The music in this album offers an excellent sampling of the sounds you're likely to hear any Monday eve when Peter Gunn swings into action on NBC-TV. The musicians are the same jazzmen who are heard to outstanding advantage in all the programs. Here are some of them: Drummer Jack Sperling and bassist Rolly Bundock state the show's forceful opening motif, Fallout! The raw-sounding trumpet belongs to Pete Candoli, a veteran of the Woody Herman and Stan Kenton bands. Dreamsville, which might be subtitled "a love refrain for hipsters," features a moving alto sax solo by Ted Nash; his brother Dick can be heard dueling with fellow trombonist Milt Bernhart on Session at Pete's Pad. Saxist Ronnie Lang, who, in common with most of the musicians here, is a graduate of the Les Brown band, wields a bulging baritone on Sorta Blue. Other soloists at Mother's, the nitery where Peter Gunn hangs his Brooks Brothers jacket, are vibist Larry Bunker and pianist Johnny T. Williams.
This music is Peter Gunn's kind of jazz. I think you'll find that it's your kind, too."
- Blake Edwards
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La música de este álbum ofrece una excelente muestra de los sonidos que es probable que escuches cualquier lunes por la noche cuando Peter Gunn entra en acción en NBC-TV. Los músicos son los mismos jazzistas que se escuchan con gran ventaja en todos los programas. Aquí están algunos de ellos: El baterista Jack Sperling y el bajista Rolly Bundock declaran el poderoso motivo de apertura del programa, Fallout! La trompeta de sonido crudo pertenece a Pete Candoli, un veterano de las bandas de Woody Herman y Stan Kenton. Dreamsville, que podría subtitularse "un estribillo de amor para los hipsters", presenta un conmovedor solo de saxo alto de Ted Nash; su hermano Dick puede oírse en duelo con su colega trombonista Milt Bernhart en Session at Pete's Pad. El saxofonista Ronnie Lang, que, como la mayoría de los músicos de aquí, es graduado de la banda Les Brown, esgrime un abultado barítono en Sorta Blue. Otros solistas en Mother's, el lugar donde Peter Gunn cuelga su chaqueta de los Brooks Brothers, son el vibrafonista Larry Bunker y el pianista Johnny T. Williams.
Esta música es el tipo de jazz de Peter Gunn. Creo que descubrirás que también es tu tipo".
- Blake Edwards
Review from AllMusic (by Jim Allen): Yes, in addition to the hit 1960s spy series THE MAN FROM U.N.C.L.E., there was a GIRL FROM U.N.C.L.E., and her soundtrack was provided by jazz keyboardist Dave Grusin, arranger Teddy Randazzo, and famed composer Jerry Goldsmith. The music they cooked up is redolent of the period, with Grusin's "groovy" keys leading the charge on tracks that sound like they were designed to get go-go boots tapping. https://www.allmusic.com/album/the-girl-from-uncle-music-from-the-television-series-mw0000801645
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Resena de AllMusic (por Jim Allen): Si, ademas del exitoso serial de espias de los anos 60 THE MAN FROM U.N.C.L.E., habia una GIRL FROM U.N.C.L.E., y su banda sonora fue proporcionada por el tecladista de jazz Dave Grusin, el arreglista Teddy Randazzo y el famoso compositor Jerry Goldsmith. La musica que crearon es redolente del periodo, con las teclas "groovy" de Grusin liderando la carga en pistas que parecen diseñadas para que los botas go-go bailaran. https://www.allmusic.com/album/the-girl-from-uncle-music-from-the-television-series-mw0000801645
Crime jazz captured the mood not only of our post-war cities, but of a character as distinctly American as the cowboy – that soulful, solitary seeker of justice, the private eye.
So yet another sublime Moochin’ collection celebrates these great T.V shows on 8 CD’s… with scores including The Naked City, Bourbon Street Beat, Richard Diamond, Checkmate, The Untouchables, remastered and available here for the first time ever on CD… With legends such as Nelson Riddle, Henry Mancini, Stanley Wilson and Warren Barker at the helm, you’re in for one great journey through the murderous streets of Crime Jazz!
Contains complete scores from the followng films: -77 Sunset Strip - Warren Barker -Hawaiian Eye - Warren Barker -M~Squad - Stanley Wilson -Staccato - Elmer Bernstein -Mikey Spillanes Mike Hammer - Stan Purdy Orchestra -Music From Mike Hammer - Skip Martin -Checkmate - Johnny Williams -Shotgun Slade - Stanley Wilson Orchestra -Peter Gunn - Henry Mancini -Mr Lucky & Mr Lucky Goes Latin - Henry Mancini -The Naked City - George Dunning -The Untouchables - Nelson Riddle -Richard Diamond - Pete Rugolo -Bourbon St Beat - Don Ralke https://www.jazzmessengers.com/es/68281/various-artists/jazz-on-film-crime-jazz-
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El jazz policíaco capturó el estado de ánimo no sólo de nuestras ciudades de posguerra, sino de un personaje tan claramente americano como el vaquero: ese buscador de justicia solitario y con alma, el detective privado.
Así que otra sublime colección de Moochin' celebra estos grandes programas de televisión en 8 CDs... con partituras que incluyen The Naked City, Bourbon Street Beat, Richard Diamond, Checkmate, The Untouchables, remasterizadas y disponibles aquí por primera vez en CD... Con leyendas como Nelson Riddle, Henry Mancini, Stanley Wilson y Warren Barker al mando, ¡te espera un gran viaje por las calles asesinas del Crime Jazz!
Contiene las bandas sonoras completas de las siguientes películas: -77 Sunset Strip - Warren Barker -Hawaiian Eye - Warren Barker -M~Squad - Stanley Wilson -Staccato - Elmer Bernstein -Mikey Spillanes Mike Hammer - Stan Purdy Orchestra -Música de Mike Hammer - Skip Martin -Checkmate - Johnny Williams -Shotgun Slade - Orquesta de Stanley Wilson -Peter Gunn - Henry Mancini -Mr Lucky & Mr Lucky Goes Latin - Henry Mancini -The Naked City - George Dunning -The Untouchables - Nelson Riddle -Richard Diamond - Pete Rugolo -Bourbon St Beat - Don Ralke https://www.jazzmessengers.com/es/68281/various-artists/jazz-on-film-crime-jazz-
Alessandro Alessandroni isn't a household name in popular or film music, but his contributions to the two fields have made his work among the most familiar of any musician to emerge since the 1950s. Born in Soriano nel Cimino, north of Rome, in 1925, Alessandroni never aspired to formal music training -- he was entirely self-taught, and started learning the guitar and the mandolin by listening to and watching the men who made music at the family's barber shop. He listened to classical music on his own and bought his first mandolin at age 13. He also discovered as a boy that in addition to being proficient on a multitude of stringed and keyboard instruments, he had an uncanny ability to whistle. By his early thirties, he was making a living touring Germany as a singer, pianist, and guitarist, and he later formed a group in Rome called the Four Caravels whose sound was modeled on the work of the Four Freshmen, and served as their arranger as well as leader. The multi-talented Alessandroni was soon to become one of the busier session musicians in Italy, and achieve stardom in a wholy unexpected musical idiom.
During the early '60s, Alessandroni crossed paths professionally with a slightly younger former boyhood friend, Ennio Morricone, who, after a few years as a musician working in jazz clubs, had begun to emerge in the field of movie music. Morricone had just scored his first Western and was working on another, and wanted to add some new sounds to his work. Alessandroni's guitar and his abilities as a whistler came to the fore on the resulting score for Guns Don't Argue, within the framework of a traditional Western ballad. But that success was merely a toe in the water in terms of their collaboration -- Morricone had another project in the pipeline, called A Fistful of Dollars (1964), a Western that was anything but traditional, and it was here that Alessandroni began collaborating with him in the making of some much more important music, and utilizing far more of his range as a guitarist as well.
With a lonely, echo-drenched whistle over a repetitive guitar figure, with added flutes, whip-cracks, and Alessandroni's Duane Eddy-style electric guitar coming in along with a wordless male chorus -- courtesy of Alessandroni's vocal group, now expanded to a dozen or more members and renamed I Cantori Moderni -- the haunting title track redefined the sound of Western movie music. Ironically, Alessandroni could almost have been the Brian Wilson of Italy -- he certainly made use of some of the same sources of inspiration, including the Four Freshmen and the twangy guitar of Duane Eddy or Dick Dale, that had led Wilson and the Beach Boys to their brand of surf music, but simply utilized them in a different combination that seemed somehow uniquely suited to the Western. Alessandroni subsequently worked with Morricone on most of the latter's Western scores of the period, including the gorgeous theme for A Pistol for Ringo -- which was a dazzling showcase for Alessandroni as a guitarist and I Cantori Moderni, in a hauntingly lyrical mode, far from their usual rough vocal fills on the Sergio Leone Western scores. He was all over the main title theme for The Good, the Bad and the Ugly, and his guitar and vocal group were also featured prominently on Once Upon a Time in the West. He and Morricone also worked on such non-Leone Westerns as A Gun for Ringo -- which was a dazzling showcase for his guitar and I Cantori Moderni's singing in a much more lyrical mode, in place of their usual rough fills in the Leone movies -- The Big Gundown, Navajo Joe, and the non-Western Without Apparent Motive. By the end of the 1960s, as Hollywood began noting the success that Leone was achieving with his Italian-made horse operas, the production of Westerns began anew in earnest in the United States, and the brief given composers such as Dominic Frontiere and others on movies such as Hang 'Em High was to emulate Morricone, which was also meant to emulate Alessandroni. Thus, American session players such as Tommy Tedesco ended up paying homage to the Rome-based guitarist who'd started out a fan of the Four Freshmen, Duane Eddy, and Dick Dale. And thanks to the continued interest in Morricone's scores and their durability as music, as well as the critical attention accorded Leone's movies, Alessandroni remains one of the most prominent and influential musicians ever to play on film scores or, through that medium, to influence popular music around the world. Over the decades since his music was popularized in film music, Alessandroni has worked with dozens of star performers, including Americans such as Paul Anka, and most of Italy's top talent.
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Biografía del artista por Bruce Eder
Alessandro Alessandroni no es un nombre muy conocido en la música popular o de películas, pero sus contribuciones a los dos campos han hecho que su trabajo sea uno de los más familiares de cualquier músico que haya surgido desde los años 50. Nacido en Soriano nel Cimino, al norte de Roma, en 1925, Alessandroni nunca aspiró a una formación musical formal - fue completamente autodidacta, y comenzó a aprender la guitarra y la mandolina escuchando y viendo a los hombres que hacían música en la peluquería de la familia. Escuchó música clásica por su cuenta y compró su primera mandolina a los 13 años. También descubrió de niño que además de ser competente en una multitud de instrumentos de cuerda y de teclado, tenía una asombrosa habilidad para silbar. A los treinta y pocos años, se ganaba la vida haciendo giras por Alemania como cantante, pianista y guitarrista, y más tarde formó un grupo en Roma llamado "Las Cuatro Caravelas", cuyo sonido estaba basado en el trabajo de los Cuatro Novatos, y sirvió como su arreglista y líder. El polifacético Alessandroni pronto se convertiría en uno de los músicos de sesión más ocupados de Italia, y alcanzaría el estrellato en un inesperado e inusual lenguaje musical.
A principios de los años 60, Alessandroni se cruzó profesionalmente con un antiguo amigo de la infancia un poco más joven, Ennio Morricone, quien, después de unos años como músico que trabajaba en clubes de jazz, había empezado a emerger en el campo de la música para películas. Morricone acababa de componer su primer western y estaba trabajando en otro, y quería añadir algunos sonidos nuevos a su trabajo. La guitarra de Alessandroni y sus habilidades como silbador salieron a relucir en la partitura resultante para Guns Don't Argue, en el marco de una balada tradicional del Western. Pero ese éxito fue sólo un dedo del pie en términos de su colaboración - Morricone tenía otro proyecto en marcha, llamado A Fistful of Dollars (1964), un western que era todo menos tradicional, y fue aquí donde Alessandroni comenzó a colaborar con él en la creación de una música mucho más importante, y utilizando mucho más de su rango como guitarrista también.
Con un silbido solitario y lleno de eco sobre una figura de guitarra repetitiva, con flautas añadidas, chasquidos de látigo y la guitarra eléctrica estilo Duane Eddy de Alessandroni entrando junto con un coro masculino sin palabras -cortesía del grupo vocal de Alessandroni, ahora ampliado a una docena o más miembros y rebautizado como I Cantori Moderni- la inquietante pista del título redefinió el sonido de la música de las películas occidentales. Irónicamente, Alessandroni casi podría haber sido el Brian Wilson de Italia - ciertamente hizo uso de algunas de las mismas fuentes de inspiración, incluyendo a los cuatro novatos y la guitarra de Duane Eddy o Dick Dale, que había llevado a Wilson y a los Beach Boys a su marca de música surf, pero simplemente los utilizó en una combinación diferente que parecía de alguna manera única para el Oeste. Alessandroni trabajó posteriormente con Morricone en la mayoría de las partituras occidentales de este último en el período, incluyendo el magnífico tema de Una Pistola para Ringo - que fue un deslumbrante escaparate para Alessandroni como guitarrista y yo Cantori Moderni, en un modo lírico inolvidable, lejos de sus habituales y ásperos rellenos vocales en las partituras occidentales de Sergio Leone. El tema principal de The Good, the Bad and the Ugly (El bueno, el malo y el feo), y su guitarra y su grupo vocal también fueron destacados en Once Upon a Time in the West (Érase una vez en el Oeste). Él y Morricone también trabajaron en westerns no solitarios como A Gun for Ringo - que fue un deslumbrante escaparate para su guitarra y el canto de I Cantori Moderni en un modo mucho más lírico, en lugar de sus habituales rellenos en las películas de Leone - The Big Gundown, Navajo Joe, y el no occidental Without Apparent Motive. A finales de los años 60, cuando Hollywood empezó a notar el éxito que Leone estaba logrando con sus óperas de caballos hechas en Italia, la producción de Westerns empezó de nuevo en serio en los Estados Unidos, y el mandato dado a compositores como Dominic Frontiere y otros en películas como Hang 'Em High era emular a Morricone, que también debía emular a Alessandroni. Así, los músicos de sesión americanos como Tommy Tedesco acabaron rindiendo homenaje al guitarrista romano que había empezado como fan de los Four Freshmen, Duane Eddy y Dick Dale. Y gracias al continuo interés en las partituras de Morricone y su durabilidad como música, así como a la atención crítica que se presta a las películas de Leone, Alessandroni sigue siendo uno de los músicos más prominentes e influyentes que jamás haya tocado en partituras de películas o, a través de ese medio, ha influido en la música popular de todo el mundo. Durante los decenios transcurridos desde que su música se popularizó en la música de las películas, Alessandroni ha trabajado con docenas de intérpretes estrella, incluidos estadounidenses como Paul Anka, y la mayoría de los principales talentos de Italia.
Más información en español aquí ... http://themoviescores.com/biografia-alessandroni-alessandro/
Alan Hawkshaw (born William Alan Hawkshaw, 27 March 1937, Leeds, West
Yorkshire) is a British composer and performer, particularly of themes
for movies and television programmes. Hawkshaw worked extensively for
the KPM production music company in the 1960s and 1970s, composing and
recording many stock tracks that have been used extensively in film and
TV.
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Alan Hawkshaw (nacido William Alan Hawkshaw, 27 de marzo de 1937, Leeds,
West Yorkshire) es un compositor e intérprete británico, especialmente
de temas para películas y programas de televisión. Hawkshaw trabajó
extensamente para la compañía de música de producción KPM en los años
sesenta y setenta, componiendo y grabando muchas canciones de archivo
que han sido utilizadas ampliamente en el cine y la televisión.
Nicknamed "The Little Giant", English saxophonist Tubby Hayes was an
excellent hard bop and modal stylist whose solos were dynamic, expertly
articulated, and intricately constructed, as well as expressive and
imaginative. In addition to saxes and woodwinds, he was also an highly
skilled arranger, composer, and an accomplished vibraphonist. He was a
dazzling, highly acrobatic player who drew as much criticism for his
virtuosic flurries of notes as praise. A ubiquitous presence on the
1960s and early-'70s British jazz scene, he died at age 38 in 1973. His
influence, now undisputed, has made him the standard bearer for British
jazz during the 20th century. His traveling forays into America may not
have registered in the jazz press as much, but he was revered by
virtually every jazzman on the other side of the Atlantic who heard or
played with him: Among them Quincy Jones, Ella Fitzgerald, Charles
Mingus, and Duke Ellington. He was deeply admired by Miles Davis, Dexter
Gordon, Cannonball Adderley, Art Pepper, and Sonny Rollins. Hayes,
along with saxophonist Ronnie Scott, co-led the Jazz Couriers during the
late '50s. The saxists and trumpeter Jimmy Deuchar singlehandedly
changed the face of England's jazz landscape which, at that time, had
consisted primarily of dance bands from the '30s on. After the split,
Scott started his legendary club -- opening night featured Hayes' new
band -- and Tubbs established himself as a prolific musician; he led
quartets, quintets, and sextets, as well as big bands. He had his own
television series and amassed a vast canon of albums from 1955 onward
for a slew of labels including Tempo, Fontana, Spotlite, Epic, Smash,
and Mole.
Hayes was born Edward Brian Hayes in London. His father was a BBC studio
violinist and traveling dance band leader. Wishing to instill his love
for music in his son, he gave him violin lessons from an early age. By
the age of ten, Hayes was playing the piano, and he started on the tenor
sax at 11. The youngster fell in love with jazz thanks to his dad's
record collection and European radio that was playing recordings by
bebop pioneers such as Dizzy Gillespie and Charlie Parker. After playing
with various semi-professional bands around London for a time, Hayes
left school and started playing professionally at age 15. In 1951, at
the of 16, Hayes joined Kenny Baker's sextet, and subsequently worked
with bandleaders such as Vic Lewis and Jack Parnell. He was already a
sophisticated arranger, and penned charts for the bands he played in as a
teen. In 1955, Hayes formed his own octet, with which he toured the
U.K. for 18 months. He took up vibraphone in 1957, having tried Victor
Feldman's instrument during a gig. Although the vibes were a key
instrument in his arsenal, he eventually tired of playing them. From
1957 to 1959, he joined Ronnie Scott in co-leading the Jazz Couriers
quintet. They became the hottest property on the British jazz scene at
the time and recorded for the Tempo label. Despite their relatively
short tenure, their influence is still felt in the 21st century.
After the Jazz Couriers split, Hayes formed his own quartet, and toured
Germany. In 1961 he received an invitation to America to play the Half
Note Club in New York City as part of a Musician's Union exchange that
brought American saxophonist Zoot Sims to England to play Scott's club.
In America, Hayes recorded Tubbs in NY with Clark Terry, Eddie Costa,
and Horace Parlan. He returned in 1962 and cut Return Visit with James
Moody, (pre-Rahsaan) Roland Kirk, Walter Bishop, Jr., Sam Jones, and
Louis Hayes. He played at the Half Note again in 1964, and at the Boston
Jazz Workshop the same year. He traveled to the West Coast for the
first time in 1965, playing a multi-night gig at drummer Shelly Manne's
Manne-Hole in Los Angeles.
When at home in London, Hayes was a hotly debated commodity among
critics, but was beloved by the record-buying public. Given his ubiquity
in concert halls on tour and on television -- he hosted three different
television programs between 1961 and 1963 -- his biographer Simon
Spillet wrote: "Tubby faced almost as much criticism within the press as
he did praise, most of it centered upon his technical ability…both a
yardstick against which to measure others and, all too often, simply a
club with which to beat him….He also suffered from something we appear
to have somewhat of a gift for in this country: taking someone apart for
doing nothing more than being superbly accomplished at what they do."
In addition to television, Hayes also worked in film and on radio,
penning and arranging scores, commercials, and songs. In 1964, he subbed
for Paul Gonsalves in Duke Ellington's orchestra and in 1965 recorded
with the saxophonist on Just Friends, and later Change of Setting.
Hayes appeared in films too, including All Night Long with Charles
Mingus and Dave Brubeck, with his own group in A King in New York
starring Charlie Chaplin (1957), and The Beauty Jungle (1964). He also a
regular at European jazz festivals form the U.K. to Spain to Italy,
Vienna, and Berlin. He appeared on a number of soundtracks at in 1965,
notably on Lalo Schifrin's score for The Liquidator, and appeared with
his quintet in the anthology film Dr. Terror's House of Horrors. His
section, "Voodoo," found his band performing behind actor Roy Castle,
who played a jazz musician. A three-track EP from the soundtrack titled
Voodoo Session was released by Trunk Records in 2009.
Though he was already a prolific recording artist under his own name,
Hayes also found time to guest on recordings by other British jazz
musicians, including the Harry South Big Band, the Ian Hamer Sextet, and
Ted Heath’s Orchestra. Among his many studio credits, Hayes led the
brass section on the sessions for Music in a Doll's House -- the 1967
debut album by Family -- that also featured string and brass charts by a
young Mike Batt, who lionized Hayes. Batt credited Hayes with saving
his brass arrangement on the track "Old Songs for New Songs." When the
arranger realized he had inadvertently notated parts in the wrong key,
Hayes and his colleagues, realizing his mistake, discreetly transposed
their parts by ear so that they would match the backing track. That same
year, Hayes' quartet released what is arguably (yet widely) regarded as
his finest offering, the album Mexican Green for Fontana, which was
issued in 1968. Hayes was lucky in continuing to record and tour, but
times were tough. Given the rise of commercial rock & roll, jazz
became marginalized in Great Britain and, a little later, in the U.S. as
well. What was thought to be his final recording session for the year
was with his big-band's The Orchestra project -- a more commercial
outing aimed at pop and easy listening audiences; it featured
sophisticated charts for covers of hit songs by the Beatles, Burt
Bacharach, Nancy Sinatra, Fifth Dimension, and others. Released by
Fontana as catalog number 6309 002 in 1970, it fared poorly. Hayes, a
longtime drug addict and alcoholic, began to experience severe health
issues. He underwent open-heart surgery and a long period of
recuperation. He started performing again in 1971, and in 1972 toured
Norway and Sweden. In 1973, after suffering faltering health again, he
underwent another heart surgery but expired on the operating table.
In all, Hayes' discography as a leader and/or sideman encompasses more
than 400 albums. Unfortunately, many of those recordings -- up to 100 --
didn't appear until long after his passing. In 2017, Spillett's
acclaimed The Long Shadow of the Little Giant: The Life, Work and Legacy
of Tubby Hayes was published by Equinox in the U.K. and received good
reviews on both sides of the Atlantic. In 2019, two major events took
place that further expanded the reach and influence of Hayes' legend.
The first was the appearance of the documentary feature film A Man in a
Hurry directed by Lee Cogswell and written by Mark Baxter. The second
was the release of a holy grail of jazz, Hayes' album Grits, Beans and
Greens: The Lost Fontana Studio Session 1969. The rediscovery came about
when late jazz writer and Polygram catalog manager Richard Cook spotted
entries in Hayes' diary that detailed several recording sessions. He
found the 1969 tapes in the archive. Cook left the company in 1997, and
it was only in 2018 that their existence resurfaced. Decca/Universal
hired high-end vinyl specialists Gearbox Studios to master the sessions
for the first time. In July 2019, before the film's commercial
appearance, Gearbox issued the set in various configurations: As a
180-gram vinyl edition created by using a '60s-era Studer C37 tape
machine and a Scully Lathe (the very same model used by jazz engineer
legend Rudy Van Gelder), and as single- and double-compact disc
editions. In an interview Spillett said "It really is a lost
masterpiece, make no mistake....It's hard to believe that this music has
lain unheard for 50 years, it's so fresh. There's no doubt in my mind
that had they been issued at the time, these recordings would have been
seen as Tubby's last great album." [In September 2019, Decca issued the
12-disc box set The Complete Fontana Albums 1960-1969. The LP version
contained 11 LPs. The recordings were remastered at Gearbox Records'
studios, directly from the original tapes, using a Studer C37 ¼-inch
stereo tape machine, equalized through an all-valve mastering deck built
for Decca studios during the late 1950s.]
Apodado "The Little Giant", el saxofonista inglés Tubby Hayes era un
excelente hard bop y estilista modal cuyos solos eran dinámicos,
expertamente articulados y construidos de manera intrincada, así como
expresivos e imaginativos. Además de saxos y vientos de madera, también
fue un arreglador, compositor y vibrafonista muy hábil. Era un jugador
deslumbrante y muy acrobático que atrajo tanto críticas por sus
virtuosas ráfagas de notas como elogios. Una presencia ubicua en la
escena del jazz británico de los años sesenta y principios de los
setenta, murió a los 38 años en 1973. Su influencia, ahora indiscutible,
lo ha convertido en el abanderado del jazz británico durante el siglo
XX. Sus incursiones en Estados Unidos tal vez no se hayan registrado en
la prensa de jazz, pero fue venerado por prácticamente todos los
jazzistas del otro lado del Atlántico que lo escucharon o tocaron con
él: Entre ellos Quincy Jones, Ella Fitzgerald, Charles Mingus y Duke
Ellington. Fue profundamente admirado por Miles Davis, Dexter Gordon,
Cannonball Adderley, Art Pepper y Sonny Rollins. Hayes, junto con el
saxofonista Ronnie Scott, co-lideró los Jazz Couriers a finales de los
años 50. Los saxistas y el trompetista Jimmy Deuchar cambiaron por sí
solos la faz del paisaje del jazz inglés que, en aquel entonces, estaba
formado principalmente por bandas de baile de los años 30 en adelante.
Después de la separación, Scott comenzó su legendario club -- la noche
del estreno presentó la nueva banda de Hayes -- y Tubbs se estableció
como un músico prolífico; dirigió cuartetos, quintetos y sextetos, así
como grandes bandas. Tenía su propia serie de televisión y acumuló un
vasto canon de álbumes desde 1955 en adelante para una gran cantidad de
sellos discográficos, incluyendo Tempo, Fontana, Spotlite, Epic, Smash y
Mole.
Hayes nació como Edward Brian Hayes en Londres. Su padre era un
violinista de estudio de la BBC y líder de una banda de baile ambulante.
Deseoso de inculcar en su hijo el amor por la música, le dio clases de
violín desde muy temprana edad. A la edad de diez años, Hayes tocaba el
piano y comenzó a tocar el saxo tenor a los 11 años. El joven se enamoró
del jazz gracias a la colección de discos de su padre y a la radio
europea que tocaba grabaciones de pioneros del bebop como Dizzy
Gillespie y Charlie Parker. Después de tocar con varias bandas
semiprofesionales en Londres durante un tiempo, Hayes dejó la escuela y
comenzó a tocar profesionalmente a los 15 años. En 1951, a los 16 años,
Hayes se unió al sexteto de Kenny Baker, y posteriormente trabajó con
directores de orquesta como Vic Lewis y Jack Parnell. Ya era un
sofisticado arreglista, y componía las listas de éxitos de las bandas en
las que tocaba en su adolescencia. En 1955, Hayes formó su propio
octeto, con el que recorrió el Reino Unido durante 18 meses. Empezó a
trabajar con el vibráfono en 1957, después de haber probado el
instrumento de Victor Feldman durante un concierto. Aunque las
vibraciones eran un instrumento clave en su arsenal, finalmente se cansó
de tocarlas. De 1957 a 1959, se unió a Ronnie Scott en la co-liderazgo
del quinteto Jazz Couriers. Se convirtieron en la propiedad más caliente
de la escena jazzística británica de la época y grabaron para el sello
Tempo. A pesar de su relativamente corta permanencia en el cargo, su
influencia todavía se siente en el siglo XXI.
Después de la separación de Jazz Couriers, Hayes formó su propio
cuarteto y realizó una gira por Alemania. En 1961 recibió una invitación
a Estados Unidos para tocar en el Half Note Club de la ciudad de Nueva
York como parte de un intercambio de la Unión de Músicos que llevó a la
saxofonista americana Zoot Sims a Inglaterra para tocar en el club de
Scott. En América, Hayes grabó Tubbs en Nueva York con Clark Terry,
Eddie Costa y Horace Parlan. Regresó en 1962 y cortó "Return Visit" con
James Moody, (antes de Rahsaan) Roland Kirk, Walter Bishop, Jr, Sam
Jones y Louis Hayes. Tocó de nuevo en el Half Note en 1964, y en el
Boston Jazz Workshop ese mismo año. Viajó a la Costa Oeste por primera
vez en 1965, tocando en un concierto de varias noches en el Manne-Hole
del baterista Shelly Manne en Los Ángeles.
Cuando estaba en su casa en Londres, Hayes era una mercancía muy
debatida entre los críticos, pero era muy querida por el público que
compraba discos. Dada su ubicuidad en las salas de conciertos durante
las giras y en la televisión -organizó tres programas de televisión
diferentes entre 1961 y 1963-, su biógrafo Simon Spillet escribió:
"Tubby enfrentó casi tantas críticas en la prensa como elogios, la
mayoría de ellas centradas en su habilidad técnica... tanto un criterio
con el que medir a los demás como, con demasiada frecuencia, un simple
palo con el que derrotarlo....".También sufrió de algo para lo que
parece que tenemos un don en este país: desarmar a alguien por no hacer
nada más que ser magníficamente realizado en lo que hace".
Además de la televisión, Hayes también trabajó en cine y radio,
escribiendo y arreglando partituras, comerciales y canciones. En 1964,
sustituyó a Paul Gonsalves en la orquesta de Duke Ellington y en 1965
grabó con el saxofonista en Just Friends, y más tarde en Change of
Setting.
Hayes también apareció en películas, incluyendo All Night Long con
Charles Mingus y Dave Brubeck, con su propio grupo en A King in New York
protagonizado por Charlie Chaplin (1957), y The Beauty Jungle (1964).
También es habitual en festivales de jazz europeos desde el Reino Unido
hasta España, pasando por Italia, Viena y Berlín. Apareció en varias
bandas sonoras en 1965, especialmente en la partitura de Lalo Schifrin
para The Liquidator, y apareció con su quinteto en la antología de la
película Dr. Terror's House of Horrors. Su sección, "Voodoo", encontró a
su banda actuando detrás del actor Roy Castle, que interpretó a un
músico de jazz. Un EP de tres bandas sonoras titulado Voodoo Session fue
lanzado por Trunk Records en 2009.
Aunque ya era un artista prolífico bajo su propio nombre, Hayes también
encontró tiempo para ser invitado a grabaciones de otros músicos de jazz
británicos, incluyendo la Harry South Big Band, el Ian Hamer Sextet y
la Orquesta de Ted Heath. Entre sus muchos créditos de estudio, Hayes
dirigió la sección de metales de las sesiones de Music in a Doll's
House, el álbum debut de 1967 de Family, que también incluía cartas de
cuerdas y metales de un joven Mike Batt, que leonó a Hayes. Batt le dio
crédito a Hayes por guardar su arreglo de latón en el tema "Old Songs
for New Songs". Cuando el arreglista se dio cuenta de que había anotado
sin querer las partes en la clave equivocada, Hayes y sus colegas, al
darse cuenta de su error, transpusieron discretamente sus partes por la
oreja para que coincidieran con la pista de acompañamiento. Ese mismo
año, el cuarteto de Hayes lanzó lo que se puede decir (aunque
ampliamente) considera su mejor oferta, el álbum Mexican Green for
Fontana, que se publicó en 1968. Hayes tuvo la suerte de seguir grabando
y haciendo giras, pero los tiempos eran difíciles. Dado el auge del
rock & roll comercial, el jazz quedó marginado en Gran Bretaña y, un
poco más tarde, también en Estados Unidos. Lo que se pensó que sería su
última sesión de grabación del año fue con el proyecto The Orchestra de
su big-band -- una salida más comercial dirigida a audiencias pop y de
fácil escucha; incluía sofisticadas listas de éxitos de los Beatles,
Burt Bacharach, Nancy Sinatra, Fifth Dimension, y otros. Lanzado por
Fontana con el número de catálogo 6309 002 en 1970, le fue mal. Hayes,
una antigua drogadicta y alcohólica, comenzó a experimentar graves
problemas de salud. Se sometió a una cirugía a corazón abierto y a un
largo período de recuperación. Comenzó a actuar de nuevo en 1971, y en
1972 realizó giras por Noruega y Suecia. En 1973, después de sufrir de
nuevo una mala salud, se sometió a otra cirugía cardíaca pero expiró en
la mesa de operaciones.
En total, la discografía de Hayes como líder y/o sideman abarca más de
400 álbumes. Desafortunadamente, muchas de esas grabaciones, hasta 100,
no aparecieron hasta mucho después de su muerte. En 2017, Spillett
aclamó La larga sombra del pequeño gigante: The Life, Work and Legacy of
Tubby Hayes fue publicado por Equinox en el Reino Unido y recibió
buenas críticas a ambos lados del Atlántico. En 2019, se produjeron dos
acontecimientos importantes que ampliaron aún más el alcance y la
influencia de la leyenda de Hayes. La primera fue la aparición del
documental A Man in a Hurry, dirigido por Lee Cogswell y escrito por
Mark Baxter. El segundo fue el lanzamiento de un santo grial del jazz,
el álbum de Hayes Grits, Beans and Greens: The Lost Fontana Studio
Session 1969. El redescubrimiento se produjo cuando el difunto escritor
de jazz y director del catálogo de Polygram, Richard Cook, descubrió en
el diario de Hayes una serie de entradas que detallaban varias sesiones
de grabación. Encontró las cintas de 1969 en el archivo. Cook dejó la
empresa en 1997, y sólo en 2018 resurgió su existencia. Decca/Universal
contrató a los especialistas en vinilos de alta calidad de Gearbox
Studios para dominar las sesiones por primera vez. En julio de 2019,
antes de la aparición comercial de la película, Gearbox emitió el set en
varias configuraciones: Como una edición de vinilo de 180 gramos creada
utilizando una máquina de cinta Studer C37 de los años 60 y un Torno
Scully (el mismo modelo utilizado por la leyenda del ingeniero de jazz
Rudy Van Gelder), y como ediciones de discos compactos simples y dobles.
En una entrevista Spillett dijo "Es realmente una obra maestra perdida,
no se equivoque....Es difícil creer que esta música ha permanecido sin
escuchar durante 50 años, es tan fresca. No tengo ninguna duda de que si
se hubieran publicado en ese momento, estas grabaciones habrían sido
vistas como el último gran álbum de Tubby". En septiembre de 2019, Decca
publicó la caja de 12 discos The Complete Fontana Albums 1960-1969. La
versión LP contenía 11 LPs. Las grabaciones fueron remasterizadas en los
estudios de Gearbox Records, directamente de las cintas originales,
usando una máquina de cinta estéreo Studer C37 ¼ pulgadas, ecualizadas a
través de una plataforma de masterización de válvulas construida para
los estudios Decca a finales de la década de 1950].
"Eastwood
Symphonic" is bassist Kyle Eastwood's tribute to his father Clint
Eastwood, the actor, director and - musician. It is less known that
Clint Eastwood wrote the music for some of his films himself and that
his son Kyle assisted him in the composition and arrangements. In
addition, themes from other Eastwood films by Lalo Schifrin, Ennio
Morricone and John Williams can be heard.
"In the Eastwood
family, music is a family affair. My father knows and loves music,
especially jazz, and he passed on to me his passion for music and as
well as cinema. Throughout his career and in recent years, he and I have
composed the music for these films. The idea for Eastwood Symphonic was
to reinterpret my father's greatest film scores with a blend of jazz
and classical. This is a project that is very close to my heart. I can
pay tribute to my father and his film scores as well as many of the
brilliant film composers who have contributed to his films over the
years. I want to dedicate this album to them and especially to my
father, who showed me what dedication, commitment and joy in one's work
really is. Thanks, Dad, for the inspiration and all the decades of
mind-blowing cinema." - Kyle Eastwood
The recording, featuring
the Kyle Eastwood Quintet and the Czech National Symphony Orchestra
under the direction of Grammy Award-winning conductor Gast Waltzing. https://www.operacd.gr/83013720.en.aspx
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"Eastwood
Symphonic" es el tributo del bajista Kyle Eastwood a su padre Clint
Eastwood, el actor, director y músico. Es menos conocido que Clint
Eastwood escribió él mismo la música de algunas de sus películas y que
su hijo Kyle lo ayudó en la composición y los arreglos. Además, se
pueden escuchar temas de otras películas de Eastwood de Lalo Schifrin,
Ennio Morricone y John Williams.
"En la familia Eastwood, la
música es un asunto de familia. Mi padre conoce y ama la música,
especialmente el jazz, y me transmitió su pasión por la música y el
cine. A lo largo de su carrera y en los últimos años, él y yo hemos
compuesto la música para estas películas. La idea de Eastwood Symphonic
era reinterpretar las mejores partituras cinematográficas de mi padre
con una mezcla de jazz y música clásica. Este es un proyecto que está
muy cerca de mi corazón. Puedo rendir homenaje a mi padre y sus bandas
sonoras, así como a muchos de los brillantes compositores
cinematográficos que han contribuido a sus películas a lo largo de los
años. Quiero dedicarles este álbum a ellos y especialmente a mi padre,
quien me mostró lo que realmente es la dedicación, el compromiso y la
alegría en el trabajo. Gracias, papá, por la inspiración y todas las
décadas de cine alucinante." - Kyle Eastwood
La grabación, con
el Quinteto Kyle Eastwood y la Orquesta Sinfónica Nacional Checa bajo
la dirección del director Gast Waltzing, ganador del Premio Grammy. https://www.operacd.gr/83013720.en.aspx
Review from AllMusic (by Stephen Cook): Reflecting the European setting of Stanley Donen's 1963 comedy thriller Charade, Henry Mancini's soundtrack provides an easy listening tour of continental musical history: Parisian café songs on "Bistro," Eastern European gypsy music on "Bateau Mouche," Schubert quartets on "Bye Charlie," and some beer barrel polka on "Punch and Judy." Thrown in for variety's sake are dashes of Bond soundtracks, Cossack songs, and Strauss waltzes. With Mancini's typically cohesive approach, though, Charade doesn't become a messy pastiche (even with his mix of Latin rhythms and classical music on some). And in the spirit of inclusiveness, Mancini also shows his south of the border touch on "Mambo Parisienne" (picture Perez Prado sporting an accordion), "Latin Snowfall" (transcendentally gorgeous bolero, one of his best), and "Megeve" (bossa nova for the Biarritz set). Also don't overlook one of his biggest hits and finest melodies, "Charade" (done here in instrumental, vocal, and carousel versions). A great Mancini recording made during the same fruitful, early-'60s period that produced two other fine soundtracks of his, Breakfast at Tiffany's and The Pink Panther. https://www.allmusic.com/album/charade-original-motion-picture-soundtrack--mw0000197349
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Resena de AllMusic (por Stephen Cook): Reflejando el entorno europeo del thriller de comedia de Stanley Donen de 1963 Charade, la banda sonora de Henry Mancini ofrece un recorrido de escucha facil por la historia musical del continente: canciones de cafe parisino en "Bistro", musica gitana de Europa del Este en "Bateau Mouche", cuartetos de Schubert en "Bye Charlie" y algo de polka en "Punch and Judy." Para agregar variedad, se incluyen toques de bandas sonoras al estilo Bond, canciones cosacas y valses de Strauss. Con el enfoque tipicamente cohesivo de Mancini, sin embargo, Charade no se convierte en un pastiche desordenado. Y en un espiritu de inclusion, Mancini tambien muestra su toque latinoamericano en "Mambo Parisienne" (imaginen a Perez Prado con acordeon), "Latin Snowfall" (un bolero de una belleza transcendental, uno de sus mejores) y "Megeve" (bossa nova para el jet set de Biarritz). No hay que pasar por alto uno de sus mayores exitos y melodias mas logradas, "Charade" (presentada aqui en versiones instrumental, vocal y de carrusel). Una gran grabacion de Mancini, realizada durante el mismo fructifero periodo de principios de los 60 que produjo otras dos excelentes bandas sonoras suyas: Breakfast at Tiffany's y The Pink Panther. https://www.allmusic.com/album/charade-original-motion-picture-soundtrack--mw0000197349
Review from AllMusic (by Scott Yanow): Stevens utilized trumpeter Shorty Rogers and an all-star group of West Coast jazz musicians for atmospheric music in the Ida Lupino film Private Hell 36, which also uses Rogers and the West Coast all-stars. Lupino herself takes the vocal on "Didn't You Know." Stevens' use of progressive jazz created an innovation in film-music history and Stevens was very particular about choosing the right jazz musicians to work on his scores. For these movies he used the interpretative skill of the outstanding young trumpeter and conductor Shorty Rogers. Shorty's collaboration with Stevens in scoring films produced some of the most exciting background music of the time. While soundtracks are generally not complete when heard apart from the film, this historic project works pretty well and will be enjoyed by fans of 1950s West Coast jazz. https://www.allmusic.com/album/the-wild-one-private-hell-original-soundtracks-mw0000357263
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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow): Stevens utilizó al trompetista Shorty Rogers y un grupo estelar de músicos de jazz de la Costa Oeste para música atmosférica en la película de Ida Lupino Private Hell 36, que también usa a Rogers y las estrellas de la Costa Oeste. La propia Lupino toma la vocal en "Didn't You Know." El uso de jazz progresivo por parte de Stevens creó una innovación en la historia de la música cinematográfica y Stevens era muy particular al elegir a los músicos de jazz adecuados para trabajar en sus partituras. Para estas películas utilizó la habilidad interpretativa del destacado joven trompetista y director Shorty Rogers. La colaboración de Shorty con Stevens en la composición de películas produjo parte de la música de fondo más emocionante de la época. Aunque las bandas sonoras generalmente no están completas cuando se escuchan aparte de la película, este proyecto histórico funciona bastante bien y será disfrutado por los fanáticos del jazz de la Costa Oeste de los años 50. https://www.allmusic.com/album/the-wild-one-private-hell-original-soundtracks-mw0000357263
Biography Lalo Schifrin is a true Renaissance man. As a pianist, composer and conductor, he is equally at home conducting a symphony orchestra, performing at an international jazz festival, scoring a film or television show, or creating works for the Los Angeles Chamber Orchestra, the London Philharmonic and even The Sultan of Oman.
As a young man in his native Argentina, Lalo Schifrin received classical training in music, and also studied law. He came from a musical family, and his father, Luis Schifrin, was the concertmaster of the Philharmonic Orchestra of Buenos Aires at the Teatro Colon.
Lalo Schifrin continued his formal music education at the Paris Conservatory during the early 1950’s. Simultaneously, he became a professional jazz pianist, composer and arranger, playing and recording in Europe.
When Schifrin returned to Buenos Aires in the mid 1950’s, he formed his own big concert band. It was during a performance of this band that Dizzy Gillespie heard Schifrin play and asked him to become his pianist and arranger. In 1958, Schifrin moved to the United States and thus began a remarkable career.
His music is a synthesis of traditional and twentieth-century techniques, and his early love for jazz and rhythm are strong attributes of his style. “Invocations,” “Concerto for Double Bass,” “Piano Concertos No. 1 and No. 2,” “Pulsations,” “Tropicos,” “La Nouvelle Orleans,” and “Resonances” are examples of this tendency to juxtapose universal thoughts with a kind of elaborated primitivism. In the classical composition field, Schifrin has more than 60 works.
He has written more than 100 scores for films and television. Among the classic scores are “Mission Impossible,” “Mannix,” “The Fox,” “Cool Hand Luke,” “Bullitt,” “Dirty Harry,” “The Cincinnati Kid,”and “Amityville Horror.” Recent film scores include “Tango,” “Rush Hour,” “Rush Hour 2,” “Bringing Down The House,”, “The Bridge of San Luis Rey,” “After the Sunset,” and “Abominable.”
To date, Lalo Schifrin has won four Grammy Awards (with twenty-one nominations), one Cable ACE Award, and received six Oscar nominations.
In 1987, a select group of some of the best musicians in France decided to form the Paris Philharmonic Orchestra for the purpose of recording music for films, performing concerts and participating in television shows. The appointed Lalo Schifrin as Musical Director and their inaugural concert took place at the Theatre des Champs Elysees on January 26, 1988. His first recording with this orchestra was released on September 1988. Schifrin held this post for five years before resigning to spend more time composing.
Among Schifrin’s other conducting credits are the London Philharmonic Orchestra, the London Symphony Orchestra, the Vienna Symphony Orchestra, the Los Angeles Philharmonic, the Israel Philharmonic, the Mexico Philharmonic, the Houston Symphony Orchestra, the Los Angeles Chamber Orchestra, the Mexico City Philharmonic, the Atlanta Symphony Orchestra, the Orchestra of Saint Luke (New York City), and the National Symphony Orchestra of Argentina.
In 1986, the Glendale Symphony Orchestra, under the baton of Lalo Schifrin, performed at the Hollywood Bowl. His “Salute to the Statue of Liberty” was received with a tumultuous ovation by a crowd of 17,000 people. In 1987, Schifrin was commissioned to write the overture for the Pan American Games which he recorded in Toronto and premiered with the Indianapolis Symphony Orchestra. In 1995, Schifrin composed ad conducted the finale for the Pan American Games, which were held in Argentina.
It is Schifrin’s ability to switch musical gears which makes him so unique in the music world. As a jazz musician he has performed and recorded with great personalities such as Dizzy Gillespie, Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald, Stan Getz, and Count Basie.
His “Concerto for Guitar and Orchestra,” was recorded by the London Philharmonic Orchestra featuring soloist Angel Romero. “Dances Concertantes” for clarinet and orchestra which he conducted at the Pyramids of Teotihuacan in Mexico with Placido Domingo as the tenor soloist. The event was telecast in 1989. In 1999, this concert was released on CD, DVD and VHS.
In April, 1989, Lalo Schifrin was appointed Music Director of the Glendale Symphony Orchestra, and he served in that capacity for six years.
He was commissioned to write the Grand Finale for an event which took place in Caracalla, Italy, July 7th, 1990, to celebrate the finals of the World Cup Soccer Championship. In this concert, the Three Tenors, Luciano Pavarotti, Placido Domingo and Jose Carreras sang together for the first time. The orchestras of the Rome and Florence opera companies were conducted by Zubin Mehta. The record and videotape of this event have gone on to become the biggest sellers in the history of classical music. Schifrin also was engaged to arrange the sequels for July 1994, also for Carreras, Domingo, Pavarotti and Zubin Mehta, which was performed at Dodger Stadium, again on the eve of the World Cup Soccer Championships; the Three Tenors event that was held in July of 1998 in Paris, France, and the latest one for the World Cup Finals in Japan.
Schifrin was commissioned by the Steinway Foundation to write his “Piano Concerto No. 2,” which was premiered by the National Symphony Orchestra, conducted by Mstislav Rostropovich, in Washington, D.C. at the Kennedy Center on June 11, 1992, featuring Cristina Ortiz as the soloist. In that year, he also produced, conducted and arranged a CD featuring Jose Carreras with the London Symphony Orchestra: “Friends for Life.”
Among Schifrin’s most recent commissions include “Fantasy for Screenplay and Orchestra” for Daniel Barenboim and the Chicago Symphony, premiered in 2002-2003 season, and Symphonic Impressions of Oman, which was commissioned by the Sultan of Oman, recorded in England with the London Symphony Orchestra, and released by Aleph Records in 2003. His recent key appearances in 2003 include Schifrin with the Georgian State Symphony Orchestra; with The Moscow Symphony Orchestra and with the Orchestre de la Suisse Romande in Geneva, Switzerland.
His longtime involvement in both the jazz and symphonic worlds came together beginning in 1993 when he was featured as pianist and conductor for his on-going series of “Jazz Meets the Symphony” recordings, with the London Philharmonic Orchestra, and such notable jazz stars as Ray Brown, Grady Tate, Jon Faddis, Paquito D’Rivera and James Morrison. “Thinking back, I believe the start of this project was really two of my early film scores, namely, ‘The Cincinnati Kid,’ in which Ray Charles sang backed by a symphony orchestra, and the famous chase scene through the streets of San Francisco in ‘Bullitt’ wherein I wrote a symphonic score combined with saxophone solos playing at very fast tempos.
Then, years later, when I arranged music for Dizzy Gillespie, Ray Brown, Grady Tate and myself to play for a tour with the Israel Philharmonic Orchestra, I began to fully realize that the two distinct musical forms could be combined.” “Jazz Meets the Symphony” was internationally successful, and led to the release in July 1994 of “More Jazz Meets the Symphony.” The third of the series, “Firebird, Jazz Meets the Symphony, No. 3” was released in the summer of 1996 and received two Grammy nominations. The fourth in the series “Metamorphosis,” was released in the spring of 1998 on Schifrin’s own label, Aleph Records. The gift set contains the first four releases so far and is entitled “The Jazz Meets the Symphony Collection.” The fifth in the series, “Intersections, Jazz Meets the Symphony, No. 5” was released in late summer 2001. It is unique in that it has a full symphony orchestra, full jazz band, plus jazz stars Jeff Hamilton, Christian McBride, James Morrison and David Sanchez. Jazz Meets the Symphony No. 6 will be recorded in early 2005.
In November 1992, the Los Angeles Master Chorale premiered his “Cantares Argentinos” in a concert of Latin American music. Also during that month, Schifrin conducted the European premiere of his “Piano Concerto No. 2” with the Sophia Radio Symphony Orchestra. This concert marked the first Bulgarian telecast for the Eurovision Network. The full-length concert is featured in a film score CD “Something to Believe In” with Jeffrey Biegel and the Munich Rundfunk Orchestra.
Schifrin wrote and adapted the music for “Christmas in Vienna” in 1992 featuring Diana Ross, Jose Carreras, and Placido Domingo. The telecast was released as a CD, laserdisc and video in 1993 on the Sony Classics label.
Schifrin returned to Vienna in December 1995 where he arranged the entire program of Christmas music entitled, Christmas in Vienna,” sung by Jose Carreras, Natalie Cole and Placido Domingo. It was shown on PBS in America on December 23rd and 24th of that year and is shown regularly during the holiday season.
In 1993, Schifrin was commissioned to write his “Lili’Uokalani Symphony” in honor of the last monarch of Hawaii, Queen Lili’Uokalani. The work was premiered by the Honolulu Symphony Orchestra, and was recorded by the Vienna Symphony Orchestra with Schifrin conducting in the spring of 1995. It was released in November 1996 on the Urtext Digital Classics label.
In the spring of 1993, Schifrin conducted for a recording with the Vienna Volksoper Orchestra for Julia Migenes, “Julia Migenes in Vienna,” and conducted the recording of “Te Deum” by Charpentier for classical trumpet virtuoso, Maurice Andre and chamber orchestra in Pairs. Both projects were released in October 1993.
His 1996 conducted recording of “The Carnival of the Animals” by Camille Saint-Saens has been acclaimed by the electronic and print media. The narrations are by Audrey Hepburn, Charlton Heston, James Earl Jones, Dudley Moore, Walter Matthau, and Lynn Redgrave.
He also composed the score for Luis Valdez’ epic drama “Bandido!,” presented at the Mark Taper Forum in Los Angeles. The music showed the wide spectrum of Schifrin’s talents as a composer. Valdez contributed lyrics to certain pieces.
The Sultan of Oman commissioned Schifrin for his latest classical work, “Symphonic Sketches of Oman.” This symphony was recorded by the London Symphony Orchestra with Schifrin conducting in the autumn of 2001 and released shortly thereafter.
On December 8th, 1995 in Marseilles, Schifrin led a symphony orchestra in celebration of the Lumiere brothers’ invention of film, with a concert entitled “100 Ans de Cinema.” The concert featured singers Julia Migenes and Dee Dee Bridgewater, which was recorded by Warner Bros. Records in France. This recording, “Film Classics,” is currently in release of Aleph Records. This concert was reprised in Buenos Aires in 1998, and is scheduled for release on CD with Aleph Records in February 2002.
In addition to current commissions and film scoring activities, Schifrin tours extensively conducting symphony orchestras particularly featuring his repertoire of “Jazz Meets the Symphony.”
Other conducting programs include film music, classical repertoire and jazz bands. The big band formations are frequently featured in performing “Gillespiana,” which has become a highly acclaimed classic. Recent performances have been the Playboy Jazz Festival, the Monterey Jazz Festival, the 80th birthday commemorative concert for Dizzy Gillespie in Englewood, New Jersey, television Big Band concert in Germany, WDR Big Band concert in Cologne, Germany; Carnegie Hall Jazz Band at Carnegie Hall, the Clark University Jazz Band in Atlanta at the I.A.J.E. (International Association of Jazz Educa-tors) and a concert in early 1998 with the BBC in London, England.
In October 1996 was the world premiere of “The Rhapsody for Bix.” Schifrin was commissioned by the Bix Beiderbecke Memorial Society to write a suite in honor of Davenport, Iowa’s native son, Bix Beiderbecke. This piece is on Schifrin’s current release “Metamorphosis.”
In June 1999, Schifrin premiered his “Latin Jazz Suite” with soloists Jon Faddis, David Sanchez, Ignacio Berroa, Alex Acuna and the WDR Big Band in Cologne, Germany. It was also performed with the BBC Big Band in London, England. In September 1999, the piece had its American premiere in Los Angeles at the Watercourt Plaza while, at the same time, the recording of the work was released. “Latin Jazz Suite” received a Grammy nomination, and was just released on DVD.
In January 2000, Schifrin premiered a new work for jazz big band, “Esperanto.” This work features soloists Jean-Luc Ponty, Don Byron, Nestor Marconi, James Morrison, Trilok Gurtu, Sydney Thiam, Greg Hutchinson, Simon Stockhausen and the WDR Big Band. “Esperanto” was released on CD in September, 2000.
Lalo Schifrin is a recipient of the 1988 BMI Lifetime Achievement Award. BMI also honored Schifrin in 2001 with a special composer’s award for his original cult classic theme to “Mission Impossible.” He was most recently honored in 2004 by French performing rights organization SACEM, along with the 57th Annual Cannes Film Festival, in recognition of his significant contribution to music, film and culture, and also in 2004 by the American Society of Music Arrangers & Composers (ASMAC) with the 65th Annual Golden Score Award. In 2003 Schifrin was honored by The City of Los
Angeles commemorating his rich body of work over the last several decades. He has received additional commendations in 2003 from the Los Angeles County and the California Legislature, and has been honored by the Israeli government for his “Contributions to World Understanding through Music.” In 1988, Schifrin received a star on the Hollywood Walk of Fame from the Hollywood Chamber of Commerce. He was given Honorary Doctorate Degrees from the Rhode Island School of Design and the University of La Plata, Argentina. He was honored at the M.I.D.E.M. Classique Festival in January, 1990, at Cannes, France, conducting the National Symphony Orchestra of Lyon. He received the “Distinguished Artist Award” in 1998 from the Los Angeles Music Center.
Lalo Schifrin has been appointed “Chevalier de l’Ordre des Arts et Lettres,” one of the highest distinctions granted by Frances’ Minister of Culture, which in this case was Mr. Jack Lang.
In 1998, the Argentine government appointed him Advisor to the President in Cultural Affairs with a rank of Secretary of the Cabinet.
Schifrin has been married to his wife, Donna, for more than 30 years. His three children include William, who is a writer for films and television; Frances, who is an art director/designer; and Ryan, who is a film writer/director. https://musicians.allaboutjazz.com/laloschifrin
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Biografía Lalo Schifrin es un verdadero hombre del Renacimiento. Como pianista, compositor y director de orquesta, se siente igual de cómodo dirigiendo una orquesta sinfónica, actuando en un festival internacional de jazz, haciendo música para una película o un programa de televisión, o creando obras para la Orquesta de Cámara de Los Ángeles, la Filarmónica de Londres e incluso para el Sultán de Omán.
De joven en su Argentina natal, Lalo Schifrin recibió formación clásica en música, y también estudió derecho. Provenía de una familia de músicos, y su padre, Luis Schifrin, fue el concertino de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires en el Teatro Colón.
Lalo Schifrin continuó su educación musical formal en el Conservatorio de París a principios de los años 50. Simultáneamente, se convirtió en pianista profesional de jazz, compositor y arreglista, tocando y grabando en Europa.
Cuando Schifrin regresó a Buenos Aires a mediados de los 50, formó su propia gran banda de conciertos. Fue durante una actuación de esta banda que Dizzy Gillespie escuchó a Schifrin tocar y le pidió que se convirtiera en su pianista y arreglista. En 1958, Schifrin se mudó a los Estados Unidos y así comenzó una notable carrera.
Su música es una síntesis de las técnicas tradicionales y del siglo XX, y su temprano amor por el jazz y el ritmo son fuertes atributos de su estilo. "Invocaciones", "Concierto para Contrabajo", "Conciertos para Piano No. 1 y No. 2", "Pulsaciones", "Tropicos", "La Nouvelle Orleans" y "Resonancias" son ejemplos de esta tendencia a yuxtaponer pensamientos universales con una especie de primitivismo elaborado. En el campo de la composición clásica, Schifrin tiene más de 60 obras.
Ha escrito más de 100 partituras para el cine y la televisión. Entre las partituras clásicas se encuentran "Misión imposible", "Mannix", "El zorro", "Cool Hand Luke", "Bullitt", "Harry el sucio", "El chico de Cincinnati" y "El horror de Amityville". Las últimas partituras de la película incluyen "Tango", "Rush Hour", "Rush Hour 2", "Bringing Down The House", "The Bridge of San Luis Rey", "After the Sunset" y "Abominable".
Hasta la fecha, Lalo Schifrin ha ganado cuatro premios Grammy (con veintiún nominaciones), un premio Cable ACE, y ha recibido seis nominaciones al Oscar.
En 1987, un selecto grupo de algunos de los mejores músicos de Francia decidió formar la Orquesta Filarmónica de París con el fin de grabar música para películas, realizar conciertos y participar en programas de televisión. Nombraron a Lalo Schifrin como Director Musical y su concierto inaugural tuvo lugar en el Teatro de los Campos Elíseos el 26 de enero de 1988. Su primera grabación con esta orquesta fue lanzada en septiembre de 1988. Schifrin ocupó este puesto durante cinco años antes de renunciar para dedicar más tiempo a la composición.
Entre los otros créditos de dirección de Schifrin se encuentran la Orquesta Filarmónica de Londres, la Orquesta Sinfónica de Londres, la Orquesta Sinfónica de Viena, la Filarmónica de Los Ángeles, la Filarmónica de Israel, la Filarmónica de México, la Orquesta Sinfónica de Houston, la Orquesta de Cámara de Los Ángeles, la Filarmónica de la Ciudad de México, la Orquesta Sinfónica de Atlanta, la Orquesta de Saint Luke (Ciudad de Nueva York) y la Orquesta Sinfónica Nacional de Argentina.
En 1986, la Orquesta Sinfónica de Glendale, bajo la dirección de Lalo Schifrin, actuó en el Hollywood Bowl. Su "Saludo a la Estatua de la Libertad" fue recibido con una tumultuosa ovación por una multitud de 17.000 personas. En 1987, Schifrin recibió el encargo de escribir la obertura de los Juegos Panamericanos, que grabó en Toronto y estrenó con la Orquesta Sinfónica de Indianápolis. En 1995, Schifrin compuso y dirigió la final de los Juegos Panamericanos, que se celebraron en Argentina.
Es la capacidad de Schifrin para cambiar de marcha musical lo que lo hace tan único en el mundo de la música. Como músico de jazz ha tocado y grabado con grandes personalidades como Dizzy Gillespie, Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald, Stan Getz y Count Basie.
Su "Concierto para Guitarra y Orquesta" fue grabado por la Orquesta Filarmónica de Londres con el solista Angel Romero. "Danzas Concertantes" para clarinete y orquesta que dirigió en las Pirámides de Teotihuacan en México con Plácido Domingo como tenor solista. El evento fue transmitido por televisión en 1989. En 1999, este concierto fue lanzado en CD, DVD y VHS.
En abril de 1989, Lalo Schifrin fue nombrado Director Musical de la Orquesta Sinfónica de Glendale, y sirvió en esa capacidad durante seis años.
Se le encargó escribir la Gran Final para un evento que tuvo lugar en Caracalla, Italia, el 7 de julio de 1990, para celebrar las finales de la Copa Mundial de Fútbol. En este concierto, los Tres Tenores, Luciano Pavarotti, Plácido Domingo y José Carreras cantaron juntos por primera vez. Las orquestas de las compañías de ópera de Roma y Florencia fueron dirigidas por Zubin Mehta. El disco y la cinta de vídeo de este evento se han convertido en los más vendidos en la historia de la música clásica. Schifrin también fue contratado para arreglar las secuelas para julio de 1994, también para Carreras, Domingo, Pavarotti y Zubin Mehta, que se presentó en el Estadio de los Dodgers, de nuevo en la víspera de la Copa Mundial de Fútbol; el evento de los Tres Tenores que se celebró en julio de 1998 en París, Francia, y el último para las finales de la Copa Mundial en Japón.
La Fundación Steinway encargó a Schifrin que escribiera su "Concierto para piano Nº 2", que fue estrenado por la Orquesta Sinfónica Nacional, dirigida por Mstislav Rostropovich, en Washington, D.C. en el Kennedy Center el 11 de junio de 1992, con Cristina Ortiz como solista. En ese año, también produjo, dirigió y arregló un CD de José Carreras con la Orquesta Sinfónica de Londres: "Friends for Life".
Entre los encargos más recientes de Schifrin se encuentran "Fantasía para Guión y Orquesta" para Daniel Barenboim y la Sinfónica de Chicago, estrenada en la temporada 2002-2003, y "Impresiones Sinfónicas de Omán", encargado por el Sultán de Omán, grabado en Inglaterra con la Orquesta Sinfónica de Londres, y lanzado por Aleph Records en 2003. Entre sus últimas apariciones importantes en 2003 figuran Schifrin con la Orquesta Sinfónica Estatal de Georgia; con la Orquesta Sinfónica de Moscú y con la Orquesta de la Suiza Romana en Ginebra (Suiza).
Su larga participación en los mundos del jazz y la sinfonía se unió a partir de 1993, cuando se presentó como pianista y director de la serie de grabaciones "Jazz Meets the Symphony", con la Orquesta Filarmónica de Londres y con estrellas del jazz tan notables como Ray Brown, Grady Tate, Jon Faddis, Paquito D'Rivera y James Morrison. "Pensando en el pasado, creo que el comienzo de este proyecto fue en realidad dos de mis primeras partituras de cine, a saber, 'The Cincinnati Kid', en la que Ray Charles cantó respaldado por una orquesta sinfónica, y la famosa escena de persecución por las calles de San Francisco en 'Bullitt' en la que escribí una partitura sinfónica combinada con solos de saxofón tocando a tempos muy rápidos.
Luego, años más tarde, cuando arreglé la música para Dizzy Gillespie, Ray Brown, Grady Tate y yo para tocar en una gira con la Orquesta Filarmónica de Israel, empecé a darme cuenta de que las dos formas musicales distintas podían combinarse". "Jazz meets the Symphony" tuvo éxito internacional, y llevó al lanzamiento en julio de 1994 de "More Jazz meets the Symphony". El tercero de la serie, "Firebird, Jazz Meets the Symphony, No. 3" fue lanzado en el verano de 1996 y recibió dos nominaciones al Grammy. La cuarta de la serie "Metamorphosis", fue lanzada en la primavera de 1998 en el propio sello de Schifrin, Aleph Records. El set de regalo contiene los primeros cuatro lanzamientos hasta ahora y se titula "El Jazz se encuentra con la colección de la sinfonía". El quinto de la serie, "Intersecciones, el Jazz se encuentra con la Sinfonía, No. 5" fue lanzado a finales del verano de 2001. Es único porque tiene una orquesta sinfónica completa, una banda de jazz completa, además de las estrellas de jazz Jeff Hamilton, Christian McBride, James Morrison y David Sánchez. Jazz Meets the Symphony No. 6 se grabará a principios de 2005.
En noviembre de 1992, la Coral Maestra de Los Ángeles estrenó sus "Cantares Argentinos" en un concierto de música latinoamericana. También durante ese mes, Schifrin dirigió el estreno europeo de su "Concierto para piano Nº 2" con la Orquesta Sinfónica de la Radio Sofía. Este concierto marcó la primera transmisión búlgara para la red de Eurovisión. El concierto completo se presenta en un CD de música de cine "Algo en lo que creer" con Jeffrey Biegel y la Orquesta Rundfunk de Munich.
Schifrin escribió y adaptó la música de "Navidad en Viena" en 1992 con Diana Ross, José Carreras y Plácido Domingo. La transmisión fue lanzada como CD, disco láser y video en 1993 en el sello Sony Classics.
Schifrin regresó a Viena en diciembre de 1995 donde arregló todo el programa de música navideña titulado "Navidad en Viena", cantado por José Carreras, Natalie Cole y Plácido Domingo. Se mostró en PBS en América el 23 y 24 de diciembre de ese año y se muestra regularmente durante la temporada de vacaciones.
En 1993, Schifrin recibió el encargo de escribir su "Sinfonía Lili'Uokalani" en honor al último monarca de Hawaii, la Reina Lili'Uokalani. La obra fue estrenada por la Orquesta Sinfónica de Honolulú y grabada por la Orquesta Sinfónica de Viena con Schifrin dirigiendo en la primavera de 1995. Fue lanzada en noviembre de 1996 en el sello Urtext Digital Classics.
En la primavera de 1993, Schifrin dirigió una grabación con la Orquesta de la Ópera Popular de Viena para Julia Migenes, "Julia Migenes en Viena", y dirigió la grabación de "Te Deum" de Charpentier para el virtuoso de la trompeta clásica, Maurice Andre y la orquesta de cámara en Pares. Ambos proyectos se estrenaron en octubre de 1993.
Su grabación dirigida en 1996 de "El carnaval de los animales" de Camille Saint-Saens ha sido aclamada por los medios de comunicación electrónicos e impresos. Las narraciones son de Audrey Hepburn, Charlton Heston, James Earl Jones, Dudley Moore, Walter Matthau y Lynn Redgrave.
También compuso la partitura del drama épico de Luis Valdez "¡Bandido!", presentado en el Mark Taper Forum de Los Ángeles. La música mostró el amplio espectro de los talentos de Schifrin como compositor. Valdez contribuyó con letras a ciertas piezas.
El Sultán de Omán le encargó a Schifrin su última obra clásica, "Sketches Sinfónicos de Omán". Esta sinfonía fue grabada por la Orquesta Sinfónica de Londres con Schifrin dirigiendo en el otoño de 2001 y fue estrenada poco después.
El 8 de diciembre de 1995 en Marsella, Schifrin dirigió una orquesta sinfónica para celebrar la invención del cine de los hermanos Lumiere, con un concierto titulado "100 Ans de Cinema". El concierto contó con la participación de las cantantes Julia Migenes y Dee Dee Bridgewater, que fue grabado por Warner Bros. Records en Francia. Esta grabación, "Film Classics", se encuentra actualmente en el lanzamiento de Aleph Records. Este concierto se repitió en Buenos Aires en 1998, y está previsto que se publique en CD con Aleph Records en febrero de 2002.
Además de los encargos actuales y las actividades de composición de películas, Schifrin realiza extensas giras dirigiendo orquestas sinfónicas, en particular con su repertorio de "Jazz meets the Symphony".
Otros programas de dirección incluyen música de películas, repertorio clásico y bandas de jazz. Las formaciones de big band se presentan con frecuencia en la interpretación de "Gillespiana", que se ha convertido en un clásico muy aclamado. Las actuaciones recientes han sido el Festival de Jazz de Playboy, el Festival de Jazz de Monterrey, el concierto conmemorativo del 80º aniversario de Dizzy Gillespie en Englewood, Nueva Jersey, el concierto de Big Band de la televisión en Alemania, el concierto de Big Band de la WDR en Colonia, Alemania; la Carnegie Hall Jazz Band en el Carnegie Hall, la Clark University Jazz Band en Atlanta en la I.A.J.E. (Asociación Internacional de Educadores de Jazz) y un concierto a principios de 1998 con la BBC en Londres, Inglaterra.
En octubre de 1996 fue el estreno mundial de "The Rhapsody for Bix". La Sociedad Conmemorativa de Bix Beiderbecke encargó a Schifrin que escribiera una suite en honor de Davenport, el hijo nativo de Iowa, Bix Beiderbecke. Esta pieza es sobre el actual lanzamiento de Schifrin "Metamorfosis".
En junio de 1999, Schifrin estrenó su "Suite de Jazz Latino" con los solistas Jon Faddis, David Sánchez, Ignacio Berroa, Alex Acuña y la WDR Big Band en Colonia, Alemania. También se presentó con la BBC Big Band en Londres, Inglaterra. En septiembre de 1999, la obra se estrenó en Estados Unidos en el Watercourt Plaza, mientras que al mismo tiempo se editó la grabación de la obra. "Latin Jazz Suite" recibió una nominación al Grammy, y acaba de salir en DVD.
En enero de 2000, Schifrin estrenó un nuevo trabajo para la big band de jazz, "Esperanto". Esta obra cuenta con los solistas Jean-Luc Ponty, Don Byron, Nestor Marconi, James Morrison, Trilok Gurtu, Sydney Thiam, Greg Hutchinson, Simon Stockhausen y la WDR Big Band. "Esperanto" fue lanzado en CD en septiembre de 2000.
Lalo Schifrin recibió en 1988 el premio BMI Lifetime Achievement Award. BMI también honró a Schifrin en 2001 con un premio especial de compositor por su tema clásico de culto original para "Misión Imposible". Fue honrado más recientemente en 2004 por la organización francesa de derechos de interpretación SACEM, junto con el 57º Festival de Cine de Cannes, en reconocimiento a su significativa contribución a la música, el cine y la cultura, y también en 2004 por la Sociedad Americana de Arregladores y Compositores de Música (ASMAC) con el 65º Premio Anual de la Partitura de Oro. En 2003 Schifrin fue honrado por la Ciudad de Los
Angeles conmemorando su rico trabajo de las últimas décadas. En 2003 recibió otras distinciones del condado de Los Ángeles y de la legislatura de California, y ha sido honrado por el gobierno israelí por su "Contribución al entendimiento mundial a través de la música". En 1988, Schifrin recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood de la Cámara de Comercio de Hollywood. Recibió el título de Doctor Honoris Causa de la Escuela de Diseño de Rhode Island y de la Universidad de La Plata, Argentina. Fue honrado en el Festival M.I.D.E.M. Classique en enero de 1990, en Cannes, Francia, dirigiendo la Orquesta Sinfónica Nacional de Lyon. Recibió el "Distinguished Artist Award" en 1998 del Centro de Música de Los Ángeles.
Lalo Schifrin ha sido nombrado "Chevalier de l'Ordre des Arts et Lettres", una de las más altas distinciones otorgadas por el Ministro de Cultura de Francia, que en este caso fue el Sr. Jack Lang.
En 1998, el gobierno argentino lo nombró Asesor del Presidente en Asuntos Culturales con rango de Secretario del Gabinete.
Schifrin ha estado casado con su esposa, Donna, por más de 30 años. Entre sus tres hijos se encuentran William, que es escritor de cine y televisión; Frances, que es directora de arte/diseñadora; y Ryan, que es escritor/director de cine. https://musicians.allaboutjazz.com/laloschifrin
Review from JAZZIZ Magazine (by Larry Nai): The Ellington orchestra sounded exquisite in the early summer sessions that produced this soundtrack. With a burnished sonic brilliance reminiscent of the glorious 1940 Blanton/Webster edition of the band, and soloists like Johnny Hodges and Paul Gonsalves, Ellington's tightly woven soundtrack took on a life independent of its original context. In doing so, it became one of Duke's most satisfying albums. https://www.amazon.com/Anatomy-Murder-Soundtrack-Motion-Picture/dp/B00000IMYH
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Reseña de JAZZIZ Magazine (por Larry Nai): La orquesta de Ellington sonó exquisita en las sesiones de principios de verano que produjeron esta banda sonora. Con un brillo sónico bruñido que recuerda a la gloriosa edición Blanton/Webster de 1940 de la banda, y solistas como Johnny Hodges y Paul Gonsalves, la banda sonora tejida apretadamente por Ellington cobró vida independiente de su contexto original. Al hacerlo, se convirtió en uno de los álbumes más satisfactorios de Duke. https://www.amazon.com/Anatomy-Murder-Soundtrack-Motion-Picture/dp/B00000IMYH
Description from Rate Your Music review: Hopkins composed a groundbreaking score that creatively merged jazz, blues, and orchestral elements for this Tennessee Williams film adaptation directed by Elia Kazan. The soundtrack features sultry saxophone work combined with powerful symphonic arrangements, creating an innovative approach that influenced Hollywood scoring. Hopkins, working in the declining studio era alongside composers like Alex North and Elmer Bernstein, brought fresh contemporary sensibilities to traditional orchestral film music. The result is an alternately sensual and dramatic score that perfectly captured the controversial black comedy atmosphere of the original 1956 film. https://rateyourmusic.com/release/album/kenyon-hopkins/baby-doll/
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Descripción de la reseña de Rate Your Music: Hopkins compuso una partitura innovadora que fusionó creativamente jazz, blues y elementos orquestales para esta adaptación cinematográfica de Tennessee Williams dirigida por Elia Kazan. La banda sonora presenta trabajo de saxofón sensual combinado con poderosos arreglos sinfónicos, creando un enfoque innovador que influyó en la música para cine de Hollywood. Hopkins, trabajando en la era de declive del sistema de estudios junto a compositores como Alex North y Elmer Bernstein, aportó frescas sensibilidades contemporáneas a la música orquestal tradicional para cine. El resultado es una partitura alternativamente sensual y dramática que capturó perfectamente la atmósfera controversial de comedia negra de la película original de 1956. https://rateyourmusic.com/release/album/kenyon-hopkins/baby-doll/
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