Charlie Barnet • Lonely Street

This release contains the complete Charlie Barnet LP Lonely Street plus all of the LP Dancing Party with the exception of two tracks.

Maynard Ferguson • Boy With Lots Of Brass

 

Walter "Maynard" Ferguson was a Canadian-born jazz trumpet player and bandleader. He came to prominence playing in Stan Kenton's orchestra, before forming his own band in 1957. He was noted for being able to play accurately in a remarkably high register, and for his bands, which served as stepping stones for up-and-coming talent.

Early life and education
Ferguson was born in Verdun, Quebec (now part of Montreal). Encouraged by his mother and father (both musicians), Maynard was playing piano and violin by the age of four. At nine years old, he heard a cornet for the first time in his local church and asked his parents to purchase him one. At age 13, Ferguson first soloed as a child prodigy with the Canadian Broadcasting Corporation Orchestra and was heard frequently on the CBC, notably featured on a Serenade for Trumpet in Jazz written for him by Morris Davis. Ferguson won a scholarship to the French Conservatory of Music where he studied from 1943 through 1948 with Bernard Baker.

Ferguson dropped out of Montreal High School at age 15 to more actively pursue a music career, performing in dance bands led by Stan Wood, Roland David, and Johnny Holmes. While trumpet was his primary instrument, Ferguson also performed on other brass and reed instruments. Ferguson later took over the dance band formed by his brother Percy, playing dates in the Montreal area and serving as an opening act for touring bands from the United States. During this period, Ferguson came to the attention of numerous American band leaders and began receiving offers to come to the United States.

Ferguson moved to the United States in 1949 and initially played with the bands of Boyd Raeburn, Jimmy Dorsey, and Charlie Barnet. The Barnet band was notable for a trumpet section that also included Doc Severinsen, Ray Wetzel, Johnny Howell, and Rolf Erickson. Ferguson was featured on a notoriously flamboyant Barnet recording of Jerome Kern's All The Things You Are that enraged Kern's widow and was subsequently withdrawn from sale. When Barnet temporarily retired in 1949 and disbanded his orchestra, Ferguson was free to accept an offer to join Stan Kenton's newly formed Innovations Orchestra.

Kenton and Hollywood
Stan Kenton had a longstanding offer to Ferguson but had temporarily disbanded when Ferguson moved to the United States. Kenton's bands were notable for their bombastic brass sections and Ferguson was a natural fit. In 1950, Kenton formed the Innovations Orchestra, a 40-piece jazz concert orchestra with strings, and with the folding of the Barnet band, Ferguson was available for the first rehearsal on January 1, 1950. While the Innovations Orchestra was not commercially successful, it made a number of remarkable recordings, including Maynard Ferguson, one of a series of pieces named after featured soloists.

When Kenton returned to a more practical 19-piece jazz band, Ferguson continued with him. Contrary to the natural assumption, Ferguson was not Kenton's lead trumpet player, but played the fifth chair with numerous solo features. Notable recordings from this period that feature Ferguson include Invention for Guitar and Trumpet, What's New and The Hot Canary.

In 1953, Ferguson left Kenton to become a first-call session player for Paramount Pictures. Ferguson appeared on 46 soundtracks including The Ten Commandments. Ferguson still recorded jazz during this period, but his Paramount contract prevented him from playing jazz clubs. While he enjoyed the regular paycheck, Ferguson was very unhappy with the lack of live performance opportunities and left Paramount in 1956.

The Birdland Dream Band
In 1956, Ferguson was tapped to lead the Birdland Dream Band, a 14-piece big band formed by Morris Levy as an "All-star" lineup to play at Levy's Birdland jazz club in New York City. While the name "Birdland Dream Band" was short-lived and is represented by only two albums, this band became the core of Ferguson's performing band for the next nine years. The band included, at various times, such players as Slide Hampton, Don Ellis, Don Sebesky, Willie Maiden, John Bunch, Joe Zawinul, Joe Farrell, Jaki Byard, Lanny Morgan, Rufus Jones, Bill Berry, and Don Menza. Arrangers included Bob Brookmeyer, Jimmy Giuffre, Bill Holman, and Marty Paich.

As big bands declined in popularity and economic viability in the 1960s, Ferguson's band performed more infrequently. Ferguson began to feel musically stifled and sensed a resistance to change among American jazz audiences. According to a Down Beat interview, he was quoted as saying that if the band did not play Maria or Ole, the fans went home disappointed. Ferguson began performing with a sextet before finally officially disbanding his big band in 1967.

India and England
Following the path taken by many important jazz artists in the 1960s, Ferguson left the United States in 1968. Needing a period of spiritual exploration, Ferguson initially moved with his family to India and taught at the Krishnamurtl-based Rhishi Valley School near Madras. In 1969, he relocated to Manchester, England, manufacturing personally designed trumpets and mouthpieces and performing with a variety of ensembles in Europe.

In 1969 Ferguson signed with CBS Records in England and formed a big band with British musicians that performed in the newly popular jazz/rock fusion style. The band's repertoire included original compositions as well a pop and rock songs rearranged into a big band format with electronic amplification. This British band's output is represented by the four MF Horn albums that included very popular arrangements of the pop songs MacArthur Park and Hey Jude.

Return to the U.S.
Ferguson's new band made its North American debut in 1971. With a revived career, Ferguson relocated to New York in 1973 and gradually replaced his sidemen with American performers while reducing the band size to 12 (four trumpets, two trombones, three saxophones and three rhythm plus Maynard). The quintessential recording of this period is the album Live at Jimmys, recorded in 1973 in New York. Ferguson latched on to the burgeoning jazz education movement by recruiting talented musicians from colleges with jazz programs (notably Berklee College of Music, North Texas State University and the University of Miami) and targeting young audiences with performances and master classes in high schools. This practical and strategic move helped him develop a strong following that would sustain him for the remainder of his career.

In 1976, Ferguson began working with producer Bob James on a series of commercially successful albums that were complex studio productions featuring large groups of session musicians, including strings, vocalists and star guest soloists. The first of these albums was Primal Scream, featuring Chick Corea, Mark Colby, and Steve Gadd. The second, Conquistidor in 1977, resulted in a top-10 pop single, Gonna Fly Now (from the movie Rocky), a rare accomplishment for a jazz musician in the 1970s. Aside from an exciting Jay Chattaway arrangement and dense Bob James production, the single was also helped by the fact that it was released prior to the official soundtrack album of the hit movie. Ferguson maintained a hectic touring schedule during this period, with well-attended concerts that featured concert lighting and heavy amplification.

Ferguson continued with this musical model for the remainder of the 1970s, receiving considerable acclaim from audiences but often tepid response from jazz purists who decried his commercialism and questioned his taste. Ferguson reportedly also began to experience great frustration with Columbia over being unable to use his working band on recording projects and having difficulty including even a single jazz number on some albums. Ferguson's contract with Columbia Records expired after the 1982 release of the Hollywood album, produced by Stanley Clarke.

Ferguson recorded three big band albums with smaller labels in the mid '80s before forming a more economical fusion septet, High Voltage, in 1986. This ensemble, which featured multi-reed player Dennis DiBlasio as the only other horn player, recorded two albums and received mixed reviews. The format was ultimately unsatisfying to Ferguson, who had grown up in big bands and developed a performing style most appropriate to that structure.

Big Bop Nouveau
In 1988, Ferguson returned both to a large band format and to mainstream jazz with the formation of Big Bop Nouveau, a nine-piece band featuring three trumpets, one trombone, two reeds and a three-piece rhythm section. The band's repertoire included original jazz compositions and modern arrangements of jazz standards, with occasional pieces from his 70s book and the Birdland Dream Band. This format proved to be successful with audiences and critics and Ferguson toured nine months a year with Big Bop Nouveau for the remainder of his life. This band recorded extensively, including albums backing vocalists Dianne Shurr and Michael Feinstein.

Although in later years Ferguson did lose some of the range and phenominal accuracy of his youth, he remained an exciting performer into his late 70s. Just days after completing a weeklong run at New York's Blue Note and recording a studio album in New Jersey, Ferguson developed an abdominal infection that resulted in kidney and liver failure. Ferguson died on the evening of August 23, 2006 at the Community Memorial Hospital in Ventura, California.

Influence
Maynard Ferguson was one of a handful of virtuoso musician/bandleaders to survive the end of the big band era and the rise of rock and roll. He demonstrated a remarkable ability to adapt to the musical trends that evolved from the 1940's through the 2000's. Ferguson's albums show an evolution from big band swing, bebop, cool jazz, Latin, jazz/rock, fusion with classical and operatic influences.

While not the first trumpeter to play in the extreme upper register, Ferguson had a unique ability to play high notes with full, rich tone, power, and musicality. While regarded by some as showboating, Ferguson's phrasing and vibrato have been extremely influential on generations of trumpet players. With interviewers Ferguson shared that he was able to command the upper registers of the trumpet not so much with his 'lip', but more with the breath control he had discovered as a youngster playing the instrument while growing up in Montreal. Ferguson attributed the longevity of his demanding bravura trumpet technique through his later years to the spiritual and yoga studies he pursued while in India.

While Ferguson's range was his most obvious attribute, his personal charisma was also a significant factor in his success. Through his devotion to music education in America, Ferguson was able to impart the spirit of his jazz playing and technique to scores of amateur and professional trumpeters during the many Master Classes held throughout his long career.

Ferguson popularized and enhanced two unique instruments - a trumpet with both traditional valves (played with the left hand rather than the right) and a trombone-style slide called the 'Firebird' as well as a trombone with both a slide and valves called 'Superbone.' Ferguson regularly incorporated Indian instruments and influences in albums and concerts.

Personal Life
While Ferguson's life had its ups and downs, Ferguson was fortunate to have evaded the destructive behaviors that bedeviled so many other artists of his generation. In the mid 1970s, Ferguson resettled to Ojai, California, where he lived to the end of his life. Ferguson's first marriage was to singer / actress Kay Brown in 1951. Maynard second marriage to Flo Ferguson lasted until her death on February 27, 2005. Ferguson had four daughters: Kim, Lisa, Corby, and Wilder. Kim Ferguson is married to Maynard's former road manager, Jim Exon. Wilder Ferguson is married to pianist (and former Big Bop Nouveau member) Christian Jacob. At the time of his death, Ferguson had a granddaugher, Erica.

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Walter "Maynard" Ferguson fue un trompetista de jazz y director de orquesta nacido en Canadá. Saltó a la fama tocando en la orquesta de Stan Kenton, antes de formar su propia banda en 1957. Se destacó por ser capaz de tocar con precisión en un registro notablemente alto y por sus bandas, que sirvieron como trampolines para el talento emergente.

Vida temprana y educación
Ferguson nació en Verdún, Quebec(ahora parte de Montreal). Animado por su madre y su padre (ambos músicos), Maynard tocaba el piano y el violín a los cuatro años. A los nueve años, escuchó una corneta por primera vez en su iglesia local y les pidió a sus padres que le compraran una. A los 13 años, Ferguson tocó por primera vez en solitario como un niño prodigio con la orquesta de la Canadian Broadcasting Corporation y se le escuchó con frecuencia en la CBC, destacando en una Serenata para Trompeta en Jazz escrita para él por Morris Davis. Ferguson ganó una beca para el Conservatorio Francés de Música, donde estudió de 1943 a 1948 con Bernard Baker.

Ferguson abandonó la Escuela secundaria de Montreal a los 15 años para seguir más activamente una carrera musical, actuando en bandas de baile dirigidas por Stan Wood, Roland David y Johnny Holmes. Si bien la trompeta era su instrumento principal, Ferguson también tocaba otros instrumentos de metal y lengüeta. Ferguson luego se hizo cargo de la banda de baile formada por su hermano Percy, tocando en el área de Montreal y sirviendo como telonero de bandas de gira de los Estados Unidos. Durante este período, Ferguson llamó la atención de numerosos líderes de bandas estadounidenses y comenzó a recibir ofertas para venir a los Estados Unidos.

Ferguson se mudó a los Estados Unidos en 1949 e inicialmente tocó con las bandas de Boyd Raeburn, Jimmy Dorsey y Charlie Barnet. La Barnet Band se destacó por una sección de trompeta que también incluía a Doc Severinsen, Ray Wetzel, Johnny Howell y Rolf Erickson. Ferguson apareció en una grabación notoriamente extravagante de Barnet de All The Things You Are de Jerome Kern que enfureció a la viuda de Kern y posteriormente fue retirada de la venta. Cuando Barnet se retiró temporalmente en 1949 y disolvió su orquesta, Ferguson fue libre de aceptar una oferta para unirse a la recién formada Orquesta Innovations de Stan Kenton.

Kenton y Hollywood
Stan Kenton tenía una oferta de larga data a Ferguson, pero se había disuelto temporalmente cuando Ferguson se mudó a los Estados Unidos. Las bandas de Kenton se destacaban por sus secciones de metales grandilocuentes y Ferguson encajaba perfectamente. En 1950, Kenton formó la Innovations Orchestra, una orquesta de conciertos de jazz de 40 músicos con cuerdas, y con la disolución de Barnet band, Ferguson estuvo disponible para el primer ensayo el 1 de enero de 1950. Si bien la Innovations Orchestra no tuvo éxito comercial, realizó una serie de grabaciones notables, incluida Maynard Ferguson, una de una serie de piezas que llevan el nombre de solistas destacados.

Cuando Kenton regresó a una banda de jazz de 19 integrantes más práctica, Ferguson continuó con él. Contrariamente a la suposición natural, Ferguson no era el trompetista principal de Kenton, sino que tocaba la quinta silla con numerosas funciones solistas. Grabaciones notables de este período que presentan a Ferguson incluyen Invention for Guitar and Trumpet, What's New y The Hot Canary.

En 1953, Ferguson dejó Kenton para convertirse en un jugador de sesión de primera llamada para Paramount Pictures. Ferguson apareció en 46 bandas sonoras, incluidos Los Diez Mandamientos. Ferguson siguió grabando jazz durante este período, pero su contrato con Paramount le impidió tocar en clubes de jazz. Si bien disfrutaba del sueldo regular, Ferguson estaba muy descontento con la falta de oportunidades de presentaciones en vivo y dejó Paramount en 1956.

La Banda de los Sueños de Birdland
En 1956, Ferguson fue elegido para dirigir Birdland Dream Band, una big band de 14 integrantes formada por Morris Levy como formación "All-star" para tocar en el club de jazz Birdland de Levy en la ciudad de Nueva York. Si bien el nombre "Birdland Dream Band" duró poco y está representado por solo dos álbumes, esta banda se convirtió en el núcleo de la banda de Ferguson durante los siguientes nueve años. La banda incluyó, en varias ocasiones, a músicos como Slide Hampton, Don Ellis, Don Sebesky, Willie Maiden, John Bunch, Joe Zawinul, Joe Farrell, Jaki Byard, Lanny Morgan, Rufus Jones, Bill Berry y Don Menza. Los arreglistas incluyeron a Bob Brookmeyer, Jimmy Giuffre, Bill Holman y Marty Paich.

A medida que las grandes bandas disminuyeron en popularidad y viabilidad económica en la década de 1960, la banda de Ferguson actuó con menos frecuencia. Ferguson comenzó a sentirse sofocado musicalmente y sintió una resistencia al cambio entre el público estadounidense de jazz. Según una entrevista de Down Beat, fue citado diciendo que si la banda no tocaba con Maria u Ole, los fanáticos se iban a casa decepcionados. Ferguson comenzó a actuar con un sexteto antes de finalmente disolver oficialmente su big band en 1967.

India e Inglaterra
Siguiendo el camino tomado por muchos artistas de jazz importantes en la década de 1960, Ferguson abandonó los Estados Unidos en 1968. Necesitando un período de exploración espiritual, Ferguson inicialmente se mudó con su familia a la India y enseñó en la Escuela Rhishi Valley School, con sede en Krishnamurtl, cerca de Madrás. En 1969, se mudó a Manchester, Inglaterra, fabricando trompetas y boquillas diseñadas personalmente y actuando con una variedad de conjuntos en Europa.

En 1969 Ferguson firmó con CBS Records en Inglaterra y formó una big band con músicos británicos que actuaron en el nuevo estilo popular de fusión de jazz / rock. El repertorio de la banda incluía composiciones originales, así como canciones de pop y rock reorganizadas en un formato de big band con amplificación electrónica. La producción de esta banda británica está representada por los cuatro álbumes de MF Horn que incluyeron arreglos muy populares de las canciones pop MacArthur Park y Hey Jude.

Regreso a los EE. UU.
La nueva banda de Ferguson hizo su debut en Norteamérica en 1971. Con una carrera revivida, Ferguson se mudó a Nueva York en 1973 y gradualmente reemplazó a sus acompañantes con artistas estadounidenses mientras reducía el tamaño de la banda a 12 (cuatro trompetas, dos trombones,tres saxofones y tres ritmos más Maynard). La grabación por excelencia de este período es el álbum Live at Jimmys, grabado en 1973 en Nueva York. Ferguson se aferró al floreciente movimiento educativo del jazz reclutando músicos talentosos de universidades con programas de jazz (en particular, Berklee College of Music, North Texas State University y University of Miami) y dirigiéndose al público joven con actuaciones y clases magistrales en escuelas secundarias. Este movimiento práctico y estratégico lo ayudó a desarrollar un gran número de seguidores que lo mantendrían durante el resto de su carrera.

En 1976, Ferguson comenzó a trabajar con el productor Bob James en una serie de álbumes de éxito comercial que fueron producciones de estudio complejas con grandes grupos de músicos de sesión, incluidos cuerdas, vocalistas y solistas invitados estrella. El primero de estos álbumes fue Primal Scream, con Chick Corea, Mark Colby y Steve Gadd. El segundo, Conquistador en 1977, resultó en un sencillo pop entre los 10 primeros, Gonna Fly Now (de la película Rocky), un logro poco común para un músico de jazz en la década de 1970. Aparte de un emocionante arreglo de Jay Chattaway y una densa producción de Bob James, el sencillo también fue ayudado por el hecho de que fue lanzado antes del álbum oficial de la banda sonora de la exitosa película. Ferguson mantuvo un agitado calendario de giras durante este período, con conciertos muy concurridos que presentaban iluminación de conciertos y una gran amplificación.

Ferguson continuó con este modelo musical durante el resto de la década de 1970, recibiendo elogios considerables del público, pero a menudo una tibia respuesta de los puristas del jazz que criticaron su comercialismo y cuestionaron su gusto. Según los informes, Ferguson también comenzó a experimentar una gran frustración con Columbia por no poder usar su banda de trabajo en proyectos de grabación y tener dificultades para incluir incluso un solo número de jazz en algunos álbumes. El contrato de Ferguson con Columbia Records expiró después del lanzamiento en 1982 del álbum Hollywood, producido por Stanley Clarke.

Ferguson grabó tres álbumes de big band con sellos más pequeños a mediados de los 80 antes de formar un septeto de fusión más económico, High Voltage, en 1986. Este conjunto, que presentaba al músico de lengüetas múltiples Dennis DiBlasio como el único otro trompetista, grabó dos álbumes y recibió críticas mixtas. El formato finalmente fue insatisfactorio para Ferguson, quien había crecido en grandes bandas y había desarrollado un estilo de interpretación más apropiado para esa estructura.

Big Bop Nuevo
En 1988, Ferguson regresó tanto a un formato de banda grande como al jazz convencional con la formación de Big Bop Nouveau, una banda de nueve integrantes con tres trompetas, un trombón, dos lengüetas y una sección rítmica de tres piezas. El repertorio de la banda incluía composiciones originales de jazz y arreglos modernos de estándares de jazz, con piezas ocasionales de su libro de los 70 y Birdland Dream Band. Este formato resultó ser un éxito entre el público y la crítica y Ferguson realizó una gira nueve meses al año con Big Bop Nouveau durante el resto de su vida. Esta banda grabó extensamente, incluidos álbumes con los coristas Dianne Shurr y Michael Feinstein.

Aunque en años posteriores Ferguson perdió parte del alcance y la precisión fenomenal de su juventud, siguió siendo un intérprete emocionante hasta finales de los 70. Pocos días después de completar una carrera de una semana en Blue Note de Nueva York y grabar un álbum de estudio en Nueva Jersey, Ferguson desarrolló una infección abdominal que resultó en insuficiencia renal y hepática. Ferguson murió la noche del 23 de agosto de 2006 en el Community Memorial Hospital de Ventura, California.

Influencia
Maynard Ferguson fue uno de los pocos músicos/directores de orquesta virtuosos que sobrevivieron al final de la era de las big band y al auge del rock and roll. Demostró una notable habilidad para adaptarse a las tendencias musicales que evolucionaron desde la década de 1940 hasta la década de 2000. Los álbumes de Ferguson muestran una evolución del swing de big band, bebop, cool jazz, latín, jazz/rock, fusión con influencias clásicas y operísticas.

Aunque no fue el primer trompetista en tocar en el registro superior extremo, Ferguson tenía una habilidad única para tocar notas altas con un tono completo y rico, potencia y musicalidad. Aunque algunos lo consideran un espectáculo, el fraseo y el vibrato de Ferguson han sido extremadamente influyentes en generaciones de trompetistas. Con los entrevistadores, Ferguson compartió que podía dominar los registros superiores de la trompeta no tanto con su 'labio', sino más con el control de la respiración que había descubierto cuando era joven tocando el instrumento mientras crecía en Montreal. Ferguson atribuyó la longevidad de su exigente técnica de trompeta bravura durante sus últimos años a los estudios espirituales y de yoga que realizó mientras estaba en la India. Si bien el rango de Ferguson era su atributo más obvio, su carisma personal también fue un factor significativo en su éxito. A través de su devoción por la educación musical en Estados Unidos, Ferguson pudo impartir el espíritu de su interpretación y técnica de jazz a decenas de trompetistas aficionados y profesionales durante las numerosas Clases Magistrales impartidas a lo largo de su larga carrera. Ferguson popularizó y mejoró dos instrumentos únicos: una trompeta con válvulas tradicionales (tocadas con la mano izquierda en lugar de la derecha) y un tobogán estilo trombón llamado 'Firebird', así como un trombón con tobogán y válvulas llamado 'Superbone. Ferguson incorporó regularmente instrumentos e influencias indias en álbumes y conciertos . Vida Personal Si bien la vida de Ferguson tuvo sus altibajos, Ferguson tuvo la suerte de haber evadido los comportamientos destructivos que atormentaban a tantos otros artistas de su generación. A mediados de la década de 1970, Ferguson se reasentó en Ojai, California, donde vivió hasta el final de su vida. El primer matrimonio de Ferguson fue con la cantante y actriz Kay Brown en 1951. El segundo matrimonio de Maynard con Flo Ferguson duró hasta su muerte el 27 de febrero de 2005. Ferguson tuvo cuatro hijas: Kim, Lisa, Corby y Wilder. Kim Ferguson está casada con el ex road manager de Maynard, Jim Exon. Wilder Ferguson está casado con el pianista (y exmiembro de Big Bop Nouveau) Christian Jacob. En el momento de su muerte, Ferguson tenía una nieta, Erica.

maynardferguson.com ...

Bill Holman Arranges Dempsey Wright • The Wright Approach

 

 

Review
by Scott Yanow
Dempsey Wright, who came out of nowhere to record a small label album in the 1970s, has been essentially forgotten for decades. However, on this Andex album (reissued on CD by V.S.O.P.), Wright holds his own with a strong supporting cast (Richie Kamuca on tenor, Victor Feldman doubling on piano and vibes, bassist Ben Tucker and drummer Stan Levey) on six swing-oriented standards and the obscure "Something for Lisa," all given Bill Holman arrangements. Wright had a quiet, appealing tone and a strong bop-based improvising style. Highlights of the disc include "Easy to Love," "Swingin' the Blues" and "Taps Miller."
https://www.allmusic.com/album/the-wright-approach-mw0000645512

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Reseña
por Scott Yanow
Dempsey Wright, que salió de la nada para grabar un álbum en un pequeño sello en los años 70, ha estado prácticamente olvidado durante décadas. Sin embargo, en este álbum de Andex (reeditado en CD por V.S.O.P.), Wright se defiende con un sólido elenco de apoyo (Richie Kamuca al tenor, Victor Feldman doblando al piano y al vibráfono, el bajista Ben Tucker y el batería Stan Levey) en seis estándares orientados al swing y el oscuro "Something for Lisa", todos con arreglos de Bill Holman. Wright tenía un tono tranquilo y atractivo y un fuerte estilo de improvisación basado en el bop. Lo más destacado del disco incluye "Easy to Love", "Swingin' the Blues" y "Taps Miller".
https://www.allmusic.com/album/the-wright-approach-mw0000645512

Bill Holman • The Original Bill Holman Big Bandː Complete Recordings

Artist Biography

Bill Holman is an NEA Jazz Master Born Willis Leonard Holman on May 21, 1927 in Olive, CA, near Santa Ana, Bill Holman took up clarinet in junior high school and tenor saxophone in high school by which time he was leading his own band. After serving in the Navy and studying engineering, he decided in the late '40s that he wanted to write big band music and studied for a while at the Westlake College of Music in Los Angeles with Dave Robertson and Dr. Alfred Sendrey. He also studied composition privately with Russ Garcia and saxaphone with Lloyd Reese.

In 1949 he played with the Ike Carpenter Band, in 1951, he was writing for Charlie Barnet, and in 1952 he began his association with Stan Kenton, for whom he wrote and played for many years. During the '50s, he was also active in the West Coast jazz movement, playing in small bands led by Shorty Rogers and Shelly Manne, and co-leading a quintet with Mel Lewis in 1958.

In the 60s, he widened his writing associations, and eventually contributed pieces to libraries and recordings of bands led by Louie Bellson, Count Basie, Terry Gibbs, Woody Herman, Bob Brookmeyer, Buddy Rich, Gerry Mulligan, Doc Severinsen and others. He has also written for such singers as Natalie Cole (her Grammy winning “Unforgettable” album, among others,) Tony Bennett, Carmen MacRae, Mel Torme, Woody Herman, Anita O'Day, Sarah Vaughn, June Christy and the Fifth Dimension. His arrangement of “Take The 'A” Train” for Severinsen's “Tonight Show Orchestra” earned Holman a Best Instrumental Grammy in 1987.

Bill Holman is an NEA Jazz Master

Holman started The Bill Holman Band in 1975. The band has made three albums, all for JVC: 1988's “The Bill Holman Band”, 1995's “A View From The Side”, for which Holman won a Best Instrumental Composition Grammy for the title track; and 1997's “Brilliant Corners: The Music of Thelonious Monk.” This recording, certainly one of Holman's finest, celebrates both Monk and Holman and will no doubt renew excitement in fans about the possibilities to be found in the big band genre.

Since 1980, Holman has been increasingly active in Europe, writing, conducting and playing lengthy works for the West German Radio Orchestra in Cologne, Germany, and the Metropole Orchestra in Holland, that feature such soloists as Phil Woods, Sal Nistico and Lee Konitz.

https://musicians.allaboutjazz.com/billholman

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Biografía del artista

Bill Holman es un Maestro de Jazz de NEA Nacido Willis Leonard Holman el 21 de mayo de 1927 en Olive, CA, cerca de Santa Ana, Bill Holman tomó clarinete en la escuela secundaria y saxofón tenor en la escuela secundaria, momento en el cual dirigía su propia banda. Después de servir en la Marina y estudiar ingeniería, decidió a finales de los años 40 que quería escribir música para grandes bandas y estudió durante un tiempo en el Westlake College of Music de Los Ángeles con Dave Robertson y el Dr. Alfred Sendrey. También estudió composición en forma privada con Russ Garcia y saxofón con Lloyd Reese.

En 1949 tocó con la Ike Carpenter Band, en 1951, escribía para Charlie Barnet, y en 1952 comenzó su asociación con Stan Kenton, para quien escribió y tocó durante muchos años. Durante los años 50, también estuvo activo en el movimiento de jazz de la Costa Oeste, tocando en pequeñas bandas lideradas por Shorty Rogers y Shelly Manne, y co-liderando un quinteto con Mel Lewis en 1958.

En los años 60, amplió sus asociaciones de escritura, y eventualmente contribuyó con piezas a bibliotecas y grabaciones de bandas dirigidas por Louie Bellson, Count Basie, Terry Gibbs, Woody Herman, Bob Brookmeyer, Buddy Rich, Gerry Mulligan, Doc Severinsen y otros. También ha escrito para cantantes como Natalie Cole (su álbum ganador del Grammy "Unforgettable", entre otros), Tony Bennett, Carmen MacRae, Mel Torme, Woody Herman, Anita O'Day, Sarah Vaughn, June Christy y la Quinta Dimensión. Su arreglo de "Take The A Train" para la "Tonight Show Orchestra" de Severinsen le valió a Holman el premio al Mejor Grammy Instrumental en 1987.

Bill Holman es un Maestro de Jazz de la NEA

Holman fundó The Bill Holman Band en 1975. La banda ha hecho tres álbumes, todos para JVC: "The Bill Holman Band" de 1988, "A View From The Side" de 1995, por el que Holman ganó el Grammy a la mejor composición instrumental por la canción que le dio título; y "Brilliant Corners" de 1997: La música de Thelonious Monk". Esta grabación, sin duda una de las mejores de Holman, celebra tanto a Monk como a Holman y sin duda renovará el entusiasmo de los fans por las posibilidades que se encuentran en el género de las big band.

Desde 1980, Holman ha estado cada vez más activo en Europa, escribiendo, dirigiendo e interpretando largas obras para la Orquesta de la Radio de Alemania Occidental en Colonia, Alemania, y la Metropole Orchestra en Holanda, que cuenta con solistas como Phil Woods, Sal Nistico y Lee Konitz.

https://musicians.allaboutjazz.com/billholman

 

Sarah Vaughan • Sings The Mancini Songbook

In the 1940s, when most women singers adorned big bands as stage attractions rather than legitimate members of jazz ensembles, Sarah Vaughan, along with her predecessor Ella Fitzgerald, helped elevate the vocalist's role as equal to that of the jazz instrumentalist. A woman known for her many vicissitudes, Vaughan's outspoken personality and artistic eloquence brought her the names “Sassy” and “The Divine One.” A talented pianist, she joined the ranks of the 1940s bebop movement and became, as a member of the Earl Hines and Billy Eckstine bands, one of its most celebrated vocalists. Her dynamic vocal range, sophisticated harmonic sense, and horn-like phrasing brought Vaughan million-selling numbers and a stage and recording career that spanned half a decade.

Sarah Lois Vaughan was born the daughter of Asbury and Ada Vaughan on March 27, 1924, in Newark, New Jersey. As a youth Vaughan took piano lessons and attended the Mount Zion Baptist Church, where she served as a church keyboardist. At home Vaughan played the family's upright piano and listened to the recordings of jazz artists Count Basie and Erskine Hawkins. After discovering Newark's numerous theaters and movie houses, she skipped school and left home at night to watch dances and stage shows. By age 15, she performed at local clubs, playing piano and singing.

Not long after, Vaughan took the train across the river to Harlem to frequent the Savoy Ballroom and the Apollo Theatre. One evening, in 1943, she sat in at the Apollo amateur show, a fiercely competitive contest that often exposed lesser talents to the harsh criticism of the theater's audience. Vaughan's moving performance of “Body and Soul” not only brought a fever of applause from the crowd, it also caught the attention of singer Billy Eckstine. Eckstine informed his bandleader Earl “Fatha” Hines about the young singer. Hines then allowed Vaughan to attend the band's uptown band rehearsal. At the rehearsal, Vaughan's singing won immediate praise from Hines and his musicians. One of the premiere modern big bands of the era, Hines's ensemble included such talents as trumpeters Dizzy Gillespie and Fats Navarro, saxophonist Charlie Parker, and trombonist J. J. Johnson. As the only female bandmember, Vaughan shared the vocal spotlight with Eckstine and played piano, often in duet settings with Hines. Vaughan debuted at the Apollo with Hines's band on April 23, 1943.

Not long after, most of Hines's modernist sidemen, including Gillespie, Parker, and Eckstine, gradually left the band. Vaughan remained briefly with Hines's band until she accepted an invitation to join Eckstine's newly-formed bebop big band in 1944. In December of that year, she cut her first side “I'll Wait and Pray,” backed by the Eckstine band, which included Dizzy Gillespie, saxophonists Dexter Gordon and Gene Ammons, and pianist John Malachi.

Through the intercession of jazz writer and pianist Leonard Feather, Vaughan recorded her first date as a leader for the small Continental label. Under the production of Feather, Vaughan and Her All-Stars attended their session on New Year's Eve 1944. Acting as the session's producer and pianist, Feather assembled such sidemen as Dizzy Gillespie and saxophonist Georgie Auld to cut four sides: “Signing Off,” Feather's “No Smoke Blues,” Gillespie's “Interlude” (a vocal version of “Night in Tunisia”), and “East of the Sun,” on which Gillespie replaced Feather on keyboard.On a second session, Feather relinquished the piano duties to Nat Jaffe, and brought together Gillespie and Charlie Parker.

After a nearly year-long stay with Eckstine, Vaughan left the band. With the exception of a job with the sextet of bassist and trombonist John Kirby in the winter of 1945, she performed as a solo act. On May 11, 1945 she recorded “Lover Man” with Dizzy Gillespie and Charlie Parker. In October of 1945 Vaughan signed with Musicraft label, and, in the same month, recorded for the label with jazz violinist Stuff Smith's group. Her Musicraft 1946 recording of Tadd Dameron's “If You Could See Me Now” is considered a modern classic. She also recorded with the bands of Dickie Wells and Georgie Auld.

Hailed by Metronome magazine as the “Influence of the Year” in 1948, Vaughan rose to jazz stardom. In the following year, she signed a five-year contract with Columbia and recorded her classic “Black Coffee” with the Joe Lippman Orchestra—a number that climbed to number 13 on Billboard's pop charts. For Columbia she recorded in various settings and attended two sessions that emerged as the albums “Summertime,” with the Jimmy Jones band, and “Sarah Vaughan in Hi-Fi,” both of which featured trumpeter Miles Davis. Vaughan was now presenting herself as a pop singer who could do popular ballads in a straightforward style, the soft, sultry sound of her voice unfurling with hypnotic effect, moving with ease between her soprano and contralto registers. During the next year, Vaughan made her first trip to Europe. During her stay in England she sang to enthusiastic audience at Royal Albert Hall.

In 1954, Vaughan signed a contract with the Mercury label and recorded numerous sides primarily in orchestral settings. In December of the same year, her trio—pianist Jimmy Jones, bassist Joe Benjamin, and drummer Roy Haynes—joined 24-year-old trumpet talent Clifford Brown, saxophonist Paul Quinichette, and flutist Herbie Mann to record the LP Sarah Vaughan with Clifford Brown. Surrounded by first-rate musicians sensitive to her vocal talent, Vaughan produced an album that, as the author to the original LP's notes wrote, “It is doubtful whether anyone, including Sarah herself, is likely to be able to find any more completely satisfying representation of her work, or any more appropriate musical setting than are offered in this LP. These sides are sure to rank among the foremost achievements of her decade as a recording artist.”

During a stint at Chicago's Mr. Kelly's nightclub in August of 1957, Vaughan recorded a live album with her trio: pianist Jimmy Jones, bassist Richard Davis, and drummer Roy Haynes. In the following year, she and pianist Ronnell Bright recorded with the Count Basie Band and took part in a session in Paris under the direction of orchestra leader and conductor Quincy Jones, issued as the Mercury LP, “Vaughan and Violins.”

In 1958, Vaughan was earning a yearly income of $230,000. In July of the following year, she scored her first million-selling hit, “Broken Hearted Melody,” with the Ray Ellis Orchestra. A hit with both black and white audiences, “Broken Hearted Melody,” which was nominated for a Grammy Award, reached number five on the pop R&B charts.

When Vaughan's contract with Mercury ended in the fall of 1959, she signed with Roulette Records and became, over the next few years, one the label's biggest stars. Her 1960 sessions for Roulette included “The Divine One,” arranged by Jimmy Jones and a session with Count Basie Band featuring such talents as trumpeters Thad Jones and Joe Newman and saxophonists Frank Foster and Billy Mitchell. Featured in duet numbers with singer Joe Williams, the Basie Band session produced the sides, “If I Were a Bell” and “Teach Me Tonight.”

Several arrangements recorded with the Basie Band in January of 1961, were complied as the album “Sarah Vaughan and Count Basie.” Vaughan signed with Mercury again in 1963. Her recorded work in the sixties featured the ensembles of Benny Carter, Quincy Jones, and Gerald Wilson. Her trio accompanists included noted pianists Roland Hanna and Bob James. Vaughan debuted on the Mainstream record label with the 1971 LP “A Time in Life.” On her 1977 live recording at Ronnie Scott's in the Soho section of London, Vaughan produced a classic with her rendition of “Send in the Clowns.”

In 1978, she recorded an album backed by pianist Oscar Peterson, guitarist Joe Pass, bassist Ray Brown, and drummer Louie Bellson. Recorded with an-star line up, she devoted two albums, in 1979, to the music of Duke Ellington, “Duke Ellington Songbook One,” and “Duke Ellington Songbook Two.” Though she had been nominated for Grammy Awards several times, including a nomination for her 1979 effort “I Love Brazil,” Vaughan did not win her first Grammy until 1982 for “Gershwin Live!.”

Throughout the 1980s Vaughan recorded on the Pablo label, often with the label's featured artists Count Basie, Oscar Peterson, and Dizzy Gillespie. As she told Max Jones in Talking Jazz; “Now that I've been in so long, you know, I can work with whom I want to. I have more say now over what jobs I do and how I want to do them.” During a trip to Brazil in 1987, she recorded the CBS album “Brazilian Romance,” and afterward appeared at a festival in Rio de Janeiro. On her last recording—Quincy Jones's all-star 1989 album “Back on the Block,” she sang with Ella Fitzgerald on the introduction of “Birdland.” In February, of the same year, she received a Grammy Award for lifetime achievement.

A tireless live performer who still maintained a fine voice, Vaughan showed little signs of artistic diminution. Offstage, however, band members began to notice the slowed pace of her walk and her shortness of breath. Diagnosed with lung cancer, she died on April 4, 1990.

Jazz artists and critics have described Sarah Vaughan as a musical innovator whose voice reached the level of the finest jazz instrumentalists. Betty Carter told how “Sarah Vaughan took those melodies and did something with them. She opened the door to do anything you wanted with a melody.” From her first appearances on the jazz scene in the early 1940s until her death, Vaughan's voice became a model of excellence and an inspiration of those venturing to strive beyond the role of popular vocal entertainer and into the higher realm of musical artistry.

Sarah Vaughan received in her lifetime an Emmy Award, for individual achievement, 1981; Grammy Award for best jazz vocalist, 1982; Hollywood Walk of Fame Star, 1985; Grammy Award, for lifetime achievement, 1989.

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En la década de 1940, cuando la mayoría de las mujeres cantantes adornaban las grandes bandas como atracciones del escenario en lugar de ser miembros legítimos de los conjuntos de jazz, Sarah Vaughan, junto con su predecesora Ella Fitzgerald, ayudó a elevar el papel de la vocalista a la altura de la instrumentista de jazz. Mujer conocida por sus muchas vicisitudes, la personalidad franca y la elocuencia artística de Vaughan le valieron los nombres de "Sassy" y "The Divine One". Pianista de gran talento, se unió a las filas del movimiento de bebop de los años 40 y se convirtió, como miembro de las bandas de Earl Hines y Billy Eckstine, en una de sus vocalistas más célebres. Su rango vocal dinámico, su sofisticado sentido armónico y su fraseo parecido al de las trompetas le proporcionaron a Vaughan números de venta millonarios y una carrera escénica y discográfica que abarcó media década.

Sarah Lois Vaughan nació como hija de Asbury y Ada Vaughan el 27 de marzo de 1924 en Newark, Nueva Jersey. En su juventud, Vaughan tomó lecciones de piano y asistió a la Iglesia Bautista Mount Zion, donde sirvió como teclista de la iglesia. En casa Vaughan tocaba el piano vertical de la familia y escuchaba las grabaciones de los artistas de jazz Count Basie y Erskine Hawkins. Después de descubrir los numerosos teatros y salas de cine de Newark, se saltó la escuela y salió de casa por la noche para ver bailes y espectáculos en el escenario. A la edad de 15 años, se presentó en clubes locales, tocando el piano y cantando.

Poco después, Vaughan tomó el tren que cruzaba el río hacia Harlem para frecuentar el Savoy Ballroom y el Teatro Apollo. Una noche, en 1943, asistió al espectáculo de aficionados del Apolo, un concurso ferozmente competitivo que a menudo exponía a los talentos menores a las duras críticas del público del teatro. La conmovedora representación de Vaughan de "Body and Soul" no sólo trajo una fiebre de aplausos de la multitud, sino que también llamó la atención del cantante Billy Eckstine. Eckstine le informó a su director de banda, Earl "Fatha" Hines, sobre el joven cantante. Hines permitió entonces que Vaughan asistiera al ensayo de la banda en la parte alta de la ciudad. En el ensayo, el canto de Vaughan ganó elogios inmediatos de Hines y sus músicos. Una de las primeras grandes bandas modernas de la época, el conjunto de Hines incluía talentos como los trompetistas Dizzy Gillespie y Fats Navarro, el saxofonista Charlie Parker y el trombonista J. J. Johnson. Como único miembro femenino del grupo, Vaughan compartía el centro de atención vocal con Eckstine y tocaba el piano, a menudo a dúo con Hines. Vaughan debutó en el Apollo con la banda de Hines el 23 de abril de 1943.

Poco después, la mayoría de los músicos modernistas de Hines, incluyendo a Gillespie, Parker y Eckstine, dejaron gradualmente la banda. Vaughan permaneció brevemente en la banda de Hines hasta que aceptó una invitación para unirse a la recién formada big band de bebop de Eckstine en 1944. En diciembre de ese año, cortó su primer lado "I'll Wait and Pray", respaldado por la banda de Eckstine, que incluía a Dizzy Gillespie, los saxofonistas Dexter Gordon y Gene Ammons, y el pianista John Malachi.

A través de la intercesión del escritor de jazz y pianista Leonard Feather, Vaughan grabó su primera cita como líder para el pequeño sello Continental. Bajo la producción de Feather, Vaughan y sus estrellas asistieron a su sesión en la víspera del Año Nuevo de 1944. Actuando como productor y pianista de la sesión, Feather reunió a compañeros como Dizzy Gillespie y el saxofonista Georgie Auld para cortar cuatro lados: "En una segunda sesión, Feather cedió las tareas de piano a Nat Jaffe y reunió a Gillespie y Charlie Parker.

Después de una estancia de casi un año con Eckstine, Vaughan dejó la banda. A excepción de un trabajo con el sexteto del bajista y trombonista John Kirby en el invierno de 1945, actuó como solista. El 11 de mayo de 1945 grabó "Lover Man" con Dizzy Gillespie y Charlie Parker. En octubre de 1945 Vaughan firmó con el sello Musicraft, y, en el mismo mes, grabó para el sello con el grupo del violinista de jazz Stuff Smith. Su grabación de Musicraft 1946 de "If You Could See Me Now" de Tadd Dameron es considerada un clásico moderno. También grabó con las bandas de Dickie Wells y Georgie Auld.

Aclamado por la revista Metronome como la "Influencia del año" en 1948, Vaughan alcanzó el estrellato del jazz. Al año siguiente, firmó un contrato de cinco años con Columbia y grabó su clásico "Black Coffee" con la Joe Lippman Orchestra-un número que subió al número 13 en las listas de pop de Billboard. Para Columbia grabó en varios escenarios y asistió a dos sesiones que surgieron como los álbumes "Summertime", con la banda de Jimmy Jones, y "Sarah Vaughan en Hi-Fi", ambos con el trompetista Miles Davis. Vaughan se presentaba ahora como una cantante pop que podía hacer baladas populares con un estilo sencillo, el sonido suave y sensual de su voz desplegándose con efecto hipnótico, moviéndose con facilidad entre sus registros de soprano y contralto. Durante el año siguiente, Vaughan hizo su primer viaje a Europa. Durante su estancia en Inglaterra cantó ante un público entusiasta en el Royal Albert Hall.

En 1954, Vaughan firmó un contrato con el sello Mercury y grabó numerosos lados principalmente en escenarios orquestales. En diciembre de ese mismo año, su trío-pianista Jimmy Jones, el bajista Joe Benjamin y el baterista Roy Haynes se unieron al talento de trompeta de 24 años Clifford Brown, al saxofonista Paul Quinichette y al flautista Herbie Mann para grabar el LP Sarah Vaughan con Clifford Brown. Rodeada de músicos de primera categoría sensibles a su talento vocal, Vaughan produjo un álbum que, como escribió el autor de las notas del LP original, "Es dudoso que alguien, incluyendo a la propia Sarah, pueda encontrar una representación más completamente satisfactoria de su trabajo, o un escenario musical más apropiado que el que se ofrece en este LP". Estos lados seguramente se encuentran entre los logros más importantes de su década como artista de grabación".

Durante una temporada en el club nocturno Mr. Kelly's de Chicago en agosto de 1957, Vaughan grabó un álbum en vivo con su trío: el pianista Jimmy Jones, el bajista Richard Davis y el baterista Roy Haynes. Al año siguiente, ella y el pianista Ronnell Bright grabaron con la Count Basie Band y participaron en una sesión en París bajo la dirección del líder de la orquesta y director Quincy Jones, publicada como el LP Mercury, "Vaughan and Violins".

En 1958, Vaughan ganaba un ingreso anual de 230.000 dólares. En julio del año siguiente, obtuvo su primer éxito de ventas de un millón, "Melodía de Corazón Roto", con la Orquesta de Ray Ellis. Un éxito entre el público blanco y negro, "Broken Hearted Melody", que fue nominada a un premio Grammy, alcanzó el número cinco en las listas de pop R&B.

Cuando el contrato de Vaughan con Mercury terminó en el otoño de 1959, firmó con Roulette Records y se convirtió, durante los siguientes años, en una de las mayores estrellas del sello. Sus sesiones de 1960 para Roulette incluyeron "The Divine One", arreglada por Jimmy Jones y una sesión con Count Basie Band con talentos como los trompetistas Thad Jones y Joe Newman y los saxofonistas Frank Foster y Billy Mitchell. Presentada en números de dúo con el cantante Joe Williams, la sesión de Basie Band produjo los lados, "If I Were a Bell" y "Teach Me Tonight".

Varios arreglos grabados con la Basie Band en enero de 1961, se cumplieron como el álbum "Sarah Vaughan and Count Basie". Vaughan firmó con Mercury de nuevo en 1963. Su trabajo discográfico en los años sesenta incluyó los conjuntos de Benny Carter, Quincy Jones y Gerald Wilson. Su trío de acompañantes incluía a los renombrados pianistas Roland Hanna y Bob James. Vaughan debutó en el sello discográfico Mainstream con el LP de 1971 "A Time in Life". En su grabación en vivo de 1977 en Ronnie Scott's en la sección Soho de Londres, Vaughan produjo un clásico con su interpretación de "Send in the Clowns".

En 1978, grabó un álbum respaldado por el pianista Oscar Peterson, el guitarrista Joe Pass, el bajista Ray Brown y el baterista Louie Bellson. Grabado con una formación de estrellas, dedicó dos álbumes, en 1979, a la música de Duke Ellington, "Duke Ellington Songbook One" y "Duke Ellington Songbook Two". Aunque había sido nominada a los premios Grammy varias veces, incluyendo una nominación por su esfuerzo de 1979 "I Love Brazil", Vaughan no ganó su primer Grammy hasta 1982 por "Gershwin Live".

A lo largo de los años 80 Vaughan grabó con el sello Pablo, a menudo con los artistas destacados del sello: Count Basie, Oscar Peterson y Dizzy Gillespie. Como le dijo a Max Jones en Talking Jazz; "Ahora que llevo tanto tiempo, ya sabes, puedo trabajar con quien quiera". Ahora tengo más que decir sobre los trabajos que hago y cómo quiero hacerlos". Durante un viaje a Brasil en 1987, grabó el álbum de la CBS "Romance Brasileño", y después se presentó en un festival en Río de Janeiro. En su última grabación, el álbum estrella de Quincy Jones de 1989 "Back on the Block", cantó con Ella Fitzgerald en la introducción de "Birdland". En febrero del mismo año, recibió un premio Grammy por sus logros a lo largo de su vida.

Incansable intérprete en vivo que aún mantenía una voz fina, Vaughan mostró pequeños signos de disminución artística. Sin embargo, fuera del escenario, los miembros de la banda empezaron a notar el ritmo lento de su andar y su falta de aliento. Diagnosticada con cáncer de pulmón, murió el 4 de abril de 1990.

Los artistas y críticos de jazz han descrito a Sarah Vaughan como una innovadora musical cuya voz alcanzó el nivel de los mejores instrumentistas de jazz. Betty Carter dijo que "Sarah Vaughan tomó esas melodías e hizo algo con ellas". Ella abrió la puerta para hacer lo que quisieras con una melodía". Desde sus primeras apariciones en la escena del jazz a principios de los años 40 hasta su muerte, la voz de Vaughan se convirtió en un modelo de excelencia y en una inspiración para aquellos que se aventuran a ir más allá del papel de animador vocal popular y entrar en el reino superior del arte musical.

Sarah Vaughan recibió en su vida un premio Emmy, por logros individuales, 1981; un premio Grammy por mejor vocalista de jazz, 1982; una estrella del Paseo de la Fama de Hollywood, 1985; un premio Grammy, por logros de toda una vida, 1989.

 

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