Zoot Sims • New Beat Bossa Nova Vol 1+Vol 2

 

Biography by Scott Yanow
Throughout his career, Zoot Sims was famous for epitomizing the swinging musician, never playing an inappropriate phrase. He always sounded inspired, and although his style did not change much after the early 1950s, Zoot's enthusiasm and creativity never wavered.

Zoot's family was involved in vaudeville, and he played drums and clarinet as a youth. His older brother, Ray Sims, developed into a fine trombonist who sounded like Bill Harris. At age 13, Sims switched permanently to the tenor, and his initial inspiration was Lester Young, although he soon developed his own cool-toned sound. Sims was a professional by the age of 15, landing his first important job with Bobby Sherwood's Orchestra, and he joined Benny Goodman's big band for the first time in 1943; he would be one of BG's favorite tenormen for the next 30 years. He recorded with Joe Bushkin in 1944, and even at that early stage, his style was largely set.

After a period in the Army, Sims was with Goodman from 1946-1947. He gained his initial fame as one of Woody Herman's "Four Brothers" during his time with the Second Herd (1947-1949). Zoot had brief stints with Buddy Rich's short-lived big band, Artie Shaw, Goodman (1950), Chubby Jackson, and Elliot Lawrence. He toured and recorded with Stan Kenton (1953) and Gerry Mulligan (1954-1956). Sims was also a star soloist with Mulligan's Concert Jazz Band of the early '60s and visited the Soviet Union with Benny Goodman in 1962. A freelancer throughout most of his career, Sims often led his own combos or co-led bands with his friend Al Cohn; the two tenors had very similar sounds and styles. Zoot started doubling on soprano quite effectively in the '70s. Through the years, he appeared in countless situations, and always seemed to come out ahead. Fortunately, Zoot Sims recorded frequently, leading sessions for Prestige, Metronome, Vogue, Dawn, Storyville, Argo, ABC-Paramount, Riverside, United Artists, Pacific Jazz, Bethlehem, Colpix, Impulse, Groove Merchant, Famous Door, Choice, Sonet, and a wonderful series for Pablo.
https://www.allmusic.com/artist/zoot-sims-mn0000228087/biography

///////

Biografía de Scott Yanow
A lo largo de su carrera, Zoot Sims fue famoso por personificar al músico del swing, nunca tocando una frase inapropiada. Siempre sonaba inspirado, y aunque su estilo no cambió mucho después de los primeros años 50, el entusiasmo y la creatividad de Zoot nunca flaqueó.

La familia de Zoot se dedicaba al vodevil, y él tocaba la batería y el clarinete en su juventud. Su hermano mayor, Ray Sims, se convirtió en un fino trombonista que sonaba como Bill Harris. A los 13 años, Sims cambió permanentemente al tenor, y su inspiración inicial fue Lester Young, aunque pronto desarrolló su propio sonido de tono fresco. Sims era un profesional a los 15 años, consiguiendo su primer trabajo importante con la Orquesta de Bobby Sherwood, y se unió a la gran banda de Benny Goodman por primera vez en 1943; sería uno de los tenores favoritos de BG durante los siguientes 30 años. Grabó con Joe Bushkin en 1944, e incluso en esa primera etapa, su estilo estaba muy marcado.

Después de un período en el ejército, Sims estuvo con Goodman de 1946 a 1947. Ganó su fama inicial como uno de los "Cuatro Hermanos" de Woody Herman durante su estancia en la Segunda Manada (1947-1949). Zoot tuvo breves estancias en la corta vida de la gran banda de Buddy Rich, Artie Shaw, Goodman (1950), Chubby Jackson, y Elliot Lawrence. Hizo giras y grabó con Stan Kenton (1953) y Gerry Mulligan (1954-1956). Sims también fue un solista estrella de la Concert Jazz Band de Mulligan a principios de los años 60 y visitó la Unión Soviética con Benny Goodman en 1962. Trabajó por cuenta propia durante la mayor parte de su carrera, y a menudo dirigió sus propios combos o bandas codirigidas con su amigo Al Cohn; los dos tenores tenían sonidos y estilos muy similares. Zoot empezó a doblar a la soprano de forma bastante efectiva en los 70. A través de los años, apareció en innumerables situaciones, y siempre pareció salir adelante. Afortunadamente, Zoot Sims grabó con frecuencia, dirigiendo sesiones para Prestige, Metronome, Vogue, Dawn, Storyville, Argo, ABC-Paramount, Riverside, United Artists, Pacific Jazz, Bethlehem, Colpix, Impulse, Groove Merchant, Famous Door, Choice, Sonet, y una maravillosa serie para Pablo.
https://www.allmusic.com/artist/zoot-sims-mn0000228087/biography

 

 

zootsims.jazzgiants.net ...

 

B. B. & The Blues Shacks • Feelin' Fine Today

B.B. & The Blues Shacks today have developed into the most successful performers of traditional blues in Europe. Since its formation in 1989, the band from Hildesheim / Germany has established itself as one of the top acts within the blues scene, with countless club and festival appearances all over Europe. With their swinging and shuffling brand of blues from the 1940's and 1950's, together with their own compositions in this style, they are among the most authentic blues bands active today. Whether covering lesser-known classics of the era or performing their own songs, B.B. & The Blues Shacks always show their respect of their idols, such as T-Bone Walker or Sonny Boy Williamson.

But at the same time, the Shacks are very much up to date, incorporating contemporary topics and recent events in their own songs, telling their own stories of today. Although their own compositions sound like they could have been written in the 50's, the imaginative lyrics and creative musical ideas make them sound fresh. www.bluesshacks.com .

The band has gathered essential experience by backing up many touring American blues acts such as R.J. Mischo, Kid Ramos and Smokey Wilson, contributing to the further development of their own mature musical expression. Besides their musical prowess, B.B. & The Blues Shacks are an exciting visual live act with a repertoire that encompasses Delta Blues, Swing, Chicago Blues, and West Coast Jump Blues, all the way to 50's style Rock 'n' Roll. This is music for all lovers of charged-up blues shows without any hackneyed clichés! Back to the essentials of electric blues with B.B. & The Blues Shacks!

///////

B.B. & The Blues Shacks se han convertido hoy en los más exitosos intérpretes de blues tradicional en Europa. Desde su formación en 1989, la banda de Hildesheim / Alemania se ha establecido como uno de los mejores actos dentro de la escena del blues, con innumerables apariciones en clubes y festivales en toda Europa. Con su estilo de blues de los años 40 y 50, junto con sus propias composiciones en este estilo, se encuentran entre las bandas de blues más auténticas que existen hoy en día. Ya sea cubriendo clásicos menos conocidos de la época o interpretando sus propias canciones, B.B. & The Blues Shacks siempre muestran su respeto por sus ídolos, como T-Bone Walker o Sonny Boy Williamson.

Pero al mismo tiempo, los Shacks están muy al día, incorporando temas contemporáneos y acontecimientos recientes en sus propias canciones, contando sus propias historias de hoy. Aunque sus propias composiciones suenan como si hubieran sido escritas en los años 50, las letras imaginativas y las ideas musicales creativas las hacen sonar frescas. www.bluesshacks.com .

La banda ha reunido una experiencia esencial al apoyar a muchos actos de blues americano en gira como R.J. Mischo, Kid Ramos y Smokey Wilson, contribuyendo al desarrollo de su propia expresión musical madura. Además de su destreza musical, B.B. & The Blues Shacks son un emocionante acto visual en vivo con un repertorio que abarca el Delta Blues, Swing, Chicago Blues, y West Coast Jump Blues, hasta el estilo de los 50's Rock 'n' Roll. Esta es música para todos los amantes de los espectáculos de blues cargados sin ningún cliché trillado! ¡Volvemos a lo esencial del blues eléctrico con B.B. & The Blues Shacks! 

 

Jimmy Reed • Wailin' the Blues

 

Mel Brown and the Homewreckers • Blues - A Beautiful Thing

Artist Biography by Jason Ankeny

Best known for his decade-plus stint in support of Bobby "Blue" Bland, Mel Brown channeled elements of soul, funk, and jazz to create one of the most distinctive guitar styles in contemporary blues. Born October 7, 1939, in Jackson, MS, Brown received his first guitar at the age of 14 while battling meningitis, spending hours each day studying the music of idols like B.B. King and T-Bone Walker from his sickbed. His father, John Henry "Bubba" Brown, a gifted amateur guitarist who often backed Delta legend Tommy Johnson, was another seminal influence. After recovering from his illness, Brown joined the Duke Juniors, a teenaged spinoff of the popular local society band the Duke Huddleston Orchestra. Word of his prodigious abilities spread quickly throughout the region, and at 15, he played a series of gigs backing the great Sonny Boy Williamson. After a brief stint in Los Angeles, Brown returned to Jackson in 1955, honing his skills under Huddleston before permanently settling in L.A. three years later. After a six-month stretch with West Coast R&B singer Jimmy Beasley, Brown spent two years backing R&B great Johnny Otis. In late 1960, he toured with the Olympics, followed by a two-year tour of duty with the great Etta James. Most significantly, while touring with James he swapped his Les Paul for a hollow-bodied Gibson ES-175, later crediting the instrument for the warm, rich tone that set him apart from rival guitarists.

By 1963 the grind of touring forced Brown off the road. He returned to L.A. and resumed his collaboration with Otis, enjoying an extended residency at the Club Sands. He also launched a session career, playing on records by everyone from Bobby Darin to Bill Cosby as well as T-Bone Walker's Funky Town LP. His contributions so impressed ABC/Impulse! producer Bob Thiele that he invited Brown to cut his own album for the label: 1967's Chicken Fat, a wonderfully greasy blues-funk outing pairing Brown with fellow guitarist Herb Ellis, remains a cult classic. A series of impressive LPs including The Wizard, I'd Rather Suck My Thumb, and Big Foot Country Gal followed in quick succession before Brown joined Bland in 1971, appearing on the singer's classic California Album two years later. During his stint with Bland, the guitarist also moonlighted behind blues legends John Lee Hooker, Lightnin' Hopkins, and Roy Brown, and in 1976 he relocated to Nashville, where he maintained an even busier session schedule than in Los Angeles. Upon resuming his collaboration with Bland, Brown made the decision to temporarily abandon guitar in favor of the piano. He remained with the singer until 1982, putting his performing career on hiatus and moving to remote northeast Mississippi in an attempt to escape the music business.

Brown resurfaced in 1983 as a member of the house band at the legendary Austin, TX, blues joint Antone's. In the years to follow, he backed everyone from Buddy Guy to Stevie Ray Vaughan to Clifton Chenier. In 1986, he accepted Albert Collins' offer to join his band the Icebreakers, recording the acclaimed LP Cold Snap before returning to Antone's. In 1989, he resumed his solo career with If It's All Night, It's All Right, released on the club's eponymous label. A few months later Brown headlined the Kitchener, Ontario, venue the Pop-the-Gator Club, finding the experience so much to his liking that he relocated to Canada in early 1990. There he formed a new band, the Homewreckers, and steadily toured the southern Ontario nightclub circuit, finally reappearing on wax in 1998 as a guest on Snooky Pryor's Can't Stop Blowin'. Brown's Electro-Fi label debut, Neck Bones & Caviar, followed a year later, winning the W.C. Handy Award for Blues Comeback of the Year. With 2000's co-headlined Double Shot!, he and Pryor earned a W.C. Handy nomination for Traditional Blues Album of the Year. The concert disc Homewreckin' Done Live followed a year later. After another five-year layoff from recording, Brown issued Blues: A Beautiful Thing in early 2006.

https://www.allmusic.com/artist/mel-brown-mn0000342421/biography

///////

 Biografía del artista por Jason Ankeny

Mejor conocido por su etapa de más de una década en apoyo de Bobby "Blue" Bland, Mel Brown canalizó elementos de soul, funk y jazz para crear uno de los estilos de guitarra más distintivos del blues contemporáneo. Nacido el 7 de octubre de 1939 en Jackson, MS, Brown recibió su primera guitarra a la edad de 14 años mientras luchaba contra la meningitis, pasando horas cada día estudiando la música de ídolos como B.B. King y T-Bone Walker desde su lecho de enfermo. Su padre, John Henry "Bubba" Brown, un talentoso guitarrista aficionado que a menudo apoyaba a la leyenda de Delta, Tommy Johnson, fue otra influencia fundamental. Después de recuperarse de su enfermedad, Brown se unió a los Duke Juniors, una derivación adolescente de la popular banda de la sociedad local, la Duke Huddleston Orchestra. La noticia de sus prodigiosas habilidades se extendió rápidamente por toda la región, y a los 15 años, tocó en una serie de conciertos apoyando al gran Sonny Boy Williamson. Después de un breve período en Los Ángeles, Brown regresó a Jackson en 1955, perfeccionando sus habilidades bajo Huddleston antes de establecerse permanentemente en Los Ángeles tres años más tarde. Después de un período de seis meses con el cantante de R&B de la Costa Oeste Jimmy Beasley, Brown pasó dos años apoyando al gran Johnny Otis de R&B. A finales de 1960, realizó una gira con los Juegos Olímpicos, seguida de una gira de dos años con el gran Etta James. Lo más significativo es que, durante una gira con James, cambió su Les Paul por una Gibson ES-175 de cuerpo hueco, y más tarde le dio crédito al instrumento por el sonido cálido y rico que lo distinguió de los guitarristas rivales.

En 1963, la rutina de las giras obligó a Brown a salir de la carretera. Regresó a Los Ángeles y reanudó su colaboración con Otis, disfrutando de una residencia prolongada en el Club Sands. También lanzó una carrera de sesión, tocando en discos de todos, desde Bobby Darin hasta Bill Cosby, así como en el LP Funky Town de T-Bone Walker. Sus contribuciones impresionaron tanto al productor de ABC/Impulse! que invitó a Brown a grabar su propio álbum para el sello: Chicken Fat, de 1967, una excursión de blues y blues que combina a Brown con su compañero guitarrista Herb Ellis, sigue siendo un clásico de culto. Una serie de impresionantes LPs incluyendo The Wizard, I'd Rather Suck My Thumb, y Big Foot Country Gal siguieron en rápida sucesión antes de que Brown se uniera a Bland en 1971, apareciendo en el clásico álbum de la cantante California dos años después. Durante su temporada con Bland, el guitarrista también trabajó detrás de las leyendas del blues John Lee Hooker, Lightnin' Hopkins y Roy Brown, y en 1976 se trasladó a Nashville, donde mantuvo una agenda de sesiones aún más ocupada que en Los Ángeles. Al reanudar su colaboración con Bland, Brown tomó la decisión de abandonar temporalmente la guitarra en favor del piano. Permaneció con el cantante hasta 1982, dejando su carrera de intérprete en suspenso y mudándose al remoto noreste de Mississippi en un intento de escapar del negocio de la música.

Brown reapareció en 1983 como miembro de la banda de house en el legendario Austin, TX, blues joint Antone's. En los años siguientes, apoyó a todos, desde Buddy Guy hasta Stevie Ray Vaughan y Clifton Chenier. En 1986, aceptó la oferta de Albert Collins de unirse a su banda The Icebreakers, grabando el aclamado LP Cold Snap antes de regresar a Antone's. En 1989, reanudó su carrera en solitario con If It's All Night, It's All Right, publicado en el sello homónimo del club. Unos meses más tarde, Brown encabezó el Kitchener de Ontario, sede del Club Pop-the-Gator, y encontró la experiencia tan agradable que se mudó a Canadá a principios de 1990. Allí formó una nueva banda, los Homewreckers, y viajó constantemente por el circuito de clubes nocturnos del sur de Ontario, reapareciendo finalmente en 1998 como invitado en Snooky Pryor's Can't Stop Blowin'. El debut de Brown con la etiqueta Electro-Fi, Neck Bones & Caviar, le siguió un año más tarde, ganando el W.C. Handy Award for Blues Comeback of the Year. Con 2000's co-headheadlined Double Shot! y Pryor ganaron una nominación para el W.C. Handy Album de Blues Tradicional del Año. El disco de concierto Homewreckin' Done Live fue seguido un año más tarde. Después de otros cinco años sin grabar, Brown emitió Blues: A Beautiful Thing a principios de 2006.

https://www.allmusic.com/artist/mel-brown-mn0000342421/biography

 

 

 

Jimmy Reed • Found Love

 

Jimmy Reed • At Soul City

 

Larry Garner • Once Upon The Blues

 

Biography by Bill Dahl
You Need to Live a Little

Folks in Europe were hip to Larry Garner long before most blues fans in the states. The Baton Rouge guitarist had already toured extensively overseas, with two British albums to his credit, before Verve issued his stunning domestic debut, You Need to Live a Little, in 1995. Rooted in the swamp blues tradition indigenous to his Baton Rouge environs, Garner brings a laudable contemporary sensibility and witty composing skills to his craft.

Inspired by local swamp bluesmen Silas Hogan and Clarence Edwards, Garner learned how to play guitar from his uncle and a couple of gospel-playing elders. After completing his military service in Korea, he returned to Baton Rouge and embarked on a part-time musical career (he worked at a Dow chemical plant for almost two decades until his recent retirement).

Double Dues

The British JSP label released Garner's first two albums: Double Dues and Too Blues (the latter an ironic slap at an unidentified tin-eared U.S. blues label boss who deemed Garner's demo tape "too blues"). For You Need to Live a Little, Garner delivers creative originals detailing the difficulty of keeping "Four Cars Running" and the universal pain of suffering through "Another Bad Day." He is poised for 21st century blues stardom. Subsequent efforts include 1998's Standing Room Only, 1999's Baton Rouge, and 2000's Once Upon the Blues.

///////

Biografía de Bill Dahl

Necesitas vivir un poco

La gente en Europa fue muy popular con Larry Garner mucho antes que la mayoría de los fanáticos del blues en los Estados Unidos. El guitarrista de Baton Rouge ya había realizado numerosas giras en el extranjero, con dos álbumes británicos en su haber, antes de que Verve hiciera su sorprendente debut en el hogar, You Need to Live a Little, en 1995. Enraizado en la tradición de blues de los pantanos de sus alrededores en Baton Rouge, Garner trae una sensibilidad contemporánea loable y habilidades ingeniosas de composición a su oficio.

Inspirado por los músicos locales de blues de pantanos Silas Hogan y Clarence Edwards, Garner aprendió a tocar la guitarra con su tío y un par de ancianos que tocan el evangelio. Después de completar su servicio militar en Corea, regresó a Baton Rouge y se embarcó en una carrera musical a tiempo parcial (trabajó en una planta química de Dow durante casi dos décadas hasta su reciente retiro).

Doble cuota

El sello británico JSP lanzó los dos primeros álbumes de Garner: Double Dues y Too Blues (este último fue una bofetada irónica a un jefe de la etiqueta de blues de Estados Unidos sin identificar, que consideraba la cinta de demostración de Garner "demasiado azul"). Para que necesites vivir un poco, Garner ofrece originales creativos que detallan la dificultad de mantener "Four Cars Running" y el dolor universal de sufrir a través de "Another Bad Day". Él está preparado para el estrellato de los azules del siglo XXI. Los esfuerzos subsiguientes incluyen 1998 Standing Room Only, 1999's Baton Rouge y 2000's Once Upon the Blues.

larrygarnerbluesman.com ...

Sonny Rhodes • Blue Diamond

  

Artist Biography by Richard Skelly

Blues guitarist, singer, and songwriter Sonny Rhodes is such a talented songwriter, so full of musical ideas, that he's destined to inherit the to seats left open by the untimely passing of blues greats like Albert King and Albert Collins.

Born November 3, 1940 in Smithville, TX, he was the sixth and last child of Le Roy and Julia Smith, who were sharecroppers. Rhodes began playing seriously when he was 12, although he got his first guitar when he was eight as a Christmas present. Rhodes began performing around Smithville and nearby Austin in the late '50s, while still in his teens. Rhodes listened to a lot of T-Bone Walker when he was young, and it shows in his playing today. Other guitarists he credits as being influences include Pee Wee Crayton and B.B. King. Rhodes' first band, Clarence Smith & the Daylighters, played the Austin area blues clubs before Rhodes decided to join the Navy after graduating from high school.

In the Navy, he moved west to California, where he worked for a while as a radio man and closed-circuit Navy ship disc jockey, telling off-color jokes in between the country and blues records he would spin for the entertainment of the sailors.

Rhodes recorded a single for Domino Records in Austin, "I'll Never Let You Go When Something Is Wrong," in 1958, and also learned to play bass. He played bass behind Freddie King and his friend Albert Collins. After his stint in the Navy, Rhodes returned to California while in his mid-twenties, and lived in Fresno for a few years before hooking up a deal with Galaxy Records in Oakland. In 1966, he recorded a single, "I Don't Love You No More" b/w "All Night Long I Play the Blues." He recorded another single for Galaxy in 1967 and then in 1978, out of total frustration with the San Francisco Bay Area record companies, he recorded "Cigarette Blues" b/w "Bloodstone Beat" on his own label. Rhodes toured Europe in 1976, and that opened a whole new European market to him, and he was recorded by several European labels, but without much success. His European recordings include I Don't Want My Blues Colored Bright and a live album, In Europe. In desperation again, Rhodes went into the studio again to record an album in 1985, Just Blues, on his own Rhodesway label.

Fortunately, things have been on track for Rhodes since the late '80s, when he began recording first for the Ichiban label and later for Kingsnake. His albums for Ichiban include Disciple of the Blues (1991) and Living Too Close to the Edge (1992).

More recently, Rhodes has gotten better distribution of his albums with the Sanford, Florida-based Kingsnake label. Aside from his self-produced 1985 release Just Blues (now available on compact disc through Evidence Music), his best albums include the ones he's recorded for Kingsnake, for these are the records that have gotten Rhodes and his various backup bands out on the road together throughout the U.S., Canada, and Europe. They include The Blues Is My Best Friend, and his 1995 release, Out of Control. On these albums we hear Rhodes, the fully developed songwriter, and not surprisingly, both releases drew high marks from blues critics.

Note: Sonny passed away on 14 December 2021.

///////

Biografía del artista por Richard Skelly

El guitarrista, cantante y compositor de blues Sonny Rhodes es un compositor tan talentoso, tan lleno de ideas musicales, que está destinado a heredar los asientos dejados abiertos por el inoportuno paso de grandes del blues como Albert King y Albert Collins.

Nacido el 3 de noviembre de 1940 en Smithville, TX, fue el sexto y último hijo de Le Roy y Julia Smith, que eran aparceros. Rhodes empezó a tocar en serio a los 12 años, aunque recibió su primera guitarra a los 8 años como regalo de Navidad. Rhodes comenzó a tocar en Smithville y en la cercana Austin a finales de los 50, cuando aún era un adolescente. Rhodes escuchó mucho a T-Bone Walker cuando era joven, y eso se nota en su forma de tocar hoy en día. Otros guitarristas a los que atribuye influencias son Pee Wee Crayton y B.B. King. La primera banda de Rhodes, Clarence Smith & the Daylighters, tocaba en los clubes de blues de la zona de Austin antes de que Rhodes decidiera unirse a la Marina tras graduarse en el instituto.

En la Marina, se mudó al oeste a California, donde trabajó durante un tiempo como locutor de radio y disc-jockey de circuito cerrado de la Marina, contando chistes a todo color entre el país y los discos de blues que hacía girar para el entretenimiento de los marineros.

Rhodes grabó un sencillo para Domino Records en Austin, "I'll Never Let You Go When Something Is Wrong", en 1958, y también aprendió a tocar el bajo. Tocaba el bajo detrás de Freddie King y su amigo Albert Collins. Después de su estancia en la Marina, Rhodes regresó a California a mediados de sus veinte años, y vivió en Fresno durante unos años antes de cerrar un acuerdo con Galaxy Records en Oakland. En 1966, grabó un single, "I Don't Love You No More" b/n "All Night Long I Play the Blues". Grabó otro single para Galaxy en 1967 y luego en 1978, por la total frustración de las compañías discográficas de la bahía de San Francisco, grabó "Cigarette Blues" b/n "Bloodstone Beat" en su propio sello. Rhodes realizó una gira por Europa en 1976, lo que le abrió todo un nuevo mercado europeo, y fue grabado por varios sellos europeos, pero sin mucho éxito. Sus grabaciones europeas incluyen "I Don't Want My Blues Colored Bright" y un álbum en vivo, "In Europe". Desesperado otra vez, Rhodes fue al estudio de nuevo para grabar un álbum en 1985, Just Blues, en su propio sello Rhodesway.

Afortunadamente, las cosas han estado en marcha para Rhodes desde finales de los 80, cuando empezó a grabar primero para el sello Ichiban y después para Kingsnake. Sus álbumes para Ichiban incluyen Disciple of the Blues (1991) y Living Too Close to the Edge (1992).

Más recientemente, Rhodes ha conseguido una mejor distribución de sus álbumes con el sello Kingsnake, con sede en Sanford, Florida. Aparte de su auto-producido lanzamiento de 1985 Just Blues (ahora disponible en disco compacto a través de Evidence Music), sus mejores álbumes incluyen los que ha grabado para Kingsnake, ya que estos son los discos que han llevado a Rhodes y a sus varias bandas de respaldo a salir a la carretera juntos a través de los EE.UU., Canadá y Europa. Incluyen The Blues Is My Best Friend, y su lanzamiento en 1995, Out of Control. En estos álbumes escuchamos a Rhodes, el compositor completamente desarrollado, y no es sorprendente que ambos lanzamientos hayan recibido altas calificaciones de los críticos de blues. 

Nota: Sonny falleció el 14 de diciembre de 2021.

VA • I Ain't Got No Money - 50s South Louisiana Blues

 

Sugar Ray & The Bluetones • Blues from Sibculo

 

Review from Blues Blast Magazine:
It has been a long gap since 2020's Too Far From The Bar so it is wonderful to have a new album from one of the great blues combos. Sugar Ray Norcia and drummer Neil Gouvin have been playing together since school days and bassist Michael 'Mudcat' Ward has been in the band for many years but this is the first Bluetones album for experienced guitarist Rusty Zinn. Recorded over three relaxed days at a small studio in Sibculo, Netherlands, the album demonstrates the sheer ease with which these guys play together. The material is half originals and half covers, blending the band's signature sound of Chicago blues with elements of cajun, rockabilly and even cowboy music!
Ray's harp leads the way on his 'No More Chances', the whole band in perfect sync as Rusty adds a stinging solo. The loping style of Jimmy Reed can be heard on 'High And Lonesome' (though Ray's harp is far more muscular than Reed's) before Rusty demonstrates his mastery of T-Bone Walker's style on 'Mean Old World', the longest cut on the album and one of the best. 'Blind Date' is a song that the band has recorded before (on 2016's Seeing Is Believing); the version here is longer and really rattles along with lots of harp from the start, the rhythm section underpinning everything, Rusty adding nice arpeggios behind Ray's vocal: "I never forget a face, but with you I'll make an exception"! "Bloodstains On The Wall" is a 1953 obscurity originally recorded by Frank 'Honeyboy' Patt, describing a murder scene, given a suitably menacing tone by the Bluetones.
Rusty provides two numbers: "Dream Girl" is a little different to the rest of the album, rockabilly with cajun accents and sung by Rusty in a lighter vocal style, Ray's harp sounding almost like an accordion to match the song; in contrast "Rusty Nail" is a powerful, chugging instrumental credited to Rusty and Neil whose drumming propels the tune. Little Junior Parker released "I'm Holding On" in 1959 and it suits the Bluetones well, with Ray's commanding vocal and Rusty's fluid solo; "You Got Me Wrong" is an obscure Billy Boy Arnold 'B'-side, classic Chicago blues. The album closes with a second instrumental, "Wait And Watch", this time written by Ray and Mudcat, a wistful tune which will recall those scenes in Westerns when the cowboy takes out his harmonica at the night time fireside.
Like every album they make, this one delivers great blues with no filler, making it one to find and treasure.
https://www.bluesblastmagazine.com/sugar-ray-the-bluetones-blues-from-sibculo-album-review/

///////

Reseña de Blues Blast Magazine:
Ha pasado mucho tiempo desde Too Far From The Bar (2020), por lo que es maravilloso tener un nuevo álbum de uno de los grandes combos del blues. Sugar Ray Norcia y el baterista Neil Gouvin llevan tocando juntos desde los días de escuela y el bajista Michael 'Mudcat' Ward lleva muchos años en la banda, pero este es el primer álbum de los Bluetones para el experimentado guitarrista Rusty Zinn. Grabado durante tres relajados días en un pequeño estudio en Sibculo, Países Bajos, el álbum demuestra la facilidad con la que estos chicos tocan juntos. El material es mitad originales y mitad versiones, mezclando el sonido característico de la banda de blues de Chicago con elementos de cajun, rockabilly e incluso música de cowboys.
La armónica de Ray lidera el camino en su 'No More Chances', con toda la banda en perfecta sincronía mientras Rusty agrega un solo punzante. El estilo acompasado de Jimmy Reed se puede escuchar en 'High And Lonesome' (aunque la armónica de Ray es mucho más musculosa que la de Reed) antes de que Rusty demuestre su dominio del estilo de T-Bone Walker en 'Mean Old World', el corte más largo del álbum y uno de los mejores. 'Blind Date' es una canción que la banda ha grabado antes (en Seeing Is Believing de 2016); la versión aquí es más larga y realmente avanza con mucha armónica desde el principio, la sección rítmica sustentando todo, Rusty agregando bonitos arpegios detrás de la voz de Ray: "I never forget a face, but with you I'll make an exception"! "Bloodstains On The Wall" es una pieza oscura de 1953 grabada originalmente por Frank 'Honeyboy' Patt, que describe una escena de asesinato, a la que los Bluetones dan un tono adecuadamente amenazador.
Rusty aporta dos números: "Dream Girl" es un poco diferente al resto del álbum, rockabilly con acentos cajun y cantado por Rusty con un estilo vocal más ligero, la armónica de Ray sonando casi como un acordeón para complementar la canción; en contraste, "Rusty Nail" es un instrumental poderoso y traqueteante acreditado a Rusty y Neil cuya batería impulsa el tema. Little Junior Parker lanzó "I'm Holding On" en 1959 y le sienta bien a los Bluetones, con la voz imponente de Ray y el fluido solo de Rusty; "You Got Me Wrong" es una cara B oscura de Billy Boy Arnold, blues clásico de Chicago. El álbum cierra con un segundo instrumental, "Wait And Watch", esta vez escrito por Ray y Mudcat, una melodía melancólica que recordará esas escenas de westerns cuando el vaquero saca su armónica junto a la hoguera nocturna.
Como cada álbum que hacen, este entrega gran blues sin relleno, convirtiéndolo en uno para encontrar y atesorar.
https://www.bluesblastmagazine.com/sugar-ray-the-bluetones-blues-from-sibculo-album-review/

VA • Delmark Records 70th Anniversary Blues Anthology

 

 

Featuring 10 of the finest tracks from the Delmark blues music vaults. Seventy years on, Delmark is the oldest independent jazz and blues record label in the world, boasting a catalog bulging with over twelve thousand recordings by a virtual who's who of jazz and blues.  

///////

Con 10 de las mejores pistas de las bóvedas de música blues de Delmark. Setenta años después, Delmark es el sello discográfico independiente de jazz y blues más antiguo del mundo, con un catálogo abultado con más de doce mil grabaciones de un quién es quién virtual de jazz y blues.


delmark.com ...

Deacon Jones • Jonesin' for Money

 

After more than 40 years as a bandleader and sideman for some of the greatest names in the history f the Blues and R&B, this legendary master of the Hammond B-3 releases some of his best recordings from his personal archives. All original songs written by Deacon Jones, all previously unreleased. With special guests Eddie Money, John Lee Hooker, Gregg Allman, Dr. John, Elvin Bishop, Katie Webster, Joe Louis Walker and more.

https://www.cduniverse.com/productinfo.asp?pid=7403948

///////

Después de más de 40 años como director de banda y acompañante de algunos de los más grandes nombres de la historia del Blues y el R&B, este legendario maestro del Hammond B-3 publica algunas de sus mejores grabaciones de sus archivos personales. Todas las canciones originales escritas por Deacon Jones, todas inéditas. Con invitados especiales Eddie Money, John Lee Hooker, Gregg Allman, Dr. John, Elvin Bishop, Katie Webster, Joe Louis Walker y más.

https://www.cduniverse.com/productinfo.asp?pid=7403948

Muddy Waters • After The Rain

 

 

 

muddywatersfoundation.com ... 

  

B.B. King • Great Moments With B.B. King

 

 

Biography

Born on a plantation in Itta Bena, Mississippi in 1925, Riley B. King would start from very humble beginnings. His family moved around the area, and the young Riley experienced early a life of constant motion. As a youngster he was a farm laborer, but drawn to music, he took up the guitar; he played on street corners, and would sometimes play in as many as four towns a night. In 1946, he hitchhiked to Memphis, to pursue his music career. Memphis was a large musical community where every style of music could be found, a good place for a young man who wanted to play the blues. Riley stayed with his cousin Bukka White, a celebrated bluesman in his own right, who was able to show him first hand the guitar foundations of the blues.

Playing an acoustic set of rural blues, he kicked around a lot of the clubs in Memphis, getting a break in 1948 when he performed on Sonny Boy Williamson's radio program on KWEM out of West Memphis. This led to steady engagements at the 16th St. Grill in West Memphis, and later to a ten-minute spot on black Memphis radio station WDIA. “King's Spot,” became so popular, it was expanded and became the “Sepia Swing Club.” Becoming a popular local disc jockey, Riley needed a professional sounding name. He was the Beale Street Blues Boy then Blues Boy King, and eventually B.B. King. This led to the studio recording of “Miss Martha King” for the local Bullet label, which didn’t cause much of a stir, but it did stimulate B.B. to pursue a recording contract.

He recorded a couple of singles for Bullet, and then signed with Modern’s RPM where he did “Three O’Clock Blues”, in 1951. This song proved to be a major hit, and he quickly followed that with “Please Love Me”, “You Upset Me Baby”, “Every Day”, (which would become his theme song), “Ten Long Years”, and “Sweet Little Angel”. These are available as “The RPM Hits 1951-1957” (Ace). These recordings rose to the tops of the R&B charts, and he went on the road to promote the songs, thus starting his life of incessant touring. This is how he developed his unique and signature style, every night, playing the blues. By 1955 he had a full time band, and hit the road, where he’s been ever since.

Riding the wave of popularity generated by the RPM records, he churned out a string of hits for their subsidiary Kent label, and stayed with them throughout the ‘50’s. This is the period where he made a name for himself, both in the record charts, and promoting the records by playing live. But by 1961, he had decided to change labels, looking to get a better deal than he was getting at RPM/Kent. He signed with ABC/Paramount records, which had just scored big by signing Ray Charles from Atlantic, they were aware of a bigger market, knew how to market B.B.’s music and were willing to pay for it. B.B. King received a $25,000 signing bonus. The overall environ was much more professional, and though they brought in first class arrangers and musicians, they pretty much gave B.B. a free reign, or so he thought.

There was in this period of the early ‘60’s a change of direction that took away from the blues essence he was known for and the record sales were not what everyone expected. Then producer/arranger Johnny Pate had the idea of recording B.B. on his home turf, a black nightspot, with his own band. The result was “Live at the Regal”, released in January 1965. It blew everyone away, and changed contemporary guitar forever. This album is responsible for the acceptance and adherence of a whole new generation, mostly white, to the blues. The guitar players alone who were influenced by it is staggering, and includes every blues and rock player from then on. It reestablished the way to play electric blues and made B.B. King “King of the Blues”!!

B.B. King has one of the world's most identifiable guitar styles, and his guitar Lucille is probably the most famous. Lucille is a Custom Shop Gibson ES-355. His first guitar back in his early days in Mississippi was a Stella acoustic. He borrowed from Django Reinhardt, Charlie Christian, Lonnie Johnson, of course T-Bone Walker and others, integrating his precise and complex vocal-like string bends and his left hand vibrato, both of which have become indispensable components of guitar vocabulary. Drawing heavily from the sweet single string T-bone style patterns, he plays with a short stinging attack, often in a cluster pattern. Starting with a five note signature, he follows with delicate phrases, sliding into notes, and allowing space for them to build. He listened a lot to jazz horn players, and it is portrayed in his use of dynamics, tension and tone, he is the undisputed master of an economical method of expression.

By 1968, B.B. was playing at the Newport Folk Festival and at Bill Graham's Fillmore West on bills with the hottest rock artists of the day, all which were huge fans. The Rolling Stones chose him to open their ’69 tour, thus gaining even broader exposure. He was able to capitalize on the Blues Revival at the time, but then again he was always around, and perennially on the road. In 1969 he was the premier act on the new ABC label Bluesway where he came out with “The Thrill is Gone”, which is his signature tune, and is his biggest hit to date. This opened up new venues and he was soon playing Las Vegas, in the same clubs where Sinatra played. By 1970 he was on the Tonight Show, and on the Ed Sullivan Show, the blues makes it to prime time America.

The 1970’s saw B.B.King sitting on top of the world, so then he decided to go back to his blues roots and did two excellent albums “Live at the Cook County Jail”, and “Completely Well/Live in Cook County Jail”. These showcase what he does best, playing in front of a live audience. Both for the ABC/MCA label where he continued to record for years to come.

He would go on to record many commercially successful albums, and of course stayed on the road performing around the world, known as the Ambassador of the Blues, as certainly no one has played the blues in so many places. MCA released a four cd box set “B.B.King, King of the Blues”, as a compilation of his recording history up to 1991. B.B. was inducted into the Blues Foundation Hall of Fame in 1984,the Rock and Roll Hall of Fame in 1987, and the Songwriters Hall of Fame in 1990.He received a Lifetime Achievement Grammy Award in 1987, and has received honorary doctorates from several colleges as Yale University in 1977; Berklee College of Music in 1982; Rhodes College of Memphis in 1990 and Mississippi Valley State University in 2002. In 1992, he received the National Award of Distinction from the University of Mississippi. There is also a star on the Hollywood Walk of Fame, and Presidential Medal of Honor.

In 1991, B.B. King's Blues Club opened on Beale Street in Memphis, and in 1994, a second club was launched in Los Angeles. A third club in New York City's Times Square opened in June 2000 and two clubs opened in Connecticut in January 2002. In 1996, the CD-Rom “On the Road with B.B. King: An Interactive Autobiography”, and his book “Blues All Around Me” (Avon Books) was published. “The Arrival of B.B. King” (Doubleday) by Charles Sawyer, a biography was published in 1980. Between 1951 and 1985 he listed an amazing 75 entries in Billboard’s R&B charts. There are multiple Grammy’s (over 15 last count) sitting on his shelf at home, and a wall full of Gold and Platinum Records representing millions in album sales. “Deuces Wild”, an all-star collection of duets, released in 1997, returned B.B. to the limelight. His 1998 album, “Blues on the Bayou”, was well received, and his annual B.B. King Blues Festival Tour is a top attraction. The1999 release of “Let the Good Times Roll—The Music of Louis Jordan” was a musical tribute to one of his heroes. B.B. teamed up with Eric Clapton on the multi-platinum release of “Riding with the King”, (Reprise 2000) which was Clapton’s tribute to him, an excellent record, a master and his pupil so many years later, so many roads traveled both still playing the blues.On the occasion of his 80th birthday in 2005, he recorded a star- studded duets album “80”(Geffen) as a testament to his will as an enduring musician.

B.B. King has released another gem of a album. “One Kind Favor” on Geffen Records.Recorded at The Village Recorder in Los Angeles, CA “OneKind Favor” is meant to sound like an album recorded in the50s. To get this sound producer T-Bone Burnett and King replicated the kind of blues band King had back in the day.Studio conditions of the time were reproduced. The result is a vintage sounding album filled with the songs that influenced King in his early days as an artist. Highly Recommended!

B.B. King was the most fortunate and unusual of bluesmen; a success on his own terms, and in his own time. He was the best known, most recognized bluesman on the planet. He stayed true to himself and his music, and made it on that.

B.B. King passed on May 15, 2015.

///////

Biografía

Nacido en una plantación en Itta Bena, Mississippi, en 1925, Riley B. King comenzaría desde un principio muy humilde. Su familia se trasladó por la zona, y el joven Riley experimentó a temprana edad una vida de constante movimiento. De joven era obrero agrícola, pero atraído por la música, tomó la guitarra; tocaba en las esquinas de las calles, y a veces tocaba en hasta cuatro pueblos por noche. En 1946, hizo autostop a Memphis, para continuar su carrera musical. Memphis era una gran comunidad musical donde se podían encontrar todos los estilos de música, un buen lugar para un joven que quería tocar blues. Riley se quedó con su primo Bukka White, un famoso bluesista por derecho propio, que pudo mostrarle de primera mano los fundamentos de la guitarra del blues.

Tocando un conjunto acústico de blues rural, dio una patada a muchos de los clubes de Memphis, consiguiendo un descanso en 1948 cuando actuó en el programa de radio de Sonny Boy Williamson en KWEM fuera de Memphis Oeste. Esto condujo a compromisos constantes en el 16th St. Grill en West Memphis, y más tarde a un anuncio de diez minutos en la estación de radio negra de Memphis WDIA. "King's Spot", se hizo tan popular, que se expandió y se convirtió en el "Sepia Swing Club". Convirtiéndose en un popular disc-jockey local, Riley necesitaba un nombre que sonara profesional. Era el Beale Street Blues Boy, luego el Blues Boy King, y finalmente el B.B. King. Esto llevó a la grabación en estudio de "Miss Martha King" para el sello local Bullet, que no causó mucho revuelo, pero sí estimuló a B.B. a buscar un contrato de grabación.

Grabó un par de sencillos para Bullet, y luego firmó con Modern's RPM donde hizo "Three O'Clock Blues", en 1951. Esta canción resultó ser un gran éxito, y rápidamente la siguió con "Please Love Me", "You Upset Me Meter Baby", "Every Day", (que se convertiría en su tema principal), "Ten Long Years", y "Sweet Little Angel". Están disponibles como "The RPM Hits 1951-1957" (Ace). Estas grabaciones llegaron a lo más alto de las listas de éxitos del R&B, y se puso en camino para promocionar las canciones, iniciando así su vida de incesante gira. Así fue como desarrolló su estilo único y característico, cada noche, tocando el blues. Para 1955 tenía una banda de tiempo completo, y se fue de viaje, donde ha estado desde entonces.

Aprovechando la ola de popularidad generada por los discos RPM, produjo una serie de éxitos para su subsidiaria Kent, y permaneció con ellos a lo largo de los años 50. Este es el período en el que se hizo un nombre, tanto en las listas de éxitos como en la promoción de los discos tocando en vivo. Pero para 1961, había decidido cambiar de discográfica, buscando conseguir un mejor precio que el que obtenía en RPM/Kent. Firmó con ABC/Paramount Records, que acababa de obtener una gran puntuación con Ray Charles de Atlantic, conocían un mercado más grande, sabían cómo comercializar la música de B.B. y estaban dispuestos a pagar por ella. B.B. King recibió un bono de 25.000 dólares por la firma. El ambiente en general era mucho más profesional, y aunque trajeron arreglistas y músicos de primera clase, le dieron a B.B. un reinado libre, o eso pensó.

Hubo en este período de principios de los'60 un cambio de dirección que le quitó la esencia del blues por el que era conocido y las ventas de discos no fueron lo que todo el mundo esperaba. Entonces el productor y arreglista Johnny Pate tuvo la idea de grabar a B.B. en su territorio natal, un local nocturno negro, con su propia banda. El resultado fue "Live at the Regal", publicado en enero de 1965. Voló por los aires a todo el mundo y cambió la guitarra contemporánea para siempre. Este álbum es responsable de la aceptación y adhesión de toda una nueva generación, en su mayoría blanca, al blues. Los guitarristas que fueron influenciados por ella son asombrosos, e incluye a todos los guitarristas de blues y rock a partir de entonces. Restableció la forma de tocar blues eléctrico e hizo que B.B. King "King of the Blues"!

B.B. King tiene uno de los estilos de guitarra más conocidos del mundo, y su guitarra Lucille es probablemente la más famosa. Lucille es una tienda personalizada Gibson ES-355. Su primera guitarra en sus primeros días en Mississippi fue una Stella acústica. Tomó prestado de Django Reinhardt, Charlie Christian, Lonnie Johnson, por supuesto T-Bone Walker y otros, integrando sus precisas y complejas curvas de cuerdas vocales y su vibrato de la mano izquierda, que se han convertido en componentes indispensables del vocabulario de la guitarra. Basándose en gran medida en los dulces patrones en forma de T-bone de una sola cuerda, juega con un ataque corto y punzante, a menudo en forma de racimo. Comenzando con una firma de cinco notas, sigue con frases delicadas, deslizándose en notas y dejando espacio para que se construyan. Escuchó mucho a los trompetistas de jazz, y se refleja en su uso de la dinámica, la tensión y el tono, es el maestro indiscutible de un método económico de expresión.

En 1968, B.B. tocaba en el Festival Folklórico de Newport y en Fillmore West de Bill Graham con los artistas de rock más populares del momento, todos los cuales eran grandes fans. Los Rolling Stones lo eligieron para abrir su gira del'69, ganando así una exposición aún más amplia. Fue capaz de sacar provecho del avivamiento del Blues en ese momento, pero luego siempre estaba alrededor, y perennemente en la carretera. En 1969 fue el primer acto del nuevo sello ABC Bluesway, donde salió con "The Thrill is Gone", que es su tema característico, y es su mayor éxito hasta la fecha. Esto abrió nuevos lugares y pronto tocó en Las Vegas, en los mismos clubes donde tocaba Sinatra. Para 1970 estaba en el Tonight Show, y en el Ed Sullivan Show, el blues llega al horario de máxima audiencia en Estados Unidos.

La década de 1970 vio a B.B.King sentado en la cima del mundo, así que decidió volver a sus raíces blues e hizo dos excelentes álbumes "Live at the Cook County Jail", y "Completely Well/Live in Cook County Jail". Éstas muestran lo que él hace mejor, tocando frente a un público en vivo. Tanto para el sello ABC/MCA donde continuó grabando en los próximos años.

Siguió grabando muchos discos de éxito comercial y, por supuesto, se quedó de gira por todo el mundo, conocido como el Embajador de los Blues, ya que ciertamente nadie ha tocado el blues en tantos lugares. MCA lanzó un set de cuatro cd's "B.B.King, King of the Blues", como una compilación de su historia discográfica hasta 1991. B.B. fue admitido en el Salón de la Fama de la Fundación Blues en 1984, en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1987, y en el Salón de la Fama de los Compositores de Canciones en 1990, recibió un premio Grammy en 1987, y ha recibido doctorados honoris causa de varias universidades como la Universidad de Yale en 1977, el Colegio de Música de Berklee en 1982, el Colegio de Música de Rhodes en Memphis en 1990 y la Universidad Estatal del Valle de Mississippi en 2002. En 1992, recibió el Premio Nacional de Distinción de la Universidad de Mississippi. También hay una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y una Medalla Presidencial de Honor.

En 1991, B.B. King's Blues Club abrió sus puertas en Beale Street en Memphis, y en 1994, se fundó un segundo club en Los Ángeles. Un tercer club en el Times Square de la ciudad de Nueva York abrió en junio de 2000 y dos clubes abrieron en Connecticut en enero de 2002. En 1996, el CD-Rom "On the Road with B.B. King: Una autobiografía interactiva", y su libro "Blues All Around Me" (Avon Books). "The Arrival of B.B. King" (Doubleday) de Charles Sawyer, se publicó una biografía en 1980. Entre 1951 y 1985 enumeró una sorprendente lista de 75 entradas en las listas de R&B de Billboard. Hay varios Grammy's (más de 15 en el último recuento) sentados en su estantería de casa, y una pared llena de discos de oro y platino que representan millones en ventas de álbumes. "Deuces Wild", una colección de dúos de estrellas, lanzada en 1997, volvió a poner a B.B. en el candelero. Su álbum de 1998, "Blues on the Bayou", fue bien recibido, y su gira anual B.B. King Blues Festival Tour es una de las principales atracciones. El lanzamiento en 1999 de "Let the Good Times Roll-The Music of Louis Jordan" fue un tributo musical a uno de sus héroes. B.B. se unió a Eric Clapton en el lanzamiento multi-platino de "Riding with the King", (Reprise 2000) que fue el tributo de Clapton a él, un excelente disco, un maestro y su alumno tantos años más tarde, tantos caminos recorridos por ambos aún tocando el blues, y con motivo de su 80 cumpleaños en 2005 grabó un álbum de dúos "80" (Geffen) como testimonio de su voluntad como músico perdurable.

B.B. King ha lanzado otra joya de un álbum. "Grabado en The Village Recorder en Los Angeles, CA "OneKind Favor" tiene la intención de sonar como un álbum grabado en la década de 1950. Para conseguir este sonido, el productor T-Bone Burnett y King replicaron el tipo de banda de blues que King tenía en su día, reproduciendo las condiciones del estudio de la época. El resultado es un álbum de sonido vintage lleno de las canciones que influenciaron a King en sus primeros días como artista. Altamente Recomendado!

B.B. King fue el más afortunado e inusual de los bluesmen; un éxito en sus propios términos, y en su propio tiempo. Era el bluesista más conocido y reconocido del planeta. Se mantuvo fiel a sí mismo y a su música, y lo hizo con ella.

B.B. King falleció el 15 de mayo de 2015.

 

 

www.bbking.com ... 

 

Otis Taylor • Contraband

 

Review by Thom Jurek

Anyone who has paid attention to Otis Taylor's career understands that he is not a conventional bluesman, yet his diverse music, for all of its ambitious instrumentation, odd rhythmic meters, minor pentatonic scales, and textural strangeness embodies the spirit of the blues authentically and unmistakably. His is an iconic -- and some would argue iconoclastic -- vision. Contraband is nearly an hour long and contains 14 songs. Taylor plays guitar as well as banjo, and he uses a familiar slate of players: cornetist Ron Miles, keyboardist Brian Juan, fiddler Anne Harris, guitarist Jon Paul Johnson, with Chuck Campbell on pedal steel, djembe player Fara Tolno, and two bassists: daughter Cassie Taylor and Todd Edmunds; Larry Thompson plays drums. The album's hinge piece, "Contraband Blues," elucidates the use of human beings being used as actual contraband. The track, with its layered strings, spooky pedal steel, skittering snare, and open-toned, droning blues details the plight of slaves during the Civil War. They were freed by law, but weren't free -- they were used by the Union Army as captured property. Opener "Devil's Gonna Lie" is a circular two-chord blues riff, accentuated by djembe and multi-tracked cornet, B-3, pedal steel and electric guitars, and the Wendy Rene Choir. Taylor sings in old gospel style about the "devil," but refers to him not so much as a person but as the persuasive power of evil. Punchy, funky, and gritty, evil is portrayed as any form of exploitation. Taylor examines race, class, and interpersonal relationships in unusual ways. "Blind Piano Teacher" is a soulful ballad that explores the relationship between a younger blind piano teacher of mixed racial heritage and an older man of no racial distinction. Miles' cornet playing is like another singing voice, answering Taylor's narrative. "Banjo Boogie Blues" is a strutting shuffle with screaming guitars, banjo, and drums, with the choir underscoring Taylor's call for universal and personal compassion. 12-bar blues are the basis of the tracks "Your Ten Dollar Bill," Yellow Car, Yellow Dog," "Romans Had Their Way," "Lay On My Delta Bed," and closing burner "I Can See You're Lying," but Taylor and his band stretch them to the limit rhythmically with odd instrumental and vocal cadences, only the drum kit keeping them on the rails. Still, it's the nearly acoustic Delta blues-inspired "2 or 3 Times," the Mexican corrido "Yell Your Name," the Americana-inspired "Never Been to Africa" (detailing the plight of a black soldier who has fought all over the world during WWI, yet never visits his homeland), and the shimmering acoustic/electric folk-blues of "Look to the Side" that lend mystery on this deeply focused set. By reining in the freedom that made Clovis People, Vol. 3 such a puzzling wonder, Taylor manages to up the ante musically and lyrically on Contraband. All killer, no filler.

https://www.allmusic.com/album/otis-taylors-contraband-mw0002268083

///////

Revisión por Thom Jurek

Cualquiera que haya prestado atención a la carrera de Otis Taylor entiende que no es un bluesman convencional; sin embargo, su música diversa, con toda su ambiciosa instrumentación, medidores rítmicos extraños, escalas pentatónicas menores y extrañeza de las texturas encarna el espíritu de los blues de manera auténtica e inequívoca. . La suya es una visión icónica, y algunos argumentarían iconoclasta. Contrabando dura casi una hora y contiene 14 canciones. Taylor toca la guitarra y el banjo, y usa una lista familiar de jugadores: el cornetista Ron Miles, el teclista Brian Juan, el violinista Anne Harris, el guitarrista Jon Paul Johnson, con Chuck Campbell en el pedal de acero, la djembe Fara Tolno y dos bajistas: hija Cassie Taylor y Todd Edmunds; Larry Thompson toca la batería. La pieza de la bisagra del álbum, "Contraband Blues", aclara el uso de seres humanos como contrabando real. La pista, con sus cuerdas en capas, el escalofriante pedal de acero, el lazo resbaladizo y los tonos aburridos y droning blues, detalla la difícil situación de los esclavos durante la Guerra Civil. Fueron liberados por ley, pero no eran libres, fueron usados ​​por el Ejército de la Unión como propiedad capturada. El abridor "Devil's Gonna Lie" es un riff circular de blues de dos acordes, acentuado por djembe y cornetas de múltiples pistas, B-3, pedales de acero y guitarras eléctricas, y el coro Wendy Rene. Taylor canta en el viejo estilo evangélico sobre el "diablo", pero se refiere a él no tanto como a una persona, sino como el poder persuasivo del mal. Punchy, funky y arenoso, el mal se presenta como cualquier forma de explotación. Taylor examina la raza, la clase y las relaciones interpersonales de maneras inusuales. "Blind Piano Teacher" es una balada conmovedora que explora la relación entre un profesor de piano ciego más joven de herencia racial mixta y un hombre mayor sin distinción racial. El juego de cornetas de Miles es como otra voz cantante, respondiendo a la narrativa de Taylor. "Banjo Boogie Blues" es una mezcla aleatoria con guitarras, banjo y batería que gritan, y el coro subraya el llamado de Taylor a la compasión universal y personal. Los blues de 12 compases son la base de las pistas "Your Ten Dollar Bill", "Yellow Car, Yellow Dog", "Romans Had Have Way", "Lay On My Delta Bed" y el dispositivo de cierre "I Can See You're Mentir" , "pero Taylor y su banda los estiran hasta el límite rítmicamente con extrañas cadencias instrumentales y vocales, solo la batería que los mantiene en los rieles. Aún así, es el casi 2" 3 o 3 veces "inspirado en el blues del acústico, el corrido mexicano. "Grita tu nombre", el "Nunca he estado en África" ​​inspirado en la Americana (que detalla la difícil situación de un soldado negro que ha luchado en todo el mundo durante la Primera Guerra Mundial, pero nunca visita su tierra natal), y el brillante acústico / eléctrico folk-blues de "Look to the side" que confiere un misterio a este conjunto profundamente enfocado. Al refrenar la libertad que hizo de Clovis People, Vol. 3 una maravilla tan desconcertante, Taylor se las arregla para subir la apuesta musical y líricamente en Contraband. Todo asesino, no relleno.

https://www.allmusic.com/album/otis-taylors-contraband-mw0002268083

otistaylor.com ...

Beverly Guitar Watkins • Back in Business

Beverly "Guitar" Watkins (nacida en 1940, en Atlanta, Georgia) es una guitarrista americana de blues. Sandra Pointer-Jones escribe: "Beverly Watkins es un experta en la guitarra pirotécnica, su manera de tocar la guitarra se ha convertido en cuentos alegóricos dentro de la comunidad blues". George Varga, escuchando de su CD debut, señaló que "canta y toca con aplomo y entusiasmo suficiente como para que los músicos no tengan en cuenta la edad que tiene y se empleen con toda su energía”.

Cuando tenía aproximadamente 12 años, su familia se mudó a Commerce, Georgia. Comenzó a tocar música en el colegio, y luego en la escuela secundaria tocaba el bajo en una banda llamada Billy West Stone and the Down Beats. Aproximadamente en 1959, su primer año de escuela secundaria, fue presentada a Piano Red, que tenía un programa de radio diario en la WAOK, y posteriormente se unió a Piano Red and the Houserockers, con quienes actuó en varias ciudades del área de Atlanta y a continuación, en clubes de Atlanta como el salón Magnolia y el Casino, antes de comenzar la gira por el sureste, principalmente en las universidades. Con el tiempo, el grupo cambió su nombre por Piano Red and the Houserockers y entonces comenzó a viajar a nivel nacional.

El grupo tuvo dos singles de gran éxito: "Dr. Feelgood" y " Right String But The Wrong Yo-Yo ". Después de la grabación "Dr. Feelgood", el grupo fue conocido también como Piano Red & The Interns, Dr. Feelgood & The Interns, y Dr. Feelgood, The Interns and The Nurse. En el grupo también estaba Roy Lee Johnson (autor de "Mr. Moonlight", más tarde grabada por The Beatles).

Después de la desintegración de la banda, aproximadamente el 1965, Watkins tocó con Eddie Tigner and the Ink Spots, Joseph Smith and the Fendales, y luego con Redding and the Houserockers hasta finales de 1980. Posteriormente se fue a Atlanta, deambulando en el Underground Atlanta.

Watkins, no sólo tiene una carrera musical larga y continua, sino que también ha trabajado con artistas como James Brown, BB King y Ray Charles, y ha sido bien conocida dentro de la comunidad de blues durante muchos años. Sin embargo, al igual que le ocurrió a muchos artistas de música con raíces, tanto blancos como negros, le resultó difícil ser reconocida en la radio y alcanzó renombre al final de su carrera, después de que la llegada de Internet hiciera posible que los músicos que no están respaldados por los principales sellos discográficos lleguen a ser escuchados por un público más amplio. Así que Watkins fue re-descubierta por Music Maker Relief Foundation, de Tim Duffy, quien la incluyó en sus shows, y en 1998 fue parte del Tour de la Banda AllStars "Women of the Blues 'Hot Mamas'" junto a Koko Taylor y Rory Block. Su Cd debut de 1999 Back in Business, la devolvió a la escena musical y obtuvo una nominación al premio WC Handy en 2000.

Watkins ha estado actuando a nivel internacional (por ejemplo, el escenario principal en el Festival de blues de Ottawa en 2004) y también en su ciudad natal de Atlanta. Quedó un tiempo apartada de los escenarios por una cirugía en 2005, de la que se recuperó. Realizó una actuación en el “2008 Cognac Blue Festival”.

 

Nota: Beverly falleció 1 de octubre de 2019 (edad 80 años), en Atlanta, Georgia, Estados Unidos. 

Beverly "Guitar" Watkins (born c. 1939, Atlanta, Georgia) is an American black female blues guitarist. Sandra Pointer-Jones writes, "Beverly Watkins is a pyrotechnic guitar maven whose searing, ballistic attacks on the guitar have become allegorical tales within the blues community." George Varga, reviewing her debut CD, observed that Watkins “sings and plays with enough poise and verve to make musicians half her age or younger consider alternative means of employment.”

When Watkins was approximately 12 years old, her family moved to Commerce, Georgia. She began playing music as a schoolchild, and then in high-school played bass for a band called Billy West Stone and the Down Beats. In approximately 1959, her junior year of high school, she was introduced to Piano Red, who had a daily radio show on WAOK, and she subsequently joined Piano Red and the Meter-tones, who played in a number of towns in the Atlanta area, and then Atlanta clubs such as the Magnolia Ballroom and the Casino, before starting to tour throughout the southeast, primarily at colleges. About the time the group renamed itself Piano Red and the Houserockers, they started touring nationally.

The group had two successful singles: "Dr. Feelgood" and "Right String But The Wrong Yo-Yo". After recording "Dr. Feelgood" the group was known variously as Piano Red & The Interns, Dr. Feelgood & The Interns, and Dr. Feelgood, The Interns, and The Nurse. The group also included Roy Lee Johnson (composer of "Mr. Moonlight", later recorded by The Beatles).

After the breakup of the band in approximately 1965, Watkins played with Eddie Tigner and the Ink Spots, Joseph Smith and the Fendales, and then with Leroy Redding and the Houserockers until the late 1980s. Subsequently she has been based in Atlanta, a well-known fixture at the Underground Atlanta.

Watkins, who not only had a long and continuous musical career, but worked with artists like James Brown, B.B. King and Ray Charles, was well known for years within the blues community. However, like many roots musicians, she found it difficult to crack the airwaves and would achieve recognition much later in her career, after the advent of the Internet made it possible for musicians not backed by major labels to be heard by a wider audience. She was re-discovered by Music Maker Relief Foundation founder Tim Duffy, who started booking her in package shows, and in 1998, with Koko Taylor and Rory Block, was part of the all-star Women of the Blues “Hot Mamas” tour. Her 1999 CD debut, Back in Business, earned a W. C. Handy Award nomination in 2000.

Watkins was playing internationally (for example, the Main Stage at the Ottawa Blues Fest in 2004) as well as in her hometown Atlanta until temporarily sidelined by surgery in 2005, but is recovered and taking bookings. She performed a set at the 2008 Cognac Blue Festival.

 

Note: Beverly passed away on October 1, 2019 (at age 80), in Atlanta, Georgia, United States.

 

Albert Collins • Frostbite

 

 

Little Milton • Sings Big Blues

 

Artist Biography by Steve Huey

He may not be a household name, but die-hard blues fans know Little Milton as a superb all-around electric bluesman -- a soulful singer, an evocative guitarist, an accomplished songwriter, and a skillful bandleader. He's often compared to the legendary B.B. King -- as well as Bobby "Blue" Bland -- for the way his signature style combines soul, blues, and R&B, a mixture that helped make him one of the biggest-selling bluesmen of the '60s (even if he's not as well-remembered as King). As time progressed, his music grew more and more orchestrated, with strings and horns galore. He maintained a steadily active recording career all the way from his 1953 debut on Sam Phillips' legendary Sun label, with his stunning longevity including notable stints at Chess (where he found his greatest commercial success), Stax, and Malaco.

James Milton Campbell was born September 7, 1934, in the small Delta town of Inverness, MS, and grew up in Greenville. (He would later legally drop the "James" after learning of a half-brother with the same name.) His father Big Milton, a farmer, was a local blues musician, and Milton also grew up listening to the Grand Ole Opry radio program. At age 12, he began playing the guitar and saved up money from odd jobs to buy his own instrument from a mail-order catalog. By 15, he was performing for pay in local clubs and bars, influenced chiefly by T-Bone Walker but also by proto-rock & roll jump blues shouters. He made a substantial impression on other area musicians, even getting a chance to back Sonny Boy Williamson II, and caught the attention of R&B great Ike Turner, who was doubling as a talent scout for Sam Phillips at Sun. Turner introduced the still-teenaged Little Milton to Phillips, who signed him to a contract in 1953. With Turner's band backing him, Milton's Sun sides tried a little bit of everything -- he hadn't developed a signature style as of yet, but he did have a boundless youthful energy that made these early recordings some of his most exciting and rewarding. Unfortunately, none of them were hits, and Milton's association with Sun was over by the end of 1954. He set about forming his own band, which waxed one single for the small Meteor label in 1957, before picking up and moving to St. Louis in 1958.

In St. Louis, Milton befriended DJ Bob Lyons, who helped him record a demo in a bid to land a deal on Mercury. The label passed, and the two set up their own label, christened Bobbin. Little Milton's Bobbin singles finally started to attract some more widespread attention, particularly "I'm a Lonely Man," which sold 60,000 copies despite being the very first release on a small label. As head of A&R, Milton brought artists like Albert King and Fontella Bass into the Bobbin fold, and with such a high roster caliber, the label soon struck a distribution arrangement with the legendary Chess Records. Milton himself switched over to the Chess subsidiary Checker in 1961, and it was there that he would settle on his trademark soul-inflected, B.B. King-influenced style. Initially a moderate success, Milton had his big breakthrough with 1965's "We're Gonna Make It," which hit number one on the R&B charts thanks to its resonance with the civil rights movement. "We're Gonna Make It" kicked off a successful string of R&B chart singles that occasionally reached the Top Ten, highlighted by "Who's Cheating Who?," "Grits Ain't Groceries," "If Walls Could Talk," "Baby I Love You," and "Feel So Bad," among others.

The death of Leonard Chess in 1969 threw his label into disarray, and Little Milton eventually left Checker in 1971 and signed with the Memphis-based soul label Stax (also the home of his former protégé Albert King). At Stax, Milton began expanding his studio sound, adding bigger horn and string sections and spotlighting his soulful vocals more than traditional blues. Further hits followed in songs like "Annie Mae's Cafe," "Little Bluebird," "That's What Love Will Make You Do," and "Walkin' the Back Streets and Cryin'," but generally not with the same magnitude of old. Stax went bankrupt in 1975, upon which point Little Milton moved to the TK/Glades label, which was better known for its funk and disco acts. His recordings there were full-blown crossover affairs, which made "Friend of Mine" a minor success, but that label soon went out of business as well. Milton spent some time in limbo; he recorded one album for MCA in 1983 called Age Ain't Nothin' But a Number, and the following year found a home with Malaco, which sustained the careers of quite a few old-school Southern soul and blues artists. During his tenure at Malaco, Milton debuted the song that would become his latter-day anthem, the bar band staple "The Blues Is Alright," which was also widely popular with European blues fans. Milton recorded frequently and steadily for Malaco, issuing 13 albums under their aegis by the end of the millennium. In 1988, he won the W.C. Handy Award for Blues Entertainer of the Year, and was also inducted into the Blues Hall of Fame.

///////

Biografía del artista por Steve Huey

Puede que no sea un nombre muy conocido, pero los fanáticos del blues conocen al pequeño Milton como un magnífico bluesista eléctrico, un cantante lleno de sentimiento, un guitarrista evocador, un compositor consumado y un hábil director de banda. A menudo se le compara con el legendario B.B. King - así como con Bobby "Blue" Bland - por la forma en que su estilo característico combina el soul, el blues y el R&B, una mezcla que ayudó a convertirlo en uno de los bluesmen más vendidos de los años 60 (aunque no sea tan recordado como King). Con el paso del tiempo, su música creció más y más orquestada, con cuerdas y trompetas en abundancia. Mantuvo una carrera discográfica constantemente activa desde su debut en 1953 con el legendario sello Sun de Sam Phillips, con una longevidad asombrosa que incluyó periodos notables en Chess (donde encontró su mayor éxito comercial), Stax y Malaco.

James Milton Campbell nació el 7 de septiembre de 1934 en la pequeña ciudad del Delta de Inverness, MS, y creció en Greenville. (Más tarde dejaría legalmente el "James" después de enterarse de un medio hermano con el mismo nombre). Su padre Big Milton, un granjero, era un músico de blues local, y Milton también creció escuchando el programa de radio Grand Ole Opry. A los 12 años, empezó a tocar la guitarra y ahorró dinero de trabajos ocasionales para comprar su propio instrumento de un catálogo de venta por correo. A los 15 años, actuaba de forma remunerada en clubes y bares locales, influenciado principalmente por T-Bone Walker pero también por gritones de proto-rock & roll jump blues. Causó una gran impresión en otros músicos de la zona, incluso tuvo la oportunidad de apoyar a Sonny Boy Williamson II, y llamó la atención del gran Ike Turner del R&B, que estaba haciendo de cazatalentos para Sam Phillips en el Sun. Turner presentó a Phillips al todavía adolescente Little Milton, quien le firmó un contrato en 1953. Con el apoyo de la banda de Turner, los equipos de Milton en el Sun probaron un poco de todo - todavía no había desarrollado un estilo propio, pero tenía una energía juvenil sin límites que hizo de estas primeras grabaciones unas de las más emocionantes y gratificantes. Desafortunadamente, ninguna de ellas fue un éxito, y la asociación de Milton con Sun terminó a finales de 1954. Empezó a formar su propia banda, que grabó un single para la pequeña discográfica Meteor en 1957, antes de recogerlo y mudarse a St. Louis en 1958.

En St. Louis, Milton se hizo amigo del DJ Bob Lyons, quien le ayudó a grabar una demo en un intento de conseguir un trato en Mercury. El sello pasó, y los dos crearon su propio sello, bautizado como Bobbin. Los sencillos de Bobbin de Little Milton finalmente comenzaron a atraer una mayor atención, en particular "I'm a Lonely Man", que vendió 60.000 copias a pesar de ser el primer lanzamiento en un sello pequeño. Como director de A&R, Milton incorporó a artistas como Albert King y Fontella Bass al grupo Bobbin, y con una lista de tan alto calibre, el sello pronto llegó a un acuerdo de distribución con la legendaria Chess Records. El propio Milton se pasó a la filial de Chess, Checker, en 1961, y fue allí donde se asentó en su estilo característico de influencia soul, B.B. King. Inicialmente un éxito moderado, Milton tuvo su gran avance con "We're Gonna Make It" de 1965, que alcanzó el número uno en las listas de R&B gracias a su resonancia con el movimiento de derechos civiles. "We're Gonna Make It" dio inicio a una exitosa serie de sencillos de las listas de R&B que ocasionalmente llegaron al Top Ten, destacando "Who's Cheating Who?", "Grits Ain't Groceries", "If Walls Could Talk", "Baby I Love You" y "Feel So Bad", entre otros.

La muerte de Leonard Chess en 1969 desbarató su sello, y el pequeño Milton dejó finalmente Checker en 1971 y firmó con el sello de soul Stax, con sede en Memphis (también el hogar de su antiguo protegido Albert King). En Stax, Milton comenzó a expandir su sonido de estudio, añadiendo secciones de cuerdas y trompetas más grandes y destacando su voz soul más que el blues tradicional. Siguieron otros éxitos en canciones como "Annie Mae's Cafe", "Little Bluebird", "That's What Love Will Make You Do" y "Walkin' the Back Streets and Cryin'", pero generalmente no con la misma magnitud de antaño. Stax quebró en 1975, momento en el que Little Milton pasó a la discográfica TK/Glades, más conocida por sus actuaciones de funk y disco. Sus grabaciones allí fueron un auténtico crossover, lo que hizo de "Friend of Mine" un éxito menor, pero esa discográfica pronto quebró también. Milton pasó algún tiempo en el limbo; grabó un álbum para MCA en 1983 llamado Age Ain't Nothin' But a Number, y al año siguiente encontró un hogar con Malaco, que sostuvo las carreras de bastantes artistas de soul y blues de la vieja escuela sureña. Durante su estancia en Malaco, Milton debutó con la canción que se convertiría en su himno de los últimos días, la banda de bar "The Blues Is Alright", que también fue muy popular entre los fans europeos del blues. Milton grabó con frecuencia y de forma constante para Malaco, publicando 13 álbumes bajo su égida a finales del milenio. En 1988,  ganó el premio W.C. Handy al Artista de Blues del Año, y también fue admitido en el Salón de la Fama del Blues.