world tour; its contents reflected material off Scofield's A Go Go and the MSMW studio offering Out Louder. Over a decade after Uberjam, the guitarist rounded up some of his collaborators from that disc -- Avi Bortnick (guitar and samples), Adam Deitch (drums), and guest John Medeski -- along with Andy Hess (bass) and Louis Cato (drums) to issue Uberjam Deux in July of 2013.

In 2015, Scofield released Past Present, which found him reuniting with the members of his '90s quartet, saxophonist Joe Lovano, drummer Bill Stewart, and bassist Larry Grenadier. A year later, he followed it with Country for Old Men, an homage to the genre that included a pair of traditional songs and a host of tracks associated with and/or by Hank Williams, Dolly Parton, George Jones, Merle Haggard, and Shania Twain. The album landed at number four on the jazz chart and took home the Grammy Award for Best Instrumental Jazz Album. Drummer Jack DeJohnette, long a resident of New York's Hudson Valley, assembled a quartet that included Scofield, Grenadier, and John Medeski, all three of whom live in or near the region. They recorded a series of originals and covers associated (closely or loosely) with the area and, to mark the occasion of DeJohnette's 75th birthday, issued the album Hudson in 2017, following the album release with a tour. The guitarist returned to his own work with 2018's Combo 66, featuring drummer Bill Stewart, bassist Vicente Archer, and pianist Gerald Clayton. Swallow Tales arrived in June 2020 on ECM and found Scofield in a relaxed session with Stewart and bassist Steve Swallow. Two years later, the guitarist himself returned to recording for ECM. He released, John Scofield, his first-ever solo guitar effort. The 13-song set showcased the guitarist performing beloved jazz, folk, R&B, and country standards along with reworked originals from his catalog.
https://www.allmusic.com/artist/john-scofield-mn0000677991/biography

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Reseña
por Scott Yanow
Este conjunto cuenta con algunos de alta calidad post-bop guitarra interpretado por el inmediatamente distintivo John Scofield. Las cuatro extensas selecciones -- tres originales y una interpretación de más de 15 minutos de "Softly as in a Morning Sunrise" - encuentran a Scofield, el pianista Richie Beirach, el bajista George Mraz y el batería Joe LaBarbera realmente extendiéndose. La música mantiene el interés de uno a lo largo y muestra cómo un músico maduro el guitarrista era incluso durante su período pre-Miles Davis.
https://www.allmusic.com/album/john-scofield-live-mw0000113308


Biografía
por Scott Yanow
Conocido por su sonido distintivo y ligeramente distorsionado, el guitarrista John Scofield es un magistral improvisador de jazz que ha cruzado las líneas entre post-bop, fusión, funk y soul-jazz. Uno de los tres grandes guitarristas de jazz de finales del siglo XX (junto con Pat Metheny y Bill Frisell), la influencia de Scofield creció en los años 90 y continuó en el siglo XXI. Surgió por primera vez a mediados'70s tocando con el trompetista Chet Baker y el baterista Billy Cobham antes de lanzar su carrera en solitario y publicar obras fundamentales como East Meets West de 1977 y Out Like a Light de 1981. Fue un miembro integral del conjunto de Miles Davis en los años 80, y continuó lanzando sus propios álbumes, incluyendo Blue Matter de 1986 y A Go Go Go de 1998 con Medeski, Martin & Wood. Hasta bien entrada su cuarta década como intérprete, Scofield ganó los Premios Grammy por Past Present de 2015 y Country for Old Men de 2016. Él emitió Combo '66 (su edad en el momento del lanzamiento) con un cuarteto en 2018, y siguió con la guitarra en solitario que ofrece John Scofield en 2022.

Nacido en Dayton, Ohio en 1951, Scofield creció en Wilton, Connecticut, donde comenzó a tocar la guitarra en la escuela secundaria. De 1970 a 1973 estudió en el Berklee College of Music en Boston, y a menudo tocó localmente. Después de grabar con Gerry Mulligan y Chet Baker en el Carnegie Hall, Scofield fue miembro de la banda de Billy Cobham-George Duke durante dos años. En 1977 grabó con Charles Mingus, y más tarde se unió al cuarteto de Gary Burton y al quinteto de Dave Liebman. Sus primeras sesiones como líder, incluyendo East Meets West de 1977, Rough House de 1978 y Ivory Forest de 1979, fueron orientadas al funk.

Entre 1982 y 1985, Scofield recorrió el mundo y grabó con Miles Davis. Mientras estaba con Davis, continuó haciendo tiempo para sus propios proyectos, grabando con músicos como Charlie Haden, Jack DeJohnette, Joe Lovano, Eddie Harris y otros. Sus propios álbumes durante este período, como Flat Out de 1988, Meant to Be de 1990, y Hand Jive de 1993, lo encontraron moviéndose en una dirección más orientada al post-bop. También se unió al supergrupo de jazz Bass Desires, tocando junto al bajista Marc Johnson, el guitarrista Bill Frisell y el baterista Peter Erskine.

Scofield comenzó una relación a largo plazo con el sello Verve en 1996 con su álbum acústico Quiet. Él cortó el funky A Go Go with Medeski, Martin & Wood en 1997, mientras que Bump de 2000 contó con miembros de Sex Mob, Soul Coughing, y Deep Banana Blackout. Lanzado en 2001, Works for Me presentó un sonido de jazz más tradicional, pero para Uberjam de 2002 y Up All Night de 2003, volvió a tocar fusión. El baterista Bill Stewart y el bajista Steve Swallow completaron el trío de John Scofield para el álbum en vivo EnRoute. En 2005, Scofield rindió homenaje al legendario alma gemela Ray Charles con That’s What I Say. Contó con un número de vocalista/ músicos invitados, incluyendo el Dr. John, Warren Haynes, y Mavis Staples.

En 2007, Scofield lanzó su debut para Emarcy, This Meets That. Una vez más, el conjunto estaba relacionado con el tema y contó con el guitarrista en compañía de una gran sección de cuerno -- vientos, así como latón y cañas -- tocando composiciones originales, así como los del rock y pop vernáculo. Dos de las ofertas más radicales en el álbum fueron las versiones de jazz-rock completamente reorganizadas de "Behind Closed Doors" de Charlie Rich y"(I Can’t Get No) Satisfaction" de los Rolling Stones. Contrató a Jon Cleary en las teclas, el ex-bajista de Mets George Porter, y el baterista Ricky Fataar para tocar en un conjunto de canciones espirituales y gospel, todo hecho de una manera de soul-jazz. En 2010, fue el solista destacado en la fecha Emarcy del Metropole Orkest 54.

Scofield volvió a un formato basado en temas para su próxima cita con el sello, A Moment’s Peace, una colección de baladas que abarcaba desde Gershwin hasta los Beatles e incluía algunas composiciones originales. El conjunto, que fue lanzado en septiembre de 2011, contó con el guitarrista en la compañía del baterista Brian Blade, el organista Larry Goldings y el bajista Scott Colley. También en 2011, MSMW Live: In Case the World Changes Its Mind fue lanzado por Indirecto Records. El set de doble duración fue seleccionado de la gira mundial de 2006 de Medeski, Scofield, Martin & Wood; su contenido reflejó el material de A Go Go de Scofield y el estudio de MSMW que ofrece Out Louder. Más de una década después de Uberjam, el guitarrista reunió a algunos de sus colaboradores de ese disco -- Avi Bortnick (guitarra y samples), Adam Deitch (batería), e invitado John Medeski -- junto con Andy Hess (bajo) y Louis Cato (batería) para emitir Uberjam Deux en julio de 2013.

En 2015, Scofield lanzó Past Present, que lo encontró reuniéndose con los miembros de su cuarteto de los 90, el saxofonista Joe Lovano, el baterista Bill Stewart y el bajista Larry Grenadier. Un año después, lo siguió con Country for Old Men, un homenaje al género que incluía un par de canciones tradicionales y una serie de pistas asociadas con y/ o por Hank Williams, Dolly Parton, George Jones, Merle Haggard, y Shania Twain. El álbum llegó al número cuatro en la lista de jazz y se llevó a casa el Premio Grammy al Mejor Álbum de Jazz Instrumental. El baterista Jack DeJohnette, durante mucho tiempo residente del Hudson Valley de Nueva York, reunió un cuarteto que incluía a Scofield, Grenadier y John Medeski, los tres de los cuales viven en o cerca de la región. Grabaron una serie de originales y portadas asociadas (de cerca o libremente) con el área y, para conmemorar el 75 cumpleaños de DeJohnette, publicaron el álbum Hudson en 2017, después del lanzamiento del álbum con una gira. El guitarrista regresó a su propio trabajo con el Combo 66 de 2018, con el baterista Bill Stewart, el bajista Vicente Archer, y el pianista Gerald Clayton. Swallow Tales llegó en junio de 2020 en ECM y encontró a Scofield en una sesión relajada con Stewart y el bajista Steve Swallow. Dos años más tarde, el guitarrista volvió a grabar para ECM. Lanzó, John Scofield, su primersiempre esfuerzo de guitarra en solitario. El conjunto de 13 canciones mostró el guitarrista realizando querido jazz, folk, R&B, y los estándares del país junto con originales reelaborados de su catálogo.
https://www.allmusic.com/artist/john-scofield-mn0000677991/biography

www.johnscofield.com ...