Saturday, August 1, 2026

Bobby Hutcherson • Montara

 



Review from AllMusic (by Thom Jurek):
With the possible exception of Grover Washington's Feels So Good, no other album captured the spirit of jazz in 1975 like Bobby Hutcherson's Montara. Recorded in his hometown of L.A., Montara is the very sound of groove jazz coming out of fusion, and Latin jazz's tough salsa rhythms coming home to roost in something more warm and effluvial that would meet the populace where it was changing and mellowing out rather than making it sit up and take notice. That said, Montara is, like the Washington record, a masterpiece of the genre even though it isn't celebrated in the same way. Featuring a stellar cast of musicians -- among them Willie Bobo, Blue Mitchell, Bobby Matos, Ernie Watts, Harvey Mason, Plas Johnson, Fred Jackson, Larry Nash, and Chuck Domanico -- Montara is a portrait of Hutcherson's complex gift of subtlety and virtuosity. Whether it's the funky Weather Report dance of "Camel Rise," with Nash's electric piano and the horns weaving around one another in a soulful samba melody, the sweet soulful groove of the title track, where Hutcherson's solo lilts to the point of actually singing, the killer Cuban salsa of "La Malanga," done in complete minor-key frenzy (all the while without losing the easy, slippery grace of soul-jazz), the shimmering echoplexed electric piano and vibes interplay on "Love Song," or the steaming, burning gasoline orgy of Hutcherson's read of Santana's "Oye Como Va," with a killer flute line by Watts winding its way through a knotty bassline and multi-part percussion, the effect is the same: blissed-out moving and grooving for a summer day. Hutcherson's chameleon-like ability to shape-shift is truly remarkable as a sideman and especially as a leader. He never overplays, his charts are tight, and he always creates a band vibe. Almost all of his solo recordings reflect the strengths of the ensemble rather than his strengths as a soloist. Montara is one of the great feel-good jazz albums of the 1970s, one of the great Latin jazz albums of the 1970s, and one of the great groove jazz records. Seek it out without hesitation.
https://www.allmusic.com/album/montara-mw0000036961

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Reseña de AllMusic (por Thom Jurek):
Con la posible excepción de Feels So Good de Grover Washington, ningún otro álbum capturó el espíritu del jazz en 1975 como el Montara de Bobby Hutcherson. Grabado en su ciudad natal de Los Ángeles, Montara es el sonido mismo del groove jazz saliendo de la fusión, y los duros ritmos de salsa del jazz latino volviendo a casa para anidar en algo más cálido y efluente que se encontraría con el público donde se estaba transformando y relajando, en lugar de obligarlo a prestar atención. Dicho esto, Montara es, como el disco de Washington, una obra maestra del género aunque no sea celebrada de la misma manera. Con un elenco estelar de músicos — entre ellos Willie Bobo, Blue Mitchell, Bobby Matos, Ernie Watts, Harvey Mason, Plas Johnson, Fred Jackson, Larry Nash y Chuck Domanico — Montara es un retrato del complejo don de sutileza y virtuosismo de Hutcherson. Ya sea la danza funky al estilo Weather Report de "Camel Rise", con el piano eléctrico de Nash y los vientos entretejidos en una melodía de samba llena de alma, el dulce y anímico groove del tema titular, donde el solo de Hutcherson se inclina hasta el punto de realmente cantar, la asesina salsa cubana de "La Malanga", ejecutada en una frenética tonalidad menor (sin perder en ningún momento la gracia fácil y resbaladiza del soul-jazz), el interplay reluciente de piano eléctrico con echoplex y vibráfono en "Love Song", o la orgia de gasolina ardiente y humeante de la lectura de Hutcherson de "Oye Como Va" de Santana, con una línea de flauta asesina de Watts serpenteando a través de una línea de bajo intrincada y percusión de múltiples partes, el efecto es el mismo: un éxtasis de movimiento y groove para un día de verano. La capacidad camaleónica de Hutcherson para transformarse es verdaderamente notable tanto como sideman como especialmente como líder. Nunca toca de más, sus arreglos son ajustados y siempre crea un ambiente de banda. Casi todas sus grabaciones en solitario reflejan las fortalezas del ensemble más que las suyas como solista. Montara es uno de los grandes discos de jazz de buen rollo de los años 70, uno de los grandes discos de jazz latino de los años 70, y uno de los grandes discos de groove jazz. Búscalo sin vacilar.
https://www.allmusic.com/album/montara-mw0000036961


Friday, July 31, 2026

Alessandro Alessandroni • Selected Library Music

 


Martin Tingvall • En ny dag [Bonus Version]

 



Review from All About Jazz (AAJ Italy Staff) [original text in Italian]:
Trasferito anche lui come molti connazionali in Germania da diversi anni. Titolare di un buon trio che da alcuni anni molti critici ritengono uno dei più godibili a livello "nordico". Pianista sicuramente discreto, convinto e attento. En ny dag (Un nuovo giorno) è il suo primo lavoro solistico. Melanconico, invernale. Agli ombrosi e ai solitari una volta a Natale si regalavano Grieg o Chopin. Non che Tingvall sia un'alternativa ma può essere un'idea. Cinquanta minuti. Quattordici brani. Martin Tingvall dipinge piccole miniature temporali con i dovuti rimandi al mondo e al modo di degni predecessori. Un lavoro sereno e sicuramente sensibile che non muove più di tanto chi deciderà di ascoltarlo seduto sulla poltrona aspettando che, fuori, l'inverno passi. Assolutamente convincente per coloro i quali hanno bisogno di tanta armonia nel freddo inverno mentre fuori fiocca.
https://www.allaboutjazz.com/en-ny-dag-martin-tingvall-skip-records-review-by-aaji-staff

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Reseña de All About Jazz (equipo de redacción AAJ Italia):
Él también, como muchos de sus compatriotas, vive en Alemania desde hace varios años. Líder de un buen trío que desde hace algún tiempo muchos críticos consideran uno de los más disfrutable a nivel "nórdico". Un pianista discreto, convencido y atento. En ny dag (Un nuevo día) es su primer trabajo solista. Melancólico, invernal. A los introvertidos y a los solitarios se les regalaban Grieg o Chopin en Navidad. No es que Tingvall sea una alternativa, pero puede ser una idea. Cincuenta minutos. Catorce piezas. Martin Tingvall pinta pequeñas miniaturas temporales con las debidas referencias al mundo y al estilo de dignos predecesores. Un trabajo sereno y ciertamente sensible que no conmueve demasiado a quien decida escucharlo sentado en un sillón esperando que, afuera, pase el invierno. Absolutamente convincente para quienes necesitan tanta armonía en el frío invierno mientras afuera nieva.
https://www.allaboutjazz.com/en-ny-dag-martin-tingvall-skip-records-review-by-aaji-staff


 




martin-tingvall.com ...


Ray Bryant • Sound Ray



Artist Biography by Scott Yanow
Although he could always play bop, Ray Bryant's playing combined together older elements (including blues, boogie-woogie, gospel, and even stride) into a distinctive, soulful, and swinging style; no one played "After Hours" quite like him. The younger brother of bassist Tommy Bryant and the uncle of Kevin and Robin Eubanks (his sister is their mother), Bryant started his career playing with Tiny Grimes in the late '40s. He became the house pianist at The Blue Note in Philadelphia in 1953, where he backed classic jazz greats (including Charlie Parker, Miles Davis, and Lester Young) and made important contacts. He accompanied Carmen McRae (1956-1957), recorded with Coleman Hawkins and Roy Eldridge at the 1957 Newport Jazz Festival (taking a brilliant solo on an exciting version of "I Can't Believe That You're in Love with Me"), and played with Jo Jones' trio (1958). Bryant settled in New York in 1959; played with Sonny Rollins, Charlie Shavers, and Curtis Fuller; and soon had his own trio. He had a few funky commercial hits (including "Little Susie" and "Cubano Chant") that kept him working for decades. Bryant recorded often throughout his career (most notably for Epic, Prestige, Columbia, Sue, Cadet, Atlantic, Pablo, and Emarcy), and even his dates on electric piano in the '70s are generally rewarding. However, Bryant was heard at his best when playing the blues on unaccompanied acoustic piano. After a lengthy illness, Ray Bryant died in Queens, New York on June 2, 2011; he was 79 years old.

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Biografía del artista por Scott Yanow
Aunque siempre pudo tocar bop, Ray Bryant combinó elementos antiguos (incluyendo blues, boogie-woogie, gospel e incluso zancadas) en un estilo distintivo, conmovedor y de swing; nadie tocaba "After Hours" como él. El hermano menor del bajista Tommy Bryant y el tío de Kevin y Robin Eubanks (su hermana es su madre), Bryant comenzó su carrera tocando con Tiny Grimes a finales de los años 40. Se convirtió en el pianista de The Blue Note en Filadelfia en 1953, donde apoyó a los grandes del jazz clásico (incluyendo a Charlie Parker, Miles Davis y Lester Young) e hizo importantes contactos. Acompañó a Carmen McRae (1956-1957), grabó con Coleman Hawkins y Roy Eldridge en el Festival de Jazz de Newport en 1957 (tomando un brillante solo en una emocionante versión de "I Can't Believe That You're in Love with Me"), y tocó con el trío de Jo Jones (1958). Bryant se estableció en Nueva York en 1959; tocó con Sonny Rollins, Charlie Shavers y Curtis Fuller; y pronto tuvo su propio trío. Tuvo algunos éxitos comerciales funky (incluyendo "Little Susie" y "Cubano Chant") que lo mantuvieron trabajando durante décadas. Bryant grabó a menudo a lo largo de su carrera (más notablemente para Epic, Prestige, Columbia, Sue, Cadet, Atlantic, Pablo y Emarcy), e incluso sus citas en piano eléctrico en los años 70 son generalmente gratificantes. Sin embargo, Bryant fue escuchado en su mejor momento cuando tocaba el blues en un piano acústico no acompañado. Después de una larga enfermedad, Ray Bryant murió en Queens, Nueva York, el 2 de junio de 2011; tenía 79 años.





 



Lemmy, Slim Jim & Danny B • Lemmy, Slim Jim & Danny B

 



You probably don't think of Motorhead's Lemmy in the same way as you think of Johnny Cash, Elvis Presley and Buddy Holly (even though you should; he's every bit as much a legend in our eyes) but this CD could change all that.

On this apparently untitled CD (there's no title anywhere on our copy), Lemmy, Slim Jim Phantom and Danny B. Harvey play tribute to some of the legends of rock'n'roll. And they do it with a vintage sound; not with a modern Motorhead twist. In other words, except for the fact that it's obviously Lemmy singing, these tunes sound almost exactly as they did when they were originally recorded way back when.

The first tune, "Big River," is instantly recognizable as a Johnny Cash cover. The rest of the CD is more of the same. "Not Fade Away" and the many other Buddy Holly tunes on this CD sound the way Buddy Holly would have recorded them back in the '50s - not the way Lemmy et al could have recorded them in 1999 with the vast difference in studio and instrument technology. Only the last tune, "Heartbreak Hotel" is somewhat surprising and then only because it's an instrumental and not a vocal version. (Oh, yeah - and Lemmy's intro of "How's it fuckin' start?" at the beginning of "Peggy Sue Got Married" is a little anachronistic, too).

But that attention to keeping it classic is all part of the charm. This CD is a loving tribute to music that Lemmy, Slim Jim and Danny obviously keep close to their heart. It's not for those who want their music loud, fast and nothing else but - for fans of music of all types - it's a delightfully nostalgic and outrageously quaint celebration of the early days of rock'n'roll.

On this CD, Lemmy handles vocals, acoustic guitar and harmonica; Slim Jim Phantom offers backing vocals, drums and percussion; Danny B. Harvey plays electric guitar, keyboards and bass.

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Probablemente no pienses en Motorhead's Lemmy de la misma manera que piensas en Johnny Cash, Elvis Presley y Buddy Holly (aunque deberías hacerlo; es una leyenda a nuestros ojos) pero este CD podría cambiar todo eso.

En este CD aparentemente sin título (no hay ningún título en nuestra copia), Lemmy, Slim Jim Phantom y Danny B. Harvey hacen un tributo a algunas de las leyendas del rock'n'roll. Y lo hacen con un sonido vintage; no con un giro moderno de Motorhead. En otras palabras, excepto por el hecho de que es obviamente el canto de Lemmy, estas melodías suenan casi exactamente igual que cuando fueron grabadas originalmente hace mucho tiempo.

La primera canción, "Big River", se reconoce instantáneamente como una portada de Johnny Cash. El resto del CD es más de lo mismo. "Not Fade Away" y las muchas otras canciones de Buddy Holly en este CD suenan como Buddy Holly las habría grabado en los años 50 - no como Lemmy et al podrían haberlas grabado en 1999 con la gran diferencia en tecnología de estudio e instrumentos. Sólo la última canción, "Heartbreak Hotel", es un poco sorprendente y sólo porque es una versión instrumental y no vocal. (Oh, sí - y la introducción de Lemmy de "How's it fuckin' start? al principio de "Peggy Sue Got Married" es un poco anacrónico, también).

Pero esa atención a mantenerlo clásico es parte del encanto. Este CD es un amoroso tributo a la música que Lemmy, Slim Jim y Danny obviamente mantienen cerca de su corazón. No es para aquellos que quieren que su música sea alta, rápida y nada más que - para los fanáticos de la música de todo tipo - es una celebración deliciosamente nostálgica y escandalosamente pintoresca de los primeros días del rock'n'roll.

En este CD, Lemmy maneja voz, guitarra acústica y armónica; Slim Jim Phantom ofrece coros, batería y percusión; Danny B. Harvey toca guitarra eléctrica, teclados y bajo.