Review by Thom Jurek The 1966 edition of the Andrew Hill Quartet included saxophonist Sam Rivers, bassist Walter Booker, and drummer J.C. Moses. This group recorded what was to be the first of Andrew Hill's four "free" sessions for Blue Note. The other three were all recorded in 1967 and were solo piano sessions. Two of those dates along with an Artist House LP were released on the Mosaic Select Andrew Hill box. Hill's classic, brilliant, and still-outside date Dance with Death from 1968, featuring Joe Farrell, Charles Tolliver, Victor Sproles, and Billy Higgins, was not issued until 1980 and made its first compact disc appearance in 2004. Change has an interesting story in that it wasn't released at the time of recording and remained in the can until 1975, when it was issued under Sam Rivers' name as part of a Blue Note double as part of a two-LP set called Involution. The other disc was a Rivers-led date (from 1967) with a different band that hit CD shelves in 1998 under the title Dimensions and Extensions. Change as it was recorded and edited -- and even given a catalog number (84233) -- is supplemented here with two bonus tracks from the date. All this music was previously released on CD in limited edition (and now sold out) as The Complete Blue Note Andrew Hill Sessions (1963-66). This band plays outside, but this is not "free jazz" in the original sense of the term. In fact, it is music that is composed, with lots of room for improvisation, and one need go no further than the 11-minute opening cut, "Violence," where Hill's chords lie behind a bristling opening solo by Rivers. Hill takes the solo from Rivers, quoting from stride piano blues and Thelonious Monk, and then enters into a spiky duet with the saxophonist before a bass solo and Hill entering on harpsichord. Rivers brings the head back in and moves it to the margins again. This fiery interplay is a long example of what lies in wait for those who've never encountered this music before. It is Hill at his most intense and focused, with an eager group of players who were all excellent listeners. In contrast, "Pain," the album's second track, feels like anything but, with a swinging, Monk-like theme before Sproles takes over with a bass solo that keeps the theme in clear view. Rivers isn't present here at all; it's a trio number that strides and lopes with a killer piano solo by Hill. The saxophonist doesn't re-enter the picture until the middle of the next cut, "Illusion," with a Latin-tinged rhythmic motif and wonderful playing by Moses. When Rivers does enter, his melodic strut -- courtesy of the composer -- feels like a beautiful nod to Ornette. And so it goes with one delight after another -- including a gorgeous trio ballad called "Lust" that brought the original album to a close. This is one of the most out and out structured "free" dates of the entire 1960s. It's a shame this ensemble didn't get to record together more, because by album's end it feels like they're just getting started. Hill never got to see this date come out on its own on disc. He passed away a month and a half before. https://www.allmusic.com/album/change-mw0000779831
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Reseña por Thom Jurek La edición de 1966 del Andrew Hill Quartet incluía al saxofonista Sam Rivers, al bajista Walter Booker y al batería J.C. Moses. Este grupo grabó la que sería la primera de las cuatro sesiones "libres" de Andrew Hill para Blue Note. Las otras tres se grabaron en 1967 y fueron sesiones de piano solo. Dos de esas sesiones, junto con un LP de Artist House, se publicaron en la caja Mosaic Select Andrew Hill. El clásico de Hill, brillante y todavía fuera de fecha Dance with Death de 1968, con Joe Farrell, Charles Tolliver, Victor Sproles y Billy Higgins, no se publicó hasta 1980 e hizo su primera aparición en disco compacto en 2004. Change tiene una historia interesante, ya que no se publicó en el momento de la grabación y permaneció en la lata hasta 1975, cuando se publicó bajo el nombre de Sam Rivers como parte de un doble de Blue Note dentro de un conjunto de dos LP llamado Involution. El otro disco era una fecha dirigida por Rivers (de 1967) con una banda diferente que llegó a las estanterías de CD en 1998 bajo el título Dimensions and Extensions. Change, tal y como se grabó y editó -e incluso se le asignó un número de catálogo (84233)-, se complementa aquí con dos temas extra de la fecha. Toda esta música se publicó anteriormente en CD en edición limitada (y ahora agotada) como The Complete Blue Note Andrew Hill Sessions (1963-66). Esta banda toca al aire libre, pero no se trata de "free jazz" en el sentido original del término. De hecho, es música compuesta, con mucho espacio para la improvisación, y uno no necesita ir más allá del corte de apertura de 11 minutos, "Violence", donde los acordes de Hill se encuentran detrás de un erizado solo inicial de Rivers. Hill toma el solo de Rivers, citando el stride piano blues y a Thelonious Monk, y luego entra en un dúo punzante con el saxofonista antes de un solo de bajo y la entrada de Hill al clavicordio. Rivers vuelve a meter la cabeza y la desplaza de nuevo a los márgenes. Esta ardiente interacción es un largo ejemplo de lo que aguarda a quienes nunca se han topado con esta música. Es Hill en su momento más intenso y concentrado, con un ansioso grupo de músicos que fueron todos excelentes oyentes. Por el contrario, "Pain", la segunda pista del álbum, parece cualquier cosa menos eso, con un tema oscilante, a lo Monk, antes de que Sproles tome el relevo con un solo de bajo que mantiene el tema a la vista. Rivers no está presente aquí en absoluto; es un número a trío que da zancadas y corre con un solo de piano matador de Hill. El saxofonista no vuelve a entrar en escena hasta la mitad del siguiente corte, "Illusion", con un motivo rítmico de tintes latinos y una maravillosa interpretación de Moses. Cuando Rivers entra, su puntal melódico, cortesía del compositor, parece un hermoso guiño a Ornette. Y así sucesivamente, con una delicia tras otra, incluida una preciosa balada a trío llamada "Lust" que pone punto final al álbum original. Esta es una de las citas "libres" más estructuradas de toda la década de 1960. Es una pena que este conjunto no llegara a grabar más juntos, porque al final del álbum parece como si acabaran de empezar. Hill nunca llegó a ver esta fecha por sí sola en disco. Falleció un mes y medio antes. https://www.allmusic.com/album/change-mw0000779831
One of the most accomplished figures in modern music, crossing jazz,
R&B, film music, and pop over a seven-decade career entailing 27
Grammy awards.
Biography by Mark Deming
In a career spanning over seven decades, Quincy Jones has earned his
reputation as a renaissance man of American music. Since entering the
industry as an arranger in the early 1950s, he has distinguished himself
as a bandleader, solo artist, sideman, songwriter, producer, film
composer, and record label executive. A quick look at a few of the
artists he's worked with -- Miles Davis, Frank Sinatra, Count Basie,
Lesley Gore, Michael Jackson, Peggy Lee, Ray Charles, Paul Simon, and
Aretha Franklin -- reveals the remarkable diversity of his career. He
has been nominated for a record 80 Grammy awards, and has won 27 in
categories including Best Instrumental Jazz Performance for "Walking in
Space" (1969), Producer of the Year (1981), and Album of the Year for
Jackson's Thriller (1983) and his own Back on the Block (1990). Outside
recording studios, he has produced major motion pictures, helped create
television series, and written books, including Q: The Autobiography of
Quincy Jones (2001). An inductee into the Rock and Roll Hall of Fame
(2013), he has continued producing and recording, contributing the song
"Keep Reachin'" for the documentary Quincy: A Life Beyond Measure
(2018).
Quincy Delight Jones, Jr. was born in Chicago, Illinois on March 14,
1933. While still a youngster, his family moved to Seattle, Washington
and he soon developed an interest in music. In his early teens, Jones
began learning the trumpet and started singing with a local gospel
group. By the time he graduated from high school in 1950, Jones had
displayed enough promise to win a scholarship to Boston-based music
school Schillinger House (which later became known as the Berklee School
of Music). After a year at Schillinger, Jones relocated to New York
City, where he found work as an arranger, writing charts for Count
Basie, Cannonball Adderley, Tommy Dorsey, and Dinah Washington, among
others. In 1953, Jones scored his first big break as a performer when he
was added to the brass section of Lionel Hampton's orchestra alongside
jazz legends Art Farmer and Clifford Brown. Three years later, Dizzy
Gillespie tapped Jones to play in his band, and later in 1956, when
Gillespie was invited to put together a big band of outstanding
international musicians, Diz chose Quincy to lead the ensemble. Jones
also released his first album under his own name that year, a set for
ABC-Paramount titled This Is How I Feel About Jazz.
In 1957, Jones moved to Paris in order to study with Nadia Boulanger, an
expatriate American composer with a stellar track record in educating
composers and bandleaders. During his sojourn in France, Jones took a
job with the French record label Barclay, where he produced and arranged
sessions for Jacques Brel and Charles Aznavour, and traveling American
artists like Billy Eckstine and Sarah Vaughan. Jones' work for Barclay
impressed the management at Mercury Records, an American label
affiliated with the French imprint, and in 1961 he was named a
vice-president of Mercury, the first time an African-American had been
hired as an upper-level executive by a major U.S. recording company.
Jones scored one of his first major pop successes when he produced and
arranged "It's My Party" for teenage vocalist Lesley Gore, which marked
his first significant step away from jazz into the larger world of
popular music. (Jones also freelanced for other labels on the side,
including arranging a number of memorable Atlantic sides for Ray
Charles.) In 1963, Jones began exploring what would become a fruitful
medium when he composed his first film score for Sidney Lumet's
controversial drama The Pawnbroker; he would go on to write music for 33
feature films.
In 1964 work with Count Basie led him to arrange and conduct sessions
for Frank Sinatra's album It Might as Well Be Swing, in collaboration
with Basie and his orchestra; he also worked with Sinatra and Basie
again as an arranger for the award-winning Sinatra at the Sands set, and
would produce and arrange one of Sinatra's last albums, L.A. Is My
Lady, in 1984.
While Jones maintained a busy schedule as a composer, producer, and
arranger throughout the '60s, he also re-emerged as a recording artist
in 1969 with the album Walking in Space, which found him recasting his
big-band influences within the framework of the budding fusion movement
and the influences of contemporary rock, pop, and R&B sounds. The
album was a commercial and critical success -- the title song won a
Grammy award for Best Instrumental Jazz Performance, Large Group or
Soloist with Large Group -- and kickstarted Jones' career as a recording
artist. At the same time, he began working more closely with
contemporary pop artists, producing sessions for Aretha Franklin and
arranging strings for Paul Simon's There Goes Rhymin' Simon. While Jones
continued to work with jazz artists, many hard-and-fast jazz fans
accused him of turning his back on the genre, though Jones always
contended his greatest allegiance was to African-American musical
culture rather than any specific style. (Jones did, however, make one
major jazz gesture in 1991 when he persuaded Miles Davis to revisit the
classic Gil Evans arrangements from Miles Ahead, Sketches of Spain, and
Porgy and Bess for that year's Montreux Jazz Festival; Jones coordinated
the concert and led the orchestra, and it proved to be one of the last
major events for the ailing Davis, who passed on a few months later.)
In 1974, Jones suffered a life-threatening brain aneurysm, and while he
made a full recovery, he also made a decision to cut back on his
schedule to spend more time with his family. While Jones may have had
fewer projects on his plate in the late '70s and early '80s, they tended
to be higher profile. He produced major chart hits for the Brothers
Johnson and Rufus & Chaka Khan, and his own albums grew into
all-star productions in which Jones orchestrated top players and singers
in elaborate pop-R&B confections on sets like Body Heat,
Sounds...And Stuff Like That!!, and The Dude, the last of which resulted
in a Grammy for Producer of the Year. Jones' biggest mainstream
success, however, came with his work with Michael Jackson. Jones
produced his breakout solo album, Off the Wall, in 1979, and in 1982
they teamed up again for Thriller, which went on to become the
biggest-selling album of all time. Jones was also on hand for Thriller's
follow-up, 1987's Bad, and the celebrated USA for Africa session which
produced the benefit single "We Are the World" (written by Jackson and
Lionel Richie), and he produced a rare album in which Jackson narrated
the story of the film E.T.: The Extra-Terrestrial. Jones' own Back on
the Block, released in 1989, hit the pop Top Ten and led to five more
Grammy awards, most prominently Album of the Year.
Having risen to the heights of the recording industry, Jones moved from
scoring films to producing them in 1985. His first screen project was
the screen adaptation of Alice Walker's novel The Color Purple, directed
by Steven Spielberg. In 1991 he moved into television production with
the situation comedy The Fresh Prince of Bel Air, which gave Will Smith
his first starring role. Jones' production company also launched several
other successful shows, including In the House and Mad TV. He produced a
massive concert to help commemorate the 1993 inauguration of president
Bill Clinton, and at the 1995 Academy Awards won the Jean Hersholt
Humanitarian Award. In 1996 Jones performed at the Montreux Jazz
Festival to celebrate his 50th anniversary in the music business. The
concert was captured on video and released as a DVD.
Jones spent the rest of the '90s and first decade of the new century
concentrating on his music publishing business, completing Q: The
Autobiography of Quincy Jones, and being an "unofficial" cultural
ambassador for the United States. In 2004 he helped to launch the We Are
the Future (WAF) project, benefiting children in conflict-inhibited
situations all over the globe. In 2010, Jones released Q: Soul Bossa
Nostra, his first album in 15 years. As with many of his previous solo
albums, the set featured appearances by popular vocalists like Amy
Winehouse and Usher. Three years later, he was inducted into the Rock
& Roll Hall of Fame as a recipient of the Ahmet Ertegun Award. He
continued working with artists including Emily Bear, Nikki Yanofsky, and
Terrace Martin, and released the Chaka Khan collaboration "Keep
Reachin'," recorded for Quincy: A Life Beyond Measure, a 2018
documentary about his illustrious career.
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Una de las figuras más destacadas de la música moderna, cruzando el
jazz, el R&B, la música cinematográfica y el pop a lo largo de una
carrera de siete décadas con 27 premios Grammy.
Biografía de Mark Deming
En una carrera que abarca más de siete décadas, Quincy Jones se ha
ganado su reputación como un hombre renacentista de la música
estadounidense. Desde que entró en la industria como arreglista a
principios de la década de 1950, se ha distinguido como líder de banda,
artista solista, sideman, compositor, productor, compositor de películas
y ejecutivo de sello discográfico. Un vistazo rápido a algunos de los
artistas con los que ha trabajado - Miles Davis, Frank Sinatra, Count
Basie, Lesley Gore, Michael Jackson, Peggy Lee, Ray Charles, Paul Simon y
Aretha Franklin - revela la notable diversidad de su carrera. Ha sido
nominado para un récord de 80 premios Grammy, y ha ganado 27 en
categorías incluyendo Mejor Interpretación Instrumental de Jazz por
"Walking in Space" (1969), Productor del Año (1981), y Álbum del Año por
Thriller de Jackson (1983) y su propio Back on the Block (1990). Fuera
de los estudios de grabación, ha producido importantes películas,
ayudado a crear series de televisión y escrito libros, incluyendo Q: The
Autobiography of Quincy Jones (2001). Inducido en el Salón de la Fama
del Rock and Roll (2013), ha seguido produciendo y grabando,
contribuyendo con la canción "Keep Reachin'" para el documental Quincy:
Una vida sin medida (2018).
Quincy Delight Jones, Jr. nació en Chicago, Illinois el 14 de marzo de
1933. Cuando aún era joven, su familia se mudó a Seattle, Washington y
pronto desarrolló un interés por la música. A principios de su
adolescencia, Jones comenzó a aprender a tocar la trompeta y a cantar
con un grupo local de gospel. Para cuando se graduó de la escuela
secundaria en 1950, Jones había mostrado suficiente promesa como para
ganar una beca para la escuela de música Schillinger House (que más
tarde se conoció como la Escuela de Música de Berklee) con sede en
Boston. Después de un año en Schillinger, Jones se mudó a la ciudad de
Nueva York, donde encontró trabajo como arreglista, escribiendo cartas
para Count Basie, Cannonball Adderley, Tommy Dorsey y Dinah Washington,
entre otros. En 1953, Jones consiguió su primera gran oportunidad como
intérprete cuando se incorporó a la sección de metales de la orquesta de
Lionel Hampton junto a las leyendas del jazz Art Farmer y Clifford
Brown. Tres años más tarde, Dizzy Gillespie le pidió a Jones que tocara
en su banda, y más tarde, en 1956, cuando Gillespie fue invitado a
formar una gran banda de destacados músicos internacionales, Diz eligió a
Quincy para dirigir el conjunto. Jones también lanzó su primer álbum
bajo su propio nombre ese año, un set para ABC-Paramount titulado This
Is How I Feel About Jazz.
En 1957, Jones se mudó a París para estudiar con Nadia Boulanger, una
compositora estadounidense expatriada con una trayectoria estelar en la
formación de compositores y directores de orquesta. Durante su estancia
en Francia, Jones trabajó en el sello discográfico francés Barclay,
donde produjo y arregló sesiones para Jacques Brel y Charles Aznavour,
así como para artistas estadounidenses itinerantes como Billy Eckstine y
Sarah Vaughan. El trabajo de Jones para Barclay impresionó a la
dirección de Mercury Records, un sello estadounidense afiliado a la
imprenta francesa, y en 1961 fue nombrado vicepresidente de Mercury, la
primera vez que un afroamericano había sido contratado como ejecutivo de
alto nivel por una importante compañía discográfica estadounidense.
Jones obtuvo uno de sus primeros éxitos pop cuando produjo y arregló
"It's My Party" para la vocalista adolescente Lesley Gore, lo que marcó
su primer paso significativo para alejarse del jazz y entrar en el mundo
más amplio de la música popular. (Jones también trabajó como freelance
para otros sellos, incluyendo el arreglo de varios lados memorables del
Atlántico para Ray Charles). En 1963, Jones comenzó a explorar lo que se
convertiría en un medio fructífero cuando compuso su primera banda
sonora para el polémico drama de Sidney Lumet, The Pawnbroker; luego
escribió música para 33 largometrajes.
En 1964, el trabajo con Count Basie lo llevó a organizar y dirigir las
sesiones del álbum de Frank Sinatra It Might as well be Swing, en
colaboración con Basie y su orquesta; también trabajó con Sinatra y
Basie de nuevo como arreglador del galardonado Sinatra at the Sands set,
y produjo y arregló uno de los últimos álbumes de Sinatra, L.A. Is My
Lady, en 1984.
Si bien Jones mantuvo una apretada agenda como compositor, productor y
arreglista a lo largo de los años 60, también resurgió como artista de
grabación en 1969 con el álbum Walking in Space, que lo encontró
refundiendo sus influencias de big-band dentro del marco del incipiente
movimiento de fusión y las influencias de los sonidos contemporáneos del
rock, el pop y el R&B. El álbum fue un éxito comercial y de crítica
-- la canción del título ganó un premio Grammy por Mejor Interpretación
Instrumental de Jazz, Grupo Grande o Solista con Grupo Grande -- y dio
inicio a la carrera de Jones como artista de grabación. Al mismo tiempo,
comenzó a trabajar más estrechamente con artistas pop contemporáneos,
produciendo sesiones para Aretha Franklin y arreglando cuerdas para
There Goes Rhymin' Simon de Paul Simon. Mientras Jones seguía trabajando
con artistas de jazz, muchos fanáticos del jazz le acusaban de darle la
espalda al género, aunque Jones siempre sostuvo que su mayor lealtad
era a la cultura musical afroamericana más que a un estilo específico.
(Jones, sin embargo, hizo un gran gesto de jazz en 1991 cuando persuadió
a Miles Davis para que revisara los arreglos clásicos de Gil Evans de
Miles Ahead, Sketches of Spain, y Porgy and Bess para el Festival de
Jazz de Montreux de ese año; Jones coordinó el concierto y dirigió la
orquesta, y resultó ser uno de los últimos eventos importantes para el
enfermo Davis, que falleció unos meses después).
En 1974, Jones sufrió un aneurisma cerebral que puso en peligro su vida,
y aunque se recuperó completamente, también tomó la decisión de reducir
su horario para pasar más tiempo con su familia. Si bien Jones pudo
haber tenido menos proyectos en su haber a finales de los'70 y
principios de los'80, tendían a tener un perfil más alto. Produjo
grandes éxitos para los hermanos Johnson y Rufus & Chaka Khan, y sus
propios álbumes se convirtieron en producciones estelares en las que
Jones orquestó a los mejores músicos y cantantes en elaboradas
confecciones pop-R&B en sets como Body Heat, Sounds....And Stuff
Like That! y The Dude, el último de los cuales dio como resultado un
Grammy al Productor del Año. El mayor éxito de Jones, sin embargo, vino
con su trabajo con Michael Jackson. Jones produjo su álbum en solitario,
Off the Wall, en 1979, y en 1982 se unieron de nuevo para Thriller, que
se convirtió en el álbum más vendido de todos los tiempos. Jones
también estuvo presente en el seguimiento de Thriller, Bad de 1987, y en
la célebre sesión de USA for Africa que produjo el single benéfico "We
Are the World" (escrito por Jackson y Lionel Richie), y produjo un álbum
raro en el que Jackson narraba la historia de la película E.T.: The
Extra-Terrestrial. El propio Back on the Block de Jones, publicado en
1989, alcanzó el Top Ten de pop y fue galardonado con cinco premios
Grammy más, siendo el más destacado el Álbum del Año.
Habiendo llegado a la cima de la industria discográfica, Jones pasó de
la banda sonora a la producción de películas en 1985. Su primer proyecto
en la pantalla fue la adaptación de la novela de Alice Walker The Color
Purple, dirigida por Steven Spielberg. En 1991 pasó a la producción
televisiva con la comedia de situación The Fresh Prince of Bel Air, que
le dio a Will Smith su primer papel protagonista. La compañía de
producción de Jones también lanzó varios otros programas exitosos,
incluyendo In the House y Mad TV. Produjo un concierto masivo para
ayudar a conmemorar la toma de posesión del presidente Bill Clinton en
1993, y en los Premios de la Academia de 1995 ganó el Premio Humanitario
Jean Hersholt. En 1996 Jones actuó en el Festival de Jazz de Montreux
para celebrar su 50 aniversario en el negocio de la música. El concierto
fue grabado en video y publicado en DVD.
Jones pasó el resto de los años 90 y la primera década del nuevo siglo
concentrándose en su negocio de publicación de música, completando Q:
The Autobiography of Quincy Jones, y siendo un embajador cultural "no
oficial" para Estados Unidos. En 2004 ayudó a lanzar el proyecto We Are
the Future (WAF), que beneficia a los niños en situaciones de conflicto
en todo el mundo. En 2010, Jones lanzó Q: Soul Bossa Nostra, su primer
álbum en 15 años. Al igual que muchos de sus álbumes anteriores en
solitario, el conjunto contó con la participación de cantantes populares
como Amy Winehouse y Usher. Tres años más tarde, fue admitido en el
Salón de la Fama del Rock & Roll como ganador del Premio Ahmet
Ertegun. Continuó trabajando con artistas como Emily Bear, Nikki
Yanofsky y Terrace Martin, y publicó la colaboración de Chaka Khan "Keep
Reachin'", grabada para Quincy: A Life Beyond Measure, un documental de
2018 sobre su ilustre carrera.
Play Alexander Brott For
guitarist Alexander Brott, the coronavirus pandemic that arrived in
2020 and led to the closing of most indoor venues, jazz and otherwise,
was not all bad. With gigs almost non-existent, it gave the
Swedish-born, Canadian-based and former New York City mainstay a chance
to kick back, relax and start writing. He did so from his rooftop while
listening to favorite composers such as Tadd Dameron, Duke Ellington,
Elmo Hope, Mary Lou Williams, Thelonious Monk and others. After only a
week, Brott had written enough songs to complete an album, and so the
idea for The Aesthetic Attitude was born.
As it turns out, Brott
writes quite well; his fluid, bop-based lines are reminiscent of the
best of a golden era that turned the jazz world upside down as it
rewrote the music's vocabulary. The opener, "Mosaic," sets the tone; its
refreshing rhythmic current sounds much like early-'50s vinyl
recordings by the incomparable Stan Getz with Jimmy Raney or Johnny
Smith. Getz's successor is Stefano Doglioni whose burnished bass
clarinet lands somewhere between Stan's awesome sound and the cool
sonority of the great Swedish baritone, Lars Gullin. Doglioni calls
Gullin to mind on the light and breezy "Hopeless," as he does on the
cheerful "Aesthetic Attitude," deliberative "Just a Moon" and elsewhere.
Brott's
rhythm section—bassist Ari Roland and drummer Keith Balla —is coactive
in every way, with Roland soloing arco on several numbers, and Dalla,
superb with brushes or sticks, having his say with a strong and
expansive solo on the penultimate "Sisyphus." Brott's other themes—he
wrote everything—are no less charming than those already named. "Shake"
and "Milano's" rest securely on the bebop model, as does the vigorous
finale, "Day Off," while "D.S." provides another example of Brott's
winning way with a ballad. With the focus on Brott's writing, nothing
has yet been said about his playing, which is exemplary, blending an
agreeably mellow tone with brisk single-note runs that call to mind such
masters as Jim Hall, Herb Ellis, Barney Kessel or those already named.
There
is, in fact, nothing about The Aesthetic Attitude that is less than
admirable, from the writing and choice of musicians to the performance
itself. True, it is only forty minutes long, but nary a moment of that
time is wasted. Can't award it less than four stars. By Jack Bowers March 7, 2022 https://www.allaboutjazz.com/the-aesthetic-attitude-alexander-brott-fresh-sound-records
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Toca Alexander Brott Para
el guitarrista Alexander Brott, la pandemia de coronavirus que llegó en
2020 y provocó el cierre de la mayoría de los locales cerrados, tanto
de jazz como de otro tipo, no fue del todo mala. La casi inexistencia de
conciertos dio a este sueco afincado en Canadá y antiguo pilar de la
ciudad de Nueva York la oportunidad de relajarse y empezar a escribir.
Lo hizo desde su azotea mientras escuchaba a sus compositores favoritos,
como Tadd Dameron, Duke Ellington, Elmo Hope, Mary Lou Williams,
Thelonious Monk y otros. Tras sólo una semana, Brott había escrito
suficientes canciones para completar un álbum, y así nació la idea de
The Aesthetic Attitude.
Resulta que Brott escribe bastante bien;
sus líneas fluidas, basadas en el bop, recuerdan a lo mejor de una época
dorada que puso el mundo del jazz patas arriba mientras reescribía el
vocabulario de la música. El tema inicial, "Mosaic", marca el tono; su
refrescante corriente rítmica suena muy parecida a las grabaciones en
vinilo de principios de los 50 del incomparable Stan Getz con Jimmy
Raney o Johnny Smith. El sucesor de Getz es Stefano Doglioni, cuyo
bruñido clarinete bajo se sitúa en algún lugar entre el impresionante
sonido de Stan y la fría sonoridad del gran barítono sueco Lars Gullin.
Doglioni recuerda a Gullin en la ligera y ligera "Hopeless", al igual
que en la alegre "Aesthetic Attitude" y en la deliberativa "Just a
Moon", entre otras.
La sección rítmica de Brott -el bajista Ari
Roland y el batería Keith Balla- colabora en todos los sentidos, con
Roland haciendo un solo de arco en varios números, y Dalla, magnífico
con las escobillas o las baquetas, dando su opinión con un solo fuerte y
expansivo en la penúltima "Sisyphus". Los demás temas de Brott -que lo
escribió todo- no son menos encantadores que los ya nombrados. "Shake" y
"Milano's" se apoyan con seguridad en el modelo bebop, al igual que el
vigoroso final, "Day Off", mientras que "D.S." proporciona otro ejemplo
de la manera ganadora de Brott con una balada. Al centrarse en la
escritura de Brott, aún no se ha dicho nada sobre su forma de tocar, que
es ejemplar, mezclando un tono agradablemente suave con rápidas
ejecuciones de una sola nota que recuerdan a maestros como Jim Hall,
Herb Ellis, Barney Kessel o los ya mencionados.
De hecho, no hay
nada en The Aesthetic Attitude que sea menos que admirable, desde la
composición y la elección de los músicos hasta la propia interpretación.
Es cierto que sólo dura cuarenta minutos, pero no se desperdicia ni un
momento de ese tiempo. No puedo concederle menos de cuatro estrellas. Por Jack Bowers 7 de marzo de 2022 https://www.allaboutjazz.com/the-aesthetic-attitude-alexander-brott-fresh-sound-records
