Chico Hamilton • The Further Adventures Of El Chico

 

Legendary jazz drummer and bandleader Foreststorn ‘Chico’ Hamilton, born September 21st, 1921 in Los Angeles, had a fast track musical education in a band with his schoolmates Charles Mingus, Illinois Jacquet, Ernie Royal, Dexter Gordon, Buddy Collette and Jack Kelso. Engagements with Lionel Hampton, Slim & Slam, T-Bone Walker, Lester Young, Count Basie, Duke Ellington, Charlie Barnett, Billy Eckstine, Nat King Cole, Sammy Davis Jr., Billie Holiday, Gerry Mulligan and six years with Lena Horne established this young West Coast prodigy as a jazz drummer on the rise, before striking out on his own as a bandleader in 1955.

Chico appears in the March Milastaire number in the film “You'll Never Get Rich” (1941) as part of the backing group supporting Fred Astaire, and performed on the soundtrack of the Bing Crosby/Bob Hope film “Road to Bali”.

Chico’s impact upon jazz includes the introduction of two unique and distinct sounds: first in 1955 with his Original Quintet which combined the sounds of his drums, the bass of Carson Smith, the guitar of Jim Hall, the cello of Fred Katz, and the flute of Buddy Collette; and the second in 1962 with his own drums, the bass of Albert Stinson, the guitar of Gabor Szabo, the tenor sax of Charles Lloyd, and the trombone of George Bohanon.

Recorded first lp as leader in '55 with George Duvivier and Howard Roberts for Pacific Jazz; in '55 formed an unusual quintet in L.A. feat. cello, flute, guitar, bass and drums which acquired national following; the original personnel incl. Buddy Collette, Jim Hall, Fred Katz and Carson Smith; Hamilton continued to tour using different personnel '57-'60; group incl. Paul Horne and John Pisano feat. in the film “Sweet Smell of Success” in '57; group incl. Nate Gershman and Eric Dolphy app. in film “Jazz on a Summer’s Day” in '60; Dolphy makes first recordings with Hamilton on “With Strings Attached”, “Gongs East”, “The Three Faces of Chico”, and “That Hamilton Man”.

Hamilton revamps group in '61 with new musical direction; new group incl. Charles Lloyd, Gabor Szabo, George Bohanon and Albert Stinson; group records for Columbia, Reprise and Impulse also records soundtrack for industrial film “Litho” in '62, the first American film to be shown behind the Iron Curtain. Hamilton forms commercial and film production company in '65; scores the feature films “Repulsion”, “Mr. Rico”, “By Design”, “Liebe Auf Den Ersten Blick”, “Die Sonnengottin”, and “A Practical Man”; scores for television “Portrait of Willie Mays” and the popular children's series “Gerald McBoing Boing”; scores hundreds of commercials for TV and radio. Forms new group with Larry Coryell, Richard Davis and Arnie Lawrence in '66 and records “The Dealer” for Impulse. Performs Montreux and North Sea Jazz Festivals in '72 and '73. Forms new “Players” group in '75 w. Arthur Blythe, Steve Turre, Barry Finnerty and Abdullah; tours with “Players” using different personnel '76-'80; records for Blue Note, Mercury, Nautilus and Elektra. Originating faculty member in '87 of New School University Jazz & Contemporary Music Program.

Forms new group “Euphoria” in '87 w. Eric Person, Cary DeNigris and Reggie Washington; records “Euphoria” '87; tours Europe with “Euphoria” '87, '88, '90. Performs at Verona, Bolzano, Vienne, Nice, North Sea and Montreux Jazz Festivals in '89 with regrouped original quintet w. Buddy Collette, Fred Katz, John Pisano, Carson Smith; records “Reunion” for Soul Note. For Soul Note records “Arroyo” with “Euphoria” group, “Trio!” w. Eric Person , Cary DeNigris, Eric Dolphy tribute “My Panamanian Friend” with “Euphoria” group, and solo drum session “Dancing to a Different Drummer”. Tours Europe with “Euphoria” group '94. Hamilton subject of documentary film by director Julian Benedikt “Dancing to a Different Drummer” '94. 1997 Hamilton receives the New School University Jazz & Contemporary Music Program’s Beacons in Jazz Award in recognition for his “significant contribution to the evolution of Jazz”.

Hamilton releases “Foreststorn” in 2001 featuring his new “Euphoria” group with stalwarts Cary DeNigris on guitar, Paul Ramsey on bass, and a new two horn front line featuring Eric Lawrence on alto and soprano saxes and Evan Schwam on tenor sax, as well as Special Guest Appearances from Former Band members Arthur Blythe, Steve Turre and his wife Akua Dixon, Eric Person, former Spin Doctors guitarist Eric Schenkman (a student of Chico's), Blues Traveler front man John Popper (also a student of Chico's), and Charlie Watts of The Rolling Stones. August 2001 performs in front of 2300 people at Lincoln Center “My Funny Valentine- A Tribute to Chico Hamilton” with “Euphoria” plus Special Guest Appearances from Joe Beck, Arthur Blythe, Larry Coryell, Akua Dixon, Rodney Jones and Eric Person. Fall 2002 releases “Thoughts of…” with his “Euphoria” group with Special Guest Appearances from guitarists and former band members Joe Beck, Larry Coryell and Rodney Jones.

In 1997, Chico received the New School University Jazz & Contemporary Music Programs Beacons in Jazz Award in recognition for his “significant contribution to the evolution of Jazz”. In 2002, Chico was awarded the WLIU-FM Radio Lifetime Achievement Award. At the IAJE in NYC January 2004, Hamilton was awarded a NEA Jazz Master Fellowship, presented to him by Roy Haynes. In December 2006, Congress confirmed the President’s nomination of Chico to the Presidents Council on the Arts. And in 2007, Chico received a Living Legacy Jazz Award as part of The Kennedy Center Jazz in Our Time Festival, as well as receiving a Doctor of Fine Arts from The New School.

Dynamic as ever at the age of 86, Chico Hamilton has a resume that includes scores for film, original compositions, commercial jingles, 50 + albums as a leader, and countless international tours. In 2006, Chico released four CD’s on Joyous Shout! in celebration of his 85th birthday: “Juniflip” featuring guest appearances from- legendary Love front- man Arthur Lee, criminally under-rated vocalist (and successful actor) Bill Henderson, and former Hamilton band members trombonist George Bohanon and bass trombonist Jimmy Cheatham; “Believe” with Special Guest appearances from vocalist and R & B Diva Fontella Bass and trombonist George Bohanon; “6th Avenue Romp” featuring Special Guest appearances from guitarist Shuggie Otis, trumpeter Jon Faddis, trombonist George Bohanon, vocalist Brenna Bavis and percussionist Jaimoe of the Allman Brothers Band; and “Heritage” with Special Guest appearances from vocalist Marya Lawrence and tromboist George Bohanon. September 2007, Chico released “Hamiltonia” sampling his original compositions from the four albums released in 2006. “Hamiltonia” is an impassioned statement of purpose- an emphatic endorsement of writing and performing THIS music in the NOW, the way the GREATS did in their time, and confirms Hamilton's status as one of the most important living jazz artists and composers.

Over the years, Chico has had a series of dance floor successes, including his signature song “Conquistadors from his 60's Impulse album “El Chico”, and the Brazilian influenced song “Strut” from Chico's 1979 outing on Elektra “Nomad”, which became so successful on the Northern Soul Scene in the U.K. that it had its own dance!! “Conquistadors” also was the signature track for E-man when he rocked the dance floor at Frank's Cocktail Lounge in Brooklyn. In 2002 a track titled “For Mods Only” from Chico's 1968 Impulse album “The Dealer”, was included on the [Thievery Corporations “Sounds from the Verve Hi-Fi”. Fall 2006, Rong Music released the 12” vinyl “Kerry's Caravan” from Mudd & Chico Hamilton, a moody yet stunning slice of modern music and a molten melting pot ready made for filling the dance floor with remixes from long-term Idjut Boys collaborator and Fiasco imprint boss Ray Mang!! And the recent Impulsive! Remix Project features Mark De Clive Lowe’s take on Chico’s classic 60s track “El Toro”. Released December of 2007 from SoulFeast (Joaquin 'Joe' Claussell & Brian Michel Bacchus) on 12” Limited Edition Vinyl is their recasting of Chico's classic track “Mysterious Maiden”, and coming Spring 2008 from SoulFeast is a CD & double vinyl 12” EP “Chico Hamilton Presents: Alternative Dimensions of El-Chico”.

Chico is presently teaching at New School University Jazz & Contemporary Music Program; touring extensively in North America with “Euphoria” group which includes Cary DeNigris on guitar, Paul Ramsey on bass, Evan Schwam on flute, tenor and soprano saxes, and Ian Young on flute, alto and baritone saxes, and Jeremy Carlstedt on percussion; recording with his “Euphoria” group and special guests; composing and performing music for film; and working on autobiography.

https://musicians.allaboutjazz.com/chicohamilton

 

Note:
Chico Hamilton passed away on 25 November 2013, in Manhattan, New York.

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El legendario baterista de jazz y director de banda Foreststorn 'Chico' Hamilton, nacido el 21 de septiembre de 1921 en Los Ángeles, tuvo una educación musical acelerada en una banda con sus compañeros de escuela Charles Mingus, Illinois Jacquet, Ernie Royal, Dexter Gordon, Buddy Collette y Jack Kelso. Sus compromisos con Lionel Hampton, Slim & Slam, T-Bone Walker, Lester Young, Count Basie, Duke Ellington, Charlie Barnett, Billy Eckstine, Nat King Cole, Sammy Davis Jr., Billie Holiday, Gerry Mulligan y seis años con Lena Horne hicieron que este joven prodigio de la costa oeste se convirtiera en un baterista de jazz en ascenso, antes de emprender su propio camino como director de orquesta en 1955.

Chico aparece en el número de marzo de Milastaire en la película "You'll Never Get Rich" (1941) como parte del grupo de apoyo a Fred Astaire, y actuó en la banda sonora de la película de Bing Crosby/Bob Hope "Road to Bali".

El impacto de Chico en el jazz incluye la introducción de dos sonidos únicos y distintos: el primero en 1955 con su Quinteto Original que combinaba los sonidos de su batería, el bajo de Carson Smith, la guitarra de Jim Hall, el violonchelo de Fred Katz y la flauta de Buddy Collette; y el segundo en 1962 con su propia batería, el bajo de Albert Stinson, la guitarra de Gabor Szabo, el saxo tenor de Charles Lloyd y el trombón de George Bohanon.

Grabó su primer LP como líder en el 55 con George Duvivier y Howard Roberts para Pacific Jazz; en el 55 formó un quinteto inusual en la hazaña de L.A.: cello, flauta, guitarra, bajo y batería que adquirió seguidores nacionales; el personal original incluía a Buddy Collette, Jim Hall, Fred Katz y Carson Smith; Hamilton siguió de gira usando personal diferente del 57 al 60; el grupo incluía a Paul Horne y John Pisano en la película "Sweet Smell of Success" en el 57; el grupo incluye a Nate Gershman y Eric Dolphy en la película "Jazz on a Summer's Day" en el 60; Dolphy hace las primeras grabaciones con Hamilton en "With Strings Attached", "Gongs East", "The Three Faces of Chico" y "That Hamilton Man".

Hamilton renueva el grupo en el 61 con una nueva dirección musical; el nuevo grupo incluye a Charles Lloyd, Gabor Szabo, George Bohanon y Albert Stinson; el grupo graba para Columbia, Reprise e Impulse y también graba la banda sonora de la película industrial "Litho" en el 62, la primera película americana que se proyectó tras el telón de acero. Hamilton forma una empresa de producción de películas y anuncios en el año 65; graba las partituras de los largometrajes "Repulsion", "Mr. Rico", "By Design", "Liebe Auf Den Ersten Blick", "Die Sonnengottin" y "A Practical Man"; graba las partituras para la televisión "Portrait of Willie Mays" y la popular serie infantil "Gerald McBoing Boing"; graba cientos de anuncios para la televisión y la radio. Forma un nuevo grupo con Larry Coryell, Richard Davis y Arnie Lawrence en el 66 y graba "The Dealer" para Impulse. Actúa en los festivales de jazz de Montreux y del Mar del Norte en 1972 y 1973. Forma un nuevo grupo "Players" en el 75 con Arthur Blythe, Steve Turre, Barry Finnerty y Abdullah; giras con "Players" con personal diferente en el 76-80; discos para Blue Note, Mercury, Nautilus y Elektra. Miembro de la facultad en el 87 del programa de Jazz y Música Contemporánea de la Universidad New School.

Forma el nuevo grupo "Euphoria" en el 87 con Eric Person, Cary DeNigris y Reggie Washington; graba "Euphoria" 87; gira por Europa con "Euphoria" 87, 88 y 90. Se presenta en los festivales de jazz de Verona, Bolzano, Viena, Niza, Mar del Norte y Montreux en el 89 con el quinteto original reagrupado con Buddy Collette, Fred Katz, John Pisano, Carson Smith; graba "Reunion" para Soul Note. Para Soul Note graba "Arroyo" con el grupo "Euphoria", "Trio!" con Eric Person, Cary DeNigris, Eric Dolphy tributo "My Panamanian Friend" con el grupo "Euphoria", y la sesión de batería en solitario "Dancing to a Different Drummer". Gira por Europa con el grupo "Euphoria" del 94. Hamilton tema del documental del director Julian Benedikt "Dancing to a Different Drummer" '94. 1997 Hamilton recibe el premio Beacons in Jazz del Programa de Jazz y Música Contemporánea de la New School University en reconocimiento a su "significativa contribución a la evolución del Jazz".

Hamilton lanza "Foreststorn" en 2001 con su nuevo grupo "Euphoria", con los incondicionales Cary DeNigris en la guitarra, Paul Ramsey en el bajo, y una nueva línea frontal de dos trompas con Eric Lawrence en los saxos alto y soprano y Evan Schwam en el saxo tenor, así como las apariciones como invitados especiales de los ex miembros de la banda Arthur Blythe, Steve Turre y su esposa Akua Dixon, Eric Person, el ex guitarrista de los Spin Doctors Eric Schenkman (un estudiante de Chico's), el testaferro de Blues Traveler John Popper (también un estudiante de Chico's), y Charlie Watts de los Rolling Stones. En agosto de 2001 actúa ante 2300 personas en el Lincoln Center "My Funny Valentine- A Tribute to Chico Hamilton" con "Euphoria", además de las apariciones como invitados especiales de Joe Beck, Arthur Blythe, Larry Coryell, Akua Dixon, Rodney Jones y Eric Person. El otoño de 2002 lanza "Thoughts of..." con su grupo "Euphoria" con Special Guest Appearances de los guitarristas y ex-miembros de la banda Joe Beck, Larry Coryell y Rodney Jones.

En 1997, Chico recibió el premio Beacons in Jazz de los programas de jazz y música contemporánea de la New School University en reconocimiento a su "significativa contribución a la evolución del jazz". En 2002, Chico fue galardonado con el premio WLIU-FM Radio Lifetime Achievement Award. En el IAJE de Nueva York, en enero de 2004, Hamilton fue premiado con una beca NEA Jazz Master Fellowship, presentada por Roy Haynes. En diciembre de 2006, el Congreso confirmó el nombramiento del Presidente de Chico en el Consejo Presidencial de las Artes. Y en 2007, Chico recibió un premio de Jazz del Legado Vivo como parte del Festival de Jazz en Nuestro Tiempo del Centro Kennedy, así como un Doctorado en Bellas Artes de la New School.

Dinámico como siempre a la edad de 86 años, Chico Hamilton tiene un currículum que incluye partituras para películas, composiciones originales, jingles comerciales, más de 50 álbumes como líder, e innumerables giras internacionales. En 2006, Chico lanzó cuatro CD en Joyous Shout! para celebrar su 85 cumpleaños: "Juniflip" con las apariciones como invitado del legendario cantante de Love Arthur Lee, el vocalista (y exitoso actor) Bill Henderson, y los ex miembros de la banda de Hamilton, el trombonista George Bohanon y el trombonista bajo Jimmy Cheatham; "Believe" con las apariciones como invitado especial del vocalista y R & B Diva Fontella Bass y el trombonista George Bohanon; "6th Avenue Romp" con apariciones como invitados especiales del guitarrista Shuggie Otis, el trompetista Jon Faddis, el trombonista George Bohanon, la vocalista Brenna Bavis y el percusionista Jaimoe de la Allman Brothers Band; y "Heritage" con apariciones como invitados especiales de la vocalista Marya Lawrence y el trombonista George Bohanon. En septiembre de 2007, Chico publicó "Hamiltonia" con una muestra de sus composiciones originales de los cuatro álbumes publicados en 2006. "Hamiltonia" es una apasionada declaración de intenciones - un apoyo rotundo a la escritura e interpretación de ESTA música en el AHORA, de la manera en que los GRANDES lo hicieron en su tiempo, y confirma el estatus de Hamilton como uno de los más importantes artistas y compositores de jazz vivos.

A lo largo de los años, Chico ha tenido una serie de éxitos en la pista de baile, incluyendo su canción característica "Conquistadors" de su álbum Impulse de los 60 "El Chico", y la canción de influencia brasileña "Strut" de la salida de Chico en 1979 en Elektra "Nomad", que tuvo tanto éxito en la escena Northern Soul en el Reino Unido que tuvo su propio baile!! "Conquistadors" también fue el tema característico de E-man cuando rockeó en la pista de baile del Frank's Cocktail Lounge en Brooklyn. En 2002, un tema titulado "For Mods Only" del álbum "The Dealer" de Chico's Impulse en 1968, fue incluido en el [Thievery Corporations "Sounds from the Verve Hi-Fi"]. En otoño de 2006, Rong Music lanzó el vinilo de 12" "Kerry's Caravan" de Mudd & Chico Hamilton, una malhumorada pero impresionante rebanada de música moderna y un crisol fundido listo para llenar la pista de baile con remezclas del colaborador de larga data de Idjut Boys y jefe de imprenta de Fiasco, Ray Mang!! ¡Y el reciente "Impulsivo"! Remix Project presenta la versión de Mark De Clive Lowe del clásico de los 60 "El Toro" de Chico. Lanzado en diciembre de 2007 por SoulFeast (Joaquin 'Joe' Claussell & Brian Michel Bacchus) en vinilo de 12" de edición limitada es su refundición del tema clásico de Chico "Mysterious Maiden", y la próxima primavera de 2008 de SoulFeast es un CD y doble vinilo de 12" EP "Chico Hamilton Presents": Dimensiones alternativas de El-Chico".

Chico está actualmente enseñando en el programa de jazz y música contemporánea de la New School University; está de gira por América del Norte con el grupo "Euphoria", que incluye a Cary DeNigris en la guitarra, Paul Ramsey en el bajo, Evan Schwam en la flauta, saxos tenor y soprano, e Ian Young en la flauta, saxos alto y barítono, y Jeremy Carlstedt en la percusión; está grabando con su grupo "Euphoria" e invitados especiales; está componiendo e interpretando música para películas; y está trabajando en la autobiografía.

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Note:
Chico Hamilton passed away on 25 November 2013, in Manhattan, New York.

George Shearing • Black Satin

 

Biography

George Shearing enjoys an international reputation as a pianist, arranger and composer. Equally at home on the concert stage as in jazz clubs, Shearing is recognized for inventive, orchestrated jazz. He has written over 300 compositions, including the classic “Lullaby of Birdland,” which has become a jazz standard.

Shearing was born in 1919 in the Battersea area of London. Congenitally blind, he was the youngest of nine children. His father delivered coal and his mother cleaned trains at night after caring for the children during the day. His only formal musical education consisted of four years of study at the Linden Lodge School for the Blind. While his talent won him a number of university scholarships, he was forced to refuse them in favor of a more financially productive pursuit…playing piano in a neighborhood pub for the handsome salary of $5 a week! Shearing joined an all-blind band in the 1930’s. At that time he developed a friendship with the noted jazz critic and author, Leonard Feather. Through this contact, he made his first appearance on BBC radio.

In 1947, Mr. Shearing moved to America, where he spent two years establishing his fame on this side of the Atlantic. The Shearing Sound commanded national attention when, in 1949, he gathered a quintet to record “September in the Rain” for MGM. The record was an overnight success and sold 900,000 copies. His U.S. reputation was permanently established when he was booked into Birdland, the legendary jazz spot in New York. Since then, he has become one of the country’s most popular performing and recording artist. In 1982 and 1983 he won Grammy Awards with recordings he made with Mel Torme. Mr. Shearing was the subject of an hour-long television documentary entitled “The Shearing Touch” presented on the Southbank Show with Melvyn Bragg on ITV in the UK. Three presidents have invited Mr. Shearing to play at the White House.. Ford, Carter and Reagan. He performed at the Royal Command Performance for Queen Elizabeth II and Prince Philip. He is a member of the Friars Club and the Lotos Club in New York and the Bohemian Club in San Francisco.

His awards and honors are many. In May 1975, he received an honorary degree of Doctor of Music from Westminster College in Salt Lake City. In May of 1994, Hamilton College in upstate New York awarded him another honorary doctorate in music. DePauw University in Greencastle, Indiana presented him with an honorary doctorate of music on June 1, 2002. He received the prestigious Horatio Alger Award for Distinguished Americans in 1978 and a community recreational facility in Battersea, south London, was named the George Shearing Centre in his honor. In May of 1993, he was presented with the British equivalent of the Grammy…the Ivor Novello Award for Lifetime Achievement. In June of 1996, Mr. Shearing was included in the Queen’s Birthday Honors List and on November 26, 1996 he was invested by Queen Elizabeth II at Buckingham Palace as an Officer of the Order of the British Empire for his “service to music and Anglo-US relations.” He was presented the first American Music Award by the National Arts Club, New York City, in March of 1998.

In 1999, his 80th birthday was celebrated in England where he played to a sold-out house at the Birmingham Symphony Hall. Also appearing with him were the BBC Big Band, the strings of the London Symphony, Dame Cleo Laine and John Dankworth. BBC Radio 2 presented a 2 1/2-hour “Salute to Shearing” in honor of his birthday. The following year another sold-out house at Carnegie Hall was treated to his birthday celebration featuring the George Shearing Quintet with Nancy Wilson, Dave Brubeck, Dr. Billy Taylor, the John Pizzarelli Trio, Tito Puente and Peter Schickele who brought a special greeting from PDQ Bach! Mr. Shearing’s biography, “Lullaby of Birdland,” published by Continuum, was released February 2005. In conjunction with the autobiography release Concord Records released a composite of Shearing recordings in a 2-CD set entitled “Lullabies of Birdland.: A Musical Autobiography” which was immediately followed up with “Hopeless Romantics” with Michael Feinstein. Concord then released the collectors set Mel Tormé & George Shearing The Concord Years. Mr. Shearing’s popularity continues to rise.

In November 2006, a letter arrived from the Prime Minister's office in London reading, in part, “The Prime Minister has asked me to inform you, in strict confidence, that .......he has it in mind, on the occasion of the forthcoming list of New Year Honours, to submit your name to The Queen with a recommendation that Her Majesty may be graciously pleased to approve that the honour of Knighthood be conferred upon you.” When the letter was read to him, George simply said, “I don't know why I'm getting this honor.....I've just been doing what I love to do.” And, when asked by the press how he felt about receiving the highest honor the Queen can give, he replied, “My mind keeps flashing back on my beginnings as pianist playing in a pub for the equivalent of $5.00 a week. What a journey it has been from that pub to Buckingham Palace. Receiving such an honor as a Knighthood might also show young people what can be achieved in life if one learns his craft and follows his dreams.”

So, the poor, blind kid from Battersea named George Shearing, the youngest of nine, whose father once delivered coal to the Palace, with four years of formal musical training but with a tremendous will to make good, traveled with his wife, Ellie, to London to claim his honor. On June 13, 2007 George was presented to Queen Elizabeth II in the Ballroom of Buckingham Palace. The Queen first touched him on each shoulder with the sword her father had used, then stepped down off the dais to put the medal around his neck, adjusted it, shook hands with him and talked to him for several minutes. He became Sir George Shearing “for his contribution to music”, as the Lord Chamberlain put it. Now, that's a fairy tale come true!

After the ceremony, Sir George and Lady Shearing hosted a luncheon for some of their closest friends including Dame Cleo Laine and Sir John Dankworth, the BBC personality and interviewer, Michael Parkinson (who championed George's receiving a Knighthood on his radio and television shows), and the actress Julia McKenzie.

The following week, Sir George's relatives came to lunch.....including his 97-year-old sister, Dolly. She was the life of the party....leading the Sing-Song between courses of the meal! And the celebratiions didn't stop there. The Shearings hosted a tea for the member of Parliament and former Home Secretary, David Blunkett, along with the Dean of Canterbury, The Very Reverend Robert Willis. Mr. Blunkett was also born blind and lived for ten years right next door to the Linden Lodge for the Blind.

And, the honors keep coming! Back in New York, on October 21, 2007, the Town Hall Foundation presented Sir George with its Annual Friend of the Arts Award “in recognition and appreciation of his babiding interest in the development, enrichment and support of the arts”. With this award also came a medal placque, bearing Sir George's name, being placed on the back of one the seats in the legendary Town Hall.

But, come July 1 every year, one can find the Shearings traveling from their New York City apartment up to the beautiful Berkshires near Tanglewood where, for the entire summer, they will attend concerts by the Boston Symphony, entertain their many friends (both in and out of the music profession), and, yes, listen to the crickets while sipping a glass of wine while simply enjoying life together.

https://musicians.allaboutjazz.com/georgeshearing

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Biografía

George Shearing goza de una reputación internacional como pianista, arreglista y compositor. Igualmente en casa en el escenario de conciertos como en los clubes de jazz, Shearing es reconocido por su ingenioso jazz orquestado. Ha escrito más de 300 composiciones, incluido el clásico "Lullaby of Birdland", que se ha convertido en un estándar de jazz.

Shearing nació en 1919 en el área de Battersea de Londres. Congénitamente ciego, era el más joven de nueve hijos. Su padre entregó carbón y su madre limpió los trenes por la noche después de cuidar a los niños durante el día. Su única educación musical formal consistió en cuatro años de estudio en la Linden Lodge School for the Blind. Si bien su talento le valió una serie de becas universitarias, se vio obligado a rechazarlas a favor de una búsqueda más productiva económicamente ... ¡tocar el piano en un pub del vecindario por el atractivo salario de $ 5 por semana! Shearing se unió a una banda totalmente ciega en la década de 1930. En ese momento desarrolló una amistad con el notable crítico y autor de jazz, Leonard Feather. A través de este contacto, hizo su primera aparición en la radio de la BBC.

En 1947, el Sr. Shearing se mudó a América, donde pasó dos años estableciendo su fama en este lado del Atlántico. The Shearing Sound atrajo la atención nacional cuando, en 1949, reunió un quinteto para grabar "September in the Rain" para MGM. El récord fue un éxito de la noche a la mañana y vendió 900,000 copias. Su reputación en los Estados Unidos se estableció de forma permanente cuando fue contratado en Birdland, el legendario lugar de jazz en Nueva York. Desde entonces, se ha convertido en uno de los artistas de interpretación y grabación más populares del país. En 1982 y 1983 ganó los premios Grammy con grabaciones que hizo con Mel Torme. Shearing fue el tema de un documental de televisión de una hora titulado "The Shearing Touch" presentado en el Southbank Show con Melvyn Bragg en ITV en el Reino Unido. Tres presidentes invitaron al Sr. Shearing a jugar en la Casa Blanca. Ford, Carter y Reagan. Actuó en el Royal Command Performance para la Reina Isabel II y el Príncipe Felipe. Es miembro del Friars Club y del Lotos Club de Nueva York y del Bohemian Club de San Francisco.

Sus premios y honores son muchos. En mayo de 1975, recibió un título honorario de Doctor en Música de Westminster College en Salt Lake City. En mayo de 1994, el Hamilton College en el estado de Nueva York le otorgó otro doctorado honorario en música. La Universidad DePauw en Greencastle, Indiana, le otorgó un doctorado honorario en música el 1 de junio de 2002. Recibió el prestigioso Premio Horatio Alger para estadounidenses distinguidos en 1978 y una instalación recreativa comunitaria en Battersea, al sur de Londres, fue nombrado el Centro George Shearing en Su honor. En mayo de 1993, recibió el equivalente británico del Grammy ... el premio Ivor Novello por su trayectoria. En junio de 1996, el Sr. Shearing fue incluido en la Lista de Honores del Cumpleaños de la Reina y el 26 de noviembre de 1996 fue investido por la Reina Isabel II en el Palacio de Buckingham como Oficial de la Orden del Imperio Británico por su "servicio a la música y el anglo - Relaciones con los Estados Unidos ”. En marzo de 1998 recibió el primer American Music Award del National Arts Club de la ciudad de Nueva York.

En 1999, su 80 cumpleaños se celebró en Inglaterra, donde tocó en una casa con entradas agotadas en el Birmingham Symphony Hall. También aparecieron con él la BBC Big Band, las cuerdas de la Sinfónica de Londres, Dame Cleo Laine y John Dankworth. BBC Radio 2 presentó un "Salute to Shearing" de 2 1/2 horas en honor a su cumpleaños. Al año siguiente, otra casa con entradas agotadas en el Carnegie Hall recibió la celebración de su cumpleaños con el Quinteto George Shearing con Nancy Wilson, Dave Brubeck, el Dr. Billy Taylor, el John Pizzarelli Trio, Tito Puente y Peter Schickele, quienes recibieron un saludo especial de PDQ Bach! La biografía del Sr. Shearing, "Lullaby of Birdland", publicada por Continuum, se publicó en febrero de 2005. Junto con el lanzamiento de la autobiografía, Concord Records lanzó un compuesto de grabaciones de Shearing en un conjunto de 2 CD titulado "Lullabies of Birdland .: A Musical Autobiography "Que fue seguido inmediatamente por" Románticos sin esperanza "con Michael Feinstein. Concord luego lanzó el set de coleccionistas Mel Tormé y George Shearing The Concord Years. La popularidad del Sr. Shearing continúa aumentando.

En noviembre de 2006, llegó una carta de la oficina del Primer Ministro en Londres que decía, en parte, "El Primer Ministro me ha pedido que le informe, en estricta confidencialidad, que ....... lo tiene en mente, en el ocasión de la próxima lista de Honores de Año Nuevo, para enviar su nombre a La Reina con una recomendación de que Su Majestad pueda agradarle gentilmente aprobar que se le otorgue el honor de Caballero ”. Cuando le leyeron la carta, George simplemente dijo: "No sé por qué obtengo este honor ... Acabo de hacer lo que amo hacer". Y, cuando la prensa me preguntó cómo se sentía acerca de recibir el honor más alto de la Reina puede dar, él respondió: “Mi mente sigue recordando mis comienzos como pianista tocando en un pub por el equivalente a $ 5.00 por semana. Qué viaje ha sido desde ese pub hasta el Palacio de Buckingham. Recibir tal honor como Caballería también podría mostrar a los jóvenes lo que se puede lograr en la vida si uno aprende su oficio y sigue sus sueños ".

Entonces, el pobre niño ciego de Battersea llamado George Shearing, el más joven de nueve años, cuyo padre una vez entregó carbón al Palacio, con cuatro años de entrenamiento musical formal pero con una tremenda voluntad de hacer el bien, viajó con su esposa, Ellie, a Londres para reclamar su honor. El 13 de junio de 2007, George fue presentado a la reina Isabel II en el salón de baile del Palacio de Buckingham. La Reina primero lo tocó en cada hombro con la espada que su padre había usado, luego se bajó del estrado para poner la medalla alrededor de su cuello, la ajustó, le estrechó la mano y habló con él durante varios minutos. Se convirtió en Sir George Shearing "por su contribución a la música", como lo expresó Lord Chamberlain. Ahora, eso es un cuento de hadas hecho realidad!

Después de la ceremonia, Sir George y Lady Shearing organizaron un almuerzo para algunos de sus amigos más cercanos, incluidos Dame Cleo Laine y Sir John Dankworth, la personalidad y entrevistador de la BBC, Michael Parkinson (quien defendió que George recibiera un título de Caballero en sus programas de radio y televisión) y la actriz Julia McKenzie.

La semana siguiente, los familiares de Sir George vinieron a almorzar ... incluyendo a su hermana Dolly, de 97 años. Ella era la vida de la fiesta ... ¡guiando la canción de canto entre los platos de la comida! Y las celebraciones no se detuvieron allí. The Shearings organizó un té para el miembro del Parlamento y el ex Ministro del Interior, David Blunkett, junto con el Decano de Canterbury, The Very Reverend Robert Willis. El Sr. Blunkett también nació ciego y vivió durante diez años justo al lado de Linden Lodge for the Blind.

Y, los honores siguen llegando! De regreso en Nueva York, el 21 de octubre de 2007, la Town Hall Foundation le otorgó a Sir George su Premio Anual Amigo de las Artes "en reconocimiento y aprecio por su interés en el desarrollo, enriquecimiento y apoyo de las artes". Con este premio también vino una placa de medalla, con el nombre de Sir George, que se coloca en la parte posterior de uno de los asientos en el legendario Ayuntamiento.

Pero, el 1 de julio de cada año, uno puede encontrar a los Shearings viajando desde su apartamento de la ciudad de Nueva York hasta los hermosos Berkshires cerca de Tanglewood donde, durante todo el verano, asistirán a conciertos de la Sinfónica de Boston, entretendrán a sus muchos amigos (ambos en y fuera de la profesión de la música) y, sí, escuchen los grillos mientras beben una copa de vino mientras simplemente disfrutan de la vida juntos.

https://musicians.allaboutjazz.com/georgeshearing

 

 

Mike Longo Trio • Float Like a Butterfly

 

Review by William Ruhlmann
Producer Bob Magnuson concludes his brief liner notes for the Mike Longo Trio's Float Like a Butterfly by writing, "The future of contemporary bebop is bright, and Mike Longo is one of those leading the way." The phrase "contemporary bebop" is a curious one, since it suggests that bebop is a style of music that has continued to evolve since it emerged after World War II, when in fact it began being superseded by other styles of jazz as long ago as the late '50s. By 2007, there was no "contemporary bebop," any more than there was a "contemporary ragtime." The only sense in which the Longo album can be considered "contemporary" is that it was recorded in the 21st century, shortly before its release, rather than back in the '50s when, by the style of playing, it could have been. Pianist Longo is a longtime sideman for Dizzy Gillespie and a proud protégé of Oscar Peterson, to whom he dedicates the album. In his notes, he recalls being turned on to jazz by hearing Peterson play "Tenderly" "when I was in the 10th grade." Given that he was born in 1939, that would have been back in the mid-'50s, so it's appropriate that the playing here and the covers of pop standards like "Tenderly" and "Laura" as well as works by Gillespie, Freddie Hubbard, and Thelonious Monk hark back 50-plus years. Longo, a music teacher and author of music textbooks, is presenting his accumulated knowledge of bebop on this album, along with his rhythm section of Paul West (bass) and Jimmy Wormworth (drums). It would be more accurate to paraphrase Magnuson and say of the album that the future of traditional bebop as a scholarly pursuit is assured, and Mike Longo is one of its leading archivists.
https://www.allmusic.com/album/float-like-a-butterfly-mw0001137964

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Reseña de William Ruhlmann
El productor Bob Magnuson concluye sus breves notas para Float Like a Butterfly del Mike Longo Trio escribiendo: "El futuro del bebop contemporáneo es brillante, y Mike Longo es uno de los que lidera el camino."La frase "bebop contemporáneo" es curiosa, ya que sugiere que el bebop es un estilo de música que ha seguido evolucionando desde que surgió después de la Segunda Guerra Mundial, cuando en realidad comenzó a ser reemplazado por otros estilos de jazz ya a finales de los 50. Para 2007, no había "bebop contemporáneo", más de lo que había un "ragtime contemporáneo"."El único sentido en el que el álbum Longo puede considerarse "contemporáneo" es que fue grabado en el siglo XXI, poco antes de su lanzamiento, en lugar de allá por los años 50 cuando, por el estilo de interpretación, podría haberlo sido. El pianista Longo es acompañante de Dizzy Gillespie desde hace mucho tiempo y un orgulloso protegido de Oscar Peterson, a quien dedica el álbum. En sus notas, recuerda que se entusiasmó con el jazz al escuchar a Peterson tocar "Tiernamente "" cuando estaba en décimo grado."Dado que nació en 1939, eso habría sido a mediados de los 50, por lo que es apropiado que tocar aquí y las versiones de estándares pop como "Tenderly" y "Laura", así como obras de Gillespie, Freddie Hubbard y Thelonious Monk se remonten a más de 50 años. Longo, profesor de música y autor de libros de texto de música, presenta su conocimiento acumulado del bebop en este álbum, junto con su sección rítmica de Paul West (bajo) y Jimmy Wormworth (batería). Sería más exacto parafrasear a Magnuson y decir del álbum que el futuro del bebop tradicional como búsqueda académica está asegurado, y Mike Longo es uno de sus principales archivistas.
https://www.allmusic.com/album/float-like-a-butterfly-mw0001137964

Baden Powell • Apresentando Baden Powell e Seu Violão

 

Baden Powell de Aquino (1937-2000) was born in Varre-e-Sai in the state of Rio de Janeiro, Brazil. His father, a scouting enthusiast, named him after Lord Robert Baden-Powell. When he was three, his family relocated to a suburb in the city of Rio de Janeiro. The new surroundings proved profoundly influential. His house was a stop for popular musicians during his formative years. He soon started guitar lessons with Jayme Florence (”Meira”), a famous choro guitarist, in the 1940s. He proved a young virtuoso, having won many talent competitions before he was a teenager. At age fifteen, he was already playing professionally, accompanying singers and bands in various styles. As a youngster, he was fascinated by swing and jazz, but his main influences were firmly rooted in the Brazilian guitar canon.

He first achieved notoriety in 1959 by convincing singer/composer Billy Blanco to put lyrics to one of his compositions. The result was “Samba Triste,” which has been covered by many artists, including Stan Getz and Charlie Byrd on their seminal LP Jazz Samba.

In 1962, he met the poet/diplomat Vincius de Moraes and began a collaboration that yielded some true classics of 1960s Brazilian music. Although bossa nova was the prevailing sound of the times, Baden and Vinicius wanted to transcend the then-fashionable sound by blending Afro-Brazilian sacred and secular music with Rio-style samba. The most enduring result are their “Afro-Sambas,” released on LP in 1966. During the 1960s, Baden studied advanced harmony with Moacir Santos, released recordings on the Brazilian labels Elenco and Forma, as well as in the French label Barclay and the German label MPS/Saba. His 1966 Tristeza on Guitar is considered by many to be a high point in his career. In addition, he was the house guitarist for Elenco, and Elis Regina's TV show “O Fino da Bossa”.

In 1968, he partnered with poet Paulo Cesar Pinheiro and produced another series of Afro-Brazilian inspired music released in 1970 as Os Cantores da Lapinha.

He visited and toured Europe frequently in the 1960s, relocating permanently to France in 1968. In the 1970s, he released many recordings with different labels in Europe and Brazil. His star dimmed somewhat owing to health problems and changing tastes. He spent the 1980s in semi-retirement in France and Germany. Finally, in the 1990s he and his family moved back to Brazil, where he continued to record and perform. Public recognition of his work came around that time in Brazil. By the end of the 1990s he converted to evangelical Christianity, to which he credits overcoming his long addictions to alcohol and tobacco. Nevertheless, his health had greatly deteriorated after many years of abuse, and he died of pneumonia on the 26th of September, 2000, in Rio de Janeiro.

He is the father of pianist Philippe Baden Powell de Aquino and guitarist Louis Marcel Powell de Aquino.

Playing style
At age 19, Baden Powell decided to stop playing the electric guitar, preferring to concentrate on the classical guitar for the rest of his career. He did record a series of albums with a borrowed steel-string acoustic, but that is as far as he strayed from his main instrument in his adulthood.

An analysis of his repertoire reveals a wide range of interests. It spanned all the idioms of Brazilian popular music of the 20th century: samba, bossa nova, Afro-Bahian ritual music, frevo, choro, folkloric music from northeastern Brazil; even European and Japanese lullabies. Like most musicians growing up in the 1940s and 1950s, he was deeply influenced by jazz, especially Bebop and Swing. He covered Thelonious Monk's “'Round Midnight” on two recordings, and Jerome Kern's “All the Things you Are” on three occasions (including his first solo album).

This upbringing is reflected in his playing style, which shows a fusion of jazz harmonies and classical guitar technique, with a very Brazilian right hand (i.e. the one carrying the rhythm on the guitar). On solo pieces, he could recall Tárrega or play Bach pieces with ease. When playing in a group, he was able to accompany singers with quiet mastery, or let loose and play street samba in sloppy “party” style as if the guitar was another percussion instrument. Like Monk, he was fond of the minor second interval as a way to “bend” the tonality. However, because of his jazz background, he would rarely physically bend the string, preferring instead to play the minor second using an adjacent open string. Students of his style should note this preference for chord voicings that feature extensions on the open strings as a way of punctuating passages. Other idioms to watch for are the endless variations in rhythm played by the right hand; always within the proper 2/4 samba meter, as well as his tendency to put his “signature” in a fast descending scale with a (slower) ascending arpeggio in the relative key. Another common device that he used in his recordings consisted of his use of vocalise and scat singing, often in unison with the melody line.

He stated that his influences included his first teacher “Meira” (Jayme Florence, 1909-1982), along with master guitarists Dilermando Reis (1916-1977), and Garoto (Anibal Augusto Sardinha, 1915-1955). He also commented about being influenced by the work of Les Paul (Lester William Polfus, 1915-), Django Reinhardt (1910-1953) and Jacques Loussier (1934-).

Baden Powell is featured as accompanist on a handful of big band and samba recordings from the 1950's. He recorded his first solo album in 1959, but it was not released until 1961. His first and second albums feature a selection of jazz standards along with Brazilian hits of the time, plus some original compositions. In 1962, Baden rose to international attention by recording with flatist Herbie Mann and drummer Jimmy Pratt. By 1963, he was flying solo and fronting small ensembles in Brazil and France. The French labels Barclay and Festival released many of his recordings. In Germany, MPS/Saba released his work with producer Joachim Berendt. In Brazil, he recorded for Elenco, Forma and the Brazilian subsidiary of Philips Records. After a relative drought of new releases in the 1980's, Baden Powell returned to recording studios in Brazil for his final years. These late recordings showcase him playing solo guitar and singing in a relaxed, intimate style, with occasional flurries of his former energetic playing thrown in for good measure.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/baden-powell

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Baden Powell de Aquino (1937-2000) nació en Varre-e-Sai, en el estado de Río de Janeiro, Brasil. Su padre, un entusiasta del escultismo, le puso el nombre de Lord Robert Baden-Powell. Cuando tenía tres años, su familia se trasladó a un suburbio de la ciudad de Río de Janeiro. El nuevo entorno resultó ser profundamente influyente. Su casa fue una parada para músicos populares durante sus años de formación. Pronto empezó a tomar clases de guitarra con Jayme Florence ("Meira"), un famoso guitarrista de choro, en la década de 1940. Demostró ser un joven virtuoso, habiendo ganado muchos concursos de talentos antes de llegar a la adolescencia. A los quince años, ya tocaba profesionalmente, acompañando a cantantes y bandas de diversos estilos. De joven, le fascinaban el swing y el jazz, pero sus principales influencias estaban firmemente arraigadas en el canon de la guitarra brasileña.

Alcanzó notoriedad por primera vez en 1959 al convencer al cantante y compositor Billy Blanco para que pusiera letra a una de sus composiciones. El resultado fue "Samba Triste", que ha sido versionada por muchos artistas, entre ellos Stan Getz y Charlie Byrd en su fundamental LP Jazz Samba.

En 1962, conoció al poeta y diplomático Vincius de Moraes y comenzó una colaboración que dio lugar a algunos verdaderos clásicos de la música brasileña de los años sesenta. Aunque la bossa nova era el sonido predominante de la época, Baden y Vinicius querían trascender el sonido de moda de entonces mezclando la música sacra y secular afrobrasileña con la samba de estilo carioca. El resultado más duradero son sus "Afro-Sambas", publicadas en LP en 1966. Durante la década de 1960, Baden estudió armonía avanzada con Moacir Santos, y publicó grabaciones en los sellos brasileños Elenco y Forma, así como en el sello francés Barclay y el alemán MPS/Saba. Su disco "Tristeza en la guitarra", de 1966, es considerado por muchos como un punto álgido en su carrera. Además, fue el guitarrista de la casa de Elenco y del programa de televisión de Elis Regina "O Fino da Bossa".

En 1968, se asoció con el poeta Paulo Cesar Pinheiro y produjo otra serie de música de inspiración afrobrasileña, publicada en 1970 con el nombre de Os Cantores da Lapinha.

En la década de 1960 visitó y realizó frecuentes giras por Europa, y en 1968 se trasladó definitivamente a Francia. En la década de 1970, publicó muchas grabaciones con diferentes sellos en Europa y Brasil. Su estrella se debilitó un poco debido a problemas de salud y a la evolución de sus gustos. Pasó los años 80 semiretirado en Francia y Alemania. Finalmente, en la década de 1990 se trasladó con su familia a Brasil, donde siguió grabando y actuando. El reconocimiento público de su obra llegó en esa época en Brasil. A finales de los años 90 se convirtió al cristianismo evangélico, al que atribuye la superación de sus largas adicciones al alcohol y al tabaco. Sin embargo, su salud se había deteriorado mucho tras muchos años de abusos, y murió de neumonía el 26 de septiembre de 2000 en Río de Janeiro.

Es el padre del pianista Philippe Baden Powell de Aquino y del guitarrista Louis Marcel Powell de Aquino.

Estilo de interpretación
A los 19 años, Baden Powell decidió dejar de tocar la guitarra eléctrica, prefiriendo concentrarse en la guitarra clásica para el resto de su carrera. Grabó una serie de álbumes con una guitarra acústica de cuerdas de acero prestada, pero eso es lo máximo que se alejó de su instrumento principal en su edad adulta.

Un análisis de su repertorio revela una amplia gama de intereses. Abarcó todos los lenguajes de la música popular brasileña del siglo XX: samba, bossa nova, música ritual afrobahiana, frevo, choro, música folclórica del noreste de Brasil; incluso nanas europeas y japonesas. Como la mayoría de los músicos que crecieron en las décadas de 1940 y 1950, estuvo profundamente influenciado por el jazz, especialmente el Bebop y el Swing. Hizo una versión de "'Round Midnight" de Thelonious Monk en dos grabaciones, y de "All the Things you Are" de Jerome Kern en tres ocasiones (incluido su primer álbum en solitario).

Esta formación se refleja en su estilo de tocar, que muestra una fusión de armonías de jazz y técnica de guitarra clásica, con una mano derecha muy brasileña (es decir, la que lleva el ritmo en la guitarra). En los solos, podía recordar a Tárrega o tocar piezas de Bach con facilidad. Cuando tocaba en grupo, era capaz de acompañar a los cantantes con tranquila maestría, o de soltarse y tocar samba callejera en estilo de "fiesta" descuidada, como si la guitarra fuera otro instrumento de percusión. Al igual que Monk, le gustaba el intervalo de segunda menor como forma de "doblar" la tonalidad. Sin embargo, debido a su formación jazzística, rara vez doblaba físicamente la cuerda, prefiriendo en su lugar tocar la segunda menor utilizando una cuerda abierta adyacente. Los estudiantes de su estilo deben tener en cuenta esta preferencia por voicings de acordes que presentan extensiones en las cuerdas abiertas como una forma de puntuar los pasajes. Otros modismos a tener en cuenta son las interminables variaciones rítmicas de la mano derecha, siempre dentro del compás de samba de 2/4, así como su tendencia a poner su "firma" en una escala descendente rápida con un arpegio ascendente (más lento) en la tonalidad relativa. Otro recurso común que utilizaba en sus grabaciones consistía en el uso de vocalización y canto scat, a menudo al unísono con la línea melódica.

Declaró que entre sus influencias se encontraba su primer maestro "Meira" (Jayme Florence, 1909-1982), junto con los maestros de la guitarra Dilermando Reis (1916-1977), y Garoto (Anibal Augusto Sardinha, 1915-1955). También comentó que estaba influenciado por el trabajo de Les Paul (Lester William Polfus, 1915-), Django Reinhardt (1910-1953) y Jacques Loussier (1934-).

Baden Powell aparece como acompañante en un puñado de grabaciones de big band y samba de los años 50. Grabó su primer álbum en solitario en 1959, pero no se publicó hasta 1961. Su primer y segundo álbumes incluyen una selección de estándares de jazz junto con éxitos brasileños de la época, además de algunas composiciones originales. En 1962, Baden saltó a la fama internacional al grabar con el flautista Herbie Mann y el baterista Jimmy Pratt. En 1963, ya actuaba en solitario y dirigía pequeños conjuntos en Brasil y Francia. Los sellos franceses Barclay y Festival publicaron muchas de sus grabaciones. En Alemania, MPS/Saba publicó sus trabajos con el productor Joachim Berendt. En Brasil, grabó para Elenco, Forma y la filial brasileña de Philips Records. Tras una relativa sequía de nuevos lanzamientos en la década de 1980, Baden Powell volvió a los estudios de grabación de Brasil para sus últimos años. Estas últimas grabaciones lo muestran tocando la guitarra solista y cantando en un estilo relajado e íntimo, con ocasionales ráfagas de su antiguo toque enérgico.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/baden-powell

Pucho & The Latin Soul Brothers • Cold Shoulder

  

Biography:
by Thom Jurek
During the 1960s, no one combined virtually equal elements of jazz, Latin music, pop, soul, and funk as well as Henry "Pucho" Brown. Pucho and his band (which included at various times such notable musicians as saxophonist Harold Alexander and drummers Bill Curtis and Neal Creque) never achieved the widespread recognition afforded other Latin jazz performers, though the Latin Soul Brothers grooved at least as hard. On recordings and in concert, Pucho -- who is not Latino, but African American -- consciously bridged the gap between the popular Latin sounds of the era from Machito, Tito Puente, Mongo Santamaria, and Cal Tjader to the funky, soul-jazz sounds of Gene Harris, Stanley Turrentine, and Jack McDuff. He sought to integrate these musics at every turn, beginning with their debut, 1966's Tough!, that included covers of tunes by Herbie Hancock, the Beatles, Johnny Mandel, John Barry, and Burt Bacharach, inserting whatever arrangement got them in jukeboxes and played on dancefloors. Between 1967 and 1972, Pucho & His Latin Soul Brothers issued eight more albums and a slew of 45 rpm singles. Perhaps their most notable long-player was 1969's Jungle Fire that featured "Got Myself a Good Man," which has been sampled by everyone from the Chemical Brothers and Beastie Boys to J Dilla. While the band did quite well with record sales and touring appearances, the shift in popular music during the early '70s dictated a change in fortunes. After 1972's Super Freak, the band called it a day -- at least in the studio. Various incarnations still toured sporadically in the early '80s. In the early '90s, with the acid jazz and electronic music explosions occurring in Great Britain, DJs rediscovered Pucho & His Latin Soul Brothers' catalog, and brought them over for club appearances. In 1995, the band's recordings were being reissued en masse, and the band released Rip a Dip and Jungle Strut, their first two albums in 23 years. Suddenly, Pucho and company were in demand again and toured Europe and Asia. They continued recording with the acclaimed The Hideout in 2004. Pucho toured almost constantly for the next decade before slowing down as he neared his eighties, but he still performs selectively.

As a Harlem teenager, Henry "Pucho" Brown cultivated a simultaneous deep and abiding passion for jazz, rhythm & blues, and mambo. In the late '50s, he served for several years in the band of pianist Joe Panama. When the band split in 1959, Pucho formed his own outfit. Even before he'd cemented his reputation on record, his band attracted notice from top Latin jazzmen.

Pucho began recording in 1963 and really hit his stride between 1966 and 1970, when he cut over nine albums for Prestige. On these, he helped pioneer a style termed Latin boogaloo, which mixed jazz, New York-style Latin music, R&B/soul, and the sort of funk that was just emerging from James Brown and other performers. Pucho wasn't afraid to mix up his material on his LPs, which placed originals by Brown and the Latin Soul Brothers next to covers of tunes by Herbie Hancock, the Temptations, the Beatles, Duke Ellington, and John Barry. When his brand of Latin soul/jazz fusion started to fall from commercial grace in the early '70s, Pucho disbanded the Latin Soul Brothers. In the early '90s, however, his back catalog began to generate interest in Britain, where he was a hit with the acid jazz crowd, and where several albums were reissued by the Ace label. Happily, he made a return to Latin-soul-jazz-funk with his 1995 comeback effort, Rip a Dip and Jungle Strut, and toured almost incessantly behind them as well as playing live sets by DJs Gilles Peterson, A Guy Called Gerald, and Kirk Degiorgio. Two more albums followed in 1997, Mucho Pucho and Groovin' High, as the group continued touring across Europe and Asia. In 1999 they dropped Caliente con Soul! for Ubiquity's Cu-Bop imprint and followed it with How'm I Doin'? for Minnesota's Cannonball label, which featured guest spots by trombonist Fred Wesley, flutist Dave Valentin, saxophonist Eric Alexander, and trumpeter Lew Soloff. After a series of residencies and club gigs in various major American cities, Pucho & His Latin Soul Brothers cut The Hideout -- titled for an infamous West Harlem club the band played in a lot during the '60s. Produced by Todd Barkan and recorded by Katherine Miller, the set included killer covers of tunes by Stevie Wonder, Les Baxter, Bebo Valdez, and Clyde Stubblefield, among others. Pucho's band continue to tour, but stopped recording.
https://www.allmusic.com/artist/pucho-his-latin-soul-brothers-mn0000367219/biography

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Biografía:
por Thom Jurek
Durante la década de 1960, nadie combinó tan bien elementos de jazz, música latina, pop, soul y funk como Henry "Pucho" Brown. Pucho y su banda (que incluía en varias ocasiones a músicos tan notables como el saxofonista Harold Alexander y los bateristas Bill Curtis y Neal Creque) nunca alcanzaron el reconocimiento generalizado que se otorgó a otros intérpretes de jazz latino, aunque los Latin Soul Brothers hacían ruido como mínimo. En las grabaciones y en los conciertos, Pucho -que no es latino, sino afroamericano- tendió conscientemente un puente entre los sonidos latinos populares de la época de Machito, Tito Puente, Mongo Santamaría y Cal Tjader y los sonidos funky y de soul-jazz de Gene Harris, Stanley Turrentine y Jack McDuff. Intentó integrar estas músicas en todo momento, empezando por su debut, Tough! de 1966, que incluía versiones de temas de Herbie Hancock, los Beatles, Johnny Mandel, John Barry y Burt Bacharach, insertando cualquier arreglo que les hiciera llegar a las máquinas de discos y a las pistas de baile. Entre 1967 y 1972, Pucho & His Latin Soul Brothers publicaron ocho álbumes más y un montón de singles de 45 rpm. Quizá su álbum más notable fue Jungle Fire, de 1969, que incluía "Got Myself a Good Man", que ha sido sampleada por todos, desde los Chemical Brothers y los Beastie Boys hasta J Dilla. Aunque a la banda le fue bastante bien con las ventas de discos y las apariciones en las giras, el cambio en la música popular durante los primeros años de la década de los 70 dictó un cambio de suerte. Después de Super Freak, de 1972, la banda se retiró, al menos en el estudio. Varias encarnaciones siguieron haciendo giras esporádicas a principios de los 80. A principios de los 90, con la explosión del acid jazz y la música electrónica en Gran Bretaña, los DJs redescubrieron el catálogo de Pucho & His Latin Soul Brothers, y los trajeron para hacer apariciones en clubes. En 1995, las grabaciones del grupo se reeditaron en masa, y la banda publicó Rip a Dip y Jungle Strut, sus dos primeros álbumes en 23 años. De repente, Pucho y compañía volvieron a estar solicitados y realizaron giras por Europa y Asia. Siguieron grabando con el aclamado The Hideout en 2004. Pucho estuvo de gira casi constantemente durante la siguiente década, antes de bajar el ritmo al acercarse a los ochenta años, pero sigue actuando de forma selectiva.

De adolescente en Harlem, Henry "Pucho" Brown cultivó una profunda y permanente pasión por el jazz, el rhythm & blues y el mambo. A finales de los años 50, trabajó durante varios años en la banda del pianista Joe Panama. Cuando la banda se separó en 1959, Pucho formó su propio grupo. Incluso antes de consolidar su reputación en los discos, su banda atrajo la atención de los mejores jazzistas latinos.

Pucho comenzó a grabar en 1963 y alcanzó su máximo nivel entre 1966 y 1970, cuando grabó más de nueve álbumes para Prestige. En ellos, contribuyó a la creación de un estilo denominado boogaloo latino, que mezclaba el jazz, la música latina de estilo neoyorquino, el R&B/soul y el tipo de funk que acababa de surgir de James Brown y otros intérpretes. Pucho no tenía miedo de mezclar su material en sus LPs, que incluían originales de Brown y los Latin Soul Brothers junto a versiones de temas de Herbie Hancock, los Temptations, los Beatles, Duke Ellington y John Barry. Cuando su estilo de fusión de jazz y soul latino empezó a caer en desgracia comercial a principios de los años 70, Pucho disolvió los Latin Soul Brothers. Sin embargo, a principios de los años 90, su catálogo empezó a generar interés en Gran Bretaña, donde tuvo éxito entre el público del acid jazz, y donde varios álbumes fueron reeditados por el sello Ace. Afortunadamente, regresó al latin-soul-jazz-funk con su regreso en 1995, Rip a Dip y Jungle Strut, y realizó una gira casi incesante tras ellos, además de tocar en directo con los DJ Gilles Peterson, A Guy Called Gerald y Kirk Degiorgio. En 1997 se publicaron dos álbumes más, Mucho Pucho y Groovin' High, y el grupo siguió de gira por Europa y Asia. En 1999 lanzaron Caliente con Soul! para el sello Cu-Bop de Ubiquity y siguieron con How'm I Doin'? para el sello Cannonball de Minnesota, que contó con la participación del trombonista Fred Wesley, el flautista Dave Valentin, el saxofonista Eric Alexander y el trompetista Lew Soloff. Después de una serie de residencias y actuaciones en clubes de varias ciudades americanas importantes, Pucho & His Latin Soul Brothers grabaron The Hideout, titulado así por un infame club de West Harlem en el que la banda tocó mucho durante los años 60. Producido por Todd Barkan y grabado por Katherine Miller, el disco incluía excelentes versiones de temas de Stevie Wonder, Les Baxter, Bebo Valdez y Clyde Stubblefield, entre otros. La banda de Pucho siguió de gira, pero dejó de grabar.
https://www.allmusic.com/artist/pucho-his-latin-soul-brothers-mn0000367219/biography

Herbie Mann • Plays The Roar of the Greasepaint & The Smell of the Crowd

Review by Scott Yanow

On this out of print LP, flutist Herbie Mann performs 11 songs from a famous Leslie Bricusse-Anthony Newley musical. Joined by an orchestra arranged by Ray Ellis (and including either Chick Corea or Roger Kellaway on piano), Mann plays well enough. However, the only one of the 11 songs remembered today is "Who Can I Turn To," and the renditions of the material are so brief (only two songs are longer than three minutes) as to be unadventurous and rather superficial. One of Mann's less significant projects of the '60s.

https://www.allmusic.com/album/the-roar-of-the-greasepaint-the-smell-of-the-crowd-mw0000901394

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Reseña de Scott Yanow

En este LP agotado, el flautista Herbie Mann interpreta 11 canciones de un famoso musical de Leslie Bricusse-Anthony Newley. Acompañado por una orquesta arreglada por Ray Ellis (e incluyendo a Chick Corea o Roger Kellaway en el piano), Mann toca bastante bien. Sin embargo, la única de las 11 canciones que se recuerdan hoy en día es "Who Can I Turn To", y las interpretaciones del material son tan breves (sólo dos canciones duran más de tres minutos) que no son aventureras y son bastante superficiales. Uno de los proyectos menos significativos de Mann de los años 60.

https://www.allmusic.com/album/the-roar-of-the-greasepaint-the-smell-of-the-crowd-mw0000901394

 

 

 

Baja Marimba Band • Heads Up!

 The Baja Marimba Band was a musical group led by marimba player Julius Wechter. Formed by producer Herb Alpert after his own Tijuana Brass, the Baja Marimba Band outlasted the Tijuana Brass by several years in part due to TV producer Chuck Barris, who included the group's music on his game shows in the 1970s.

During his youth, Julius Wechter took up several percussion instruments including the vibes and marimba. In 1956 his group the Julius Wechter Quartet released a jazz album entitled Linear Sketches.

In 1958, Julius joined Martin Denny's band where he played marimba (replacing Arthur Lyman) as well as numerous other percussion instruments. Four years later he was paid $15 as a session man on Herb Alpert's debut album, The Lonely Bull. Wechter soon composed "Spanish Flea" for Alpert, which became a hit for him. Alpert encouraged Wechter to form his own group, The Baja Marimba Band, to help cash in on the faux-Mexican popularity of Albert's own Tijuana Brass.

In 1962, the Baja Marimba Band was formed using session men to supplement Wechter. These musicians included, at one time or another, Roy Caton, Tony Terran, Pete Jolly, Lew McCreary, Nick Ceroli, Hal Blaine, Tommy Tedesco, Leon Russell, and Emil Richards.

The band hit the charts with its first single "Comin' in the Back Door" and recorded a dozen albums for A&M, as well as being Alpert's support act. The main lineup from 1965-1971 was Bernie Fleischer on reeds, Ervan "Bud" Coleman on guitar (replaced upon Coleman's death in 1967 by Charlie Chiarenza), Frank DeCaro on rhythm guitar, Dave Wells on trombone, Lee Katzman on trumpet, Curry Tjader on percussion, Mel Pollan on Fender bass, and Frank DeVito on drums. Most if not all of the band's musicians were seasoned jazz musicians who performed with such artists as Woody Herman, Stan Kenton, Don Ellis, Terry Gibbs, Buddy DeFranco, Charlie Parker, and Dizzy Gillespie.

The group would appear on stage dressed in sombreros and old clothes, with fake mustaches, smoking cigars, and drinking beer, all of which was regarded as stereotypical Mexican behavior. The group appeared in goofy group photos on their album covers, stylishly created by Peter Whorf Graphics, and added a comedic allure. (Nearly all of the covers showed a man turned away from the 'camera' appearing to be urinating!)

Seen by many as a marketing gimmick, the group rode the wake created by Herb Alpert and the Tijuana Brass and Sérgio Mendes and Brasil '66 in the musically fertile mid-1960s. The albums were cross marketed successfully by A&M, with images of Baja Marimba Band albums appearing on the record sleeves of other A&M products. All three acts were the staple of A&M during this period. The content was considered "adult contemporary" or "easy listening" and consisted mainly of standards, originals and pop covers. Despite the humorous album covers, the music inside was a light and sophisticated mixture of bossa nova, jazz, and pop elements.

All three groups lost momentum by the end of the 1960s as the genre faded away. By the late 1960s, Alpert's Tijuana Brass had disbanded, but the Baja Marimba Band stayed together for one more album on A&M in 1971 called As Time Goes By. They had a brief reunion in 1973 with an album called The Baja Marimba Band's Back on Bell Records. During the 1970s, Julius and his wife, Cissy, collaborated on film scores and musicals.

One last reunion took place in the 1980s which lasted a couple of years and produced an album called Naturally in 1982. It featured Julius Wechter on marimba and three band alumni, Bernie Fleischer on reeds, guitarist Charlie Chiarenza and trombonist Dave Wells. New to the band were: Carmen Fanzone on horns, Jules Greenberg on 2nd marimba/percussion, Harvey Newmark on bass, and Kim Stallings on guitar. Original drummer Frank DeVito toured with the group during this time, but retired and was replaced for the recording by drummer Ed Roscetti. Still later, Julius Wechter formed a new group in the early 1990s called The Baja Marimbas with marimbaist Jules Greenberg, and they released one album, called New Deal.

After Wechter's death from lung cancer in 1999, the Baja Marimba Band disbanded.

On June 25, 2019, The New York Times Magazine listed Baja Marimba Band among hundreds of artists whose material was reportedly destroyed in the 2008 Universal fire.

https://en.wikipedia.org/wiki/Baja_Marimba_Band

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La Banda de Baja Marimba era un grupo musical liderado por el marimbista Julius Wechter. Formada por el productor Herb Alpert después de su propio Tijuana Brass, la Banda de Baja Marimba duró varios años más que Tijuana Brass, en parte debido al productor de televisión Chuck Barris, quien incluyó la música del grupo en sus programas de juegos en la década de 1970.

Durante su juventud, Julius Wechter se hizo cargo de varios instrumentos de percusión, incluyendo el vibráfono y la marimba. En 1956 su grupo, el Julius Wechter Quartet, publicó un álbum de jazz titulado Linear Sketches.

En 1958, Julius se unió a la banda de Martin Denny donde tocó marimba (reemplazando a Arthur Lyman) así como otros numerosos instrumentos de percusión. Cuatro años después le pagaron $15 como hombre de sesión en el álbum debut de Herb Alpert, The Lonely Bull. Wechter pronto compuso "Spanish Flea" para Alpert, que se convirtió en un éxito para él. Alpert animó a Wechter a formar su propio grupo, The Baja Marimba Band, para ayudar a sacar provecho de la falsa popularidad mexicana del propio Tijuana Brass de Albert.

En 1962, se formó la Banda de Baja Marimba usando hombres de sesión para complementar a Wechter. Estos músicos incluyeron, en un momento u otro, a Roy Caton, Tony Terran, Pete Jolly, Lew McCreary, Nick Ceroli, Hal Blaine, Tommy Tedesco, Leon Russell y Emil Richards.

La banda llegó a las listas de éxitos con su primer sencillo "Comin' in the Back Door" y grabó una docena de álbumes para A&M, además de ser el apoyo de Alpert. La alineación principal de 1965-1971 fue Bernie Fleischer en las cañas, Ervan "Bud" Coleman en la guitarra (reemplazado a la muerte de Coleman en 1967 por Charlie Chiarenza), Frank DeCaro en la guitarra rítmica, Dave Wells en el trombón, Lee Katzman en la trompeta, Curry Tjader en la percusión, Mel Pollan en el bajo Fender, y Frank DeVito en la batería. La mayoría de los músicos de la banda, si no todos, eran músicos de jazz experimentados que tocaron con artistas como Woody Herman, Stan Kenton, Don Ellis, Terry Gibbs, Buddy DeFranco, Charlie Parker y Dizzy Gillespie.

El grupo se presentaba en el escenario vestido con sombreros y ropa vieja, con bigotes falsos, fumando puros y bebiendo cerveza, todo lo cual era considerado como un comportamiento estereotipado de los mexicanos. El grupo apareció en fotos de grupo tontas en las portadas de sus álbumes, creadas con estilo por Peter Whorf Graphics, y agregó un encanto cómico. (Casi todas las portadas mostraban a un hombre alejado de la `cámara' que parecía estar orinando!)

Visto por muchos como un truco de mercadeo, el grupo recorrió la estela creada por Herb Alpert y el Tijuana Brass y Sérgio Mendes y Brasil '66 a mediados de la década de 1960. Los álbumes fueron comercializados exitosamente por A&M, con imágenes de los álbumes de la Banda de Baja Marimba apareciendo en las carátulas de otros productos de A&M. Los tres actos fueron la base de A&M durante este período. El contenido era considerado "adulto contemporáneo" o "easy listening" y consistía principalmente en estándares, originales y portadas pop. A pesar de las portadas humorísticas del álbum, la música del interior era una mezcla ligera y sofisticada de elementos de bossa nova, jazz y pop.

Los tres grupos perdieron ímpetu a finales de la década de 1960 cuando el género se desvaneció. A finales de la década de 1960, Tijuana Brass de Alpert se había disuelto, pero la Banda de Baja Marimba se mantuvo unida para un álbum más en A&M en 1971 llamado As Time Goes By. Tuvieron una breve reunión en 1973 con un álbum llamado The Baja Marimba Band's Back on Bell Records. Durante la década de 1970, Julius y su esposa, Cissy, colaboraron en partituras de películas y musicales.

Una última reunión tuvo lugar en la década de 1980, que duró un par de años y produjo un álbum llamado Naturally en 1982. Contó con Julius Wechter en la marimba y tres ex-alumnos de la banda, Bernie Fleischer en las cañas, el guitarrista Charlie Chiarenza y el trombonista Dave Wells. Los nuevos en la banda eran: Carmen Fanzone en las trompas, Jules Greenberg en la 2ª marimba/percusión, Harvey Newmark en el bajo y Kim Stallings en la guitarra. El baterista original Frank DeVito estuvo de gira con el grupo durante este tiempo, pero se retiró y fue reemplazado para la grabación por el baterista Ed Roscetti. Aún más tarde, Julius Wechter formó un nuevo grupo a principios de los 90 llamado The Baja Marimbas con el marimbaista Jules Greenberg, y lanzaron un álbum, llamado New Deal.

Después de la muerte de Wechter por cáncer de pulmón en 1999, la Banda de Baja Marimba se disolvió.

El 25 de junio de 2019, The New York Times Magazine incluyó a la Banda de Baja Marimba entre cientos de artistas cuyo material fue destruido en el incendio de Universal 2008.

https://en.wikipedia.org/wiki/Baja_Marimba_Band

VA • The Colors Of Latin Jazz Cubop

 

Pucho & The Latin Soul Brothers • Tough!

Review by Richie Unterberger

A bit more jazz- and pop-oriented than some of his later sessions, with covers of "Yesterday," "The Shadow of Your Smile," "And I Love Her," "Walk On By," and "Goldfinger." However, when Pucho decides to pull out the funky grooves -- as he does on "Cantaloupe Island," "Vietnam Mambo," and "Strange Thing Mambo" -- he and the Latin Soul Brothers can smoke. Even at its slightest, this is decent mood music. At its best, it's significantly more than that.

Biography by Richie Unterberger

In the 1960s, no one combined more or less equal elements of jazz, Latin music, soul, and funk as well as Henry "Pucho" Brown (b. November 1, 1938). A somewhat forgotten figure until recently, Pucho never achieved the wide recognition of some other Latin jazz performers exploring similar territory, such as Mongo Santamaria, Willie Bobo, and Cal Tjader. The timbales player and bandleader also may have been too eclectic, and too open to outside influences, to achieve much recognition within the jazz community.

What's a weakness in one circle's view, however, is a strength for other listeners. As a result, Pucho has a wider appeal than many straight jazz performers. Fans of R&B, rock, and Latin music can immediately connect with him, especially as he's always made sure to play music that's hot and danceable. His accessibility, however, has by no means compromised the quality of his material or his Latin Soul Brothers bands, which have featured fine and versatile players.

Contrary to the assumptions of many listeners, Pucho himself is not Latino, but African-American. As a Harlem teenager, he cultivated loves for jazz, rhythm & blues, and mambo. In the late '50s, he served for several years in the band of pianist Joe Panama. When the group broke up in 1959, Pucho formed a band of his own, recruiting several alumni from Panama's outfit. Even before he'd cemented his reputation on record, Pucho's band attracted notice from top Latin jazzmen. Willie Bobo took several musicians from Pucho's band for his own group, as did Mongo Santamaria. One of the musicians that Santamaria lured away, in fact, was a young Chick Corea.

Pucho began recording in 1963, and really hit his stride between 1966 and 1970, when he cut over half a dozen albums for Prestige. On these he helped pioneer a style termed Latin boogaloo, which mixed jazz, New York-style Latin music, R&B/soul, and the sort of funk that was just emerging from James Brown and other performers. Pucho wasn't afraid to mix up his material on his LPs, which placed originals by Brown and the Latin Soul Brothers next to covers of tunes by Herbie Hancock, the Temptations, the Beatles, Duke Ellington, and John Barry.

This ensured a certain erratic flavor, but the groove was almost always on the money. The Latin Soul Brothers were at their best when they went for the hottest and funkiest grooves, as on their fine version of "Canteloupe Island," or eccentrically titled originals like "Soul Yamie" and "Vietnam Mambo." Once in a while, he even used engagingly raw soul vocals, as on the infectiously good-natured "Shuckin' and Jivin'," which could have been an R&B hit. The Latin Soul Brothers certainly couldn't have been accused of predictability, incorporating straight modern jazz chops, psychedelic flourishes, and soul-jazz organ grooves into their repertoire when the mood suited them. The constant factor was the active Latin percussion section, featuring conga, bongos, and Pucho's own timbales.

When his brand of Latin-soul-jazz fusion started to fall from commercial grace in the early '70s, Pucho disbanded the Latin Soul Brothers. For the next 20 years, he made his livelihood by performing conventional Latin music in the Catskill Mountain resorts of New York State. In the early '90s, however, Pucho's back catalog began to generate interest in Britain, where he was a hit with the acid jazz crowd, and where several albums were reissued by the Ace label. Happily, he made a return to Latin-soul-jazz-funk with his 1995 comeback effort, Rip a Dip, which found his skills intact. How'm I Doing followed in mid-2000.

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Reseña de Richie Unterberger

Un poco más orientado al jazz y al pop que algunas de sus últimas sesiones, con portadas de "Yesterday", "The Shadow of Your Smile", "And I Love Her", "Walk On By" y "Goldfinger". Sin embargo, cuando Pucho decide sacar los ritmos funky - como lo hace en "Cantaloupe Island", "Vietnam Mambo" y "Strange Thing Mambo" - él y los Latin Soul Brothers pueden fumar. Incluso en lo más mínimo, esta es una música de humor decente. En el mejor de los casos, es significativamente más que eso.

Biografía de Richie Unterberger

En la década de 1960, nadie combinó elementos más o menos iguales de jazz, música latina, soul y funk como Henry "Pucho" Brown (nacido el 1 de noviembre de 1938). Una figura algo olvidada hasta hace poco, Pucho nunca logró el amplio reconocimiento de algunos otros intérpretes de jazz latino que exploraban un territorio similar, como Mongo Santamaría, Willie Bobo y Cal Tjader. El timbalista y director de la banda también puede haber sido demasiado ecléctico, y demasiado abierto a las influencias externas, para lograr mucho reconocimiento dentro de la comunidad del jazz.

Sin embargo, lo que es una debilidad para un círculo es una fortaleza para otros oyentes. Como resultado, Pucho tiene un atractivo más amplio que muchos intérpretes de jazz heterosexuales. Los fans del R&B, el rock y la música latina pueden conectarse inmediatamente con él, especialmente porque siempre se ha asegurado de tocar música caliente y bailable. Su accesibilidad, sin embargo, no ha comprometido de ninguna manera la calidad de su material o de sus bandas de Latin Soul Brothers, que han contado con músicos finos y versátiles.

Contrariamente a lo que piensan muchos oyentes, Pucho no es latino, sino afroamericano. En su adolescencia en Harlem, cultivó su amor por el jazz, el rhythm & blues y el mambo. A finales de los años 50, estuvo varios años en la banda del pianista Joe Panama. Cuando el grupo se disolvió en 1959, Pucho formó su propia banda, reclutando a varios ex-alumnos del grupo de Panamá. Incluso antes de haber consolidado su reputación en el disco, la banda de Pucho atrajo la atención de los mejores jazzistas latinos. Willie Bobo tomó varios músicos de la banda de Pucho para su propio grupo, al igual que Mongo Santamaría. Uno de los músicos que Santamaría atrajo, de hecho, fue un joven Chick Corea.

Pucho empezó a grabar en 1963, y realmente dio su paso entre 1966 y 1970, cuando cortó más de media docena de álbumes para Prestige. Con ellos ayudó a crear un estilo llamado boogaloo latino, que mezclaba jazz, música latina de Nueva York, R&B/soul, y el tipo de funk que acababa de surgir de James Brown y otros intérpretes. Pucho no tuvo miedo de mezclar su material en sus LPs, que colocaban originales de Brown y los Latin Soul Brothers junto a covers de temas de Herbie Hancock, los Temptations, los Beatles, Duke Ellington y John Barry.

Esto aseguraba un cierto sabor errático, pero el ritmo estaba casi siempre en el dinero. Los Latin Soul Brothers estaban en su mejor momento cuando iban por los ritmos más calientes y funkis, como en su fina versión de "Canteloupe Island", o los originales con títulos excéntricos como "Soul Yamie" y "Vietnam Mambo". De vez en cuando, incluso usaba vocales de soul atractivas y crudas, como en el contagioso y bondadoso "Shuckin' and Jivin'", que podría haber sido un éxito de R&B. Los Latin Soul Brothers no podían ser acusados de predecibles, incorporando a su repertorio chuletas de jazz moderno, florituras psicodélicas y organillos de soul-jazz cuando les convenía. El factor constante fue la activa sección de percusión latina, con conga, bongos y los propios timbales de Pucho.

Cuando su marca de fusión Latin-soul-jazz empezó a caer en desgracia comercial a principios de los 70, Pucho disolvió los Latin Soul Brothers. Durante los siguientes 20 años, se ganó la vida interpretando música latina convencional en los centros turísticos de Catskill Mountain en el estado de Nueva York. Sin embargo, a principios de los 90, el catálogo de Pucho comenzó a generar interés en Gran Bretaña, donde fue un éxito entre la gente del acid jazz, y donde varios álbumes fueron reeditados por el sello Ace. Afortunadamente, regresó al Latin-soul-jazz-funk con su esfuerzo de regreso en 1995, Rip a Dip, que encontró sus habilidades intactas. How'm I Doing fue seguido a mediados del 2000.