VA • Our Man From R.O.M.E

 

 

Bill Loose • Russ Meyer's Cherry...& Harry & Raquel [Original Motion Picture Soundtrack]

 

 

Quincy Jones • Mirage (Original Motion Picture Score)

 

VA • Vintage Italian Soundtracks Sexy 60's

  

Kai Winding • Suspense Themes In Jazz

 

Jerry van Rooyen • At 250 Miles Per Hour

 

Skip Martin • The Music From Mickey Spillane's Mike Hammer

 

Description from Trunk Records (by Jonny Trunk):
One of the first soundtrack LPs I ever bought. A classic chunk of crime jazz by one of the masters of the genre.
https://trunkrecords.greedbag.com/buy/music-from-mickey-spillanes-mike-0

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Descripción de Trunk Records (por Jonny Trunk):
Uno de los primeros LPs de bandas sonoras que compré. Un clásico trozo de jazz de crimen de uno de los maestros del género.
https://trunkrecords.greedbag.com/buy/music-from-mickey-spillanes-mike-0

Hugo Montenegro • Lady In Cement

  

Piero Umiliani • Psichedelica

 

 

Before talking about Psichedelica, one of the many and rare library albums signed by Piero Umi- liani, we must step back in time, until June 1968, when Umiliani was working on the score of “Svezia Inferno e Paradiso” (Sweden Heaven and Hell), one of the many collaborations between director Luigi Scattini and the Maestro. In fact, a large part of the music recorded for that movie, one of Umiliani’s most popular works, would be later selected for this library release. Originally issued by the label Omicron, which pressed 200 copies, not even destined to be sold. Despite the title, a misleading “Psichedelica”, and a suitable colored cover, this LP walks – of course, one might say – along the lines of Scattini’s film soundtrack, among beat outbursts, orchestral tracks and some references to the rock sound of the time, as can be heard in the second of the two versions of “Hippies”.

Those who know will remeber that “Psichedelica” contains the first version of Umiliani’s most famous composition: “Mah-Nà Mah-Nà”, a track that will be a mixed blessing of his artistic life. Considered a filler and discarded from the soundtrack of “Svezia Inferno e Paradiso”, it was originally called “Viva la sauna svedese” (featuring Alessandro Alessandroni and his wife Julia on vocals, as well as in “Birra, Vermouth e Gin”); it was then retitled and re-released in the US a few months later, achieving unprecedented success and even ending up in the charts; later known as ‘The Muppet Show’s song’, it became almost immediately a world famous cult track, an authentic hallmark of Piero Umiliani’s popular genius.  

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Antes de hablar de Psichedelica, uno de los muchos y raros álbumes de biblioteca firmados por Piero Umi-liani, debemos retroceder en el tiempo, hasta junio de 1968, cuando Umiliani trabajaba en la partitura de "Svezia Inferno e Paradiso" (Suecia Cielo e infierno), una de las muchas colaboraciones entre el director Luigi Scattini y el Maestro. De hecho, gran parte de la música grabada para esa película, una de las obras más populares de Umiliani, sería posteriormente seleccionada para este lanzamiento de la biblioteca. Originalmente emitido por el sello Omicron, que imprimió 200 copias, ni siquiera destinadas a ser vendidas. A pesar del título, una engañosa "Psichedelica", y una adecuada portada coloreada, este LP camina - por supuesto, se podría decir – en la línea de la banda sonora de la película de Scattini, entre arrebatos beat, pistas orquestales y algunas referencias al sonido rock de la época, como se puede escuchar en la segunda de las dos versiones de "Hippies".

Quienes lo sepan recordarán que "Psichedelica" contiene la primera versión de la composición más famosa de Umiliani: "Mah-Nà Mah-Nà", un tema que será una bendición mixta de su vida artística. Considerado un relleno y descartado de la banda sonora de "Svezia Inferno e Paradiso", originalmente se llamaba "Viva la sauna svedese" (con Alessandro Alessandroni y su esposa Julia en la voz, así como en "Birra, Vermouth e Gin"); luego fue retitulado y relanzado en EE. UU. unos meses después, logrando un éxito sin precedentes e incluso terminando en las listas de éxitos; más tarde conocida como 'La canción del Show de los Muppets', se convirtió casi de inmediato en una canción de culto de fama mundial, un auténtico sello distintivo del genio popular de Piero Umiliani.

Bud Shank • Slippery When Wet [Original Motion Picture Soundtrack]

 

Laurie Johnson & The London Studio Orchestra • The Avengers & The New Avengers & The Professionals

 

Laurie Johnson was born in Hampstead, London in 1927, studied at the Royal Gollege of Music and later taught there for a time. In 1945 he joined the Coldstream Guards, serving for four years, subsequently entering the film world in 1956. He has composed scores for more than 35 feature fiíms including Tiger Boy, Hot Millions, The Belstone Fox, The Maids, First Men in the Moon, Hedda and Dr Strangelove. Particularly active in composing scores for televisión, including The Avengers, The New Avengers and The Professionals he has written music and themes for over three hundred TV films and shows.

Laurie Johnson has also experienced considerable success in the theatreand in 1960hisscore for the stage musical Lock Up Your Daughters, with lyrics by Lionel Bart, ran for over four years in London, starring Bernard Miles and Hy Hazel. He also wrote the music for The Four Musketeers which starred Harry Secombe and ran at the Drury Lañe Theatre for almost two years.

His talent also extends to concert music and his Synthesis for combined symphony and jazz orchestra was amongst the year’s ten best records when issued in 1970. He has also written a tone poem for orchestra and narrator, the Conquistadors, a cantata Hiawatha and music for military band.

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Laurie Johnson nació en Hampstead, Londres, en 1927, estudió en el Royal Gollege of Music y luego enseñó allí por un tiempo. En 1945 se unió a la Guardia Coldstream, sirviendo durante cuatro años, y posteriormente ingresó al mundo del cine en 1956. Ha compuesto partituras para más de 35 películas, incluyendo Tiger Boy, Hot Millions, The Belstone Fox, The Maids, First Men in the Moon. , Hedda y el Dr. Strangelove. Particularmente activo en la composición de partituras para televisión, incluyendo The Avengers, The New Avengers y The Professionals, ha escrito música y temas para más de trescientas películas y programas de televisión.

Laurie Johnson también ha experimentado un éxito considerable en la proyección en 1960 del primer momento para el escenario musical Lock Up Your Daughters, con letras de Lionel Bart, durante más de cuatro años en Londres, protagonizada por Bernard Miles y Hy Hazel. También escribió la música para The Four Musketeers, protagonizada por Harry Secombe y que estuvo en el Drury Lañe Theatre durante casi dos años.

Su talento también se extiende a la música de concierto y su Síntesis para orquesta combinada de sinfonía y jazz estuvo entre los diez mejores discos del año cuando se emitió en 1970. También ha escrito un poema de tono para orquesta y narrador, los Conquistadores, una cantata Hiawatha y música para bandas militares.

Henry Mancini • The Jazz Sound From Peter Gunn

The music in this album offers an excellent sampling of the sounds you're likely to hear any Monday eve when Peter Gunn swings into action on NBC-TV. The musicians are the same jazzmen who are heard to outstanding advantage in all the programs. Here are some of them: Drummer Jack Sperling and bassist Rolly Bundock state the show's forceful opening motif, Fallout! The raw-sounding trumpet belongs to Pete Candoli, a veteran of the Woody Herman and Stan Kenton bands. Dreamsville, which might be subtitled "a love refrain for hipsters," features a moving alto sax solo by Ted Nash; his brother Dick can be heard dueling with fellow trombonist Milt Bernhart on Session at Pete's Pad. Saxist Ronnie Lang, who, in common with most of the musicians here, is a graduate of the Les Brown band, wields a bulging baritone on Sorta Blue. Other soloists at Mother's, the nitery where Peter Gunn hangs his Brooks Brothers jacket, are vibist Larry Bunker and pianist Johnny T. Williams.
This music is Peter Gunn's kind of jazz. I think you'll find that it's your kind, too."
- Blake Edwards

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La música de este álbum ofrece una excelente muestra de los sonidos que es probable que escuches cualquier lunes por la noche cuando Peter Gunn entra en acción en NBC-TV. Los músicos son los mismos jazzistas que se escuchan con gran ventaja en todos los programas. Aquí están algunos de ellos: El baterista Jack Sperling y el bajista Rolly Bundock declaran el poderoso motivo de apertura del programa, Fallout! La trompeta de sonido crudo pertenece a Pete Candoli, un veterano de las bandas de Woody Herman y Stan Kenton. Dreamsville, que podría subtitularse "un estribillo de amor para los hipsters", presenta un conmovedor solo de saxo alto de Ted Nash; su hermano Dick puede oírse en duelo con su colega trombonista Milt Bernhart en Session at Pete's Pad. El saxofonista Ronnie Lang, que, como la mayoría de los músicos de aquí, es graduado de la banda Les Brown, esgrime un abultado barítono en Sorta Blue. Otros solistas en Mother's, el lugar donde Peter Gunn cuelga su chaqueta de los Brooks Brothers, son el vibrafonista Larry Bunker y el pianista Johnny T. Williams.

Esta música es el tipo de jazz de Peter Gunn. Creo que descubrirás que también es tu tipo".
- Blake Edwards

VA • The Girl From U.N.C.L.E. [Music From The Television Series]

 

Review from AllMusic (by Jim Allen):
Yes, in addition to the hit 1960s spy series THE MAN FROM U.N.C.L.E., there was a GIRL FROM U.N.C.L.E., and her soundtrack was provided by jazz keyboardist Dave Grusin, arranger Teddy Randazzo, and famed composer Jerry Goldsmith. The music they cooked up is redolent of the period, with Grusin's "groovy" keys leading the charge on tracks that sound like they were designed to get go-go boots tapping.
https://www.allmusic.com/album/the-girl-from-uncle-music-from-the-television-series-mw0000801645

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Resena de AllMusic (por Jim Allen):
Si, ademas del exitoso serial de espias de los anos 60 THE MAN FROM U.N.C.L.E., habia una GIRL FROM U.N.C.L.E., y su banda sonora fue proporcionada por el tecladista de jazz Dave Grusin, el arreglista Teddy Randazzo y el famoso compositor Jerry Goldsmith. La musica que crearon es redolente del periodo, con las teclas "groovy" de Grusin liderando la carga en pistas que parecen diseñadas para que los botas go-go bailaran.
https://www.allmusic.com/album/the-girl-from-uncle-music-from-the-television-series-mw0000801645

VA • Jazz on Film - Crime Jazz!

 

Crime jazz captured the mood not only of our post-war cities, but of a character as distinctly American as the cowboy – that soulful, solitary seeker of justice, the private eye.

So yet another sublime Moochin’ collection celebrates these great T.V shows on 8 CD’s… with scores including The Naked City, Bourbon Street Beat, Richard Diamond, Checkmate, The Untouchables, remastered and available here for the first time ever on CD… With legends such as Nelson Riddle, Henry Mancini, Stanley Wilson and Warren Barker at the helm, you’re in for one great journey through the murderous streets of Crime Jazz!

Contains complete scores from the followng films:
-77 Sunset Strip - Warren Barker
-Hawaiian Eye - Warren Barker
-M~Squad - Stanley Wilson
-Staccato - Elmer Bernstein
-Mikey Spillanes Mike Hammer - Stan Purdy Orchestra
-Music From Mike Hammer - Skip Martin
-Checkmate - Johnny Williams
-Shotgun Slade - Stanley Wilson Orchestra
-Peter Gunn - Henry Mancini
-Mr Lucky & Mr Lucky Goes Latin - Henry Mancini
-The Naked City - George Dunning
-The Untouchables - Nelson Riddle
-Richard Diamond - Pete Rugolo
-Bourbon St Beat - Don Ralke
https://www.jazzmessengers.com/es/68281/various-artists/jazz-on-film-crime-jazz-

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El jazz policíaco capturó el estado de ánimo no sólo de nuestras ciudades de posguerra, sino de un personaje tan claramente americano como el vaquero: ese buscador de justicia solitario y con alma, el detective privado.

Así que otra sublime colección de Moochin' celebra estos grandes programas de televisión en 8 CDs... con partituras que incluyen The Naked City, Bourbon Street Beat, Richard Diamond, Checkmate, The Untouchables, remasterizadas y disponibles aquí por primera vez en CD... Con leyendas como Nelson Riddle, Henry Mancini, Stanley Wilson y Warren Barker al mando, ¡te espera un gran viaje por las calles asesinas del Crime Jazz!

Contiene las bandas sonoras completas de las siguientes películas:
-77 Sunset Strip - Warren Barker
-Hawaiian Eye - Warren Barker
-M~Squad - Stanley Wilson
-Staccato - Elmer Bernstein
-Mikey Spillanes Mike Hammer - Stan Purdy Orchestra
-Música de Mike Hammer - Skip Martin
-Checkmate - Johnny Williams
-Shotgun Slade - Orquesta de Stanley Wilson
-Peter Gunn - Henry Mancini
-Mr Lucky & Mr Lucky Goes Latin - Henry Mancini
-The Naked City - George Dunning
-The Untouchables - Nelson Riddle
-Richard Diamond - Pete Rugolo
-Bourbon St Beat - Don Ralke
https://www.jazzmessengers.com/es/68281/various-artists/jazz-on-film-crime-jazz-

Alessandro Alessandroni • Afro Discoteca [12 inch]

Artist Biography by Bruce Eder

Alessandro Alessandroni isn't a household name in popular or film music, but his contributions to the two fields have made his work among the most familiar of any musician to emerge since the 1950s. Born in Soriano nel Cimino, north of Rome, in 1925, Alessandroni never aspired to formal music training -- he was entirely self-taught, and started learning the guitar and the mandolin by listening to and watching the men who made music at the family's barber shop. He listened to classical music on his own and bought his first mandolin at age 13. He also discovered as a boy that in addition to being proficient on a multitude of stringed and keyboard instruments, he had an uncanny ability to whistle. By his early thirties, he was making a living touring Germany as a singer, pianist, and guitarist, and he later formed a group in Rome called the Four Caravels whose sound was modeled on the work of the Four Freshmen, and served as their arranger as well as leader. The multi-talented Alessandroni was soon to become one of the busier session musicians in Italy, and achieve stardom in a wholy unexpected musical idiom.

During the early '60s, Alessandroni crossed paths professionally with a slightly younger former boyhood friend, Ennio Morricone, who, after a few years as a musician working in jazz clubs, had begun to emerge in the field of movie music. Morricone had just scored his first Western and was working on another, and wanted to add some new sounds to his work. Alessandroni's guitar and his abilities as a whistler came to the fore on the resulting score for Guns Don't Argue, within the framework of a traditional Western ballad. But that success was merely a toe in the water in terms of their collaboration -- Morricone had another project in the pipeline, called A Fistful of Dollars (1964), a Western that was anything but traditional, and it was here that Alessandroni began collaborating with him in the making of some much more important music, and utilizing far more of his range as a guitarist as well.

With a lonely, echo-drenched whistle over a repetitive guitar figure, with added flutes, whip-cracks, and Alessandroni's Duane Eddy-style electric guitar coming in along with a wordless male chorus -- courtesy of Alessandroni's vocal group, now expanded to a dozen or more members and renamed I Cantori Moderni -- the haunting title track redefined the sound of Western movie music. Ironically, Alessandroni could almost have been the Brian Wilson of Italy -- he certainly made use of some of the same sources of inspiration, including the Four Freshmen and the twangy guitar of Duane Eddy or Dick Dale, that had led Wilson and the Beach Boys to their brand of surf music, but simply utilized them in a different combination that seemed somehow uniquely suited to the Western. Alessandroni subsequently worked with Morricone on most of the latter's Western scores of the period, including the gorgeous theme for A Pistol for Ringo -- which was a dazzling showcase for Alessandroni as a guitarist and I Cantori Moderni, in a hauntingly lyrical mode, far from their usual rough vocal fills on the Sergio Leone Western scores. He was all over the main title theme for The Good, the Bad and the Ugly, and his guitar and vocal group were also featured prominently on Once Upon a Time in the West. He and Morricone also worked on such non-Leone Westerns as A Gun for Ringo -- which was a dazzling showcase for his guitar and I Cantori Moderni's singing in a much more lyrical mode, in place of their usual rough fills in the Leone movies -- The Big Gundown, Navajo Joe, and the non-Western Without Apparent Motive. By the end of the 1960s, as Hollywood began noting the success that Leone was achieving with his Italian-made horse operas, the production of Westerns began anew in earnest in the United States, and the brief given composers such as Dominic Frontiere and others on movies such as Hang 'Em High was to emulate Morricone, which was also meant to emulate Alessandroni. Thus, American session players such as Tommy Tedesco ended up paying homage to the Rome-based guitarist who'd started out a fan of the Four Freshmen, Duane Eddy, and Dick Dale. And thanks to the continued interest in Morricone's scores and their durability as music, as well as the critical attention accorded Leone's movies, Alessandroni remains one of the most prominent and influential musicians ever to play on film scores or, through that medium, to influence popular music around the world. Over the decades since his music was popularized in film music, Alessandroni has worked with dozens of star performers, including Americans such as Paul Anka, and most of Italy's top talent.

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Biografía del artista por Bruce Eder

Alessandro Alessandroni no es un nombre muy conocido en la música popular o de películas, pero sus contribuciones a los dos campos han hecho que su trabajo sea uno de los más familiares de cualquier músico que haya surgido desde los años 50. Nacido en Soriano nel Cimino, al norte de Roma, en 1925, Alessandroni nunca aspiró a una formación musical formal - fue completamente autodidacta, y comenzó a aprender la guitarra y la mandolina escuchando y viendo a los hombres que hacían música en la peluquería de la familia. Escuchó música clásica por su cuenta y compró su primera mandolina a los 13 años. También descubrió de niño que además de ser competente en una multitud de instrumentos de cuerda y de teclado, tenía una asombrosa habilidad para silbar. A los treinta y pocos años, se ganaba la vida haciendo giras por Alemania como cantante, pianista y guitarrista, y más tarde formó un grupo en Roma llamado "Las Cuatro Caravelas", cuyo sonido estaba basado en el trabajo de los Cuatro Novatos, y sirvió como su arreglista y líder. El polifacético Alessandroni pronto se convertiría en uno de los músicos de sesión más ocupados de Italia, y alcanzaría el estrellato en un inesperado e inusual lenguaje musical.

A principios de los años 60, Alessandroni se cruzó profesionalmente con un antiguo amigo de la infancia un poco más joven, Ennio Morricone, quien, después de unos años como músico que trabajaba en clubes de jazz, había empezado a emerger en el campo de la música para películas. Morricone acababa de componer su primer western y estaba trabajando en otro, y quería añadir algunos sonidos nuevos a su trabajo. La guitarra de Alessandroni y sus habilidades como silbador salieron a relucir en la partitura resultante para Guns Don't Argue, en el marco de una balada tradicional del Western. Pero ese éxito fue sólo un dedo del pie en términos de su colaboración - Morricone tenía otro proyecto en marcha, llamado A Fistful of Dollars (1964), un western que era todo menos tradicional, y fue aquí donde Alessandroni comenzó a colaborar con él en la creación de una música mucho más importante, y utilizando mucho más de su rango como guitarrista también.

Con un silbido solitario y lleno de eco sobre una figura de guitarra repetitiva, con flautas añadidas, chasquidos de látigo y la guitarra eléctrica estilo Duane Eddy de Alessandroni entrando junto con un coro masculino sin palabras -cortesía del grupo vocal de Alessandroni, ahora ampliado a una docena o más miembros y rebautizado como I Cantori Moderni- la inquietante pista del título redefinió el sonido de la música de las películas occidentales. Irónicamente, Alessandroni casi podría haber sido el Brian Wilson de Italia - ciertamente hizo uso de algunas de las mismas fuentes de inspiración, incluyendo a los cuatro novatos y la guitarra de Duane Eddy o Dick Dale, que había llevado a Wilson y a los Beach Boys a su marca de música surf, pero simplemente los utilizó en una combinación diferente que parecía de alguna manera única para el Oeste. Alessandroni trabajó posteriormente con Morricone en la mayoría de las partituras occidentales de este último en el período, incluyendo el magnífico tema de Una Pistola para Ringo - que fue un deslumbrante escaparate para Alessandroni como guitarrista y yo Cantori Moderni, en un modo lírico inolvidable, lejos de sus habituales y ásperos rellenos vocales en las partituras occidentales de Sergio Leone. El tema principal de The Good, the Bad and the Ugly (El bueno, el malo y el feo), y su guitarra y su grupo vocal también fueron destacados en Once Upon a Time in the West (Érase una vez en el Oeste). Él y Morricone también trabajaron en westerns no solitarios como A Gun for Ringo - que fue un deslumbrante escaparate para su guitarra y el canto de I Cantori Moderni en un modo mucho más lírico, en lugar de sus habituales rellenos en las películas de Leone - The Big Gundown, Navajo Joe, y el no occidental Without Apparent Motive. A finales de los años 60, cuando Hollywood empezó a notar el éxito que Leone estaba logrando con sus óperas de caballos hechas en Italia, la producción de Westerns empezó de nuevo en serio en los Estados Unidos, y el mandato dado a compositores como Dominic Frontiere y otros en películas como Hang 'Em High era emular a Morricone, que también debía emular a Alessandroni. Así, los músicos de sesión americanos como Tommy Tedesco acabaron rindiendo homenaje al guitarrista romano que había empezado como fan de los Four Freshmen, Duane Eddy y Dick Dale. Y gracias al continuo interés en las partituras de Morricone y su durabilidad como música, así como a la atención crítica que se presta a las películas de Leone, Alessandroni sigue siendo uno de los músicos más prominentes e influyentes que jamás haya tocado en partituras de películas o, a través de ese medio, ha influido en la música popular de todo el mundo. Durante los decenios transcurridos desde que su música se popularizó en la música de las películas, Alessandroni ha trabajado con docenas de intérpretes estrella, incluidos estadounidenses como Paul Anka, y la mayoría de los principales talentos de Italia.

Más información en español aquí ... http://themoviescores.com/biografia-alessandroni-alessandro/

Alan Hawkshaw • Legends Of Library

 

Alan Hawkshaw (born William Alan Hawkshaw, 27 March 1937, Leeds, West Yorkshire) is a British composer and performer, particularly of themes for movies and television programmes. Hawkshaw worked extensively for the KPM production music company in the 1960s and 1970s, composing and recording many stock tracks that have been used extensively in film and TV.

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Alan Hawkshaw (nacido William Alan Hawkshaw, 27 de marzo de 1937, Leeds, West Yorkshire) es un compositor e intérprete británico, especialmente de temas para películas y programas de televisión. Hawkshaw trabajó extensamente para la compañía de música de producción KPM en los años sesenta y setenta, componiendo y grabando muchas canciones de archivo que han sido utilizadas ampliamente en el cine y la televisión.

Tubby Hayes Orchestra • Tubbs' Tours

 

Artist Biography by Thom Jurek

Nicknamed "The Little Giant", English saxophonist Tubby Hayes was an excellent hard bop and modal stylist whose solos were dynamic, expertly articulated, and intricately constructed, as well as expressive and imaginative. In addition to saxes and woodwinds, he was also an highly skilled arranger, composer, and an accomplished vibraphonist. He was a dazzling, highly acrobatic player who drew as much criticism for his virtuosic flurries of notes as praise. A ubiquitous presence on the 1960s and early-'70s British jazz scene, he died at age 38 in 1973. His influence, now undisputed, has made him the standard bearer for British jazz during the 20th century. His traveling forays into America may not have registered in the jazz press as much, but he was revered by virtually every jazzman on the other side of the Atlantic who heard or played with him: Among them Quincy Jones, Ella Fitzgerald, Charles Mingus, and Duke Ellington. He was deeply admired by Miles Davis, Dexter Gordon, Cannonball Adderley, Art Pepper, and Sonny Rollins. Hayes, along with saxophonist Ronnie Scott, co-led the Jazz Couriers during the late '50s. The saxists and trumpeter Jimmy Deuchar singlehandedly changed the face of England's jazz landscape which, at that time, had consisted primarily of dance bands from the '30s on. After the split, Scott started his legendary club -- opening night featured Hayes' new band -- and Tubbs established himself as a prolific musician; he led quartets, quintets, and sextets, as well as big bands. He had his own television series and amassed a vast canon of albums from 1955 onward for a slew of labels including Tempo, Fontana, Spotlite, Epic, Smash, and Mole.

Hayes was born Edward Brian Hayes in London. His father was a BBC studio violinist and traveling dance band leader. Wishing to instill his love for music in his son, he gave him violin lessons from an early age. By the age of ten, Hayes was playing the piano, and he started on the tenor sax at 11. The youngster fell in love with jazz thanks to his dad's record collection and European radio that was playing recordings by bebop pioneers such as Dizzy Gillespie and Charlie Parker. After playing with various semi-professional bands around London for a time, Hayes left school and started playing professionally at age 15. In 1951, at the of 16, Hayes joined Kenny Baker's sextet, and subsequently worked with bandleaders such as Vic Lewis and Jack Parnell. He was already a sophisticated arranger, and penned charts for the bands he played in as a teen. In 1955, Hayes formed his own octet, with which he toured the U.K. for 18 months. He took up vibraphone in 1957, having tried Victor Feldman's instrument during a gig. Although the vibes were a key instrument in his arsenal, he eventually tired of playing them. From 1957 to 1959, he joined Ronnie Scott in co-leading the Jazz Couriers quintet. They became the hottest property on the British jazz scene at the time and recorded for the Tempo label. Despite their relatively short tenure, their influence is still felt in the 21st century.

After the Jazz Couriers split, Hayes formed his own quartet, and toured Germany. In 1961 he received an invitation to America to play the Half Note Club in New York City as part of a Musician's Union exchange that brought American saxophonist Zoot Sims to England to play Scott's club. In America, Hayes recorded Tubbs in NY with Clark Terry, Eddie Costa, and Horace Parlan. He returned in 1962 and cut Return Visit with James Moody, (pre-Rahsaan) Roland Kirk, Walter Bishop, Jr., Sam Jones, and Louis Hayes. He played at the Half Note again in 1964, and at the Boston Jazz Workshop the same year. He traveled to the West Coast for the first time in 1965, playing a multi-night gig at drummer Shelly Manne's Manne-Hole in Los Angeles.

When at home in London, Hayes was a hotly debated commodity among critics, but was beloved by the record-buying public. Given his ubiquity in concert halls on tour and on television -- he hosted three different television programs between 1961 and 1963 -- his biographer Simon Spillet wrote: "Tubby faced almost as much criticism within the press as he did praise, most of it centered upon his technical ability…both a yardstick against which to measure others and, all too often, simply a club with which to beat him….He also suffered from something we appear to have somewhat of a gift for in this country: taking someone apart for doing nothing more than being superbly accomplished at what they do."

In addition to television, Hayes also worked in film and on radio, penning and arranging scores, commercials, and songs. In 1964, he subbed for Paul Gonsalves in Duke Ellington's orchestra and in 1965 recorded with the saxophonist on Just Friends, and later Change of Setting.

Hayes appeared in films too, including All Night Long with Charles Mingus and Dave Brubeck, with his own group in A King in New York starring Charlie Chaplin (1957), and The Beauty Jungle (1964). He also a regular at European jazz festivals form the U.K. to Spain to Italy, Vienna, and Berlin. He appeared on a number of soundtracks at in 1965, notably on Lalo Schifrin's score for The Liquidator, and appeared with his quintet in the anthology film Dr. Terror's House of Horrors. His section, "Voodoo," found his band performing behind actor Roy Castle, who played a jazz musician. A three-track EP from the soundtrack titled Voodoo Session was released by Trunk Records in 2009.

Though he was already a prolific recording artist under his own name, Hayes also found time to guest on recordings by other British jazz musicians, including the Harry South Big Band, the Ian Hamer Sextet, and Ted Heath’s Orchestra. Among his many studio credits, Hayes led the brass section on the sessions for Music in a Doll's House -- the 1967 debut album by Family -- that also featured string and brass charts by a young Mike Batt, who lionized Hayes. Batt credited Hayes with saving his brass arrangement on the track "Old Songs for New Songs." When the arranger realized he had inadvertently notated parts in the wrong key, Hayes and his colleagues, realizing his mistake, discreetly transposed their parts by ear so that they would match the backing track. That same year, Hayes' quartet released what is arguably (yet widely) regarded as his finest offering, the album Mexican Green for Fontana, which was issued in 1968. Hayes was lucky in continuing to record and tour, but times were tough. Given the rise of commercial rock & roll, jazz became marginalized in Great Britain and, a little later, in the U.S. as well. What was thought to be his final recording session for the year was with his big-band's The Orchestra project -- a more commercial outing aimed at pop and easy listening audiences; it featured sophisticated charts for covers of hit songs by the Beatles, Burt Bacharach, Nancy Sinatra, Fifth Dimension, and others. Released by Fontana as catalog number 6309 002 in 1970, it fared poorly. Hayes, a longtime drug addict and alcoholic, began to experience severe health issues. He underwent open-heart surgery and a long period of recuperation. He started performing again in 1971, and in 1972 toured Norway and Sweden. In 1973, after suffering faltering health again, he underwent another heart surgery but expired on the operating table.

In all, Hayes' discography as a leader and/or sideman encompasses more than 400 albums. Unfortunately, many of those recordings -- up to 100 -- didn't appear until long after his passing. In 2017, Spillett's acclaimed The Long Shadow of the Little Giant: The Life, Work and Legacy of Tubby Hayes was published by Equinox in the U.K. and received good reviews on both sides of the Atlantic. In 2019, two major events took place that further expanded the reach and influence of Hayes' legend. The first was the appearance of the documentary feature film A Man in a Hurry directed by Lee Cogswell and written by Mark Baxter. The second was the release of a holy grail of jazz, Hayes' album Grits, Beans and Greens: The Lost Fontana Studio Session 1969. The rediscovery came about when late jazz writer and Polygram catalog manager Richard Cook spotted entries in Hayes' diary that detailed several recording sessions. He found the 1969 tapes in the archive. Cook left the company in 1997, and it was only in 2018 that their existence resurfaced. Decca/Universal hired high-end vinyl specialists Gearbox Studios to master the sessions for the first time. In July 2019, before the film's commercial appearance, Gearbox issued the set in various configurations: As a 180-gram vinyl edition created by using a '60s-era Studer C37 tape machine and a Scully Lathe (the very same model used by jazz engineer legend Rudy Van Gelder), and as single- and double-compact disc editions. In an interview Spillett said "It really is a lost masterpiece, make no mistake....It's hard to believe that this music has lain unheard for 50 years, it's so fresh. There's no doubt in my mind that had they been issued at the time, these recordings would have been seen as Tubby's last great album." [In September 2019, Decca issued the 12-disc box set The Complete Fontana Albums 1960-1969. The LP version contained 11 LPs. The recordings were remastered at Gearbox Records' studios, directly from the original tapes, using a Studer C37 ¼-inch stereo tape machine, equalized through an all-valve mastering deck built for Decca studios during the late 1950s.]

https://www.allmusic.com/artist/tubby-hayes-mn0000842398/biography

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Biografía del artista por Thom Jurek

Apodado "The Little Giant", el saxofonista inglés Tubby Hayes era un excelente hard bop y estilista modal cuyos solos eran dinámicos, expertamente articulados y construidos de manera intrincada, así como expresivos e imaginativos. Además de saxos y vientos de madera, también fue un arreglador, compositor y vibrafonista muy hábil. Era un jugador deslumbrante y muy acrobático que atrajo tanto críticas por sus virtuosas ráfagas de notas como elogios. Una presencia ubicua en la escena del jazz británico de los años sesenta y principios de los setenta, murió a los 38 años en 1973. Su influencia, ahora indiscutible, lo ha convertido en el abanderado del jazz británico durante el siglo XX. Sus incursiones en Estados Unidos tal vez no se hayan registrado en la prensa de jazz, pero fue venerado por prácticamente todos los jazzistas del otro lado del Atlántico que lo escucharon o tocaron con él: Entre ellos Quincy Jones, Ella Fitzgerald, Charles Mingus y Duke Ellington. Fue profundamente admirado por Miles Davis, Dexter Gordon, Cannonball Adderley, Art Pepper y Sonny Rollins. Hayes, junto con el saxofonista Ronnie Scott, co-lideró los Jazz Couriers a finales de los años 50. Los saxistas y el trompetista Jimmy Deuchar cambiaron por sí solos la faz del paisaje del jazz inglés que, en aquel entonces, estaba formado principalmente por bandas de baile de los años 30 en adelante. Después de la separación, Scott comenzó su legendario club -- la noche del estreno presentó la nueva banda de Hayes -- y Tubbs se estableció como un músico prolífico; dirigió cuartetos, quintetos y sextetos, así como grandes bandas. Tenía su propia serie de televisión y acumuló un vasto canon de álbumes desde 1955 en adelante para una gran cantidad de sellos discográficos, incluyendo Tempo, Fontana, Spotlite, Epic, Smash y Mole.

Hayes nació como Edward Brian Hayes en Londres. Su padre era un violinista de estudio de la BBC y líder de una banda de baile ambulante. Deseoso de inculcar en su hijo el amor por la música, le dio clases de violín desde muy temprana edad. A la edad de diez años, Hayes tocaba el piano y comenzó a tocar el saxo tenor a los 11 años. El joven se enamoró del jazz gracias a la colección de discos de su padre y a la radio europea que tocaba grabaciones de pioneros del bebop como Dizzy Gillespie y Charlie Parker. Después de tocar con varias bandas semiprofesionales en Londres durante un tiempo, Hayes dejó la escuela y comenzó a tocar profesionalmente a los 15 años. En 1951, a los 16 años, Hayes se unió al sexteto de Kenny Baker, y posteriormente trabajó con directores de orquesta como Vic Lewis y Jack Parnell. Ya era un sofisticado arreglista, y componía las listas de éxitos de las bandas en las que tocaba en su adolescencia. En 1955, Hayes formó su propio octeto, con el que recorrió el Reino Unido durante 18 meses. Empezó a trabajar con el vibráfono en 1957, después de haber probado el instrumento de Victor Feldman durante un concierto. Aunque las vibraciones eran un instrumento clave en su arsenal, finalmente se cansó de tocarlas. De 1957 a 1959, se unió a Ronnie Scott en la co-liderazgo del quinteto Jazz Couriers. Se convirtieron en la propiedad más caliente de la escena jazzística británica de la época y grabaron para el sello Tempo. A pesar de su relativamente corta permanencia en el cargo, su influencia todavía se siente en el siglo XXI.

Después de la separación de Jazz Couriers, Hayes formó su propio cuarteto y realizó una gira por Alemania. En 1961 recibió una invitación a Estados Unidos para tocar en el Half Note Club de la ciudad de Nueva York como parte de un intercambio de la Unión de Músicos que llevó a la saxofonista americana Zoot Sims a Inglaterra para tocar en el club de Scott. En América, Hayes grabó Tubbs en Nueva York con Clark Terry, Eddie Costa y Horace Parlan. Regresó en 1962 y cortó "Return Visit" con James Moody, (antes de Rahsaan) Roland Kirk, Walter Bishop, Jr, Sam Jones y Louis Hayes. Tocó de nuevo en el Half Note en 1964, y en el Boston Jazz Workshop ese mismo año. Viajó a la Costa Oeste por primera vez en 1965, tocando en un concierto de varias noches en el Manne-Hole del baterista Shelly Manne en Los Ángeles.

Cuando estaba en su casa en Londres, Hayes era una mercancía muy debatida entre los críticos, pero era muy querida por el público que compraba discos. Dada su ubicuidad en las salas de conciertos durante las giras y en la televisión -organizó tres programas de televisión diferentes entre 1961 y 1963-, su biógrafo Simon Spillet escribió: "Tubby enfrentó casi tantas críticas en la prensa como elogios, la mayoría de ellas centradas en su habilidad técnica... tanto un criterio con el que medir a los demás como, con demasiada frecuencia, un simple palo con el que derrotarlo....".También sufrió de algo para lo que parece que tenemos un don en este país: desarmar a alguien por no hacer nada más que ser magníficamente realizado en lo que hace".

Además de la televisión, Hayes también trabajó en cine y radio, escribiendo y arreglando partituras, comerciales y canciones. En 1964, sustituyó a Paul Gonsalves en la orquesta de Duke Ellington y en 1965 grabó con el saxofonista en Just Friends, y más tarde en Change of Setting.

Hayes también apareció en películas, incluyendo All Night Long con Charles Mingus y Dave Brubeck, con su propio grupo en A King in New York protagonizado por Charlie Chaplin (1957), y The Beauty Jungle (1964). También es habitual en festivales de jazz europeos desde el Reino Unido hasta España, pasando por Italia, Viena y Berlín. Apareció en varias bandas sonoras en 1965, especialmente en la partitura de Lalo Schifrin para The Liquidator, y apareció con su quinteto en la antología de la película Dr. Terror's House of Horrors. Su sección, "Voodoo", encontró a su banda actuando detrás del actor Roy Castle, que interpretó a un músico de jazz. Un EP de tres bandas sonoras titulado Voodoo Session fue lanzado por Trunk Records en 2009.

Aunque ya era un artista prolífico bajo su propio nombre, Hayes también encontró tiempo para ser invitado a grabaciones de otros músicos de jazz británicos, incluyendo la Harry South Big Band, el Ian Hamer Sextet y la Orquesta de Ted Heath. Entre sus muchos créditos de estudio, Hayes dirigió la sección de metales de las sesiones de Music in a Doll's House, el álbum debut de 1967 de Family, que también incluía cartas de cuerdas y metales de un joven Mike Batt, que leonó a Hayes. Batt le dio crédito a Hayes por guardar su arreglo de latón en el tema "Old Songs for New Songs". Cuando el arreglista se dio cuenta de que había anotado sin querer las partes en la clave equivocada, Hayes y sus colegas, al darse cuenta de su error, transpusieron discretamente sus partes por la oreja para que coincidieran con la pista de acompañamiento. Ese mismo año, el cuarteto de Hayes lanzó lo que se puede decir (aunque ampliamente) considera su mejor oferta, el álbum Mexican Green for Fontana, que se publicó en 1968. Hayes tuvo la suerte de seguir grabando y haciendo giras, pero los tiempos eran difíciles. Dado el auge del rock & roll comercial, el jazz quedó marginado en Gran Bretaña y, un poco más tarde, también en Estados Unidos. Lo que se pensó que sería su última sesión de grabación del año fue con el proyecto The Orchestra de su big-band -- una salida más comercial dirigida a audiencias pop y de fácil escucha; incluía sofisticadas listas de éxitos de los Beatles, Burt Bacharach, Nancy Sinatra, Fifth Dimension, y otros. Lanzado por Fontana con el número de catálogo 6309 002 en 1970, le fue mal. Hayes, una antigua drogadicta y alcohólica, comenzó a experimentar graves problemas de salud. Se sometió a una cirugía a corazón abierto y a un largo período de recuperación. Comenzó a actuar de nuevo en 1971, y en 1972 realizó giras por Noruega y Suecia. En 1973, después de sufrir de nuevo una mala salud, se sometió a otra cirugía cardíaca pero expiró en la mesa de operaciones.

En total, la discografía de Hayes como líder y/o sideman abarca más de 400 álbumes. Desafortunadamente, muchas de esas grabaciones, hasta 100, no aparecieron hasta mucho después de su muerte. En 2017, Spillett aclamó La larga sombra del pequeño gigante: The Life, Work and Legacy of Tubby Hayes fue publicado por Equinox en el Reino Unido y recibió buenas críticas a ambos lados del Atlántico. En 2019, se produjeron dos acontecimientos importantes que ampliaron aún más el alcance y la influencia de la leyenda de Hayes. La primera fue la aparición del documental A Man in a Hurry, dirigido por Lee Cogswell y escrito por Mark Baxter. El segundo fue el lanzamiento de un santo grial del jazz, el álbum de Hayes Grits, Beans and Greens: The Lost Fontana Studio Session 1969. El redescubrimiento se produjo cuando el difunto escritor de jazz y director del catálogo de Polygram, Richard Cook, descubrió en el diario de Hayes una serie de entradas que detallaban varias sesiones de grabación. Encontró las cintas de 1969 en el archivo. Cook dejó la empresa en 1997, y sólo en 2018 resurgió su existencia. Decca/Universal contrató a los especialistas en vinilos de alta calidad de Gearbox Studios para dominar las sesiones por primera vez. En julio de 2019, antes de la aparición comercial de la película, Gearbox emitió el set en varias configuraciones: Como una edición de vinilo de 180 gramos creada utilizando una máquina de cinta Studer C37 de los años 60 y un Torno Scully (el mismo modelo utilizado por la leyenda del ingeniero de jazz Rudy Van Gelder), y como ediciones de discos compactos simples y dobles. En una entrevista Spillett dijo "Es realmente una obra maestra perdida, no se equivoque....Es difícil creer que esta música ha permanecido sin escuchar durante 50 años, es tan fresca. No tengo ninguna duda de que si se hubieran publicado en ese momento, estas grabaciones habrían sido vistas como el último gran álbum de Tubby". En septiembre de 2019, Decca publicó la caja de 12 discos The Complete Fontana Albums 1960-1969. La versión LP contenía 11 LPs. Las grabaciones fueron remasterizadas en los estudios de Gearbox Records, directamente de las cintas originales, usando una máquina de cinta estéreo Studer C37 ¼ pulgadas, ecualizadas a través de una plataforma de masterización de válvulas construida para los estudios Decca a finales de la década de 1950].

https://www.allmusic.com/artist/tubby-hayes-mn0000842398/biography

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

Duke Ellington • Mary Poppins

 

Kyle Eastwood & Clint Eastwood • Eastwood Symphonic

 

 

"Eastwood Symphonic" is bassist Kyle Eastwood's tribute to his father Clint Eastwood, the actor, director and - musician. It is less known that Clint Eastwood wrote the music for some of his films himself and that his son Kyle assisted him in the composition and arrangements. In addition, themes from other Eastwood films by Lalo Schifrin, Ennio Morricone and John Williams can be heard.

"In the Eastwood family, music is a family affair. My father knows and loves music, especially jazz, and he passed on to me his passion for music and as well as cinema. Throughout his career and in recent years, he and I have composed the music for these films. The idea for Eastwood Symphonic was to reinterpret my father's greatest film scores with a blend of jazz and classical. This is a project that is very close to my heart. I can pay tribute to my father and his film scores as well as many of the brilliant film composers who have contributed to his films over the years. I want to dedicate this album to them and especially to my father, who showed me what dedication, commitment and joy in one's work really is. Thanks, Dad, for the inspiration and all the decades of mind-blowing cinema."
- Kyle Eastwood

The recording, featuring the Kyle Eastwood Quintet and the Czech National Symphony Orchestra under the direction of Grammy Award-winning conductor Gast Waltzing.
https://www.operacd.gr/83013720.en.aspx

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"Eastwood Symphonic" es el tributo del bajista Kyle Eastwood a su padre Clint Eastwood, el actor, director y músico. Es menos conocido que Clint Eastwood escribió él mismo la música de algunas de sus películas y que su hijo Kyle lo ayudó en la composición y los arreglos. Además, se pueden escuchar temas de otras películas de Eastwood de Lalo Schifrin, Ennio Morricone y John Williams.

"En la familia Eastwood, la música es un asunto de familia. Mi padre conoce y ama la música, especialmente el jazz, y me transmitió su pasión por la música y el cine. A lo largo de su carrera y en los últimos años, él y yo hemos compuesto la música para estas películas. La idea de Eastwood Symphonic era reinterpretar las mejores partituras cinematográficas de mi padre con una mezcla de jazz y música clásica. Este es un proyecto que está muy cerca de mi corazón. Puedo rendir homenaje a mi padre y sus bandas sonoras, así como a muchos de los brillantes compositores cinematográficos que han contribuido a sus películas a lo largo de los años. Quiero dedicarles este álbum a ellos y especialmente a mi padre, quien me mostró lo que realmente es la dedicación, el compromiso y la alegría en el trabajo. Gracias, papá, por la inspiración y todas las décadas de cine alucinante."
- Kyle Eastwood

La grabación, con el Quinteto Kyle Eastwood y la Orquesta Sinfónica Nacional Checa bajo la dirección del director Gast Waltzing, ganador del Premio Grammy.
https://www.operacd.gr/83013720.en.aspx


 

 

kyleeastwood.com/symphonic ...

Stanley Wilson • Music From M Squad

Music based on excerpts from the Soundtrack of The NBC-TV series of "M Squad" starring Lee Marvin.