John Coltrane • Live At The Village Vanguard Again!

 

Review by Thom Jurek  
Live at the Village Vanguard Again! is one of the more hotly contested albums in John Coltrane's catalog. Released less than a year before his death, the original recording showcased his new quintet with Alice Coltrane, piano; Pharoah Sanders, tenor saxophone; Jimmy Garrison, bass; and Rashied Ali, drums. Additional percussion on the date was provided by Emanuel Rahim. The three selections here are what survive from a much longer tape. Coltrane's signature ballad "Naima" opens the album and goes on for over 15 minutes. One of the most iconic tunes in his repertoire, the treatment it is given here is radical. While the melody is referenced in the beginning, Coltrane moves it aside fairly quickly to concentrate on improvisation. His tenor solo (heard in the left channel) begins in earnest a minute-and-a-half in. He gradually deconstructs the various phrases in the lyric to blow passionately through them. By the time Sanders begins his (overly long) tenor solo (right channel), the abstraction becomes total. His intensity and ferocity are simply more than the ballad calls for. Even when Coltrane returns to solo again, and gradually winds it down, he has to begin at that hot peak. "Naima" is a different tune when all is said and done. "My Favorite Things" is in two parts. The first six minutes belong to a gorgeous, imaginative solo by Garrison. The tune's familiar theme is not stated by Coltrane until after the mode is introduced; then bits and pieces of the melody are brought in until they become -- however briefly -- the whole head line. It disappears quickly -- even though referenced occasionally throughout Coltrane's solos. His soprano solos are intense but utterly beautiful. His playing is pure passion and creative imagination, ever aware of the shimmering block chords played by Alice. Ali skitters propulsively around them, driving insistently until he's allowed to let loose when Sanders and his tenor begin their violent wail that simply disregards the entire tune save for one quote near the end to bring Coltrane back in. Sanders screams through his horn throughout his solo, and when Coltrane rejoins him, it's to meet him and try to rein him in; it leaves the listener exhausted after its 25-minute run. Live at the Village Vanguard Again! is certainly not for Coltrane newcomers, and may indeed only hold value for his most ardent followers despite its many qualities.
https://www.allmusic.com/album/live-at-the-village-vanguard-again%21-mw0000652602

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Reseña de Thom Jurek  
¡Live At The Village Vanguard Again! es uno de los álbumes más disputados del catálogo de John Coltrane. Lanzado menos de un año antes de su muerte, la grabación original mostraba su nuevo quinteto con Alice Coltrane, piano; Pharoah Sanders, saxofón tenor; Jimmy Garrison, bajo; y Rashied Ali, batería. La percusión adicional en la fecha fue proporcionada por Emanuel Rahim. Las tres selecciones aquí son lo que sobrevive de una cinta mucho más larga. La balada característica de Coltrane, "Naima", abre el álbum y dura más de 15 minutos. Una de las canciones más icónicas de su repertorio, el tratamiento que se le da aquí es radical. Mientras que la melodía está referenciada al principio, Coltrane la hace a un lado con bastante rapidez para concentrarse en la improvisación. Su solo de tenor (escuchado en el canal izquierdo) comienza en serio un minuto y medio. Deconstruye gradualmente las diversas frases de la letra para soplar apasionadamente a través de ellas. Para cuando Sanders comienza su (demasiado largo) solo de tenor (canal derecho), la abstracción se vuelve total. Su intensidad y ferocidad son simplemente más de lo que la balada requiere. Incluso cuando Coltrane vuelve a solo de nuevo, y gradualmente lo baja, tiene que comenzar en ese pico caliente. "Naima" es una melodía diferente cuando todo está dicho y hecho. "Mis cosas favoritas" se divide en dos partes. Los primeros seis minutos pertenecen a un solo magnífico e imaginativo de Garrison. Coltrane no establece el tema familiar de la melodía hasta después de que se introduce el modo; luego, se introducen fragmentos de la melodía hasta que se convierten, aunque sea brevemente , en toda la línea principal. Desaparece rápidamente even a pesar de que se hace referencia de vez en cuando a lo largo de los solos de Coltrane. Sus solos de soprano son intensos pero absolutamente hermosos. Su forma de tocar es pura pasión e imaginación creativa, siempre consciente de los brillantes acordes de bloque que toca Alice. Ali patina propulsivamente a su alrededor, conduciendo insistentemente hasta que se le permite soltarse cuando Sanders y su tenor comienzan su violento lamento que simplemente ignora toda la melodía, excepto por una cita cerca del final para traer de vuelta a Coltrane. Sanders grita a través de su bocina a lo largo de su solo, y cuando Coltrane se reúne con él, es para encontrarse con él y tratar de controlarlo; deja al oyente exhausto después de su carrera de 25 minutos. ¡Live At The Village Vanguard Again! ciertamente no es para los recién llegados a Coltrane, y de hecho solo puede ser valioso para sus seguidores más ardientes a pesar de sus muchas cualidades.
https://www.allmusic.com/album/live-at-the-village-vanguard-again%21-mw0000652602

www.johncoltrane.com ...

Charlie Parker • Jazz At The Philharmonic 1949

 

Review by AllMusic
Charlie Parker's 1949 appearance at Norman Granz's annual Jazz at the Philharmonic concert is less legendary than his 1946 debut there, but listening to this magnificently remastered 68-minute document of his set, it's nearly impossible to understand why. Surrounded by an astonishing group of sidemen, including Ella Fitzgerald, Roy Eldridge, Hank Jones, and Buddy Rich, Parker is at the top of his form throughout. Even when he's trading choruses with his foremost influence, tenor Lester Young, on Young's signature piece "Lester Leaps In," Parker's passionate, powerful alto pretty much blows Young off the stage. Elsewhere, Parker plays around with standards, transforming "Perdido," "How High the Moon?" and "Embraceable You" from well-worn set pieces to exciting and innovative bop showcases. JAZZ AT THE PHILHARMONIC 1949 is a breathtaking example of live jazz at its most transcendent.
https://www.allmusic.com/album/jazz-at-the-philharmonic-1949-mw0000103985

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Reseña de AllMusic
La aparición de Charlie Parker en 1949 en el concierto anual Jazz at the Philharmonic de Norman Granz es menos legendaria que su debut en 1946, pero escuchando este documento de 68 minutos magníficamente remasterizado, es casi imposible entender por qué. Rodeado de un asombroso grupo de músicos de acompañamiento, como Ella Fitzgerald, Roy Eldridge, Hank Jones y Buddy Rich, Parker está en plena forma en todo momento. Incluso cuando intercambia estribillos con su principal influencia, el tenor Lester Young, en la pieza emblemática de Young «Lester Leaps In», el apasionado y poderoso contralto de Parker hace volar a Young del escenario. Por lo demás, Parker juega con los estándares, transformando «Perdido», «How High the Moon?» y «Embraceable You» de piezas trilladas en emocionantes e innovadoras exhibiciones de bop. JAZZ AT THE PHILHARMONIC 1949 es un ejemplo sobrecogedor del jazz en directo en su forma más trascendente.
https://www.allmusic.com/album/jazz-at-the-philharmonic-1949-mw0000103985

Ben Webster & Oscar Peterson • Ben Webster Meets Oscar Peterson [link OK]

 

 

Review by Stephen Cook
Another fine Webster release on Verve that sees the tenor great once again backed by the deluxe Oscar Peterson Trio. In keeping with the high standard of their Soulville collaboration of two years prior, Webster and the trio -- Peterson is joined by bassist Ray Brown and drummer Ed Thigpen -- use this 1959 date to conduct a clinic in ballad playing. And while Soulville certainly ranks as one of the tenor saxophonist's best discs, the Ben Webster Meets Oscar Peterson set gets even higher marks for its almost transcendent marriage of after-hours elegance and effortless mid-tempo swing -- none of Webster's boogie-woogie piano work to break up the mood here. Besides reinvigorating such lithe strollers as "Bye Bye Blackbird" (nice bass work by Brown here) and "This Can't Be Love," Webster and company achieve classic status for their interpretation of the Sinatra gem "In the Wee Small Hours of the Morning." And to reassure Peterson fans worried about scant solo time for their hero, the pianist lays down a healthy number of extended runs, unobtrusively shadowing Webster's vaporous tone and supple phrasing along the way. Not only a definite first-disc choice for Webster newcomers, but one of the jazz legend's all-time great records.
https://www.allmusic.com/album/ben-webster-meets-oscar-peterson-mw0000022556

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Reseña de Stephen Cook
Otro buen lanzamiento de Webster en Verve que ve al gran tenor una vez más respaldado por el lujoso Oscar Peterson Trio. Manteniendo el alto nivel de su colaboración en Soulville de los dos años anteriores, Webster y el trío -- Peterson se une al bajista Ray Brown y al baterista Ed Thigpen -- usan esta fecha de 1959 para dirigir una clínica de baladas. Y mientras que Soulville es uno de los mejores discos del saxofonista tenor, el conjunto Ben Webster Meets Oscar Peterson obtiene notas aún más altas por su casi trascendente matrimonio entre la elegancia fuera de horario y el swing de ritmo medio sin esfuerzo - ninguna de las obras de piano de boogie-woogie de Webster para romper el ambiente aquí. Además de revigorizar los cochecitos como "Bye Bye Blackbird" (bonito bajo de Brown) y "This Can't Be Love", Webster y compañía alcanzan el estatus de clásicos por su interpretación de la gema de Sinatra "In the Wee Small Hours of the Morning". Y para tranquilizar a los fans de Peterson preocupados por el escaso tiempo en solitario de su héroe, el pianista hace un buen número de carreras prolongadas, ensombreciendo discretamente el tono vaporoso de Webster y el flexible fraseo a lo largo del camino. No sólo es una elección definitiva para los recién llegados a Webster, sino uno de los grandes discos de la leyenda del jazz de todos los tiempos.
https://www.allmusic.com/album/ben-webster-meets-oscar-peterson-mw0000022556

 

 

 

 

Jimmy Bruno & Joe Beck • Polarity

Album review by AAJ Staff:

What we have here is a superb, unique, and highly listenable two-guitar album. But- don't be fooled- it is not what one might think- it is not a "duel of the guitars." Rather, it is a genuine collaborative effort in which one guitarist complements the other to produce a beautiful and integrated sense of musical ensemble capitalizing on the "polarity" of Bruno's virtuosic theme and variations combined with Beck's rhythms, chordal accompaniments, and riffs on his self-developed "alto guitar," an instrument which can provide a bass ostinato along with chords and melodic twists, each in a distinctly different register, creating a sense of a whole rhythm section. The way these guys groove together, intimately and as one, is more striking and to the point than the "polarity" which separates one from the other.

Consisting primarily of ballads punctuated by bossa novas and up-tempo numbers, this CD can be listened to on several levels. It can be enjoyed as relaxing background music, with a smokey "wee small hours" sound, yet a set of timbres not quite like any you've ever heard on guitar or any other instrument, thanks to Beck's masterful use of the alto guitar, spreading his sound out across the spectrum in contrast with Bruno's sharp yet lyrical delineation and elaborations of the melodic lines.

Or, it can be heard as an adventure in interpretation of a tasteful selection of standards and original compositions. Most striking for this listener, is Beck's solo track, "Tenderly," where, in the tradition of the late beboppers, he quickly leaves the melody behind to create a marvelous meditation all his own.

Or, it can be focused in on as a study in Bruno's unexcelled virtuosity. Ever since hearing Jimmy a few years ago in Philadelphia, I have thought of him as the Paganini of the jazz guitar. He can do the impossible on this instrument. Sometimes I swear that, when he does runs, the notes that come after other notes seem to come before the notes they come after!! I decided that must be because Bruno's fingers play faster than most of our nervous systems think! But, to Jimmy's credit and attesting to the master's willingness to always learn and grow, he achieves in this CD a lyricism and subtlty of performance he has not shown until now. I don't know how Jimmy will react to this, but at times, I thought for a moment it was Wes Montgomery, not Bruno, who was playing on some of these tracks. And Bruno's rendition of the beautiful tune, "Estate," is an especially moving interpretation of what has become a guitar standard ever since Jao Gilberto performed it in the sixties.

And that is another level from which this album can be approached- a recapitulation of moments of jazz guitar from the greats- whether Montgomery, Gilberto, Herb Ellis, Tal Farlow, or even Django Rhinehart. I don't know if this historical aspect was intended or whether it is simply a result of Bruno's and Beck's total immersion in the guitar. [See the interviews for comments from Jimmy and Joe.]

I had the pleasure and honor of meeting Bruno and Beck as they conversed with All About Jazz publisher, Michael Ricci, at the CD release party and performance at JJ's Grotto in Philadelphia, where Jimmy has performed at various times for a number of years. They obviously enjoy considerable rapport with each other and everyone around them, and they exude a contagious enthusiasm for just about everything, not the least of which is the potentiality of the worldwide web for musicians to share ideas. Both are such fantastic musicians together and as individuals that they are going to have trouble deciding whether to tour the country and make follow-up CD's as a duo, or each pursue his own development. Either way, we look forward to their continuing efforts.

https://www.allaboutjazz.com/polarity-jimmy-bruno-concord-music-group-review-by-aaj-staff.php

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Revisión del álbum por el personal de la AAJ:

Lo que tenemos aquí es un magnífico, único y muy escuchable álbum de dos guitarras. Pero, no se engañen, no es lo que uno podría pensar, no es un "duelo de guitarras". Más bien es un genuino esfuerzo de colaboración en el que un guitarrista se complementa con el otro para producir un hermoso e integrado sentido de conjunto musical capitalizando la "polaridad" del tema virtuoso y las variaciones de Bruno combinado con los ritmos, acompañamientos de acordes y riffs de Beck en su autodesarrollada "guitarra alta", un instrumento que puede proporcionar un ostinato bajo junto con acordes y giros melódicos, cada uno en un registro distinto, creando la sensación de una sección rítmica completa. La forma en que estos tipos se mueven juntos, íntimamente y como uno solo, es más llamativa y al punto que la "polaridad" que separa a uno del otro.

Compuesto principalmente por baladas puntuadas por bossa novas y números up-tempo, este CD puede ser escuchado en varios niveles. Se puede disfrutar como música de fondo relajante, con un sonido ahumado de "wee small hours", pero con un conjunto de timbres que no se parecen a ninguno que haya escuchado en la guitarra o en cualquier otro instrumento, gracias al magistral uso de la guitarra alta por parte de Beck, extendiendo su sonido por todo el espectro en contraste con la aguda pero lírica delineación y elaboración de las líneas melódicas de Bruno.

O bien, se puede escuchar como una aventura en la interpretación de una sabrosa selección de estándares y composiciones originales. Lo más llamativo para este oyente, es el tema en solitario de Beck, "Tenderly", donde, en la tradición de los últimos beboppers, deja rápidamente atrás la melodía para crear una maravillosa meditación propia.

O, puede ser enfocado como un estudio de la virtuosidad sin igual de Bruno. Desde que escuché a Jimmy hace unos años en Filadelfia, he pensado en él como el Paganini de la guitarra de jazz. Puede hacer lo imposible con este instrumento. A veces juro que, cuando corre, las notas que vienen después de otras notas parecen venir antes de las notas que vienen después!! Decidí que debe ser porque los dedos de Bruno tocan más rápido de lo que la mayoría de nuestro sistema nervioso piensa. Pero, para el crédito de Jimmy y atestiguando la voluntad del maestro de siempre aprender y crecer, logra en este CD un lirismo y sutileza de ejecución que no ha mostrado hasta ahora. No sé cómo reaccionará Jimmy a esto, pero a veces, pensé por un momento que era Wes Montgomery, no Bruno, quien estaba tocando en algunos de estos temas. Y la interpretación de Bruno de la hermosa melodía "Estate" es una interpretación especialmente conmovedora de lo que se ha convertido en un estándar de la guitarra desde que Jao Gilberto la interpretó en los años sesenta.

Y ese es otro nivel desde el que se puede abordar este álbum, una recapitulación de momentos de la guitarra de jazz de los grandes, ya sea Montgomery, Gilberto, Herb Ellis, Tal Farlow, o incluso Django Rhinehart. No sé si este aspecto histórico fue pensado o si es simplemente el resultado de la inmersión total de Bruno y Beck en la guitarra. [Ver las entrevistas para los comentarios de Jimmy y Joe.]

Tuve el placer y el honor de conocer a Bruno y Beck mientras conversaban con el editor de All About Jazz, Michael Ricci, en la fiesta de lanzamiento del CD y en la actuación en la Gruta de JJ en Filadelfia, donde Jimmy ha actuado en varias ocasiones durante varios años. Obviamente disfrutan de una considerable compenetración entre ellos y con todos los que les rodean, y rezuman un entusiasmo contagioso por casi todo, sin olvidar la potencialidad de la red mundial para que los músicos compartan ideas. Ambos son músicos tan fantásticos juntos y como individuos que van a tener problemas para decidir si hacer una gira por el país y hacer CDs de seguimiento como dúo, o cada uno persigue su propio desarrollo. De cualquier manera, esperamos con interés sus continuos esfuerzos.

https://www.allaboutjazz.com/polarity-jimmy-bruno-concord-music-group-review-by-aaj-staff.php

www.jimmybruno.com ...

Rhythm Future Quartet • Travels

The acoustic jazz ensemble, Rhythm Future Quartet has a straightforward agenda: to keep the spirit of Gypsy jazz alive and expanding in today’s musical universe. The virtuosic foursome, named for a Django Reinhardt tune, offers up a newly minted sound, influenced by the classic Hot Club of France, yet wholly contemporary. Led by violinist Jason Anick and guitarist Olli Soikkeli, the quartet performs dynamic and lyrical arrangements of both Gypsy jazz standards and original compositions that draw upon diverse international rhythms and musical idioms. With Max O’Rourke on second guitar and Greg Loughman on bass, Rhythm Future is dedicated to expanding the boundaries of a vital musical genre.

The Fall of 2018 marked the release of their newest album, “Rhythm Future Quartet and Friends”, which features the critically acclaimed singer Cyrille Aimée, brazil’s top bandolimist Hamilton de Holanda, and guitarist Stochelo Rosenberg. While maintaining the effervescent lilt, virtuosic musicianship and adventurous musical leanings of their previous recordings, Rhythm Future Quartet and Travels (picked as one of the best jazz albums of 2016 by All About Jazz and the Huffington Post), RFQ and Friends brings vibrant new colors to the mix. JazzTimes Magazine stated, "RFQ and Friends is packed to the gills with feeling and remains consistently dynamic, full of virtuosity and swing." With its arresting blend of Hot Club of France styled string jazz, Brazilian and East European idioms, original compositions and hints of classical music, the album marks a significant moment in the growth of a continually evolving ensemble. (And one with continually increasing popularity: the quartet’s version of Django’s "Minor Swing" has over four million views on YouTube, while their video clip of "Bushwick Stomp" from Travels has over three million Facebook views.)

Jason Anick, an award-winning composer and one of the youngest violin professors at the esteemed Berklee College of Music in Boston, has shared the stage with an array of artists including Grammy award winning guitarist John Jorgenson, Stevie Wonder, The Jim Kweskin Jug Band, and Tommy Emmanuel. After relocating from Scandinavia Olli Soikkeli quickly became a top call guitarist in the bustling Brooklyn jazz scene. He has performed alongside Cyrille Aimee, and the celebrated guitarists Frank Vignola and Bucky Pizzarelli, and many prominent contemporary players.

​Max O’Rourke was the winner of the 2015 Saga Award from DjangoFest Northwest, and at 22 has already toured/recorded with many of the top American Gypsy Jazz musicians including John Jorgenson and Gonzalo Bergara. Greg Loughman is a top call bassist in Boston and has been heard with such luminaries as Sheila Jordan, Curtis Fuller and George Garzone.

http://www.rhythmfuturequartet.com/about.html

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El conjunto de jazz acústico, Rhythm Future Quartet, tiene una agenda muy sencilla: mantener el espíritu del jazz gitano vivo y en expansión en el universo musical actual. El virtuoso cuarteto, llamado así por una melodía de Django Reinhardt, ofrece un sonido recién acuñado, influenciado por el clásico Hot Club de Francia, pero totalmente contemporáneo. Dirigido por el violinista Jason Anick y el guitarrista Olli Soikkeli, el cuarteto interpreta arreglos dinámicos y líricos tanto de estándares de jazz gitano como de composiciones originales que se inspiran en diversos ritmos y modismos musicales internacionales. Con Max O'Rourke en la segunda guitarra y Greg Loughman en el bajo, Rhythm Future se dedica a expandir los límites de un género musical vital.

El otoño de 2018 marcó el lanzamiento de su más reciente álbum, "Rhythm Future Quartet and Friends", que presenta al cantante aclamado por la crítica Cyrille Aimée, al principal bandolero de Brasil Hamilton de Holanda y al guitarrista Stochelo Rosenberg. Aunque mantienen la efervescencia, la musicalidad virtuosa y las tendencias musicales aventureras de sus grabaciones anteriores, Rhythm Future Quartet and Travels (elegido como uno de los mejores álbumes de jazz de 2016 por All About Jazz y el Huffington Post), RFQ and Friends aporta nuevos y vibrantes colores a la mezcla. La revista JazzTimes Magazine declaró: "RFQ and Friends está lleno de sentimiento y permanece consistentemente dinámico, lleno de virtuosismo y swing". Con su llamativa mezcla de Hot Club de Francia estilo jazz de cuerda, modismos brasileños y de Europa del Este, composiciones originales y toques de música clásica, el álbum marca un momento significativo en el crecimiento de un conjunto en continua evolución. (Y uno con una popularidad en continuo aumento: la versión del cuarteto de "Minor Swing" de Django tiene más de cuatro millones de visitas en YouTube, mientras que su videoclip de "Bushwick Stomp" de Travels tiene más de tres millones de visitas en Facebook).

Jason Anick, compositor galardonado y uno de los profesores de violín más jóvenes del estimado Berklee College of Music de Boston, ha compartido el escenario con una serie de artistas como el guitarrista ganador de un premio Grammy John Jorgenson, Stevie Wonder, The Jim Kweskin Jug Band y Tommy Emmanuel. Después de mudarse de Escandinavia, Olli Soikkeli se convirtió rápidamente en uno de los guitarristas más importantes de la bulliciosa escena de jazz de Brooklyn. Ha actuado junto a Cyrille Aimee, y los célebres guitarristas Frank Vignola y Bucky Pizzarelli, y muchos destacados músicos contemporáneos.

Max O'Rourke fue el ganador del Premio Saga 2015 del DjangoFest Northwest, y a los 22 años ya ha hecho giras y grabaciones con muchos de los mejores músicos de jazz gitanos de Estados Unidos, entre ellos John Jorgenson y Gonzalo Bergara. Greg Loughman es uno de los mejores bajistas de Boston y se le ha escuchado con luminarias como Sheila Jordan, Curtis Fuller y George Garzone.

http://www.rhythmfuturequartet.com/about.html

 

 

www.rhythmfuturequartet.com ...