Pat Martino • Nexus

 

Biograph:

When the anesthesia wore off, Pat Martino looked up hazily at his parents and his doctors and tried to piece together any memory of his life.

One of the greatest guitarists in jazz. Martino had suffered a severe brain aneurysm and underwent surgery after being told that his condition could be terminal. After his operations he could remember almost nothing. He barely recognized his parents. and had no memory of his guitar or his career. He remembers feeling as if he had been “dropped cold, empty, neutral, cleansed... naked.”

In the following months. Martino made a remarkable recovery. Through intensive study of his own historic recordings, and with the help of computer technology, Pat managed to reverse his memory loss and return to form on his instrument. His past recordings eventually became “an old friend, a spiritual experience which remained beautiful and honest.” This recovery fits in perfectly with Pat's illustrious personal history. Since playing his first notes while still in his pre-teenage years, Martino has been recognized as one of the most exciting and virtuosic guitarists in jazz. With a distinctive, fat sound and gut-wrenching performances, he represents the best not just in jazz, but in music. He embodies thoughtful energy and soul.

Born Pat Azzara in Philadelphia in 1944, he was first exposed to jazz through his father, Carmen “Mickey” Azzara, who sang in local clubs and briefly studied guitar with Eddie Lang

. He took Pat to all the city's hot-spots to hear and meet Wes Montgomery and other musical giants. “I have always admired my father and have wanted to impress him. As a result, it forced me to get serious with my creative powers.”

He began playing guitar when he was twelve years old. and left school in tenth grade to devote himself to music. During Visits to his music teacher Dennis Sandole, Pat often ran into another gifted student, John Coltrane, who would treat the youngster to hot chocolate as they talked about music.

Besides first-hand encounters with `Trane and Montgomery, whose album Grooveyard had “an enormous influence” on Martino, he also cites Johnny Smith, a Stan Getz associate, as an early inspiration. “He seemed to me, as a child. to understand everything about music,” Pat recalls.

Martino became actively involved with the early rock scene in Philadelphia, alongside stars like Bobby Rydell, Chubby Checker and Bobby Darin. His first road gig was with jazz organist Charles Earland, a high school friend. His reputation soon spread among other jazz players, and he was recruited by bandleader Lloyd Price to play hits such as Stagger Lee on-stage with musicians like Slide Hampton and Red Holloway.

Martino moved to Harlem to immerse himself in the “soul jazz” played by Earland and others. Previously, he had “heard all of the white man's jazz. I never heard that other part of the culture,” he remembers. The organ trio concept had a profound influence on Martino's rhythmic and harmonic approach. and he remained in the idiom as a sideman, gigging with Jack McDuff and Don Patterson. An icon before his eighteenth birthday, Pat was signed as a leader for Prestige Records when he was twenty. His seminal albums from this period include classics like Strings!, Desperado, El Hombre and Baiyina (The Clear Evidence), one of jazz's first successful ventures into psychedelia.

In 1976, Martino began experiencing the excruciating headaches which were eventually diagnosed as symptoms of his aneurysms. After his surgery and recovery, he resumed his career when he appeared in 1987 in New York, a gig that was released on a CD with an appropriate name, The Return. He then took another hiatus when both of his parents became ill, and he didn't record again until 1994, when he recorded Interchange and then The Maker.

Today, Martino lives in Philadelphia again and continues to grow as a musician. As the New York Times recently noted, “Mr. Martino, at fifty, is back and he is plotting new musical directions, adding more layers to his myth.” His experiments with guitar synthesizers, begun during his rehabilitation, are taking him in the direction of orchestral arrangements and they promise groundbreaking possibilities. Musicians flock to his door for lessons, and he offers not only the benefits of his musical knowledge, but also the philosophical insights of a man who has faced and overcome enormous obstacles. “The guitar is of no great importance to me,” he muses. “The people it brings to me are what matter. They are what I'm extremely grateful for, because they are alive. The guitar is just an apparatus.”

https://musicians.allaboutjazz.com/patmartino

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Biografía:
Cuando el efecto de la anestesia desapareció, Pat Martino miró vagamente a sus padres y a sus doctores e intentó reconstruir cualquier recuerdo de su vida.

Uno de los más grandes guitarristas del jazz. Martino había sufrido un severo aneurisma cerebral y fue operado después de que le dijeran que su condición podía ser terminal. Después de sus operaciones no podía recordar casi nada. Apenas reconocía a sus padres y no tenía recuerdos de su guitarra o de su carrera. Recuerda sentirse como si le hubieran "dejado caer frío, vacío, neutral, limpio... desnudo".

En los meses siguientes. Martino se recuperó notablemente. A través del estudio intensivo de sus propias grabaciones históricas, y con la ayuda de la tecnología informática, Pat logró revertir su pérdida de memoria y volver a formarse en su instrumento. Sus grabaciones pasadas se convirtieron finalmente en "un viejo amigo, una experiencia espiritual que permaneció hermosa y honesta". Esta recuperación encaja perfectamente con la ilustre historia personal de Pat. Desde que tocó sus primeras notas cuando aún era un adolescente, Martino ha sido reconocido como uno de los guitarristas más excitantes y virtuosos del jazz. Con un sonido distintivo, gordo y actuaciones desgarradoras, representa lo mejor no sólo en el jazz, sino en la música. Encarna la energía reflexiva y el alma.

Nacido Pat Azzara en Filadelfia en 1944, fue expuesto por primera vez al jazz a través de su padre, Carmen "Mickey" Azzara, que cantaba en clubes locales y estudió brevemente guitarra con Eddie Lang

. Llevó a Pat a todos los puntos calientes de la ciudad para escuchar y conocer a Wes Montgomery y otros gigantes de la música. "Siempre he admirado a mi padre y he querido impresionarlo. Como resultado, me obligó a ponerme serio con mis poderes creativos."

Empezó a tocar la guitarra a los doce años y dejó la escuela en el décimo grado para dedicarse a la música. Durante las visitas a su profesor de música Dennis Sandole, Pat se encontró a menudo con otro estudiante dotado, John Coltrane, que invitaba al joven a un chocolate caliente mientras hablaban de música.

Además de los encuentros de primera mano con `Trane y Montgomery, cuyo álbum Grooveyard tuvo "una enorme influencia" en Martino, también cita a Johnny Smith, un asociado de Stan Getz, como una inspiración temprana. "Me pareció, de niño, que entendía todo sobre la música", recuerda Pat.

Martino se involucró activamente en la escena del rock temprano en Filadelfia, junto a estrellas como Bobby Rydell, Chubby Checker y Bobby Darin. Su primera actuación en la carretera fue con el organista de jazz Charles Earland, un amigo de la escuela secundaria. Su reputación pronto se extendió entre otros músicos de jazz, y fue reclutado por el líder de la banda Lloyd Price para tocar éxitos como Stagger Lee en el escenario con músicos como Slide Hampton y Red Holloway.

Martino se mudó a Harlem para sumergirse en el "soul jazz" que tocaban Earland y otros. Anteriormente, había "escuchado todo el jazz del hombre blanco". Nunca escuché esa otra parte de la cultura", recuerda. El concepto de trío de órgano tuvo una profunda influencia en el enfoque rítmico y armónico de Martino. y se mantuvo en el idioma como sideman, tocando con Jack McDuff y Don Patterson. Icono antes de cumplir los 18 años, Pat fue contratado como líder por Prestige Records cuando tenía 20 años. Sus álbumes seminales de este período incluyen clásicos como Strings!, Desperado, El Hombre y Baiyina (The Clear Evidence), una de las primeras aventuras exitosas del jazz en la psicodelia.

En 1976, Martino comenzó a experimentar los insoportables dolores de cabeza que fueron eventualmente diagnosticados como síntomas de sus aneurismas. Después de su cirugía y recuperación, reanudó su carrera cuando apareció en 1987 en Nueva York, un concierto que fue lanzado en un CD con un nombre apropiado, The Return. Luego hizo otro paréntesis cuando sus padres se enfermaron, y no volvió a grabar hasta 1994, cuando grabó Interchange y luego The Maker.

Hoy en día, Martino vive en Filadelfia de nuevo y sigue creciendo como músico. Como señaló recientemente el New York Times, "El Sr. Martino, a los cincuenta años, ha vuelto y está trazando nuevas direcciones musicales, añadiendo más capas a su mito". Sus experimentos con sintetizadores de guitarra, iniciados durante su rehabilitación, le están llevando en la dirección de los arreglos orquestales y prometen posibilidades revolucionarias. Los músicos acuden a su puerta para recibir clases, y él ofrece no sólo los beneficios de sus conocimientos musicales, sino también las ideas filosóficas de un hombre que ha enfrentado y superado enormes obstáculos. "La guitarra no es de gran importancia para mí", reflexiona. "La gente que me trae es lo que importa. Son por lo que estoy extremadamente agradecido, porque están vivos. La guitarra es sólo un aparato."
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Robert Gordon • Hellafied

 

Biography by Mark Deming
Robert Gordon was among the first of the rockabilly revivalists to emerge in the 1970s, and one of the only ones singing the praises of Elvis Presley's primal early work while the King was still alive. Gordon went on to a long career championing the first rock & roll era with a strong, flexible voice that was ideal for the vocal dramatics of rockabilly, and a sense of style that suited the mood as well as the sound of vintage rock. He teamed up with a number of gifted guitarists who helped him make his music sound as authentic as his singing, among them Link Wray, Chris Spedding, and Danny Gatton. Gordon's early work captured him at his most passionate and energetic, especially on 1978's Fresh Fish Special and 1979's Rock Billy Boogie, while 1981's Are You Gonna Be the One found him embracing a more mature and diverse approach and 2007's It's Now or Never, a tribute to Presley, was a latter-day triumph.

Robert Gordon was born in Bethesda, Maryland on March 29, 1947. When Elvis Presley's "Heartbreak Hotel" became a smash hit in 1956, it made a tremendous impression on young Gordon, and he became a passionate fan of Presley, Gene Vincent, Jack Scott, Eddie Cochran, and other heroes of the first salvo of rock. As the '50s gave way to the '60s, Gordon developed a taste for soul and R&B as well as rock, but he made no secret of the fact the British Invasion didn't impress him much. He discovered he liked to sing, and made his first appearance on stage when he was 15, performing at a summer camp talent show with his brother. He sang in a number of local bands, including the Confidentials and the Newports, but neither went much further than playing school dances and teen clubs. Later in the decade, he joined the National Guard to avoid being drafted and sent to Vietnam, and he got married when he was 19, fathering two children.

In 1970, Gordon relocated to New York City, where he opened a clothing store but had little time for music. A few years later, that changed when Gordon and his wife divorced and he began checking out a new rock & roll scene that was incubating at a Bowery club called CBGB. Gordon appreciated the energy of bands like the Ramones and Blondie, and he became a figure on the early N.Y.C. punk scene, joining a band called Tuff Darts. As punk attracted attention in the music press, Tuff Darts became rising stars, and three songs by the band would appear on 1976's Live at CBGB, a sampler of bands who played the club. However, Gordon would leave Tuff Darts before they could make an album when producer Richard Gottehrer heard them do a cover of Presley's "One Night" and suggested Gordon make a rock & roll album.

Gordon and Gottehrer approached legendary guitarist Link Wray about joining them for the recording sessions, and Wray, impressed with his authentic rockabilly sound, signed on. Private Stock Records, who had signed just Blondie, struck a deal with Gordon, and his first album, Robert Gordon with Link Wray, appeared in 1977. Gordon's retro sound and style generated a buzz, and when Elvis Presley died on August 16, 1977, the interest in his early hits gave the public a greater taste for the sort of music Gordon championed, and "Red Hot" from the album picked up some radio play. Private Stock brought out Gordon and Wray's second LP, Fresh Fish Special (named for the unflattering prison haircut inflicted on Elvis in Jailhouse Rock) in 1978, which included a version of Bruce Springsteen's then-unrecorded "Fire." It generated enough attention that RCA Victor Records, Elvis' label, added Gordon to their roster after Private Stock went bankrupt.

After reissuing his first two albums, RCA brought out Rock Billy Boogie in early 1979; by this time, Wray had dropped out of the band, and British sessionman Chris Spedding took over lead guitar duties. The album fared better than his Private Stock releases, but was something short of a hit, and his second RCA LP, 1980's Bad Boy, generated more press than sales. Midway through recording his next LP, the label pressured Gordon to scrap the material and start over with a different producer and backing band, and 1981's Are You Gonna Be the One was a more diverse set with R&B and country flavors along with the expected rockabilly, and was produced by Gordon, Lance Quinn, and Scott Litt, with Danny Gatton playing lead guitar. It became Gordon's best-selling album, and Gatton's stellar instrumental work made him an underground guitar hero; a live recording of Gatton backing Gordon on the Are You Gonna Be the One tour circulated among fans and pickers before it was released publicly under the title The Humbler. Not long after the release of the album, Gordon was approached to contribute music to the soundtrack of a low-budget movie about a biker gang set in the '50s, The Loveless. Gordon ended up also playing a supporting role in the film, which starred a young Willem Dafoe and was the first directorial effort from Kathryn Bigelow, who went on to helm The Hurt Locker and Zero Dark Thirty.

While Are You Gonna Be the One boosted Gordon's audience, he and RCA had a falling out over the budget for his next album, and on the advice of his manager, he cut ties with the label; they closed out his contract with a best-of album, 1982's Too Fast to Live, Too Young to Die. A new record deal was not forthcoming, and Gordon stuck to live work for over a decade. In 1989, a concert album, Live at Lone Star, was issued by the French New Rose label. The album was released without Gordon's participation or consent, and he responded by working with New Rose to assemble and bring out 1991's Greetings from New York, featuring live tracks from his years with Chris Spedding. (These were the first two of a long series of live albums that would appear regularly over the next three decades.) 1994's All for the Love of Rock 'N' Roll featured new songs along with material that dated back to his days with Tuff Darts, and featured their guitarist, Jeff Salen, alongside Spedding and Gatton. The German Bear Family label delivered the 1995 collection Red Hot 1977-1981, an overview of his Private Stock/RCA era, and in 1998 they brought out Lost Album Plus, a set of rarities including the sessions that were scrapped in favor of Are You Gonna Be the One. 1997's Robert Gordon was a studio set focused on early rock and country material, and 2004's Satisfied Mind was a similar effort that featured Eddie Angel on guitar. 2007's It's Now or Never saw Gordon reunite with Chris Spedding to record 15 songs originally made famous by his hero Elvis Presley. After a recording layoff of 13 years, Gordon came back in 2020 with Rockabilly for Life, which included guest appearances from Chris Spedding, Dave Alvin, James Williamson (of Iggy and the Stooges), Clem Burke (of Blondie), Kathy Valentine (of the Go-Go's), and many more.
https://www.allmusic.com/artist/robert-gordon-mn0000285693/biography

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Biografía de Mark Deming

Robert Gordon fue uno de los primeros revivalistas del rockabilly que surgieron en la década de 1970, y uno de los únicos que cantaron las alabanzas de los primeros trabajos de Elvis Presley mientras el Rey aún vivía. Gordon desarrolló una larga carrera defendiendo la primera era del rock & roll con una voz fuerte y flexible que era ideal para el dramatismo vocal del rockabilly, y un sentido del estilo que se adaptaba tanto al estado de ánimo como al sonido del rock vintage. Se asoció con varios guitarristas de gran talento que le ayudaron a que su música sonara tan auténtica como su forma de cantar, entre ellos Link Wray, Chris Spedding y Danny Gatton. Los primeros trabajos de Gordon le mostraron en su momento más apasionado y enérgico, especialmente en Fresh Fish Special, de 1978, y Rock Billy Boogie, de 1979, mientras que Are You Gonna Be the One, de 1981, le permitió adoptar un enfoque más maduro y diverso, y It's Now or Never, de 2007, un homenaje a Presley, fue un triunfo de los últimos tiempos.

Robert Gordon nació en Bethesda, Maryland, el 29 de marzo de 1947. Cuando "Heartbreak Hotel" de Elvis Presley se convirtió en un éxito rotundo en 1956, causó una gran impresión en el joven Gordon, que se convirtió en un apasionado de Presley, Gene Vincent, Jack Scott, Eddie Cochran y otros héroes de la primera oleada de rock. Cuando los años 50 dieron paso a los 60, Gordon desarrolló un gusto por el soul y el R&B, además del rock, pero no ocultó que la Invasión Británica no le impresionaba demasiado. Descubrió que le gustaba cantar y apareció por primera vez en un escenario a los 15 años, actuando en un concurso de talentos de un campamento de verano con su hermano. Cantó en varios grupos locales, como los Confidentials y los Newports, pero ninguno de ellos fue más allá de tocar en bailes escolares y clubes de adolescentes. A finales de la década, se alistó en la Guardia Nacional para evitar ser reclutado y enviado a Vietnam, y se casó a los 19 años, siendo padre de dos hijos.

En 1970, Gordon se trasladó a Nueva York, donde abrió una tienda de ropa pero tuvo poco tiempo para la música. Unos años más tarde, eso cambió cuando Gordon y su mujer se divorciaron y él empezó a conocer la nueva escena del rock & roll que se estaba incubando en un club de Bowery llamado CBGB. Gordon apreciaba la energía de grupos como los Ramones y Blondie, y se convirtió en una figura de la primera escena punk de Nueva York, uniéndose a una banda llamada Tuff Darts. A medida que el punk atraía la atención de la prensa musical, Tuff Darts se convirtió en una estrella en ascenso, y tres canciones del grupo aparecerían en el disco Live at CBGB de 1976, una muestra de bandas que tocaban en el club. Sin embargo, Gordon dejaría Tuff Darts antes de que pudieran grabar un álbum cuando el productor Richard Gottehrer les escuchó hacer una versión de "One Night" de Presley y sugirió a Gordon que hiciera un álbum de rock & roll.

Gordon y Gottehrer se pusieron en contacto con el legendario guitarrista Link Wray para que se uniera a ellos en las sesiones de grabación, y Wray, impresionado por su auténtico sonido rockabilly, firmó. Private Stock Records, que sólo había contratado a Blondie, llegó a un acuerdo con Gordon, y su primer álbum, Robert Gordon with Link Wray, apareció en 1977. El sonido y el estilo retro de Gordon generaron una gran expectación, y cuando Elvis Presley murió el 16 de agosto de 1977, el interés por sus primeros éxitos hizo que el público sintiera un mayor gusto por el tipo de música que Gordon defendía, y "Red Hot", del álbum, tuvo cierta repercusión en la radio. Private Stock sacó el segundo LP de Gordon y Wray, Fresh Fish Special (llamado así por el poco favorecedor corte de pelo de la cárcel que se le hizo a Elvis en Jailhouse Rock) en 1978, que incluía una versión de la entonces no grabada "Fire" de Bruce Springsteen. Generó la suficiente atención como para que RCA Victor Records, la discográfica de Elvis, incorporara a Gordon a su lista tras la quiebra de Private Stock.

Después de reeditar sus dos primeros álbumes, RCA sacó Rock Billy Boogie a principios de 1979; para entonces, Wray había abandonado la banda y el sesionista británico Chris Spedding se hizo cargo de la guitarra principal. El álbum fue mejor que sus lanzamientos de Private Stock, pero no llegó a ser un éxito, y su segundo LP de RCA, Bad Boy, de 1980, generó más prensa que ventas. A mitad de la grabación de su siguiente LP, la discográfica presionó a Gordon para que desechara el material y empezara de nuevo con un productor y una banda de acompañamiento diferentes, y Are You Gonna Be the One, de 1981, fue un conjunto más diverso con sabores de R&B y country junto con el esperado rockabilly, y fue producido por Gordon, Lance Quinn y Scott Litt, con Danny Gatton tocando la guitarra principal. Se convirtió en el álbum más vendido de Gordon, y el estelar trabajo instrumental de Gatton le convirtió en un héroe de la guitarra underground; una grabación en directo de Gatton respaldando a Gordon en la gira Are You Gonna Be the One circuló entre los fans y los recolectores antes de que se publicara con el título The Humbler. Poco después de la publicación del álbum, se le pidió a Gordon que contribuyera con su música a la banda sonora de una película de bajo presupuesto sobre una banda de moteros ambientada en los años 50, The Loveless. Gordon acabó interpretando también un papel secundario en la película, protagonizada por un joven Willem Dafoe y que fue el primer trabajo como directora de Kathryn Bigelow, que luego dirigió The Hurt Locker y Zero Dark Thirty.

Aunque Are You Gonna Be the One impulsó la audiencia de Gordon, él y la RCA tuvieron una discusión sobre el presupuesto de su siguiente álbum y, por consejo de su representante, cortó los lazos con la discográfica; cerraron su contrato con un álbum de lo mejor, Too Fast to Live, Too Young to Die, de 1982. No llegó un nuevo contrato discográfico, y Gordon se dedicó a trabajar en directo durante más de una década. En 1989, el sello francés New Rose publicó un álbum de conciertos, Live at Lone Star. El álbum se publicó sin la participación ni el consentimiento de Gordon, que respondió trabajando con New Rose para montar y sacar Greetings from New York, de 1991, con temas en directo de sus años con Chris Spedding. (Estos fueron los dos primeros de una larga serie de álbumes en directo que aparecerían regularmente durante las tres décadas siguientes). All for the Love of Rock 'N' Roll, de 1994, contenía nuevas canciones junto con material que se remontaba a sus días con Tuff Darts, y contaba con su guitarrista, Jeff Salen, junto a Spedding y Gatton. El sello alemán Bear Family publicó en 1995 la colección Red Hot 1977-1981, un resumen de su época en Private Stock/RCA, y en 1998 sacó Lost Album Plus, un conjunto de rarezas que incluía las sesiones que se descartaron en favor de Are You Gonna Be the One. Robert Gordon, de 1997, era un conjunto de estudio centrado en el material de rock y country de los primeros años, y Satisfied Mind, de 2004, era un esfuerzo similar que incluía a Eddie Angel a la guitarra. En 2007, It's Now or Never, Gordon se reunió con Chris Spedding para grabar 15 canciones que su héroe Elvis Presley hizo famosas. Tras un parón discográfico de 13 años, Gordon volvió en 2020 con Rockabilly for Life, que incluía apariciones de Chris Spedding, Dave Alvin, James Williamson (de Iggy and the Stooges), Clem Burke (de Blondie), Kathy Valentine (de los Go-Go's) y muchos más.

https://www.allmusic.com/artist/robert-gordon-mn0000285693/biography

 

robertgordonnyc.com ...

Guy Lafitte-Wild Bill Davis • Three Men On A Beat

  

Jo Jones Sextet • Jo Jones Sextet

 

Jo Jones shifted the timekeeping role of the drums from the bass drum to the hi-hat cymbal, greatly influencing all swing and bop drummers. Buddy Rich and Louie Bellson were just two who learned from his light but forceful playing, as Jones swung the Count Basie Orchestra with just the right accents and sounds. After growing up in Alabama, Jones worked as a drummer and tap-dancer with carnival shows. He joined Walter Page's Blue Devils in Oklahoma City in the late '20s. After a period with Lloyd Hunter's band in Nebraska, Jones moved to Kansas City in 1933, joining Count Basie's band the following year. He went with Basie to New York in 1936 and with Count, Freddie Green and Walter Page he formed one of the great rhythm sections. Jones was with the Basie band (other than 1944-46 when he was in the military) until 1948 and in later years he participated in many reunions with Basie alumni. He was on some Jazz at the Philharmonic tours and recorded in the 1950s with Illinois Jacquet, Billie Holiday, Teddy Wilson, Lester Young, Art Tatum and Duke Ellington among others; Jones appeared at the 1957 Newport Jazz Festival with both Basie and the Coleman Hawkins-Roy Eldridge Sextet. Jo Jones led sessions for Vanguard (1955 and 1959) and Everest (1959-60), a date for Jazz Odyssey on which he reminisced and played drum solos (1970) and mid-'70s sessions for Pablo and Denon. In later years he was known as "Papa" Jo Jones and thought of as a wise if brutally frank elder statesman - Scott Yanow -All MUsic Guide

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Jo Jones desplazó la función cronométrica de la batería del bombo al platillo hi-hat, influyendo enormemente en todos los bateristas de swing y bop. Buddy Rich y Louie Bellson fueron sólo dos de los que aprendieron de su forma de tocar, ligera pero contundente, mientras Jones hacía vibrar a la orquesta de Count Basie con los acentos y sonidos justos. Tras crecer en Alabama, Jones trabajó como batería y bailarín de claqué en espectáculos de carnaval. Se unió a los Blue Devils de Walter Page en Oklahoma City a finales de los años veinte. Tras un periodo con la banda de Lloyd Hunter en Nebraska, Jones se trasladó a Kansas City en 1933, uniéndose a la banda de Count Basie al año siguiente. Se fue con Basie a Nueva York en 1936 y con Count, Freddie Green y Walter Page formó una de las grandes secciones rítmicas. Jones estuvo con la banda de Basie (aparte de 1944-46, cuando estuvo en el ejército) hasta 1948 y en años posteriores participó en muchas reuniones con antiguos alumnos de Basie. Participó en algunas giras de Jazz at the Philharmonic y grabó en la década de 1950 con Illinois Jacquet, Billie Holiday, Teddy Wilson, Lester Young, Art Tatum y Duke Ellington, entre otros; Jones apareció en el Festival de Jazz de Newport de 1957 tanto con Basie como con el sexteto Coleman Hawkins-Roy Eldridge. Jo Jones dirigió sesiones para Vanguard (1955 y 1959) y Everest (1959-60), una cita para Jazz Odyssey en la que recordó y tocó solos de batería (1970) y sesiones de mediados de los 70 para Pablo y Denon. En sus últimos años se le conocía como "Papa" Jo Jones y se le consideraba un sabio aunque brutalmente franco anciano - Scott Yanow -All MUsic Guide

Attila Zoller • Jazz Soundtracks

 

Description from Sonorama Records / Bandcamp (by Ekkehart Fleischhammer):
Collection of previously unreleased soundtrack recordings, produced 1962-67 in a Berlin studio. Soulful jazz from the arthouse films of Hansjürgen Pohland - "The Bread of Our Early Years", "Cat and Mouse", "Tamara" - improvised directly in front of the screen by Hungarian-born guitarist Attila Zoller (1927-1998) and his musicians. Lost treasure by "one of the 10 most underrated jazz guitarists of all time" (JazzTimes). "Attila is one of my heroes" (Pat Metheny).

"No other musician has given the German jazz scene this much soul - not in the sense of black, American soul, but in the sense of European romance - as the Hungarian Attila Zoller. (...) through his own sensitivity that has to do with the music of his homecountry Hungary." (Joachim Ernst Berendt in "A window of jazz", Fischer Publishing 1978)

Few Europeans have influenced the international jazz scene as impressive as the Hungarian-born guitarist Attila Zoller. Born on 13.06.1927 in Visegrad, he was four years old when he got his first music lessons. From 1948 to 1954 Zoller lived in Vienna and worked regularly in the local jazz scene. Then he moved to Germany, worked with Jutta Hipp, Albert and Emil Mangelsdorff, Oscar Pettiford, Kenny Clarke, Bud Shank, Bob Cooper and Lee Konitz.

In 1959 he moved to the United States, where he studied with Jim Hall and visited the Lenox School of Jazz with Ornette Coleman and Don Cherry. That is where Zoller first was exposed to freer jazz. 1960 Chico Hamilton took him into his band. Then he played on the international jazz scene as a sideman of Stan Getz, Benny Goodman, Herbie Mann, Herbie Hancock, Sonny Rollins and Ron Carter. His album "Beyond The Horizon", released in 1965, became a milestone between Cool and free jazz playing. This was followed by famous LPs like "Zoller Koller Solal" or "Zo-Ko-Ma" (1968).

Regularly Attila Zoller also appeared in Europe, especially in Germany, where he was awarded with the "Golden Bear" at the Berlin Film Festival for his lyrical soundtrack to Heinrich Böll's "The Bread of Our Early Years", together with Joachim-Ernst Berendt (Director: Herbert Vesely, 1962, production: Hansjürgen Pohland). In 1966 he wrote the sensitive music for the film version of Günter Grass's novel "Cat and Mouse", directed by Hansjürgen Pohland, 1967 also for the crime film "Tamara", directed by Hansjürgen Pohland and based on a novel by Hansjörg Martin.

The music for Pohland's movies was played by Zoller and his sidemen directly in front of the screen and recorded by technicians. Before the tapes should disappear for almost five decades, Pohland used them for post-production. It is thanks to Berlin-based photographer, actor and jazz lover Jan George that the recordings are not lost. Although Pohland archived the tapes at first, they were later left as garbage on the road by transporters who moved his stuff from Berlin to Munich. There the reels were discovered by Pohland's friend Jan George, who kept the treasure in his crates until the digital transfer in 2012.

In 1972, Attila Zoller founded the renowned jazz school in Vermont, which he directed personally until his death on January 25th, 1998. He was the first jazz guitarist who investigated the field of "free" or "avantgarde playing" in a serious way. As a teacher and mentor for many guitar students (including Pat Metheny), it was important to him to preserve the art form of jazz guitar. In 1995 he received a Lifetime Achievement Award from the New England Foundation for the Arts. In 2002, the magazine "JazzTimes" listed him among the "10 most underrated jazz guitarists of all time".
https://sonoramarecords.bandcamp.com/album/jazz-soundtracks

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Descripción de Sonorama Records / Bandcamp (por Ekkehart Fleischhammer):
Colección de grabaciones de bandas sonoras inéditas hasta entonces, producidas entre 1962 y 1967 en un estudio de Berlín. Jazz lleno de alma de las películas de arte y ensayo de Hansjürgen Pohland — "El pan de los primeros años", "Gato y ratón", "Tamara" — improvisadas directamente frente a la pantalla por el guitarrista húngaro Attila Zoller (1927-1998) y sus músicos. Un tesoro perdido de "uno de los 10 guitarristas de jazz más subestimados de todos los tiempos" (JazzTimes). "Attila es uno de mis héroes" (Pat Metheny).

"Ningún otro músico ha dado a la escena de jazz alemana tanta alma — no en el sentido del soul negro americano, sino en el sentido del romanticismo europeo — como el húngaro Attila Zoller. (...) a través de su propia sensibilidad, que tiene que ver con la música de su país natal, Hungría." (Joachim Ernst Berendt en "Una ventana al jazz", Fischer Publishing 1978)

Pocos europeos han influenciado la escena internacional del jazz de manera tan impresionante como el guitarrista de origen húngaro Attila Zoller. Nacido el 13.06.1927 en Visegrád, tuvo sus primeras lecciones de música a los cuatro años. Desde 1948 hasta 1954 Zoller vivió en Viena y trabajó regularmente en la escena jazz local. Luego se trasladó a Alemania, donde trabajó con Jutta Hipp, Albert y Emil Mangelsdorff, Oscar Pettiford, Kenny Clarke, Bud Shank, Bob Cooper y Lee Konitz.

En 1959 se trasladó a Estados Unidos, donde estudió con Jim Hall y visitó la Lenox School of Jazz junto a Ornette Coleman y Don Cherry. Allí fue donde Zoller tuvo su primer contacto con el jazz más libre. En 1960 Chico Hamilton lo incorporó a su banda. Luego tocó en la escena internacional del jazz como sideman de Stan Getz, Benny Goodman, Herbie Mann, Herbie Hancock, Sonny Rollins y Ron Carter. Su álbum "Beyond The Horizon", publicado en 1965, se convirtió en un hito entre el Cool y el free jazz. Le siguieron famosos LPs como "Zoller Koller Solal" o "Zo-Ko-Ma" (1968).

Attila Zoller aparecía regularmente también en Europa, especialmente en Alemania, donde fue galardonado con el "Oso de Oro" del Festival de Cine de Berlín por su lírica banda sonora para "El pan de los primeros años" de Heinrich Böll, junto a Joachim-Ernst Berendt (Director: Herbert Vesely, 1962, producción: Hansjürgen Pohland). En 1966 escribió la sensible música para la adaptación cinematográfica de la novela de Günter Grass "Gato y ratón", dirigida por Hansjürgen Pohland, y en 1967 también para el thriller "Tamara", igualmente dirigido por Pohland.

La música para las películas de Pohland fue interpretada por Zoller y sus sidemen directamente frente a la pantalla, y grabada por técnicos. Antes de que las cintas estuvieran a punto de desaparecer durante casi cinco décadas, Pohland las utilizó para la posproducción. Es gracias al fotógrafo, actor y amante del jazz berlinés Jan George que las grabaciones no se perdieron. Aunque Pohland archivó las cintas en un primer momento, más tarde fueron abandonadas como basura en la carretera por los transportistas que trasladaban sus cosas de Berlín a Múnich. Allí los carretes fueron descubiertos por el amigo de Pohland, Jan George, quien guardó el tesoro en sus cajas hasta la transferencia digital en 2012.

En 1972, Attila Zoller fundó la reconocida escuela de jazz en Vermont, que dirigió personalmente hasta su muerte el 25 de enero de 1998. Fue el primer guitarrista de jazz que investigó el campo del "free" o "avantgarde playing" de manera seria. Como maestro y mentor de muchos estudiantes de guitarra (incluyendo a Pat Metheny), le importaba preservar el arte del jazz guitar. En 1995 recibió un Premio a la Trayectoria de la New England Foundation for the Arts. En 2002, la revista "JazzTimes" lo incluyó entre los "10 guitarristas de jazz más subestimados de todos los tiempos".
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