Reuben Wilson • The Sweet Life

 

After a series of sugary soul-jazz dates for Blue Note, Reuben Wilson resurfaced on Groove Merchant with The Sweet Life. The title notwithstanding, the session is his darkest and hardest-edged to date, complete with a physicality missing from previous efforts. Credit tenor saxophonist Ramon Morris, trumpeter Bill Hardman, guitarist Lloyd Davis, bassist Mickey Bass, and drummer Thomas Derrick, whose skin-tight grooves sand away the polished contours of Wilson's organ solos to reveal their diamond-sharp corners. The material, while predictable (i.e., standbys like "Inner City Blues" and "Never Can Say Goodbye"), is nevertheless well suited to the set's righteous funk sound. ~ Jason Ankeny Personnel: Reuben Wilson (organ); Lloyd Davis (guitar); Bill Hardman (trumpet). Recording information: 1972.

 Artist Biography by Stephen Thomas Erlewine

Reuben Wilson was one of many soul-jazz organists to emerge in the late '60s, but he was one of only a handful of new organists from that era to be signed to Blue Note. By that point in the label's history, most of their artists were concentrating on accessible soul-jazz, and while he occasionally strayed outside of the conventions of the genre, Wilson more or less followed their rule. Between 1968 and 1971, he recorded five sessions for the label. None of his records received much acknowledgment at the time, but they were later rediscovered by a new generation of soul-jazz fans, becoming collector's items within acid jazz and soul-jazz revivalist circles.

Wilson began performing professionally in 1962. A native of Mounds, OK, he moved to Pasadena, CA, as a child, where he attended school with such future jazz musicians as Bobby Hutcherson and Herb Lewis. As a teenager, Wilson began to teach himself to play piano, but his attention was diverted by boxing. When he was 17, he moved to Los Angeles and married a nightclub singer, through whom he met a number of professional musicians. Associating with musicians conviced Wilson to return to music. Instead of pursuing the piano, he decided to take up the organ, and it wasn't long before he became a regular at the Caribbean club, where he played with drummer Eddie Williams, guitarist George Freeman, and, eventually, Clifford Scott. He played the L.A. circuit for several years before deciding to try his luck in Las Vegas. That venture proved unsuccessful, so he moved back to L.A., where he struck up a friendship with Richard "Groove" Holmes, an organist who would greatly influence his own style.

In December 1966, Wilson relocated to New York, where he formed the soul-jazz trio the Wildare Express with drummer Tommy Derrick. The Wildare Express lasted about six months, playing venues throughout the East Coast and Detroit, and then Wilson decided to concentrate on more complex variations of hard bop and soul-jazz. Eventually, such respected musicians as Grant Green, Roy Haynes, and Sam Rivers began playing with Wilson. Around the same time, Blue Note offered the organist a contract based on a demo he had sent the label.

On Broadway, Wilson's first album for Blue Note, was a quartet session featuring his old bandmate Derrick and was recorded in October of 1968. It was followed in March of 1969 by Love Bug, which featured contributions from trumpeter Lee Morgan and guitarist Grant Green. His third album, Blue Mode, was cut in December 1969 and offered some of his hottest playing. With his fourth album, 1970's A Groovy Situation, Wilson moved in a commercial direction, much like many of his Blue Note peers. In July of 1971, he recorded Set Us Free, his final album for the label.

Wilson's contract with Blue Note expired after Set Us Free and he moved to Groove Merchant, where he released three albums -- Cisco Kid, Bad Stuff, and The Sweet Life -- during the mid-'70s. Throughout the decade, he also played on sessions by funk, soul, and jazz artists, including a record by the Fatback Band. During the late '70s, he recorded sporadically, eventually retiring from music in the early '80s.

By the late '80s, Wilson's music had been rediscovered by a new generation, listeners who didn't dismiss his records as commercial fluff. Like several of his peers, his late-'60s and '70s records, through sampling, became cornerstones in the newly emerging acid jazz and jazz-rap genres. Soon, his out of print records became collector's items, and his sampled licks were appearing on dancefloors throughout England and parts of New York. Eventually, samples of his records were included on hit albums by A Tribe Called Quest, Us3, Brand New Heavies, and Nas. In light of all this new attention, Wilson decided to return to performing, and he toured with Guru's Jazzamatazz revue in 1995. He also began writing new material and performing in new groups, including combos he led himself. In 1996, he signed to Hip Bop and released two albums, Live at SOB's and Organ Donor. The following year, he recorded Organic Grooves with Dr. Lonnie Smith and Doug Carn. 

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Después de una serie de citas de soul-jazz para Blue Note, Reuben Wilson resurgió en Groove Merchant con The Sweet Life. A pesar del título, la sesión es la más oscura y dura hasta la fecha, completa con un aspecto físico que falta en los esfuerzos anteriores. El saxofonista del tenor de crédito Ramon Morris, el trompetista Bill Hardman, el guitarrista Lloyd Davis, el bajista Mickey Bass y el baterista Thomas Derrick, cuyas estrechas arrugas pulen los contornos pulidos de los solos de órgano de Wilson para revelar sus esquinas afiladas como un diamante. El material, aunque es predecible (es decir, recursos como "Inner City Blues" y "Never Can Say Goodbye"), sin embargo, se adapta bien al sonido de funk correcto del conjunto. ~ Jason Ankeny Personnel: Reuben Wilson (órgano); Lloyd Davis (guitarra); Bill Hardman (trompeta). Información de la grabación: 1972. 

Biografía del artista por Stephen Thomas Erlewine

Reuben Wilson fue uno de los muchos organistas de soul-jazz que surgieron a fines de los años 60, pero fue uno de los pocos nuevos organistas de esa época que firmaron con Blue Note. Para ese momento en la historia del sello, la mayoría de sus artistas se concentraban en el soul-jazz accesible, y aunque ocasionalmente se desviaba de las convenciones del género, Wilson seguía más o menos su regla. Entre 1968 y 1971, grabó cinco sesiones para el sello. Ninguno de sus discos recibió mucho reconocimiento en ese momento, pero más tarde fueron redescubiertos por una nueva generación de fanáticos del soul-jazz, convirtiéndose en artículos de coleccionista dentro de círculos de acid jazz y soul-jazz revivalist.

Wilson comenzó a actuar profesionalmente en 1962. Nacido en Mounds, OK, se mudó a Pasadena, California, de niño, donde asistió a la escuela con futuros músicos de jazz como Bobby Hutcherson y Herb Lewis. En su adolescencia, Wilson comenzó a aprender a tocar el piano, pero su atención fue desviada por el boxeo. Cuando tenía 17 años, se mudó a Los Ángeles y se casó con un cantante de un club nocturno, a través del cual conoció a varios músicos profesionales. La asociación con músicos convenció a Wilson para volver a la música. En lugar de seguir con el piano, decidió tomar el órgano, y no pasó mucho tiempo antes de convertirse en miembro habitual del club caribeño, donde tocaba con el baterista Eddie Williams, el guitarrista George Freeman y, eventualmente, con Clifford Scott. Jugó en el circuito de L.A. durante varios años antes de decidir probar suerte en Las Vegas. Esa aventura no tuvo éxito, por lo que regresó a L.A., donde entabló una amistad con Richard "Groove" Holmes, un organista que influiría enormemente en su propio estilo.

En diciembre de 1966, Wilson se mudó a Nueva York, donde formó el trío de soul-jazz Wildare Express con el baterista Tommy Derrick. El Wildare Express duró aproximadamente seis meses, tocando en lugares de la Costa Este y Detroit, y luego Wilson decidió concentrarse en variaciones más complejas del hard bop y el soul-jazz. Finalmente, músicos respetados como Grant Green, Roy Haynes y Sam Rivers comenzaron a tocar con Wilson. Casi al mismo tiempo, Blue Note le ofreció al organista un contrato basado en una demostración que le había enviado a la etiqueta.

En Broadway, el primer álbum de Wilson para Blue Note, fue una sesión de cuarteto con su antiguo compañero de banda Derrick y se grabó en octubre de 1968. Fue seguido en marzo de 1969 por Love Bug, que contó con las contribuciones del trompetista Lee Morgan y el guitarrista Grant Green. Su tercer álbum, Blue Mode, fue cortado en diciembre de 1969 y ofreció algunas de sus mejores jugadas. Con su cuarto álbum, A Groovy Situation (1970), Wilson se movió en una dirección comercial, al igual que muchos de sus compañeros de Blue Note. En julio de 1971, grabó Set Us Free, su último álbum para el sello.

El contrato de Wilson con Blue Note expiró después de Set Us Free y se mudó a Groove Merchant, donde lanzó tres álbumes, Cisco Kid, Bad Stuff y The Sweet Life, a mediados de los '70. A lo largo de la década, también tocó en sesiones de artistas de funk, soul y jazz, incluido un disco de Fatback Band. A finales de los 70, grabó esporádicamente, y finalmente se retiró de la música a principios de los 80.

A finales de los años 80, la música de Wilson había sido redescubierta por una nueva generación, oyentes que no descartaban sus discos como pelusa comercial. Al igual que varios de sus compañeros, sus registros de finales de los años 60 y 70, a través del muestreo, se convirtieron en piedras angulares en los nuevos géneros de jazz ácido y jazz-rap emergentes. Pronto, sus discos agotados se convirtieron en artículos de colección, y sus licks muestreados aparecían en pistas de baile en toda Inglaterra y partes de Nueva York. Finalmente, se incluyeron muestras de sus discos en álbumes exitosos de A Tribe Called Quest, Us3, Brand New Heavies y Nas. A la luz de toda esta nueva atención, Wilson decidió volver a actuar, y realizó una gira con la revista Jazzamatazz de Guru en 1995. También comenzó a escribir nuevo material y actuar en nuevos grupos, incluidos los combos que él mismo dirigió. En 1996, firmó con Hip Bop y lanzó dos álbumes, Live at SOB's y Organ Donor. Al año siguiente, grabó Organic Grooves con el Dr. Lonnie Smith y Doug Carn.

Leroy Holmes • One Note Samba

 

 

Georgie Auld • Quintet & Septet 1951-1963

 

 

Review from All Music Guide (by Scott Yanow): This two-CD set brings together four complete albums from Georgie Auld's work between 1951 and 1963. The first disc combines a 1951 quintet session with Frank Rosolino and a 1959 septet devoted largely to repertoire associated with Benny Goodman. The second disc contains two 1963 quintet albums, one again featuring Rosolino and the other presenting Auld as the sole horn alongside Larry Bunker, Johnny Gray, Leroy Vinnegar and Mel Lewis. Yanow emphasizes Auld's evolution from his earlier swing influences toward a softer Lester Young-influenced sound and describes the collection as a substantial document of his later work.

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Reseña de All Music Guide (por Scott Yanow): Este conjunto de dos CD reúne cuatro albumes completos correspondientes al trabajo de Georgie Auld entre 1951 y 1963. El primer disco combina una sesion de quinteto de 1951 con Frank Rosolino y un septeto de 1959 dedicado en gran medida a repertorio asociado con Benny Goodman. El segundo disco contiene dos albumes de quinteto de 1963, uno nuevamente con Rosolino y el otro con Auld como unico instrumento de viento, acompañado por Larry Bunker, Johnny Gray, Leroy Vinnegar y Mel Lewis. Yanow destaca la evolucion de Auld desde sus primeras influencias del swing hacia un sonido mas suave, influido por Lester Young, y considera la recopilacion un importante documento de su trabajo posterior. 

 

Erik Söderlind • Plays McCartney

 

Guitarist and composer Erik Söderlind is a musician who defines the modern Swedish jazz scene. Or as Mike Stern describe him “a phenomenon - with a unique way of playing and a very personal tone".

Erik Söderlind's trademark is his fingerstyle technique, based on his early classical training. Musically he can be described as an innovator rooted in the straight ahead-styles of swing, bebop and blues. His broad musical sensitivity and background has also taken him far beyond the jazz's domains. He has written music for, and toured, with some of Sweden's most popular singers such as Louise Hoffsten and Lisa Nilsson.

Erik Söderlind got his first guitar at the age of six and learned to play by spending hours trying to imitate blues icons like Eric Clapton and BB King. Later on he discovered jazz guitar giants like Wes Montgomery, George Benson and Grant Green and fell in love with the art of improvisation, an art form he himself soon learned to master with brilliance.

In 2015 Erik received The Guitar People Prize Sweden, an award given to the best guitar player in Sweden. The same year he released his third solo album "In The Moment" which features artists like Eric Alexander, Lisa Nilsson, Svante Thuresson and Dan Berglund, one of the members of Esbjörn Svensson Trio – EST. Over the last few years he's become increasingly better known internationally as well and has played with several of the most influential jazz guitarists in the world, like Frank Vignola and Peter Bernstein.
https://www.eriksoderlind.com/

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El guitarrista y compositor Erik Söderlind es un músico que define la escena moderna del jazz sueco. O como Mike Stern lo describe "un fenómeno - con una forma única de tocar y un tono muy personal".

La marca registrada de Erik Söderlind es su técnica de estilo dactilar, basada en su formación clásica temprana. Musicalmente se le puede describir como un innovador enraizado en los estilos de swing, bebop y blues. Su amplia sensibilidad y experiencia musical también lo ha llevado mucho más allá de los dominios del jazz. Ha escrito música para algunas de las cantantes más populares de Suecia, como Louise Hoffsten y Lisa Nilsson, y ha realizado giras con ellas.

Erik Söderlind consiguió su primera guitarra a la edad de seis años y aprendió a tocar pasando horas tratando de imitar a iconos del blues como Eric Clapton y BB King. Más tarde descubrió a gigantes de la guitarra de jazz como Wes Montgomery, George Benson y Grant Green y se enamoró del arte de la improvisación, una forma de arte que él mismo pronto aprendió a dominar con brillantez.

En 2015, Erik recibió el Premio Guitar People de Suecia, un premio otorgado al mejor guitarrista de Suecia. El mismo año lanzó su tercer álbum en solitario "In The Moment", en el que participan artistas como Eric Alexander, Lisa Nilsson, Svante Thuresson y Dan Berglund, uno de los miembros de Esbjörn Svensson Trio - EST. En los últimos años se ha hecho cada vez más conocido internacionalmente y ha tocado con varios de los guitarristas de jazz más influyentes del mundo, como Frank Vignola y Peter Bernstein.
https://www.eriksoderlind.com/

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Clarence ''Gatemouth'' Brown • Cold Storage

 

 

A true musician's musician, Clarence Gatemouth Brown mastered the guitar, fiddle, drums, viola, harmonica, piano, mandolin and bass. Gatemouth's smooth blend of Texas style swing with Jazz, Country and Cajun music has altered the definition of the Blues. His versatility singles him out as an architect of modern Blues sounds. Although primarily known as a rhythm & blues artist, Brown's music truly defied any simple description. Influenced by big bands and horn players, his work on the guitar and fiddle exhibited the music he grew up hearing along the Gulf Coast.

Brown was born in Vinton, Louisiana, and raised not far from the Gulf Coast in Orange, Texas. He learned guitar and fiddle from his father who played and sang the tunes of the region, including French traditional songs and even German polkas. He reminds us that: “Everybody played music in those days.”

He began working professionally as a drummer during World War II. After a stint in the U.S. Army, Gatemouth made his debut as a guitarist in 1947 by simply walking on stage at Don Robey’s famed Peacock Club in Houston and picking up an electric Gibson guitar that an ailing T-Bone Walker had put down mid-show. Gate so wowed the audience, playing his own “Gatemouth Boogie,” that within a few minutes he had been showered with $600 in tips - a large haul in those cash-strapped days.

Robey soon had Brown fronting a 23-piece orchestra on a tour across the South and Southwest. The manager then formed Peacock Records, the first successful post- war, black-owned record label, to take Gate’s sound to a national audience. Dozens of hits soon followed, including “Okie Dokie Stomp,” “Boogie Rambler,” and “Dirty Work at the Crossroads.” But he became frustrated by the limitations of the blues and began carving a new career by recording albums that featured jazz and country songs mixed in with the blues numbers.

After splitting with Robey, Brown moved to Nashville, where he hosted a television show and began adding country music to his repertoire, even recording with Roy Clark and appearing on Hee Haw. Heavy touring in the 1970s established new audiences in Europe, East Africa, and the Soviet Union, where Gate toured as a musical ambassador for the U.S. State Department. He recorded in his hometown of Bogalusa with Professor Longhair, for the 1974 Barclay session “Rock n’ Roll Gumbo.”

In recent years, he cut a string of four-star albums for such record labels as Rounder, Alligator, Verve, and Blue Thumb. For his last album, “Back to Bogalusa” (Blue Thumb 2001), the 77-year-old presents nearly an hour’s worth of music spread over 13 tracks. While Gate explored the sounds of the Lone Star State on his last release, the appropriately titled “American Music, Texas Style,” (1999) with “Back to Bogalusa,” he takes us back across the state line to his beloved Louisiana.

In September 2004, Brown announced he had been diagnosed with cancer. After consulting oncologists, he decided against undergoing treatment. He also suffered from emphysema and heart disease. By the end of the year, Brown's condition had worsened considerably, forcing him to travel with an oxygen tank. On Jan. 8, he surprised many of his friends and associates by joining Gregg Allman and Susan Tedeschi at Atlanta's Variety Playhouse for not one, but two, shows.

In April 2005, a defiant Brown announced that he would perform at the New Orleans Jazz and Heritage Festival. Despite continued doubts that he had the stamina to even attend the outdoor festival, Brown managed to get through a brief musical set. Some close to Brown were convinced that he would have been happy to die as he lived -- performing on stage.

Clarence Gatemouth Brown died in Sept. 2005, in Texas.

During his career, Brown scored six Grammy nominations, winning the best traditional blues recording prize for his 1982 album, “Alright Again.” He won eight W.C. Handy Blues Awards and was inducted into the Blues Foundation Hall of Fame. He's also a recipient of the Rhythm & Blues Foundation's prestigious Pioneer Award.

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Un verdadero músico, Clarence Gatemouth Brown domina la guitarra, el violín, la batería, la viola, la armónica, el piano, la mandolina y el bajo. La suave mezcla de Gatemouth de swing al estilo Texas con música Jazz, Country y Cajun ha alterado la definición del Blues. Su versatilidad lo distingue como arquitecto de los sonidos del Blues moderno. Aunque principalmente conocido como un artista de rhythm & blues, la música de Brown realmente desafió cualquier descripción simple. Influenciado por grandes bandas y trompetistas, su trabajo con la guitarra y el violín exhibió la música que escuchaba a lo largo de la costa del Golfo.

Brown nació en Vinton, Louisiana, y creció cerca de la costa del Golfo en Orange, Texas. Aprendió guitarra y violín de su padre que tocaba y cantaba las melodías de la región, incluyendo canciones tradicionales francesas e incluso polcas alemanas. Nos lo recuerda: "Todo el mundo tocaba música en aquellos días."

Comenzó a trabajar profesionalmente como baterista durante la Segunda Guerra Mundial. Después de una temporada en el Ejército de los Estados Unidos, Gatemouth hizo su debut como guitarrista en 1947 simplemente caminando sobre el escenario en el famoso Peacock Club de Don Robey en Houston y recogiendo una guitarra eléctrica Gibson que un enfermo T-Bone Walker había puesto a mitad del show. Gate sorprendió tanto al público, tocando su propio "Gatemouth Boogie", que en pocos minutos había sido bañado con $600 en propinas - un gran botín en esos días de poco dinero.

Robey pronto tuvo a Brown al frente de una orquesta de 23 músicos en una gira por el sur y el suroeste. El gerente formó entonces Peacock Records, el primer sello discográfico de propiedad de negros que tuvo éxito después de la guerra, para llevar el sonido de Gate a una audiencia nacional. Pronto le siguieron docenas de éxitos, incluyendo "Okie Dokie Stomp", "Boogie Rambler" y "Dirty Work at the Crossroads". Pero se frustró por las limitaciones del blues y comenzó a forjar una nueva carrera grabando álbumes que incluían canciones de jazz y country mezcladas con números de blues.

Después de separarse de Robey, Brown se mudó a Nashville, donde fue anfitrión de un programa de televisión y comenzó a añadir música country a su repertorio, incluso grabando con Roy Clark y apareciendo en Hee Haw. Las intensas giras de los años setenta establecieron nuevas audiencias en Europa, África Oriental y la Unión Soviética, donde Gate actuó como embajador musical del Departamento de Estado de Estados Unidos. Grabó en su ciudad natal de Bogalusa con el profesor Pelo Largo, para la sesión de Barclay de 1974 "Rock n' Roll Gumbo".

En los últimos años, cortó una serie de álbumes de cuatro estrellas para sellos discográficos como Rounder, Alligator, Verve y Blue Thumb. Para su último álbum, "Back to Bogalusa" (Blue Thumb 2001), este hombre de 77 años presenta casi una hora de música repartida en 13 temas. Mientras Gate exploraba los sonidos del Estado de la Estrella Solitaria en su último lanzamiento, el apropiadamente titulado "American Music, Texas Style," (1999) con "Back to Bogalusa," nos lleva de vuelta a través de la línea estatal hasta su amada Louisiana.

En septiembre de 2004, Brown anunció que le habían diagnosticado cáncer. Después de consultar a los oncólogos, decidió no someterse a tratamiento. También sufría de enfisema y enfermedades del corazón. Al final del año, la condición de Brown había empeorado considerablemente, lo que lo obligó a viajar con un tanque de oxígeno. El 8 de enero, sorprendió a muchos de sus amigos y asociados al unirse a Gregg Allman y Susan Tedeschi en Atlanta's Variety Playhouse para no uno, sino dos, shows.

En abril de 2005, un desafiante Brown anunció que actuaría en el Festival de Jazz y Patrimonio de Nueva Orleáns. A pesar de las continuas dudas de que tenía la resistencia necesaria para asistir al festival al aire libre, Brown consiguió superar un breve set musical. Algunos cercanos a Brown estaban convencidos de que habría estado feliz de morir mientras vivía, actuando en el escenario.

Clarence Gatemouth Brown murió en septiembre de 2005, en Texas.

Durante su carrera, Brown obtuvo seis nominaciones a los Grammy, ganando el premio a la mejor grabación de blues tradicional por su álbum de 1982, "Allright Again". Ganó ocho W.C. Handy Blues Awards y fue admitido en el Salón de la Fama de la Blues Foundation. También ha recibido el prestigioso premio Pioneer Award de la Rhythm & Blues Foundation.