Saturday, October 3, 2026

John Coltrane • Olé Coltrane

  


John William Coltrane was born on September 23, 1926 in Hamlet, North Carolina. At the age of three his family moved to High Point, NC, where young Coltrane spent his early years. His father, John Robert Coltrane, died in 1939, leaving twelve year-old John and his mother on their own.

His mother, Alice Blair Coltrane, moved to New Jersey to work as a domestic while John completed high school. John played first the clarinet, then alto saxophone in his high school band. His first musical influence was the tenor saxophonist Lester Young of Count Basie's band. In June of 1943, after graduation, Coltrane moved to Philadelphia to be closer to his mother.

After a yearlong stint in the Navy (1945-46), Coltrane began playing gigs in and around Philadelphia. During this time he became involved in drug and alcohol use, vices that would follow him throughout his career and ultimately lead to his death.

In late 1949 Coltrane was invited to play alto sax with Dizzy Gillespie's band; the first recording session was on November 21 of that year. When the big band broke up in May of 1950 Coltrane moved to the tenor saxophone and played with Gillespie's small band until May of the next year. Coltrane played with Earl Bostic's group in 1952, switching to the band of his early idol Johnny Hodges in 1953.

Problems with drug and alcohol abuse, however, forced Coltrane out of the group in 1954. Miles Davis called upon Coltrane in the summer of 1955 to join a group he was forming. The Miles Davis quintet's first recording was made in October of 1955, the same month in which Coltrane was married to Naima Grubbs. The quintet was comprised of Davis on trumpet, Coltrane on tenor sax, Red Garland on piano, Paul Chambers on bass, and Philly Joe Jones on the drums. It was in his years with this quintet that Coltrane's abilities were truly recognized and appreciated.

In April 1957, though, Coltrane was again forced to take a break from playing to deal with his substance abuse problems; Davis replaced him with Sonny Rollins. He played briefly with Thelonious Monk in late 1957 before rejoining the Miles Davis quintet in January 1958. Coltrane played with this group until April 1960, when he set out to form his own group.

The John Coltrane quartet first formed in April of 1960 with Coltrane playing tenor saxophone, McCoy Tyler on piano, Elvin Jones on drums, and Jimmy Harrison on bass. It was during the first years of this group that Coltrane graduated from an above-average tenor saxophonist to an elite bandleader, composer, and improvisor. "My Favorite Things", the epic album featuring "Every Time We Say Goodbye", "Summertime", "But Not For Me", and the title track, was recorded in 1960. This was undoubtedly Coltrane's most successful and popular album, and granted him the commercial success that had eluded him thus far in his career.

Perhaps due to this success, Coltrane's approach to his music began to shift during 1961-62, moving towards a more experimental, improvisational style. This "free-jazz" alienated many of the fans Coltrane had collected after "My Favorite Things", but at the same time expanded the horizons and definition of jazz. Among the more popular recordings of the quartet in the following years were "Africa Brass" (1961), "Ballads" (1962), "A Love Supreme" (1964), and "Meditations" (1965), as well as concerts recorded at The Village Vanguard (NYC) in 1961 and at Birdland, also in New York, in 1963.

Coltrane's continuing desire to break new boundaries with his music, though, led to the end of the group in January 1966. During the mid-1960's the turmoil in Coltrane's professional life was mirrored by disruptions in his personal life. In the summer of 1963 he moved out of the house he shared with his wife, Naima, and moved in with Alice McLeod. Coltrane had met Alice, a pianist, in 1960, and they had been friends since then.

A son, John Coltrane Jr., was born to Coltrane and Alice on August 8, 1964; this was followed on August 6, 1965 by a second son, Ravi. A year later Coltrane divorced Naima and married Alice. A final son, Oran, was born to Coltrane and Alice on March 19, 1967. On July 17, 1967,

John Coltrane died due to complications arising from his years of alcohol and drug abuse.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/john-coltrane/

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John William Coltrane nació el 23 de septiembre de 1926 en Hamlet, Carolina del Norte. A la edad de tres años, su familia se mudó a High Point, Carolina del Norte, donde el joven Coltrane pasó sus primeros años. Su padre, John Robert Coltrane, murió en 1939, dejando solos a John, de doce años, y a su madre.

Su madre, Alice Blair Coltrane, se mudó a Nueva Jersey para trabajar como empleada doméstica mientras John completaba la escuela secundaria. John tocó primero el clarinete y luego el saxofón alto en la banda de su escuela secundaria. Su primera influencia musical fue el saxofonista tenor Lester Young de la banda de Count Basie. En junio de 1943, después de graduarse, Coltrane se mudó a Filadelfia para estar más cerca de su madre.

Después de un período de un año en la Marina (1945-46), Coltrane comenzó a tocar en Filadelfia y sus alrededores. Durante este tiempo se involucró en el consumo de drogas y alcohol, vicios que lo seguirían a lo largo de su carrera y finalmente lo llevarían a la muerte.

A finales de 1949 Coltrane fue invitado a tocar el saxo alto con la banda de Dizzy Gillespie; la primera sesión de grabación fue el 21 de noviembre de ese año. Cuando la big band se disolvió en mayo de 1950, Coltrane se pasó al saxofón tenor y tocó con la pequeña banda de Gillespie hasta mayo del año siguiente. Coltrane tocó con el grupo de Earl Bostic en 1952, cambiando a la banda de su ídolo Johnny Hodges en 1953.

Sin embargo, los problemas con el abuso de drogas y alcohol obligaron a Coltrane a abandonar el grupo en 1954. Miles Davis llamó a Coltrane en el verano de 1955 para unirse a un grupo que estaba formando. La primera grabación del quinteto de Miles Davis se realizó en octubre de 1955, el mismo mes en que Coltrane se casó con Naima Grubbs. El quinteto estaba compuesto por Davis a la trompeta, Coltrane al saxo tenor, Red Garland al piano, Paul Chambers al bajo y Philly Joe Jones a la batería. Fue en sus años con este quinteto que las habilidades de Coltrane fueron verdaderamente reconocidas y apreciadas.

Sin embargo, en abril de 1957, Coltrane se vio obligado nuevamente a dejar de tocar para lidiar con sus problemas de abuso de sustancias; Davis lo reemplazó con Sonny Rollins. Tocó brevemente con Thelonious Monk a fines de 1957 antes de reincorporarse al quinteto de Miles Davis en enero de 1958. Coltrane tocó con este grupo hasta abril de 1960, cuando se propuso formar su propio grupo.

El cuarteto John Coltrane se formó por primera vez en abril de 1960 con Coltrane tocando el saxofón tenor, McCoy Tyler al piano, Elvin Jones a la batería y Jimmy Harrison al bajo. Fue durante los primeros años de este grupo que Coltrane se graduó de saxofonista tenor por encima del promedio a líder de banda, compositor e improvisador de élite. "My Favorite Things", el álbum épico con "Every Time We Say Goodbye", "Summertime", "But Not For Me" y la canción principal, se grabó en 1960. Este fue sin duda el álbum más exitoso y popular de Coltrane, y le otorgó el éxito comercial que le había eludido hasta ahora en su carrera.

Quizás debido a este éxito, el enfoque de Coltrane hacia su música comenzó a cambiar durante 1961-62, moviéndose hacia un estilo más experimental e improvisado. Este " free-jazz "alienó a muchos de los fanáticos que Coltrane había reunido después de" My Favorite Things", pero al mismo tiempo amplió los horizontes y la definición del jazz. Entre las grabaciones más populares del cuarteto en los años siguientes se encuentran" Africa Brass " (1961)," Ballads " (1962)," A Love Supreme "(1964) y" Meditations " (1965), así como conciertos grabados en Village Vanguard (NYC) en 1961 y en Birdland, también en Nueva York, en 1963.

Sin embargo, el continuo deseo de Coltrane de romper nuevos límites con su música llevó al final del grupo en enero de 1966. A mediados de la década de 1960, la agitación en la vida profesional de Coltrane se reflejó en interrupciones en su vida personal. En el verano de 1963 se mudó de la casa que compartía con su esposa, Naima, y se mudó con Alice McLeod. Coltrane había conocido a Alice, pianista, en 1960, y habían sido amigos desde entonces.

Un hijo, John Coltrane Jr., nació de Coltrane y Alice el 8 de agosto de 1964; a esto le siguió el 6 de agosto de 1965 un segundo hijo, Ravi. Un año después, Coltrane se divorció de Naima y se casó con Alice. Un último hijo, Oran, nació de Coltrane y Alice el 19 de marzo de 1967. El 17 de julio de 1967,

John Coltrane murió debido a complicaciones derivadas de sus años de abuso de alcohol y drogas.
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www.johncoltrane.com ...



Billy Boy Arnold and the Groundhogs • Live at the Venue

 

 



Biography by Bill Dahl
Talk about a comeback. After too many years away from the studio, Chicago harpist Billy Boy Arnold returned to action in a big way with two fine albums for Alligator: 1993's Back Where I Belong and 1995's Eldorado Cadillac. Retaining his youthful demeanor despite more than four decades of blues experience, Arnold's wailing harp and sturdy vocals remained in top-flight shape following the lengthy recording layoff.

Born in Chicago rather than in Mississippi (as many of his musical forefathers were), young Arnold gravitated right to the source in 1948. He summoned up the courage to knock on the front door of his idol, harmonica great John Lee "Sonny Boy" Williamson, who resided nearby. Sonny Boy kindly gave the lad a couple of harp lessons, but their relationship was quickly severed when Williamson was tragically murdered. Still in his teens, Arnold cut his debut 78 for the extremely obscure Cool logo in 1952. "Hello Stranger" went nowhere but gave him his nickname when its label unexpectedly read "Billy Boy Arnold."

Arnold made an auspicious connection when he joined forces with Bo Diddley and played on the shave-and-a-haircut beat specialist's two-sided 1955 debut smash "Bo Diddley"/"I'm a Man" for Checker. That led, in a roundabout way, to Billy Boy's signing with rival Vee-Jay Records (the harpist mistakenly believed Leonard Chess didn't like him). Arnold's "I Wish You Would," utilizing that familiar Bo Diddley beat, sold well and inspired a later famous cover by the Yardbirds. That renowned British blues-rock group also took a liking to another Arnold classic on Vee-Jay, "I Ain't Got You." Other Vee-Jay standouts by Arnold included "Prisoner's Plea" and "Rockinitis," but by 1958, his tenure at the label was over.

Other than an excellent Samuel Charters-produced 1963 album for Prestige, More Blues on the South Side, Arnold's profile diminished over the years in his hometown (though European audiences enjoyed him regularly) and he first ended up driving a bus in his hometown of Chicago, then working as a parole officer for the state of Illinois. Fortunately, that changed: Back Where I Belong restored this Chicago harp master to prominence, and Eldorado Cadillac drove him into the winner's circle a second time. After a six year lull between recordings, 2001's Boogie 'n' Shuffle on Stony Plain found Arnold still in fine form, backed by Duke Robillard and his band on a set of rough and ready blues.
https://www.allmusic.com/artist/billy-boy-arnold-mn0000085021#biography

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Biografía de Bill Dahl
Habla de un regreso. Después de demasiados años alejado del estudio, el arpista de Chicago Billy Boy Arnold regresó a la acción a lo grande con dos excelentes álbumes para Alligator: Back Where I Belong de 1993 y Eldorado Cadillac de 1995. Conservando su comportamiento juvenil a pesar de más de cuatro décadas de experiencia en el blues, el arpa de lamentos y la voz robusta de Arnold se mantuvieron en plena forma después del largo despido de la grabación.

Nacido en Chicago en lugar de Mississippi (como lo fueron muchos de sus antepasados musicales), el joven Arnold gravitaba directamente hacia la fuente en 1948. Reunió el coraje para llamar a la puerta de entrada de su ídolo, el gran armónico John Lee "Sonny Boy" Williamson, que residía cerca. Sonny Boy amablemente le dio al muchacho un par de lecciones de arpa, pero su relación se rompió rápidamente cuando Williamson fue trágicamente asesinado. Aún en su adolescencia, Arnold hizo su debut 78 para el extremadamente oscuro logo Cool en 1952. "Hello Stranger "no llegó a ninguna parte, pero le dio su apodo cuando su etiqueta decía inesperadamente" Billy Boy Arnold."

Arnold hizo una conexión auspiciosa cuando unió fuerzas con Bo Diddley y tocó en el éxito debut de dos caras de 1955 de The shave-and-a-hair beat specialist "Bo Diddley"/"I'm a Man" para Checker. Eso llevó, de manera indirecta, a que Billy Boy firmara con su rival Vee-Jay Records (el arpista creía erróneamente que Leonard Chess no le gustaba). "I Wish You Would" de Arnold, utilizando ese ritmo familiar de Bo Diddley, se vendió bien e inspiró una versión famosa posterior de The Yardbirds. A ese renombrado grupo británico de blues-rock también le gustó otro clásico de Arnold en Vee-Jay, "I Ain't Got You. Otros destacados de Vee-Jay de Arnold incluyeron "Prisoner's Plea" y "Rockinitis", pero para 1958, su mandato en el sello había terminado .

Aparte de un excelente álbum de 1963 producido por Samuel Charters para Prestige, More Blues on the South Side, el perfil de Arnold disminuyó a lo largo de los años en su ciudad natal (aunque el público europeo lo disfrutaba regularmente) y primero terminó conduciendo un autobús en su ciudad natal de Chicago, luego trabajando como oficial de libertad condicional para el estado de Illinois. Afortunadamente, eso cambió: Back Where I Belong restauró la prominencia de este maestro del arpa de Chicago, y Eldorado Cadillac lo llevó al círculo de ganadores por segunda vez. Después de una pausa de seis años entre grabaciones, Boogie ' n ' Shuffle de 2001 en Stony Plain encontró a Arnold todavía en buena forma, respaldado por Duke Robillard y su banda en un set de blues rudo y listo.
https://www.allmusic.com/artist/billy-boy-arnold-mn0000085021#biography


Phil Woods with Red Garland • Sugan

 



Review by Scott Yanow
Sugan, from Fantasy's Original Jazz Classics series, is essentially a bebop jam session. The quintet (altoist Phil Woods, trumpeter Ray Copeland, pianist Red Garland, bassist Teddy Kotick, and drummer Nick Stabulas) performs three Charlie Parker compositions and three originals by Woods, but the melodies are quickly discarded in favor of heated solos. Woods and the greatly underrated Copeland work together very well, and Garland is a major asset both as a soloist and as an accompanist to the horns. This little-known date is quite enjoyable.
https://www.allmusic.com/album/sugan-mw0000121706

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Crítica de Scott Yanow
Sugan, de la serie Original Jazz Classics de Fantasy, es esencialmente una jam session de bebop. El quinteto (el contralto Phil Woods, el trompetista Ray Copeland, el pianista Red Garland, el bajista Teddy Kotick y el batería Nick Stabulas) interpreta tres composiciones de Charlie Parker y tres originales de Woods, pero las melodías se descartan rápidamente en favor de acalorados solos. Woods y el muy infravalorado Copeland trabajan muy bien juntos, y Garland es una baza importante como solista y como acompañante de las trompas. Esta fecha poco conocida es bastante agradable.
https://www.allmusic.com/album/sugan-mw0000121706


 


Wycliffe Gordon • Boss Bones

 



 For his seventh Criss Cross recording, Wycliffe Gordon pairs off with Andre Hayward, his long-time partner in the Jazz at Lincoln Center Orchestra trombone section, for a carefree, straightforward, swinging romp through various nooks and crannies of the jazz and Broadway songbooks, as well as the several varieties of the blues.

Pianist Mike LeDonne, bassist John Webber, and drum giant Kenny Washington push, prod, and complement the flow throughout.
https://www.crisscrossjazz.com/album/1302.html

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 Para su séptima grabación de Criss Cross, Wycliffe Gordon se empareja con Andre Hayward, su compañero desde hace mucho tiempo en la sección de trombones de la Jazz at Lincoln Center Orchestra, para un paseo despreocupado, directo y lleno de swing por diversos rincones y grietas de los cancioneros de jazz y Broadway, así como por las diversas variedades del blues.

El pianista Mike LeDonne, el bajista John Webber y el gigante de la batería Kenny Washington empujan, empujan y complementan el flujo en todo momento.
https://www.crisscrossjazz.com/album/1302.html



www.crisscrossjazz.com ...

wycliffegordon.com ...

 

Al Hirt • Greatest Trumpet Hits of All Time

 


A phenomenally proficient trumpet player, Al Hirt was one of the most successful instrumental recording artists of the 1960s. Perhaps modeling his genial stage personality after Louis Armstrong, Hirt was a tremendously popular performer, easily capturing the center of attention with his massive 300-pound, 6-foot-2 frame (among his nicknames were “Jumbo” and “The Round Mound of Sound”) but holding it with his joyful spirit and jaw-dropping virtuosity.

Although Hirt came out of New Orleans leading a Dixieland band, he never let himself get stereotyped in that narrow genre. He was honest about his choice of style, never calling what he played “jazz”: “I'm a pop commercial musician,” he once said. “and I've got a successful format. I'm not a jazz trumpet and never was a jazz trumpet.”

Hirt's father bought him his first trumpet from a pawnshop, and by the time he was in high school, he was sounding post time at the local race track. Hirt was always very serious about perfecting his mastery of his instrument, and he studied at the Cincinnati Conservatory for three years in the early 1940s. After playing with Army bands during World War Two, he worked with Tommy Dorsey, Ray McKinley, and Benny Goodman's big bands--usually as first chair, but not a soloist--until he returned to New Orleans and formed his own band in 1950.

For most of the 1950s, he was comfortable staying close to home--musically and professionally. Raising eight kids with his first wife probably had something to do with it, but Hirt was always happy to have a strong association with the music and lifestyle of New Orleans. He often performed with clarinet player Pete Fountain, who achieved nearly the same level of national fame, and the two remained close friends and colleagues until Hirt's death. Hirt recorded a number of mainstream Dixieland albums for Audio Fidelity and others during this period.

In 1960, Hirt's group, the Dixieland Six, played Las Vegas and was spotted by Dinah Shore, who booked them onto her television variety show. Television and Hirt took to each other, and RCA quickly signed him and began promoting him as a major artist. To get and keep a national audience, Hirt had to loosen his ties to Dixieland. Virtually none of his RCA albums have a strong Dixieland flavor, most of them featuring large studio ensembles and arrangements by veterans like Marty Paich, Billy May, and Marty Gold. His albums “Honey in the Horn,” and “Cotton Candy,” were both gold records, and he was named “Top Instrumentalist” by Billboard magazine in 1965. His recording of “Java,” won him a Grammy.

Hirt never turned his back on his roots, though, and at the same time he was coming to fame, he opened his own night club in the French Quarter and appeared there regularly. Although he toured steadily well into the 1980s, often in pops concerts with symphony orchestras, he tried to work his schedules to bring him back home quickly. His 1965 album with Arthur Fiedler and the Boston Pops was among his best-selling records, and Hirt enjoyed playing classical showpieces as well as popular numbers.

Hirt's weight and lifestyle eventually took its toll on his body, and in later years, he had to perform in a wheelchair. He closed his club in 1983, fed up with the deterioration of the French Quarter, but he continued to play there, mostly at Fountain's club, until a few months before his death in 1999.

Al Hirt recorded more than 50 albums in his career, and played for millions of people around the world including Pope John Paul II and 8 U.S. Presidents. He earned 4 gold albums and 1 platinum, and a Lifetime Achievement Award from the Charlie “Bird” Parker Memorial Foundation.

He is a legend in his native New Orleans, where there is a live sized statue of him in the French Quarter.
Source: James Nadal

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Un trompetista fenomenal, Al Hirt fue uno de los artistas instrumentales más exitosos de la década de 1960. Tal vez modelando su genial personalidad escénica después de Louis Armstrong, Hirt fue un artista tremendamente popular, capturando fácilmente el centro de atención con su enorme marco de 300 libras y 2 pies (entre sus apodos se encontraban "Jumbo" y "The Round Mound of Sound"), pero sosteniéndolo con su espíritu alegre y su virtuosismo asombroso.

Aunque Hirt salió de Nueva Orleans liderando una banda de Dixieland, nunca se dejó estereotipar por ese género tan estrecho. Fue honesto en su elección de estilo, sin llamar nunca "jazz" a lo que tocaba: "Soy un músico comercial de pop", dijo una vez. "y tengo un formato exitoso. No soy una trompeta de jazz y nunca fui una trompeta de jazz".

El padre de Hirt le compró su primera trompeta en una casa de empeño, y para cuando estaba en la escuela secundaria, ya estaba sonando en el hipódromo local. Hirt siempre se tomó muy en serio el perfeccionamiento de su instrumento, y estudió en el Conservatorio de Cincinnati durante tres años a principios de la década de 1940. Después de tocar con bandas del Army durante la Segunda Guerra Mundial, trabajó con las grandes bandas de Tommy Dorsey, Ray McKinley y Benny Goodman, generalmente como primer presidente, pero no como solista, hasta que regresó a Nueva Orleáns y formó su propia banda en 1950.

Durante la mayor parte de la década de 1950, se sintió cómodo estando cerca de casa, musical y profesionalmente. Criar ocho hijos con su primera esposa probablemente tuvo algo que ver con ello, pero Hirt siempre estuvo feliz de tener una fuerte asociación con la música y el estilo de vida de Nueva Orleáns. A menudo tocaba con el clarinetista Pete Fountain, que alcanzó casi el mismo nivel de fama nacional, y los dos permanecieron como amigos y colegas hasta la muerte de Hirt. Hirt grabó varios álbumes de Dixieland para Audio Fidelity y otros durante este periodo.

En 1960, el grupo de Hirt, los Seis de Dixieland, jugó en Las Vegas y fue visto por Dinah Shore, que lo contrató en su programa de variedades de televisión. La televisión y Hirt se llevaron bien, y la RCA rápidamente lo contrató y comenzó a promocionarlo como un artista importante. Para conseguir y mantener una audiencia nacional, Hirt tuvo que aflojar sus lazos con Dixieland. Prácticamente ninguno de sus álbumes de RCA tiene un fuerte sabor a Dixieland, la mayoría de ellos con grandes conjuntos de estudio y arreglos de veteranos como Marty Paich, Billy May y Marty Gold. Sus álbumes "Honey in the Horn" y "Cotton Candy" fueron discos de oro, y fue nombrado "Top Instrumentalist" por la revista Billboard en 1965. Su grabación de "Java" le valió un Grammy.

Sin embargo, Hirt nunca le dio la espalda a sus raíces, y al mismo tiempo que llegaba a la fama, abrió su propio club nocturno en el Barrio Francés y apareció allí regularmente. Aunque hizo giras constantes hasta bien entrada la década de 1980, a menudo en conciertos de música pop con orquestas sinfónicas, trató de trabajar sus horarios para traerlo de vuelta a casa rápidamente. Su álbum de 1965 con Arthur Fiedler y los Boston Pops fue uno de sus discos más vendidos, y Hirt disfrutó tocando obras de teatro clásicas así como números populares.

El peso y el estilo de vida de Hirt finalmente afectaron su cuerpo, y en años posteriores, tuvo que actuar en una silla de ruedas. Cerró su club en 1983, harto del deterioro del French Quarter, pero siguió tocando allí, sobre todo en el club de Fountain, hasta unos meses antes de su muerte en 1999.

Al Hirt grabó más de 50 álbumes en su carrera, y tocó para millones de personas en todo el mundo, incluyendo al Papa Juan Pablo II y a 8 presidentes de los Estados Unidos. Obtuvo 4 discos de oro y 1 de platino, y un premio a la Trayectoria de la Fundación Charlie "Bird" Parker Memorial.

Es una leyenda en su Nueva Orleans natal, donde hay una estatua de él en el Barrio Francés.

Fuente: James Nadal