Benny Carter-Dizzy Gillespie • Benny Carter-Dizzy Gillespie Inc

 

 

Sonny Terry & Brownie McGhee • Down Home Blues

 

Review by Bruce Eder
Sonny Terry and Brownie McGhee hadn't been working together too long when they cut Down Home Blues, which was also only the second album ever released by Prestige Records on their new Bluesville imprint (the first, for the record, was Al Smith's Hear My Blues). The exact dates of the session are in dispute -- some claim December 1959; others August 1960 -- but the music itself stands outside of time. McGhee's strumming and singing have enough polish to pass as a commercial recording, but at its best, it's still sufficiently unaffected so as to be regarded as authentic country-blues. It's Terry's harp, however, that really pulls this body of music back to its roots: his playing and howling on "Fox Hunt" represent music-making rooted in a world far removed from late-'50s commercial music (and aimed mostly at white listeners), fortunately captured and transplanted here to startling effect. And when Terry steps forward on vocals he can even give an old chestnut like "Back to New Orleans" (subsequently covered by white artists from Van Morrison and Them on down) into something fresh in its raw simplicity; and on "Baby How Long," his harp engages in some killer pyrotechnics that dominate the song. Their vocal duets are just as appealing, but in a different way. "Stranger Here," for example, comes off almost like a pop-blues effort in its affectation. But the dominant elements of this album are the charm and honesty that Terry and McGhee offer, whatever their particular style on a specific song; they had portions of both to spare by the bucketload, which accounts for the 15 years that they held audiences in their spell. And the stereo sound, rather than being an artificial distraction -- as it often was on early acoustic blues recordings -- is a benefit here, the separation giving each player/singer a spotlight of his own.
https://www.allmusic.com/album/down-home-blues-mw0000889267

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Reseña de Bruce Eder
Sonny Terry y Brownie McGhee no llevaban mucho tiempo trabajando juntos cuando grabaron Down Home Blues, que fue también el segundo álbum publicado por Prestige Records en su nuevo sello Bluesville (el primero, que conste, fue Hear My Blues de Al Smith). Las fechas exactas de la sesión son objeto de disputa -algunos afirman que fue en diciembre de 1959; otros, en agosto de 1960-, pero la música en sí misma se mantiene al margen del tiempo. Los rasgueos y la forma de cantar de McGhee tienen el suficiente pulido como para pasar por una grabación comercial, pero en su mejor momento, sigue siendo lo suficientemente inofensivo como para ser considerado un auténtico country-blues. Sin embargo, es el arpa de Terry la que realmente devuelve a este conjunto de música a sus raíces: su forma de tocar y aullar en "Fox Hunt" representa la creación de música arraigada en un mundo muy alejado de la música comercial de finales de los 50 (y dirigida principalmente a los oyentes blancos), afortunadamente capturada y trasplantada aquí con un efecto sorprendente. Y cuando Terry da un paso adelante en la voz, puede incluso convertir una vieja castaña como "Back to New Orleans" (posteriormente versionada por artistas blancos desde Van Morrison y Them) en algo fresco en su cruda simplicidad; y en "Baby How Long", su armónica participa en algunas pirotecnias asesinas que dominan la canción. Sus dúos vocales son igual de atractivos, pero de forma diferente. "Stranger Here", por ejemplo, parece casi un esfuerzo de pop-blues en su afectación. Pero los elementos dominantes de este álbum son el encanto y la honestidad que Terry y McGhee ofrecen, sea cual sea su estilo particular en una canción específica; tenían porciones de ambos a raudales, lo que explica los 15 años que mantuvieron al público en su hechizo. Y el sonido estéreo, en lugar de ser una distracción artificial, como solía ocurrir en las primeras grabaciones de blues acústico, es una ventaja en este caso, ya que la separación da a cada músico/cantante su propio protagonismo.
https://www.allmusic.com/album/down-home-blues-mw0000889267

VA • 100 Accordion Jazz Classics

Artists:
George Shearing
The Jungle Band
George Shearing Quintet
Gus Viseur
Harry James & His Orchestra
The Benny Goodman Sextet
Benny Goodman Quintet
Bennie Moten's Kansas City Orchestra
Charles Verstraete
Ray Miller And His Orchestra
Gus Viseur Et Son Orchestre
Tony Murena Et Son Ensemble Swing
Michel Warlop Et Son Orchestre
The Cellar Boys
Jerry Thomas Swingtette
Tito & His Swingtette
Mat Mathews
Washington-Bertolin's Swing Sextet
Joe Mooney Quartet
Quartette Swing Emile Carrara
Tito Burns & His Sextet
Hubert Simplisse Et Son Ensemble
Kamil Behounek
Art Van Damme
lill-Arnes Sväng-Gäng
Willie Lewis Presents
Guerino Et Son Orchestre Musette De La Boite A Matelots
Charles Verstraete et son Ensemble
Rolf Syversen Og Ans Solister
Louis Richard Day's Accordeon Swing Quartet
Kamil Behounek Hot Harmonica
Tony Murena Et Son Ensemble
Radics Gàbor Jazz-Egvuttese
Quintet Johnny Meyer
Tony Murena Et Son Orchestre
Gus Viseur & L'Orchestre Victor
Ramblers Orkestreri Klaus Salmen Johdolla
Cornell Smelser and His Orchestra
Frans Wouters En Zyn Dansorkest
Emil Hot Five
L'Accordeoniste Gus Viseur Et L'orchestre Victor
Roger Etlens Et Son Ensemble

Michal Urbaniak Quartet • Friday Night at the Village Vanguard (Live)

 

Michal Urbaniak (born January 22, 1943) is a Polish jazz musician and composer born in Warsaw, playing mainly the violin, lyricon and saxophone during concerts and recordings. He played a central role in the development of jazz fusion in the 1970s and 1980s, and has introduced elements of folk, R&B, hip hop, and symphonic music to jazz. Urbaniak started his music education during high school in ?ód?, and continued from 1961 in Warsaw in the violin class of Tadeusz Wro?ski. Learning to play on the saxophone alone, he first played in a Dixieland band, and later with Zbigniew Namys?owski and the Jazz Rockers, with whom he performed during the Jazz Jamboree festival in 1961. After this, he was invited to play with Andrzej Trzaskowski, and toured the USA in 1962 with his band The Wreckers, playing at festivals and clubs in Newport, San Francisco, Chicago, Washington, and New York City. After returning to Poland, he engaged on work with Krzysztof Komeda's quintet (1962–1964). Together, they left for Scandinavia, where, after finishing a couple of contracts, Urbaniak remained until 1969. There he created a band with Urszula Dudziak and Wojciech Karolak, which gained considerable success and was later to be the starting point for the famous Micha? Urbaniak Fusion. After Urbaniak returned to Poland and the violin (which he abandoned for the saxophone during the time in Scandinavia), he created the self-named "Micha? Urbaniak Group", to which he invited, among others, Adam Makowicz (piano) and Urszula Dudziak (vocals). They recorded their first international album, Parathyphus B, and played on many festivals, including Jazz Jamboree in 1969–1972. During the Montreux'71 festival, Urbaniak was awarded "Grand Prix" for the best soloist and scholarship by the prestigious Berklee College of Music in Boston. After many triumphant concerts in Europe and the USA, in May 1973 he played for the last time before a Polish audience and emigrated with Urszula Dudziak on September 11, 1973, to the United States, where he now lives as a US citizen. In spite of getting an award from Berklee, he did not study there. Recommended by John H. Hammond, Urbaniak signed a contract with Columbia Records, who published the west-German album Super Constellation under the name Fusion. For the promotion tour, he invited Polish musicians, including Czes?aw Bartkowski, Pawe? Jarz?bski, and Wojciech Karolak. In 1974, Urbaniak formed the band Fusion, and introduced melodic and rhythmic elements of Polish folk music into his funky New York-based music. Urbaniak followed his musical journey with innovative projects such as Urbanator (the first band to fuse rap & hip-hop in jazz), "Urbanizer" (a project with his band and four-piece R&B vocal group – 1978) and UrbSymphony (where, on January 27, 1995, jazz group with rapper and Apple computer played concert and recorded CD & DVD with a 60-piece full symphony orchestra) Since 1970 Urbaniak has been playing a custom-made, five-string violin furnished especially for him, violin synthesizer called "talkin'" violin, soprano, alto and tenor saxophones and on lyricon (electric sax-like horn). His fusion with a hint of folklore was becoming popular among the leaders of American jazz, and also provided opportunity for many new musicians (Harold Williams, Steve Jordan, Marcus Miller, Kenny Kirkland, Tony Bunn, Omar Hakim, and Victor Bailey. He started to play in well known clubs such as the Village Vanguard and Village Gate, in famous concert halls such as Carnegie Hall, Beacon Theatre, and Avery Fisher Hall. In this period he played with such stars as Weather Report, Freddie Hubbard, Elvin Jones, Herbie Hancock, Chick Corea, George Benson, and Billy Cobham. Urbaniak has invited and has been invited by many other well known jazz stars, including Lenny White, Wayne Shorter, Marcus Miller, Joe Zawinul, Ron Carter, Kenny Barron, Buster Williams and Quincy Jones. In 1985, he was invited to play during the recording of Tutu with the father of fusion, Miles Davis. Davis is reported to have said on this occasion: "Get me this fucking Polish fiddler, he's got the sound!"
https://storyvillerecords.com/product-category/michal-urbaniak-quartet/

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Michal Urbaniak (nacido el 22 de enero de 1943) es un músico y compositor de jazz polaco nacido en Varsovia, que toca principalmente el violín, el lírico y el saxofón en conciertos y grabaciones. Desempeñó un papel fundamental en el desarrollo del jazz fusión en las décadas de 1970 y 1980, y ha introducido en el jazz elementos de folk, R&B, hip hop y música sinfónica. Urbaniak comenzó su formación musical durante el bachillerato en ?ód?, y continuó a partir de 1961 en Varsovia en la clase de violín de Tadeusz Wro?ski. Aprendiendo a tocar solo el saxofón, primero tocó en una banda de Dixieland, y más tarde con Zbigniew Namys?owski y los Jazz Rockers, con los que actuó durante el festival Jazz Jamboree en 1961. Después fue invitado a tocar con Andrzej Trzaskowski, y en 1962 realizó una gira por Estados Unidos con su banda The Wreckers, tocando en festivales y clubes de Newport, San Francisco, Chicago, Washington y Nueva York. Tras regresar a Polonia, se comprometió a trabajar con el quinteto de Krzysztof Komeda (1962-1964). Juntos se marcharon a Escandinavia, donde, tras finalizar un par de contratos, Urbaniak permaneció hasta 1969. Allí creó una banda con Urszula Dudziak y Wojciech Karolak, que obtuvo un éxito considerable y que más tarde sería el punto de partida de la famosa Micha? Urbaniak Fusion. Cuando Urbaniak regresó a Polonia y al violín (que abandonó por el saxofón durante su estancia en Escandinavia), creó el autodenominado "Micha? Urbaniak Group", al que invitó, entre otros, a Adam Makowicz (piano) y Urszula Dudziak (voz). Grabaron su primer álbum internacional, Parathyphus B, y tocaron en muchos festivales, como el Jazz Jamboree en 1969-1972. Durante el festival de Montreux'71, Urbaniak recibió el "Gran Premio" al mejor solista y la beca del prestigioso Berklee College of Music de Boston. Tras muchos conciertos triunfales en Europa y EE.UU., en mayo de 1973 tocó por última vez ante el público polaco y emigró con Urszula Dudziak el 11 de septiembre de 1973 a Estados Unidos, donde ahora vive como ciudadano estadounidense. A pesar de haber sido premiado por Berklee, no estudió allí. Recomendado por John H. Hammond, Urbaniak firmó un contrato con Columbia Records, que publicó el álbum alemán Super Constellation bajo el nombre de Fusion. Para la gira de promoción, invitó a músicos polacos, como Czes?aw Bartkowski, Pawe? Jarz?bski y Wojciech Karolak. En 1974, Urbaniak formó el grupo Fusion, e introdujo elementos melódicos y rítmicos de la música folclórica polaca en su música funky de Nueva York. Urbaniak siguió su camino musical con proyectos innovadores como Urbanator (el primer grupo que fusionó el rap y el hip-hop en el jazz), "Urbanizer" (un proyecto con su banda y un grupo vocal de R&B de cuatro piezas - 1978) y UrbSymphony (donde, el 27 de enero de 1995, Desde 1970, Urbaniak toca un violín de cinco cuerdas hecho a medida y fabricado especialmente para él, un sintetizador de violín llamado "talkin'", saxofones soprano, alto y tenor y un lyricon (cuerno eléctrico similar al saxo). Su fusión con una pizca de folclore se hizo popular entre los líderes del jazz estadounidense, y también dio oportunidad a muchos nuevos músicos (Harold Williams, Steve Jordan, Marcus Miller, Kenny Kirkland, Tony Bunn, Omar Hakim y Victor Bailey. Comenzó a tocar en clubes conocidos como el Village Vanguard y el Village Gate, en famosas salas de conciertos como el Carnegie Hall, el Beacon Theatre y el Avery Fisher Hall. En este periodo tocó con estrellas como Weather Report, Freddie Hubbard, Elvin Jones, Herbie Hancock, Chick Corea, George Benson y Billy Cobham. Urbaniak ha invitado y ha sido invitado por muchas otras conocidas estrellas del jazz, como Lenny White, Wayne Shorter, Marcus Miller, Joe Zawinul, Ron Carter, Kenny Barron, Buster Williams y Quincy Jones. En 1985, fue invitado a tocar durante la grabación de Tutu con el padre de la fusión, Miles Davis. Se dice que Davis dijo en esta ocasión: "¡Traedme a este puto violinista polaco, tiene el sonido!".
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Michal Urbaniak  ...

Boots Randolph • Boots Randolph's Yakety Sax!

 

About Boots Randolph

Tenor saxophonist Boots Randolph was an important contributor to the Nashville sound, the set of pop-flavored textures that dominated country music in the late '50s and early '60s. He was born in Paducah, KY, but grew up in small-town Cadiz, in Trigg County. Born Homer Louis Randolph III, he acquired the nickname "Boots" in childhood from his brother Bob. Randolph began playing the trombone in school and learned several other instruments, but by the time he was 16 he had begun to focus seriously on the sax. He honed his chops as a member of the U.S. Army Band during World War II.

After the war, Randolph returned home and performed semi-professionally for some years around Indiana, Kentucky, and Illinois. In the late '50s, Jethro Burns heard him play and suggested he move to Nashville. Burns introduced Randolph to Chet Atkins, who signed him to the RCA label. Randolph also quickly made the acquaintance of Atkins rival Owen Bradley and performed on many recordings Bradley helmed as producer. Nashville's new corps of session musicians spent its leisure time in the Printer's Alley section of the city's downtown, an actual alley (between First and Second avenues) that offered entrance to various basement barrooms, and Randolph became one of the group. Like other Nashville players, he took enthusiastically to jazz and rock & roll in addition to country music.

One single, the 1963 instrumental "Yakety Sax," showed Randolph putting all these influences together and delivering an extremely catchy tune; it became his only real hit. But Randolph was a consistent seller of LP albums (with 13 charted releases) in the 1960s and 1970s; offering pleasant saxophone covers of material from various genres of music, he became a counterpart to Atkins on guitar and Floyd Cramer on piano. He moved from RCA to the Monument label in 1966. For well over a decade, in addition, he averaged 200-300 studio sessions a year on recordings made by others. The saxophone heard on Elvis Presley's later records is likely to be Randolph's.

In 1977, Randolph opened a successful club of his own in Printer's Alley; it endured into the 1990s and spawned another club in the Opryland U.S.A. area. Randolph remained active as an entertainer into the 2000s, and in 1994 the original Yakety Sax album was admitted into the unofficial country canon; it was reissued by Germany's Bear Family label. Randolph suffered a brain hemorrhage in late June 2007 and remained in a coma until his passing at the age of 80 on July 3, 2007. ~ James Manheim

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Sobre Boots Randolph

El saxofonista tenor Boots Randolph fue un importante contribuyente al sonido de Nashville, el conjunto de texturas con sabor a pop que dominó la música country a finales de los 50 y principios de los 60. Nació en Paducah, KY, pero creció en un pequeño pueblo de Cádiz, en el condado de Trigg. Nacido como Homero Louis Randolph III, adquirió el apodo de "Botas" en la infancia de su hermano Bob. Randolph comenzó a tocar el trombón en la escuela y aprendió varios otros instrumentos, pero a los 16 años ya había empezado a centrarse seriamente en el saxo. Se perfeccionó como miembro de la Banda del Ejército de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial.

Después de la guerra, Randolph regresó a casa y actuó semiprofesionalmente durante algunos años en Indiana, Kentucky e Illinois. A finales de los 50, Jethro Burns le oyó tocar y le sugirió que se mudara a Nashville. Burns presentó a Randolph a Chet Atkins, quien lo contrató para el sello RCA. Randolph también conoció rápidamente a su rival de Atkins, Owen Bradley, y actuó en muchas grabaciones que Bradley dirigió como productor. El nuevo cuerpo de músicos de sesión de Nashville pasaba su tiempo libre en la sección Printer's Alley del centro de la ciudad, un callejón real (entre la Primera y Segunda Avenida) que ofrecía entrada a varios bares del sótano, y Randolph se convirtió en uno de los miembros del grupo. Al igual que otros músicos de Nashville, se entusiasmó con el jazz y el rock & roll además de la música country.

Un sencillo, el instrumental de 1963 "Yakety Sax", mostró a Randolph reuniendo todas estas influencias y ofreciendo una melodía extremadamente pegadiza; se convirtió en su único éxito real. Pero Randolph fue un vendedor constante de álbumes de LP (con 13 lanzamientos en las listas de éxitos) en los años 60 y 70; ofreciendo agradables versiones de saxofón de material de varios géneros musicales, se convirtió en un homólogo de Atkins en la guitarra y Floyd Cramer en el piano. Pasó de la RCA al sello Monument en 1966. Durante más de una década, además, tuvo un promedio de 200-300 sesiones de estudio al año en grabaciones hechas por otros. El saxofón que se escucha en los últimos discos de Elvis Presley es probablemente el de Randolph.

En 1977, Randolph abrió un exitoso club propio en Printer's Alley, que perduró hasta la década de 1990 y dio lugar a otro club en el área de Opryland, Estados Unidos. Randolph siguió activo como artista en el decenio de 2000, y en 1994 el álbum original del Yakety Sax fue admitido en el canon de país no oficial; fue reeditado por el sello alemán Bear Family. Randolph sufrió una hemorragia cerebral a fines de junio de 2007 y permaneció en coma hasta su fallecimiento a la edad de 80 años, el 3 de julio de 2007. ~ James Manheim

 

 

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