Description from Mindbomb Records / Bandcamp:
The Hammond Organ is lead singer on this soulful and orchestral journey about industrial decay and the death of the steel town. Deep from the rusted steel mills of Youngstown, Ohio, we bring you the melting debut of the Scone Cash Players. It's the same organist that brought you the screaming organ on all those Daptone favorites from The Sugarman Three. Scone was behind that organ bench on the modern classics "Sugar's Boogaloo", "Soul Donkey", "Pure Cane Sugar", and "What the World Needs Now." Adam Scone entered the studio on Dunham Street in Brooklyn. At the helm were his old compadres from The Dap-Kings. Namely Thomas Brenneck, Eric Kalb, Homer Steinweiss, and Ian Hendrickson-Smith. It's an orchestral journey that the Hammond B3 organ wasn't accustomed to. You can't compare this album to any other organ record. Don't expect to hear what you want. Free your mind. Be open. Your world is going to feel the heat of the Blast Furnace!
https://sconecashplayers.bandcamp.com/album/blast-furnace
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Descripción de Mindbomb Records / Bandcamp:
El Hammond Organ es el cantante principal en este viaje lleno de alma y orquestal sobre el deterioro industrial y la muerte del pueblo siderúrgico. Desde los oxidados altos hornos de Youngstown, Ohio, te presentamos el debut fundente de los Scone Cash Players. Es el mismo organista que te trajo el órgano chillón en todos esos favoritos de Daptone de The Sugarman Three. Scone estaba detrás de ese banco de órgano en los clásicos modernos "Sugar's Boogaloo", "Soul Donkey", "Pure Cane Sugar" y "What the World Needs Now." Adam Scone entró al estudio en Dunham Street en Brooklyn. Al timón estaban sus viejos compañeros de The Dap-Kings: Thomas Brenneck, Eric Kalb, Homer Steinweiss e Ian Hendrickson-Smith. Es un viaje orquestal al que el Hammond B3 no estaba acostumbrado. No puedes comparar este álbum con ningún otro disco de órgano. No esperes escuchar lo que quieres. Libera tu mente. Sé abierto. Tu mundo va a sentir el calor del Blast Furnace.
https://sconecashplayers.bandcamp.com/album/blast-furnace
Review by Jonathan Widran Fans of the legendary jazz innovator and spirited '60s jazz (and that era's soundtrack music) are the best market for this two-CD hodgepodge of rare recordings either composed by or featuring some typically exciting performances by Herbie Hancock. If you can get through the first few minutes of the noodling warm-up atonalities on the disc one opener, "Maulana," you'll experience the swinging fun of four tracks with African titles from a 1969 session that was originally released as the LP Kawaida by drummer Albert "Tootie" Heath. Hancock may have been designated as a sideman originally, but his colorful, grooving piano tones (which indeed roll in the spirit of "Cantaloupe Island") truly stand out among the horns of Don Cherry and Jimmy Heath. Disc two is a batch of sizzling outtakes from the soundtrack session for the film Blow Up (do you remember?) featuring Hancock jamming with fellow future legends Jack DeJohnette, Ron Carter, Freddie Hubbard, Joe Henderson, and Phil Woods. The strutting, percussive bounce of "Jammin' with Herbie" defines the overall vibe of the sessions, although there are sweet softer moments on the following track, "Herbie's Blues." The last three tracks, while not as artistically satisfying, are worthwhile because they were Hancock compositions for the film that were eventually scrapped. He doesn't play on them, but the vibe -- which is admittedly dated but totally takes the listener back to that time -- melds all the jazz, pop, Brazilian, and surf guitar clichés the era's soundtracks were famous for. Overall, this is a curious collection, but one every Hancock fan will want to have. https://www.allmusic.com/album/jazz-to-funk-mw0000555210
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Reseña de Jonathan Widran Los fans del legendario innovador del jazz y del enérgico jazz de los 60 (y de la música de las bandas sonoras de esa época) son el mejor mercado para este batiburrillo de dos CD de grabaciones raras compuestas por Herbie Hancock o que incluyen algunas de sus típicas y emocionantes interpretaciones. Si puede superar los primeros minutos de las atonalidades de calentamiento del primer disco, "Maulana", experimentará la diversión de cuatro temas con títulos africanos de una sesión de 1969 que fue publicada originalmente como el LP Kawaida por el batería Albert "Tootie" Heath. Puede que Hancock haya sido designado originalmente como músico de acompañamiento, pero sus tonos de piano llenos de color y groove (que de hecho ruedan en el espíritu de "Cantaloupe Island") realmente destacan entre las trompas de Don Cherry y Jimmy Heath. El segundo disco es un lote de fragmentos de la sesión de la banda sonora de la película Blow Up (¿te acuerdas?) en la que Hancock improvisa con otras futuras leyendas como Jack DeJohnette, Ron Carter, Freddie Hubbard, Joe Henderson y Phil Woods. La percusión de "Jammin' with Herbie" define el ambiente general de las sesiones, aunque hay dulces momentos más suaves en el siguiente tema, "Herbie's Blues". Los tres últimos temas, aunque no tan satisfactorios artísticamente, merecen la pena porque fueron composiciones de Hancock para la película que finalmente se descartaron. Hancock no toca en ellas, pero el ambiente -que es ciertamente anticuado pero transporta totalmente al oyente a aquella época- combina todos los clichés de jazz, pop, guitarra brasileña y surf por los que eran famosas las bandas sonoras de la época. En conjunto, se trata de una colección curiosa, pero que todo fan de Hancock querrá tener. https://www.allmusic.com/album/jazz-to-funk-mw0000555210
Review by Thom Jurek The previously unreleased Understanding was recorded on November 1, 1970 at Baltimore's Famous Ballroom, just six months after a slightly different Roy Brooks Quintet played a concert at the same venue that resulted in his iconic The Free Slave. The lineup for Understanding includes the drummer leading saxophonist Carlos Garnett, pianist Harold Mabern, trumpeter Woody Shaw, and bassist Cecil McBee in a symbiotic riot of music making. Understanding is loose, raw, free-flowing, and often molten in its intensity. The band plays just six tunes in two hours. Their sound reflects the terrain between the exploratory hard bop of Miles Davis' second quintet and John Coltrane's modal adventures.
Brooks' M.O. is established early on in the sprawling "Prelude to Understanding" and the title track -- totaling over 40 minutes. Introduced with a brief flourish from Brooks' percussion instruments and drum kit, Shaw enters with swagger. McBee creates a tension between trumpeter and rhythm section as Mabern underscores with modal inquiries and spacious vamps and Garnett lays out on this jam. Led by Shaw, the group crosses blues and hard bop, free jazz, and Eastern modes without a central melody. After Mabern and McBee solo, Brooks pulls out his musical saw for a short interlude at 18 minutes. He and McBee propel "Understanding" forward with a Latin tinge. Shaw's barbed lyricism is balanced by Mabern's fat, soulful chords; Brooks double-times the band, carving space for Garnett's roaming solo. Charlie Parker's "Billie's Bounce" begins as furiously paced bebop with the frontline sprinting through the head. McBee, Mabern, and Brooks swing like mad in support. Garnett charges out with a freely wrought solo statement. Mabern adds punchy accents and funky vamps before a delivering a solo full of ostinatos. Shaw's "Zoltan" (originally recorded with Larry Young in 1965) drops its lyric theme for a knotty cadence and blazing tempo. The trumpeter wails through the harmonic theme with such exertion and athleticism that the crowd roars its approval. The saxophonist gets his turn with the spiritual soul-jazz that is "Taurus Woman." Over half-an-hour long, its syncopated, sometimes strangely funky group interplay is guided by Brooks' unshakeable rhythmic invention, which weds Afro-Latin, bop, R&B, and free jazz sources. Garnett's solo is incendiary, fluid, bursting with ideas to the delight of the crowd. To close, Brooks introduces Miles Davis' "The Theme" at an insane tempo; its players exchange fiery solos before jointly quoting from "I Got Rhythm" in conclusion.
The sound on Understanding isn't pristine. Chris Gestrin did an exemplary job of restoration, but it remains somewhat hot (and in places a tad distorted); its impact, however, is undiminished. The booklet includes photos, an essay by author/critic Mark Stryker, and remarks from producers Zev Feldman and Cory Weeds (who also conducted an included interview with McBee). There are short pieces from author Herb Boyd -- a lifelong friend of Brooks -- and an appreciation by Michelle McKinney of the Detroit Sound Conservancy. Proceeds from this release benefit that institution's efforts. Ultimately, Understanding is an essential and revelatory piece of jazz history. https://www.allmusic.com/album/understanding-mw0003500850
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Reseña de Thom Jurek El Entendimiento inédito se grabó el 1 de noviembre de 1970 en el Famoso Salón de Baile de Baltimore, solo seis meses después de que un Quinteto de Roy Brooks ligeramente diferente tocara un concierto en el mismo lugar que resultó en su icónico The Free Slave. La alineación para Understanding incluye al baterista líder saxofonista Carlos Garnett, el pianista Harold Mabern, el trompetista Woody Shaw y el bajista Cecil McBee en un motín simbiótico de creación musical. La comprensión es suelta, cruda, fluida y, a menudo, fundida en su intensidad. La banda toca solo seis canciones en dos horas. Su sonido refleja el terreno entre el hard bop exploratorio del segundo quinteto de Miles Davis y las aventuras modales de John Coltrane.
El modus operandi de Brooks se establece al principio del extenso "Prelude to Understanding" y la canción principal, con un total de más de 40 minutos. Presentado con un breve toque de instrumentos de percusión y batería de Brooks, Shaw entra con arrogancia. McBee crea una tensión entre el trompetista y la sección rítmica, como subraya Mabern con preguntas modales y vampiros espaciosos, y Garnett se presenta en esta jam. Liderados por Shaw, el grupo cruza los modos blues y hard bop, free jazz y oriental sin una melodía central. Después del solo de Mabern y McBee, Brooks saca su sierra musical para un breve interludio de 18 minutos. Él y McBee impulsan el "Entendimiento" hacia adelante con un tinte latino. El lirismo punzante de Shaw se equilibra con los acordes gordos y conmovedores de Mabern; Brooks duplica la banda, creando espacio para el solitario itinerante de Garnett. "Billie's Bounce" de Charlie Parker comienza como un bebop de ritmo furioso con la primera línea corriendo por la cabeza. McBee, Mabern y Brooks se balancean como locos como apoyo. Garnett carga con una declaración en solitario libremente forjada. Mabern agrega acentos contundentes y vampiros funky antes de ofrecer un solo lleno de ostinatos. "Zoltan" de Shaw (grabada originalmente con Larry Young en 1965) deja caer su tema lírico por una cadencia nudosa y un tempo ardiente. El trompetista se lamenta a través del tema armónico con tal esfuerzo y atletismo que la multitud ruge su aprobación. El saxofonista recibe su turno con el soul-jazz espiritual que es " Mujer Tauro."Con más de media hora de duración, su interacción grupal sincopada, a veces extrañamente funky, está guiada por la invención rítmica inquebrantable de Brooks, que une fuentes afrolatinas, bop, R&B y free jazz. El solo de Garnett es incendiario, fluido, repleto de ideas para deleite de la multitud. Para cerrar, Brooks presenta "The Theme" de Miles Davis a un ritmo loco; sus intérpretes intercambian solos ardientes antes de citar conjuntamente "I Got Rhythm" como conclusión.
El sonido en la Comprensión no es prístino. Chris Gestrin hizo un trabajo ejemplar de restauración, pero sigue estando algo caliente (y en algunos lugares un poco distorsionado); su impacto, sin embargo, no ha disminuido. El folleto incluye fotos, un ensayo del autor / crítico Mark Stryker y comentarios de los productores Zev Feldman y Cory Weeds (quienes también realizaron una entrevista incluida con McBee). Hay piezas cortas del autor Herb Boyd, amigo de toda la vida de Brooks , y una apreciación de Michelle McKinney de Detroit Sound Conservancy. Las ganancias de este lanzamiento benefician los esfuerzos de esa institución. En última instancia, Understanding es una pieza esencial y reveladora de la historia del jazz. https://www.allmusic.com/album/understanding-mw0003500850
La edición de este ‘Understanding’ del baterista Roy Brooks es un motivo de satisfacción para todos los aficionados al jazz, sea cual sea después (o antes) su estilo preferido.
Roy Brooks no es un baterista que sea especialmente conocido por el aficionado medio al jazz, en buena parte debido a que durante los últimos años de su vida (falleció en 2005 a los 67 años) los pasó en cárceles y en instituciones mentales… pero sobre esta cuestión no voy a escribir más.
De la corta carrera de Roy Brooks cabe decir que fue durante cuatro años el baterista del quinteto de Horace Silver.
La cuestión es que este muy recomendable disco recoge la actuación del quinteto de este baterista en Baltimore el 1 de noviembre de 1970 en el Famous Ballroom de esta ciudad y que hasta este momento había estado reposando en los archivos de la Left Bank Jazz Society, una organización fundada en la década de los años sesenta del siglo pasado en Baltimore (Maryland, USA).
De ‘Understanding’ está compuesto sólo por siete temas, pero en total suman más de dos horas de jazz de primer nivel, pues cada tema dura una media de 20 minutos –excepto ‘Taurus woman’ que se va a los ¡32 minutos! y ‘The teheme’ que cierra el disco y sólo dura 4 minutos.
Las siete composiciones son tanto temas propios como alguna versión de clásicos del jazz como es el caso del parkeriano ‘Billie’s Bounce’.
Con Roy Brooks están Woody Shaw a la trompeta, Carlos Garnett al saxo tenor, Harold Mabern al piano y Cecil McBee al contrabajo. Y con esto ya está todo dicho.
El jazz que aquí se puede escuchar es vehemente, intenso, vital y vibrante. O en otras palabras, el jazz que nos gusta escuchar sin temor ni temblor. http://www.distritojazz.com/discos-jazz/roy-brooks-understanding
After a series of sugary soul-jazz dates for Blue Note, Reuben Wilson resurfaced on Groove Merchant with The Sweet Life. The title notwithstanding, the session is his darkest and hardest-edged to date, complete with a physicality missing from previous efforts. Credit tenor saxophonist Ramon Morris, trumpeter Bill Hardman, guitarist Lloyd Davis, bassist Mickey Bass, and drummer Thomas Derrick, whose skin-tight grooves sand away the polished contours of Wilson's organ solos to reveal their diamond-sharp corners. The material, while predictable (i.e., standbys like "Inner City Blues" and "Never Can Say Goodbye"), is nevertheless well suited to the set's righteous funk sound. ~ Jason Ankeny Personnel: Reuben Wilson (organ); Lloyd Davis (guitar); Bill Hardman (trumpet). Recording information: 1972.
Artist Biography by Stephen Thomas Erlewine
Reuben Wilson was one of many soul-jazz organists to emerge in the late '60s, but he was one of only a handful of new organists from that era to be signed to Blue Note. By that point in the label's history, most of their artists were concentrating on accessible soul-jazz, and while he occasionally strayed outside of the conventions of the genre, Wilson more or less followed their rule. Between 1968 and 1971, he recorded five sessions for the label. None of his records received much acknowledgment at the time, but they were later rediscovered by a new generation of soul-jazz fans, becoming collector's items within acid jazz and soul-jazz revivalist circles.
Wilson began performing professionally in 1962. A native of Mounds, OK, he moved to Pasadena, CA, as a child, where he attended school with such future jazz musicians as Bobby Hutcherson and Herb Lewis. As a teenager, Wilson began to teach himself to play piano, but his attention was diverted by boxing. When he was 17, he moved to Los Angeles and married a nightclub singer, through whom he met a number of professional musicians. Associating with musicians conviced Wilson to return to music. Instead of pursuing the piano, he decided to take up the organ, and it wasn't long before he became a regular at the Caribbean club, where he played with drummer Eddie Williams, guitarist George Freeman, and, eventually, Clifford Scott. He played the L.A. circuit for several years before deciding to try his luck in Las Vegas. That venture proved unsuccessful, so he moved back to L.A., where he struck up a friendship with Richard "Groove" Holmes, an organist who would greatly influence his own style.
In December 1966, Wilson relocated to New York, where he formed the soul-jazz trio the Wildare Express with drummer Tommy Derrick. The Wildare Express lasted about six months, playing venues throughout the East Coast and Detroit, and then Wilson decided to concentrate on more complex variations of hard bop and soul-jazz. Eventually, such respected musicians as Grant Green, Roy Haynes, and Sam Rivers began playing with Wilson. Around the same time, Blue Note offered the organist a contract based on a demo he had sent the label.
On Broadway, Wilson's first album for Blue Note, was a quartet session featuring his old bandmate Derrick and was recorded in October of 1968. It was followed in March of 1969 by Love Bug, which featured contributions from trumpeter Lee Morgan and guitarist Grant Green. His third album, Blue Mode, was cut in December 1969 and offered some of his hottest playing. With his fourth album, 1970's A Groovy Situation, Wilson moved in a commercial direction, much like many of his Blue Note peers. In July of 1971, he recorded Set Us Free, his final album for the label.
Wilson's contract with Blue Note expired after Set Us Free and he moved to Groove Merchant, where he released three albums -- Cisco Kid, Bad Stuff, and The Sweet Life -- during the mid-'70s. Throughout the decade, he also played on sessions by funk, soul, and jazz artists, including a record by the Fatback Band. During the late '70s, he recorded sporadically, eventually retiring from music in the early '80s.
By the late '80s, Wilson's music had been rediscovered by a new generation, listeners who didn't dismiss his records as commercial fluff. Like several of his peers, his late-'60s and '70s records, through sampling, became cornerstones in the newly emerging acid jazz and jazz-rap genres. Soon, his out of print records became collector's items, and his sampled licks were appearing on dancefloors throughout England and parts of New York. Eventually, samples of his records were included on hit albums by A Tribe Called Quest, Us3, Brand New Heavies, and Nas. In light of all this new attention, Wilson decided to return to performing, and he toured with Guru's Jazzamatazz revue in 1995. He also began writing new material and performing in new groups, including combos he led himself. In 1996, he signed to Hip Bop and released two albums, Live at SOB's and Organ Donor. The following year, he recorded Organic Grooves with Dr. Lonnie Smith and Doug Carn.
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Después de una serie de citas de soul-jazz para Blue Note, Reuben Wilson resurgió en Groove Merchant con The Sweet Life. A pesar del título, la sesión es la más oscura y dura hasta la fecha, completa con un aspecto físico que falta en los esfuerzos anteriores. El saxofonista del tenor de crédito Ramon Morris, el trompetista Bill Hardman, el guitarrista Lloyd Davis, el bajista Mickey Bass y el baterista Thomas Derrick, cuyas estrechas arrugas pulen los contornos pulidos de los solos de órgano de Wilson para revelar sus esquinas afiladas como un diamante. El material, aunque es predecible (es decir, recursos como "Inner City Blues" y "Never Can Say Goodbye"), sin embargo, se adapta bien al sonido de funk correcto del conjunto. ~ Jason Ankeny Personnel: Reuben Wilson (órgano); Lloyd Davis (guitarra); Bill Hardman (trompeta). Información de la grabación: 1972.
Biografía del artista por Stephen Thomas Erlewine
Reuben Wilson fue uno de los muchos organistas de soul-jazz que surgieron a fines de los años 60, pero fue uno de los pocos nuevos organistas de esa época que firmaron con Blue Note. Para ese momento en la historia del sello, la mayoría de sus artistas se concentraban en el soul-jazz accesible, y aunque ocasionalmente se desviaba de las convenciones del género, Wilson seguía más o menos su regla. Entre 1968 y 1971, grabó cinco sesiones para el sello. Ninguno de sus discos recibió mucho reconocimiento en ese momento, pero más tarde fueron redescubiertos por una nueva generación de fanáticos del soul-jazz, convirtiéndose en artículos de coleccionista dentro de círculos de acid jazz y soul-jazz revivalist.
Wilson comenzó a actuar profesionalmente en 1962. Nacido en Mounds, OK, se mudó a Pasadena, California, de niño, donde asistió a la escuela con futuros músicos de jazz como Bobby Hutcherson y Herb Lewis. En su adolescencia, Wilson comenzó a aprender a tocar el piano, pero su atención fue desviada por el boxeo. Cuando tenía 17 años, se mudó a Los Ángeles y se casó con un cantante de un club nocturno, a través del cual conoció a varios músicos profesionales. La asociación con músicos convenció a Wilson para volver a la música. En lugar de seguir con el piano, decidió tomar el órgano, y no pasó mucho tiempo antes de convertirse en miembro habitual del club caribeño, donde tocaba con el baterista Eddie Williams, el guitarrista George Freeman y, eventualmente, con Clifford Scott. Jugó en el circuito de L.A. durante varios años antes de decidir probar suerte en Las Vegas. Esa aventura no tuvo éxito, por lo que regresó a L.A., donde entabló una amistad con Richard "Groove" Holmes, un organista que influiría enormemente en su propio estilo.
En diciembre de 1966, Wilson se mudó a Nueva York, donde formó el trío de soul-jazz Wildare Express con el baterista Tommy Derrick. El Wildare Express duró aproximadamente seis meses, tocando en lugares de la Costa Este y Detroit, y luego Wilson decidió concentrarse en variaciones más complejas del hard bop y el soul-jazz. Finalmente, músicos respetados como Grant Green, Roy Haynes y Sam Rivers comenzaron a tocar con Wilson. Casi al mismo tiempo, Blue Note le ofreció al organista un contrato basado en una demostración que le había enviado a la etiqueta.
En Broadway, el primer álbum de Wilson para Blue Note, fue una sesión de cuarteto con su antiguo compañero de banda Derrick y se grabó en octubre de 1968. Fue seguido en marzo de 1969 por Love Bug, que contó con las contribuciones del trompetista Lee Morgan y el guitarrista Grant Green. Su tercer álbum, Blue Mode, fue cortado en diciembre de 1969 y ofreció algunas de sus mejores jugadas. Con su cuarto álbum, A Groovy Situation (1970), Wilson se movió en una dirección comercial, al igual que muchos de sus compañeros de Blue Note. En julio de 1971, grabó Set Us Free, su último álbum para el sello.
El contrato de Wilson con Blue Note expiró después de Set Us Free y se mudó a Groove Merchant, donde lanzó tres álbumes, Cisco Kid, Bad Stuff y The Sweet Life, a mediados de los '70. A lo largo de la década, también tocó en sesiones de artistas de funk, soul y jazz, incluido un disco de Fatback Band. A finales de los 70, grabó esporádicamente, y finalmente se retiró de la música a principios de los 80.
A finales de los años 80, la música de Wilson había sido redescubierta por una nueva generación, oyentes que no descartaban sus discos como pelusa comercial. Al igual que varios de sus compañeros, sus registros de finales de los años 60 y 70, a través del muestreo, se convirtieron en piedras angulares en los nuevos géneros de jazz ácido y jazz-rap emergentes. Pronto, sus discos agotados se convirtieron en artículos de colección, y sus licks muestreados aparecían en pistas de baile en toda Inglaterra y partes de Nueva York. Finalmente, se incluyeron muestras de sus discos en álbumes exitosos de A Tribe Called Quest, Us3, Brand New Heavies y Nas. A la luz de toda esta nueva atención, Wilson decidió volver a actuar, y realizó una gira con la revista Jazzamatazz de Guru en 1995. También comenzó a escribir nuevo material y actuar en nuevos grupos, incluidos los combos que él mismo dirigió. En 1996, firmó con Hip Bop y lanzó dos álbumes, Live at SOB's y Organ Donor. Al año siguiente, grabó Organic Grooves con el Dr. Lonnie Smith y Doug Carn.
