Johnny Hodges With Billy Strayhorn • Johnny Hodges With Billy Strayhorn And The Orchestra

 

Review by Ken Dryden

Alto saxophonist Johnny Hodges recorded frequently for Verve in the 1950s and 1960s, although nearly all of the musicians on this CD are from the Ellington orchestra and the arrangements are by Billy Strayhorn. Hodges is never less than superb throughout this reissue, while Lawrence Brown, Harry Carney and non-Ellingtonians Howard McGhee on trumpet and pianist Jimmy Jones also deserve praise. Strayhorn's exotic chart of "Azure" and emotional scoring of "Your Love Has Faded" are especially striking. Recommended.

https://www.allmusic.com/album/johnny-hodges-with-billy-strayhorn-and-the-orchestra-mw0000048313

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Reseña de Ken Dryden

El saxofonista alto Johnny Hodges grabó con frecuencia para Verve en las décadas de 1950 y 1960, aunque casi todos los músicos de este CD son de la orquesta de Ellington y los arreglos son de Billy Strayhorn. Hodges es nunca menos que magnífico a lo largo de esta reedición, mientras que Lawrence Brown, Harry Carney y el no elingtoniano Howard McGhee en la trompeta y el pianista Jimmy Jones también merecen elogios. La exótica carta de "Azure" de Strayhorn y la emotiva puntuación de "Your Love Has Faded" son especialmente llamativas. Recomendado.

https://www.allmusic.com/album/johnny-hodges-with-billy-strayhorn-and-the-orchestra-mw0000048313

Mose Allison • Sings And Plays V-8 Ford Blues

Artist Biography

Mose Allison was born in the Mississippi Delta on his grandfathers farm near the village of Tippo. At five he discovered he could play the piano by ear and began picking out blues and boogie tunes he heard on the local jukebox. In high school he listened to the music of Louis Armstrong, Fats Waller, Duke Ellington, Louis Jordan, and his prime inspiration, Nat Cole of the King Cole Trio. He played trumpet in the marching and dance bands and started writing his own songs.

After a year at the University of Mississippi, he went to the Army in l946, playing in the Army Band in Colorado Springs and performing with accomplished musicians from around the country in small groups at NCO and Officers clubs. Returning to Ole Miss he joined the dance band as arranger, piano and trumpet player, but shortly left to form his own trio, playing piano and singing in a style heavily influenced by Nat Cole, Louis Jordan and Erroll Garner. After a year on the road, Mose married, returned to college at Louisiana State University and graduated in 1952 with a BA in English and Philosophy.

He worked in nightclubs throughout the Southeast and West, blending the raw blues of his childhood with modern pianistic influences of John Lewis, Thelonius Monk and Al Haig. His vocal style was influenced by blues singers Percy Mayfield and Charles Brown. Arriving in New York in 1956, Mose received encouragement, work and a record date from Al Cohn. In 1957 he secured his own first recording contract with Prestige Records, recording Back Country Suite, a collection of pieces evoking the Mississippi Delta, released to unanimous critical acclaim. Mose went on to play and record with jazz greats Stan Getz, Al Cohn, Zoot Sims and Gerry Mulligan as well as with his own Mose Allison Trio.

Mose continued working with his own trio, writing and singing his own songs. His songs are a fusion of rustic blues and jazz, embellished with profound and often humorous lyrics. As a pianist, while admiring jazz masters Bud Powell and Lenny Tristano, he also learned from composers such as Bartok, Ives, Hindemith and Ruggles. The fusing of these diverse elements into a cohesive performance continues today. A biography, One Mans Blues: The Life and Music of Mose Allison, written by Patti Jones, was published in 1995 by Quartet Books Ltd. Of London.

Mose continues to write and perform all over the world. His songs have been covered by Van Morrison, John Mayall, The Who, The Clash, Eric Clapton, the Yardbirds, Elvis Costello and Bonnie Raitt to name a few. Van Morrison recorded a tribute album, Tell Me Something: The Songs of Mose Allison, on Verve Records, and rockers like Pete Townshend, Bonnie Raitt, Ray Davies and Bill Wyman of the Rolling Stones have frequently cited Mose Allison as a major influence.

His most recent Grammy nomination was for one of his two newest recordings, Mose Chronicles, Live in London, Vol. I on Blue Note Records. Mose Chronicles, Vol II was just released last year. Also, British born Director Paul Barnays has produced a one hour documentary on Mose, entitled Mose Allison; Ever Since I Stole the Blues, for the BBC4 in the UK. Among recent releases are a dozen reissues on CD including Allison Wonderland and a double CD retrospective on Rhino, and High Jinks, a three CD package on Legacy. Blue Note has also re-released a collection of past recordings, Mose Allison, Jazz Profiles. His music has often been used in movies, and he can be seen performing in the recently released movie, The Score, starring Robert DeNiro and Marlon Brando.

Mose resides on Long Island with his wife Audre where they raised four children: Alissa, an attorney, John, a telecommunication specialist, Janine, a psychiatrist, and Amy Allison, also a successful and respected singer songwriter in New York with her own group.

As one writer recently said: Mose is now at the peak of his performing career. Although maybe this last statement is not quite true as he seems to continue to improve on perfection.

Mose John Allison Jr. was born in 1927 in Tippo, Mississippi, a cotton town in the Mississippi delta. By the time Mose was in grade school he was already composing boogie woogie tunes on the piano. His father, a piano stride player himself, encouraged the young Mose in his playing but also taught him the meaning of “work on the farm.” Mose plowed cotton with a mule and said once that he is probably one of the few remaining living bluesman who can honestly make that claim. He grew up where “The blues was in the air.” While still in his teens Mose was sitting in with R and B bands on Memphis's famed musical mecca Beale Street. One of those bands was led by another teenage bluesman, Beale Street Boy, better known as B. B. King. It was a full decade before SUN Records discovery of Elvis Presley. In the 1940's in the deep south it was not yet socially acceptable for races to mix in public places. When it comes to music Mose says, “I just followed my ears.”

In 1956 Mose migrated to New York where the jazz scene was taking off. He staked out an artistic and musical niche that was both respected and unique. Today, many in the industry view Mose as a musician's musician, a singer's singer and a songwriter's songwriter. Mose is still playing over 150 dates a year and considers his 40 years on the road performing as “on the job training.” In the states Mose has a loyal following but, it was in England during the 1960's where Mose got the attention of many soon to be British Invaders. The Yardbirds, The Who, John Mayall's Bluesbreakers and others would soon be covering his songs. Someone said to Mose once, “You were a social critic before Dylan; you were satirical long before Newman; you were rude long before Jagger; why aren't you a big star?” Mose's answer to that was, “Just Lucky, I guess.” Mose's popularity in the states has been on a slow and steady rise. As the man himself wrote, “If you live, your time will come”. Perhaps Mose's time has finally come.

In a twenty month period covering 1994-5, a biography on Mose entitled, One Man's Blues, has been published in the UK, a studio CD on Blue Note was released entitled, The Earth Wants You, a live set from the seventies was released on indie CD entitled, Pure Mose, Rhino Records released a two CD anthology entitled, Allison Wonderland and finally a three CD boxed set from Sony, High Jinks! Trilogy. Certainly it is wonderful time to be a Mose fan.

https://musicians.allaboutjazz.com/moseallison

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Biografía del artista

Mose Allison nació en el delta del Mississippi, en la granja de su abuelo, cerca del pueblo de Tippo. A los cinco años descubrió que podía tocar el piano de oído y comenzó a escoger blues y boogie tunes que escuchaba en la rocola local. En la escuela secundaria escuchó la música de Louis Armstrong, Fats Waller, Duke Ellington, Louis Jordan, y su principal inspiración, Nat Cole, del trío King Cole. Tocaba la trompeta en las bandas de marcha y de baile y comenzó a escribir sus propias canciones.

Después de un año en la Universidad de Mississippi, se fue al Ejército en 1946, tocando en la Banda del Ejército en Colorado Springs y tocando con músicos consumados de todo el país en pequeños grupos en clubes de suboficiales y oficiales. De vuelta a Ole Miss se unió a la banda de baile como arreglista, pianista y trompetista, pero poco después se fue para formar su propio trío, tocando el piano y cantando en un estilo fuertemente influenciado por Nat Cole, Louis Jordan y Erroll Garner. Después de un año en la carretera, Mose se casó, regresó a la universidad en la Universidad Estatal de Louisiana y se graduó en 1952 con un BA en Inglés y Filosofía.

Trabajó en clubes nocturnos de todo el sudeste y oeste, mezclando el blues crudo de su infancia con las influencias pianísticas modernas de John Lewis, Thelonius Monk y Al Haig. Su estilo vocal fue influenciado por los cantantes de blues Percy Mayfield y Charles Brown. Al llegar a Nueva York en 1956, Mose recibió aliento, trabajo y una fecha récord de Al Cohn. En 1957 consiguió su primer contrato discográfico con Prestige Records, grabando Back Country Suite, una colección de piezas que evocan el delta del Mississippi, que fue publicada con elogios unánimes de la crítica. Mose pasó a tocar y grabar con los grandes del jazz Stan Getz, Al Cohn, Zoot Sims y Gerry Mulligan, así como con su propio Mose Allison Trio.

Mose continuó trabajando con su propio trío, escribiendo y cantando sus propias canciones. Sus canciones son una fusión de blues rústico y jazz, adornadas con letras profundas y a menudo humorísticas. Como pianista, mientras admiraba a los maestros de jazz Bud Powell y Lenny Tristano, también aprendió de compositores como Bartok, Ives, Hindemith y Ruggles. La fusión de estos diversos elementos en un desempeño cohesivo continúa hoy en día. Una biografía, One Mans Blues: The Life and Music of Mose Allison, escrito por Patti Jones, fue publicado en 1995 por Quartet Books Ltd. De Londres.

Mose sigue escribiendo y actuando en todo el mundo. Sus canciones han sido interpretadas por Van Morrison, John Mayall, The Who, The Clash, Eric Clapton, The Yardbirds, Elvis Costello y Bonnie Raitt, entre otros. Van Morrison grabó un álbum tributo, Tell Me Something: The Songs of Mose Allison, en Verve Records, y rockeros como Pete Townshend, Bonnie Raitt, Ray Davies y Bill Wyman of the Rolling Stones han citado con frecuencia a Mose Allison como una gran influencia.

Su más reciente nominación al Grammy fue por una de sus dos grabaciones más recientes, Mose Chronicles, Live in London, Vol. I en Blue Note Records. Mose Chronicles, Vol II fue lanzado el año pasado. Además, el director británico Paul Barnays ha producido un documental de una hora sobre Mose, titulado Mose Allison; Ever Since I Stole the Blues, para la BBC4 en el Reino Unido. Entre los lanzamientos recientes se encuentran una docena de reediciones en CD, incluyendo Allison Wonderland y una doble retrospectiva de CD sobre Rhino, y High Jinks, un paquete de tres CD sobre Legacy. Blue Note también ha reeditado una colección de grabaciones anteriores, Mose Allison, Jazz Profiles. Su música ha sido usada a menudo en películas, y se le puede ver actuando en la película recientemente estrenada, The Score, protagonizada por Robert DeNiro y Marlon Brando.

Mose reside en Long Island con su esposa Audre, donde criaron a cuatro hijos: Alissa, una abogada, John, un especialista en telecomunicaciones, Janine, una psiquiatra, y Amy Allison, también una exitosa y respetada cantante y compositora en Nueva York con su propio grupo.

Como dijo recientemente un escritor: Mose está ahora en la cima de su carrera interpretativa. Aunque tal vez esta última afirmación no es del todo cierta, ya que parece que sigue mejorando la perfección.

Mose John Allison Jr. nació en 1927 en Tippo, Mississippi, un pueblo algodonero en el delta del Mississippi. Para cuando Mose estaba en la escuela primaria ya estaba componiendo melodías de boogie woogie en el piano. Su padre, que también tocaba el piano a zancadas, alentó al joven Mose a tocar, pero también le enseñó el significado de "trabajar en la granja". Mose araba algodón con una mula y dijo una vez que probablemente es uno de los pocos bluesman viviente que puede honestamente hacer esa afirmación. Creció donde "El blues estaba en el aire". Cuando aún era adolescente, Mose estaba sentado con bandas de R y B en la famosa meca musical de Memphis, Beale Street. Una de esas bandas fue dirigida por otro bluesista adolescente, Beale Street Boy, más conocido como B. B. King. Fue una década antes de que SUN Records descubriera a Elvis Presley. En la década de 1940, en el sur profundo, todavía no era socialmente aceptable que las razas se mezclaran en lugares públicos. Cuando se trata de música, Mose dice: "Sólo seguí mis oídos".

En 1956 Mose emigró a Nueva York, donde la escena del jazz estaba despegando. Se propuso un nicho artístico y musical que era a la vez respetado y único. Hoy en día, muchos en la industria ven a Mose como un músico, un cantante y un compositor. Mose sigue tocando más de 150 dátiles al año y considera sus 40 años de gira como "entrenamiento en el trabajo". En los estados Mose tiene un seguimiento leal, pero fue en Inglaterra durante la década de 1960 donde Mose captó la atención de muchos que pronto serán invasores británicos. The Yardbirds, The Who, John Mayall's Bluesbreakers y otros pronto estarían cubriendo sus canciones. Alguien le dijo a Mose una vez: "Fuiste un crítico social antes de Dylan; fuiste satírico mucho antes de Newman; fuiste grosero mucho antes de Jagger; ¿por qué no eres una gran estrella? La respuesta de Mose a eso fue: "Supongo que con suerte". La popularidad de Mose en los Estados Unidos ha ido en aumento lento y constante. Como escribió el mismo hombre: "Si vives, llegará tu hora". Tal vez la hora de Mose haya llegado.

En un período de veinte meses que cubre 1994-5, una biografía sobre Mose titulada, One Man's Blues, ha sido publicada en el Reino Unido, un CD de estudio sobre Blue Note fue publicado titulado, The Earth Wants You, un set en vivo de los setenta fue publicado en un CD independiente titulado, Pure Mose, Rhino Records lanzó una antología de dos CD titulado, Allison Wonderland y finalmente una caja de tres CD de Sony, High Jinks! Trilogía. Ciertamente es un tiempo maravilloso para ser un fan de Mose.

https://musicians.allaboutjazz.com/moseallison

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

Cat Anderson • Plays W.C. Handy

 

Review by Scott Yanow
Cat Anderson only led a scattering of sessions throughout his career, and this particular set (reissued on CD in 1997) was only his second date as a leader since 1965. For a tribute to the music of W.C. Handy, Anderson performs nine Handy classics (including "Careless Love," "Beale Street Blues," "St. Louis Blues," and "Memphis Blues"), plus three alternate takes that were released for the first time in this reissue. Anderson, arguably the greatest of all high-note trumpeters, mostly plays in the middle-register during this set, but he cuts loose in the stratosphere now and then to remind listeners who he is, most notably on the opening "Yellow Dog Blues." On a swing date that sometimes hints at Dixieland, Anderson takes solo honors while being assisted by ex-Ellingtonians altoist Norris Turney, tenor saxophonist Harold Ashby, trombonist Booty Wood, bassist Aaron Bell, and drummer Sam Woodyard. Philippe Baudoin or Andre Persiany is on piano. A near classic.
https://www.allmusic.com/album/plays-wc-handy-mw0001882005

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Reseña de Scott Yanow
Cat Anderson sólo dirigió un puñado de sesiones a lo largo de su carrera, y este conjunto en particular (reeditado en CD en 1997) fue sólo su segunda cita como líder desde 1965. En un homenaje a la música de W.C. Handy, Anderson interpreta nueve clásicos de Handy (entre ellos "Careless Love", "Beale Street Blues", "St. Louis Blues" y "Memphis Blues"), además de tres tomas alternativas que se publicaron por primera vez en esta reedición. Anderson, posiblemente el más grande de todos los trompetistas de notas altas, toca sobre todo en el registro medio durante este disco, pero se suelta en la estratosfera de vez en cuando para recordar a los oyentes quién es, sobre todo en la inicial "Yellow Dog Blues". En una cita con el swing que a veces se asoma al Dixieland, Anderson se hace con los honores de solista, asistido por el contralto Norris Turney, el saxo tenor Harold Ashby, el trombonista Booty Wood, el bajista Aaron Bell y el batería Sam Woodyard. Philippe Baudoin o Andre Persiany están al piano. Casi un clásico.
https://www.allmusic.com/album/plays-wc-handy-mw0001882005

Sir Charles Thompson • His Personal Vanguard Recordings [1953-55]

 

Friedrich Gulda and His Sextet • At Birdland

 

Review by Ken Dryden
Friedrich Gulda first made his mark in the world of classical music before making the first of many excursions into jazz. This 1956 date at the original Birdland in New York City features the pianist with some well-chosen sidemen: alto saxophonist Phil Woods, tenor saxophonist Seldon Powell, trumpeter Idrees Sulieman, trombonist Jimmy Cleveland, bassist Aaron Bell, and drummer Nick Stabulas. Gulda's originals dominate the set, including the cool ballad "Dark Glow" and several strident bop numbers ("Scruby," "Dodo," and "New Shoes"); his septet also romps through "A Night in Tunisia" and "Bernie's Tune." The assertion that Gulda might be "the greatest piano virtuoso to emerge in the last ten years" is a bit of liner note hyperbole by John Hammond; Gulda is more than adequate but not worthy of comparison to any of the major jazz pianists active at the time of this recording. He does give his sidemen plenty of solo space, and Woods easily takes top solo honors for the evening. One amusing moment is the infamous midget Birdland MC Pee Wee Marquette's mispronunciation of Gulda's first name as "Frederick"; it can be safely assumed that the pianist forgot to tip him ahead of time, based on Marquette's legendary hustling of musicians appearing at the club. Long out of print, this LP has enough interesting moments to make it a worthwhile investment for fans of 1950s bop and cool jazz. 
https://www.allmusic.com/album/friedrich-gulda-at-birdland-mw0000423105

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Revisión por Ken Dryden
Friedrich Gulda dejó su huella por primera vez en el mundo de la música clásica antes de hacer la primera de muchas excursiones al jazz. Esta cita de 1956 en el Birdland original de la ciudad de Nueva York presenta al pianista con algunos acompañantes bien elegidos: el saxofonista alto Phil Woods, el saxofonista tenor Seldon Powell, el trompetista Idrees Sulieman, el trombonista Jimmy Cleveland, el bajista Aaron Bell y el baterista Nick Stabulás. Los originales de Gulda dominan el set, incluida la genial balada "Dark Glow" y varios números estridentes de bop ("Scruby"," Dodo "y"New Shoes"); su septeto también repasa "A Night in Tunisia" y " Bernie's Tune. La afirmación de que Gulda podría ser "el mayor virtuoso del piano surgido en los últimos diez años" es un poco una hipérbole de John Hammond; Gulda es más que adecuado, pero no digno de comparación con ninguno de los principales pianistas de jazz activos en el momento de esta grabación .  Le da a sus acompañantes mucho espacio en solitario, y Woods se lleva fácilmente los máximos honores en solitario por la noche. Un momento divertido es la mala pronunciación del infame enano Birdland MC Pee Wee Marquette del primer nombre de Gulda como "Frederick".; se puede suponer con seguridad que el pianista olvidó darle propina con anticipación, basándose en el legendario ajetreo de músicos de Marquette que aparecían en el club. Agotado durante mucho tiempo, este LP tiene suficientes momentos interesantes como para convertirlo en una inversión que valga la pena para los fanáticos del bop y el cool jazz de la década de 1950. 
https://www.allmusic.com/album/friedrich-gulda-at-birdland-mw0000423105

Booty Wood • Booty

 

 

Biography by Ron Wynn

Another of the musicians who excelled on mutes in the Ellington band, Booty Wood provided humorous, effective, and exuberant trombone solos with the plunger, and several solid unmuted ones. He began his professional career in the late '30s and worked with Tiny Bradshaw and Lionel Hampton in the early '40s. Wood played in a Navy band with Clark Terry, Willie Smith, and Gerald Wilson, then reteamed with Hampton after his discharge. He joined Arnett Cobb's small band in 1947 and 1948, played with Erskine Hawkins from 1948 to 1950, and with Count Basie in 1951. Wood left music for a while before joining Ellington in 1959 and working with him until 1960. He rejoined in 1963, but only stayed briefly. Wood returned a third time in the early '70s. He also worked with Earl Hines in 1968, and with Mercer Ellington in the '70s. Wood recorded with the Count Basie Orchestra from 1979 to the mid-'80s. He can be heard on Ellington's and Basie's reissued CDs, as well as some Hampton discs.

https://www.allmusic.com/artist/booty-wood-mn0000090366#biography

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Biografía de Ron Wynn

Otro de los músicos que sobresalió en los silencios en la banda de Ellington, Booty Wood proporcionó solos de trombón humorísticos, efectivos y exuberantes con el émbolo, y varios sólidos sin silenciar. Comenzó su carrera profesional a fines de los años 30 y trabajó con Tiny Bradshaw y Lionel Hampton a principios de los 40. Wood tocó en una banda de la Marina con Clark Terry, Willie Smith y Gerald Wilson, y luego volvió a formar equipo con Hampton después de su baja. Se unió a la pequeña banda de Arnett Cobb en 1947 y 1948, tocó con Erskine Hawkins de 1948 a 1950 y con Count Basie en 1951. Wood dejó la música por un tiempo antes de unirse a Ellington en 1959 y trabajar con él hasta 1960. Se reincorporó en 1963, pero solo permaneció brevemente. Wood regresó por tercera vez a principios de los 70. También trabajó con Earl Hines en 1968 y con Mercer Ellington en los 70. Wood grabó con la Orquesta Count Basie desde 1979 hasta mediados de los 80. Se le puede escuchar en los CD reeditados de Ellington y Basie, así como en algunos discos de Hampton.

https://www.allmusic.com/artist/booty-wood-mn0000090366#biography

Seldon Powell • Seldon Powell Sextet Featuring Jimmy Cleveland

 

Aaron Bell Trio • After The Party's Over

Biography

Though he studied at Xavier University and played in many New Orleans bands, Aaron Bell was no traditionalist. He was rather one of the best bassists ever in the Duke Ellington band; his powerful lines and graceful, yet sturdy support provided a rich presence in the rhythm section alongside drummer Sam Woodyard and the Duke on piano. Bell was in the Navy from 1942 to 1946, then worked with Andy Kirk in 1947. He returned to his native Oklahoma and taught music before resuming his own education at New York University. Bell recorded and worked with Lucky Millinder, Teddy Wilson and Lester Young in the '50s, while leading his own trio. They recorded in 1955 and 1958. Bell backed vocalists, and played with combos and in the Broadway show "Compulsion" before joining Ellington in 1960. He remained until 1962, then did sessions and worked in theater. He became resident composer at La Mama, an experimental New Jersey theater, in 1972. Bell also taught music in Newark and earned his masters at Columbia in 1975. He continued to teach until retiring in the early-'90s; he passed away at a Bronx, NY hospital on July 28, 2003 at the age of 82. Aaron Bell can be heard on various sessions from, among others, Duke Ellington, Stan Kenton, Johnny Hodges, and Billy Holiday.

by Ron Wynn

https://www.allmusic.com/artist/aaron-bell-mn0000449439/biography

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Biografía

Aunque estudió en la Universidad de Xavier y tocó en muchas bandas de Nueva Orleans, Aaron Bell no era un tradicionalista. Era más bien uno de los mejores bajistas de la banda de Duke Ellington; sus poderosas líneas y su apoyo grácil y robusto proporcionaban una rica presencia en la sección rítmica junto al baterista Sam Woodyard y el Duque en el piano. Bell estuvo en la Marina de 1942 a 1946, y luego trabajó con Andy Kirk en 1947. Regresó a su Oklahoma natal y enseñó música antes de reanudar su propia educación en la Universidad de Nueva York. Bell grabó y trabajó con Lucky Millinder, Teddy Wilson y Lester Young en los años 50, mientras dirigía su propio trío. Grabaron en 1955 y 1958. Bell apoyó a los vocalistas y tocó con combos y en el espectáculo de Broadway "Compulsion" antes de unirse a Ellington en 1960. Permaneció hasta 1962, luego hizo sesiones y trabajó en el teatro. Se convirtió en compositor residente de La Mama, un teatro experimental de Nueva Jersey, en 1972. Bell también enseñó música en Newark y obtuvo su maestría en Columbia en 1975. Continuó enseñando hasta su jubilación a principios de los 90; falleció en un hospital del Bronx, NY, el 28 de julio de 2003 a la edad de 82 años. Aaron Bell se puede escuchar en varias sesiones de, entre otros, Duke Ellington, Stan Kenton, Johnny Hodges y Billy Holiday.

por Ron Wynn

https://www.allmusic.com/artist/aaron-bell-mn0000449439/biography

Billy Strayhorn & Johnny Hodges • Stanley Dance Session

Some rare non-Ellington material from Billy Strayhorn and Johnny Hodges -- both sessions recorded as part of a series done by producer Stanley Dance at the end of the 50s! The feel here is a almost a bit more open and less restrained than the usual Ellington groove -- with some standout longer tracks, plus a number of more familiar numbers crafted in that rich Strayhorn love of colors and tones -- all topped with beautiful solo work by Johnny Hodges.

 

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Some rare non-Ellington material from Billy Strayhorn and Johnny Hodges -- both sessions recorded as part of a series done by producer Stanley Dance at the end of the 50s! The feel here is a almost a bit more open and less restrained than the usual Ellington groove -- with some standout longer tracks, plus a number of more familiar numbers crafted in that rich Strayhorn love of colors and tones -- all topped with beautiful solo work by Johnny Hodges.

The Aaron Bell Orchestra • Music From Peter Gunn

Biography

Though he studied at Xavier University and played in many New Orleans bands, Aaron Bell was no traditionalist. He was rather one of the best bassists ever in the Duke Ellington band; his powerful lines and graceful, yet sturdy support provided a rich presence in the rhythm section alongside drummer Sam Woodyard and the Duke on piano. Bell was in the Navy from 1942 to 1946, then worked with Andy Kirk in 1947. He returned to his native Oklahoma and taught music before resuming his own education at New York University. Bell recorded and worked with Lucky Millinder, Teddy Wilson and Lester Young in the '50s, while leading his own trio. They recorded in 1955 and 1958. Bell backed vocalists, and played with combos and in the Broadway show "Compulsion" before joining Ellington in 1960. He remained until 1962, then did sessions and worked in theater. He became resident composer at La Mama, an experimental New Jersey theater, in 1972. Bell also taught music in Newark and earned his masters at Columbia in 1975. He continued to teach until retiring in the early-'90s; he passed away at a Bronx, NY hospital on July 28, 2003 at the age of 82. Aaron Bell can be heard on various sessions from, among others, Duke Ellington, Stan Kenton, Johnny Hodges, and Billy Holiday.

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Biografía

Aunque estudió en la Universidad de Xavier y tocó en muchas bandas de Nueva Orleans, Aaron Bell no era tradicionalista. Fue uno de los mejores bajistas de la banda de Duke Ellington; sus líneas poderosas y su apoyo elegante y robusto proporcionaron una rica presencia en la sección rítmica junto con el baterista Sam Woodyard y el Duke al piano. Bell estuvo en la Marina de 1942 a 1946, luego trabajó con Andy Kirk en 1947. Regresó a su Oklahoma natal y enseñó música antes de reanudar su propia educación en la Universidad de Nueva York. Bell grabó y trabajó con Lucky Millinder, Teddy Wilson y Lester Young en los años 50, mientras dirigía su propio trío. Grabaron en 1955 y 1958. Bell apoyó a vocalistas, y tocó con combos y en el espectáculo de Broadway "Compulsion" antes de unirse a Ellington en 1960. Permaneció hasta 1962, luego hizo sesiones y trabajó en teatro. Se convirtió en compositor residente de La Mama, un teatro experimental de Nueva Jersey, en 1972. Bell también enseñó música en Newark y obtuvo su maestría en Columbia en 1975. Continuó enseñando hasta retirarse a principios de los 90; falleció en un hospital del Bronx, Nueva York, el 28 de julio de 2003, a la edad de 82 años. Aaron Bell puede ser escuchado en varias sesiones de, entre otros, Duke Ellington, Stan Kenton, Johnny Hodges y Billy Holiday.

The Aaron Bell Orchestra • Music From 77 Sunset Strip

with Kenny Burrell, Ray Bryant, Eddie Costa ...



Biography

Though he studied at Xavier University and played in many New Orleans bands, Aaron Bell was no traditionalist. He was rather one of the best bassists ever in the Duke Ellington band; his powerful lines and graceful, yet sturdy support provided a rich presence in the rhythm section alongside drummer Sam Woodyard and the Duke on piano. Bell was in the Navy from 1942 to 1946, then worked with Andy Kirk in 1947. He returned to his native Oklahoma and taught music before resuming his own education at New York University. Bell recorded and worked with Lucky Millinder, Teddy Wilson and Lester Young in the '50s, while leading his own trio. They recorded in 1955 and 1958. Bell backed vocalists, and played with combos and in the Broadway show "Compulsion" before joining Ellington in 1960. He remained until 1962, then did sessions and worked in theater. He became resident composer at La Mama, an experimental New Jersey theater, in 1972. Bell also taught music in Newark and earned his masters at Columbia in 1975. He continued to teach until retiring in the early-'90s; he passed away at a Bronx, NY hospital on July 28, 2003 at the age of 82. Aaron Bell can be heard on various sessions from, among others, Duke Ellington, Stan Kenton, Johnny Hodges, and Billy Holiday.

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Biografía

Aunque estudió en la Universidad de Xavier y tocó en muchas bandas de Nueva Orleans, Aaron Bell no era tradicionalista. Fue uno de los mejores bajistas de la banda de Duke Ellington; sus líneas poderosas y su apoyo elegante y robusto proporcionaron una rica presencia en la sección rítmica junto con el baterista Sam Woodyard y el Duke al piano. Bell estuvo en la Marina de 1942 a 1946, luego trabajó con Andy Kirk en 1947. Regresó a su Oklahoma natal y enseñó música antes de reanudar su propia educación en la Universidad de Nueva York. Bell grabó y trabajó con Lucky Millinder, Teddy Wilson y Lester Young en los años 50, mientras dirigía su propio trío. Grabaron en 1955 y 1958. Bell apoyó a vocalistas, y tocó con combos y en el espectáculo de Broadway "Compulsion" antes de unirse a Ellington en 1960. Permaneció hasta 1962, luego hizo sesiones y trabajó en teatro. Se convirtió en compositor residente de La Mama, un teatro experimental de Nueva Jersey, en 1972. Bell también enseñó música en Newark y obtuvo su maestría en Columbia en 1975. Continuó enseñando hasta retirarse a principios de los 90; falleció en un hospital del Bronx, Nueva York, el 28 de julio de 2003, a la edad de 82 años. Aaron Bell puede ser escuchado en varias sesiones de, entre otros, Duke Ellington, Stan Kenton, Johnny Hodges y Billy Holiday.

 

 

 

Charlie Shavers • Horn O'plenty

 

Biography
by Scott Yanow

Charlie Shavers was one of the great trumpeters to emerge during the swing era, a virtuoso with an open-minded and extroverted style along with a strong sense of humor. He originally played piano and banjo before switching to trumpet, and he developed very quickly. In 1935, he was with Tiny Bradshaw's band and two years later he joined Lucky Millinder's big band. Soon afterward he became a key member of John Kirby's Sextet where he showed his versatility by mostly playing crisp solos while muted. Shavers was in demand for recording sessions and participated on notable dates with New Orleans jazz pioneers Johnny Dodds, Jimmy Noone, and Sidney Bechet. He also had many opportunities to write arrangements for Kirby and had a major hit with his composition "Undecided." After leaving Kirby in 1944, Charlie Shavers worked for a year with Raymond Scott's CBS staff orchestra, and then was an important part of Tommy Dorsey's Orchestra from 1945 until past TD's death in 1956. Although well-featured, this association kept Shavers out of the spotlight of jazz, but fortunately he did have occasional vacations in which he recorded with the Metronome All-Stars and toured with Jazz at the Philharmonic; at the latter's concerts in 1953, Shaver's trumpet battles with Roy Eldridge were quite exciting. After Dorsey's death, Shavers often led his own quartet although he came back to the ghost band from time to time. During the 1960s, his range and technique gradually faded, and Charlie Shavers died from throat cancer in 1971 at the age of 53.

https://www.allmusic.com/artist/charlie-shavers-mn0000179732/biography

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Charlie Shavers fue uno de los grandes trompetistas que surgieron durante la era del swing, un virtuoso con un estilo extrovertido y de mente abierta junto con un fuerte sentido del humor. Originalmente tocaba el piano y el banjo antes de cambiar a la trompeta, y se desarrolló muy rápidamente.

En 1935, estaba con la banda de Tiny Bradshaw y dos años después se unió a la big band de Lucky Millinder. Poco después se convirtió en un miembro clave del Sexteto de John Kirby, donde mostró su versatilidad tocando principalmente solos nítidos mientras estaba silenciado. Shavers tenía demanda para muchas sesiones de grabación y participó en fechas notables con los pioneros del jazz de Nueva Orleans, Johnny Dodds, Jimmy Noone y Sidney Bechet. También tuvo muchas oportunidades de escribir arreglos para Kirby y tuvo un gran éxito con su composición «Undecided».

Después de dejar Kirby en 1944, Charlie Shavers trabajó durante un año con la orquesta del personal de la CBS de Raymond Scott, y luego fue una parte importante de la Orquesta de Tommy Dorsey desde 1945 hasta la muerte de este en 1956. Aunque bien presentada, esta asociación mantuvo a Shavers fuera de la lista y del centro de atención del jazz, pero afortunadamente volvió para grabar con el «Metronome All-Stars» y realizó una gira con «Jazz at the Philharmonic»; en los conciertos de esta última formación dirigida por Norman Granz, las «batallas» de trompeta de Shaver con Roy Eldridge fueron bastante emocionantes en 1953.

Después de la muerte de Tommy Dorsey, Shavers solía liderar su propio cuarteto. Durante la década de 1960, su rango y técnica se desvanecieron gradualmente, y Charlie Shavers murió de cáncer de garganta en 1971 a la edad de 53 años.

https://apoloybaco.com/jazz/charlie-shavers/


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Earl Hines • Once Upon A Time

 

 

Count Basie's All Stars featuring Joe Williams • A Night At Count Basie's

 

Review
by Bruce Eder  
This is not a Count Basie album, although thanks to its title, there's a good chance that you'll find it in the Count Basie bin in your record store. But the bandleader/keyboard legend doesn't play any music here; rather, it's a live performance at his bar on 132nd St. and Seventh Ave. in New York's Harlem, with Basie as host and master of ceremonies, announcer, and even tending bar. This may possibly have been, as claimed, the first authorized commercial recording ever done from a neighborhood bar (complete with the sounds of telephones, cash registers, etc., in the distant background), and the results are priceless. Williams is the featured musician and sounds just great on the slow, moody blues "More Than One for My Baby." The band -- Emmett Berry on trumpet, Marlowe Morris on the organ, Bobby Donaldson at the drums, Vic Dickenson on trombone, Bobby Henderson at the piano, and Aaron Bell on bass -- is very tight, and Berry's, Morris', and Henderson's instrumental voices are beautifully articulated. Marlowe and Henderson turn in a stunning performance together, both keyboards out in front, on "Too Marvelous for Words," which they stretch out in a long, languid jam into "Sent for You Yesterday" with Williams back in front. The group also has a great time reworking Duke Ellington's "Perdido" and stretches "Canadian Sunset" into a soaring ten-minute finale. The sound is remarkably clean and sharp, which makes the fact that the band was incredibly "on" that night even more appreciated. A must-own albumfor any fan of Williams and of small-group jazz of this era.
https://www.allmusic.com/album/a-night-at-count-basies-mw0000094090

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Reseña
por Bruce Eder  
Este no es un disco de Count Basie, aunque gracias a su título, es muy probable que lo encuentres en la papelera de Count Basie de tu tienda de discos. Pero el legendario director de orquesta y teclista no toca música aquí, sino que se trata de una actuación en directo en su bar de la calle 132 con la Séptima Avenida, en el Harlem neoyorquino, con Basie como anfitrión y maestro de ceremonias, locutor e incluso atendiendo la barra. Posiblemente se trate, como se afirma, de la primera grabación comercial autorizada realizada desde un bar de barrio (con los sonidos de teléfonos, cajas registradoras, etc., de fondo), y los resultados no tienen precio. Williams es el músico principal y suena genial en el blues lento y taciturno "More Than One for My Baby". La banda - Emmett Berry a la trompeta, Marlowe Morris al órgano, Bobby Donaldson a la batería, Vic Dickenson al trombón, Bobby Henderson al piano y Aaron Bell al bajo - está muy compenetrada, y las voces instrumentales de Berry, Morris y Henderson están muy bien articuladas. Marlowe y Henderson hacen una actuación impresionante juntos, ambos teclados al frente, en "Too Marvelous for Words", que alargan en una larga y lánguida jam en "Sent for You Yesterday" con Williams de nuevo al frente. El grupo también se divierte versionando "Perdido" de Duke Ellington y alarga "Canadian Sunset" en un final de diez minutos. El sonido es notablemente limpio y nítido, lo que hace que se aprecie aún más el hecho de que la banda estaba increíblemente "encendida" esa noche. Un álbum imprescindible para cualquier fan de Williams y del jazz de pequeños grupos de esta época.
https://www.allmusic.com/album/a-night-at-count-basies-mw0000094090

Johnny Hodges • The Smooth One

 

Review
by Scott Yanow
This attractive double LP from 1979 includes two complete sessions by altoist Johnny Hodges that were previously unissued at the time. Most unusual is that Hodges contributed 15 of the 19 compositions; the others are "My Melancholy Baby," "Lotus Blossom," and two by clarinetist Jimmy Hamilton. Despite the unfamiliar material, the music is very much in the Duke Ellington style, with an emphasis on blues, ballads, and riff tunes. In addition to Hodges, the other main soloists are trumpeter Harold "Shorty" Baker, tenor saxophonist Ben Webster (on the first date), and trumpeter/violinist Ray Nance (on the second).
https://www.allmusic.com/album/a-smooth-one-mw0000874567

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Reseña
por Scott Yanow
Este atractivo doble LP de 1979 incluye dos sesiones completas del contralto Johnny Hodges que no habían sido editadas en su momento. Lo más inusual es que Hodges contribuyó con 15 de las 19 composiciones; las otras son "My Melancholy Baby", "Lotus Blossom" y dos del clarinetista Jimmy Hamilton. A pesar del material poco familiar, la música está muy en el estilo de Duke Ellington, con énfasis en blues, baladas y melodías con riffs. Además de Hodges, los otros solistas principales son el trompetista Harold "Shorty" Baker, el saxofonista tenor Ben Webster (en la primera fecha) y el trompetista/violinista Ray Nance (en la segunda).
https://www.allmusic.com/album/a-smooth-one-mw0000874567

Seldon Powell • Seldon Powell Sextet Featuring Jimmy Cleveland

 

Biography
by Ron Wynn
A veteran tenor saxophonist and flutist, Seldon Powell adjusted and honed his style over the years, being flexible enough to play anything from swing to hard bop and in between. He wasn't the greatest soloist, most ambitious composer, or most spectacular arranger; he was simply a good, consistent player who survived many changes and trends to remain active from the late '40s until the '90s. Powell was classically trained in New York, then worked briefly with Tab Smith in 1949 before joining Lucky Millinder and recording with him in 1950. Powell was in the military in 1950 and 1951, then became a studio musician in New York. He worked and recorded with Louis Bellson, Neal Hefti, Friedrich Gulda, Johnny Richards, and Billy Ver Planck in the mid- and late '50s. Powell also played with Sy Oliver and Erskine Hawkins, and studied at Juilliard. He traveled to Europe with Benny Goodman's band in 1958, and worked briefly with Woody Herman. Powell was a staff player for ABC television in the '60s, and also played and recorded with Buddy Rich, Bellson, Clark Terry, and Ahmed Abdul-Malik. He did a number of soul-jazz and pop dates in the late '60s and early '70s, among them a session with Groove Holmes and big-band dates backing Gato Barbieri and Dizzy Gillespie. Powell was principal soloist in Gerry Mulligan's 16-piece band at the JVC Jazz Festival in New York in 1987. He recorded as a leader for Roost and Epic.
https://www.allmusic.com/artist/seldon-powell-mn0000005234/biography

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Biografía
por Ron Wynn
Veterano saxofonista tenor y flautista, Seldon Powell ajustó y perfeccionó su estilo a lo largo de los años, siendo lo suficientemente flexible como para tocar cualquier cosa, desde el swing hasta el hard bop y en el medio. No fue el mejor solista, ni el compositor más ambicioso, ni el arreglista más espectacular; fue simplemente un músico bueno y consistente que sobrevivió a muchos cambios y tendencias para mantenerse activo desde finales de los años 40 hasta los 90. Powell recibió formación clásica en Nueva York, y luego trabajó brevemente con Tab Smith en 1949 antes de unirse a Lucky Millinder y grabar con él en 1950. Powell estuvo en el ejército en 1950 y 1951, y luego se convirtió en músico de estudio en Nueva York. Trabajó y grabó con Louis Bellson, Neal Hefti, Friedrich Gulda, Johnny Richards y Billy Ver Planck a mediados y finales de los años 50. Powell también tocó con Sy Oliver y Erskine Hawkins, y estudió en Juilliard. Viajó a Europa con la banda de Benny Goodman en 1958 y trabajó brevemente con Woody Herman. En los años 60, Powell trabajó para la cadena de televisión ABC y también tocó y grabó con Buddy Rich, Bellson, Clark Terry y Ahmed Abdul-Malik. A finales de los años 60 y principios de los 70 tocó en varias ocasiones en el ámbito del soul-jazz y el pop, entre ellas una sesión con Groove Holmes y actuaciones con bandas grandes para acompañar a Gato Barbieri y Dizzy Gillespie. Powell fue el solista principal de la banda de 16 músicos de Gerry Mulligan en el JVC Jazz Festival de Nueva York en 1987. Grabó como líder para Roost y Epic.

Ruby Braff • Linger Awhile

 

Review by Ken Dryden
This compilation combines tracks from three separate early-'50s recording sessions. Braff, heard on trumpet rather than cornet, is in great form, and is joined by Vic Dickenson, Nat Pierce, and now-obscure tenor saxophonist Samuel Margolis on a swinging "Sweet Sue." Two tracks come from a Dickenson-led date; the best is a very relaxed take on "I Cover the Waterfront." Only one selection comes from a meeting of Braff and fellow trumpeter Buck Clayton, but it's a gem -- an extended look at "I Can't Get Started." As with many Vanguard reissues of recent vintage, the only complaint is that each of the record dates merited a separate re-release instead of this enjoyable but piecemeal anthology CD.
https://www.allmusic.com/album/linger-awhile-mw0000258734

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Reseña de Ken Dryden
Esta recopilación combina temas de tres sesiones de grabación independientes de principios de los 50. Braff, a la trompeta en lugar de a la corneta, está en plena forma, y se le unen Vic Dickenson, Nat Pierce y el saxofonista tenor Samuel Margolis, ahora en paradero desconocido, en un swing "Sweet Sue". Dos temas proceden de una cita liderada por Dickenson; el mejor es una versión muy relajada de "I Cover the Waterfront". Sólo una selección proviene de una reunión de Braff y su compañero trompetista Buck Clayton, pero es una joya: una extensa mirada a "I Can't Get Started". Como con muchas reediciones de Vanguard de época reciente, la única queja es que cada una de las fechas de grabación merecía una reedición separada en lugar de este CD antológico agradable pero fragmentario.
https://www.allmusic.com/album/linger-awhile-mw0000258734

Harry Carney • The Duke's Men

 

Biography by arwulf arwulf
Harry Carney's baritone saxophone was the anchor, the lodestone, the foundation of a distinctive tonal blend that virtually defined the Duke Ellington Orchestra for more than 45 years. A mainstay of the Ellington experience, he remained with Duke longer than anyone else and outlived him by only a little more than four months. Harry Howell Carney was born in Boston on the first of April 1910 and grew up in the same neighborhood as alto saxophonists Johnny Hodges and Charlie Holmes. Together they gathered inspiration from 78-rpm jazz records. Carney cited as primary influences Sidney Bechet with Clarence Williams, Buster Bailey with Fletcher Henderson, and Don Murray with Jean Goldkette. At the age of 13, he blew clarinet with a band sponsored by the Knights of Pythias. After developing some proficiency on the alto sax, he visited New York with Holmes and gigged at the Bamboo Inn shortly before it burned to the ground.

Carney then began sitting in with Duke Ellington, who took him back to Boston for a series of one-nighters. After Duke sweet-talked Carney's mother into allowing the 17-year-old to continue his involvement with the band, a lifelong collaboration ensued. Over the years Ellington took to riding in Carney's Imperial automobile while the saxophonist quietly handled the steering wheel. This provided Duke with a friendly and intimate atmosphere wherein some of his most memorable melodies were conceived. Carney co-composed "Rockin' in Rhythm" and was usually responsible for executing the bubbling clarinet solo on this tune, but he generally confined himself to the big baritone sax. Examples of his arresting presence on this horn are myriad and include "Frustration," "Sono," "Perdido," and "La Plus Belle Africaine." A bonus track version of "Sophisticated Lady" on the CD reissue of the Verve album Soul Call is a thrilling testimonial to Carney's lyrical profundity as a balladeer and his resilience as a practitioner of circular breathing, two of the many ways in which he influenced Rahsaan Roland Kirk, who in 1972 on his album A Meeting of the Times presented a duple portrait of Harry Carney and Barney Bigard by simultaneously blowing a clarinet and a baritone sax. Carney claimed to have originally mastered the baritone in order to help Duke broaden the palette of the ensemble, initially emulating Coleman Hawkins in the upper register and Adrian Rollini in the basement of the horn. Around 1944 he also took up the bass clarinet.

Between 1946 and 1960, Harry Carney recorded as a leader for the HRS, Wax, and Columbia labels. His wide-ranging adventures as a sideman further from or entirely outside of the Ellington orbit include sessions with Billy Taylor's Big Eight, the Coleman Hawkins Sax Ensemble, Lionel Hampton, Edmond Hall, Earl Hines, Harry James, Al Killian, Tyree Glenn, Jimmy Jones, Johnny Bothwell, and Dizzy Gillespie. He also helped to provide accompaniments for vocalists Billie Holiday, Al Hibbler, Nat King Cole, Ella Fitzgerald, Frank Sinatra, Rosemary Clooney, Pleasant Joseph, Buddy Clark, and Johnny Rae. In 1937, Carney sang in a vocal trio with Rex Stewart and Hayes Alvis behind Ivie Anderson on "I've Got to Be a Rug Cutter." When Johnny Hodges led a small group in live performance at the Berlin Sportpalast in 1966, Harry Carney provided a thunderous backbone for their rendition of "Things Ain't What They Used to Be." His last testament, as it were, is a feature performance of "Drop Me Off in Harlem" on Mercer Ellington's album Continuum, recorded during the interim between the deaths of Duke Ellington on May 24 and Harry Carney on October 8, 1974. A moving tribute to Carney, composed by Sy Johnson, was recorded by Charles Mingus in December of that year and included on his album Changes Two.
https://www.allmusic.com/artist/harry-carney-mn0000948458#biography

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Biografía de arwulf arwulf
El saxofón barítono de Harry Carney fue el ancla, la piedra angular, la base de una mezcla tonal distintiva que prácticamente definió a la Orquesta de Duke Ellington durante más de 45 años. Pilar fundamental de la experiencia Ellington, permaneció con Duke más tiempo que nadie y le sobrevivió sólo un poco más de cuatro meses. Harry Howell Carney nació en Boston el 1 de abril de 1910 y creció en el mismo barrio que los saxofonistas altos Johnny Hodges y Charlie Holmes. Juntos se inspiraron en los discos de jazz de 78 rpm. Carney citó como principales influencias a Sidney Bechet con Clarence Williams, Buster Bailey con Fletcher Henderson y Don Murray con Jean Goldkette. A los 13 años, tocaba el clarinete con una banda patrocinada por los Caballeros de Pythias. Tras adquirir cierta destreza con el saxo alto, visitó Nueva York con Holmes y actuó en el Bamboo Inn poco antes de que se incendiara.

Carney empezó a tocar con Duke Ellington, que le llevó a Boston para una serie de actuaciones de una noche. Después de que Duke engatusara a la madre de Carney para que permitiera al joven de 17 años seguir con la banda, se inició una colaboración que duraría toda la vida. Con el paso de los años, Ellington empezó a viajar en el coche Imperial de Carney mientras el saxofonista manejaba tranquilamente el volante. Esto proporcionó a Duke una atmósfera amistosa e íntima en la que se concibieron algunas de sus melodías más memorables. Carney co-compuso "Rockin' in Rhythm" y normalmente era el responsable de ejecutar el burbujeante solo de clarinete en esta melodía, pero generalmente se limitaba al gran saxo barítono. Los ejemplos de su fascinante presencia en este instrumento son innumerables e incluyen "Frustration", "Sono", "Perdido" y "La Plus Belle Africaine". Una versión como bonus track de "Sophisticated Lady" en la reedición en CD del álbum Soul Call de Verve es un emocionante testimonio de la profundidad lírica de Carney como baladista y de su resistencia como practicante de la respiración circular, dos de las muchas formas en que influyó en Rahsaan Roland Kirk, quien en 1972 en su álbum A Meeting of the Times presentó un retrato dúplice de Harry Carney y Barney Bigard soplando simultáneamente un clarinete y un saxo barítono. Carney afirmó haber dominado originalmente el barítono para ayudar a Duke a ampliar la paleta del conjunto, emulando inicialmente a Coleman Hawkins en el registro superior y a Adrian Rollini en el bajo de la trompa. Alrededor de 1944 también tocó el clarinete bajo.

Entre 1946 y 1960, Harry Carney grabó como líder para los sellos HRS, Wax y Columbia. Sus variadas aventuras como músico de acompañamiento, lejos o totalmente fuera de la órbita de Ellington, incluyen sesiones con Billy Taylor's Big Eight, Coleman Hawkins Sax Ensemble, Lionel Hampton, Edmond Hall, Earl Hines, Harry James, Al Killian, Tyree Glenn, Jimmy Jones, Johnny Bothwell y Dizzy Gillespie. También ayudó a acompañar a los vocalistas Billie Holiday, Al Hibbler, Nat King Cole, Ella Fitzgerald, Frank Sinatra, Rosemary Clooney, Pleasant Joseph, Buddy Clark y Johnny Rae. En 1937, Carney cantó en un trío vocal con Rex Stewart y Hayes Alvis detrás de Ivie Anderson en "I've Got to Be a Rug Cutter". Cuando Johnny Hodges lideró un pequeño grupo en directo en el Sportpalast de Berlín en 1966, Harry Carney proporcionó una atronadora columna vertebral para su interpretación de "Things Ain't What They Used to Be". Su último testamento, por así decirlo, es una interpretación de "Drop Me Off in Harlem" en el álbum Continuum de Mercer Ellington, grabado durante el intervalo entre la muerte de Duke Ellington el 24 de mayo y la de Harry Carney el 8 de octubre de 1974. Un emotivo homenaje a Carney, compuesto por Sy Johnson, fue grabado por Charles Mingus en diciembre de ese año e incluido en su álbum Changes Two.
https://www.allmusic.com/artist/harry-carney-mn0000948458#biography


 

Hank Jones • Complete Original Trio Recordings

 

Artist Biography by Ron Wynn

The oldest of the Jones brothers, Hank Jones has been a supreme accompanist and underrated soloist. He's among the most accomplished sight readers in jazz, and his flexibility and sensitive style have kept him extremely busy cutting sessions and working in various groups and styles ranging from swing to bebop. He's worked with vocalists, played in big bands and done many solo, trio, and combo dates.

Born in 1918 in Vicksburg, Mississippi, Jones moved with his family to the Detroit area while still a child, and studied piano early, listening carefully to Art Tatum, Teddy Wilson, Earl Hines, and Fats Waller. He began playing in the midwest at age 13, and worked in territory bands. Jones met Lucky Thompson in one of these groups, and Thompson invited him to New York in 1944 to work with Hot Lips Page at the Onyx Club. Jones worked for a while with John Kirby, Howard McGhee, Coleman Hawkins, Andy Kirk, and Billy Eckstine, then began touring in 1947. He worked with Jazz at the Philharmonic, then accompanied Ella Fitzgerald from 1948 to 1953. Jones also cut many sessions for Norman Granz's labels in the late '40s and early '50s, many with Charlie Parker. He worked and recorded in the '50s with Artie Shaw, Benny Goodman, Lester Young, Milt Jackson, and Cannonball Adderley before joining CBS' staff in 1959. He worked on such programs as The Ed Sullivan Show and stayed with CBS until they disbanded the staff in 1976. He recorded several sessions with Savoy in the mid- and late '50s, playing with Donald Byrd, Herbie Mann, Wendell Marshall, and Kenny Clarke, among others. He also recorded solo and quartet dates for Epic. His quartet with Osie Johnson, Barry Galbraith, and Milt Hinton became one of New York's busiest during the early '60s, sometimes doing three dates a day. They cut albums for Capitol and ABC in 1958, though Galbraith missed the ABC sessions. Jones continued recording at Capitol, Argo, and Impulse in the early '60s, at times working with his brother Elvin. He made a host of recordings in the '70s. There were solo dates for Trio and Galaxy, and trio sessions for Interface and Concord, among others in the '70s. There were duo dates with Flanagan for Verve and Galaxy in the late '70s. Jones served as pianist and conductor for the Broadway musical Ain't Misbehavin in the late '70s. He also played in the Great Jazz Trio, originally with Ron Carter and Tony Williams. (Buster Williams replaced Carter on the trio's first recording date.) Jones continued with the trio into the '80s, though Eddie Gomez and Al Foster later became his mates, and Jimmy Cobb replaced Foster in 1982. The trio also backed Art Farmer, Benny Golson, and Nancy Wilson. Jones was the resident pianist at the Cafe Ziegfeld in the early '80s, and toured Japan with George Duvivier and Sonny Stitt. He kept his recording blitz going into the digital era. In 1989, he was named a National Endowment for the Arts Jazz Master. In 2004, he was awarded as an ASCAP Jazz Living Legend; five years later, he received a National Medal of Arts; and in 2009, Jones earned a Lifetime Achievement award at the Grammys. One year later, he died in the Bronx while in hospice, just a few weeks after returning from performance dates in Japan.

https://www.allmusic.com/artist/hank-jones-mn0000558339/biography

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Biografía del artista por Ron Wynn

El mayor de los hermanos Jones, Hank Jones, ha sido un acompañante supremo y un solista subestimado. Es uno de los más destacados lectores de jazz, y su flexibilidad y estilo sensible le han mantenido extremadamente ocupado cortando sesiones y trabajando en varios grupos y estilos que van desde el swing hasta el bebop. Ha trabajado con vocalistas, tocado en grandes bandas y ha hecho muchos solos, tríos y citas combinadas.

Nacido en 1918 en Vicksburg, Mississippi, Jones se mudó con su familia al área de Detroit cuando aún era un niño, y estudió piano temprano, escuchando cuidadosamente a Art Tatum, Teddy Wilson, Earl Hines y Fats Waller. Comenzó a tocar en el medio oeste a la edad de 13 años, y trabajó en bandas de territorio. Jones conoció a Lucky Thompson en uno de estos grupos, y Thompson lo invitó a Nueva York en 1944 para trabajar con Hot Lips Page en el Onyx Club. Jones trabajó durante un tiempo con John Kirby, Howard McGhee, Coleman Hawkins, Andy Kirk y Billy Eckstine, y luego comenzó a hacer giras en 1947. Trabajó con Jazz en la Filarmónica, luego acompañó a Ella Fitzgerald de 1948 a 1953. Jones también cortó muchas sesiones para los sellos de Norman Granz a finales de los'40 y principios de los'50, muchos con Charlie Parker. Trabajó y grabó en los años 50 con Artie Shaw, Benny Goodman, Lester Young, Milt Jackson y Cannonball Adderley antes de unirse al personal de CBS en 1959. Trabajó en programas como The Ed Sullivan Show y se quedó con CBS hasta que se disolvió el personal en 1976. Grabó varias sesiones con Savoy a mediados y finales de los años 50, tocando con Donald Byrd, Herbie Mann, Wendell Marshall y Kenny Clarke, entre otros. También grabó fechas como solista y cuarteto para Epic. Su cuarteto con Osie Johnson, Barry Galbraith y Milt Hinton se convirtió en uno de los más ocupados de Nueva York a principios de los años 60, a veces con tres citas al día. Recortaron álbumes para Capitol y ABC en 1958, aunque Galbraith se perdió las sesiones de ABC. Jones continuó grabando en Capitol, Argo e Impulse a principios de los 60, a veces trabajando con su hermano Elvin. Hizo un montón de grabaciones en los años 70. Hubo fechas en solitario para el Trío y la Galaxia, y sesiones de trío para Interface y Concord, entre otros en los años 70. Hubo citas a dúo con Flanagan para Verve y Galaxy a finales de los 70. Jones fue pianista y director del musical de Broadway Ain't Misbehavin a finales de los años 70. También tocó en el Great Jazz Trio, originalmente con Ron Carter y Tony Williams. (Buster Williams reemplazó a Carter en la primera fecha de grabación del trío.) Jones continuó con el trío en los años 80, aunque Eddie Gómez y Al Foster más tarde se convirtieron en sus amigos, y Jimmy Cobb reemplazó a Foster en 1982. El trío también apoyó a Art Farmer, Benny Golson y Nancy Wilson. Jones fue el pianista residente en el Café Ziegfeld a principios de los 80, y estuvo de gira por Japón con George Duvivier y Sonny Stitt. Siguió grabando y entrando en la era digital. En 1989, fue nombrado National Endowment for the Arts Jazz Master. En 2004, fue galardonado como ASCAP Jazz Living Legend; cinco años más tarde, recibió una Medalla Nacional de las Artes; y en 2009, Jones ganó un premio Lifetime Achievement en los Grammys. Un año más tarde, murió en el Bronx mientras estaba en el hospicio, sólo unas semanas después de regresar de sus presentaciones en Japón.

https://www.allmusic.com/artist/hank-jones-mn0000558339/biography

 

 

Johnny Hodges • Johnny Hodges And All The Duke's Man

 

"Never the world's most highly animated showman or greatest stage personality, but a tone so beautiful it sometimes brought tears to the eyes, this was Johnny Hodges. Because of this great loss, our band will never sound the same. Johnny Hodges sometimes sounded beautiful, sometimes romantic, and sometimes people spoke of his tone as being sensuous. With the exception of a year or so, almost his entire career was with us. So far as our wonderful listening audience was concerned, there was a great feeling of expectancy when they looked up and saw Johnny Hodges sitting in the middle of the saxophone section, in the front row. I am glad and thankful that I had the privilege of presenting Johnny Hodges for forty years, night after night. I imagine I have been much envied, but thanks to God....” Duke Ellington eulogy.

John Cornelius Hodges was born on the 25th July 1906 in Cambridge, Mass. He started his musical career playing drums and piano before taking up the saxophone at the age of 14, beginning on the soprano and later the alto. Originally self-taught he was given lessons by Sydney Bechet, whom he got to know through his sister. He followed Bechet into Willie 'The Lion' Smith's quartet at the Rhythm Club (around 1924), then played in the house band with Bechet's Club ‘Basha’ in Harlem. He continued to live in Boston and traveled to New York at weekends playing with such musicians as Bobby Sawyer (1925), Lloyd Scott (1926), then from late 1926 with the great Chick Webb at The Paddock Club and The Savoy Ballroom, etc. followed by a short stint with Luckey Roberts.

In May 1928 Johnny joined Duke Ellington's orchestra and he remained a mainstay of the group for the next 40 years. From his first recording in 1928 he revealed his authority and technical mastery of the saxophone, playing with a broad, sweeping tone and producing impressive, cascading runs. In the opinion of many people, he soon became Duke's most valuable soloist. He made hundreds of recordings with Duke and from 1937 led his own small studio group drawn from the orchestra which made many successful series of recordings for Victor and other labels. Titles included “Jeep's Blues,” “Hodge Podge,” “The Jeep is Jumpin” all of which were co-written with Duke. Also in this period of great creativity he played in many other small groups with musicians such as Lionel Hampton, Teddy Wilson, etc., producing classics of the period.

Johnny was one of the many stars of the Ellington band of the 40s producing solos of immense authority on songs such as “Things Ain't What They Used To Be,” “Don't Get Around Much Any More,” “Passion Flower,” etc. From the 40s he concentrated on the alto leaving the soprano alone completely and in this period he regularly won the popularity polls run by magazines such as Downbeat, Metronome, and Esquire.

In March 1951 Johnny left Duke to form his own small group taking with him Lawrence Brown and Sonny Greer and in their first recording session they produced a hit record of “Castle Rock.” Johnny disbanded the group in the spring of 1955 and after a brief spell of TV work on the Ted Steele Show, rejoined Duke in August of that year where, apart from a few brief periods, he remained for the rest of his life. In the spring of 1958 he worked with Billy Strayhorn and in 1961 went to Europe with some of the other band members in a group called The Ellington Giants.

He continued to record prolifically with musicians such as Wild Bill Davis, Earl Hines, and even one session with Lawrence Welk. Duke and Billy Strayhorn continued to write compositions and arrangements featuring Johnny's unique sound and talents leaving a wonderful legacy of recorded music for the enjoyment of successive generations of enthusiasts. He won the admiration of many saxophonists such as Ben Webster and even John Coltrane who played in one of the small groups in 1953-4 said that Johnny was always one of his favorite players.

In his later years Johnny used fewer and fewer notes, remaining close to the melody in ballads and improvising simple but telling riffs on the faster numbers, many of which were based on the blues . The power of his playing came from his sound and his soul, generating immense swing and building the dramatic tension from chorus to chorus. His last attempt at recording was the monumental “New Orleans Suite,” but he would not live to see the final product.

Johnny Hodges died of a heart attack in New York City on the 11th May 1970.
Source: James Nadal
https://www.allaboutjazz.com/musicians/johnny-hodges/

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"Nunca fue el showman más animado del mundo o la personalidad teatral más grande, pero un tono tan hermoso que a veces hacía llorar a los ojos, este era Johnny Hodges. Debido a esta gran pérdida, nuestra banda nunca sonará igual. Johnny Hodges a veces sonaba hermoso, a veces romántico y, a veces, la gente hablaba de su tono como sensual. Con la excepción de un año más o menos, casi toda su carrera estuvo con nosotros. En lo que respecta a nuestra maravillosa audiencia oyente, hubo una gran sensación de expectativa cuando levantaron la vista y vieron a Johnny Hodges sentado en el medio de la sección de saxofones, en la primera fila. Estoy contento y agradecido de haber tenido el privilegio de presentar a Johnny Hodges durante cuarenta años, noche tras noche. Me imagino que me han envidiado mucho, pero gracias a Dios...."Elogio de Duke Ellington.

John Cornelius Hodges nació el 25 de julio de 1906 en Cambridge, Massachusetts. Comenzó su carrera musical tocando la batería y el piano antes de comenzar a tocar el saxofón a los 14 años, comenzando con la soprano y luego con el alto. Originalmente autodidacta, Sydney Bechet le dio lecciones, a quien conoció a través de su hermana. Siguió a Bechet al cuarteto de Willie' The Lion ' Smith en el Rhythm Club (alrededor de 1924), luego tocó en la banda de la casa con el Club 'Basha' de Bechet en Harlem. Continuó viviendo en Boston y viajaba a Nueva York los fines de semana tocando con músicos como Bobby Sawyer (1925), Lloyd Scott (1926), luego desde finales de 1926 con el gran Chick Webb en el Paddock Club y el Savoy Ballroom, etc. seguido de una breve temporada con Luckey Roberts.

En mayo de 1928, Johnny se unió a la orquesta de Duke Ellington y siguió siendo un pilar del grupo durante los siguientes 40 años. Desde su primera grabación en 1928 reveló su autoridad y dominio técnico del saxofón, tocando con un tono amplio y amplio y produciendo carreras impresionantes en cascada. En opinión de mucha gente, pronto se convirtió en el solista más valioso de Duke. Hizo cientos de grabaciones con Duke y, a partir de 1937, dirigió su propio pequeño grupo de estudio extraído de la orquesta, que realizó muchas series exitosas de grabaciones para Victor y otros sellos. Los títulos incluyeron "Jeep's Blues", "Hodge Podge"," The Jeep is Jumpin", todos los cuales fueron coescritos con Duke. También en este período de gran creatividad tocó en muchos otros pequeños grupos con músicos como Lionel Hampton, Teddy Wilson, etc., produciendo clásicos de la época.

Johnny fue una de las muchas estrellas de la Ellington Band de los años 40 produciendo solos de inmensa autoridad en canciones como "Things Ain't What They Used To Be"," Don't Get Around Much Anymore"," Passion Flower", etc. A partir de los años 40 se concentró en el alto dejando completamente sola a la soprano y en este período ganó regularmente las encuestas de popularidad que manejan revistas como Downbeat, Metronome y Esquire.

En marzo de 1951 Johnny dejó Duke para formar su propio pequeño grupo llevándose consigo a Lawrence Brown y Sonny Greer y en su primera sesión de grabación produjeron un exitoso disco de " Castle Rock. Johnny disolvió el grupo en la primavera de 1955 y después de un breve período de trabajo televisivo en The Ted Steele Show, se reincorporó a Duke en agosto de ese año, donde, aparte de unos breves períodos, permaneció por el resto de su vida. En la primavera de 1958 trabajó con Billy Strayhorn y en 1961 se fue a Europa con algunos de los otros miembros de la banda en un grupo llamado Ellington Giants.

Continuó grabando prolíficamente con músicos como Wild Bill Davis, Earl Hines e incluso una sesión con Lawrence Welk. Duke y Billy Strayhorn continuaron escribiendo composiciones y arreglos con el sonido y los talentos únicos de Johnny, dejando un maravilloso legado de música grabada para el disfrute de sucesivas generaciones de entusiastas. Se ganó la admiración de muchos saxofonistas como Ben Webster e incluso John Coltrane, quien tocó en uno de los grupos pequeños en 1953-4, dijo que Johnny siempre fue uno de sus músicos favoritos.

En sus últimos años, Johnny usó cada vez menos notas, permaneciendo cerca de la melodía en las baladas e improvisando riffs simples pero contundentes en los números más rápidos, muchos de los cuales se basaban en el blues . El poder de su interpretación provino de su sonido y su alma, generando un swing inmenso y construyendo la tensión dramática de coro en coro. Su último intento de grabación fue la monumental "Suite de Nueva Orleans", pero no viviría para ver el producto final.

Johnny Hodges murió de un ataque al corazón en la ciudad de Nueva York el 11 de mayo de 1970.
Fuente: James Nadal
https://www.allaboutjazz.com/musicians/johnny-hodges/