Billy Larkin & The Delegates • Hole In The Wall

Organist Billy Larkin and The Delegates immediately came to the attention of the Los Angeles jazz audience when their first record was released, but they also picked up a larger audience when the teenagers discovered they could dance to it. Just as Ramsey Lewis, they had an appeal that far exceeded just the jazz listener.

Basically a jazz trio with heavy emphasis on the blues, Billy Larkin and The Delegates was a versatile and dynamic group that reached into all corners of music to come up with a style and an approach that is both fresh and distinctive.

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El organista Billy Larkin y The Delegates llamaron inmediatamente la atención del público de jazz de Los Ángeles cuando salió su primer disco, pero también captaron un público más numeroso cuando los adolescentes descubrieron que podían bailarlo. Al igual que Ramsey Lewis, tenían un atractivo que superaba con creces al oyente de jazz.

Básicamente un trío de jazz con gran énfasis en el blues, Billy Larkin y The Delegates fue un grupo versátil y dinámico que llegó a todos los rincones de la música para crear un estilo y un enfoque que es a la vez fresco y distintivo.

J.J. Johnson • A Touch Of Satin

 

Biography by Scott Yanow
Considered by many to be the finest jazz trombonist of all time, J.J. Johnson somehow transferred the innovations of Charlie Parker and Dizzy Gillespie to his more awkward instrument, playing with such speed and deceptive ease that at one time some listeners assumed he was playing valve (rather than slide) trombone. Johnson toured with the territory bands of Clarence Love and Snookum Russell during 1941-1942, and then spent 1942-1945 with Benny Carter's big band. He made his recording debut with Carter (taking a solo on "Love for Sale" in 1943), and played at the first JATP concert (1944). Johnson also had plenty of solo space during his stay with Count Basie's Orchestra (1945-1946). During 1946-1950, he played with all of the top bop musicians, including Charlie Parker (with whom he recorded in 1947), the Dizzy Gillespie big band, Illinois Jacquet (1947-1949), and the Miles Davis Birth of the Cool Nonet. His own recordings from the era included such sidemen as Bud Powell and a young Sonny Rollins. Johnson, who also recorded with the Metronome All-Stars, played with Oscar Pettiford (1951) and Miles Davis (1952), but then was outside of music, working as a blueprint inspector for two years (1952-1954). His fortunes changed when, in August 1954, he formed a two-trombone quintet with Kai Winding that became known as Jay and Kai and was quite popular during its two years.

After Johnson and Winding went their separate ways (they would later have a few reunions), Johnson led a quintet that often included Bobby Jaspar. He began to compose ambitious works, starting with 1956's "Poem for Brass," and including "El Camino Real" and a feature for Dizzy Gillespie, "Perceptions"; his "Lament" became a standard. Johnson worked with Miles Davis during part of 1961-1962, led some more small groups of his own, and by the late '60s was kept busy writing television and film scores. J.J. Johnson was so famous in the jazz world that he kept on winning Downbeat polls in the 1970s, even though he was not playing at all. However, starting with a Japanese tour in 1977, Johnson gradually returned to a busy performance schedule, leading a quintet in the 1980s that often featured Ralph Moore. In the mid-'90s, he remained at the top of his field, but by the late '90s and early into the 2000s, the legendary musician fell ill with prostate cancer, and sadly took his own life on February 4, 2001.
https://www.allmusic.com/artist/jj-johnson-mn0000119111#biography

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Biografía de Scott Yanow
Considerado por muchos como el mejor trombonista de jazz de todos los tiempos, J. J. Johnson transfirió de alguna manera las innovaciones de Charlie Parker y Dizzy Gillespie a su instrumento más torpe, tocando con tanta velocidad y facilidad engañosa que en un momento algunos oyentes asumieron que estaba tocando trombón valvular (en lugar de slide). Johnson realizó una gira con las bandas territoriales de Clarence Love y Snookum Russell durante 1941-1942, y luego pasó de 1942 a 1945 con la big band de Benny Carter. Hizo su debut discográfico con Carter (haciendo un solo en" Love for Sale " en 1943) y tocó en el primer concierto de JATP (1944). Johnson también tuvo mucho espacio como solista durante su estadía con la Orquesta de Count Basie (1945-1946). Durante 1946-1950, tocó con todos los mejores músicos de bop, incluido Charlie Parker (con quien grabó en 1947), la Dizzy Gillespie big band, Illinois Jacquet (1947-1949) y Miles Davis Birth of the Cool Nonet. Sus propias grabaciones de la época incluían acompañantes como Bud Powell y un joven Sonny Rollins. Johnson, quien también grabó con Metronome All-Stars, tocó con Oscar Pettiford (1951) y Miles Davis (1952), pero luego estuvo fuera de la música, trabajando como inspector de planos durante dos años (1952-1954). Su suerte cambió cuando, en agosto de 1954, formó un quinteto de dos trombones con Kai Winding que se conoció como Jay y Kai y fue bastante popular durante sus dos años.

Después de que Johnson y Winding se separaran (más tarde tendrían algunas reuniones), Johnson dirigió un quinteto que a menudo incluía a Bobby Jaspar. Comenzó a componer obras ambiciosas, comenzando con "Poem for Brass" de 1956, e incluyendo "El Camino Real" y un largometraje para Dizzy Gillespie, "Perceptions"; su "Lamento" se convirtió en un estándar. Johnson trabajó con Miles Davis durante parte de 1961-1962, dirigió algunos grupos más pequeños propios y, a fines de los 60, se mantuvo ocupado escribiendo bandas sonoras para televisión y cine. J. J. Johnson era tan famoso en el mundo del jazz que siguió ganando encuestas pesimistas en la década de 1970, a pesar de que no tocaba en absoluto. Sin embargo, comenzando con una gira japonesa en 1977, Johnson regresó gradualmente a una apretada agenda de presentaciones, liderando un quinteto en la década de 1980 que a menudo presentaba a Ralph Moore. A mediados de los 90, se mantuvo en la cima de su campo, pero a fines de los 90 y principios de la década de 2000, el legendario músico enfermó de cáncer de próstata y lamentablemente se quitó la vida el 4 de febrero de 2001.
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Johnny 'Guitar' Watson • The Essential Johnny 'Guitar' Watson

 

 

Biography by Bill Dahl
"Reinvention" could just as easily have been Johnny "Guitar" Watson's middle name. The multi-talented performer parlayed his stunning guitar skills into a vaunted reputation as one of the hottest blues axemen on the West Coast during the 1950s. Following his innovative 1954 instrumental "Space Guitar," he scored Top Ten R&B hits like "Those Lonely, Lonely Nights," 1962's "Cuttin' In," and 1967's "Mercy, Mercy, Mercy." However, by the '70s Watson had totally changed his image to that of a charismatic funkster, enjoying more popularity than ever with his down-and-dirty R&B smashes "A Real Mother for Ya," "Superman Lover," and his 1978 version of "Gangster of Love" (which became his theme song). He prefigured the rise of rap with 1980's "Telephone Bill" and even picked up a Grammy nomination for Best Contemporary Blues Album for 1994's Bow Wow just prior to his passing two years later.

Born in 1935, Watson's roots resided within the fertile blues scene of Houston. As a teen, he played with fellow Texas future greats Albert Collins and Johnny Copeland. But he left Houston for Los Angeles when he was only 15 years old. Back then, Watson's main instrument was piano; that's what he played with Chuck Higgins' band when the saxist cut "Motorhead Baby" for Combo in 1952 (Watson also handled vocal duties).

He was listed as Young John Watson when he signed with Federal in 1953. His first sides for the King subsidiary found him still tinkling the ivories, but by 1954, when he dreamed up the absolutely astonishing instrumental "Space Guitar," the youth had switched over to guitar. "Space Guitar" ranks with the greatest achievements of its era -- Watson's blistering rapid-fire attack, done without the aid of a pick, presages futuristic effects that rock guitarists still hadn't mastered another 15 years down the line.

Watson moved over to the Bihari Brothers' RPM label in 1955 and waxed some of the toughest upbeat blues of their time frame (usually under saxist Maxwell Davis' supervision). "Hot Little Mama," "Too Tired," and "Oh Baby" scorched the strings with their blazing attack; "Someone Cares for Me" was a churchy Ray Charles-styled slow-dragger, and "Three Hours Past Midnight" cut bone-deep with its outrageous guitar work and laid-back vocal (Watson's cool phrasing as a singer was scarcely less distinctive than his playing). He scored his first hit in 1955 for RPM with a note-perfect cover of New Orleanian Earl King's two-chord swamp ballad "Those Lonely Lonely Nights."

Though he cut a demo version of the tune while at RPM, Watson's first released version of "Gangster of Love" emerged in 1957 on Keen. Singles for Class ("One Kiss"), Goth, Arvee (the rocking introduction "Johnny Guitar"), and Escort preceded a hookup with Johnny Otis at King during the early '60s. He recut "Gangster" for King, reaching a few more listeners this time, and dented the R&B charts again in 1962 with his impassioned, violin-enriched blues ballad "Cuttin' In."

Never content to remain in one stylistic bag for long, Watson landed at Chess just long enough to cut a jazz album in 1964 that placed him back behind the 88s. Along with longtime pal Larry Williams, Watson rocked England in 1965 (their dynamic repartee was captured for posterity by British Decca). Their partnership lasted stateside through several singles and an LP for OKeh; among their achievements as a duo was the first vocal hit on "Mercy, Mercy, Mercy" in 1967 (predating the Buckinghams by a few months).

Little had been heard of this musical chameleon before he returned decked out in funk threads during the mid-'70s. He hit with "I Don't Want to Be a Lone Ranger" for Fantasy before putting together an incredible run at DJM Records paced by "A Real Mother for Ya" in 1977 and an updated "Gangster of Love" the next year.

After a typically clever "Strike on Computers" nicked the R&B lists in 1984, Watson again seemed to fall off the planet. But counting this remarkable performer out was always a mistake. Bow Wow, his 1994 album for Al Bell's Bellmark logo, returned him to prominence and earned a Grammy nomination for best contemporary blues album, even though its contents were pure old-school funk. Sadly, in the midst of a truly heartwarming comeback campaign, Watson passed away while touring Japan in 1996.
https://www.allmusic.com/artist/johnny-guitar-watson-mn0000242511#biography

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Biografía de Bill Dahl
"Reinvención" podría haber sido fácilmente el segundo nombre de Johnny "Guitar" Watson. El polifacético intérprete aprovechó sus impresionantes habilidades con la guitarra para ganarse la reputación de ser uno de los mejores músicos de blues de la Costa Oeste durante la década de 1950. Después de su innovadora instrumental de 1954 "Space Guitar", obtuvo los diez mejores éxitos de R & B como "Those Lonely, Lonely Nights", "Cuttin' In" de 1962 y "Mercy, Mercy, Mercy" de 1967. Sin embargo, en los años 70 Watson había cambiado totalmente su imagen a la de un funkster carismático, disfrutando de más popularidad que nunca con sus éxitos de R&B sucios y sucios "A Real Mother for Ya", "Superman Lover" y su versión de 1978 de " Gangster of Love "(que se convirtió en su tema principal). Prefiguró el auge del rap con "Telephone Bill" de 1980 e incluso obtuvo una nominación al Grammy al Mejor Álbum de Blues Contemporáneo por Bow Wow de 1994 justo antes de su fallecimiento dos años después.

Nacido en 1935, las raíces de Watson residían en la fértil escena del blues de Houston. Cuando era adolescente, tocó con sus compañeros futuros grandes de Texas Albert Collins y Johnny Copeland. Pero se fue de Houston a Los Ángeles cuando solo tenía 15 años. En ese entonces, el instrumento principal de Watson era el piano; eso es lo que tocaba con la banda de Chuck Higgins cuando el saxofonista grabó "Motorhead Baby" para Combo en 1952 (Watson también se encargó de las tareas vocales).

Fue catalogado como el joven John Watson cuando firmó con Federal en 1953. Sus primeros lados para la filial King lo encontraron todavía tintineando los marfiles, pero en 1954, cuando soñó con la absolutamente asombrosa "Guitarra Espacial" instrumental, los jóvenes se habían cambiado a la guitarra. "Space Guitar" se ubica entre los mayores logros de su época: el abrasador ataque rápido de Watson, realizado sin la ayuda de una púa, presagia efectos futuristas que los guitarristas de rock aún no habían dominado otros 15 años.

Watson se mudó al sello RPM de los Hermanos Bihari en 1955 y encer algunos de los blues optimistas más duros de su época (generalmente bajo la supervisión del saxofonista Maxwell Davis). "Hot Little Mama", "Too Tired" y "Oh Baby" quemaron las cuerdas con su ataque ardiente; "Someone Cares for Me" era una canción lenta al estilo de Ray Charles, y "Three Hours Past Midnight" llegó hasta los huesos con su escandaloso trabajo de guitarra y su voz relajada (el fraseo genial de Watson como cantante era apenas menos distintivo que su interpretación). Obtuvo su primer éxito en 1955 para RPM con una versión perfecta de la balada de pantano de dos acordes de Earl King de Nueva Orleans "Those Lonely Lonely Nights."

Aunque grabó una versión demo de la canción mientras estaba en RPM, la primera versión lanzada por Watson de" Gangster of Love " surgió en 1957 en Keen. Singles para Class ("One Kiss"), Goth, Arvee (la introducción rockera "Johnny Guitar") y Escort precedieron a una conexión con Johnny Otis en King a principios de los 60. Volvió a grabar "Gangster" para King, llegando a algunos oyentes más esta vez, y volvió a entrar en las listas de éxitos de R&B en 1962 con su apasionada balada de blues enriquecida con violín "Cuttin' In."

Nunca contento con permanecer en una bolsa estilística por mucho tiempo, Watson aterrizó en Chess el tiempo suficiente para grabar un álbum de jazz en 1964 que lo colocó de nuevo detrás de los 88. Junto con su viejo amigo Larry Williams, Watson sacudió Inglaterra en 1965 (su dinámica réplica fue capturada para la posteridad por British Decca). Su asociación duró en los Estados Unidos a través de varios sencillos y un LP para OKeh; entre sus logros como dúo se encontraba el primer éxito vocal en "Mercy, Mercy, Mercy" en 1967 (anterior a los Buckingham por unos meses).

Poco se había oído hablar de este camaleón musical antes de regresar ataviado con hilos de funk a mediados de los 70. Golpeó con "I Don't Want to Be a Lone Ranger" para Fantasy antes de armar una increíble carrera en DJM Records al ritmo de "A Real Mother for Ya" en 1977 y una actualización de "Gangster of Love" al año siguiente.

Después de que un "Ataque a las computadoras" típicamente inteligente arrasara en las listas de R&B en 1984, Watson pareció caer nuevamente del planeta. Pero descartar a este notable intérprete siempre fue un error. Bow Wow, su álbum de 1994 para el logotipo de Bellmark de Al Bell, lo devolvió a la prominencia y le valió una nominación al Grammy al mejor álbum de blues contemporáneo, a pesar de que su contenido era puro funk de la vieja escuela. Lamentablemente, en medio de una campaña de regreso verdaderamente conmovedora, Watson falleció mientras estaba de gira por Japón en 1996.
https://www.allmusic.com/artist/johnny-guitar-watson-mn0000242511#biography

Bill Evans • At The Montreux Jazz Festival

 

Review by Rovi Staff  

Bill Evans' 1968 release, At the Montreux Jazz Festival, marks the beginning of stylistic changes for the legendary pianist. Only one year earlier, his At Town Hall release found his approach generally more introspective and brooding. In contrast, this set is more lively, playful, and experimental. Much of this is down to the active and intense drumming of Jack DeJohnette, who had joined the trio only a short time before this concert was recorded; longtime bandmate Eddie Gomez is also featured on this album. His energetic soloing adds veracity to tunes such as "Embraceable You" and "A Sleeping Bee." DeJohnette, too, is given several opportunities to display his drumming skills. His lengthy solo on "Nardis" displays his technical prowess and four-way coordination; such acumen would later cause jazz fans and critics alike to hail DeJohnette as one of the world's premier jazz drummers. Evans, famous for a soft-spoken pianistic touch, seems driven to new vistas on this album. He experiments more with harmonic dissonance and striking rhythmical contrasts, making this his most extroverted playing since his freshman release, New Jazz Conceptions.

https://www.allmusic.com/album/at-the-montreux-jazz-festival-mw0000652751

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Revisión por el personal de Rovi  
El lanzamiento de Bill Evans en 1968, At the Montreux Jazz Festival, marca el comienzo de los cambios estilísticos para el legendario pianista. Sólo un año antes, su lanzamiento en el Ayuntamiento encontró su enfoque en general más introspectivo y melancólico. En contraste, este conjunto es más animado, juguetón y experimental. Gran parte de esto se debe a la activa e intensa batería de Jack DeJohnette, que se había unido al trío poco antes de que se grabara este concierto; su antiguo compañero de banda Eddie Gómez también aparece en este álbum. Sus enérgicos solos añaden veracidad a temas como "Embraceable You" y "A Sleeping Bee". A DeJohnette también se le dan varias oportunidades para mostrar sus habilidades como baterista. Su largo solo en "Nardis" muestra su destreza técnica y su coordinación en cuatro direcciones; tal perspicacia haría que más tarde los aficionados y críticos de jazz aclamaran a DeJohnette como uno de los principales bateristas de jazz del mundo. Evans, famoso por su suave toque pianístico, parece que se ha visto impulsado a nuevas perspectivas en este álbum. Experimenta más con la disonancia armónica y los sorprendentes contrastes rítmicos, lo que hace que sea su forma de tocar más extrovertida desde su primer lanzamiento, New Jazz Conceptions.
https://www.allmusic.com/album/at-the-montreux-jazz-festival-mw0000652751

 

 

 

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Hank Jacobs • East side [single]