Bobby Hutcherson • Happenings

Happenings is the first album to present Hutcherson as the featured soloist fronting a conventional rhythm section, instead of amongst the experimentally-inclined sextets and quintets he'd led and guested with before. These had produced, most notably, Eric Dolphy's Out To Lunch (Blue Note, 1964) and Hutcherson's own Dialogue (Blue Note, 1965), the latter featuring two new thing auteurs in pianist Andrew Hill and saxophonist Sam Rivers.

More tellingly, the choice of material on Happenings makes for a safer, more mainstream affair than its predecessors. Previously, Hutcherson had either guested with premier league composers like Dolphy, Archie Shepp and Grachan Moncur III, or—with his own bands—relied on other writers (Dialogue was almost entirely written by Hill).

Here all but one of the tunes (pianist Herbie Hancock's "Maiden Voyage") are unremarkable, in-the-tradition Hutcherson originals. With the exception of "The Omen," an ambitious, wannabe-conservatoire construction which isn't convincing, they're a competent but derivative mix of swingers, ballads and Latin tunes.

There is, however, some great playing on Happenings. Hancock's stomping, cluster-chord chromaticism on the opening "Aquarian Moon" is a highlight, as is Hutcherson's own solo on "Maiden Voyage," a track also distinguished by drummer Joe Chambers' metronomic but magically propulsive, centre-of-the-cymbal stick work. "When You Are Near," a classy ballad (though one in search of a good bridge), is arguably the strongest Hutcherson original. But at less than four minutes, it is, perversely, by far the shortest track.

A year and a half after Happenings, Hutcherson, Hancock and Chambers returned to similar territory with Oblique (Blue Note, 1967). Crucially, half the six tracks were written by Hancock and the magnificently quirky Chambers, and the music was raised several storeys as a result.

History rarely runs in an entirely straight line. In the midst of his early-1960s avant-garde endeavours, Hutcherson was a featured soloist in the sextet that recorded Grant Green's exquisitely mellifluous Idle Moments (Blue Note, 1963). Hutcherson revealed himself as a formidable mainstream lyricist, and Happenings, Oblique and much of the work that has followed can be traced back at least as far as Green's album.

https://www.allaboutjazz.com/happenings-bobby-hutcherson-blue-note-records-review-by-chris-may.php

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Traducción Automática:

Happenings es el primer álbum en presentar a Hutcherson como el solista destacado al frente de una sección de ritmo convencional, en lugar de entre los sextetos y quintetos con tendencias experimentales que él había dirigido e invitado antes. Éstos habían producido, sobre todo, Out To Lunch (Blue Note, 1964) de Eric Dolphy y el propio Diálogo (Blue Note, 1965) de Hutcherson, este último con dos autores nuevos en el pianista Andrew Hill y el saxofonista Sam Rivers.De manera más reveladora, la elección del material sobre Acontecimientos hace que sea un asunto más seguro y más convencional que sus predecesores. Anteriormente, Hutcherson había invitado con compositores de primera clase como Dolphy, Archie Shepp y Grachan Moncur III o, con sus propias bandas, confiaba en otros escritores (Dialogue fue escrito casi en su totalidad por Hill).Aquí, todas menos una de las melodías ("Maiden Voyage" de la pianista Herbie Hancock) son originales de Hutcherson, tradicionales en la tradición. Con la excepción de "The Omen", una construcción ambiciosa, aspirante a conservador que no es convincente, son una combinación competente pero derivada de swingers, baladas y melodías latinas.Hay, sin embargo, algunos grandes juegos en Happenings. El pisotón de Hancock, el cromaticismo de grupo en la apertura "Aquarian Moon" es un punto culminante, como lo es el propio solo de Hutcherson en "Maiden Voyage", una pista que también se distingue por el metronómico baterista de Joe Chambers, centro de los platillos. trabajo de palo "When You Are Near", una balada con clase (aunque una en busca de un buen puente), es posiblemente el original más fuerte de Hutcherson. Pero a menos de cuatro minutos, es, perversamente, la pista más corta.Un año y medio después de Happenings, Hutcherson, Hancock y Chambers regresaron a un territorio similar con Oblique (Blue Note, 1967). De manera crucial, la mitad de las seis pistas fueron escritas por Hancock y las magníficamente extravagantes Chambers, y la música se elevó a varios pisos como resultado.La historia rara vez corre en línea recta. En medio de sus esfuerzos vanguardistas de los primeros años de la década de 1960, Hutcherson era un solista destacado en el sexteto que grababa los Momentos idéleos exquisitamente melifluos de Grant Green (Blue Note, 1963). Hutcherson se reveló a sí mismo como un formidable letrista principal, y Happenings, Oblique y gran parte del trabajo que siguió se remontan al menos hasta el álbum de Green.

https://www.allaboutjazz.com/happenings-bobby-hutcherson-blue-note-records-review-by-chris-may.php 

Shakey Jake Harris • Mouth Harp Blues

 

Review by Bill Dahl

When Harris returned to New Jersey later that same year to wax his Bluesville encore, he brought along fellow Chicagoan Jimmie Lee Robinson as his guitarist. A full rhythm section was used this time (New York cats all), but the overall approach was quite a bit closer to what he was used to hearing on Chicago's West side.

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Review by Bill Dahl

When Harris returned to New Jersey later that same year to wax his Bluesville encore, I brought along fellow Chicagoan Jimmie Lee Robinson as his guitarist. A full rhythm section was used this time (New York cats all), but the overall approach was quite a bit closer to what he was used to hearing on Chicago's West side.

 

Roy Ayers • West Coast Vibes

Artist Biography:

Once one of the most visible and winning jazz vibraphonists of the 1960s, then an R&B bandleader in the 1970s and '80s, Roy Ayers' reputation s now that of one of the prophets of acid jazz, a man decades ahead of his time. A tune like 1972's "Move to Groove" by the Roy Ayers Ubiquity has a crackling backbeat that serves as the prototype for the shuffling hip-hop groove that became, shall we say, ubiquitous on acid jazz records; and his relaxed 1976 song "Everybody Loves the Sunshine" has been frequently sampled. Yet Ayers' own playing has always been rooted in hard bop: crisp, lyrical, rhythmically resilient. His own reaction to being canonized by the hip-hop crowd as the "Icon Man" is tempered with the detachment of a survivor in a rough business. "I'm having fun laughing with it," he has said. "I don't mind what they call me, that's what people do in this industry."

Growing up in a musical family -- his father played trombone, his mother taught him the piano -- the five-year-old Ayers was given a set of vibe mallets by Lionel Hampton, but didn't start on the instrument until he was 17. He got involved in the West Coast jazz scene in his early 20s, recording with Curtis Amy (1962), Jack Wilson (1963-1967), and the Gerald Wilson Orchestra (1965-1966); and playing with Teddy Edwards, Chico Hamilton, Hampton Hawes and Phineas Newborn. A session with Herbie Mann at the Lighthouse in Hermosa Beach led to a four-year gig with the versatile flutist (1966-1970), an experience that gave Ayers tremendous exposure and opened his ears to styles of music other than the bebop that he had grown up with.

After being featured prominently on Mann's hit Memphis Underground album and recording three solo albums for Atlantic under Mann's supervision, Ayers left the group in 1970 to form the Roy Ayers Ubiquity, which recorded several albums for Polydor and featured such players as Sonny Fortune, Billy Cobham, Omar Hakim, and Alphonse Mouzon. An R&B-jazz-rock band influenced by electric Miles Davis and the Herbie Hancock Sextet at first, the Ubiquity gradually shed its jazz component in favor of R&B/funk and disco. Though Ayers' pop records were commercially successful, with several charted singles on the R&B charts for Polydor and Columbia, they became increasingly, perhaps correspondingly, devoid of musical interest.

In the 1980s, besides leading his bands and recording, Ayers collaborated with Nigerian musician Fela Anikulapo-Kuti, formed Uno Melodic Records, and produced and/or co-wrote several recordings for various artists. As the merger of hip-hop and jazz took hold in the early '90s, Ayers made a guest appearance on Guru's seminal Jazzmatazz album in 1993 and played at New York clubs with Guru and Donald Byrd. Though most of his solo records had been out of print for years, Verve issued a two-CD anthology of his work with Ubiquity and the first U.S. release of a live gig at the 1972 Montreux Jazz Festival; the latter finds the group playing excellent straight-ahead jazz, as well as jazz-rock and R&B.

Source: Richard S. Ginell

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 Biografía del artista:

Una vez fue uno de los vibrafonistas de jazz más visibles y ganadores de los años 60, luego director de una banda de R&B en los 70 y 80, la reputación de Roy Ayers es ahora la de uno de los profetas del acid jazz, un hombre adelantado a su tiempo. Una canción como "Move to Groove" de 1972 de Roy Ayers Ubiquity tiene un ritmo de fondo chispeante que sirve de prototipo para el arrastrado del hip-hop que se convirtió, digamos, en omnipresente en los discos de acid jazz; y su relajada canción de 1976 "Everybody Loves the Sunshine" ha sido frecuentemente sampleada. Sin embargo, el propio juego de Ayers siempre ha estado enraizado en el hard bop: nítido, lírico, rítmicamente resistente. Su propia reacción al ser canonizado por la multitud del hip-hop como el "Hombre Icono" se templa con el desapego de un sobreviviente en un negocio difícil. "Me estoy divirtiendo riéndome con ello", ha dicho. "No me importa cómo me llamen, eso es lo que hace la gente en esta industria".

Creciendo en una familia musical - su padre tocaba el trombón, su madre le enseñó el piano - el niño de cinco años Ayers recibió un juego de mazos de vibración de Lionel Hampton, pero no empezó con el instrumento hasta los 17 años. Se involucró en la escena del jazz de la Costa Oeste a los 20 años, grabando con Curtis Amy (1962), Jack Wilson (1963-1967) y la Orquesta de Gerald Wilson (1965-1966); y tocando con Teddy Edwards, Chico Hamilton, Hampton Hawes y Phineas Newborn. Una sesión con Herbie Mann en el Faro de Hermosa Beach condujo a un concierto de cuatro años con el versátil flautista (1966-1970), una experiencia que le dio a Ayers una tremenda exposición y le abrió los oídos a otros estilos de música distintos del bebop con el que había crecido.

Después de haber aparecido de forma destacada en el exitoso álbum de Mann Memphis Underground y de haber grabado tres álbumes en solitario para Atlantic bajo la supervisión de Mann, Ayers dejó el grupo en 1970 para formar el Roy Ayers Ubiquity, que grabó varios álbumes para Polydor y contó con la participación de jugadores como Sonny Fortune, Billy Cobham, Omar Hakim y Alphonse Mouzon. Una banda de R&B-jazz-rock influenciada por el eléctrico Miles Davis y el Sexteto Herbie Hancock al principio, Ubiquity fue abandonando gradualmente su componente de jazz en favor del R&B/funk y la música disco. Aunque los discos de pop de Ayers tuvieron éxito comercial, con varios singles en las listas de R&B de Polydor y Columbia, se fueron quedando sin interés musical.

En el decenio de 1980, además de dirigir sus bandas y grabar, Ayers colaboró con el músico nigeriano Fela Anikulapo-Kuti, formó Uno Melodic Records y produjo y/o co-escribió varias grabaciones para varios artistas. Cuando la fusión del hip-hop y el jazz se afianzó a principios de los años 90, Ayers apareció como invitado en el disco seminal de Guru Jazzmatazz en 1993 y tocó en los clubes de Nueva York con Guru y Donald Byrd. Aunque la mayoría de sus discos solistas habían estado agotados durante años, Verve publicó una antología en dos CDs de su trabajo con Ubiquity y el primer lanzamiento estadounidense de un concierto en vivo en el Festival de Jazz de Montreux de 1972; este último encuentra al grupo tocando un excelente jazz directo, así como jazz-rock y R&B.

Fuente: Richard S. Ginell

 

 

 

royayers.net ...

 

 

Blue Moods • Swing & Soul

 

As a music producer and jazz geek, it is always an exciting endeavor to embark on projects that pay homage to the timeless classics while infusing them with fresh interpretations. "Swing & Soul" is precisely that—a labor of love that celebrates the genius of Duke Pearson, who is in my opinion one of the most influential composers and arrangers in the history of jazz.

Duke Pearson's contributions to the jazz canon are immeasurable. His compositions are marked by an enduring quality that transcends eras. From his years with the legendary Blue Note Records to his extensive work as a sideman and leader, Pearson left an indelible mark on the world of jazz. The rich harmonies, captivating melodies, and infectious rhythms found in his compositions serve as the swinging foundation for "Swing & Soul."

The real soul behind "Swing & Soul" are the remarkable musicians of Posi-Tone Records. Art Hirahara's piano work serves as the lynchpin, providing both the groove and the elegance inherent in Pearson's music. Diego Rivera's saxophone soars and weaves its own narrative, paying tribute to the jazz tradition while pushing the boundaries of modern interpretation. Boris Kozlov's bass and Vinnie Sperrazza's drums lay down the essential groove that underpins these timeless compositions. Also adding a distinctive layer of musicality to the album is the esteemed pianist Jon Davis joining in as a special guest on three tracks.

"Swing & Soul" is more than a simple collection of Duke Pearson's compositions. For me, it's both a heartfelt tribute and reimagining of his enduring musical legacy in the hands of the exceptional talents of Art Hirahara, Diego Rivera, Boris Kozlov, Vinnie Sperrazza, and Jon Davis.

With this latest album in the "Blue Moods" series, we are hoping to garner greater attention for this music from new listeners by celebrating both the timeless melodies and the compositional flexibility of these songs while also serving as a fitting testament to Pearson's perseverance to continuously inspire new generations of jazz aficionados.

I would like to extend my thanks to all of the listeners in the Posi-Tone audience for joining together with us on this musical journey, and I hope this latest Blue Moods release will fill your hearts with the joy, beauty, and eternal "Swing & Soul" of jazz.  

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Como productor musical y fanático del jazz, siempre es un esfuerzo emocionante embarcarse en proyectos que rindan homenaje a los clásicos atemporales y al mismo tiempo les infundan nuevas interpretaciones. "Swing & Soul" es precisamente eso, una labor de amor que celebra el genio de Duke Pearson, quien, en mi opinión, es uno de los compositores y arreglistas más influyentes en la historia del jazz.

Las contribuciones de Duke Pearson al canon del jazz son inconmensurables. Sus composiciones están marcadas por una calidad perdurable que trasciende épocas. Desde sus años con los legendarios discos Blue Note hasta su extenso trabajo como acompañante y líder, Pearson dejó una huella imborrable en el mundo del jazz. Las ricas armonías, melodías cautivadoras y ritmos infecciosos que se encuentran en sus composiciones sirven como base oscilante para " Swing & Soul."

El verdadero alma detrás de "Swing & Soul" son los notables músicos de Posi-Tone Records. El trabajo para piano de Art Hirahara sirve como eje central, proporcionando tanto el ritmo como la elegancia inherentes a la música de Pearson. El saxofón de Diego Rivera se eleva y teje su propia narrativa, rindiendo homenaje a la tradición del jazz al tiempo que amplía los límites de la interpretación moderna. El bajo de Boris Kozlov y la batería de Vinnie Sperrazza establecen el ritmo esencial que sustenta estas composiciones atemporales. También agregando una capa distintiva de musicalidad al álbum, el estimado pianista Jon Davis se une como invitado especial en tres pistas.

"Swing & Soul" es más que una simple colección de composiciones de Duke Pearson. Para mí, es tanto un sincero tributo como una reinvención de su legado musical perdurable en manos de los talentos excepcionales del arte Hirahara, Diego Rivera, Boris Kozlov, Vinnie Sperrazza y Jon Davis.

Con este último álbum de la serie "Blue Moods", esperamos atraer una mayor atención hacia esta música por parte de los nuevos oyentes al celebrar tanto las melodías atemporales como la flexibilidad compositiva de estas canciones, al tiempo que sirve como un testimonio apropiado de la perseverancia de Pearson para inspirar continuamente a las nuevas generaciones de aficionados al jazz.

Me gustaría extender mi agradecimiento a todos los oyentes de la audiencia Posi-Tone por unirse a nosotros en este viaje musical, y espero que este último lanzamiento de Blue Moods llene sus corazones con la alegría, la belleza y el eterno "Swing & Soul" del jazz.

The Three Sounds • Three Moods

 

Artist Biography by Stephen Thomas Erlewine

The Three Sounds were one of the most popular artists on Blue Note Records during the late '50s and '60s, thanks to their nimble, swinging, blues-inflected mainstream jazz. Since their records sounded interchangeable and their warm, friendly jazz was instantly accessible, many critics dismissed the group at the time as lounge-jazz, but in the '90s, critical consensus agreed that the group's leader, pianist Gene Harris, was an accomplished, unique stylist whose very ease of playing disguised his technical skill. Similarly, his colleagues, bassist Andrew Simpkins and drummer Bill Dowdy, were a deft, capable rhythm section that kept the group in an appealing, bluesy groove. That groove was so appealing that the Three Sounds maintained a large fan following into the late '60s. During the group's prime period -- from their 1958 debut for Blue Note to the departure of Dowdy in 1967 -- the Three Sounds cut an enormous number of records. Many records hit the shelves, while others stayed in the vaults, to be issued at a later date. Through it all, the trio's sound remained essentially the same, with no real dip in quality until the group began to splinter in the late '60s.

Gene Harris was at the center of the Three Sounds throughout its entire existence. A native of Benton Harbor, MI, he began playing piano as a child, performing in public at the age of six. He soon became distracted by boxing and sports, but he continued to perform music, occasionally in a trio with drummer Bill Dowdy. After they graduated from high school in 1951, both Harris and Dowdy joined the Army and were assigned to different units. However, both men were discharged in 1954, and after they left the Army, they began pursuing different musical careers. Harris played with a variety of bands throughout the South and Midwest, while Dowdy moved to Chicago and played with a number of blues and jazz bands. Two years later, both musicians happened to settle in South Bend, IN and decided to form a band called the Four Sounds with bassist Andrew Simpkins and a tenor saxophonist. After running through a number of tenor saxophonists unsuccessfully, the three musicians decided to jettison the horn from their group and become the Three Sounds. For the next two years, the group played regularly at Midwest venues, particularly in Ohio. They played as a trio, and they also supported such soloists as Lester Young and Sonny Stitt. During this time, Horace Silver became a fan of the group and recommended them to Alfred Lion, the head of Blue Note. Despite the good word, the group remained unsigned. They toured with Stitt and relocated to Washington, D.C., where they worked as a trio and as a rhythm section for touring soloists; during this time, they played with such musicians as Miles Davis and Kenny Burrell. In the fall of 1958, they moved to New York to work with Stitt. Shortly after the move, they signed to Blue Note, in addition to supporting Nat Adderley on a Riverside session.

The Three Sounds cut their first album for Blue Note in September of 1958. That record, Introducing the Three Sounds, became an unexpected success among record buyers, and the group's live performances earned fans like Horace Silver, Sonny Stitt, Miles Davis, and Cannonball Adderley, even if critics tended to dismiss the group. In particular, a Down Beat reviewer panned the album, but that didn't stop the public from buying the record, which soon became one of the most popular jazz records of its year. Blue Note had the band re-enter the studio in February of 1959 to cut their second album, Bottoms Up. It was the third of a total of 17 sessions at Rudy Van Gelder's studio (Introducing had taken two sessions to complete). At one point, Harris estimated that the group has released 35 albums worth of material, with many left in the vaults. During their first stint at Blue Note, they released the following, in addition to Introducing and Bottoms Up: Good Deal, Feelin' Good, Moods, Here We Come, It Just Got to Be, Hey There!, Out of This World, and Black Orchid. The Three Sounds also supported such Blue Note artists as Stanley Turrentine and Lou Donaldson on several recording dates.

The Three Sounds continued successfully on Blue Note until 1962, when they switched labels shortly after recording Black Orchid. They cut one album, Blue Genes, for Verve, then moved to Mercury, where they made three records between December 1962 and 1964. Later in 1964, the trio signed to Limelight, where they made three records. In October of 1966, the group returned to Blue Note and recorded Vibrations. Shortly after the sessions, drummer Bill Dowdy left the group and was replaced by Donald Bailey, who made his first recorded appearance with the group on 1967's Live at the Lighthouse. That album was followed in 1968 by Coldwater Flat, an album that found the trio augmenting their sound with a string section. By the time the group returned to the studio in September 1968 to cut Elegant Soul, Bailey was replaced by Carl Burnette. Elegant Soul continued the pattern of smooth, string-heavy productions, as did 1969's Soul Symphony. By the time the group made Soul Symphony, bassist Andrew Simpkins had left the trio and was replaced by Henry Franklin.

Soul Symphony, for most intents and purposes, was the last record the Three Sounds made. They continued to perform live, and one of those concerts is documented on Live at the It Club, a 1970 date which was released in 1995. Later in 1970, Monk Montgomery replaced Franklin, but this version of the Three Sounds never recorded. Instead, Harris embarked on a solo career in 1971, releasing Gene Harris & the Three Sounds, which also featured Burnette and electric bassist Luther Hughes, along with a number of session men. From that point on, Harris concentrated on his solo career, recording for Blue Note over the next six years. Once his contract expired, Harris retired to Boise, ID, where he worked as a musical director at a hotel. Eventually, he returned to music after bassist Ray Brown convinced the pianist to play on an album for Pablo. Harris resumed his solo career in 1985, signing with Concord Jazz. His new albums, combined with CD reissues of classic Three Sounds dates, prompted a positive critical re-evaluation of his music, and he maintained a strong reputation into the late '90s.

https://www.allmusic.com/artist/the-3-sounds-mn0000478633/biography

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Biografía del artista por Stephen Thomas Erlewine

Los Three Sounds fueron uno de los artistas más populares de Blue Note Records a finales de los años 50 y 60, gracias a su ágil, swinging, blues-influenciado por el jazz convencional. Como sus discos sonaban intercambiables y su jazz cálido y amigable era accesible al instante, muchos críticos descartaron al grupo en ese momento como lounge-jazz, pero en los 90, el consenso de la crítica coincidió en que el líder del grupo, el pianista Gene Harris, era un estilista consumado y único cuya gran facilidad para tocar disfrazaba su habilidad técnica. Del mismo modo, sus colegas, el bajista Andrew Simpkins y el baterista Bill Dowdy, eran una sección rítmica hábil y capaz que mantenía al grupo en un atractivo ritmo de blues. Ese ritmo era tan atractivo que los Three Sounds mantuvieron una gran afición a finales de los 60. Durante el período de apogeo del grupo, desde su debut en 1958 con Blue Note hasta la salida de Dowdy en 1967, los Three Sounds grabaron un enorme número de discos. Muchos discos llegaron a los estantes, mientras que otros se quedaron en las bóvedas, para ser emitidos en una fecha posterior. A través de todo esto, el sonido del trío permaneció esencialmente igual, sin una verdadera disminución en la calidad hasta que el grupo comenzó a escindirse a finales de los 60.

Gene Harris estuvo en el centro de los Tres Sonidos durante toda su existencia. Nacido en Benton Harbor, Michigan, empezó a tocar el piano de niño, actuando en público a los seis años. Pronto se distrajo con el boxeo y los deportes, pero continuó tocando música, ocasionalmente en un trío con el baterista Bill Dowdy. Después de graduarse de la escuela secundaria en 1951, tanto Harris como Dowdy se unieron al ejército y fueron asignados a diferentes unidades. Sin embargo, ambos fueron dados de baja en 1954, y después de dejar el Ejército, comenzaron a seguir carreras musicales diferentes. Harris tocó con una variedad de bandas en todo el sur y el medio oeste, mientras que Dowdy se mudó a Chicago y tocó con varias bandas de blues y jazz. Dos años más tarde, ambos músicos se establecieron en South Bend, IN y decidieron formar una banda llamada Four Sounds con el bajista Andrew Simpkins y un saxofonista tenor. Después de pasar por varios saxofonistas tenores sin éxito, los tres músicos decidieron deshacerse de la trompa de su grupo y convertirse en los Tres Sonidos. Durante los dos años siguientes, el grupo tocó regularmente en lugares del Medio Oeste, particularmente en Ohio. Tocaron como trío, y también apoyaron a solistas como Lester Young y Sonny Stitt. Durante este tiempo, Horace Silver se hizo fan del grupo y los recomendó a Alfred Lion, el jefe de Blue Note. A pesar de la buena noticia, el grupo permaneció sin firmar. Hicieron una gira con Stitt y se trasladaron a Washington, D.C., donde trabajaron como trío y como sección rítmica para solistas de gira; durante este tiempo, tocaron con músicos como Miles Davis y Kenny Burrell. En el otoño de 1958, se mudaron a Nueva York para trabajar con Stitt. Poco después del traslado, firmaron con Blue Note, además de apoyar a Nat Adderley en una sesión de Riverside.

Los Three Sounds grabaron su primer álbum para Blue Note en septiembre de 1958. Ese disco, Introducing the Three Sounds, se convirtió en un éxito inesperado entre los compradores de discos, y las actuaciones en vivo del grupo ganaron fans como Horace Silver, Sonny Stitt, Miles Davis, y Cannonball Adderley, aunque los críticos tendían a descartar al grupo. En particular, un crítico de Down Beat analizó el álbum, pero eso no impidió que el público comprara el disco, que pronto se convirtió en uno de los discos de jazz más populares de su año. Blue Note hizo que la banda volviera al estudio en febrero de 1959 para grabar su segundo álbum, Bottoms Up. Fue el tercero de un total de 17 sesiones en el estudio de Rudy Van Gelder (Introducing había tardado dos sesiones en completarse). En un momento dado, Harris estimó que el grupo había lanzado 35 álbumes con material, y que muchos quedaban en las bóvedas. Durante su primera temporada en Blue Note, lanzaron los siguientes, además de Introducing y Bottoms Up: Good Deal, Feelin' Good, Moods, Here We Come, It Just Got to Be, Hey There!, Out of This World, y Black Orchid. The Three Sounds también apoyó a artistas de Blue Note como Stanley Turrentine y Lou Donaldson en varias fechas de grabación.

Los Tres Sonidos continuaron con éxito en Blue Note hasta 1962, cuando cambiaron de etiqueta poco después de grabar Orquídea Negra. Grabaron un álbum, Blue Genes, para Verve, y luego se trasladaron a Mercury, donde grabaron tres discos entre diciembre de 1962 y 1964. Más tarde, en 1964, el trío firmó con Limelight, donde grabaron tres discos. En octubre de 1966, el grupo volvió a Blue Note y grabó Vibrations. Poco después de las sesiones, el baterista Bill Dowdy dejó el grupo y fue reemplazado por Donald Bailey, quien hizo su primera aparición discográfica con el grupo en 1967 en Live at the Lighthouse. A ese álbum le siguió en 1968 Coldwater Flat, un álbum que encontró al trío aumentando su sonido con una sección de cuerdas. Cuando el grupo volvió al estudio en septiembre de 1968 para grabar Elegant Soul, Bailey fue reemplazado por Carl Burnette. Elegant Soul continuó el patrón de producciones suaves y con cuerdas, como lo hizo la Sinfonía Soul de 1969. Para cuando el grupo hizo la Sinfonía Soul, el bajista Andrew Simpkins había dejado el trío y fue reemplazado por Henry Franklin.

La Sinfonía del Alma, para la mayoría de los intentos y propósitos, fue el último disco que hicieron los Tres Sonidos. Continuaron tocando en vivo, y uno de esos conciertos está documentado en Live at the It Club, una fecha de 1970 que fue lanzada en 1995. Más tarde en 1970, Monk Montgomery reemplazó a Franklin, pero esta versión de los Tres Sonidos nunca se grabó. En su lugar, Harris se embarcó en una carrera en solitario en 1971, lanzando Gene Harris & the Three Sounds, que también contó con Burnette y el bajista eléctrico Luther Hughes, junto con varios hombres de sesión. A partir de entonces, Harris se concentró en su carrera en solitario, grabando para Blue Note durante los siguientes seis años. Una vez que su contrato expiró, Harris se retiró a Boise, ID, donde trabajó como director musical en un hotel. Finalmente, volvió a la música después de que el bajista Ray Brown convenciera al pianista de que tocara en un álbum para Pablo. Harris reanudó su carrera en solitario en 1985, firmando con Concord Jazz. Sus nuevos álbumes, combinados con reediciones de CD de fechas clásicas de Three Sounds, provocaron una positiva reevaluación crítica de su música, y mantuvo una sólida reputación a finales de los 90.

https://www.allmusic.com/artist/the-3-sounds-mn0000478633/biography