Billy Strange,Joe Maphis,Howard Roberts, and others
Thursday, October 29, 2026
Shelly Manne & Russ Freeman • Shelly Manne & Russ Freeman
Shelly Manne Biography by Scott Yanow
Shelly Manne made a countless number of records from the 1940s into the '80s but is best-known as a good-humored bandleader who never hogged the spotlight. Originally a saxophonist, Manne switched to drums when he was 18 and started working almost immediately. He was with Joe Marsala's band (making his recording debut in 1941), played briefly in the big bands of Will Bradley, Raymond Scott, and Les Brown and was on drums for Coleman Hawkins's classic "The Man I Love" session of late 1943. Manne worked on and off with Stan Kenton during 1946-1952, also touring with Jazz at the Philharmonic (1948-1949), and gigging with Woody Herman (1949). After leaving Kenton, Manne moved to Los Angeles where he became the most in-demand of all jazz drummers. He began recording as a leader (his first session was cut in Chicago in 1951) on a regular basis starting in 1953 when he first put together the quintet Shelly Manne & His Men. Among the sidemen who were in his band during their long string of Contemporary recordings (1955-1962) were Stu Williamson, Conte Candoli, Joe Gordan, Bob Enevoldsen, Joe Maini, Charlie Mariano, Herb Geller, Bill Holman, Jimmy Giuffre, Richie Kamuca, Victor Feldman, Russ Freeman, Ralph Pena, Leroy Vinnegar, and Monty Budwig. Manne, who had the good fortune to be the leader of a date by the André Previn Trio that resulted in a major seller (jazz versions of tunes from My Fair Lady), always had an open musical mind and he recorded some fairly free pieces on The Three and the Two (trios with Shorty Rogers and Jimmy Giuffre that did not have a piano or bass, along with duets with Russ Freeman), and enjoyed playing on an early session with Ornette Coleman. In addition to his jazz work, Manne appeared on many film soundtracks and even acted in The Man with the Golden Arm. He ran the popular club Shelly's Manne-Hole during 1960-1974, kept his music open to freer sounds (featuring trumpeter Gary Barone and tenor saxophonist John Gross during 1969-1972), played with the L.A. Four in the mid-'70s, and was very active up until his death. Throughout his career Shelly Manne recorded as a leader for Savoy, Interlude, Contemporary, Jazz Groove, Impulse, Verve, Capitol, Atlantic, Concord, Mainstream, Flying Dutchman, Discovery, Galaxy, Pausa, Trend, and Jazziz, in addition to a few Japanese labels.
https://www.allmusic.com/artist/shelly-manne-mn0000019435#biography
Russ Freeman Biography by Steve Huey
Pianist Russ Freeman -- not to be confused with the guitarist/leader of the Rippingtons -- was better known as a sideman than a leader, but he was an important collaborator with both Chet Baker and Shelly Manne, leaving his mark on two of the most celebrated bodies of work in West Coast cool jazz. Classically trained as a child, Freeman began making a name for himself on the West Coast jazz scene in the mid-'40s, playing mostly with bebop-oriented groups. During this period, he worked with Howard McGhee, Dexter Gordon, Charlie Parker, Art Pepper, Shorty Rogers, and Wardell Gray, among others. Freeman joined Chet Baker's new quartet in 1953, and their chemistry was immediate as Freeman proved to be perhaps the most sympathetic accompanist the trumpeter/vocalist ever had; his tasteful, well-formulated original compositions also fit Baker's style well and "The Wind" became something of a standard. Their collaboration spanned 1953-1954 and 1956; in 1955, Freeman began another rewarding association with drummer Shelly Manne, which lasted until 1966. Most of his infrequent sessions as a leader were recorded during the mid-'50s, after which he devoted more time to other aspects of the business: supervising recordings, working with film composers like Johnny Mandel and Manne associate Andre Previn, forming his own publishing company in 1962, and working as a musical director for several nightclubs and TV shows. After leaving Manne's group, Freeman's jazz recordings became fewer and fewer; there were occasional appearances with old West Coast cohorts up until the early '80s, after which Freeman effectively retired.
https://www.allmusic.com/artist/russ-freeman-mn0000808588#biography
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Biografía de Shelly Manne por Scott Yanow
Shelly Manne hizo un sinnúmero de discos desde la década de 1940 hasta la década de 1980, pero es mejor conocida como una líder de banda de buen humor que nunca acaparó los reflectores. Originalmente saxofonista, Manne cambió a la batería cuando tenía 18 años y comenzó a trabajar casi de inmediato. Estuvo con la banda de Joe Marsala (haciendo su debut discográfico en 1941), tocó brevemente en las grandes bandas de Will Bradley, Raymond Scott y Les Brown y tocó la batería en la clásica sesión de Coleman Hawkins "The Man I Love" de finales de 1943. Manne trabajó intermitentemente con Stan Kenton durante 1946-1952, también de gira con Jazz en la Filarmónica (1948-1949) y actuando con Woody Herman (1949). Después de dejar Kenton, Manne se mudó a Los Ángeles, donde se convirtió en el baterista de jazz más solicitado. Comenzó a grabar como líder (su primera sesión se cortó en Chicago en 1951) de forma regular a partir de 1953, cuando formó por primera vez el quinteto Shelly Manne & His Men. Entre los acompañantes que estuvieron en su banda durante su larga serie de grabaciones contemporáneas (1955-1962) se encontraban Stu Williamson, Conte Candoli, Joe Gordan, Bob Enevoldsen, Joe Maini, Charlie Mariano, Herb Geller, Bill Holman, Jimmy Giuffre, Richie Kamuca, Victor Feldman, Russ Freeman, Ralph Pena, Leroy Vinnegar y Monty Budwig. Manne, quien tuvo la suerte de ser el líder de una cita del Trío André Previn que resultó en un gran vendedor (versiones de jazz de melodías de My Fair Lady), siempre tuvo una mente musical abierta y grabó algunas piezas bastante gratuitas en The Three and the Two (tríos con Shorty Rogers y Jimmy Giuffre que no tenían piano ni bajo, junto con duetos con Russ Freeman), y disfrutó tocando en una sesión temprana con Ornette Coleman. Además de su trabajo de jazz, Manne apareció en muchas bandas sonoras de películas e incluso actuó en El hombre del Brazo de Oro. Dirigió el popular club Shelly's Manne-Hole durante 1960-1974, mantuvo su música abierta a sonidos más libres (con el trompetista Gary Barone y el saxofonista tenor John Gross durante 1969-1972), tocó con los L. A. Four a mediados de los 70 y estuvo muy activo hasta su muerte. A lo largo de su carrera, Shelly Manne grabó como líder para Savoy, Interlude, Contemporary, Jazz Groove, Impulse, Verve, Capitol, Atlantic, Concord, Mainstream, Flying Dutchman, Discovery, Galaxy, Pausa, Trend y Jazziz, además de algunos sellos japoneses.
https://www.allmusic.com/artist/shelly-manne-mn0000019435#biography
Biografía de Russ Freeman por Steve Huey
El pianista Russ Freeman, que no debe confundirse con el guitarrista/líder de los Rippingtons, era más conocido como acompañante que como líder, pero fue un colaborador importante tanto de Chet Baker como de Shelly Manne,dejando su huella en dos de los cuerpos de trabajo más célebres. en el cool jazz de la Costa Oeste. De formación clásica cuando era niño, Freeman comenzó a hacerse un nombre en la escena del jazz de la Costa Oeste a mediados de los años 40, tocando principalmente con grupos orientados al bebop. Durante este período, trabajó con Howard McGhee, Dexter Gordon, Charlie Parker, Art Pepper, Shorty Rogers y Wardell Gray, entre otros. Freeman se unió al nuevo cuarteto de Chet Baker en 1953, y su química fue inmediata, ya que Freeman demostró ser quizás el acompañante más comprensivo que haya tenido el trompetista/vocalista; sus composiciones originales de buen gusto y bien formuladas también encajaban bien con el estilo de Baker y "The Wind" se convirtió en una especie de estándar. Su colaboración abarcó 1953-1954 y 1956; en 1955, Freeman inició otra asociación gratificante con la baterista Shelly Manne, que duró hasta 1966. La mayoría de sus sesiones poco frecuentes como líder se grabaron a mediados de los años 50, después de lo cual dedicó más tiempo a otros aspectos del negocio: supervisar grabaciones, trabajar con compositores de cine como Johnny Mandel y el asociado de Manne, Andre Previn, formar su propia editorial en 1962 y trabajar como director musical para varios clubes nocturnos y programas de televisión. Después de dejar el grupo de Manne, las grabaciones de jazz de Freeman se volvieron cada vez menos; hubo apariciones ocasionales con cohortes de la vieja Costa Oeste hasta principios de los 80, después de lo cual Freeman se retiró efectivamente.
https://www.allmusic.com/artist/russ-freeman-mn0000808588#biography
Alabama Red • Windy City Blues
Alabama Red is the professional nickname of a quite unknown blues musician, named Curtis Ray. Alabama Red was born in 1927 in Panola, Alabama and learned to sing and to play guitar and piano in different local churches he used to go when he was a kid. Like so many other black men, he travelled and settled in Chicago during the forties and soon he formed his own band, playing regularly both in churches and around city blues clubs. In fact, he was not a lucky man, because he never had the chance to go to the recording studios. In the eighties Alabama Red gave a cassette with some of his music to Hannes Folterbauer, Wolf Records owner, to be published on a record. Now and after so many years, we can finally listen to his music in this impressing album. The overflowing rolling strength and passion of the thirteen songs, is really amazing. Alabama Red is on vocals, piano and guitar, Jimmy Johnson guitar, possibly Alan Batts organ and Howard Scott guitar and completely unknown harmonica, bass, drums and sax players. A great Chicago blues album that perfectly shows the music you could listen in that city during the eighties. Unfortunately "Windy City Blues" is the only album of this bluesman who died in 2006.
https://www.parsifal.be/product/cd/alabama-red-windy-city-blues/
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Alabama Red es el nombre profesional de un músico de blues poco conocido y que, en realidad, se llama Curtis Ray. Alabama Red nació en 1927 en Panola, Alabama y aprendió a cantar y a tocar la guitarra y el piano en las diferentes iglesias locales que frecuentó cuando era un chaval. Como tantos otros hombres negros, emigró a Chicago durante los años cuarenta, formando muy pronto sus propia banda y tocando tanto en iglesias como en los clubs de blues de la ciudad. De hecho, nunca tuvo demasiada suerte en lo que a grabar discos se refiere. En los años ochenta Alabama Red entregó un casette a Hannes Folterbauer, propietario de Wolf Records, para que lo editara en disco. Ahora, después de muchos años, tenemos la oportunidad de escucharlas en éste cd sobrecogedor. La fuerza y la pasión desbordantes que se desatan en cada uno de los trece temas que aquí se recogen, son verdaderamente arrolladoras. Alabama Red voz, piano y guitarra, Jimmy Johnson guitarra, posiblemente Alan Batts órgano y Howard Scott guitarra y completamente desconocidos el armónica, bajo, batería y saxo. Un gran disco de blues de Chicago representativo de lo que se hacía en aquella ciudad durante los años ochenta. Desgraciadamente “Windy City Blues” es el único álbum que existe de éste bluesman fallecido en 2006.
https://www.parsifal.be/product/cd/alabama-red-windy-city-blues/
Charles Earland • Black Talk
One of the all-time classic soul-jazz records gets its turn at
remastering by Rudy van Gelder, the original engineer of the 1969
session.
Charles Earland had a strong affinity for the organ, though he didn't start on the instrument. He began his career as a saxophonist, playing in groups with organists like Jimmy McGriff and Gene Ludwig before making his unconventional instrumental switch, eventually joining Lou Donaldson's group. His playing exploits the organ's capacity for sustain and timbral effects (though on "More Today Than Yesterday" his fleet playing often sounds like a transposed piano solo).
The soul-jazz format tends toward popularity, even populism. Indeed, Black Talk! was a hit record in its day; DJs played the title cut and "More Today Than Yesterday," in spite of their length, even before Prestige had released radio-friendly edited singles. Earland's group nevertheless avoids the narrow clichés of the genre. While they may not have pushed the format as far as their contemporaries in Tony Williams' Lifetime, the ensemble sound is nevertheless subtly an advance on the early-sixties style in which Earland received his apprenticeship.
This is mostly due to the leader's playing, and to that of guitarist Melvin Sparks and drummer Idris Muhammad. Sparks reminds us of the organic link between the blues and the avant- garde (like James Blood Ulmer or Pete Cosey), his scratchy playing and always- approximate timing adding delightful texture to a format that could otherwise be conservative and monochromatic. Muhammad, meanwhile, can provide a driving rock 'n' roll beat, or a pleasing shuffle; but his drumming on "Aquarius" could almost be mistaken for Art Blakey's.
The contributions of tenor saxophonist Houston Person and trumpeter Virgil Jones, though competent, are often merely ornamental rather than substantive. Sympathetic conga accompaniment on a couple of tracks is furnished by Newark convenience store owner Buddy Caldwell ("the musicians dug him," according to Bob Porter's liner notes).
The set list is quirky but successful. "Aquarius," from Hair, cannot help but sound a little kitschy, but the modal groove in the middle of the cut over which the solos are played, is among the record's finest moments, and Person sounds more imaginative here than elsewhere. One-hit wonder Spiral Starecase's "More Today Than Yesterday" is not Black Talk!'s most adventurous moment, but it is certainly the most winsome. https://www.allaboutjazz.com/black-talk-charles-earland-prestige-records-review-by-jeff-dayton-johnson.php
Charles Earland had a strong affinity for the organ, though he didn't start on the instrument. He began his career as a saxophonist, playing in groups with organists like Jimmy McGriff and Gene Ludwig before making his unconventional instrumental switch, eventually joining Lou Donaldson's group. His playing exploits the organ's capacity for sustain and timbral effects (though on "More Today Than Yesterday" his fleet playing often sounds like a transposed piano solo).
The soul-jazz format tends toward popularity, even populism. Indeed, Black Talk! was a hit record in its day; DJs played the title cut and "More Today Than Yesterday," in spite of their length, even before Prestige had released radio-friendly edited singles. Earland's group nevertheless avoids the narrow clichés of the genre. While they may not have pushed the format as far as their contemporaries in Tony Williams' Lifetime, the ensemble sound is nevertheless subtly an advance on the early-sixties style in which Earland received his apprenticeship.
This is mostly due to the leader's playing, and to that of guitarist Melvin Sparks and drummer Idris Muhammad. Sparks reminds us of the organic link between the blues and the avant- garde (like James Blood Ulmer or Pete Cosey), his scratchy playing and always- approximate timing adding delightful texture to a format that could otherwise be conservative and monochromatic. Muhammad, meanwhile, can provide a driving rock 'n' roll beat, or a pleasing shuffle; but his drumming on "Aquarius" could almost be mistaken for Art Blakey's.
The contributions of tenor saxophonist Houston Person and trumpeter Virgil Jones, though competent, are often merely ornamental rather than substantive. Sympathetic conga accompaniment on a couple of tracks is furnished by Newark convenience store owner Buddy Caldwell ("the musicians dug him," according to Bob Porter's liner notes).
The set list is quirky but successful. "Aquarius," from Hair, cannot help but sound a little kitschy, but the modal groove in the middle of the cut over which the solos are played, is among the record's finest moments, and Person sounds more imaginative here than elsewhere. One-hit wonder Spiral Starecase's "More Today Than Yesterday" is not Black Talk!'s most adventurous moment, but it is certainly the most winsome. https://www.allaboutjazz.com/black-talk-charles-earland-prestige-records-review-by-jeff-dayton-johnson.php
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Uno de los discos clásicos de soul-jazz de todos los tiempos llega a ser remasterizado por Rudy van Gelder, el ingeniero original de la sesión de 1969.
Charles Earland tenía una gran afinidad por el órgano, aunque no se inició en el instrumento. Comenzó su carrera como saxofonista, tocando en grupos con organistas como Jimmy McGriff y Gene Ludwig antes de hacer su poco convencional cambio instrumental, y finalmente se unió al grupo de Lou Donaldson. Su forma de tocar explota la capacidad del órgano para sostener y efectos de timbre (aunque en "More Today Than Yesterday" su ejecución flota a menudo suena como un solo de piano transpuesto).
El formato soul-jazz tiende a la popularidad, incluso al populismo. De hecho, Black Talk! fue un récord de éxito en su día; Los DJ tocaron el corte del título y "More Today Than Yesterday", a pesar de su duración, incluso antes de que Prestige lanzara sencillos editados para radio. Sin embargo, el grupo de Earland evita los estrechos clichés del género. Si bien es posible que no hayan llevado el formato tan lejos como sus contemporáneos en Lifetime de Tony Williams, el sonido de conjunto es, sin embargo, sutilmente un avance en el estilo de principios de los sesenta en el que Earland recibió su aprendizaje.
Esto se debe principalmente a la forma de tocar del líder, y al guitarrista Melvin Sparks y al baterista Idris Muhammad. Sparks nos recuerda el vínculo orgánico entre el blues y la vanguardia (como James Blood Ulmer o Pete Cosey), su interpretación rasposa y su sincronización siempre aproximada agregan una textura deliciosa a un formato que de otro modo podría ser conservador y monocromático. Muhammad, mientras tanto, puede proporcionar un ritmo de rock 'n' roll, o una mezcla agradable; pero su forma de tocar la batería en "Aquarius" casi podría confundirse con la de Art Blakey.
Las contribuciones del saxofonista tenor Houston Person y el trompetista Virgil Jones, aunque competentes, a menudo son meramente ornamentales en lugar de sustantivas. El simpático acompañamiento de conga en un par de pistas es proporcionado por el propietario de la tienda de conveniencia de Newark, Buddy Caldwell ("los músicos lo cavaron", según las notas de Bob Porter).
La lista de canciones es peculiar pero exitosa. "Aquarius", de Hair, no puede evitar sonar un poco cursi, pero el ritmo modal en medio del corte sobre el que se reproducen los solos se encuentra entre los mejores momentos del disco, y Person suena más imaginativo aquí que en otros lugares. La maravilla de un solo éxito "Más hoy que ayer" de Spiral Starecase no es el momento más aventurero de Black Talk !, pero sin duda es el más atractivo. https://www.allaboutjazz.com/black-talk-charles-earland-prestige-records-review-by-jeff-dayton-johnson.php
Charles Earland tenía una gran afinidad por el órgano, aunque no se inició en el instrumento. Comenzó su carrera como saxofonista, tocando en grupos con organistas como Jimmy McGriff y Gene Ludwig antes de hacer su poco convencional cambio instrumental, y finalmente se unió al grupo de Lou Donaldson. Su forma de tocar explota la capacidad del órgano para sostener y efectos de timbre (aunque en "More Today Than Yesterday" su ejecución flota a menudo suena como un solo de piano transpuesto).
El formato soul-jazz tiende a la popularidad, incluso al populismo. De hecho, Black Talk! fue un récord de éxito en su día; Los DJ tocaron el corte del título y "More Today Than Yesterday", a pesar de su duración, incluso antes de que Prestige lanzara sencillos editados para radio. Sin embargo, el grupo de Earland evita los estrechos clichés del género. Si bien es posible que no hayan llevado el formato tan lejos como sus contemporáneos en Lifetime de Tony Williams, el sonido de conjunto es, sin embargo, sutilmente un avance en el estilo de principios de los sesenta en el que Earland recibió su aprendizaje.
Esto se debe principalmente a la forma de tocar del líder, y al guitarrista Melvin Sparks y al baterista Idris Muhammad. Sparks nos recuerda el vínculo orgánico entre el blues y la vanguardia (como James Blood Ulmer o Pete Cosey), su interpretación rasposa y su sincronización siempre aproximada agregan una textura deliciosa a un formato que de otro modo podría ser conservador y monocromático. Muhammad, mientras tanto, puede proporcionar un ritmo de rock 'n' roll, o una mezcla agradable; pero su forma de tocar la batería en "Aquarius" casi podría confundirse con la de Art Blakey.
Las contribuciones del saxofonista tenor Houston Person y el trompetista Virgil Jones, aunque competentes, a menudo son meramente ornamentales en lugar de sustantivas. El simpático acompañamiento de conga en un par de pistas es proporcionado por el propietario de la tienda de conveniencia de Newark, Buddy Caldwell ("los músicos lo cavaron", según las notas de Bob Porter).
La lista de canciones es peculiar pero exitosa. "Aquarius", de Hair, no puede evitar sonar un poco cursi, pero el ritmo modal en medio del corte sobre el que se reproducen los solos se encuentra entre los mejores momentos del disco, y Person suena más imaginativo aquí que en otros lugares. La maravilla de un solo éxito "Más hoy que ayer" de Spiral Starecase no es el momento más aventurero de Black Talk !, pero sin duda es el más atractivo. https://www.allaboutjazz.com/black-talk-charles-earland-prestige-records-review-by-jeff-dayton-johnson.php
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