Walt Weiskopf • The Way You Say It

 

 

Biography
Saxophonist, composer and author Walt Weiskopf began his New York career performing with the Buddy Rich Big Band in 1981 at the age of 21. Since then, he has made an impressive mark as both a leader and sideman with 20 critically-acclaimed CDs and countless sideman credits, including performing and recording with Buddy Rich, Frank Sinatra, Steely Dan, Donald Fagen, Boz Scaggs and Michael McDonald.

A dynamic player with enormous technical prowess, Walt is equally well regarded as a composer. His recordings as leader contain predominantly original work with unique interpretations of standards always in the mix. Walt’s seven books on jazz improvisation are among the most respected in the field.

Whether for quartet, nonet, or any configuration in between, Walt’s compositions and arrangements have attracted fans and critical notice.

Simplicity (Criss Cross Jazz-1993), met with immediate success. It was number one on Eurojazz radio for four straight weeks and inspired Mel Martin of Saxophone Journal to write: “Walt Weiskopf’s prime influence as a player appears to be John Coltrane, but he is no slavish imitator. He gets to musical matters in a powerful and positive way, asserting a definite viewpoint… He displays much technical accomplishment, yet makes it sound basic and accessible.”

Walt’s Song for My Mother (Criss Cross Jazz-1996), was awarded four stars in Downbeat Magazine. Bret Primack of Jazz Central Station listed Song for My Mother as one of the ten best jazz albums of 1997 and Crusader Magazine chose this recording as its number one Jazz Pick of the Year.

Walt’s subsequent recordings, from A World Away in 1994 (Criss Cross Jazz) to the most recent Fountain Of Youth (Posi-tone-2017), have also caused a critical stir.

In the September 1997 issue of JazzTimes, Bill Milkowski counted Walt among his “five most underrated players;” by 2000, Milkowski found that Walt had fulfilled his early promise, and is “…a major talent…a monster tenor saxophonist as well as a prolific composer and accomplished arranger.” Blaine Fallis’ review of Open Road (Posi-tone 2015) in All About Jazz said “Weiskopf is freed up to take off on an improvisatory spectacle that paints the story of his great talent.” About his most recent offering, a 2017 review in the New York City Jazz Record stated “…Fountain of Youth (Posi-tone 2017) could only have come from someone with broad experience in music and life…Weiskopf understands it all.”
https://www.allaboutjazz.com/musicians/walt-weiskopf

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Biografía
El saxofonista, compositor y autor Walt Weiskopf comenzó su carrera en Nueva York actuando con la Buddy Rich Big Band en 1981, a la edad de 21 años. Desde entonces, ha dejado una huella impresionante como líder y acompañante con 20 CD aclamados por la crítica e innumerables créditos como acompañante, incluyendo actuaciones y grabaciones con Buddy Rich, Frank Sinatra, Steely Dan, Donald Fagen, Boz Scaggs y Michael McDonald.

Walt es un intérprete dinámico con una enorme destreza técnica, y está igualmente bien considerado como compositor. Sus grabaciones como líder contienen predominantemente obras originales con interpretaciones únicas de estándares siempre en la mezcla. Los siete libros de Walt sobre improvisación jazzística se encuentran entre los más respetados del sector.

Ya sea para cuarteto, noneto o cualquier configuración intermedia, las composiciones y arreglos de Walt han atraído a los aficionados y a la crítica.

Simplicity (Criss Cross Jazz-1993) tuvo un éxito inmediato. Fue número uno en la radio Eurojazz durante cuatro semanas seguidas e inspiró a Mel Martin de Saxophone Journal a escribir: "La principal influencia de Walt Weiskopf como intérprete parece ser John Coltrane, pero no es un imitador servil. Llega a los asuntos musicales de una manera poderosa y positiva, afirmando un punto de vista definido... Despliega muchos logros técnicos, pero los hace sonar básicos y accesibles".

Walt's Song for My Mother (Criss Cross Jazz-1996), fue galardonado con cuatro estrellas en la revista Downbeat. Bret Primack, de Jazz Central Station, incluyó Song for My Mother entre los diez mejores álbumes de jazz de 1997 y Crusader Magazine eligió esta grabación como su Jazz Pick número uno del año.

Las grabaciones posteriores de Walt, desde A World Away en 1994 (Criss Cross Jazz) hasta la más reciente Fountain Of Youth (Posi-tone-2017), también han causado revuelo entre la crítica.

En el número de septiembre de 1997 de JazzTimes, Bill Milkowski contaba a Walt entre sus "cinco músicos más infravalorados"; en 2000, Milkowski consideraba que Walt había cumplido sus primeras promesas, y es "...un gran talento...un saxofonista tenor monstruoso, así como un compositor prolífico y un arreglista consumado". La crítica de Blaine Fallis de Open Road (Posi-tone 2015) en All About Jazz dijo que "Weiskopf se libera para despegar en un espectáculo improvisatorio que pinta la historia de su gran talento." Sobre su oferta más reciente, una reseña de 2017 en New York City Jazz Record afirmaba "...Fountain of Youth (Posi-tone 2017) solo podría haber venido de alguien con amplia experiencia en la música y en la vida... Weiskopf lo entiende todo."
https://www.allaboutjazz.com/musicians/walt-weiskopf


waltweiskopf.com ...

 

Lenny Dee • Mr. Dee Goes To Town

 

 

 

Leonard George DeStoppelaire (January 5, 1923 – February 12, 2006), better known as Lenny Dee, was a virtuoso organist who played many styles of music. His record albums were among the most popular of easy listening and space age pop organists of the 1950s through the early 1970s. His signature hit, Plantation Boogie, charted as a Top 20 hit in 1955. He also had a gold record with 1970's Spinning Wheel.
Dee played a variety of songs in numerous styles. He played original compositions, popular songs, and novelty tunes, and was a master of improvisation. Although his unique style was a pop/boogie-woogie blend, he also played ballads, country and western, jazz, rock, and patriotic songs.
from: https://en.wikipedia.org/wiki/Lenny_Dee

 

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Leonard George DeStoppelaire (5 de enero de 1923 - 12 de febrero de 2006), más conocido como Lenny Dee, fue un virtuoso organista que tocó muchos estilos de música. Sus álbumes de discos se encuentran entre los más populares de los organistas de música pop de la era espacial y de fácil escucha de los años cincuenta a principios de los setenta. Su éxito característico, Plantation Boogie, se situó en el Top 20 en 1955. También tuvo un disco de oro con Spinning Wheel de los 70.
Dee tocó una variedad de canciones en numerosos estilos. Tocaba composiciones originales, canciones populares y temas novedosos, y era un maestro de la improvisación. Aunque su estilo único era una mezcla de pop/boogie-woogie, también tocaba baladas, country y western, jazz, rock y canciones patrióticas.
de: https://en.wikipedia.org/wiki/Lenny_Dee

Joe Henderson • Tetragon

 

Biography by Scott Yanow
Joe Henderson is proof that jazz can sell without watering down the music; it just takes creative marketing. Although his sound and style were virtually unchanged from the mid-'60s, Joe Henderson's signing with Verve in 1992 was treated as a major news event by the label (even though he had already recorded many memorable sessions for other companies). His Verve recordings had easy-to-market themes (tributes to Billy Strayhorn, Miles Davis, and Antonio Carlos Jobim) and, as a result, he became a national celebrity and a constant poll winner while still sounding the same as when he was in obscurity in the 1970s.

The general feeling is that it couldn't have happened to a more deserving jazz musician. After studying at Kentucky State College and Wayne State University, Joe Henderson played locally in Detroit before spending time in the military (1960-1962). He played briefly with Jack McDuff and then gained recognition for his work with Kenny Dorham (1962-1963), a veteran bop trumpeter who championed him and helped Henderson get signed to Blue Note. Henderson appeared on many Blue Note sessions both as a leader and as a sideman, spent 1964-1966 with Horace Silver's Quintet, and during 1969-1970 was in Herbie Hancock's band. From the start, he had a very distinctive sound and style which, although influenced a bit by both Sonny Rollins and John Coltrane, also contained a lot of brand new phrases and ideas. Henderson had long been able to improvise in both inside and outside settings, from hard bop to freeform. In the 1970s, he recorded frequently for Milestone and lived in San Francisco, but was somewhat taken for granted. The second half of the 1980s found him continuing his freelancing and teaching while recording for Blue Note, but it was when he hooked up with Verve that he suddenly became famous. Virtually all of his recordings are currently in print on CD, including a massive collection of his neglected (but generally rewarding) Milestone dates. On June 30, 2001, Joe Henderson passed away due to heart failure after a long battle with emphysema.
https://www.allmusic.com/artist/joe-henderson-mn0000139804/biography

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Biografía de Scott Yanow
Joe Henderson es la prueba de que el jazz puede venderse sin diluir la música; sólo hace falta un marketing creativo. Aunque su sonido y su estilo no han cambiado prácticamente desde mediados de los años 60, el fichaje de Joe Henderson por Verve en 1992 fue tratado como un gran acontecimiento por la discográfica (a pesar de que ya había grabado muchas sesiones memorables para otras compañías). Sus grabaciones para Verve tenían temas fáciles de comercializar (homenajes a Billy Strayhorn, Miles Davis y Antonio Carlos Jobim) y, como resultado, se convirtió en una celebridad nacional y en un constante ganador de encuestas mientras seguía sonando igual que cuando estaba en la oscuridad en los años 70.

El sentimiento general es que no podría haberle ocurrido a un músico de jazz más meritorio. Tras estudiar en el Kentucky State College y en la Wayne State University, Joe Henderson tocó a nivel local en Detroit antes de pasar por el ejército (1960-1962). Tocó brevemente con Jack McDuff y luego ganó reconocimiento por su trabajo con Kenny Dorham (1962-1963), un veterano trompetista de bop que lo defendió y ayudó a Henderson a firmar con Blue Note. Henderson apareció en muchas sesiones de Blue Note como líder y como acompañante, pasó de 1964 a 1966 con el Quinteto de Horace Silver, y durante 1969-1970 estuvo en la banda de Herbie Hancock. Desde el principio, tenía un sonido y un estilo muy característicos que, aunque estaban un poco influenciados por Sonny Rollins y John Coltrane, también contenían muchas frases e ideas nuevas. Henderson llevaba mucho tiempo siendo capaz de improvisar tanto en ambientes interiores como exteriores, desde el hard bop hasta el freeform. En la década de 1970, grabó con frecuencia para Milestone y vivió en San Francisco, pero se le daba por descontado. En la segunda mitad de los años 80 continuó trabajando como freelance y dando clases mientras grababa para Blue Note, pero fue cuando se unió a Verve cuando se hizo famoso de repente. En la actualidad, casi todas sus grabaciones se encuentran en CD, incluida una enorme colección de sus olvidadas (pero generalmente gratificantes) fechas de Milestone. El 30 de junio de 2001, Joe Henderson falleció debido a un fallo cardíaco tras una larga batalla contra el enfisema.
https://www.allmusic.com/artist/joe-henderson-mn0000139804/biography

www.bluenote.com/joe-henderson ...
 

 Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Lou Bennett Quartet • Amen

"Lou Bennett began as a bop pianist, then switched to organ and became a solid player in the late '50s. With Jimmy Smith's virtuostic approach as inspiration, Bennett left piano behind in 1956, and toured the East and Midwest with his organ trio from 1957 through 1959. Bennett left America for Paris in 1960. He recorded there, played at the city's Blue Note club with Jimmy Gourley and fellow expatriate Kenny Clarke, who became one of his regulars alongside Rene Thomas. Bennett made only one return visit to America, appearing at the 1964 Newport Jazz Festival. He led his own group during the '80s." -All Music Guide

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Lou Bennett fue el nombre artístico de Jean-Louis Benoît (n. Filadelfia, Estados Unidos, 18 de mayo de 1926 - Le Chesnay, Francia, 10 de febrero de 1997), músico organista de jazz norteamericano.

Lou Bennett tocó primero bebop al piano en algunos locales de Baltimore hasta 1956 y se decide por consagrarse al órgano tras escuchar la música de Jimmy Smith.

Gira por Estados Unidos con un trío de órgano entre 1957 y 1959, y se traslada a París en 1960 para iniciar su carrera europea, allí toca y graba en Blue Note con Jimmy Gourley y Kenny Clarke, así como con René Thomas, volverá solo en una ocasión a América, al Newport Jazz Festival de 1964.

Grabó además en los años 60 con Philip Catherine y Franco Manzecchi. En los años 80 tocó en su propio quinteto junto a Gerard Badini, entre otros, en ese período realizó giras por España, pasando por escenarios de Almería, Barcelona, La Coruña, Segovia y Madrid. En 1966 graba un disco junto a la cantante catalana Núria Feliu: Núria Feliu amb Lou Bennett i els seus amics y su disco Now hear my meaning editado en 1993 fue grabado en vivo en Barcelona.

VA • Jazzify-Flute

 

Yusef Lateef, Roland Kirk, Bobbi Humphrey, Dave Valentin, Herbie Mann, James Moody ...