Hank Crawford • Indigo Blue

 

Muddy Waters • Electric Mud

Review by Bruce Eder

This album marks what could probably be considered the nadir of Muddy Waters' career, although at the time it did sell somewhere between 200,000 and 250,000 copies, a lot for Waters in those days. By 1968, Waters was no longer reaching black audiences, who were mostly listening to soul music by that time, and he also wasn't selling records to more than a relatively small cult of white blues enthusiasts. Meanwhile, the Rolling Stones, Jimi Hendrix, and Cream were selling millions of records each using licks and sometimes songs learned from Waters. Previously, in 1966, Chess Records had recorded Waters' Brass and the Blues, trying to make him sound like B.B. King, and this time Leonard Chess' son Marshall conceived Electric Mud as a way for Waters to reach out to the Rolling Stones/Hendrix/Cream audience. Recorded in May of 1968, Electric Mud features Waters in excellent vocal form, running through new versions of old songs such as "I Just Want to Make Love to You," "She's Alright," "Hoochie Coochie Man," "Mannish Boy," and "The Same Thing." But he isn't playing, and the band that is -- Phil Upchurch, Roland Faulkner, and Pete Cosey on guitars, Gene Barge on sax, Charles Stepney on organ, Louis Satterfield on bass, and Morris Jennings on the drums -- is trying awfully hard to sound like the Jimi Hendrix Experience-meets-Cream, playing really loud with lots of fuzztone and wah-wah pedal. The covers of the old songs are OK, if a little loud -- "She's Alright" starts to resemble "Voodoo Chile" more than its original, "Catfish Blues," and that's fine if you're looking for Waters to sound like Hendrix (no one has ever explained the "My Girl" fragment with which the song closes, however). The most interesting of the "new" songs is his cover of "Let's Spend the Night Together" (barely recognizable as the Stones song), which opens with the band sounding like they're in the middle section of "Sunshine of Your Love." Waters pulls this and the rest off vocally, and the album did got him some gigs playing to college audiences that otherwise might not have heard him. Ironically, he was never able to play these songs on-stage, his own band being unable to replicate their sound, and he was never comfortable with the album. It would be a few years before producers realized that the solution was to simply let Muddy be Muddy, not Jimi.

https://www.allmusic.com/album/electric-mud-mw0000611996

Artist Biography

Waters was born McKinley Morganfield in Issaquena County, Mississippi in 1913 (He later told people that he was born in 1915 in Rolling Fork, Mississippi; the reason for this remains unknown). His grandmother Della Grant raised him after his mother died in 1918. His fondness for playing in mud earned him his nickname at an early age. Waters started out on harmonica but by age seventeen he was playing the guitar at parties and “fish fries”, emulating two blues artists who were extremely popular in the south, Son House and Robert Johnson. “His thick heavy tone, the dark coloration of his voice and his firm almost stolid manner were all clearly derived from House,” wrote Peter Guralnick in Feel Like Going Home, “but the embellishments which he added, the imaginative slide technique and more agile rhythms, were closer to Johnson.”

In 1940 Waters moved to St. Louis before playing with Silas Green a year later and returning back to Mississippi. In the early part of the decade he ran a juke house, complete with gambling, moonshine, a jukebox and live music courtesy of Muddy himself. In the Summer of 1941 Alan Lomax came to Stovall, Mississippi, on behalf of the Library of Congress to record various country blues musicians. “He brought his stuff down and recorded me right in my house,” Waters recalled in Rolling Stone, “and when he played back the first song I sounded just like anybody's records. Man, you don't know how I felt that Saturday afternoon when I heard that voice and it was my own voice. Later on he sent me two copies of the pressing and a check for twenty bucks, and I carried that record up to the corner and put it on the jukebox. Just played it and played it and said, `I can do it, I can do it.'” Lomax came back again in July of 1942 to record Waters again. Both sessions were eventually released as Down On Stovall's Plantation on the Testament label.

In 1943 Waters headed north to Chicago in hopes of becoming a full-time professional. He lived with a relative for a short period while driving a truck and working in a factory by day and playing at night. Big Bill Broonzy was the leading bluesman in Chicago until his death in 1958 and the city was a very competitive market for a newcomer to become established. Broonzy helped Waters out by letting him open Broonzy's show in the rowdy clubs. In 1945 Waters's uncle gave him his first electric guitar, which enabled him to be heard above the noisy crowds. In 1946 Waters recorded some tunes for Mayo Williams at Columbia but they were never released. Later that year he began recording for Aristocrat, a newly- formed label run by two brothers, Leonard Chess and Phil Chess. In 1947 Waters played guitar with Sunnyland Slim on piano on the cuts “Gypsy Woman” and “Little Anna Mae.” These were also shelved, but in 1948 Waters's “I Can't Be Satisfied” and “I Feel Like Going Home” became big and his popularity in clubs began to take off. Soon after, Aristocrat changed their name to Chess and Waters's signature tune, “Rollin' Stone”, became a smash hit.

The Chess brothers would not allow Waters to use his own musicians (Jimmy Rogers and Blue Smitty) in the studio; instead he was only provided with a backing bass by Big Crawford. However, by 1950 Waters was recording with perhaps the best blues group ever: Little Walter Jacobs on harmonica; Jimmy Rogers on guitar; Elgin Evans on drums; Otis Spann on piano; Big Crawford on bass; and Waters handling vocals and slide guitar. The band recorded a string of blues classics during the early 1950s with the help of bassist/songwriter Willie Dixon. “Hoochie Coochie Man” (Number 8 on the R&B charts), “I Just Want To Make Love To You” (Number 4), and “I'm Ready”. These three were “the most macho songs in his repertoire,” wrote Robert Palmer in Rolling Stone. “Muddy would never have composed anything so unsubtle. But they gave him a succession of showstoppers and an image, which were important for a bluesman trying to break out of the grind of local gigs into national prominence.”

Waters reigned over the 1950s Chicago blues scene; he was its most popular artist and led its tightest band, fueled by hits from Willie Dixon, its strongest composer. On all these fronts, however, Waters contended with fierce competition from the gravel-voiced singer Howlin' Wolf. Wolf's band rivaled Water's all-star lineup, notably featuring the now-legendary guitarist Hubert Sumlin. Wolf also competed with Waters for the songwriting attention of Willie Dixon and recorded a large number of Dixon tunes. Nonetheless, Waters consistently retained an edge in popularity and esteem. Both Waters and Wolf are held in immense regard by modern rock and blues aficionados, but Waters is generally considered to be the more influential artist.[citation needed]

By the early 1950s, Waters was at the height of his career. “By the time he achieved his popular peak, Muddy Waters had become a shouting, declamatory kind of singer who had forsaken his guitar as a kind of anachronism and whose band played with a single pulsating rhythm,” wrote Guralnick in his Listener's Guide.

Waters's success as the frontman led others in his group to seek the same recognition. In 1953 Little Walter left when his single “Juke” became a hit and in 1955 Rogers quit to form his own band. Waters could never recapture the glory of his pre-1956 years as the pressures of being a leader led him to use various studio musicians for quite a few years thereafter.

He headed to England in 1958 and shocked his overseas audiences with loud, amplified electric guitar and a thunderous beat. When R&B began to die down shortly after, Waters switched back to his older style of country blues. His gig at the Newport Jazz Festival in 1960 (see At Newport 1960) turned on a whole new generation to Waters's Delta sound. After which English musicians of the likes of Eric Clapton and the Rolling Stones expressed a fondness for the new sound, Waters switched back to electric circa 1964. Thereupon expressing anger when he felt that members of his own race were turning their backs to the genre while a Caucasian audience had shown increasing respect for the blues.

However, for the better part of twenty years (since his last big hit in 1956, “I'm Ready”) Waters was put on the back shelf by the Chess label and recorded albums with various “popular” themes: Brass And The Blues, Electric Mud, etc. In 1972 he went back to England to record The London Muddy Waters Sessions with four hotshot rockers•Rory Gallagher, Steve Winwood, Rick Grech, and Mitch Mitchell • but their playing wasn't up to his standards. “These boys are top musicians, they can play with me, put the book before 'em and play it, you know,” he told Guralnick. “But that ain't what I need to sell my people, it ain't the Muddy Waters sound. An if you change my sound, then you gonna change the whole man.”

Waters sound was basically Delta country blues electrified, but his use of microtones, in both his vocals and slide playing, made it extremely difficult to duplicate and follow correctly. “When I plays onstage with my band, I have to get in there with my guitar and try to bring the sound down to me,” he said in Rolling Stone. “But no sooner than I quit playing, it goes back to another, different sound. My blues look so simple, so easy to do, but it's not. They say my blues is the hardest blues in the world to play.”

In 1977 Johnny Winter convinced his label, Blue Sky, to sign Waters and the beginning of a fruitful partnership was begun. Waters's “comeback” LP, Hard Again, was recorded in just two days and was as close to the original Chicago sound he had created as anyone could ever hope for. Winter produced/played and pushed Waters to his limit. Former Waters sideman James Cotton contributed harmonica on the Grammy Award-winning album and a brief but well received tour followed. “He sounds happy, energetic and out for business,” stated Dan Oppenheimer in Rolling Stone. “In short, Muddy Waters is kicking in another mule's stall.”

In 1978 Winter recruited Walter Horton and Jimmy Rogers to help out on Waters's I'm Ready LP duplicating the critical and commercial success of Hard Again. The comeback continued in 1979 with the lauded LP Muddy “Mississippi” Waters Live. “Muddy was loose for this one,” wrote Jas Obrecht in Guitar Player, “and the result is the next best thing to being ringside at one of his foot- thumping, head-nodding, downhome blues shows.” King Bee the following year concluded Water's reign at Blue Sky and all four LPs turned out to be his biggest-selling albums ever.

In 1983 Waters died in his sleep, aged 70. At his funeral, throngs of blues musicians showed up to pay tribute to one of the true originals of the art form. “Muddy was a master of just the right notes,” John Hammond Jr., told Guitar World. “It was profound guitar playing, deep and simple. . . . more country blues transposed to the electric guitar, the kind of playing that enhanced the lyrics, gave profundity to the words themselves.” Two years after his death, the city that made Muddy Waters (and vice versa) honored their father by changing the name of 43rd Street to Muddy Waters Drive. Following Waters's death, B.B. King told Guitar World, “It's going to be years and years before most people realize how great he was to American music.”

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Reseña de Bruce Eder

Este álbum marca lo que probablemente podría considerarse el nadir de la carrera de Muddy Waters, aunque en aquel entonces vendía entre 200.000 y 250.000 copias, mucho para Waters en aquellos días. En 1968, Waters ya no llegaba al público negro, que en su mayoría escuchaba música soul, y tampoco vendía discos a más de un culto relativamente pequeño de entusiastas del blues blanco. Mientras tanto, los Rolling Stones, Jimi Hendrix y Cream vendían millones de discos cada uno usando lametones y a veces canciones aprendidas de Waters. Anteriormente, en 1966, Chess Records había grabado Waters' Brass and the Blues, tratando de hacer que sonara como B.B. King, y esta vez el hijo de Leonard Chess, Marshall, concibió Electric Mud como una manera para que Waters llegara a la audiencia de Rolling Stones/Hendrix/Cream. Grabado en mayo de 1968, Electric Mud presenta a Waters en una excelente forma vocal, pasando por nuevas versiones de canciones antiguas como "I Just Want to Make Love to You", "She's Alright", "Hoochie Coochie Man", "Mannish Boy" y "The Same Thing". Pero no está tocando, y la banda que lo hace - Phil Upchurch, Roland Faulkner y Pete Cosey en las guitarras, Gene Barge en el saxo, Charles Stepney en el órgano, Louis Satterfield en el bajo y Morris Jennings en la batería - está intentando con todas sus fuerzas sonar como si fuera la Jimi Hendrix Experience-meets-Cream, tocando muy fuerte con mucho fuzztone y pedal wah-wah. Las versiones de las viejas canciones están bien, aunque un poco ruidosas -- "She's Alright" comienza a parecerse a "Voodoo Chile" más que a su original, "Catfish Blues", y eso está bien si buscas que Waters suene como Hendrix (sin embargo, nadie ha explicado nunca el fragmento de "My Girl" con el que se cierra la canción). La más interesante de las "nuevas" canciones es su versión de "Let's Spend the Night Together" (apenas reconocible como la canción de los Stones), que comienza con la banda sonando como si estuvieran en la sección central de "Sunshine of Your Love". Waters hace esto y el resto vocalmente, y el álbum le consiguió algunos conciertos para audiencias universitarias que de otra manera no lo habrían escuchado. Irónicamente, nunca pudo tocar estas canciones en el escenario, su propia banda no pudo replicar su sonido, y nunca se sintió cómodo con el álbum. Pasarían unos años antes de que los productores se dieran cuenta de que la solución era simplemente dejar que Muddy fuera Muddy, no Jimi.

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Biografía del artista

Waters nació como McKinley Morganfield en el condado de Issaquena, Mississippi en 1913 (más tarde dijo a la gente que nació en 1915 en Rolling Fork, Mississippi; la razón de esto sigue siendo desconocida). Su abuela Della Grant lo crió después de la muerte de su madre en 1918. Su afición por jugar en el barro le valió su apodo a una edad temprana. Waters comenzó con la armónica, pero a los diecisiete años ya tocaba la guitarra en fiestas y "fish fries", emulando a dos artistas del blues que eran muy populares en el sur, Son House y Robert Johnson. "Su tono grueso y pesado, la coloración oscura de su voz y su manera firme y casi impasible se derivaban claramente de House", escribió Peter Guralnick en Feel Like Going Home, "pero los adornos que añadió, la técnica imaginativa del deslizamiento y los ritmos más ágiles, estaban más cerca de Johnson".

En 1940 Waters se mudó a St. Louis antes de jugar con Silas Green un año después y regresar a Mississippi. A principios de la década dirigía una casa de juke, con juegos de azar, luz de luna, una rocola y música en vivo cortesía del propio Muddy. En el verano de 1941 Alan Lomax vino a Stovall, Mississippi, en nombre de la Biblioteca del Congreso para grabar varios músicos de country blues. Él bajó sus cosas y me grabó en mi casa", recuerda Waters en Rolling Stone, "y cuando tocó la primera canción soné como los discos de cualquiera". Tío, no sabes cómo me sentí el sábado por la tarde cuando oí esa voz y era mi propia voz. Más tarde me envió dos copias de la plancha y un cheque por veinte dólares, y llevé ese disco a la esquina y lo puse en la gramola. Sólo lo tocó y lo tocó y dijo: ``Puedo hacerlo, puedo hacerlo''". Lomax volvió de nuevo en julio de 1942 para grabar Waters. Ambas sesiones fueron eventualmente lanzadas como Down On Stovall's Plantation en el sello Testament.

En 1943 Waters se dirigió al norte, a Chicago, con la esperanza de convertirse en un profesional de tiempo completo. Vivió con un pariente durante un corto período de tiempo mientras conducía un camión y trabajaba en una fábrica durante el día y jugaba por la noche. Big Bill Broonzy fue el principal bluesista de Chicago hasta su muerte en 1958 y la ciudad era un mercado muy competitivo para que un recién llegado se estableciera. Broonzy ayudó a Waters dejándolo abrir el show de Broonzy en los clubes ruidosos. En 1945, el tío de Waters le regaló su primera guitarra eléctrica, lo que le permitió ser escuchado por encima de las ruidosas multitudes. En 1946 Waters grabó algunos temas para Mayo Williams en Columbia pero nunca fueron publicados. Más tarde ese mismo año comenzó a grabar para Aristocrat, un sello recién formado dirigido por dos hermanos, Leonard Chess y Phil Chess. En 1947 Waters tocó la guitarra con Sunnyland Slim al piano en los cortes "Gypsy Woman" y "Little Anna Mae". Estos también fueron archivados, pero en 1948 los libros de Waters "I Can't Be Satisfied" y "I Feel Like Going Home" se hicieron grandes y su popularidad en los clubes comenzó a despegar. Poco después, Aristócrata cambió su nombre a Ajedrez y la melodía de Waters, "Rollin' Stone", se convirtió en un gran éxito.

Los hermanos Chess no permitieron que Waters usara sus propios músicos (Jimmy Rogers y Blue Smitty) en el estudio; en su lugar, sólo se le proporcionó un contrabajo de Big Crawford. Sin embargo, para 1950 Waters estaba grabando con quizás el mejor grupo de blues de la historia: Little Walter Jacobs en la armónica; Jimmy Rogers en la guitarra; Elgin Evans en la batería; Otis Spann en el piano; Big Crawford en el bajo; y Waters en la voz y la guitarra. La banda grabó una serie de clásicos del blues a principios de la década de 1950 con la ayuda del bajista y compositor Willie Dixon. "Hoochie Coochie Man" (Número 8 en las listas de R&B), "I Just Want To Make Love To You" (Número 4), y "I'm Ready". Estas tres fueron "las canciones más machistas de su repertorio", escribió Robert Palmer en Rolling Stone. "Muddy nunca habría compuesto algo tan sutil. Pero le dieron una sucesión de espectáculos y una imagen, que eran importantes para un bluesista que intentaba salir de la rutina de los conciertos locales para convertirse en un personaje prominente a nivel nacional".

Waters reinó en la escena del blues de Chicago en la década de 1950; fue su artista más popular y lideró su banda más cerrada, alimentada por los éxitos de Willie Dixon, su compositor más fuerte. En todos estos frentes, sin embargo, Waters se enfrentó a una feroz competencia del cantante de voz de grava Howlin' Wolf. La banda de Wolf rivalizaba con la alineación de estrellas de Water, en particular con el ahora legendario guitarrista Hubert Sumlin. Wolf también compitió con Waters por la atención compositiva de Willie Dixon y grabó un gran número de temas de Dixon. Sin embargo, Waters siempre mantuvo una ventaja en popularidad y estima. Tanto Waters como Wolf son considerados por los aficionados al rock y al blues moderno, pero Waters es generalmente considerado el artista más influyente.

A principios de la década de 1950, Waters estaba en la cúspide de su carrera. "Para cuando alcanzó su apogeo popular, Muddy Waters se había convertido en un cantante gritón y declamatorio que había abandonado su guitarra como una especie de anacronismo y cuya banda tocaba con un solo ritmo pulsante", escribió Guralnick en su Listener's Guide.

El éxito de Waters como líder llevó a otros miembros de su grupo a buscar el mismo reconocimiento. En 1953 Little Walter se fue cuando su sencillo "Juke" se convirtió en un éxito y en 1955 Rogers renunció para formar su propia banda. Waters nunca pudo recobrar la gloria de sus años anteriores a 1956, ya que la presión de ser un líder le llevó a utilizar varios músicos de estudio durante varios años a partir de entonces.

Se dirigió a Inglaterra en 1958 y sorprendió a sus audiencias en el extranjero con una guitarra eléctrica fuerte y amplificada y un ritmo estruendoso. Cuando el R&B comenzó a morir poco después, Waters volvió a su antiguo estilo de blues country. Su actuación en el Festival de Jazz de Newport en 1960 (ver En Newport 1960) convirtió a toda una nueva generación en el sonido Delta de Waters. Después de que músicos ingleses de la talla de Eric Clapton y los Rolling Stones expresaran su afición por el nuevo sonido, Waters regresó a la música eléctrica alrededor de 1964. En ese momento expresó su enojo cuando sintió que miembros de su propia raza le estaban dando la espalda al género, mientras que el público caucásico había mostrado un creciente respeto por el blues.

Sin embargo, durante casi veinte años (desde su último gran éxito en 1956, "I'm Ready"), Waters fue puesto en el estante trasero por el sello Chess y grabó álbumes con varios temas "populares": Latón y el Blues, Barro Eléctrico, etc. En 1972 regresó a Inglaterra para grabar The London Muddy Waters Sessions con cuatro grandes rockeros -Rory Gallagher, Steve Winwood, Rick Grech y Mitch Mitchell-, pero su forma de tocar no estaba a la altura de sus expectativas. "Estos chicos son los mejores músicos, pueden tocar conmigo, poner el libro delante de ellos y tocarlo, ya sabes", le dijo a Guralnick. "Pero eso no es lo que necesito vender a mi gente, no es el sonido de Muddy Waters. Y si cambias mi sonido, entonces vas a cambiar a todo el hombre".

El sonido de Waters era básicamente blues country delta electrificado, pero su uso de microtonos, tanto en su voz como en la interpretación de diapositivas, hizo extremadamente difícil duplicarlo y seguirlo correctamente. "Cuando toco en el escenario con mi banda, tengo que entrar ahí con mi guitarra y tratar de bajarme el sonido", dijo en Rolling Stone. "Pero tan pronto como dejo de tocar, vuelve a otro sonido diferente. Mis azules parecen tan simples, tan fáciles de hacer, pero no lo son. Dicen que mi blues es el más difícil de tocar del mundo".

En 1977 Johnny Winter convenció a su sello, Blue Sky, para que firmara Waters y se inició el comienzo de una fructífera asociación. El LP de Waters "comeback", Hard Again, se grabó en sólo dos días y fue lo más parecido al sonido original de Chicago que nadie podía esperar. El invierno produjo/jugó y llevó a Waters a su límite. El ex acompañante de Waters, James Cotton, contribuyó con la armónica en el álbum ganador del premio Grammy y le siguió una breve pero bien recibida gira. "Suena feliz, enérgico y con ganas de hacer negocios", declaró Dan Oppenheimer en Rolling Stone. "En resumen, Muddy Waters está pateando en el establo de otra mula."

En 1978 Winter reclutó a Walter Horton y Jimmy Rogers para ayudar en el LP I'm Ready de Waters duplicando el éxito crítico y comercial de Hard Again. El regreso continuó en 1979 con el elogiado LP Muddy "Mississippi" Waters Live. "Muddy estaba suelto para esto", escribió Jas Obrecht en Guitarrista, "y el resultado es lo mejor después de estar en primera fila en uno de sus espectáculos de blues de golpeteo, cabeceo y downhome". Al año siguiente, King Bee concluyó el reinado de Water en Blue Sky y los cuatro LPs resultaron ser sus álbumes más vendidos.

En 1983 Waters murió mientras dormía, a la edad de 70 años. En su funeral, multitudes de músicos de blues se presentaron para rendir homenaje a uno de los verdaderos originales de la forma de arte. "Muddy era un maestro de las notas correctas", dijo John Hammond Jr. a Guitar World. "Era una guitarra profunda, profunda y simple... . más country blues transpuesto a la guitarra eléctrica, el tipo de toque que realzaba las letras, daba profundidad a las palabras mismas". Dos años después de su muerte, la ciudad que hizo Muddy Waters (y viceversa) honró a su padre cambiando el nombre de 43rd Street a Muddy Waters Drive. Después de la muerte de Waters, B.B. King le dijo a Guitar World: "Pasarán años y años antes de que la mayoría de la gente se dé cuenta de lo grandioso que era para la música americana".

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Harold Mabern Trio • Kiss of Fire

 

 

Dave Pell • Dave Pell Plays Les Brown

David Pell (February 26, 1925 – May 7, 2017) was an American jazz saxophonist, bandleader and record producer. He was best known for leading a cool jazz octet in the 1950s.
Pell first played in his teens with the big bands of Tony Pastor, Bob Astor, and Bobby Sherwood, and then moved to California in the middle of the 1940s. There he played on Bob Crosby's radio show in 1946, and was a member of Les Brown's band from 1947 to 1955.
In 1953, he began working with his own ensembles, mostly as an octet: Pell on tenor sax, another saxophone (either a baritone or an alto), trumpet and trombone, guitar, and a piano-bass-drums rhythm section). Among the octet players were Pepper Adams, Benny Carter, Mel Lewis, Red Mitchell, Marty Paich, Art Pepper and, early his career, John Williams. These ensembles recorded in the 1950s for Atlantic, Kapp, Coral, Capitol, and RCA Victor; alongside this, he played as a sideman for Shorty Rogers, Pete Rugolo, Benny Goodman, and Gene Krupa. He also produced in the 1950s and 1960s for Tops, Uni and Liberty; among his credits in production were some singles by Gary Lewis & the Playboys.
In 1961, Pell switched to alto sax and clarinet for I Remember John Kirby, a tribute album to bassist/bandleader Kirby who led a successful small group in the 1930s and 1940s.
Pell was the recording session leader for the 1965 hit song "No Matter What Shape (Your Stomach's In)", performed by Los Angeles studio musicians known as The Wrecking Crew but attributed to The T-Bones.
In the 1970s, he assembled the group Prez Conference, a Lester Young tribute ensemble. In the 1980s, he returned to the octet format, and played on and off into the 1990s.

 

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David Pell (26 de febrero de 1925 - 7 de mayo de 2017) fue un saxofonista de jazz, director de banda y productor discográfico estadounidense. Fue más conocido por liderar un octeto de cool jazz en la década de 1950.
Pell tocó por primera vez en su adolescencia con las grandes bandas de Tony Pastor, Bob Astor y Bobby Sherwood, y luego se trasladó a California a mediados de la década de 1940. Allí tocó en el programa de radio de Bob Crosby en 1946, y fue miembro de la banda de Les Brown de 1947 a 1955.
En 1953, comenzó a trabajar con sus propios conjuntos, principalmente como octeto: Pell en el saxo tenor, otro saxofón (ya sea un barítono o un alto), trompeta y trombón, guitarra y una sección rítmica de piano-bajo-batería). Entre los músicos del octeto se encontraban Pepper Adams, Benny Carter, Mel Lewis, Red Mitchell, Marty Paich, Art Pepper y, al principio de su carrera, John Williams. Estos conjuntos grabaron en la década de 1950 para Atlantic, Kapp, Coral, Capitol y RCA Victor; además, tocó como músico secundario para Shorty Rogers, Pete Rugolo, Benny Goodman y Gene Krupa. También produjo en los años 50 y 60 para Tops, Uni y Liberty; entre sus créditos en la producción se encuentran algunos singles de Gary Lewis & the Playboys.
En 1961, Pell se pasó al saxo alto y al clarinete para I Remember John Kirby, un álbum de homenaje al bajista y director de orquesta Kirby, que dirigió un pequeño grupo de éxito en las décadas de 1930 y 1940.

En la década de 1970, montó el grupo Prez Conference, un conjunto de homenaje a Lester Young. En la década de 1980, volvió al formato de octeto, y tocó de forma intermitente hasta la década de 1990.

Dick Dale • King Of The Surf Guitar

dickdale.net ...