The David Hazeltine Trio successfully undertakes well-known classical works and reinvents them through jazz. Joined by George Mraz on bass and Jason Brown on drums, Hazeltine is able to reformat these classics into high energy, sweet swinging, syncopated adaptations of their originals. The group tackles works by composers: Bach, Chopin, Debussy, Tchaikovsky, and Beethoven; restructuring their works all the while keeping them audibly recognizable.
This album was recorded in Binarual+ for both speaker and 3D headphone playback and has EXTREME dynamics, so please set your playback levels carefully. https://www.jazzmessengers.com/es/63490/david-hazeltine/impromptu
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El David Hazeltine Trio aborda con éxito conocidas obras clásicas y las reinventa a través del jazz. Acompañado por George Mraz al bajo y Jason Brown a la batería, Hazeltine es capaz de reformatear estos clásicos en adaptaciones sincopadas de gran energía y dulce swing de sus originales. El grupo aborda obras de compositores Bach, Chopin, Debussy, Tchaikovsky y Beethoven; reestructurando sus obras al tiempo que las mantienen audiblemente reconocibles.
Este álbum se grabó en Binarual+ para su reproducción tanto en altavoces como en auriculares 3D y tiene una dinámica EXTREMA, por lo que se recomienda ajustar con cuidado los niveles de reproducción. https://www.jazzmessengers.com/es/63490/david-hazeltine/impromptu
Biography Bob Corritore is one of the most active and highly regarded blues harmonica players on the scene today. His style passionately carries forward the old school of playing that Corritore learned as a young man directly from many of original pioneers of Chicago Blues. His sympathetic, yet fiery harmonica playing is featured on over 100 releases to date, on labels such as VizzTone, Delta Groove, Delmark, HighTone, HMG, Blue Witch, Blind Pig, Earwig, Ruf, Putumayo and many others. Many of Bob’s acclaimed releases have been nominated or winners for various Handy, Grammy, Living Blues, Blues Music Awards and Blues Blast Music Awards. Bob is also widely recognized for his many roles in the blues, as band leader, club owner, record producer, radio show host, arts foundation founder, and occasional writer. His amazing website http://www.bobcorritore.com and his weekly e-newsletter reflect a life thoroughly invested in the blues.
Born on September 27, 1956 in Chicago, Bob first heard Muddy Waters on the radio at age 12, an event which changed his life forever. Within a year, he was playing harmonica and collecting blues albums. He would see blues shows in his early teens, including attending a Muddy Waters performance at his high school gymnasium. He would cut his teeth sitting in on Maxwell Street with John Henry Davis and others until old enough to attend blues clubs. He hung around great harp players such as Big Walter Horton, Little Mack Simmons, Louis Myers, Junior Wells, Big John Wrencher, and Carey Bell, and received harmonica tips and encouragement from many of them. He would regularly see the Aces, Howlin’ Wolf, Muddy Waters, Billy Boy Arnold, John Brim, Sunnyland Slim, Smokey Smothers, Eddie Taylor, and in many cases became personal friends with these blues veterans. Corritore worked with Tail Dragger, Big Moose Walker, Willie Buck, Louis and Dave Myers, and Eddie Taylor in the late 70s and early 80s. He also produced his first recordings during that time, taking unheralded harmonica greats such as Little Willie Anderson and Big Leon Brooks into the studio to produce their now classic debut albums.
In 1981, Bob ventured southwest to live in Phoenix, Arizona. Within months, Bob was joined by Chicagoland friend Louisiana Red and the two played together around Phoenix for about a year until Red relocated to Germany. For the remainder of the 1980s, Bob worked in Phoenix and throughout the Southwest with Big Pete Pearson, Buddy Reed, Tommy Dukes, Chief Schabuttie Gilliame, and an emerging Janiva Magness in one of her earliest bands. In 1984, Bob supplemented his performances with a blues radio show called Those Lowdown Blues on KJZZ, which is still going strong. In 1986, former Howlin’ Wolf drummer Chico Chism moved to Phoenix at Bob’s invitation to start a 20 year partnership that lasted until Chico’s passing in 2007. In 1991, Bob opened the now famous Blues and Roots Concert Club, The Rhythm Room. Having a club created yet another catalyst for Bob’s musical projects. He would often invite great artists to come to Phoenix, and Bob’s band, the Rhythm Room All-Stars would back these visiting artists on shows and in recording sessions. Bob’s archives of these sessions are now famous, and include sessions with Bo Diddley, Little Milton, John Brim, Jimmy Rogers, Henry Gray, Pinetop Perkins, Ike Turner, Jimmie Vaughan, Henry Townsend, Honeyboy Edwards, Big Jack Johnson, Ike Turner, Smokey Wilson. Lil’ Ed, Willie “Big Eyes” Smith, Nappy Brown, R.L. Burnside, Louisiana Red, Robert Lockwood, Jr., Sam Lay, Barbara Lynn, John Primer, Eddy Clearwater, and numerous others.
In 1999, Bob released his first CD as a national recording artist, combining some of the highlights of his vaults. The CD was called All-Star Blues Sessions, and was released on the HighTone record label to great fanfare. This momentum created a long series of CDs on HighTone with Bob in the harmonica player/producer role. Bob started breaking into the national circuit in festival appearances with Henry Gray and Louisiana Red. Bob co-produced harmonica ace Kim Wilson’s 2001 release of Smokin’ Joint which got a Grammy nomination the following year. In 2005, Bob brought the Rhythm Room All-Stars featuring Big Pete Pearson to The Marco Fiume Blues Passions Festival in Italy, which opened a whole new world of European interest in Bob’s harmonica artistry. This led to return visits to Europe for various festivals and performances, as well as an ever-growing world-wide fan base. In 2007, the Mayor of Phoenix officially proclaimed September 29, 2007 to be “Bob Corritore Day” in honor of Bob’s musical contributions to his community. Also that year, Bob received a “Keeping The Blues Alive” award from the Blues Foundation. Bob’s 2007 collaboration with Dave Riley, Travelin’ The Dirt Road, was nominated for a Blues Music Award. Bob also contributed harmonica work on the 2008 Grammy®-nominated CD/DVD by Pinetop Perkins, On The 88s. Bob‘s prolific activity with the Blue Witch record label as label producer/harmonica player garnered him additional notoriety.
Bob signed with the great Delta Groove record label for a 2010 release that solidified Bob’s strong standing as a major player in today’s blues world. In 2011 his CD Bob Corritore & Friends / Harmonica Blues won a BMA for Best Historical Blues Release. Also In 2011 the State of Arizona awarded Bob a Certificate Of Recognition for his work in blues music. In 2012 Bob won a Living Blues Award in the Harmonica category and Hohner Harmonicas including Bob’s image in their packaging of the Blues Harp brand. 2013 saw a highly-celebrated collaboration with John Primer which was awarded “Best Blues Album of 2013” by Germany’s Blues News Magazine!
In 2014, Corritore was also awarded a Blues411 Jimi Award for Best Harpist. In 2019 Bob Corritore & Friends/Don’t Let The Devil Ride won a Blues Blast Music Award for Traditional Blues Album. Bob remains very active releasing an album each year as well as numerous guest appearances on other’s albums. He performs regularly across the country and around the world with numerous projects including The Bob’s Of The Blues (Bob Margolin, Bob Stroger and Bob Corritore), John Primer, Diunna Greenleaf, Dave Riley, The Andy T Band, Alabama Mike, Jimi “Primetime” Smith, and many others. Bob has also become well known for organizing multi-artist showcase sets and events featuring traditional blues revues. Look for Bob to continue his active work in presenting traditional blues harmonica playing to the world stage. https://bobcorritore.com/bio/
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Biografía Bob Corritore es uno de los músicos de armónica de blues más activos y reconocidos de la escena actual. Su estilo lleva con pasión la vieja escuela de tocar que Corritore aprendió de joven directamente de muchos de los pioneros originales del Blues de Chicago. Su simpática, pero ardiente forma de tocar la armónica está presente en más de 100 lanzamientos hasta la fecha, en sellos como VizzTone, Delta Groove, Delmark, HighTone, HMG, Blue Witch, Blind Pig, Earwig, Ruf, Putumayo y muchos otros. Muchos de los aclamados lanzamientos de Bob han sido nominados o ganadores de varios premios Handy, Grammy, Living Blues, Blues Music Awards y Blues Blast Music Awards. Bob también es ampliamente reconocido por sus muchos papeles en el blues, como líder de banda, propietario de club, productor de discos, presentador de programas de radio, fundador de una fundación de artes y escritor ocasional. Su increíble sitio web http://www.bobcorritore.com y su boletín electrónico semanal reflejan una vida completamente invertida en el blues.
Nacido el 27 de septiembre de 1956 en Chicago, Bob escuchó por primera vez Muddy Waters en la radio a los 12 años, un acontecimiento que cambió su vida para siempre. En un año, estaba tocando la armónica y coleccionando álbumes de blues. Vería espectáculos de blues en su adolescencia, incluyendo una actuación de Muddy Waters en el gimnasio de su escuela secundaria. Se cortaría los dientes sentado en la calle Maxwell con John Henry Davis y otros hasta que fuera lo suficientemente mayor para asistir a los clubes de blues. Estuvo con grandes arpistas como Big Walter Horton, Little Mack Simmons, Louis Myers, Junior Wells, Big John Wrencher y Carey Bell, y recibió consejos sobre la armónica y estímulos de muchos de ellos. Veía regularmente a los Ases, Howlin' Wolf, Muddy Waters, Billy Boy Arnold, John Brim, Sunnyland Slim, Smokey Smothers, Eddie Taylor, y en muchos casos se hizo amigo personal de estos veteranos del blues. Corritore trabajó con Tail Dragger, Big Moose Walker, Willie Buck, Louis y Dave Myers, y Eddie Taylor a finales de los 70 y principios de los 80. También produjo sus primeras grabaciones durante ese tiempo, llevando a grandes figuras de la armónica como Little Willie Anderson y Big Leon Brooks al estudio para producir sus ya clásicos álbumes de debut.
En 1981, Bob se aventuró al suroeste para vivir en Phoenix, Arizona. A los pocos meses, Bob se unió a su amigo de Chicago, Louisiana Red, y los dos tocaron juntos en Phoenix durante un año hasta que Red se trasladó a Alemania. Durante el resto de la década de 1980, Bob trabajó en Phoenix y en todo el suroeste con Big Pete Pearson, Buddy Reed, Tommy Dukes, Chief Schabuttie Gilliame y una emergente Janiva Magness en una de sus primeras bandas. En 1984, Bob complementó sus actuaciones con un programa de radio de blues llamado Those Lowdown Blues en KJZZ, que sigue siendo fuerte. En 1986, el ex baterista de Howlin' Wolf, Chico Chism, se mudó a Phoenix por invitación de Bob para iniciar una asociación de 20 años que duró hasta la muerte de Chico en 2007. En 1991, Bob abrió el ahora famoso Club de Conciertos de Blues y Roots, The Rhythm Room. Tener un club creó otro catalizador para los proyectos musicales de Bob. A menudo invitaba a grandes artistas a venir a Phoenix, y la banda de Bob, The Rhythm Room All-Stars apoyaba a estos artistas visitantes en los espectáculos y en las sesiones de grabación. Los archivos de Bob de estas sesiones son ahora famosos, e incluyen sesiones con Bo Diddley, Little Milton, John Brim, Jimmy Rogers, Henry Gray, Pinetop Perkins, Ike Turner, Jimmie Vaughan, Henry Townsend, Honeyboy Edwards, Big Jack Johnson, Ike Turner, Smokey Wilson. Lil' Ed, Willie "Ojos Grandes" Smith, Nappy Brown, R.L. Burnside, Louisiana Red, Robert Lockwood, Jr., Sam Lay, Barbara Lynn, John Primer, Eddy Clearwater, y muchos otros.
En 1999, Bob lanzó su primer CD como artista de grabación nacional, combinando algunos de los aspectos más destacados de sus bóvedas. El CD se llamó All-Star Blues Sessions, y fue lanzado en el sello HighTone con gran fanfarria. Este impulso creó una larga serie de CDs en HighTone con Bob en el papel de reproductor/productor de armónica. Bob comenzó a irrumpir en el circuito nacional en apariciones en festivales con Henry Gray y Louisiana Red. Bob coprodujo el lanzamiento de Smokin' Joint del as de la armónica Kim Wilson en 2001, que fue nominado al Grammy al año siguiente. En 2005, Bob llevó al Rhythm Room All-Stars con Big Pete Pearson al Festival Marco Fiume Blues Passions en Italia, lo que abrió todo un mundo nuevo de interés europeo en el arte de la armónica de Bob. Esto llevó a que se volvieran a realizar visitas a Europa para varios festivales y actuaciones, así como a un creciente número de fans en todo el mundo. En 2007, el alcalde de Phoenix proclamó oficialmente el 29 de septiembre de 2007 como "Día del Corritore de Bob" en honor a las contribuciones musicales de Bob a su comunidad. También ese año, Bob recibió el premio "Keeping The Blues Alive" de la Blues Foundation. La colaboración de Bob en 2007 con Dave Riley, Travelin' The Dirt Road, fue nominada para un premio de música de blues. Bob también contribuyó con el trabajo de armónica en el CD/DVD nominado al Grammy® 2008 de Pinetop Perkins, On The 88s. La prolífica actividad de Bob con el sello discográfico Blue Witch como productor/armonista del sello le dio una notoriedad adicional.
Bob firmó con el gran sello discográfico Delta Groove para un lanzamiento en 2010 que solidificó la fuerte posición de Bob como un jugador importante en el mundo del blues de hoy. En 2011 su CD Bob Corritore & Friends / Harmonica Blues ganó un BMA como Mejor Lanzamiento Histórico de Blues. También en 2011 el Estado de Arizona otorgó a Bob un Certificado de Reconocimiento por su trabajo en la música de blues. En 2012 Bob ganó un Living Blues Award en la categoría de Harmónica y Hohner Harmónicas incluyendo la imagen de Bob en su embalaje de la marca Blues Harp. En 2013 se produjo una colaboración muy celebrada con John Primer que fue premiado como "Mejor Álbum de Blues de 2013" por la revista alemana Blues News Magazine!
En 2014, Corritore también fue galardonado con un Blues411 Jimi Award como mejor arpista. En 2019 Bob Corritore & Friends/Don't Let The Devil Ride ganó un Premio Blues Blast Music por el Álbum de Blues Tradicional. Bob sigue siendo muy activo lanzando un álbum cada año, así como numerosas apariciones como invitado en otros álbumes. Se presenta regularmente en todo el país y en todo el mundo con numerosos proyectos, incluyendo The Bob's Of The Blues (Bob Margolin, Bob Stroger y Bob Corritore), John Primer, Diunna Greenleaf, Dave Riley, The Andy T Band, Alabama Mike, Jimi "Primetime" Smith, y muchos otros. Bob también se ha hecho muy conocido por organizar espectáculos y eventos multiartistas en los que se presentan revistas de blues tradicionales. Busca a Bob para continuar su trabajo activo en la presentación de la armónica del blues tradicional en el escenario mundial. https://bobcorritore.com/bio/
Biography by Timothy Monger English
progressive rock giants Jethro Tull are a unique phenomenon in popular
music history. Their mix of heavy rock, flute-led folk melodies, blues
licks, surreal, impossibly dense lyrics, and overall profundity defies
easy analysis, yet in their 1970s heyday, they garnered a massive level
of commercial success, notching a string of gold and platinum records
and securing their place within the classic rock canon with releases
like Aqualung (1971), Thick as a Brick (1972), and A Passion Play
(1973). Even as critics cooled on them, Tull remained popular through
later phases with their folk-rock records of the late '70s, the
electronic experimentation of the early '80s, and eventually a Grammy
Award-winning return to hard rock with 1987's Crest of a Knave. Led by
enigmatic frontman Ian Anderson -- a singer, songwriter, guitarist, and
rock's premier flutist -- Tull carried their unique amalgam with varying
degrees of success into the 21st century with a 2003 Christmas album
and a barrage of compilations and anniversary releases. Aside from
Anderson, guitarist Martin Barre was the only other longtime member
involved in most of the band's lineups and when the two parted ways in
2011, the group went on hiatus. After reviving a new version of Tull to
commemorate their 50th anniversary in 2018, Anderson took the band back
into the studio for a pair of late-period albums, 2022's The Zealot Gene
and 2023's RökFlöte.
Jethro Tull's roots lay in the British
blues boom of the late '60s. Anderson's family moved from Edinburgh to
Blackpool in 1960 where he met future bandmates bassist Jeffrey
Hammond-Hammond (later, simply Hammond) and keyboardist John Evans.
Along with a guitarist named Michael Stephens, their first band was
called the Blades -- named after James Bond's club -- who played a mix
of jazzy blues and soulful dance music on the Northern club circuit. In
1965, they changed their name to the John Evan Band (Evan having dropped
the "s" in his name at Hammond's suggestion) and later the John Evan
Smash. By the end of 1967, Glenn Cornick had replaced Hammond on bass
and the group moved to Luton in order to be closer to the center of the
music scene in London. The band began to fall apart when Anderson and
Cornick met guitarist/singer Mick Abrahams and drummer Clive Bunker, who
had previously played together in the Toggery Five and were now members
of a local blues band called McGregor's Engine.
In December of
1967, the four of them agreed to form a new group and began playing two
nights a week, trying out different names, including Navy Blue and Bag
of Blues. One of the names, Jethro Tull, was borrowed from an 18th
century farmer/inventor and proved popular enough to stick. In early
1968, they cut a pop-folk single called "Sunshine Day," which MGM
Records released under the misprinted name Jethro Toe. While the single
went nowhere, the band managed to land a residency at the Marquee Club
in London, where they began to attract attention. By this point Anderson
had begun playing the flute, a unique, though divisive element among
blues purists. Likewise, his on-stage antics -- jumping around in a
ragged overcoat and standing on one leg while playing the flute -- and
his use of folk sources as well as blues and jazz set Tull apart from
their contemporaries. It also created something of a power struggle
between Anderson and Abrahams, a hardcore blues enthusiast who idolized
British blues godfather Alexis Korner. In June 1968 Jethro Tull opened
for Pink Floyd at the first free rock festival in London's Hyde Park,
and in August they were the hit of the Sunbury Jazz & Blues Festival
in Sunbury-on-Thames. Within a month, the band had signed to Island
Records which released their debut album, This Was, in November. By this
time, Anderson was the dominant member of the group on-stage, and at
the end of the month Abrahams left to form a new band, Blodwyn Pig. Tull
went through two hastily recruited and rejected replacements, future
Black Sabbath guitarist Tony Iommi (who was in Tull for a week, just
long enough to show up for their appearance on the Rolling Stones' Rock
'N Roll Circus extravaganza), and Davy O'List, former guitarist with the
Nice. Finally, Martin Barre, a former architecture student, became the
band's new guitarist.
In May 1969, following tours with Jimi
Hendrix and Led Zeppelin, Tull scored a number three U.K. hit with
"Living in the Past." The single served as Barre's first recording with
the group and they subsequently made their Top of the Pops debut.
Released in July of that year, their second album, Stand Up, topped the
U.K. charts and made it to number 20 in the U.S., effectively launching
their mainstream career. With all of its material (except "Bourée,"
which was composed by Johann Sebastian Bach) written by Anderson, it
marked a move away from Tull's blues origins, taking a more eclectic
approach that also included orchestrations by future member David
Palmer. Meanwhile, "Sweet Dream," issued in November, rose to number
seven in England, and was the group's first release on Chrysalis, the
new label formed by band managers Chris Wright and Terry Ellis. Their
next single, "The Witch's Promise" reached number four in England in
January of 1970. Released a few months later, Tull's third album,
Benefit, marked their last look back at the blues, and was the first to
feature John Evan, Anderson's longtime friend and former bandmate, on
piano and organ. Benefit reached the number three spot in England, and
ascended to number 11 in the U.S. Songs like "Teacher" and "Sossity;
You're a Woman," formed a key part of Tull's stage repertory as they
transitioned into a major touring draw on both sides of the Atlantic.
At
the end of 1970, Cornick left the group and was replaced on bass by
another of Anderson's former bandmates, Jeffrey Hammond-Hammond. Early
the following year, they began working on what would prove to be, for
many fans, their magnum opus, Aqualung. Anderson's writing had been
moving in a more serious direction since the group's second album, but
it was with Aqualung that he found the lyrical voice he'd been seeking.
Released in March 1971 and split into two halves (subtitled Aqualung and
My God), it introduced the progressive element -- along with searing
hard rock passages and acoustic folk influences -- that would define
much of Tull's early-'70s output. Its standouts included the
hard-driving title cut and "Locomotive Breath" along with the folky
"Mother Goose." The album's opinions on organized religion and themes of
alienation struck a chord with listeners in the U.K. and in the U.S.,
where it became their first to achieve gold certification.
Not
long after its release, Bunker was replaced on drums by yet another of
Anderson's pre-Tull associates, Barriemore Barlow, who made his debut on
1972's Thick as a Brick. Irritated by critics who insisted on calling
Aqualung a concept album (it was not), Anderson countered with Thick as a
Brick, a parody of the concept album consisting of a single 43-minute
track. Loaded with surreal imagery, Monty Python-inspired humor, and
social commentary, it topped the charts in the U.S, Canada, and
Australia, while reaching number five in the U.K. With Tull's heightened
fame came rising demand for their work and Chrysalis responded with
Living in the Past, a double-album anthology culled from their various
singles, EPs, early albums, and a Carnegie Hall show. A double-album
project of new material was attempted at Château d'Hérouville, a French
studio then popular with the Rolling Stones and Elton John, but they
soon abandoned the sessions and recorded their next LP, 1973's A Passion
Play, in England. Like Thick as a Brick, it was conceived as a
single-track concept album steeped in fantasy and religious imagery, and
included a spoken word story narrated by Hammond called "The Hare That
Lost His Spectacles." Despite critical backlash for its obscure lyrical
references and excessive length, the album again reached number one in
America (yielding a number eight single edited from the extended piece)
and number 13 in England. As Jethro Tull's sold-out American tour
commenced, the negative reviews increased with critics lambasting the
band for their long (two-and-a-half hours) and overwrought stage shows,
to the point that a frustrated Anderson soon shut himself away from the
press entirely. The lack of positive press did little to deter fans from
supporting their seventh album, War Child, which reached number two in
the U.S. and went platinum. Conceived as part of a film project that
never materialized, War Child was released in November 1974 and marked
the group's return to conventional-length songs, and spawned a charting
hit in "Bungle in the Jungle." That same year, Anderson produced Now We
Are Six, the sixth album by U.K. folk-rock group and Chrysalis
labelmates Steeleye Span. The English folk-rock scene would prove to be
an influence on his own writing, especially in the latter years of the
decade. The next Tull album, 1975's Minstrel in the Gallery took cues
from Elizabethan minstrelsy, pairing rock and English folk in an
eclectic way that harkened back to Aqualung. At this point the band's
American success still outweighed their popularity at home, though they
were trending downward on both charts.
The Jethro Tull lineup had
been remarkably stable ever since Clive Bunker's post-Aqualung exit,
remaining constant across four albums in as many years. In January of
1976, however, Hammond left the band to pursue a career in art. His
replacement, John Glascock, joined in time for the recording of 1976's
Too Old to Rock 'n Roll, Too Young to Die, an album made up partly of
songs from an unproduced play proposed by Anderson and Palmer. The group
later did an ITV special built around the album's songs, and the title
track featured guest vocals from Steeleye Span frontwoman Maddy Prior.
After achieving a moderate hit in late 1976 with the Christmas-themed EP
Ring Out, Solstice Bells, Tull moved into their folk-rock phase with
1977's Songs from the Wood. More artistically unified and successful
than their previous two releases, it reflected Anderson's passion for
English folk songs. To celebrate its release, they undertook their first
British tour in nearly three years. In May of that year, longtime
collaborator and orchestrator David Palmer joined as a full-time member,
playing keyboards. 1978's Heavy Horses continued in the folk-rock vein
and was Anderson's most personal work in several years, its title track
expressing his regret over the disappearance of England's huge shire
horses as casualties of modernization. Later in the year, Tull's first
full-length concert album, the double-LP Bursting Out: Jethro Tull Live,
was released to modest success, accompanied by a tour of the United
States and an international television broadcast from Madison Square
Garden. 1979 proved to be both pivotal and tragic for the group. On
November 17, bassist John Glascock died from complications of heart
surgery, barely a month after the release of their 12th album
Stormwatch. Longtime Fairport Convention bassist Dave Pegg stepped in to
fill his shoes, but after the album's tour, there was something of a
mass exodus, with Palmer, Evan, and Barlow all leaving the band.
The
'80s began with Anderson attempting his first solo record. Backed by
Barre, Pegg, and Mark Craney on drums, with multi-instrumentalist Eddie
Jobson on violin, the ensuing album, A, saw release in September, though
at the behest of Chrysalis, it was credited to Jethro Tull rather than
Anderson. The new version of Tull toured in support of the album, which
was more electronic and synth-driven than anything they'd previously
made. Jobson left once the tour was over, and it was with yet another
new lineup -- including Barre, Pegg, Fairport/Fotheringay alumnus Gerry
Conway (drums) and Peter-John Vettesse (keyboards) -- that The
Broadsword and the Beast was recorded in 1982. Although this album had
many songs based on folk melodies, it again relied increasingly on the
use of synthesizers. In 1983, Anderson finally made his first official
solo album, Walk Into Light, which took him more fully into electronic
mode. Following its lackluster performance, Anderson revived Jethro Tull
for 1984's Under Wraps. The album's poor chart performance was partly a
consequence of Anderson's developing a throat infection that forced the
postponement of much of their planned tour. Still battling intermittent
throat issues, Anderson and the group appeared on a German television
special in March of 1985 and participated in a presentation of their
work by the London Symphony Orchestra. To make up for the shortfall of
new releases, Chrysalis released another compilation, Original Masters, a
collection of highlights of the group's work, in late 1985 followed a
year later by the orchestral A Classic Case: The London Symphony
Orchestra Plays the Music of Jethro Tull.
With the 1987 release
of their next album, Crest of a Knave, the band's fortunes began to
shift. It performed surprisingly well on the charts, reaching number 19
in England and number 32 in America with the support of a world tour.
Moreover, Crest of a Knave became something of a watershed in Tull's
later history, though few would have guessed it at the time of its
release. Bearing the sonic hallmarks of the era, the album was a mix of
slickly produced hard and soft rock with plenty of synthesizers and
occasional folk-rock touches. The following year, Tull toured the United
States as part of their 20th anniversary celebration which also
included the release of a career-spanning 65-song box set, 20 Years of
Jethro Tull. In a surprise upset at the 1989 Grammy Awards, Tull beat
out the heavily favored Metallica, winning Best Hard Rock/Metal
Performance for Crest of a Knave. Capitalizing on their revival, they
delivered the similarly styled Rock Island later that year which reached
a healthy number 18 in England while peaking at 56 in America, despite a
six-week U.S. tour to support the album.
Tull kicked off the
next decade with 1991's Catfish Rising, followed a year later by And a
Little Light Music, an acoustic live album that tapped into the
then-prevalent unplugged fad. Despite declining numbers, the band
continued playing to good-sized houses when they toured, and their
catalog as a whole performed extremely well. In 1993, they celebrated
their quarter-century mark with another anthology, the four-disc 25th
Anniversary Box Set, which featured remixed versions of their hits, live
shows from across their history, and a handful of new songs. Meanwhile,
Anderson continued to write and record music apart from the group on
occasion, most notably Divinities: Twelve Dances with God, a classically
oriented solo album on EMI's classical imprint Angel Records. Moving
into a more globally inspired phase, Tull issued Roots to Branches in
1995. Its fusion of rock and jazz with Arabic and Indian influences sat
well with critics and they continued in this mode on 1999's similarly
themed J-Tull.Dot.Com, their 20th studio outing. On the latter album,
Pegg was replaced by incoming bassist Jonathan Noyce and both albums
featured keyboardist Andrew Giddings.
In 2002, a one-off reunion
of the band's original 1968 lineup (Anderson, Abrahams, Cornick, and
Bunker) took place at a pub in England and was filmed for the DVD
release Living with the Past. A year later, the contemporary Tull lineup
(Anderson, Barre, Noyce, Giddings, and Perry) recorded what would be
their final release together, The Jethro Tull Christmas Album. A
collection of holiday songs both old and new, it turned out to be the
group's biggest seller since Crest of a Knave, though it would also be
their last studio album for nearly two decades. Meanwhile, Anderson
continued to play live, both on his own and with the latter-day lineup
who toured the entire Aqualung album in 2004 and released the concert
album Aqualung Live. They also dug into the vaults and released Nothing
Is Easy: Live at the Isle of Wight 1970 as well as the live compilation
The Best of Acoustic Jethro Tull. Finally, in 2011, the long-lasting
partnership of Anderson and Barre was severed and the two went their
separate ways.
Barre put together his own touring group, Martin
Barre's New Day, while Anderson forged ahead as a solo artist, though he
never strayed far from the Tull oeuvre. His first project was an
ambitious 2012 sequel to Thick as a Brick, simply titled Thick as a
Brick 2. It was followed in 2014 by another Thick as a Brick-related
collection of new material, Homo Erraticus. He also toured a new
project, Jethro Tull: The Rock Opera, that involved reworked older songs
along with new material written about the band's namesake,
agriculturist Jethro Tull. In 2018, another milestone anniversary was
honored with the compilation 50 for 50, which celebrated the group's
50th anniversary. Anderson continued to flirt with a possible Tull
reunion, and at the end of 2019, he announced a U.K. tour titled The
Prog Years, which was attributed to Ian Anderson & the Jethro Tull
Band. The plans were subsequently canceled in early 2020 at the start of
the global pandemic lockdowns. During this period, Anderson continued
to record new material, which in 2022 was revealed to be The Zealot
Gene, an album credited to Jethro Tull. Their first album of all-new
material since 1999's J-Tull.Dot.Com, it saw Anderson joined by
guitarist Florian Opahle, bassist David Goodier, keyboardist John
O'Hara, and drummer Scott Hammond. A follow-up album, RökFlöte, arrived
one year later with mostly the same lineup, minus Opahle, who had been
replaced by guitarist Joe Parrish-James. https://www.allmusic.com/artist/jethro-tull-mn0000850692#biography
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Biografía de Timothy Monger Los
gigantes ingleses del rock progresivo Jethro Tull son un fenómeno único
en la historia de la música popular. Su mezcla de rock pesado, melodías
folclóricas dirigidas por flauta, blues, letras surrealistas,
imposiblemente densas y profundidad general desafía el análisis fácil,
sin embargo, en su apogeo de la década de 1970, obtuvieron un gran nivel
de éxito comercial, obteniendo una serie de discos de oro y platino y
asegurando su lugar dentro del canon del rock clásico con lanzamientos
como Aqualung (1971), Thick as a Brick (1972) y A Passion Play (1973).
Incluso cuando los críticos se enfriaron con ellos, Tull siguió siendo
popular en fases posteriores con sus discos de folk-rock de finales de
los 70, la experimentación electrónica de principios de los 80 y,
finalmente, un regreso ganador del Premio Grammy al hard rock con Crest
of a Knave de 1987. Liderado por el enigmático líder Ian Anderson,
cantante, compositor, guitarrista y flautista principal del rock, Tull
llevó su amalgama única con diversos grados de éxito al siglo XXI con un
álbum navideño de 2003 y un aluvión de compilaciones y lanzamientos de
aniversario. Aparte de Anderson, el guitarrista Martin Barre era el
único otro miembro veterano involucrado en la mayoría de las formaciones
de la banda y cuando los dos se separaron en 2011, el grupo hizo una
pausa. Después de revivir una nueva versión de Tull para conmemorar su
50 aniversario en 2018, Anderson llevó a la banda de regreso al estudio
para un par de álbumes de finales del período, The Zealot Gene de 2022 y
RökFlöte de 2023.
Las raíces de Jethro Tull se encuentran en el
boom del blues británico de finales de los 60. La familia de Anderson se
mudó de Edimburgo a Blackpool en 1960, donde conoció al futuro bajista
de su banda Jeffrey Hammond-Hammond (más tarde, simplemente Hammond) y
al tecladista John Evans. Junto con un guitarrista llamado Michael
Stephens, su primera banda se llamó The Blades, llamada así por el club
de James Bond, que tocaba una mezcla de blues jazzístico y música dance
conmovedora en el circuito de clubes del Norte. En 1965, cambiaron su
nombre a John Evan Band (Evan dejó caer la "s" en su nombre por
sugerencia de Hammond) y más tarde a John Evan Smash. A finales de 1967,
Glenn Cornick había reemplazado a Hammond en el bajo y el grupo se mudó
a Luton para estar más cerca del centro de la escena musical de
Londres. La banda comenzó a desmoronarse cuando Anderson y Cornick
conocieron al guitarrista/cantante Mick Abrahams y al baterista Clive
Bunker, quienes previamente habían tocado juntos en Toggery Five y ahora
eran miembros de una banda de blues local llamada McGregor's Engine.
En
diciembre de 1967, los cuatro acordaron formar un nuevo grupo y
comenzaron a tocar dos noches a la semana, probando diferentes nombres,
incluidos Navy Blue y Bag of Blues. Uno de los nombres, Jethro Tull, fue
tomado de un granjero / inventor del siglo XVIII y resultó lo
suficientemente popular como para quedarse. A principios de 1968,
lanzaron un sencillo pop-folk llamado "Sunshine Day", que MGM Records
lanzó bajo el nombre mal impreso de Jethro Toe. Si bien el sencillo no
llegó a ninguna parte, la banda logró obtener una residencia en el
Marquee Club de Londres, donde comenzaron a llamar la atención. En este
punto, Anderson había comenzado a tocar la flauta, un elemento único,
aunque divisivo, entre los puristas del blues. Asimismo, sus payasadas
en el escenario, saltando con un abrigo andrajoso y parándose sobre una
pierna mientras tocaba la flauta , y su uso de fuentes folclóricas, así
como de blues y jazz, diferenciaron a Tull de sus contemporáneos.
También creó una especie de lucha de poder entre Anderson y Abrahams, un
entusiasta del blues hardcore que idolatraba al padrino del blues
británico Alexis Korner. En junio de 1968, Jethro Tull abrió para Pink
Floyd en el primer festival de rock gratuito en Hyde Park de Londres, y
en agosto fueron el éxito del Festival de Jazz y Blues de Sunbury en
Sunbury-on-Thames. En un mes, la banda había firmado con Island Records,
que lanzó su álbum debut, This Was, en noviembre. Para entonces,
Anderson era el miembro dominante del grupo en el escenario, y a fines
de mes Abrahams se fue para formar una nueva banda, Blodwyn Pig. Tull
pasó por dos reemplazos reclutados apresuradamente y rechazados, el
futuro guitarrista de Black Sabbath Tony Iommi (que estuvo en Tull
durante una semana, el tiempo suficiente para aparecer en el espectáculo
de circo Rock ' N Roll de los Rolling Stones) y Davy O'List, ex
guitarrista de the Nice. Finalmente, Martin Barre, un ex estudiante de
arquitectura, se convirtió en el nuevo guitarrista de la banda.
En
mayo de 1969, después de giras con Jimi Hendrix y Led Zeppelin, Tull
obtuvo un éxito número tres en el Reino Unido con "Living in the
Past."El sencillo sirvió como la primera grabación de Barre con el grupo
y posteriormente hicieron su debut en Top of the Pops. Lanzado en julio
de ese año, su segundo álbum, Stand Up, encabezó las listas del Reino
Unido y llegó al número 20 en los EE.UU., lanzando efectivamente su
carrera comercial. Con todo su material (excepto "Bourée", que fue
compuesto por Johann Sebastian Bach) escrito por Anderson, marcó un
alejamiento de los orígenes del blues de Tull, adoptando un enfoque más
ecléctico que también incluyó orquestaciones del futuro miembro David
Palmer. Mientras tanto, "Sweet Dream", publicado en noviembre, subió al
número siete en Inglaterra, y fue el primer lanzamiento del grupo en
Chrysalis, el nuevo sello formado por los gerentes de la banda Chris
Wright y Terry Ellis. Su siguiente sencillo," The Witch's Promise",
alcanzó el número cuatro en Inglaterra en enero de 1970. Lanzado unos
meses después, el tercer álbum de Tull, Benefit, marcó su última mirada
retrospectiva al blues y fue el primero en presentar a John Evan, amigo
de Anderson desde hace mucho tiempo y excompañero de banda, al piano y
al órgano. Benefit alcanzó el puesto número tres en Inglaterra y
ascendió al número 11 en los EE.UU. Canciones como "Teacher" y "Sossity;
You're a Woman" formaron una parte clave del repertorio escénico de
Tull a medida que pasaban a ser un gran atractivo de gira a ambos lados
del Atlántico.
A finales de 1970, Cornick dejó el grupo y fue
reemplazado en el bajo por otro de los excompañeros de Anderson, Jeffrey
Hammond-Hammond. A principios del año siguiente, comenzaron a trabajar
en lo que resultaría ser, para muchos fanáticos, su obra maestra,
Aqualung. La escritura de Anderson se había estado moviendo en una
dirección más seria desde el segundo álbum del grupo, pero fue con
Aqualung que encontró la voz lírica que había estado buscando. Lanzado
en marzo de 1971 y dividido en dos mitades (subtitulado Aqualung y My
God), introdujo el elemento progresivo, junto con pasajes abrasadores de
hard rock e influencias acústicas folclóricas, que definirían gran
parte de la producción de Tull a principios de los 70. Sus aspectos más
destacados incluyeron el corte del título de conducción dura y
"Locomotive Breath" junto con el folky "Mother Goose."Las opiniones del
álbum sobre la religión organizada y los temas de alienación tocaron la
fibra sensible de los oyentes en el Reino Unido y en los EE. UU., donde
se convirtió en el primero en lograr la certificación de oro.
No
mucho después de su lanzamiento, Bunker fue reemplazado en la batería
por otro de los asociados anteriores a Anderson, Barriemore Barlow,
quien hizo su debut en Thick as a Brick de 1972. Irritado por los
críticos que insistieron en llamar a Aqualung un álbum conceptual( no lo
era), Anderson respondió con Thick as a Brick, una parodia del álbum
conceptual que consistía en una sola pista de 43 minutos. Cargado de
imágenes surrealistas, humor inspirado en Monty Python y comentarios
sociales, encabezó las listas de éxitos en los EE. UU., Canadá y
Australia, mientras que alcanzó el número cinco en el Reino Unido. Con
la mayor fama de Tull llegó una creciente demanda de su trabajo y
Chrysalis respondió con Living in the Past, una antología de doble álbum
extraída de sus diversos sencillos, EPs, primeros álbumes y un
espectáculo en el Carnegie Hall. Se intentó un proyecto de doble álbum
de nuevo material en Château d'Hérouville, un estudio francés entonces
popular entre los Rolling Stones y Elton John, pero pronto abandonaron
las sesiones y grabaron su siguiente LP, A Passion Play de 1973, en
Inglaterra. Como Thick as a Brick, fue concebido como un álbum
conceptual de una sola pista impregnado de fantasía e imágenes
religiosas, e incluía una historia de palabra hablada narrada por
Hammond llamada "La Liebre Que perdió Sus Anteojos"."A pesar de la
reacción crítica por sus oscuras referencias líricas y su excesiva
duración, el álbum volvió a alcanzar el número uno en Estados Unidos
(obteniendo un sencillo número ocho editado de la pieza extendida) y el
número 13 en Inglaterra. Cuando comenzó la gira estadounidense con
entradas agotadas de Jethro Tull, las críticas negativas aumentaron y
los críticos criticaron a la banda por sus largos (dos horas y media) y
exagerados espectáculos teatrales, hasta el punto de que Anderson,
frustrado, pronto se alejó por completo de la prensa. La falta de prensa
positiva hizo poco para disuadir a los fanáticos de apoyar su séptimo
álbum, War Child, que alcanzó el número dos en los EE.UU. y fue platino.
Concebido como parte de un proyecto cinematográfico que nunca se
materializó, War Child fue lanzado en noviembre de 1974 y marcó el
regreso del grupo a las canciones de duración convencional, y generó un
éxito en las listas de éxitos en "Bungle in the Jungle."Ese mismo año,
Anderson produjo Now We Are Six, el sexto álbum del grupo de folk-rock
del Reino Unido y sus compañeros de sello Chrysalis Steeleye Span. La
escena folk-rock inglesa resultaría ser una influencia en su propia
escritura, especialmente en los últimos años de la década. El siguiente
álbum de Tull, Minstrel in the Gallery de 1975, tomó señales de la
juglaría isabelina, combinando rock y folk inglés de una manera
ecléctica que se remontaba a Aqualung. En este punto, el éxito
estadounidense de la banda aún superaba su popularidad en casa, aunque
tenían una tendencia a la baja en ambas listas.
La
formación de Jethro Tull había sido notablemente estable desde la
salida posterior a Aqualung de Clive Bunker, manteniéndose constante en
cuatro álbumes en otros tantos años. Sin embargo, en enero de 1976,
Hammond dejó la banda para seguir una carrera artística. Su reemplazo,
John Glascock, se unió a tiempo para la grabación de Too Old to Rock ' n
Roll, Too Young to Die de 1976, un álbum compuesto en parte por
canciones de una obra de teatro no producida propuesta por Anderson y
Palmer. Más tarde, el grupo hizo un especial de ITV basado en las
canciones del álbum, y la canción principal contó con la voz invitada de
la líder de Steeleye Span, Maddy Prior. Después de lograr un éxito
moderado a fines de 1976 con el EP navideño Ring Out, Solstice Bells,
Tull pasó a su fase de folk-rock con Songs from the Wood de 1977. Más
artísticamente unificado y exitoso que sus dos lanzamientos anteriores,
reflejó la pasión de Anderson por las canciones folclóricas inglesas.
Para celebrar su lanzamiento, realizaron su primera gira británica en
casi tres años. En mayo de ese año, el colaborador y orquestador David
Palmer se unió como miembro de tiempo completo, tocando los teclados.
Heavy Horses de 1978 continuó en la vena folk-rock y fue el trabajo más
personal de Anderson en varios años, su canción principal expresaba su
pesar por la desaparición de los enormes caballos shire de Inglaterra
como víctimas de la modernización. Más tarde ese año, el primer álbum de
conciertos de larga duración de Tull, el doble LP Bursting Out: Jethro
Tull Live, fue lanzado con un éxito modesto, acompañado de una gira por
los Estados Unidos y una transmisión televisiva internacional desde el
Madison Square Garden. 1979 resultó ser crucial y trágico para el grupo.
El 17 de noviembre, el bajista John Glascock murió por complicaciones
de una cirugía cardíaca, apenas un mes después del lanzamiento de su
duodécimo álbum Stormwatch. Dave Pegg, bajista de Fairport Convention
desde hace mucho tiempo, intervino para ocupar su lugar, pero después de
la gira del álbum, hubo una especie de éxodo masivo, con Palmer, Evan y
Barlow dejando la banda.
Los años 80 comenzaron con Anderson
intentando su primer disco en solitario. Respaldado por Barre, Pegg y
Mark Craney a la batería, con el multiinstrumentista Eddie Jobson al
violín, el álbum subsiguiente, A, se lanzó en septiembre, aunque a
instancias de Chrysalis, se le atribuyó a Jethro Tull en lugar de a
Anderson. La nueva versión de Tull realizó una gira en apoyo del álbum,
que era más electrónico y basado en sintetizadores que cualquier cosa
que hubieran hecho anteriormente. Jobson se fue una vez que terminó la
gira, y fue con otra nueva formación, incluidos Barre, Pegg, el alumno
de Fairport/Fotheringay Gerry Conway (batería) y Peter-John Vettesse
(teclados), que The Broadsword and the Beast se grabó en 1982. Aunque
este álbum tenía muchas canciones basadas en melodías folclóricas,
nuevamente se basó cada vez más en el uso de sintetizadores. En 1983,
Anderson finalmente hizo su primer álbum oficial en solitario, Walk Into
Light, que lo llevó más al modo electrónico. Tras su mediocre
actuación, Anderson revivió a Jethro Tull para Under Wraps de 1984. El
pobre desempeño en las listas de éxitos del álbum fue en parte
consecuencia de que Anderson desarrolló una infección de garganta que
obligó a posponer gran parte de su gira planificada. Aún luchando contra
problemas intermitentes de garganta, Anderson y el grupo aparecieron en
un especial de televisión alemán en marzo de 1985 y participaron en una
presentación de su trabajo por parte de la Orquesta Sinfónica de
Londres. Para compensar el déficit de nuevos lanzamientos, Chrysalis
lanzó otra compilación, Original Masters, una colección de lo más
destacado del trabajo del grupo, a fines de 1985 seguida un año después
por la orquestal A Classic Case: La Orquesta Sinfónica de Londres toca
la música de Jethro Tull.
Con el lanzamiento en 1987 de su
próximo álbum, Crest of a Knave, la suerte de la banda comenzó a
cambiar. Tuvo un desempeño sorprendentemente bueno en las listas de
éxitos, alcanzando el número 19 en Inglaterra y el número 32 en Estados
Unidos con el apoyo de una gira mundial. Además, Crest of a Knave se
convirtió en un hito en la historia posterior de Tull, aunque pocos lo
habrían adivinado en el momento de su lanzamiento. Con las
características sonoras de la época, el álbum fue una mezcla de rock
duro y blando hábilmente producido con muchos sintetizadores y toques
ocasionales de folk-rock. Al año siguiente, Tull realizó una gira por
los Estados Unidos como parte de la celebración de su vigésimo
aniversario, que también incluyó el lanzamiento de un box set de 65
canciones que abarcó su carrera, 20 Years of Jethro Tull. En una
sorpresa sorpresa en los Premios Grammy de 1989, Tull venció a
Metallica, ganando la mejor Interpretación de Hard Rock/Metal por Crest
of a Knave. Aprovechando su renacimiento, entregaron Rock Island, de
estilo similar, más tarde ese año, que alcanzó un saludable número 18 en
Inglaterra, mientras que alcanzó el puesto 56 en Estados Unidos, a
pesar de una gira de seis semanas por Estados Unidos para promocionar el
álbum.
Tull inició la próxima década con Catfish Rising de 1991,
seguido un año después por And a Little Light Music, un álbum acústico
en vivo que aprovechó la moda desenchufada entonces predominante. A
pesar de la disminución de números, la banda continuó tocando en casas
de buen tamaño cuando salieron de gira, y su catálogo en su conjunto
funcionó extremadamente bien. En 1993, celebraron su marca de un cuarto
de siglo con otra antología, la Caja Recopilatoria del 25 Aniversario de
cuatro discos, que incluía versiones remezcladas de sus éxitos, shows
en vivo de toda su historia y un puñado de canciones nuevas. Mientras
tanto, Anderson continuó escribiendo y grabando música aparte del grupo
en ocasiones, sobre todo Divinities: Twelve Dances with God, un álbum en
solitario de orientación clásica en el sello clásico Angel Records de
EMI. Pasando a una fase de inspiración más global, Tull emitió Roots to
Branches en 1995. Su fusión de rock y jazz con influencias árabes e
indias sentó bien a los críticos y continuaron de esta manera en 1999
con un tema similar J-Tull.Dot.Com, su vigésima salida de estudio. En
este último álbum, Pegg fue reemplazado por el bajista entrante Jonathan
Noyce y ambos álbumes contaron con el tecladista Andrew Giddings.
En
2002, se llevó a cabo una reunión única de la formación original de la
banda en 1968 (Anderson, Abrahams, Cornick y Bunker) en un pub de
Inglaterra y se filmó para el lanzamiento del DVD Living with the Past.
Un año después, la formación contemporánea de Tull (Anderson, Barre,
Noyce, Giddings y Perry) grabó lo que sería su último lanzamiento
juntos, el Álbum Navideño de Jethro Tull. Una colección de canciones
navideñas tanto antiguas como nuevas, resultó ser el mayor vendedor del
grupo desde Crest of a Knave, aunque también sería su último álbum de
estudio en casi dos décadas. Mientras tanto, Anderson continuó tocando
en vivo, tanto por su cuenta como con la formación de los últimos días
que realizó una gira por todo el álbum Aqualung en 2004 y lanzó el álbum
de conciertos Aqualung Live. También cavaron en las bóvedas y lanzaron
Nothing Is Easy: Live at the Isle of Wight 1970, así como la compilación
en vivo The Best of Acoustic Jethro Tull. Finalmente, en 2011, la
asociación duradera de Anderson y Barre se rompió y los dos tomaron
caminos separados.
Barre formó su propio grupo de gira, Martin
Barre's New Day, mientras que Anderson siguió adelante como solista,
aunque nunca se alejó mucho de la obra de Tull. Su primer proyecto fue
una ambiciosa secuela de Thick as a Brick de 2012, titulada simplemente
Thick as a Brick 2. Le siguió en 2014 otra colección de material nuevo
relacionado con Thick as a Brick, Homo Erraticus. También realizó una
gira por un nuevo proyecto, Jethro Tull: The Rock Opera, que incluía
canciones antiguas reelaboradas junto con nuevo material escrito sobre
el homónimo de la banda, el agricultor Jethro Tull. En 2018, se honró
otro aniversario histórico con la compilación 50 for 50, que celebró el
50 aniversario del grupo. Anderson continuó coqueteando con una posible
reunión de Tull y, a fines de 2019, anunció una gira por el Reino Unido
titulada The Prog Years, que se atribuyó a Ian Anderson & the Jethro
Tull Band. Posteriormente, los planes se cancelaron a principios de
2020 al comienzo de los cierres pandémicos globales. Durante este
período, Anderson continuó grabando nuevo material, que en 2022 se
reveló como The Zealot Gene, un álbum acreditado a Jethro Tull. Su
primer álbum de material completamente nuevo desde 1999 J-Tull.Dot.Com,
vio a Anderson acompañado por el guitarrista Florian Opahle, el bajista
David Goodier, el tecladista John O'Hara y el baterista Scott Hammond.
Un álbum de seguimiento, RökFlöte, llegó un año después con casi la
misma formación, menos Opahle, quien había sido reemplazado por el
guitarrista Joe Parrish-James.
Review by Ken Dryden During his long career, pianist Monty Alexander excelled in trio settings, and he's primarily heard in this collection of live performances at various venues with two different groups, with these recordings all coming from his personal archives. Kicking off with an inspired, upbeat "Come Fly with Me" (forever associated with vocalist Frank Sinatra), Alexander seems in a jovial mood throughout most of the CD. He has a lot of fun with "Sweet Georgia Brown," opening with a bit of stride before shifting into a wild ride incorporating some Thelonious Monk-like dissonance, but in the typical uptempo setting favored by Oscar Peterson. His interpretation of John Lewis' "Django" retains its standard dramatic introduction; then he subtly swings it with a brief detour into "Softly, As in a Morning Sunrise," adding a bluesy air to it. At times, he inserts licks from a number of different songs à la Art Tatum or Dorothy Donegan, especially in the unusually hilarious setting of "Body and Soul." The closing medley begins with Alexander's sentimental ballad "Home," then segues into a lively, calypso-flavored performance of Blue Mitchell's "Fungii Mama." Alexander's Uplift is well-named, as these live recordings represent some of his best work from his half-century as a professional jazz pianist. https://www.allmusic.com/album/uplift-mw0002099457
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Reseña de Ken Dryden Durante su larga carrera, el pianista Monty Alexander se destacó en escenarios de trío, y se le escucha principalmente en esta colección de presentaciones en vivo en varios lugares con dos grupos diferentes, y todas estas grabaciones provienen de sus archivos personales. Comenzando con un inspirado y optimista "Come Fly with Me" (asociado para siempre con el vocalista Frank Sinatra), Alexander parece estar de humor jovial durante la mayor parte del CD. Se divierte mucho con "Sweet Georgia Brown", abriendo con un poco de zancada antes de pasar a un viaje salvaje que incorpora una disonancia Thelonious Monk, pero en el típico escenario uptempo favorecido por Oscar Peterson. Su interpretación de "Django" de John Lewis conserva su introducción dramática estándar; luego la cambia sutilmente con un breve desvío a" Suavemente, como en un Amanecer Matutino", agregándole un aire blues. A veces, inserta lame de varias canciones diferentes al estilo de Art Tatum o Dorothy Donegan, especialmente en el escenario inusualmente hilarante de " Body and Soul."El popurrí de cierre comienza con la balada sentimental de Alexander "Home", luego pasa a una actuación animada con sabor a calipso de "Fungii Mama" de Blue Mitchell."La elevación de Alexander tiene un buen nombre, ya que estas grabaciones en vivo representan algunos de sus mejores trabajos de su medio siglo como pianista profesional de jazz. https://www.allmusic.com/album/uplift-mw0002099457
One of the all-time giants of the Hammond B-3, Jimmy McGriff sometimes gets lost amid all the great soul-jazz organists from his hometown of Philadelphia. He was almost certainly the bluesiest of the major soul-jazz pioneers, and indeed, he often insisted that he was more of a blues musician than a jazz artist; nonetheless, he remained eclectic enough to blur the lines of classification. His sound -- deep, down-to-earth grooves drenched in blues and gospel feeling -- made him quite popular with R&B audiences, even more so than some of his peers; what was more, he was able to condense those charms into concise, funky, jukebox-ready singles that often did surprisingly well on the R&B charts. His rearrangement of Ray Charles' "I Got a Woman" was a Top Five R&B hit in 1962, and further hits like "All About My Girl," "Kiko," and "The Worm" followed over the course of the '60s. McGriff spent much of the '70s trying to keep pace with the fusion movement, switching to various electric keyboards and adopting an increasingly smooth, polished style. As the '80s dawned, McGriff gave up trying to sound contemporary and returned to his classic organ-trio sound; as luck would have it, vintage soul-jazz soon came back into vogue with a devoted cult of fans and critics, and McGriff was able to recover his creative vitality and take his place as one of the genre's elder statesmen.
James Harrell McGriff, Jr. was born April 3, 1936, in Philadelphia. His mother and father both played the piano, and he counted saxophonist Benny Golson and soul singer Harold Melvin among his cousins. First getting involved in music through his family's church, he received his first instrument, a drum set, at age eight; by his teen years, he had taken up acoustic bass and alto sax, and also learned vibes, piano, and drums by the time he finished high school. Bass remained his primary instrument for a while, although he was inspired to try his hand at the Hammond organ after seeing Richard "Groove" Holmes at a club in Camden, NJ. However, McGriff was drafted into the military after high school, and served in the Korean War as a military policeman. Upon returning to the United States, he decided to make law enforcement a career, and after completing the necessary training, he worked on the Philadelphia police force for two and a half years. Still, he never lost interest in music, and around 1955 he augmented his day job by working as a bass player behind vocalists like Carmen McRae and, most frequently, Big Maybelle, who had a regular gig at the local Pep's Showboat club.
With the Hammond organ rising in popularity around Philadelphia, jobs for bass players were scarce, and McGriff contacted Groove Holmes about learning the organ, this time in earnest. He bought his own Hammond B-3 in 1956, and spent the next six months practicing as hard as he could, either at Holmes' house or at Archie Shepp's house (where he stored the instrument). Skipping more and more work time to play gigs, he finally quit the police force, and enrolled at the local Combe College to study music. He later moved on to the prestigious Juilliard School of Music in New York, and also studied privately with Milt Buckner, Jimmy Smith, and Sonny Gatewood. McGriff's first recording was the single "Foxy Due," cut for the small White Marsh label in 1958; it featured a young saxophonist named Charles Earland, who subsequently learned the organ from McGriff and, like his mentor, went on to become one of the instrument's quintessential performers.
McGriff was performing in a small club in Trenton, NJ in 1962 when a talent scout from the small Jell label heard him and offered him a chance to record. McGriff's instrumental soul-jazz rearrangement of Ray Charles' classic "I've Got a Woman" was released as a single, and sold well enough for Juggy Murray's New York-based Sue label to pick it up for wider release. With better distribution and promotion behind it, "I've Got a Woman" hit the national charts and became a bona fide hit, climbing into the Top Five on the R&B charts and the Top 20 over on the pop side. Sue issued McGriff's debut album, naturally also titled I've Got a Woman, in 1963; it too was a hit, nearly making the pop Top 20, and it spun off two more charting singles in the McGriff originals "All About My Girl" (number 12 R&B, Top 50 pop) and "M.G. Blues." Sue released several more McGriff albums over the next two years, including the live At the Apollo, Jimmy McGriff at the Organ (which produced the chart single "Kiko"), the holiday hit Christmas With McGriff (actually his highest-charting album at number 15 pop), the charting Topkapi (a collection of soundtrack themes with orchestral backing), and another chart hit, Blues for Mister Jimmy, which proved to be his last on Sue.
In 1966, McGriff moved over to the Solid State label, where he hooked up with producer Sonny Lester, who would helm most of his records through the '70s. He debuted with Jimmy McGriff and the Big Band, which found him fronting an all-star swing orchestra featuring many Count Basie alumni (it was later reissued as A Tribute to Count Basie). McGriff recorded prolifically for Solid State over the remainder of the decade, including albums like A Bag Full of Soul (1966), A Bag Full of Blues (1967), and I've Got a New Woman (1968; mostly a look back at his Sue material). Most notably, though, McGriff scored another hit single with "The Worm," which made the R&B Top 30 and sent the LP of the same name rocketing into the R&B Top Ten in early 1969. In addition to his Solid State recordings, McGriff cut several albums for Blue Note over 1969-1971, most notably Electric Funk, an early foray into jazz-funk fusion that teamed him with arranger/electric pianist Horace Ott; a similar outing that featured pop/rock and R&B covers, Soul Sugar, was released on Capitol during the same period. Additionally, McGriff toured as part of Buddy Rich's band during the late '60s, and again from 1971-1972.
McGriff made Groove Merchant his primary label in 1971, and although he briefly quit the business in 1972 to start a horse farm in Connecticut, the lure of music proved too powerful to overcome. Early in the decade, he alternated between funky electric outings (usually with covers of contemporary rock and R&B hits) and more traditional, small-group organ-jazz settings. Notable albums included 1973's Giants of the Organ Come Together, a summit with mentor and longtime friend Groove Holmes; a duo album with bluesman Junior Parker; 1976's Mean Machine, a slicker jazz-funk LP that returned him to the R&B album chart's Top 50; and the 1977 follow-up Red Beans, which also sold respectably.
After 1977's Tailgunner (on LRC), McGriff's recorded output tailed off over the next few years. He resurfaced on the Milestone label in 1983, debuting with Countdown, a return to his classic, bluesy soul-jazz style that started to bring him back into the jazz spotlight. A series of strong albums followed during the '80s, including 1984's Skywalk, 1985's State of the Art, 1986's acclaimed The Starting Five, and 1988's Blue to the 'Bone (a near-Top Ten hit on the jazz LP charts); he also recorded a one-off session for Headfirst in 1990, You Ought to Think About Me, that made the jazz Top Ten. Additionally, McGriff co-led a group with saxophonist Hank Crawford during the late '80s, which released several albums, including 1990's popular On the Blue Side (number three on the jazz charts). He also returned to his roots in the church by playing on gospel singer Tramaine Hawkins' 1990 live album. McGriff and Crawford moved over to Telarc for a pair of albums over 1994-1995, Right Turn on Blue and Blues Groove. As soul-jazz returned to cult popularity in both America and the U.K., McGriff found himself playing higher-profile gigs and venues on both sides of the Atlantic. He returned to Milestone and resumed his solo career in 1996 with The Dream Team, which featured saxman David "Fathead" Newman and drummer Bernard "Pretty" Purdie, both of whom would become familiar faces on McGriff recordings in the years to come. Follow-ups included solid records like 1998's Straight Up, 2000's McGriff's House Party, 2001's Feelin' It, and 2002's McGriff Avenue, which looked back on some of his '60s hits.
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Biografía del artista por Steve Huey
Jimmy McGriff, uno de los gigantes de todos los tiempos del Hammond B-3, a veces se pierde entre todos los grandes organistas de soul-jazz de su ciudad natal, Filadelfia. Es casi seguro que fue el más blues de los principales pioneros del soul-jazz, y de hecho, a menudo insistió en que era más un músico de blues que un artista de jazz; sin embargo, se mantuvo lo suficientemente ecléctico como para desdibujar las líneas de clasificación. Su sonido, profundos y profundos ritmos empapados en el blues y el sentimiento del evangelio, lo hizo bastante popular entre el público de R&B, incluso más que algunos de sus compañeros; más aún, fue capaz de condensar esos encantos en singles concisos, modernos y listos para usar en la máquina de discos que, a menudo, resultaron sorprendentemente bien en las listas de R&B. Su reordenación de "I Got a Woman" de Ray Charles fue un éxito de R&B Top Five en 1962, y otros éxitos como "All About My Girl", "Kiko" y "The Worm" siguieron a lo largo de los años 60. McGriff pasó gran parte de los años 70 tratando de seguir el ritmo del movimiento de fusión, cambiando a varios teclados eléctricos y adoptando un estilo cada vez más suave y pulido. Cuando comenzó la década de los 80, McGriff dejó de intentar sonar contemporáneo y volvió a su clásico sonido de órgano-trío; como la suerte lo tendría, el soul-jazz vintage pronto volvió a estar de moda con un culto devoto de fanáticos y críticos, y McGriff pudo recuperar su vitalidad creativa y ocupar su lugar como uno de los estadistas más antiguos del género.
James Harrell McGriff, Jr. nació el 3 de abril de 1936 en Filadelfia. Su madre y su padre tocaron el piano, y él contó entre sus primos al saxofonista Benny Golson y al cantante de soul Harold Melvin. Primero se involucró en la música a través de la iglesia de su familia, recibió su primer instrumento, una batería, a los ocho años; en su adolescencia, había tomado bajo acústico y saxo alto, y también aprendió vibraciones, piano y batería cuando terminó la escuela secundaria. Bass siguió siendo su instrumento principal durante un tiempo, aunque se inspiró para probar el órgano de Hammond después de ver a Richard "Groove" Holmes en un club en Camden, Nueva Jersey. Sin embargo, McGriff fue reclutado en el ejército después de la escuela secundaria, y sirvió en la Guerra de Corea como policía militar. Al regresar a los Estados Unidos, decidió hacer de la policía una carrera, y después de completar la capacitación necesaria, trabajó en la policía de Filadelfia durante dos años y medio. Aún así, nunca perdió el interés por la música, y alrededor de 1955 aumentó su trabajo diario trabajando como bajista detrás de vocalistas como Carmen McRae y, con mayor frecuencia, Big Maybelle, que tenía un concierto habitual en el club local de Pep's Showboat.
Debido a que el órgano Hammond creció en popularidad en Filadelfia, los trabajos para los bajistas eran escasos, y McGriff contactó a Groove Holmes para que aprendiera el órgano, esta vez en serio. Compró su propio Hammond B-3 en 1956 y pasó los siguientes seis meses practicando todo lo que pudo, ya sea en la casa de Holmes o en la casa de Archie Shepp (donde guardó el instrumento). Al saltarse cada vez más tiempo de trabajo para tocar en conciertos, finalmente abandonó la policía y se inscribió en el Combe College local para estudiar música. Más tarde se trasladó a la prestigiosa Juilliard School of Music en Nueva York, y también estudió en privado con Milt Buckner, Jimmy Smith y Sonny Gatewood. La primera grabación de McGriff fue el single "Foxy Due", cortado para el pequeño sello White Marsh en 1958; contó con un joven saxofonista llamado Charles Earland, quien posteriormente aprendió el órgano de McGriff y, como su mentor, se convirtió en uno de los intérpretes por excelencia del instrumento.
McGriff se estaba presentando en un pequeño club en Trenton, NJ, en 1962, cuando un cazatalentos de talento del pequeño sello Jell lo escuchó y le ofreció la oportunidad de grabar. La reorganización instrumental de soul-jazz de McGriff del clásico de Ray Charles "I've Got a Woman" se lanzó como single y se vendió lo suficientemente bien para que el sello Sue de Juggy Murray, con sede en Nueva York, lo compre para un lanzamiento más amplio. Con una mejor distribución y promoción a sus espaldas, "Tengo una mujer" llegó a las listas nacionales y se convirtió en un éxito de buena fe, subiendo al Top Five en las listas de R&B y al Top 20 en el lado pop. Sue lanzó el álbum de debut de McGriff, naturalmente también titulado I've Got a Woman, en 1963; también fue un éxito, casi se convirtió en el Top 20 del pop, y escindió dos singles más en las listas de los originales de McGriff "All About My Girl" (número 12 de R&B, Top 50 pop) y "M.G. Blues". Sue lanzado varios álbumes más McGriff en los próximos dos años, incluyendo el vivo en el Apollo, Jimmy McGriff en el órgano (que produjo el único gráfico "Kiko"), golpeó las vacaciones de Navidad con McGriff (en realidad su álbum de más alto alcanzando el número 15 pop), la cartografía de Topkapi (una colección de temas banda sonora con respaldo orquestal), y otro golpe carta, blues de Mister Jimmy, que resultó ser su última en Sue.
En 1966, McGriff se trasladó al sello Solid State, donde se unió al productor Sonny Lester, quien dirigiría la mayoría de sus discos a través de los años 70. Debutó con Jimmy McGriff y la Big Band, que lo encontró al frente de una orquesta de swing de estrellas con muchos ex alumnos de Count Basie (que luego fue reeditado como A Tribute to Count Basie). McGriff grabó de forma prolífica para Solid State durante el resto de la década, incluidos álbumes como A Bag Full of Soul (1966), A Bag Full of Blues (1967) y I've Got a New Woman (1968; en su mayoría, una mirada retrospectiva a su material de Sue). Sin embargo, lo más notable es que McGriff anotó otro sencillo de éxito con "The Worm", que se convirtió en el Top 30 de R&B y envió el LP del mismo nombre a la Top Ten de R&B a principios de 1969. Además de sus grabaciones de Solid State, McGriff cortó varios álbumes para Blue Note durante 1969-1971, en particular Electric Funk, una incursión temprana en la fusión jazz-funk que lo unió al arreglador / pianista eléctrico Horace Ott; una salida similar que incluyó versiones de pop / rock y R&B, Soul Sugar, fue lanzada en Capitol durante el mismo período. Además, McGriff realizó una gira como parte de la banda de Buddy Rich durante los últimos años de la década de los 60, y nuevamente entre 1971 y 1972.
McGriff convirtió a Groove Merchant en su sello principal en 1971, y aunque dejó el negocio brevemente en 1972 para iniciar una granja de caballos en Connecticut, el atractivo de la música demostró ser demasiado poderoso para vencerlo. A principios de la década, alternó entre salidas eléctricas funky (usualmente con covers de éxitos de rock contemporáneo y R&B) y configuraciones más tradicionales de órgano-jazz de grupos pequeños. Entre los álbumes notables se incluyen los Giants of the Organ Come Together de 1973, una cumbre con el mentor y amigo Groove Holmes; un dúo álbum con el bluesman Junior Parker; Mean Machine de 1976, un LP de jazz-funk que lo devolvió al Top 50 de la lista de álbumes de R&B; y los frijoles rojos de seguimiento de 1977, que también se vendieron de manera respetable.
Después de Tailgunner (en LRC) de 1977, la producción grabada de McGriff se redujo en los próximos años. Reapareció en el sello Milestone en 1983, debutando con Countdown, un regreso a su clásico estilo bluesy de soul-jazz que comenzó a traerlo de nuevo al foco del jazz. Siguieron una serie de álbumes fuertes durante los años 80, incluyendo Skywalk de 1984, State of the Art de 1985, The Starting Five de 1986 y Blue to the 'Bone de 1988 (un éxito cercano al Top Ten en las listas de éxitos de jazz); También grabó una sesión única para Headfirst en 1990, Debes pensar en mí, que se convirtió en el Top Ten de jazz. Además, McGriff co-dirigió un grupo con el saxofonista Hank Crawford a finales de los 80, que lanzó varios álbumes, incluido el popular de 1990 On the Blue Side (número tres en las listas de jazz). También volvió a sus raíces en la iglesia tocando en el álbum en vivo de 1990 de la cantante de gospel Tramaine Hawkins. McGriff y Crawford se mudaron a Telarc para un par de álbumes de 1994-1995, Right Turn on Blue y Blues Groove. Cuando el soul-jazz volvió a su popularidad de culto tanto en Estados Unidos como en Estados Unidos, McGriff se encontró tocando conciertos y lugares de alto perfil en ambos lados del Atlántico. Regresó a Milestone y reanudó su carrera en solitario en 1996 con The Dream Team, que contó con el saxo David "Fathead" Newman y el baterista Bernard "Pretty" Purdie, quienes se convertirían en rostros familiares en las grabaciones de McGriff en los próximos años. Los seguimientos incluyeron registros sólidos como Straight Up de 1998, McGriff's House Party de 2000, Feelin 'It de 2001 y McGriff Avenue de 2002, que recordó algunos de sus éxitos de los '60.
