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Tuesday, September 22, 2026

Ron Carter • Finding The Right Notes

 

 



This special PBS soundtrack includes live recordings filmed at the Newport Jazz Festival for Ron's classic piece SOFT WINDS; a surprise bass duet session at The National Jazz Museum in Harlem with the enigmatic Christian McBride on WILLOW WEEP FOR ME; a session at the Blue Note with guitarist Bill Frisell on MY MAN'S GONE NOW; the first live performance of the two great bassists, Stanley Clarke and Ron Carter playing BAG'S GROOVE, also at the Blue Note; and a joyful version of SWEET LORRAINE featuring Jon Batiste, released here for the first time.

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Esta banda sonora especial de PBS incluye grabaciones en vivo filmadas en el Festival de Jazz de Newport para la pieza clásica de Ron SOFT WINDS; una sesión sorpresa de dueto de bajo en el Museo Nacional de Jazz de Harlem con el enigmático Christian McBride en WILLOW WEEP FOR ME; una sesión en The Blue Note con el guitarrista Bill Frisell en MY MAN'S GONE NOW; la primera presentación en vivo de los dos grandes bajistas, Stanley Clarke y Ron Carter tocando BAG'S GROOVE, también en The Blue Note; y una alegre versión de SWEET LORRAINE con Jon Batiste, lanzada aquí por primera vez.


www.roncarterbass.com ...



Sunday, July 19, 2026

Ray Bryant • In the Cut

 



Artist Biography by Scott Yanow
Although he could always play bop, Ray Bryant's playing combined together older elements (including blues, boogie-woogie, gospel, and even stride) into a distinctive, soulful, and swinging style; no one played "After Hours" quite like him. The younger brother of bassist Tommy Bryant and the uncle of Kevin and Robin Eubanks (his sister is their mother), Bryant started his career playing with Tiny Grimes in the late '40s. He became the house pianist at The Blue Note in Philadelphia in 1953, where he backed classic jazz greats (including Charlie Parker, Miles Davis, and Lester Young) and made important contacts. He accompanied Carmen McRae (1956-1957), recorded with Coleman Hawkins and Roy Eldridge at the 1957 Newport Jazz Festival (taking a brilliant solo on an exciting version of "I Can't Believe That You're in Love with Me"), and played with Jo Jones' trio (1958). Bryant settled in New York in 1959; played with Sonny Rollins, Charlie Shavers, and Curtis Fuller; and soon had his own trio. He had a few funky commercial hits (including "Little Susie" and "Cubano Chant") that kept him working for decades. Bryant recorded often throughout his career (most notably for Epic, Prestige, Columbia, Sue, Cadet, Atlantic, Pablo, and Emarcy), and even his dates on electric piano in the '70s are generally rewarding. However, Bryant was heard at his best when playing the blues on unaccompanied acoustic piano. After a lengthy illness, Ray Bryant died in Queens, New York on June 2, 2011; he was 79 years old.

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Biografía del artista por Scott Yanow
Aunque siempre pudo tocar bop, Ray Bryant combinó elementos antiguos (incluyendo blues, boogie-woogie, gospel, e incluso stride) en un estilo distintivo, conmovedor y de swing; nadie tocó "After Hours" como él. Hermano menor del bajista Tommy Bryant y tío de Kevin y Robin Eubanks (su hermana es su madre), Bryant comenzó su carrera tocando con Tiny Grimes a finales de los años 40. En 1953 se convirtió en el pianista de casa de The Blue Note en Filadelfia, donde apoyó a los grandes del jazz clásico (incluyendo a Charlie Parker, Miles Davis y Lester Young) e hizo importantes contactos. Acompañó a Carmen McRae (1956-1957), grabó con Coleman Hawkins y Roy Eldridge en el Festival de Jazz de Newport en 1957 (haciendo un brillante solo en una emocionante versión de "I Can't Believe That You're in Love with Me"), y tocó con el trío de Jo Jones (1958). Bryant se estableció en Nueva York en 1959; tocó con Sonny Rollins, Charlie Shavers y Curtis Fuller; y pronto tuvo su propio trío. Tuvo algunos éxitos comerciales funky (incluyendo "Little Susie" y "Cubano Chant") que lo mantuvieron trabajando por décadas. Bryant grabó a menudo a lo largo de su carrera (sobre todo para Epic, Prestige, Columbia, Sue, Cadet, Atlantic, Pablo, y Emarcy), e incluso sus citas con el piano eléctrico en los años 70 son generalmente gratificantes. Sin embargo, Bryant fue escuchado en su mejor momento cuando tocaba el blues en un piano acústico sin acompañamiento. Después de una larga enfermedad, Ray Bryant falleció en Queens, Nueva York, el 2 de junio de 2011; tenía 79 años.


Colaborador / Contribuitor:  Bob [boppinbob / https://fromthevaults-boppinbob.blogspot.com/]


Wednesday, May 20, 2026

Return To Forever Feat. Chick Corea • No Mystery

 



Review
by Michael G. Nastos  
The fourth edition of Return to Forever was a band that emphasized the screaming wah-wah guitar of Al Di Meola and every electric keyboard Chick Corea could get his hands on to play furiously fast runs. Where the initial, airy Flora Purim/Airto/Joe Farrell edition gave way to the second undocumented group featuring Earl Klugh, and the third band with electric guitarist Bill Connors, this RTF was resplendently and unapologetically indulgent, ripping through riffs and charted, rehearsed melodies, and polyrhythms like a circular saw through a thin tree branch. Their immediacy and visceral power is why rock audiences were drawn to them, impressed by their speed-demon vagaries as much as their concern for musicality. Thank goodness No Mystery had more than its share of toned-down acoustic moments, as well as the powerhouse fighter jet stance that most of their fans craved. It's not nearly as balanced as the previous album Where Have I Known You Before?, but expounds on those themes -- inspired by Neville not Harry Potter -- in a more progressive though louder manner. The bold, dancing, and funky "Dayride" in a higher octave and vocal-type keyboard range perfectly identifies the group sound in a scant three-plus minutes. The two-part, 14-minute "Celebration Suite" gives you a larger view of the classical Bartok/Chopin influence of Corea, and the dramatic medieval or regal stance they alchemized with so many keyboard sounds. It's pseudo-funky, Spanish in a 6/8 rhythm, wailing with Di Meola leaping forth in true guitar hero form, with some group-oriented perfunctory subtleties and complex lines. The title track is the jewel, an acoustic romp through fields of flowers with Lenny White on marimba buoyed by a beautiful, lilting, memorable melody and shifting loud and soft dynamics -- a classic in the repertoire and a fan favorite. The tromping beat of "Jungle Waterfall" supersedes Stanley Clarke's lithe lines, while noise keyboards dominate the silly "Sofistifunk." Corea's acoustic piano is featured on the chordal, grandiose solo "Excerpt from the First Movement of Heavy Metal," and in duet with Clarke. the improvised "Interplay" shows a more spontaneous rather than rehearsed side of these brilliant musicians. Over time, No Mystery yields mixed results, where initially they were viscerally driven and ultimately impressive. The next phase of the group, as indicated by this recording, would take them into even more technologically dominated music.
https://www.allmusic.com/album/no-mystery-mw0000192394

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Reseña
por Michael G. Nastos  
La cuarta edición de Return to Forever fue una banda que hizo hincapié en la chillona guitarra wah-wah de Al Di Meola y en todos los teclados eléctricos que Chick Corea pudo tener en sus manos para tocar carreras furiosamente rápidas. Mientras que la edición inicial de Flora Purim/Airto/Joe Farrell dio paso al segundo grupo indocumentado con Earl Klugh, y al tercero con el guitarrista eléctrico Bill Connors, este RTF era resplandeciente y descaradamente indulgente, arrasando riffs y melodías ensayadas y polirrítmicas como una sierra circular atraviesa una rama fina de árbol. Su inmediatez y poder visceral es la razón por la que el público del rock se sentía atraído por ellos, impresionado por sus caprichos de demonios de la velocidad tanto como por su preocupación por la musicalidad. Gracias a Dios, No Mystery tiene más que su parte de momentos acústicos atenuados, así como la poderosa postura de avión de combate que la mayoría de sus fans ansiaban. No es ni mucho menos tan equilibrado como el álbum anterior Where Have I Known You Before?, pero profundiza en esos temas -inspirados en Neville y no en Harry Potter- de una manera más progresiva aunque más ruidosa. La atrevida, bailable y funky "Dayride", en una octava más alta y con un teclado de tipo vocal, identifica a la perfección el sonido del grupo en apenas tres minutos y pico. La "Celebration Suite", en dos partes y de 14 minutos de duración, ofrece una visión más amplia de la influencia clásica Bartok/Chopin de Corea, y de la dramática postura medieval o regia que alquimizaron con tantos sonidos de teclado. Es pseudo-funky, español en un ritmo de 6/8, ululante con Di Meola saltando en verdadera forma de héroe de la guitarra, con algunas sutilezas perfunctorias orientadas al grupo y líneas complejas. La canción que da título al disco es la joya, un jugueteo acústico por campos de flores con Lenny White a la marimba, animado por una melodía hermosa, cadenciosa y memorable y una dinámica que cambia de alto a bajo: un clásico del repertorio y uno de los favoritos de los fans. El ritmo trompetero de "Jungle Waterfall" sustituye a las ágiles líneas de Stanley Clarke, mientras que los teclados ruidosos dominan la tonta "Sofistifunk". El piano acústico de Corea aparece en el acorde y grandioso solo "Excerpt from the First Movement of Heavy Metal", y a dúo con Clarke, el improvisado "Interplay" muestra un lado más espontáneo que ensayado de estos brillantes músicos. Con el tiempo, No Mystery arroja resultados dispares, donde al principio eran visceralmente impulsados y, en última instancia, impresionantes. La siguiente fase del grupo, como indica esta grabación, les llevaría a una música aún más dominada por la tecnología.
https://www.allmusic.com/album/no-mystery-mw0000192394


return2forever.com ...


Saturday, May 9, 2026

Stanley Clarke, Al Di Meola, Jean-Luc Ponty • The Rite Of Strings


Review by Robert Taylor
Any time the likes of Stanley Clarke, Al DiMeola and Jean-Luc Ponty are assembled, there is a good chance the results are going to be impressive. Clarke and DiMeola had played together in the legendary Return to Forever, producing some of the most intense playing in all of fusion; Jean-Luc Ponty had also made several excellent, very diverse recordings. The chops of these three musicians are pretty much unsurpassed in the industry, which in itself makes Rite of Strings worthy of a listen. The real treat, however, is in the song selections. Three of DiMeola's more recent compositions are here, including the uplifting "Chilean Pipe Song." On this song, Clarke and Ponty's dual-bow sound provides a nice backdrop to DiMeola's introduction before DiMeola and Ponty state the melody together. Ponty has always been one of the more interesting violinists, mostly because he experiments with the instrument's tonal possibilities. His plucking introduction to "Renassaince" and the strumming on "Change of Life" are evidence of this. Clarke's finest moment comes on his own beautiful "Topanga," on which his bow playing is enough to evoke tears. This is a classic recording that should not be missed; the integrity, musicianship, compositions, and improvisations are all first-rate.
https://www.allmusic.com/album/rite-of-strings-mw0000176786

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Reseña de Robert Taylor
Siempre que se reúnen personas de la talla de Stanley Clarke, Al DiMeola y Jean-Luc Ponty, hay muchas posibilidades de que los resultados sean impresionantes. Clarke y DiMeola habían tocado juntos en el legendario Return to Forever, produciendo algunas de las interpretaciones más intensas de toda la fusión; Jean-Luc Ponty también había realizado varias grabaciones excelentes y muy diversas. Las habilidades de estos tres músicos son prácticamente insuperables en la industria, lo que en sí mismo hace que Rite of Strings merezca ser escuchado. Sin embargo, el verdadero placer está en la selección de canciones. Tres de las composiciones más recientes de DiMeola están aquí, incluyendo la edificante "Chilean Pipe Song". En esta canción, el sonido de doble arco de Clarke y Ponty proporciona un bonito telón de fondo a la introducción de DiMeola antes de que DiMeola y Ponty expongan juntos la melodía. Ponty siempre ha sido uno de los violinistas más interesantes, sobre todo porque experimenta con las posibilidades tonales del instrumento. Su introducción punteada en "Renassaince" y el rasgueo en "Change of Life" son prueba de ello. El mejor momento de Clarke llega en su propia y hermosa "Topanga", en la que su forma de tocar el arco es suficiente para evocar las lágrimas. Esta es una grabación clásica que no debería perderse; la integridad, la musicalidad, las composiciones y las improvisaciones son de primera clase.
https://www.allmusic.com/album/rite-of-strings-mw0000176786


stanleyclarke.com ...
www.aldimeola.com ...
www.ponty.com ...


Wednesday, March 19, 2025

Stanley Clarke • School Days



Review by Richard S. Ginell
Every pro electric-bass player and their mothers wore out the grooves of this record when it first came out, trying to cop Clarke's speedy, thundering, slapped-thumb bass licks. Yet ultimately, it was Clarke's rapidly developing compositional skills that made this album so listenable and so much fun for the rest of us, then and now. The title track not only contributed a killer riff to the bass vocabulary; it is a cunningly organized piece of music with a well-defined structure. Moreover, Clarke follows his calling card with two tunes that are even more memorable -- the sauntering ballad "Quiet Afternoon" and an ebullient, Brazilian percussion-laced number with a good string arrangement and a terrific groove, "The Dancer." Clarke also brings out the standup bass for a soulful acoustic dialogue with John McLaughlin on "Desert Song." Evidently enthused by their leader's material, David Sancious (keyboards) and Raymond Gomez (guitars) deliver some of their best solos on records -- and with George Duke on hand on one cut, you hear some preliminary flickerings of Clarke's ventures into the commercial sphere. But at this point in time, Clarke was triumphantly proving that it was possible to be both good and commercial at the same time.
https://www.allmusic.com/album/school-days-mw0000649444

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Reseña de Richard S. Ginell
Todos los bajistas eléctricos profesionales y sus madres agotaron los surcos de este disco cuando salió por primera vez, intentando copiar los rápidos y estruendosos licks de bajo de Clarke. Sin embargo, en última instancia, fue el rápido desarrollo de las habilidades compositivas de Clarke lo que hizo que este álbum fuera tan escuchable y tan divertido para el resto de nosotros, entonces y ahora. El tema que da título al disco no sólo aporta un riff asesino al vocabulario del bajo; es una pieza musical astutamente organizada con una estructura bien definida. Además, Clarke sigue su carta de presentación con dos temas aún más memorables: la balada "Quiet Afternoon" y un número efervescente, con percusión brasileña, con un buen arreglo de cuerdas y un groove estupendo, "The Dancer". Clarke también saca el bajo de pie para un conmovedor diálogo acústico con John McLaughlin en "Desert Song". Evidentemente, entusiasmados por el material de su líder, David Sancious (teclados) y Raymond Gómez (guitarras) ofrecen algunos de sus mejores solos en los discos - y con la participación de George Duke en un corte, se escuchan algunos destellos preliminares de las incursiones de Clarke en la esfera comercial. Pero en ese momento, Clarke estaba demostrando triunfalmente que era posible ser bueno y comercial al mismo tiempo.
https://www.allmusic.com/album/school-days-mw0000649444


 


Thursday, January 23, 2025

Buddy Terry • Pure Dynamite

 



An overlooked gem from the early 70s, Buddy Terry’s “Pure Dynamite” mixes post bop and fusion in a style somewhat similar to what Freddie Hubbard and Sonny Rollins were doing at the same time, but Terry also dips into some psychedelic sounds and ensemble freedom that pushes his music a little closer to Herbie Hancock’s excellent Sextet. The connection to the Sextet is furthered by the appearance of the Sextet’s Eddie Henderson and Billy Hart. Meanwhile, the new Return to Forever was also playing with post bop that bordered on the avant-garde on their first album, so its no big surprise to see RTF’s Lenny White, Airto and Stanley Clarke on here as well. The rest of this album’s all-star cast also includes Joanne Brackeen, Mtume, Woody Shaw and Kenny Barron, its hard to go wrong with a cast like that and there is certainly very little wrong with this album.

The album opens with “Quiet Afternoon”, which starts off like a mellow psychedelic fusion version of “All Blues”, before Stanley kicks the bass line into double time and the soloists unleash their fire. All through this album the soloists don’t necessarily go it alone as other players might add counter melodies or even occasional competing solos. This busy complicated texture is pushed further with occasional tape echo and a rich tapestry of percussion and sound effects. The early 70s was a very creative time in music and this album is very much a product of that culture. If you enjoy post bop that borders on fusion and the avant-garde, you will not be disappointed by this one. Buddy Terry certainly deserves way more recognition than he has received.

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Pure Dynamite" de Buddy Terry, una joya olvidada de principios de los 70, mezcla post bop y fusión en un estilo similar al que Freddie Hubbard y Sonny Rollins hacían al mismo tiempo, pero Terry también se sumerge en algunos sonidos psicodélicos y libertad de conjunto que acercan su música un poco más al excelente Sextet de Herbie Hancock. La conexión con el Sextet se ve reforzada por la aparición de Eddie Henderson y Billy Hart. Mientras tanto, el nuevo Return to Forever también jugaba con el post bop que rozaba la vanguardia en su primer álbum, por lo que no es una gran sorpresa ver a Lenny White, Airto y Stanley Clarke de RTF aquí también. El resto del elenco de estrellas de este álbum también incluye a Joanne Brackeen, Mtume, Woody Shaw y Kenny Barron, es difícil equivocarse con un elenco así y ciertamente hay muy pocas cosas malas en este álbum.

El álbum se abre con "Quiet Afternoon", que comienza como una suave versión de fusión psicodélica de "All Blues", antes de que Stanley ponga la línea de bajo en doble tiempo y los solistas desaten su fuego. A lo largo de este álbum, los solistas no van necesariamente solos, ya que otros músicos pueden añadir contra-melodías o incluso solos que compiten ocasionalmente. Esta complicada y ajetreada textura se amplía con ecos de cinta ocasionales y un rico tapiz de percusión y efectos sonoros. Los primeros años 70 fueron una época muy creativa en la música y este álbum es en gran medida un producto de esa cultura. Si te gusta el post bop que roza la fusión y la vanguardia, éste no te decepcionará. Buddy Terry merece mucho más reconocimiento del que ha recibido.


Sunday, January 5, 2025

Paul Jeffrey • Family

 

 

Paul Jeffrey was an American jazz tenor saxophonist, arranger, and educator. Perhaps best known for performing with Thelonious Monk (1970–1975), Jeffrey also worked with musicians including Charles Mingus, Dizzy Gillespie, Clark Terry, Lionel Hampton and B.B. King, amongst many others.

Born in New York City, Jeffrey attended Kingston High School. After graduating in 1951, he completed a Bachelor of Science degree in music education at Ithaca College in 1955. He spent the late 1950s touring with bands led by Illinois Jacquet, Elmo Hope, Big Maybelle, and Wynonie Harris. From 1960 to 1961, Jeffrey toured the US with B.B. King, after which he worked as a freelance musician in the New York City area and toured with bands led by Howard McGhee, Clark Terry, and Dizzy Gillespie.

1968 marked Jeffrey’s first studio work as a leader, when he recorded the album Electrifying Sounds on Savoy Records. He toured with the Count Basie Orchestra before beginning his associations with Thelonious Monk and Charles Mingus. He first joined Monk’s quartet for a multi-day run at the Frog & Nightgown club in Raleigh, North Carolina, in May 1970.

Jeffrey performed as a regular member of Monk’s band throughout the remainder of Monk’s public performance career, appearing with Monk throughout the US and Japan at the Village Vanguard, Lincoln Center’s Philharmonic Hall, the Jazz Workshop, the Manne-Hole, the Cellar Door, and many other venues. He was hired by George Wein to organize a 15-piece band for a tribute concert to Monk at Carnegie Hall in 1974; a concert at which Monk made a surprise appearance, replacing Barry Harris on the piano just as the concert was starting.

Jeffrey had a lasting association with Charles Mingus throughout the 1970s. He first performed as a member of Mingus’s big band at the Newport Jazz Festival in 1972, and he continued performing, arranging, and recording with Mingus through 1979, the year Mingus died. In 1973 and 1974 Jeffrey made three additional studio recordings as leader on the Mainstream Records label.

Jeffrey was a saxophone instructor at Columbia University in 1973. He held positions in arranging and jazz history at Jersey City State College (1974), as jazz ensemble director at the University of Hartford (1975–1983), and as an assistant professor of jazz at Livingston College of Rutgers University (1978–83). In 1983, he accepted a position as artist in residence and director of jazz studies at Duke University; a position he held until his retirement in 2003. At Duke, he taught courses on jazz history and arranging while also directing the Duke Jazz Ensemble. He organized the NC/Umbria Jazz Festival and the Mary Lou Williams Jazz Festival while serving on the NC Council of the Arts and the Durham Arts Council.

In 2009, Jeffrey recorded a tribute to Thelonious Monk with the French label Imago Records distributed by Orkhestra, with Alessandro Collina on piano, Sebastien Adnot on bass and Laurent Sarrien on drums.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/paul-jeffrey/

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Paul Jeffrey fue un saxofonista tenor, arreglista y pedagogo de jazz estadounidense. Quizá más conocido por haber tocado con Thelonious Monk (1970-1975), Jeffrey también trabajó con músicos como Charles Mingus, Dizzy Gillespie, Clark Terry, Lionel Hampton y B.B. King, entre muchos otros.

Nacido en Nueva York, Jeffrey estudió en el Kingston High School. Tras graduarse en 1951, se licenció en Ciencias de la Educación Musical en el Ithaca College en 1955. A finales de la década de 1950 estuvo de gira con bandas lideradas por Illinois Jacquet, Elmo Hope, Big Maybelle y Wynonie Harris. De 1960 a 1961, Jeffrey realizó una gira por Estados Unidos con B.B. King, tras lo cual trabajó como músico independiente en la zona de Nueva York y realizó giras con bandas lideradas por Howard McGhee, Clark Terry y Dizzy Gillespie.

En 1968 Jeffrey grabó por primera vez en un estudio como líder el álbum Electrifying Sounds para Savoy Records. Realizó giras con la Count Basie Orchestra antes de empezar a colaborar con Thelonious Monk y Charles Mingus. Se unió por primera vez al cuarteto de Monk para una actuación de varios días en el club Frog & Nightgown de Raleigh, Carolina del Norte, en mayo de 1970.

Jeffrey actuó como miembro regular de la banda de Monk durante el resto de su carrera, apareciendo con Monk por todo EE.UU. y Japón en el Village Vanguard, el Lincoln Center's Philharmonic Hall, el Jazz Workshop, el Manne-Hole, el Cellar Door y muchos otros lugares. Fue contratado por George Wein para organizar una banda de 15 músicos para un concierto homenaje a Monk en el Carnegie Hall en 1974; un concierto en el que Monk hizo una aparición sorpresa, sustituyendo a Barry Harris al piano justo cuando empezaba el concierto.

Jeffrey mantuvo una relación duradera con Charles Mingus durante toda la década de 1970. Actuó por primera vez como miembro de la big band de Mingus en el Festival de Jazz de Newport en 1972, y continuó tocando, arreglando y grabando con Mingus hasta 1979, año en que murió Mingus. En 1973 y 1974 Jeffrey realizó otras tres grabaciones de estudio como líder en el sello Mainstream Records.

Jeffrey fue profesor de saxofón en la Universidad de Columbia en 1973. Ocupó puestos de arreglista e historiador del jazz en el Jersey City State College (1974), de director de conjuntos de jazz en la Universidad de Hartford (1975-1983) y de profesor adjunto de jazz en el Livingston College de la Universidad de Rutgers (1978-83). En 1983, aceptó un puesto como artista residente y director de estudios de jazz en la Universidad de Duke, cargo que ocupó hasta su jubilación en 2003. En Duke impartió cursos de historia del jazz y arreglos, además de dirigir el Duke Jazz Ensemble. Organizó el Festival de Jazz de Carolina del Norte/Umbria y el Festival de Jazz Mary Lou Williams, al tiempo que formaba parte del Consejo de las Artes de Carolina del Norte y del Consejo de las Artes de Durham.

En 2009, Jeffrey grabó un homenaje a Thelonious Monk con el sello francés Imago Records distribuido por Orkhestra, con Alessandro Collina al piano, Sebastien Adnot al bajo y Laurent Sarrien a la batería.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/paul-jeffrey/


Tuesday, December 10, 2024

Joe Henderson • Milestone Profile

 



Review
by Thom Jurek
Tenor giant Joe Henderson worked with Milestone Records for eight years. While he is best remembered for his Blue Note period, Henderson issued some truly great recordings for Milestone. His volume in the label's Milestone Profiles series is one of the best in the bunch. While fans can argue endlessly about what to include or leave off in a best-of series, it's difficult to argue Nick Phillips' choices. Arranged aesthetically -- more like a Henderson mix -- rather than chronologically, the music skips back and forth across his career. There are the tough, bluesy, funky numbers like his "Mamacita" with Grachan Moncur, Louis Hayes, Kenny Barron, and Ron Carter, as well as his stunning "Black Narcissus" with Herbie Hancock, Carter, and Jack DeJohnette. Hancock's electric piano is a deeply atmospheric instrument, full of shimmering light and shadow, as Henderson plays some of the sweetest, most lyrical, and most gentle tenor of his long professional career. His collaboration with Japanese jazz musicians is heard on the burning "Out 'N' In." Another stellar moment in this collection of so many of them is "Black Is the Color (Of My True Love's Mind)," where he takes the John Jacob Niles folk tune and reinvents it harmonically with guitarist George Wadenius, pianist George Cables, (electric piano), bassist Dave Holland, Airto, and DeJohnette playing not only drums but a second electric piano. A tune that walks on the edge of "out," it is nonetheless a melodic dream of improvisation and close listening. His knotty, humorous, and butt funky "Recorda Me," is re-presented here as "No Me Esqueça," with Stanley Clarke, Lenny White and Cables (again on electric piano) with Curtis Fuller and Pete Yellen. Henderson was one of those players who excelled in any setting -- electric, acoustic, bop, out, soul -- he firmly inhabited them all. This set is fine and argumentative proof not only for the saxophonist and bandleader, but also for Joe Henderson the composer.
https://www.allmusic.com/album/milestone-profiles-mw0000766585?1649875690513

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Reseña
por Thom Jurek
El gigante del tenor Joe Henderson trabajó con Milestone Records durante ocho años. Aunque es más recordado por su etapa en Blue Note, Henderson realizó algunas grabaciones realmente buenas para Milestone. Su volumen en la serie Milestone Profiles del sello es uno de los mejores del grupo. Aunque los aficionados pueden discutir infinitamente sobre lo que se debe incluir o dejar de lado en una serie de best-of, es difícil discutir las elecciones de Nick Phillips. Ordenada estéticamente -más bien como una mezcla de Henderson- en lugar de cronológicamente, la música salta de un lado a otro de su carrera. Hay números duros, blues y funky como su "Mamacita" con Grachan Moncur, Louis Hayes, Kenny Barron y Ron Carter, así como su impresionante "Black Narcissus" con Herbie Hancock, Carter y Jack DeJohnette. El piano eléctrico de Hancock es un instrumento profundamente atmosférico, lleno de luces y sombras brillantes, mientras Henderson toca algunos de los tenores más dulces, líricos y suaves de su larga carrera profesional. Su colaboración con músicos de jazz japoneses se escucha en la ardiente "Out 'N' In". Otro momento estelar en esta colección de tantos es "Black Is the Color (Of My True Love's Mind)", donde toma la melodía folk de John Jacob Niles y la reinventa armónicamente con el guitarrista George Wadenius, el pianista George Cables, (piano eléctrico), el bajista Dave Holland, Airto, y DeJohnette tocando no sólo la batería sino un segundo piano eléctrico. Una melodía que camina al borde del "out", es sin embargo un sueño melódico de improvisación y escucha cercana. Su nudoso, humorístico y a tope funky "Recorda Me", se vuelve a presentar aquí como "No Me Esqueça", con Stanley Clarke, Lenny White y Cables (de nuevo al piano eléctrico) con Curtis Fuller y Pete Yellen. Henderson era uno de esos músicos que sobresalían en cualquier entorno - eléctrico, acústico, bop, out, soul - los habitaba firmemente todos. Este conjunto es una prueba fina y argumentada no sólo para el saxofonista y director de banda, sino también para Joe Henderson el compositor.
https://www.allmusic.com/album/milestone-profiles-mw0000766585?1649875690513