Unlike his slightly earlier recordings for Moodsville (which feature Red
Garland on unaccompanied piano solos), this strictly ballad date has
Garland joined (on all but the solo "Lush Life") by bassist Larry Ridley
and drummer Frank Gant. Since all eight of the standards are taken at
the same medium/slow tempo, there is not much variety here, keeping the
CD from being essential. But Garland's attractive and distinctive chord
voicings, plus his ability to uplift melodies while swinging at a slow
speed, make this project a success. Highlights include "The Nearness of
You," "Where or When," and Irving Berlin's "All Alone." Particularly
effective when used as background music.
A diferencia de sus grabaciones ligeramente anteriores para Moodsville
(que presentan a Red Garland en solos de piano sin acompañamiento), esta
cita estrictamente baladística tiene a Garland acompañado (en todos
menos en el solo "Lush Life") por el bajista Larry Ridley y el baterista
Frank Gant. Dado que los ocho estándares están tomados al mismo tempo
medio/lento, no hay mucha variedad aquí, lo que hace que el CD no sea
esencial. Pero las atractivas y distintivas voces de acordes de Garland,
más su habilidad para elevar las melodías mientras se balancea a una
velocidad lenta, hacen de este proyecto un éxito. Los puntos más
destacados incluyen "The Nearness of You", "Where or When" y "All Alone"
de Irving Berlin. Particularmente efectivo cuando se usa como música de
fondo.
por Scott Yanow
https://www.allmusic.com/album/the-nearness-of-you-mw0000602493
Atom String Quartet is one of the most intriguing string quartets in the world, and also one of best Polish jazz bands. The group combines the capabilities of a string quartet (i.e. two violins, viola and cello) with improvisation in its broad sense. The set of instruments of a chamber music ensemble, which is most classic and firmly established in music tradition, enables the artists to search for new sound and formal achievements. It is difficult to define, in an explicit way, the music style of the group. Its music output, besides jazz, shows sources of inspiration coming from Polish folk, music of various regions of the world, and also contemporary and classical music. The quartet was established in Warsaw in 2010, and is created by the violinists: Dawid Lubowicz and Mateusz Smoczyński, the violist – Michał Zaborski and cellist – Krzysztof Lenczowski. All of them graduated from Warsaw Frederic Chopin University of Music. Since winning the Grand Prix of the 13th Bielska Zadymka Jazz Festival in 2011, the band constantly performs at the greatest music festivals of the world, such as: Berliner Jazztage, Jazz Baltica, Leipziger Jazztage, Cairo Jazz Festival, Katara European Jazz Festival, Festival Veranos de la Villa Madrid, Gaume Jazz Festival, Manchester Jazz Festival, Jazzycolors Festival Paris, Salzburger Festspiele, Jazz Jamboree and Solidarity of Arts. Atom String Quartet is also the first Polish group that played twice at the European jazz fair jazzahead! in Bremen (2015 and 2018). The group recorded four original records: “Fade In” – which received the Polish music award “Fryderyk” for Jazz Debut of the Year (2011), “Places” (2012) – which got “Fryderyk” for Album of the Year – Jazz (2012) and “AtomSPHERE”, which was nominated to “Fryderyk” for Jazz Album of the Year (2015). All records were released by Kayax. In 2017 the band released its fourth album containing compositions of the renowned Polish jazz violinist – Zbigniew Seifert with interpretations of the quartet’s musicians. Zbigniew Seifert Foundation is the publisher of the album. The album was nominated to “Fryderyk 2017” for Jazz Album of the Year. The cooperation between ASQ and NFM Leopoldinum Orchestra took special shape. It resulted in two albums: ”Made in Poland”, with compositions of Karol Szymanowski, Grażyna Bacewicz and Mikołaj Górecki as well as Krzysztof Lenczowski (”Iława” and ”Namysłowiak”) and also Dawid Lubowicz (”Ballad on the Death of Janosik”); the other album ”Supernova” contains the Quartet musicians’ premiere composition, written especially on this occassion, and a piece by Hanna Kulenty-Majoor: ”Concerto Rosso for string quartet and string orchestra” – dedicated to both bands. The two albums were awarded ”Fryderyk”: ”Made in Poland” (2017) in the cathegory Album of the Year – symphonic and concert music, and ”Supernova” (2018) in the cathegory Album of the Year – contemporary music. The band’s discography also contains significant live concert albums with special projects, i.e.: Leszek Możdżer and Friends “Live in Berlin Philharmonic III”, Grzech Piotrowski World Orchestra “Live in Gdańsk”, String Big Band “Live in Trójka”, and Dorota Miśkiewicz “Piano.pl”. The musicians of Atom String Quartet are constantly invited to other artists’ recording sessions, e.g. Zakopower (“Drugie pół”), Kayah (“Transoriental Orchestra” and “Gdy pada śnieg”), Natalia Kukulska (“Ósmy plan”), Cezariusz Gadzina (“The Fifth Element”), Rafał Grząka (“Atom Accordion Quintet”), Grażyna Auguścik (“Inspired by Lutosławski”), Tomasz Wendt (“Behind The Strings”). Atom String Quartet received many awards, i.e. : “Grand Prix of Music Lovers Society” in the category New Hope of Music Lovers (2010) and Band of the Year (2016), “Gold Fiddle” at the 15th Polish Radio Folk Festival New Tradition (2012) and “Mateusz Trójki” (2015) in the category Jazz Music – Event. Since the beginning of Atom String Quartet’s activity its musicians gain high ranks in the survey “Jazz Top” of “Jazz Forum” magazine, including several times the first rank in the category Acoustic Band. In 2017/2018 season Atom String Quartet was the artist-in-residence in Mieczysław Karłowicz Philharmonic in Szczecin. The quartet cooperated with such artists as: Branford Marsalis, Bobby McFerrin, Gil Goldstein, Vladislav “Adzik” Sendecki, Mino Cinelu, Paolo Fresu, Leszek Możdżer, Lars Danielsson, Zohar Fresco, Jerzy Maksymiuk, André Ochodlo, Urszula Dudziak, Anna Maria Jopek, Marek Moś, Natalia Kukulska, Kayah, Aga Zaryan, Janusz Olejniczak, Krzesimir Dębski, Adam Sztaba, Grzech Piotrowski, Krzysztof Herdzin, Andrzej Smolik, and bands, i.e.: AUKSO Tychy Chamber Orchestra, Leopoldinum Orchestra, Sinfonia Varsovia Orchestra, Sinfonietta Cracovia, Radom Chamber Orchestra, Szczecin Chamber Orchestra, Elbląg Chamber Orchestra, Grzech Piotrowski World Orchestra, Sinfonia Viva, Sebastian Karpiel- Bułecka Highlanders Band. https://www.atomstringquartet.com/en/biography/
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Atom String Quartet es uno de los cuartetos de cuerda más intrigantes del mundo, y también uno de los mejores grupos de jazz polacos. El grupo combina las capacidades de un cuarteto de cuerda (es decir, dos violines, viola y violonchelo) con la improvisación en su sentido más amplio. El conjunto de instrumentos de un grupo de música de cámara, el más clásico y firmemente establecido en la tradición musical, permite a los artistas buscar nuevos logros sonoros y formales. Es difícil definir, de forma explícita, el estilo musical del grupo. Su producción musical, además del jazz, muestra fuentes de inspiración procedentes del folclore polaco, de la música de diversas regiones del mundo y también de la música contemporánea y clásica. El cuarteto se estableció en Varsovia en 2010, y está creado por los violinistas Dawid Lubowicz y Mateusz Smoczyński, el violista - Michał Zaborski y el chelista - Krzysztof Lenczowski. Todos ellos se graduaron en la Universidad de Música Frederic Chopin de Varsovia. Desde que ganó el Gran Premio del 13º Festival de Jazz de Bielska Zadymka en 2011, la banda actúa constantemente en los mayores festivales de música del mundo, como: Berliner Jazztage, Jazz Baltica, Leipziger Jazztage, Cairo Jazz Festival, Katara European Jazz Festival, Festival Veranos de la Villa Madrid, Gaume Jazz Festival, Manchester Jazz Festival, Jazzycolors Festival Paris, Salzburger Festspiele, Jazz Jamboree y Solidarity of Arts. Atom String Quartet es también el primer grupo polaco que tocó dos veces en la feria europea de jazz jazzahead! en Bremen (2015 y 2018). El grupo grabó cuatro discos originales: "Fade In" - que recibió el premio musical polaco "Fryderyk" al Debut de Jazz del Año (2011), "Places" (2012) - que obtuvo el "Fryderyk" al Álbum del Año - Jazz (2012) y "AtomSPHERE", que fue nominado al "Fryderyk" al Álbum de Jazz del Año (2015). Todos los discos fueron editados por Kayax. En 2017 la banda lanzó su cuarto álbum que contiene composiciones del reconocido violinista de jazz polaco - Zbigniew Seifert con interpretaciones de los músicos del cuarteto. La Fundación Zbigniew Seifert es la editora del álbum. El álbum fue nominado al "Fryderyk 2017" como Álbum de Jazz del Año. La cooperación entre la ASQ y la Orquesta Leopoldinum de la NFM tomó una forma especial. Dio lugar a dos álbumes: "Made in Poland", con composiciones de Karol Szymanowski, Grażyna Bacewicz y Mikołaj Górecki, así como de Krzysztof Lenczowski ("Iława" y "Namysłowiak") y también de Dawid Lubowicz ("Balada sobre la muerte de Janosik"); el otro álbum "Supernova" contiene la composición de estreno de los músicos del Cuarteto, escrita especialmente en esta ocasión, y una pieza de Hanna Kulenty-Majoor: "Concerto Rosso para cuarteto de cuerda y orquesta de cuerda", dedicada a ambos grupos. Los dos álbumes fueron galardonados con el premio "Fryderyk": "Made in Poland" (2017) en la categoría Álbum del Año - música sinfónica y de concierto, y "Supernova" (2018) en la categoría Álbum del Año - música contemporánea. La discografía del grupo también contiene importantes álbumes de conciertos en vivo con proyectos especiales, es decir: Leszek Możdżer y amigos "En vivo en la Filarmónica de Berlín III", Grzech Piotrowski World Orchestra "En vivo en Gdańsk", String Big Band "En vivo en Trójka", y Dorota Miśkiewicz "Piano.pl". Los músicos del Atom String Quartet son constantemente invitados a las sesiones de grabación de otros artistas, por ejemplo Zakopower ("Drugie pół"), Kayah ("Transoriental Orchestra" y "Gdy pada śnieg"), Natalia Kukulska ("Ósmy plan"), Cezariusz Gadzina ("The Fifth Element"), Rafał Grząka ("Atom Accordion Quintet"), Grażyna Auguścik ("Inspired by Lutosławski"), Tomasz Wendt ("Behind The Strings"). Atom String Quartet ha recibido numerosos premios, a saber : "Gran Premio de la Sociedad de Amantes de la Música" en la categoría Nueva Esperanza de los Amantes de la Música (2010) y Banda del Año (2016), "Violín de Oro" en el 15º Festival Folclórico de la Radio Polaca Nueva Tradición (2012) y "Mateusz Trójki" (2015) en la categoría Música de Jazz - Evento. Desde el inicio de la actividad de Atom String Quartet sus músicos obtienen altos rangos en la encuesta "Jazz Top" de la revista "Jazz Forum", incluyendo varias veces el primer rango en la categoría Acoustic Band. En la temporada 2017/2018 Atom String Quartet fue el artista residente en la Filarmónica Mieczysław Karłowicz en Szczecin. El cuarteto cooperó con artistas como: Branford Marsalis, Bobby McFerrin, Gil Goldstein, Vladislav "Adzik" Sendecki, Mino Cinelu, Paolo Fresu, Leszek Możdżer, Lars Danielsson, Zohar Fresco, Jerzy Maksymiuk, André Ochodlo, Urszula Dudziak, Anna Maria Jopek, Marek Moś, Natalia Kukulska, Kayah, Aga Zaryan, Janusz Olejniczak, Krzesimir Dębski, Adam Sztaba, Grzech Piotrowski, Krzysztof Herdzin, Andrzej Smolik, y bandas, es decir e.: Orquesta de Cámara AUKSO Tychy, Orquesta Leopoldinum, Orquesta Sinfonia Varsovia, Sinfonietta Cracovia, Orquesta de Cámara Radom, Orquesta de Cámara Szczecin, Orquesta de Cámara Elbląg, Orquesta Mundial Grzech Piotrowski, Sinfonia Viva, Sebastian Karpiel- Bułecka Highlanders Band.
The Kung-Fu Masters isn't simply another album for tenor saxophonist Sean Nowell; it's the recorded coming out party for a band and concept that he's been tweaking and promoting for years. Nowell has been field testing this project in New York jazz spots like 55 Bar, and his website contains various recorded performances of the group at the club dating back to 2009, but this marks the first official outing from this forward-thinking beast of a band.
The Kung-Fu Masters marry funk with post-modern jazz and electronica elements to create an offbeat, beat-heavy blend of music that's brilliantly propelled by drummer Marko Djordjevic. He comes across as a mutated Mike Clark, capable of delivering Headhunters-worthy grooves and imitating the ever-looping beats that serve as the heartbeat for dance floor mixes; he may not be the front-and-center star of this date, but the success of this music rests squarely in his hands.
The rest of the band—which includes two keyboardists, a bassist and two other horns that keep Nowell company in the front line—does a fine job navigating its way through the saxophonist's music. Bassist Evan Marien is completely in sync with Djordjevic, and keyboardists Art Hirahara and Adam Klipple (who also works the organ) alternate between delivering earthly delights and otherworldly sound bites. The horn section functions together like a modern dance club version of the JBs, nailing tasty riffs into place over the rhythm section, but its members also get the chance to individually break away on occasion and stand apart from the crowd.
Futurism finds its way into most of these pieces, yet the music speaks to the ears of today. Nowell's electro-acoustic creations skirt normal jazz conventions while fully adhering to the core philosophy of jazz as an all-absorbing, ever-evolving entity. The Kung-Fu Masters seem like a band that would embrace pianist Herbie Hancock and Squarepusher, rather than viewing them as diametrically opposed forces in music. Maybe that makes this jazz for the rave generation or, perhaps, it just marks this as compelling stuff that doesn't need to be placed into a labeled bin. Dan Bilawsky BY DAN BILAWSKY February 18, 2013 https://www.allaboutjazz.com/the-kung-fu-masters-sean-nowell-posi-tone-records-review-by-dan-bilawsky
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The Kung-Fu Masters no es simplemente otro álbum para el saxofonista tenor Sean Nowell; es la fiesta de presentación grabada para una banda y un concepto que ha estado retocando y promoviendo durante años. Nowell ha estado probando este proyecto en lugares de jazz de Nueva York como el 55 Bar, y su sitio web contiene varias actuaciones grabadas del grupo en el club que se remontan a 2009, pero esto marca la primera salida oficial de esta bestia con visión de futuro de una banda.
The Kung-Fu Masters combinan el funk con el jazz posmoderno y los elementos electrónicos para crear una mezcla de música fuera de tiempo y llena de ritmos, brillantemente impulsada por el baterista Marko Djordjevic. Se presenta como un Mike Clark mutado, capaz de ofrecer grooves dignos de los Headhunters y de imitar los ritmos siempre en bucle que sirven de latido para las mezclas en la pista de baile; puede que no sea la estrella principal de esta cita, pero el éxito de esta música descansa directamente en sus manos.
El resto de la banda -que incluye dos teclistas, un bajista y otros dos instrumentos de viento que acompañan a Nowell en la primera línea- hace un buen trabajo navegando por la música del saxofonista. El bajista Evan Marien está completamente sincronizado con Djordjevic, y los teclistas Art Hirahara y Adam Klipple (que también trabaja en el órgano) alternan entre la entrega de delicias terrenales y bocados de sonido de otro mundo. La sección de vientos funciona como una versión moderna de los JB en un club de baile, clavando sabrosos riffs sobre la sección rítmica, pero sus miembros también tienen la oportunidad de separarse individualmente en ocasiones y destacarse de la multitud.
El futurismo se encuentra en la mayoría de estas piezas, pero la música habla a los oídos de hoy. Las creaciones electroacústicas de Nowell eluden las convenciones normales del jazz, pero se adhieren plenamente a la filosofía central del jazz como entidad absorbente y en constante evolución. Los Kung-Fu Masters parecen una banda que abrazaría al pianista Herbie Hancock y a Squarepusher, en lugar de considerarlos fuerzas diametralmente opuestas en la música. Tal vez eso hace que este jazz sea para la generación rave o, tal vez, sólo marca esto como un material convincente que no necesita ser colocado en un contenedor etiquetado. Dan Bilawsky POR DAN BILAWSKY 18 de febrero de 2013 https://www.allaboutjazz.com/the-kung-fu-masters-sean-nowell-posi-tone-records-review-by-dan-bilawsky
Rale
Micic is one of the most successful and critically acclaimed jazz
musicians to emerge from Serbia. Audiences throughout the world have
been captivated by Micic’s mesmerizing music, exploring interaction
between his Serbian musical roots and his extensive knowledge of jazz.
With
three albums‘released on CTA Records, Rale Micic created cult-like
following among music fans with his mix of jazz and haunting melodies
from the Balkans. On his second release entitled Serbia, Micic
establishes himself as one of the most inventive voices on the music
scene today, featuring renowned Grammy-nominated trumpet player Tom
Harrell, and was called “mellow, tight and tasteful” by Downbeat. His
trio album, symbolically titled “3”, is an entrancing trio record
described as “ a groove heavy record… pure listening pleasure”.
On
his new album entitled Night Music (Whaling City Sound) , Rale looks
closer to home for his inspiration. It features all new music, a modern
day re-imaging of Bela Bartok’s idea of night music and what it would
sound like in the city today.
Rale Micic has been featured in
numerous publications including Downbeat, JazzTimes, LA Times, San Diego
Tribune, Boston Globe, etc. He has performed at prominent jazz clubs
and music festivals in US and Europe including Village Vanguard,
Catalina Jazz Club, Blues Alley,, Scullers Jazz Club, Dizzy’s, Smalls,
San Jose Jazz Festival, Hartford International Jazz Festival, etc.
As
a sideman, Micic has worked with the jazz artists such as Tom Harrell,
Don Friedman, Eric Alexander, Jason and Delfayo Marsalis, etc. He is a
member of Tom Harrell Chamber Ensemble and is featured on critically
acclaimed release First Impression (2015 High Note). Rale Micic plays
Sadowsky guitars and D’Addario strings. https://www.ralemicic.com/ralewp/?page_id=4149#about
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Rale
Micic es uno de los músicos de jazz más exitosos y aclamados por la
crítica que ha surgido de Serbia. El público de todo el mundo ha quedado
cautivado por la hipnotizante música de Micic, que explora la
interacción entre sus raíces musicales serbias y sus amplios
conocimientos de jazz.
Con tres álbumes publicados en CTA
Records, Rale Micic creó un culto entre los aficionados a la música con
su mezcla de jazz y melodías inquietantes de los Balcanes. En su segundo
disco, titulado Serbia, Micic se consolida como una de las voces más
inventivas del panorama musical actual, con la colaboración del
renombrado trompetista nominado al Grammy Tom Harrell, y fue calificado
de "suave, ajustado y de buen gusto" por Downbeat. Su álbum de trío,
titulado simbólicamente "3", es un disco de trío fascinante, descrito
como "un disco lleno de groove... puro placer de escuchar".
En su
nuevo álbum, titulado Night Music (Whaling City Sound), Rale se inspira
en su país. El álbum contiene música nueva, una reimaginación moderna
de la idea de Bela Bartok sobre la música nocturna y cómo sonaría en la
ciudad hoy en día.
Rale Micic ha aparecido en numerosas
publicaciones como Downbeat, JazzTimes, LA Times, San Diego Tribune,
Boston Globe, etc. Ha actuado en destacados clubes de jazz y festivales
de música de Estados Unidos y Europa, como el Village Vanguard, el
Catalina Jazz Club, el Blues Alley, el Scullers Jazz Club, el Dizzy's,
el Smalls, el San Jose Jazz Festival, el Hartford International Jazz
Festival, etc.
Como sideman, Micic ha trabajado con artistas de
jazz como Tom Harrell, Don Friedman, Eric Alexander, Jason y Delfayo
Marsalis, etc. Es miembro del Tom Harrell Chamber Ensemble y aparece en
el aclamado lanzamiento First Impression (2015 High Note). Rale Micic
toca guitarras Sadowsky y cuerdas D'Addario. https://www.ralemicic.com/ralewp/?page_id=4149#about
Born Thomas Wade Vaughn on October 14, 1936 in Benton, Kentucky, young Tom Vaughn began his music study on the piano around the age of five under the tutelage of his mother, Elizabeth. The piano was the instrument of choice for their family. Robert Wade, an uncle, was employed as a pianist by the New York and San Francisco ballet companies.
At age 10, his family, which also included four girls, relocated to Pontiac, Michigan, near Detroit. During his adolescence, he studied classical music with Harold Deremier. At age 12, Vaughn experienced the genius of Art Tatum, who was visiting Deremier. Vaughn stated, "I hadn't been exposed to music like that before." "That was amazing" and shifted his focus to jazz. In his mid-teens he was jamming in Detroit with other young musicians including Kenny Burrell, Paul Chambers, and Elvin Jones.
Vaughn graduated from Eureka College in Illinois with a degree in history while playing piano in area clubs. He and his sweetheart Beverle Jean were married, and the couple started a family when Sheila Denise was born in 1961. Two other children followed: Tom, Jr. in 1963; and Angela Suzanne in 1965. A strong interest in religion led him to enroll in Yale Divinity School, where he earned a doctorate in theology.
He entered the Episcopal priesthood, and in 1964 his first position was assistant to the rector at St. John's Episcopal Church in Midland, Michigan, two hours north of Detroit. Vaughn still played concerts at colleges and clubs sporadically, but the 8am Sunday service limited his travel. That same year Father Tom sat in with Gene Krupa's quartet in Detroit, where he caught the attention of producer George Wein.
One year later, Wein brought Vaughn to New York City, where he recorded Jazz In Concert At The Village Gate with Art Davis on double bass and Elvin Jones on drums. Vaughn was a featured performer at the 1966 Newport Jazz Festival, opening for Miles Davis.
Father Vaughn left St. John's Church in Midland in 1967, deciding that Los Angeles would be more conducive to his two passions, music and the ministry. Cornbread (Meat Loaf, Greens & Devilled Eggs) was recorded and released, followed by Motor City Soul in 1968. He played in festivals and concerts during the late 1960s and early 1970s, and appeared on local television and national talk shows, including Johnny Carson, Steve Allen and Merv Griffin. All this was done around his church responsibilities.
Vaughn joined St. Martin-in-the-Fields Episcopal Church in Winnetka, California in 1968. Three years later, he performed a jazz concert in the parish hall to raise funds for the "Fireside Room", then began serving as assistant rector. When St. Martin's celebrated their 25th anniversary with a big barbecue, music and dancing, Father Tom played during the 1974 festivities. He was installed as rector in 1976, the year he recorded his last album, Joyful Jazz. He stayed busy with the parish and raising his three children until 1984, when he needed hip replacement—both—and retired from active ministry. After that, he served as a Supply Priest, officiating services at churches when the rector was absent. "The bishop of the diocese advised me to retire, but I'm still an available priest. I do weddings, funerals, counseling."
Father Tom Vaughn reappeared publicly in 1990, conducting the memorial service for singer June Christy at the Forest Lawn Memorial Park (Hollywood Hills). As part of the service, he invited a quartet of eminent musicians to play in her honor, but did not join the group himself, instead opting to listen and enjoy the music as a spectator.
By the early 1990s, his children were grown and Vaughn played at local clubs a few times each year; a 1990 performance at the Millennium Biltmore Hotel received positive reviews. He also hosted a public-access television cable show, "All That Jazz", and was considering a return to the recording studio.
Vaughn was interviewed by the Los Angeles Times in 1991 and asked why he chose to remain a priest rather than accept fame and fortune as a touring musician.
Nothing can move me at the deepest spiritual level like music can, (but) music was never completely satisfying. Music was something that came to me as a pure gift. Maybe it came too easily. The clergy came to me through hard work and learning. I felt called to the inquiries of the mind. Tom Vaughn didn't want musical notoriety. I've never made much of a fuss over it myself.
After turning 60, Vaughn further reduced his public performances to perhaps once a year. He remained married to wife, Bev, and practiced for three or four hours most mornings for his own enjoyment.
That feeling, when it's right, there's nothing better – carnality, food, throw it all out the window. When I get in a groove, I'm detached, almost like losing consciousness, like flying some sort of super aircraft. It's close to an out-of-body experience.
At an interview in 1996, he acknowledged splitting piano time between playing the classics (Bach, Beethoven & Chopin) and improvising jazz with touches of blues and bebop.
Vaughn died March 4, 2011, according to comments posted on a YouTube video of Vaughn's recording of "Battle Hymn of the Republic".
Today, Vaughn's version of Battle Hymn of the Republic can be heard every Saturday night at 9:00 pm EST on WABE 90.1 in Atlanta. The song have provided the introduction to H. Johnson's "Jazz Classics" radio show, for 21 of more than 26 years that the show has aired.
All of Vaughn's records have been out of print for many years, but his three children began compiling their father's work into digital form in 2006
Nacido Thomas Wade Vaughn el 14 de octubre de 1936 en Benton, Kentucky, el joven Tom Vaughn comenzó su estudio de música para piano a la edad de cinco años bajo la tutela de su madre, Elizabeth. El piano fue el instrumento de elección para su familia. Robert Wade, un tío, fue empleado como pianista por las compañías de ballet de Nueva York y San Francisco.
A los 10 años, su familia, que también incluía a cuatro niñas, se mudó a Pontiac, Michigan, cerca de Detroit. Durante su adolescencia, estudió música clásica con Harold Deremier. A los 12 años, Vaughn experimentó el genio de Art Tatum, quien visitaba Deremier. Vaughn dijo: "No había estado expuesto a música como esa antes". "Eso fue increíble" y cambió su enfoque hacia el jazz. En su adolescencia estaba en Detroit con otros músicos jóvenes, como Kenny Burrell, Paul Chambers y Elvin Jones.
Vaughn se graduó de Eureka College en Illinois con un título en historia mientras tocaba el piano en clubes de la zona. Él y su novia Beverle Jean se casaron, y la pareja formó una familia cuando Sheila Denise nació en 1961. Le siguieron otros dos hijos: Tom, Jr. en 1963; y Angela Suzanne en 1965. Un fuerte interés en la religión lo llevó a inscribirse en la Escuela de Divinidad de Yale, donde obtuvo un doctorado en teología.
Ingresó en el sacerdocio episcopal, y en 1964 su primer puesto fue asistente del rector en la Iglesia Episcopal de St. John en Midland, Michigan, dos horas al norte de Detroit. Vaughn aún tocaba conciertos en colegios y clubes de forma esporádica, pero el servicio del domingo a las 8 am limitó sus viajes. Ese mismo año, el padre Tom participó en el cuarteto de Gene Krupa en Detroit, donde llamó la atención del productor George Wein.
Un año más tarde, Wein trajo a Vaughn a la ciudad de Nueva York, donde grabó Jazz In Concert en The Village Gate con Art Davis en contrabajo y Elvin Jones en batería. Vaughn fue un actor destacado en el Festival de Jazz de Newport de 1966, que abrió para Miles Davis.
El padre Vaughn dejó la Iglesia de San Juan en Midland en 1967, y decidió que Los Ángeles sería más propicio para sus dos pasiones, la música y el ministerio. Cornbread (Meat Loaf, Greens & Devilled Eggs) fue grabado y lanzado, seguido de Motor City Soul en 1968. Tocó en festivales y conciertos a fines de la década de los 60 y principios de los 70, y apareció en la televisión local y en programas nacionales de entrevistas, incluido Johnny Carson. , Steve Allen y Merv Griffin. Todo esto se hizo en torno a las responsabilidades de su iglesia.
Vaughn se unió a la Iglesia Episcopal St. Martin-in-the-Fields en Winnetka, California, en 1968. Tres años más tarde, realizó un concierto de jazz en el salón parroquial para recaudar fondos para la "Sala Fireside", luego comenzó a servir como rector asistente. Cuando San Martín celebró su 25 aniversario con una gran barbacoa, música y baile, el Padre Tom tocó durante las festividades de 1974. Fue instalado como rector en 1976, el año en que grabó su último álbum, Joyful Jazz. Se mantuvo ocupado con la parroquia y criando a sus tres hijos hasta 1984, cuando necesitaba un reemplazo de cadera (ambos) y se retiró del ministerio activo. Después de eso, se desempeñó como sacerdote de suministros, oficiando servicios en iglesias cuando el rector estaba ausente. "El obispo de la diócesis me aconsejó que me retirara, pero sigo siendo un sacerdote disponible. Hago bodas, funerales, asesoramiento".
El padre Tom Vaughn reapareció públicamente en 1990, dirigiendo el servicio conmemorativo de la cantante June Christy en el Forest Lawn Memorial Park (Hollywood Hills). Como parte del servicio, invitó a un cuarteto de músicos eminentes a tocar en su honor, pero no se unió al grupo, sino que optó por escuchar y disfrutar la música como espectador.
A principios de la década de 1990, sus hijos crecieron y Vaughn jugó en clubes locales varias veces al año; Una actuación de 1990 en el Millennium Biltmore Hotel recibió críticas positivas. También presentó un programa de televisión por cable de acceso público, "All That Jazz", y estaba considerando regresar al estudio de grabación.
Vaughn fue entrevistado por el Los Angeles Times en 1991 y le preguntó por qué decidió seguir siendo sacerdote en lugar de aceptar la fama y la fortuna como músico de gira.
Nada puede conmoverme en el nivel espiritual más profundo como lo puede hacer la música, pero la música nunca fue completamente satisfactoria. La música fue algo que me vino como un puro regalo. Tal vez fue demasiado fácil. El clero vino a mí a través del trabajo duro y el aprendizaje. Me sentí llamado a las preguntas de la mente. Tom Vaughn no quería la notoriedad musical. Yo nunca he hecho mucho escándalo por eso.
Después de cumplir 60 años, Vaughn redujo aún más sus actuaciones públicas a quizás una vez al año. Permaneció casado con su esposa, Bev, y practicó durante tres o cuatro horas casi todas las mañanas para su propio disfrute.
Ese sentimiento, cuando es correcto, no hay nada mejor: carnalidad, comida, tirarlo todo por la ventana. Cuando me meto en un surco, me separo, casi como perdiendo la conciencia, como volando una especie de súper avión. Es cerca de una experiencia extracorpórea.
En una entrevista en 1996, reconoció dividir el tiempo de piano entre tocar los clásicos (Bach, Beethoven y Chopin) e improvisar jazz con toques de blues y bebop.
Vaughn murió el 4 de marzo de 2011, según los comentarios publicados en un video de YouTube de la grabación de Vaughn de "El himno de batalla de la República".
Hoy en día, la versión de Vaughn de Battle Hymn of the Republic se puede escuchar todos los sábados por la noche a las 9:00 pm EST en WABE 90.1 en Atlanta. La canción ha proporcionado la introducción al programa de radio "Jazz Classics" de H. Johnson, durante 21 de los más de 26 años que el programa se ha emitido.
Todos los registros de Vaughn han estado agotados durante muchos años, pero sus tres hijos comenzaron a compilar el trabajo de su padre en forma digital en 2006.
