Terry Gibbs • Findin' The Groove

Recording prolifically in the first years of the 21st century, the octogenarian Terry Gibbs still delivers the fastest vibes in the West on this aptly named 2006 release Findin' the Groove. No tributes or concepts based on the past this time -- just straight-ahead, likeable, hard swinging workouts from a sextet that features the great flutist Hubert Laws on its front line. Gibbs and Laws had only played together once before -- when Laws sat in on piccolo unexpectedly on a Gibbs gig at Steamers in Fullerton, CA not long before this session. Yet they make a very graceful pair, their sound dancing with feather-light agility over the rhythm section, giving this ad hoc yet tight little band a special sound all its own. Laws isn't as visible on the recording scene these days as he once was -- and from hearing his sterling, swinging style and huge, golden tone on this date, you can't figure out why this should be so. Another big factor in this session's lightly shaded color scheme is Terry's drummer, son Gerry Gibbs, who propels the selections with the relentless yet never overbearing energy of his father. Terry wrote about half of the material, all of it appealing, including some journeys into samba "Samba Wazoo" and wistful bossa nova ("The House That Might Have Been, " with vocals by Joan Carroll). Amidst all of the up-tempo swingers, "Teach Me Tonight" is a relaxed breather in context, though these thoroughbreds seem reined in, just dying to gallop again. Alas, Jimmy Giuffre's irresistible "Four Brothers" doesn't really hit its stride until the solos kick in; the famous theme sounds uncharacteristically labored (yes, it's difficult). Mostly, though, a splendid session. ~ Richard S. Ginell 
http://www.allmusic.com/album/findin-the-groove-mw0000547204
  
 Published: October 2, 2006 Terry Gibbs: Findin' the Groove Terry Gibbs, who has been Findin' the Groove for more than sixty years and continues to home in on it at the post-retirement age of 81 (82 on October 13), shares the front line with master flutist Hubert Laws on his latest album, which, in typical Gibbs fashion, swings relentlessly in a bop-centered groove from first note to last.
The vibes/flute tandem proves remarkably successful, especially when supported by a savvy rhythm section anchored by Terry's son, Gerry, at the drum kit and including guitarist Dan Faehnle, pianist Tom Ranier and bassist Hamilton Price from Gerry's Thrasher Big Band. Faehnle and Ranier are resourceful improvisers who keep Terry and Hubert on their toes and wailing, while Gerry takes a star turn on Terry's "Dance with the Brushes, patterned after Neal Hefti's "Cute. Terry wrote half a dozen other tunes to complement the standards "But Not for Me and "Teach Me Tonight, Bernie Miller's "Bernie's Tune, Benny Golson's "Killer Joe, Jimmy Giuffre's "Four Brothers and Denzil Best's "Wee. Terry arranged everything, and there's not a turkey in the barnyard.

Joan Carroll, definitely someone to keep an eye on, sings marvelously on the Gershwins' "But Not for Me and Terry's bossa "The House That Might Have Been (lyric by Arthur Hamilton), even though "But Not for Me, written as a lament to love that can never be, is cast as an up-tempo romp whose inherent sadness has been supplanted by pure elation. Even so, Carroll manages to make the change of pace seem convincing.

Laws, who has strayed in recent years from the straight-ahead path, sounds as though he'd never been away, matching Terry stride for stride in a series of electrifying ad-libs that reaches its zenith on the mercurial "Wee. To be honest, these old pros are untroubled at any tempo, as one recognizes throughout this relaxed yet cohesive studio date. Above all, they are having fun together, a vibe (pardon the pun) that the listener can instantly sense and appreciate.

Terry Gibbs and his mates have clearly found a groove, one that should please almost anyone who enjoys swinging, straight-from-the-hip jazz. Excellent sound and generous playing time help make the session even more enticing. Warmly recommended. ~ Jack Bowers, All About Jazz
http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=23200#.UpURtk0we1s

 

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Grabando prolíficamente en los primeros años del siglo XXI, el octogenario Terry Gibbs sigue ofreciendo las vibraciones más rápidas de Occidente en esta publicación de 2006, acertadamente llamada Findin' the Groove. Esta vez no hay homenajes ni conceptos basados en el pasado, sino que se trata de un trabajo directo, simpático y con mucho swing de un sexteto que cuenta con el gran flautista Hubert Laws en primera línea. Gibbs y Laws sólo habían tocado juntos una vez antes - cuando Laws se sentó en el piccolo inesperadamente en un concierto de Gibbs en Steamers en Fullerton, CA no mucho antes de esta sesión. Sin embargo, forman una pareja muy elegante, su sonido baila con una agilidad de pluma sobre la sección rítmica, dando a esta pequeña banda ad hoc pero ajustada un sonido especial propio. Laws ya no es tan visible en la escena discográfica como lo fue en su día, y al escuchar su excelente estilo de swing y su enorme tono dorado en esta sesión, no se puede entender por qué. Otro factor importante en el esquema de color ligeramente matizado de esta sesión es el baterista de Terry, su hijo Gerry Gibbs, que impulsa las selecciones con la energía implacable pero nunca dominante de su padre. Terry escribió aproximadamente la mitad del material, todo él atractivo, incluyendo algunos viajes a la samba "Samba Wazoo" y a la melancólica bossa nova ("The House That Might Have Been", con voces de Joan Carroll). En medio de todos los ritmos de swing, "Teach Me Tonight" es un respiro relajado en el contexto, aunque estos purasangres parecen estar frenados, muriéndose de ganas de galopar de nuevo. Por desgracia, el irresistible "Four Brothers" de Jimmy Giuffre no llega a su punto álgido hasta que los solos entran en acción; el famoso tema suena inusualmente trabajado (sí, es difícil). Sin embargo, en general, es una sesión espléndida. ~ Richard S. Ginell
http://www.allmusic.com/album/findin-the-groove-mw0000547204
 
 Publicado: 2 de octubre de 2006 Terry Gibbs: Findin' the Groove Terry Gibbs, que lleva más de sesenta años encontrando el Groove y que sigue en ello a la edad de 81 años (82 el 13 de octubre), comparte la primera línea con el maestro de la flauta Hubert Laws en su último álbum, que, al estilo típico de Gibbs, se balancea implacablemente en un ritmo centrado en el bop desde la primera hasta la última nota.
El tándem de vibráfono y flauta resulta notablemente exitoso, especialmente cuando está apoyado por una inteligente sección rítmica anclada por el hijo de Terry, Gerry, en la batería y que incluye al guitarrista Dan Faehnle, al pianista Tom Ranier y al bajista Hamilton Price de la Thrasher Big Band de Gerry. Faehnle y Ranier son improvisadores ingeniosos que mantienen a Terry y Hubert en vilo, mientras que Gerry se convierte en la estrella de "Dance with the Brushes" de Terry, inspirada en "Cute" de Neal Hefti. Terry escribió otra media docena de temas para complementar los estándares "But Not for Me" y "Teach Me Tonight", "Bernie's Tune" de Bernie Miller, "Killer Joe" de Benny Golson, "Four Brothers" de Jimmy Giuffre y "Wee" de Denzil Best. Terry lo arregló todo, y no hay un pavo en el corral.

Joan Carroll, sin duda alguien a quien hay que seguir de cerca, canta maravillosamente en "But Not for Me" de los Gershwin y en la bossa "The House That Might Have Been" de Terry (letra de Arthur Hamilton), aunque "But Not for Me", escrita como un lamento al amor que nunca podrá ser, se convierte en un retozo a ritmo acelerado cuya tristeza inherente ha sido suplantada por pura euforia. Aun así, Carroll consigue que el cambio de ritmo resulte convincente.

Laws, que se ha desviado en los últimos años del camino recto, suena como si nunca se hubiera alejado, igualando a Terry zancada a zancada en una serie de electrizantes balbuceos que alcanzan su cenit en la mercurial "Wee". Para ser sinceros, estos viejos profesionales no tienen problemas con ningún tempo, como se reconoce a lo largo de esta relajada pero cohesionada cita de estudio. Por encima de todo, se divierten juntos, un ambiente (perdón por el juego de palabras) que el oyente puede percibir y apreciar al instante.

Terry Gibbs y sus compañeros han encontrado claramente un ritmo, que debería gustar a casi todos los que disfrutan del jazz con swing y directo a la cadera. El excelente sonido y el generoso tiempo de reproducción contribuyen a que la sesión sea aún más atractiva. Muy recomendable. ~ Jack Bowers, All About Jazz
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Barbara Carroll • Live - Her Piano And Trio

 

The elegant jazz pianist, composer and vocalist Barbara Carroll is regarded as one of today’s most fascinating purveyors of swinging jazz piano and expressive vocals. Equally at home in a concert hall or intimate music room, she connects with her audience through the passion, joy and emotional power of her performances. Her inventive piano playing and unique vocal sound transforms composition by Harold Arlen, Cole Porter, Billy Strayhorn or Thelonious Monk into her own art with emotional directness and respect for the tunes and their possibilities.

Noted jazz critic Leonard Feather declared that she was “the first girl to play bop piano,” and People Magazine recently wrote: “Barbara Carroll’s jazz pianism is the subtlest and most intricate that New York has to offer.”

Ms. Carroll’s diverse musical career began at the age of five with piano lessons in her native Worcester, Massachusetts. Her classical training began at age eight and continued through her years at the New England Conservatory of Music. Along the way, she developed a fervent interest in jazz and was influenced by the work of Nat “King” Cole, Bud Powell, Charlie Parker and other important musicians of the era.

After making her New York debut at the celebrated Downbeat Club on legendary 52nd Street, she went on to perform in major music rooms across the country to audiences that regularly included luminaries such as Frank Sinatra, Lena Horne, Tony Bennett, and Dinah Washington. Her work over the past 50 years has spanned everything from appearances on Broadway with her trio in Rodgers and Hammerstein's Me and Juliet to performances in concert halls, jazz clubs, on major TV shows and festival stages throughout the world. She has performed for President and Mrs. Clinton at the White House and has made more than thirty major label recordings with an array of jazz legends including Art Farmer, Claudio Roditi, Bucky Pizzarelli and John Pizzarelli.

Ms. Carroll, whom many regard as New York’s “first lady of jazz piano,” recently completed a record-breaking run at the famed Bemelmans Bar in the Carlyle Hotel, where she appeared annually for two extended engagements for 24 consecutive years. Now performing nearly every Wednesday at Birdland (with bassist Jay Leonhart and Joe Cocuzzo on drums), Ms. Carroll has returned to the kind of jazz clubs that made her famous in the 1950s.

Her 2005 release of “Live At Birdland,” showcases her extensive repertoire coupled with her intimate knowledge and presentation of jazz piano at its best.

https://musicians.allaboutjazz.com/barbaracarroll

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La elegante pianista de jazz, compositora y vocalista Barbara Carroll está considerada como una de las proveedoras más fascinantes de hoy en día de piano de jazz y de voces expresivas. Tanto en su casa, en una sala de conciertos o en una sala de música íntima, conecta con su público a través de la pasión, la alegría y el poder emocional de sus actuaciones. Su inventiva en el piano y su sonido vocal único transforma la composición de Harold Arlen, Cole Porter, Billy Strayhorn o Thelonious Monk en su propio arte con una franqueza emocional y un respeto por las melodías y sus posibilidades.

El célebre crítico de jazz Leonard Feather declaró que era "la primera chica que tocaba el piano bop", y la revista People escribió recientemente: "El pianismo de jazz de Barbara Carroll es el más sutil e intrincado que Nueva York tiene para ofrecer".

La diversa carrera musical de la Sra. Carroll comenzó a la edad de cinco años con clases de piano en su Worcester natal, Massachusetts. Su formación clásica comenzó a los ocho años y continuó durante sus años en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra. En el camino, desarrolló un ferviente interés por el jazz y se vio influenciada por la obra de Nat "King" Cole, Bud Powell, Charlie Parker y otros importantes músicos de la época.

Después de hacer su debut en Nueva York en el célebre Downbeat Club de la legendaria calle 52, se presentó en las principales salas de música de todo el país ante un público que incluía regularmente a luminarias como Frank Sinatra, Lena Horne, Tony Bennett y Dinah Washington. Su trabajo en los últimos 50 años ha abarcado desde apariciones en Broadway con su trío en Me and Juliet (Yo y Julieta) de Rodgers y Hammerstein hasta actuaciones en salas de conciertos, clubes de jazz, en los principales programas de televisión y en escenarios de festivales de todo el mundo. Ha actuado para el Presidente y la Sra. Clinton en la Casa Blanca y ha hecho más de treinta grabaciones de grandes sellos discográficos con una serie de leyendas del jazz como Art Farmer, Claudio Roditi, Bucky Pizzarelli y John Pizzarelli.

La Sra. Carroll, a quien muchos consideran la "primera dama del piano de jazz" de Nueva York, recientemente completó una carrera que rompió récords en el famoso Bar Bemelmans en el Hotel Carlyle, donde se presentó anualmente para dos compromisos extendidos durante 24 años consecutivos. Ahora, al actuar casi todos los miércoles en Birdland (con el bajista Jay Leonhart y Joe Cocuzzo a la batería), la Sra. Carroll ha regresado al tipo de clubes de jazz que la hizo famosa en el decenio de 1950.

Su lanzamiento en 2005 de "Live At Birdland", muestra su extenso repertorio junto con su íntimo conocimiento y presentación del piano de jazz en su mejor momento.

https://musicians.allaboutjazz.com/barbaracarroll

 

 

 

Thelonious Monk With John Coltrane • The Complete 1957 Riverside Recordings

 

Review by Thom Jurek
Hardcore jazzheads with no doubt be delighted with this double-disc set that includes all the recordings Thelonious Monk and John Coltrane did together in 1957 for Riverside. Never mind that the vast majority of this material has been issued several times. There are two cuts that have never appeared before: an alternate of "Crepuscule with Nellie" from the septet sessions for Monk's Music on June 25 and 26 ( with Gigi Gryce, Coleman Hawkins, bassist Wilbur Ware, and drummer Shadow Wilson), and an alternate of "Abide with Me" with just Trane, Hawkins, and Gryce. There are also two tracks -- one of them a false start with Ware and Coltrane -- of "Monk's Mood," recorded on April 12 for inclusion on the otherwise solo Thelonious Himself album. The remaining three cuts with Ware, Wilson, and Coltrane were taken form the At the Five Spot live recording. Orrin Keepnews compiled this collection and wrote a wonderful and insightful essay about recording this music. It was all arranged chronologically, meaning there are no less than five takes in total of "Crepuscule with Nellie" taking up the vast majority of disc one. For those who have to have absolutely everything.
https://www.allmusic.com/album/the-complete-1957-riverside-recordings-mw0000401974

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Reseña de Thom Jurek
Los amantes del jazz estarán encantados con este doble disco que incluye todas las grabaciones que Thelonious Monk y John Coltrane hicieron juntos en 1957 para Riverside. No importa que la gran mayoría de este material se haya publicado varias veces. Hay dos cortes que nunca antes habían aparecido: una alternativa de "Crepuscule with Nellie" de las sesiones del septeto para Monk's Music del 25 y 26 de junio (con Gigi Gryce, Coleman Hawkins, el bajista Wilbur Ware y el batería Shadow Wilson), y una alternativa de "Abide with Me" con sólo Trane, Hawkins y Gryce. También hay dos pistas -- una de ellas una falsa salida con Ware y Coltrane -- de "Monk's Mood", grabada el 12 de abril para su inclusión en el álbum Thelonious Himself, que por lo demás es en solitario. Los tres cortes restantes con Ware, Wilson y Coltrane se tomaron de la grabación en directo At the Five Spot. Orrin Keepnews recopiló esta colección y escribió un maravilloso y perspicaz ensayo sobre la grabación de esta música. Todo se ordenó cronológicamente, lo que significa que hay nada menos que cinco tomas en total de "Crepuscule with Nellie", que ocupan la mayor parte del primer disco. Para los que tienen que tenerlo absolutamente todo.
https://www.allmusic.com/album/the-complete-1957-riverside-recordings-mw0000401974

Charles Kynard ‎• Charles Kynard

Charles Elliot Kynard was born February 20, 1933. A native of  Kansas City, who lived and played in Kansas City, Missouri as a child, and an adult for over forty years. Considered a Hammond organ virtuoso and electric-bass player, Kynard is unquestionably the finest organist to have played in Kansas City, Missouri. Pat Metheney of Kansas City and national fame has said Charles Kynard was the best organ player he has ever played with. Foremost, Kynard holds a very special place in jazz history as he is always mentioned along with the giants of organ mastery that includes Jimmy Smith, Richard “Groove” Holmes, and Jimmy McGriff.

Kynard received his early his early education in the Kansas City, Kansas public Schools.  He received his undergraduate and graduate degrees from the University of Kansas  at Lawrence; Post graduate work at UCLA, University of  California at Long Beach; Avila University, Kansas City; the Ford Free University in Berlin, Germany; and the Hock-Schule for Music in Berlin, Germany.  Charles Kynard started studying and playing music at the tender age of nine then switching from piano to the organ. His Mother, and father, (B.C. Kynard) both were outstanding professional musicians.

An uncle, Ben Kynard, Kansas City’s own Mr. Red Top played with the Lionel Hampton Orchestra; and an aunt was a dean of Music at Hampton Institute.

In 1956-1957 he touched the world with the U.S. Army show. He also appeared on the famous Ed Sullivan show in 1956; and with the Kansas City Philharmonic Orchestra. During the early 1960’s Kynard often played as a guest organist at Municipal stadium at Kansas City Athletics baseball games. There he played the traditional baseball songs in the 7th inning stretch such as Take Me Out To The Ball Game, while also adding his flair for improvisation.

 In 1963, Kynard moved to Los Angeles, California and worked in studio orchestras for Columbia Pictures, and Warner Brothers Pictures.  He also worked with studio musicians in and around Hollywood.  He recorded on three labels, Prestige Records, under his own name with Pacific Jazz in the 1960’s, and Mainstream Records during 1971-74. It is, perhaps, the four records he did for Prestige between 1968 and 1970 that Kynard is best known for.  “Legends of Acid Jazz” which combines the last two of these, “Afro-Disiac” (1970) and “Wa-Tu-Wa-Zui” (1970). A brief discography includes: “Where it’s at“ (1963) “Professor Soul” (1968) “Soul Brotherhood “ (1969), “Reelin With The Feelin”(1969), “Charles Kynard” (1971), “Woga” (1972) “Your Mama Don’t Dance” (1973). In addition, Charles Kynard has accumulated numerous credits for his outstanding work throughout the years, and with many artists continuing today.

Kynard, despite the number of albums produced, actually  recorded infrequently choosing to appear nightly on the Los Angeles County and New York  night club scenes.

Kynard was also an educator who taught mentally challenged children of both the Kansas City, Missouri public school district and the Los Angeles County public school system. In his private studio, he would teach piano and organ to budding musicians of all ages. In addition to his love of several jazz genres that included soul, jazz, and acid jazz, Kynard equally loved and played Gospel music much in the tradition of Thomas Wright Waller (Fats Waller). To that end he served as organist at the First AME Church Los Angeles under the Reverend H. Hartford Brookins before he was selected to the bishopric. Charles Kynard later led First AME Church of Pasadena as its Minister of Music and served as organist for the Fifth District of the AME Church.

Kynard traveled and performed with Gladys Knight and the Pips, and Jimmy Witherspoon, in concerts in New York, California, Rhode Island, Massachusetts and other states. Charles had been performing with the popular stage drama, “Evolution of the Blues.” The good Lord called Charles E. Kynard home July 8, 1979 as he sat at the organ that day playing the music he loved so much.

Charles Kynard was married to the late Alice Kynard and have three children, the late Jeffrey Kynard, Kimberly Kynard of Los Angeles, and noted opera singer, Bradley Kynard of San Francisco.  Two brothers, Gary Kynard of Los Angeles, and Richard Kynard of New York. An uncle Ben Kynard, and an aunt Shiverla Jones of Kansas City, Missouri in addition to several cousins in California,  New York, Lee’s Sumit and Kansas City, Missouri.

Special thanks to cousin Brett Kynard for assembling this biography and working with theAmerican Jazz Museum in Kansas City with their tribute to Charles Kynard.

http://www.kynard.com/wp/?page_id=106

more Charles Kynard  ...   http://www.kynard.com/wp/?page_id=7

User Reviews allmusic.com ...  https://www.allmusic.com/album/woga-mw0000894844/user-reviews

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Charles Elliot Kynard nació el 20 de febrero de 1933. Nacido en Kansas City, vivió y jugó en Kansas City, Missouri de niño y adulto durante más de cuarenta años. Considerado un virtuoso del órgano de Hammond y un bajista eléctrico, Kynard es sin duda el mejor organista que haya tocado en Kansas City, Missouri. Pat Metheney de Kansas City y la fama nacional han dicho que Charles Kynard fue el mejor organista con el que ha jugado. En primer lugar, Kynard ocupa un lugar muy especial en la historia del jazz, ya que siempre se lo menciona junto con los gigantes del dominio de los órganos que incluyen a Jimmy Smith, Richard "Groove" Holmes y Jimmy McGriff.

Kynard recibió su educación temprana en las escuelas públicas de Kansas City, Kansas. Recibió sus títulos de pregrado y posgrado de la Universidad de Kansas en Lawrence; Trabajo de posgrado en UCLA, Universidad de California en Long Beach; Universidad de Ávila, Kansas City; la Universidad Libre de Ford en Berlín, Alemania; y el Hock-Schule para la música en Berlín, Alemania. Charles Kynard comenzó a estudiar y tocar música a la tierna edad de nueve años y luego pasó del piano al órgano. Su madre y su padre, (B.C. Kynard) eran excelentes músicos profesionales.

Un tío, Ben Kynard, el Sr. Red Top de Kansas City, tocó con la Lionel Hampton Orchestra; y una tía era decana de música en el Instituto Hampton.

En 1956-1957 tocó el mundo con el espectáculo del Ejército de los Estados Unidos. También apareció en el famoso show de Ed Sullivan en 1956; y con la Orquesta Filarmónica de Kansas City. Durante los primeros años de la década de 1960, Kynard jugaba a menudo como organista invitado en el estadio Municipal de los juegos de béisbol de Kansas City Athletics. Allí tocó las canciones de béisbol tradicionales en el tramo de la séptima entrada, como el juego Take Me Out To The Ball, a la vez que añadió su talento para la improvisación.

 En 1963, Kynard se mudó a Los Ángeles, California, y trabajó en orquestas de estudio para Columbia Pictures y Warner Brothers Pictures. También trabajó con músicos de estudio en y alrededor de Hollywood. Grabó en tres sellos discográficos, Prestige Records, bajo su propio nombre con Pacific Jazz en la década de 1960, y Mainstream Records durante 1971-74. Es, quizás, los cuatro registros que hizo para Prestige entre 1968 y 1970 que Kynard es mejor conocido. “Legends of Acid Jazz” que combina las dos últimas, “Afro-Disiac” (1970) y “Wa-Tu-Wa-Zui” (1970). Una breve discografía incluye: "Where is at" (1963) "Professor Soul" (1968) "Soul Brotherhood" (1969), "Reelin With The Feelin" (1969), "Charles Kynard" (1971), "Woga" ( 1972) "Tu mamá no baila" (1973). Además, Charles Kynard ha acumulado numerosos créditos por su trabajo sobresaliente a lo largo de los años y con muchos artistas que continúan en la actualidad.

Kynard, a pesar de la cantidad de álbumes producidos, en realidad grabó con poca frecuencia y optó por aparecer todas las noches en las escenas de los clubes nocturnos del condado de Los Ángeles y Nueva York.

Kynard también fue un educador que enseñó a niños con discapacidades mentales tanto del distrito escolar público de Kansas City, Missouri como del sistema de escuelas públicas del condado de Los Angeles. En su estudio privado, enseñaba piano y órgano a músicos en ciernes de todas las edades. Además de su amor por varios géneros de jazz que incluían soul, jazz y acid jazz, Kynard amaba y tocaba la música Gospel en la tradición de Thomas Wright Waller (Fats Waller). Con ese fin, se desempeñó como organista en la Primera Iglesia AME de Los Ángeles bajo el Reverendo H. Hartford Brookins antes de ser seleccionado para el obispado. Charles Kynard más tarde dirigió la Primera Iglesia AME de Pasadena como su Ministro de Música y se desempeñó como organista para el Quinto Distrito de la Iglesia AME.

Kynard viajó y actuó con Gladys Knight and the Pips y Jimmy Witherspoon en conciertos en Nueva York, California, Rhode Island, Massachusetts y otros estados. Charles había estado actuando en el popular drama teatral, "Evolution of the Blues". El buen Señor llamó a Charles E. Kynard a su casa el 8 de julio de 1979 cuando estaba sentado en el órgano ese día tocando la música que tanto amaba.

Charles Kynard se casó con la difunta Alice Kynard y tiene tres hijos, el difunto Jeffrey Kynard, Kimberly Kynard de Los Ángeles, y el destacado cantante de ópera, Bradley Kynard de San Francisco. Dos hermanos, Gary Kynard de Los Ángeles y Richard Kynard de Nueva York. Un tío Ben Kynard y una tía Shiverla Jones de Kansas City, Missouri, además de varios primos en California, Nueva York, Lee's Sumit y Kansas City, Missouri.

Un agradecimiento especial al primo Brett Kynard por reunir esta biografía y trabajar con el American Jazz Museum en Kansas City con su homenaje a Charles Kynard.

http://www.kynard.com/wp/?page_id=106

 

Clifton Chenier • King of the Bayous

Review by Stephen Cook

After gaining initial notoriety in the '50s and '60s on Specialty Records and a variety of small Texas and Louisiana labels, Zydeco King Clifton Chenier brought the blues-fueled Cajun music he practically invented to Chris Strachwitz's roots label Arhoolie, subsequently recording a series of fine albums including 1970's King of the Bayous. Featuring brother and longtime partner Cleveland Chenier on rubboard, Robert St. Judy on drums, Joe Morris on bass and Antoine Victor on guitar, King of the Bayous includes Chenier's standard blend of zydeco two-step, waltzes and blues, and provides an excellent taste of what the band no doubt played on countless one-niters along the Louisiana-Texas Gulf Coast. Zydeco-brand blues predominates with Chenier originals "Hard to Love Someone," "Who Can Your Good Man Be" and "I Am Coming Home," in addition to a cover of the honky-tonk weeper "Release Me." Offering a contrast to the blues and something for the dancers, the band lays down a lively two-step beat on "Tu Le Ton Son Ton," "Josephine Par Se Ma Femme" and "Zodico Two Step." Throughout the varied set, Chenier's irrepressible vocals and accordion playing stand out. A nice sample of bayou zydeco by one of its finest and most original practitioners.

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Traducción Automática:

Reseña por Stephen CookDespués de ganar notoriedad inicial en los años 50 y 60 en Specialty Records y una variedad de pequeñas etiquetas de Texas y Louisiana, Zydeco King Clifton Chenier trajo la música cajún alimentada por el blues que prácticamente inventó a la etiqueta raíz de Chris Strachwitz Arhoolie, y luego grabó una serie de álbumes finos que incluyen el Rey de los Bayous de 1970. Con el hermano y veterano asociado Cleveland Chenier en el rubboard, Robert St. Judy en la batería, Joe Morris en el bajo y Antoine Victor en la guitarra, King of the Bayous incluye la mezcla estándar de Chenier de zydeco de dos pasos, valses y blues, y brinda un excelente sabor de lo que sin duda la banda tocó en innumerables one-niters a lo largo de la costa del Golfo de Louisiana-Texas. El blues de la marca Zydeco predomina con los originales de Chenier "Hard to Love Someone", "Who Can Your Good Man Be" y "I Am Coming Home", además de una versión del honky-tonk weeper "Release Me". Ofreciendo un contraste con el blues y algo para los bailarines, la banda da un alegre ritmo de dos pasos en "Tu Le Ton Son Ton", "Josephine Par Se Ma Femme" y "Zodico Two Step". A lo largo del conjunto variado, se destacan la irreprimible voz y el acordeón de Chenier. Una buena muestra de bayou zydeco por uno de sus mejores y más originales practicantes.