Max Roach Plus Four • Quiet As It's Kept

  

Review
by Michael G. Nastos  
Max Roach's post-Clifford Brown ensembles became more experimental down the road, but this 1960 band, with the brothers Tommy and Stanley Turrentine, and Julian Priester, was short-lived, very satisfying, and one of the most memorable combos the drummer led. Continuing to concentrate on hard bop themes, the band is hardly quiet as the title would suggest. It perhaps could be said that this band was a sleeper in not being as recognized as the superior collective talent would indicate. Perhaps the obscure bassist Bob Boswell has something to do with it, or that the front line would find their niches in jazz well past their membership in this fine combo. Of course Roach's drumming is far beyond reproach, but it is his choice of material and their composers that have to strike even the most literate jazz head as quite daring. The bouncy title track written by Bill Lee with its happy counterpoint and unison lines, the fleet Kenny Dorham evergreen "Lotus Blossom" embellished in held or stretched melody lines, and Priester's "Juliano" are all extension of the mid-'50s hard bop that Roach helped to found, the latter tune contrasting Tommy Turrentine's bright trumpet with the trombonist's mushy sound. Brother Stanley Turrentine's tenor sax is featured extensively on this set, proving a quite able bopper in his pre-soul-jazz days. For "The More I See You" his easygoing, restrained tone exudes more in what he doesn't play than what he does. On the original, first recorded version of the eventual standard "As Long as You're Living" in 5/4 time, Boswell's bass leads as the three horns fill in the cracks and accent beautifully. Leon Mitchell's ballad tribute to Billie Holiday, "To Lady," is the feature for Tommy Turrentine's soulful trumpet, the perfect example of the unsung hero and his voicings that were never fully acknowledged. Only one other album (the Enja release Long as You're Living) from this band was issued with some different material, but they stand together as brief monuments from a group unique unto itself, and a transitional band in the history of Roach's long tenure as a leader.
https://www.allmusic.com/album/quiet-as-its-kept-mw0000818470?1642424695430

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Reseña
por Michael G. Nastos  
Los conjuntos de Max Roach posteriores a Clifford Brown se volvieron más experimentales en el camino, pero esta banda de 1960, con los hermanos Tommy y Stanley Turrentine, y Julian Priester, fue de corta duración, muy satisfactoria, y uno de los combos más memorables que el baterista dirigió. Siguiendo con la concentración en temas de hard bop, la banda no es tranquila como sugiere el título. Tal vez podría decirse que esta banda fue un "sleeper" al no ser tan reconocida como indicaría el superior talento colectivo. Tal vez el oscuro bajista Bob Boswell tenga algo que ver con ello, o que la primera línea encontraría sus nichos en el jazz mucho más allá de su pertenencia a este buen combo. Por supuesto, la forma de tocar la batería de Roach es irreprochable, pero es su elección de material y sus compositores lo que tiene que impresionar incluso a la cabeza más letrada del jazz como algo bastante atrevido. El alegre tema del título escrito por Bill Lee, con sus alegres contrapuntos y líneas al unísono, la rápida "Lotus Blossom" de Kenny Dorham, adornada con líneas melódicas sostenidas o estiradas, y "Juliano" de Priester, son una extensión del hard bop de mediados de los 50 que Roach ayudó a fundar, y este último tema contrasta la brillante trompeta de Tommy Turrentine con el sonido pastoso del trombonista. El saxo tenor de su hermano Stanley Turrentine aparece ampliamente en este disco, demostrando ser un gran intérprete de bop en su época anterior al jazz. En "The More I See You", su tono fácil y comedido emana más de lo que no toca que de lo que toca. En la primera versión original grabada del eventual estándar "As Long as You're Living" en tiempo de 5/4, el bajo de Boswell lidera mientras las tres trompas rellenan las grietas y acentúan maravillosamente. La balada de Leon Mitchell en homenaje a Billie Holiday, "To Lady", es la característica para la conmovedora trompeta de Tommy Turrentine, el ejemplo perfecto del héroe no reconocido y sus voicings que nunca fueron del todo reconocidos. Sólo se publicó otro álbum (el lanzamiento de Enja Long as You're Living) de esta banda con material diferente, pero se mantienen juntos como breves monumentos de un grupo único en sí mismo, y una banda de transición en la historia de la larga trayectoria de Roach como líder.
https://www.allmusic.com/album/quiet-as-its-kept-mw0000818470?1642424695430

Leni Stern • Secrets

  

Leni Stern was named one of the “50 Most Sensational Female Guitarists of All Time” in Guitar Player magazine’s 50 th anniversary issue in 2017, with the publication aptly dubbing her “a genre-defying adventurer.” Leni’s example shines beyond just prowess on her instrument. The pursuit of her career across more than four decades has been in effect a political act – a practice in strength and defiance to be a woman and a bandleader, a female electric guitarist and a composer, an artist who manages her own career along with producing her own albums and releasing them via her own label. Moreover, in our current political climate, it is more essential than ever to celebrate the immigrant experience that brought Leni to the U.S. from Germany and her bandmates from Senegal and Argentina. Leni’s inspiration has long been the interconnectedness of music, history and our humanity. She says: “Music is one of the truest, most beautiful expressions of the human spirit, crossing borders, dissolving tribalism, binding us together – if we let it.”
Leni has been on an evolutionary road over the past decade and a half, as she fused her long-honed contemporary jazz sound with a deeply felt exploration of West African styles. She has traveled and studied extensively in Mali and Senegal, performing with the likes of iconic singer-songwriter Salif Keita and other African notables. The Munich-bred New Yorker’s trans-Atlantic journeys have yielded a fresh, personal idiom, one where progressive virtuosity blends seamlessly with age-old folk traditions. In summer 2020, Leni released her 22 nd album – titled 4 – which features the rhythm section of bassist Mamadou Ba and percussionist Alioune Faye (natives of Dakar), plus Argentina-bred keyboardist Leo Genovese, an up-and-coming jazz star in New York. This new quartet album showcases the crystalline guitar, irresistible grooves and multilingual songs that listeners know from Leni’s recent releases, with Genovese’s improvisational fire and hints of South American lyricism added to the mix. In its four-star review, DownBeat marveled over the “joy” in Leni’s playing, adding: “If you love the wail of Youssou N’Dour and the jangle of Franco Luambo, but also have a soft spot for música popular brasileira, this crisply produced, infectiously melodic and rhythmically percolating album is for you.”
As Leni’s muse has led her around the world, the guitarist’s curiosity and empathy have enabled her to develop collaborative relationships with kindred spirits across cultures. Since the mid-’80s, Leni has worked with the likes of Paul Motian, Michael Brecker, Baaba Maal, Bill Frisell, Wayne Krantz, Toumani Diabaté and Esperanza Spalding, among many others. Leni appeared in a 2013 documentary film, Last Song Before the War, about Mali’s Festival in the Desert, where she first made the connections with the West African musicians who have had such a profound effect on her life and music. Having teamed with Salif Keita and his band on multiple occasions in Africa, the singer pulled her onstage Stateside to play a solo during his Celebrate Brooklyn! Concert in 2008. Two years later, she performed at Carnegie Hall with her original African mentors: Bassekou Kouyate and Ami Sacko. As the Washington Post has said, “Stern doesn’t collaborate with the West Africans so much as commune with them.” Leni also played the U.S. Cultural Ambassador tour of Nicaragua in 2014, and she was artist-in-residence at Nepal’s Jazzmandu: The Kathmandu Jazz Festival in 2015. And, of course, she has placed top jazz clubs across the U.S., as well as diverse festivals in Europe. Leni’s live performances and ever-prolific recording career have earned her Gibson’s Female Jazz Guitarist of the Year award five times.

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Leni Stern fue nombrada una de las" 50 Guitarristas Femeninas Más Sensacionales de Todos los tiempos "en la edición del 50 aniversario de la revista Guitar Player en 2017, y la publicación la calificó acertadamente como" una aventurera que desafía el género."El ejemplo de Leni brilla más allá de la destreza en su instrumento. La búsqueda de su carrera a lo largo de más de cuatro décadas ha sido en efecto un acto político: una práctica de fuerza y desafío para ser una mujer y una líder de banda, una guitarrista eléctrica y compositora, una artista que maneja su propia carrera junto con la producción de sus propios álbumes y su lanzamiento a través de su propio sello. Además, en nuestro clima político actual, es más esencial que nunca celebrar la experiencia inmigrante que trajo a Leni a los Estados Unidos desde Alemania y a sus compañeros de banda de Senegal y Argentina. La inspiración de Leni ha sido durante mucho tiempo la interconexión de la música, la historia y nuestra humanidad. Ella dice: "La música es una de las expresiones más verdaderas y hermosas del espíritu humano, cruza fronteras, disuelve el tribalismo, nos une, si lo permitimos.”
Leni ha estado en un camino evolutivo durante la última década y media, ya que fusionó su sonido de jazz contemporáneo perfeccionado durante mucho tiempo con una exploración profunda de los estilos de África occidental. Ha viajado y estudiado extensamente en Malí y Senegal, actuando con artistas como el icónico cantautor Salif Keita y otros notables africanos. Los viajes transatlánticos del neoyorquino criado en Munich han dado como resultado un lenguaje fresco y personal, uno en el que el virtuosismo progresivo se combina a la perfección con las tradiciones populares ancestrales. En el verano de 2020, Leni lanzó su álbum número 22, titulado 4, que presenta la sección rítmica del bajista Mamadou Ba y el percusionista Alioune Faye (nativos de Dakar), además del tecladista argentino Leo Genovese, una prometedora estrella del jazz en Nueva York. Este nuevo álbum de cuarteto muestra la guitarra cristalina, los ritmos irresistibles y las canciones multilingües que los oyentes conocen de los lanzamientos recientes de Leni, con el fuego de improvisación de Genovese y toques de lirismo sudamericano añadidos a la mezcla. En su reseña de cuatro estrellas, DownBeat se maravilló de la " alegría "en la interpretación de Leni, y agregó:" Si amas el lamento de Youssou N'Dour y el tintineo de Franco Luambo, pero también tienes debilidad por la música popular brasileña, este álbum de producción nítida, infecciosamente melódico y rítmicamente percolador es para ti.”
A medida que la musa de Leni la ha llevado por todo el mundo, la curiosidad y la empatía de la guitarrista le han permitido desarrollar relaciones de colaboración con espíritus afines de todas las culturas. Desde mediados de los años 80, Leni ha trabajado con artistas como Paul Motian, Michael Brecker, Baaba Maal, Bill Frisell, Wayne Krantz, Toumani Diabaté y Esperanza Spalding, entre muchos otros. Leni apareció en un documental de 2013, Last Song Before the War, sobre el Festival de Malí en el Desierto, donde estableció por primera vez las conexiones con los músicos de África occidental que han tenido un efecto tan profundo en su vida y su música. Después de haberse asociado con Salif Keita y su banda en múltiples ocasiones en África, el cantante la llevó al escenario en Estados Unidos para tocar un solo durante su Celebrate Brooklyn! Concierto en 2008. Dos años más tarde, actuó en el Carnegie Hall con sus mentores africanos originales: Bassekou Kouyate y Ami Sacko. Como ha dicho el Washington Post, "Stern no colabora con los africanos occidentales, sino que comulga con ellos. Leni también tocó en la gira del Embajador Cultural de Estados Unidos en Nicaragua en 2014, y fue artista residente en Jazzmandu: The Kathmandu Jazz Festival de Nepal en 2015. Y, por supuesto, ha colocado los mejores clubes de jazz en los Estados Unidos, así como diversos festivales en Europa. Las actuaciones en vivo de Leni y su prolífica carrera discográfica le han valido el premio Gibson's Female Jazz Guitarist of the Year cinco veces.


www.lenistern.com/

George Benson • Goodies

 

 

 

 

www.georgebenson.com ... 

 

 

Key Depositfiles for 2 weeks

 

 

 How to activate pass-Gold:
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At the bottom of the web page it states:
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Please, if you already have a DepositFiles pass, refrain from participating to give other blog visitors the opportunity to benefit. 

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Cómo activar pass-Gold:
Una vez registrado ira a
https://depositfiles.org/gold/points.php
Al pie de la página web se indica:
"Si usted tiene (ha comprado) una clave Gold y desea activarla, introdúzcala aquí y haga clic en Activar"

Por favor, si ya cuentas con un pase para DepositFiles, abstente de participar para dar oportunidad a otros visitantes del blog de beneficiarse. 

Es importante y agradecería que quien sea el afortunado, que comente que ya lo ha logrado.

 

Return To Forever Feat. Chick Corea • No Mystery

 

Review
by Michael G. Nastos  
The fourth edition of Return to Forever was a band that emphasized the screaming wah-wah guitar of Al Di Meola and every electric keyboard Chick Corea could get his hands on to play furiously fast runs. Where the initial, airy Flora Purim/Airto/Joe Farrell edition gave way to the second undocumented group featuring Earl Klugh, and the third band with electric guitarist Bill Connors, this RTF was resplendently and unapologetically indulgent, ripping through riffs and charted, rehearsed melodies, and polyrhythms like a circular saw through a thin tree branch. Their immediacy and visceral power is why rock audiences were drawn to them, impressed by their speed-demon vagaries as much as their concern for musicality. Thank goodness No Mystery had more than its share of toned-down acoustic moments, as well as the powerhouse fighter jet stance that most of their fans craved. It's not nearly as balanced as the previous album Where Have I Known You Before?, but expounds on those themes -- inspired by Neville not Harry Potter -- in a more progressive though louder manner. The bold, dancing, and funky "Dayride" in a higher octave and vocal-type keyboard range perfectly identifies the group sound in a scant three-plus minutes. The two-part, 14-minute "Celebration Suite" gives you a larger view of the classical Bartok/Chopin influence of Corea, and the dramatic medieval or regal stance they alchemized with so many keyboard sounds. It's pseudo-funky, Spanish in a 6/8 rhythm, wailing with Di Meola leaping forth in true guitar hero form, with some group-oriented perfunctory subtleties and complex lines. The title track is the jewel, an acoustic romp through fields of flowers with Lenny White on marimba buoyed by a beautiful, lilting, memorable melody and shifting loud and soft dynamics -- a classic in the repertoire and a fan favorite. The tromping beat of "Jungle Waterfall" supersedes Stanley Clarke's lithe lines, while noise keyboards dominate the silly "Sofistifunk." Corea's acoustic piano is featured on the chordal, grandiose solo "Excerpt from the First Movement of Heavy Metal," and in duet with Clarke. the improvised "Interplay" shows a more spontaneous rather than rehearsed side of these brilliant musicians. Over time, No Mystery yields mixed results, where initially they were viscerally driven and ultimately impressive. The next phase of the group, as indicated by this recording, would take them into even more technologically dominated music.
https://www.allmusic.com/album/no-mystery-mw0000192394

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Reseña
por Michael G. Nastos  
La cuarta edición de Return to Forever fue una banda que hizo hincapié en la chillona guitarra wah-wah de Al Di Meola y en todos los teclados eléctricos que Chick Corea pudo tener en sus manos para tocar carreras furiosamente rápidas. Mientras que la edición inicial de Flora Purim/Airto/Joe Farrell dio paso al segundo grupo indocumentado con Earl Klugh, y al tercero con el guitarrista eléctrico Bill Connors, este RTF era resplandeciente y descaradamente indulgente, arrasando riffs y melodías ensayadas y polirrítmicas como una sierra circular atraviesa una rama fina de árbol. Su inmediatez y poder visceral es la razón por la que el público del rock se sentía atraído por ellos, impresionado por sus caprichos de demonios de la velocidad tanto como por su preocupación por la musicalidad. Gracias a Dios, No Mystery tiene más que su parte de momentos acústicos atenuados, así como la poderosa postura de avión de combate que la mayoría de sus fans ansiaban. No es ni mucho menos tan equilibrado como el álbum anterior Where Have I Known You Before?, pero profundiza en esos temas -inspirados en Neville y no en Harry Potter- de una manera más progresiva aunque más ruidosa. La atrevida, bailable y funky "Dayride", en una octava más alta y con un teclado de tipo vocal, identifica a la perfección el sonido del grupo en apenas tres minutos y pico. La "Celebration Suite", en dos partes y de 14 minutos de duración, ofrece una visión más amplia de la influencia clásica Bartok/Chopin de Corea, y de la dramática postura medieval o regia que alquimizaron con tantos sonidos de teclado. Es pseudo-funky, español en un ritmo de 6/8, ululante con Di Meola saltando en verdadera forma de héroe de la guitarra, con algunas sutilezas perfunctorias orientadas al grupo y líneas complejas. La canción que da título al disco es la joya, un jugueteo acústico por campos de flores con Lenny White a la marimba, animado por una melodía hermosa, cadenciosa y memorable y una dinámica que cambia de alto a bajo: un clásico del repertorio y uno de los favoritos de los fans. El ritmo trompetero de "Jungle Waterfall" sustituye a las ágiles líneas de Stanley Clarke, mientras que los teclados ruidosos dominan la tonta "Sofistifunk". El piano acústico de Corea aparece en el acorde y grandioso solo "Excerpt from the First Movement of Heavy Metal", y a dúo con Clarke, el improvisado "Interplay" muestra un lado más espontáneo que ensayado de estos brillantes músicos. Con el tiempo, No Mystery arroja resultados dispares, donde al principio eran visceralmente impulsados y, en última instancia, impresionantes. La siguiente fase del grupo, como indica esta grabación, les llevaría a una música aún más dominada por la tecnología.
https://www.allmusic.com/album/no-mystery-mw0000192394


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