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domingo, 29 de marzo de 2020

John Clark • Faces



Clark has advanced horn playing in both classical and jazz improvisation, playing and teaching, recording, composing, and publishing. He is one of the first and one of the few full-time jazz horn artists in the US. He has been a leader and teacher in modern and free jazz and free improvisation. He received a patent for the “hornette,” an instrument with the same range as the horn but with a forward-facing bell. His book, Exercises for Jazz French Horn, has been a standard for both jazz and classical students since its publication in 1993.

John was born in Brooklyn in 1944 and grew up in Rochester, New York. He earned a BA at the Eastman School of Music, played in the US Coast Guard Band, and then earned an MM degree from the New England Conservatory in Boston. John’s teachers included Verne Reynolds, James Stagliano, Thomas Newell, and Paul Ingraham on horn and Jaki Byard, Ran Blake, and George Russell for composition and improvisation. He taught at SUNY Purchase (2001-1008), then at the Manhattan School of Music.

John hosted the Northeast Horn Workshop at SUNY Purchase in 2005, featuring three IHS Honorary Members: Gunther Schuller (discussing the horn solo in Till Eulenspiegel), Willie Ruff (in performance with his duo partner, pianist Dwike Mitchell), and Verne Reynolds; although Reynolds was unable to attend, his 48 Etudes were performed and recorded by a series of artists.

John has freelanced in the New York City area and performed and recorded with many jazz and popular artists and ensembles, classical ensembles, and on films. His recording and publishing label is Hidden Meaning Music. His awards include the Down Beat Critics’ Poll (1979-1982), a National Academy of Recording Arts and Sciences Award (1986), and IHS (International Horn Society ) Honorary Member (2018).
https://www.hornsociety.org/ihs-people/honoraries/26-people/honorary/1299-john-clark

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Clark ha avanzado en la improvisación de trompa tanto clásica como de jazz, tocando y enseñando, grabando, componiendo y publicando. Es uno de los primeros y uno de los pocos artistas de jazz a tiempo completo en los Estados Unidos. Ha sido líder y profesor de jazz moderno y libre e improvisación libre. Recibió una patente para la "hornette", un instrumento con el mismo rango que la trompa pero con una campana orientada hacia adelante. Su libro, Ejercicios para trompa francesa de jazz, ha sido un estándar para los estudiantes de jazz y de música clásica desde su publicación en 1993.

John nació en Brooklyn en 1944 y creció en Rochester, Nueva York. Obtuvo una licenciatura en la Eastman School of Music, tocó en la Banda de la Guardia Costera de los Estados Unidos y luego obtuvo un título de MM en el Conservatorio de Nueva Inglaterra en Boston. Entre los profesores de John se encontraban Verne Reynolds, James Stagliano, Thomas Newell y Paul Ingraham en trompa y Jaki Byard, Ran Blake y George Russell en composición e improvisación. Enseñó en SUNY Purchase (2001-1008), y luego en la Escuela de Música de Manhattan.

John fue el anfitrión del Taller de Trompa del Noreste en SUNY Purchase en 2005, con tres Miembros Honorarios de IHS: Gunther Schuller (hablando del solo de trompa en Till Eulenspiegel), Willie Ruff (en actuación con su compañero de dúo, el pianista Dwike Mitchell), y Verne Reynolds; aunque Reynolds no pudo asistir, sus 48 Estudios fueron interpretados y grabados por una serie de artistas.

John ha actuado por cuenta propia en la zona de la ciudad de Nueva York y ha actuado y grabado con muchos artistas y conjuntos de jazz y populares, conjuntos clásicos y en películas. Su sello discográfico y editorial es Hidden Meaning Music. Entre sus premios se encuentran la Encuesta de los Críticos de Down Beat (1979-1982), un Premio de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación (1986), y el de Miembro Honorario de la IHS (Sociedad Internacional de Trompetas) (2018).
https://www.hornsociety.org/ihs-people/honoraries/26-people/honorary/1299-john-clark


The Reverb Syndicate • Odyssey



 The Reverb Syndicate was formed in late-2005 in Ottawa, Canada with the simple concept of exploring and re-imagining the music of groups from The Ventures to Shadowy Men On A Shadowy Planet via the soundtracks of old spy movies. This concept has led them to four independently-released albums, heavy gigging throughout Ontario and Quebec, recurring gigs in New York City, and two UK tours.

In 2006, they introduced the masses to their blend of sixties spy movie music and classic surf rock with their debut album, "Operation: Jet Set!". In 2007, they blasted off into the stars with the space-themed "Sputnik A-Go-Go". In 2011, it was back to the wild west with "Mondo Cacti", where spaghetti westerns reign supreme.

Now The Reverb Syndicate is ready to begin a new adventure, one that finds our heroes pitted against an evil uprising of the Commodore 64 (spoiler alert: the machines win). Let the "Odyssey" begin...

The Reverb Syndicate is:
Mike Bradford - Lead guitar & Commodore 64
James Rossiter - Rhythm guitar & Keyboards
Jeff Welch - Bass
Michael Sheridan - Drums & Shouting

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El Sindicato de Reverberación se formó a finales de 2005 en Ottawa, Canadá, con el simple concepto de explorar y reimaginar la música de los grupos de The Ventures a Shadowy Men On A Shadowy Planet a través de las bandas sonoras de viejas películas de espías. Este concepto les ha llevado a cuatro álbumes de lanzamiento independiente, a conciertos pesados en Ontario y Quebec, a conciertos recurrentes en Nueva York y a dos giras por el Reino Unido.

En 2006, presentaron a las masas su mezcla de música de películas de espías de los años sesenta y el clásico surf rock con su álbum de debut, "Operation": Jet Set!". En 2007, se lanzaron a las estrellas con el tema espacial "Sputnik A-Go-Go". En 2011, volvieron al salvaje oeste con "Mondo Cacti", donde los espaguetis del oeste reinan de manera suprema.

Ahora el Sindicato de Reverberación está listo para comenzar una nueva aventura, una que encuentra a nuestros héroes enfrentados a un malvado levantamiento del Commodore 64 (alerta de spoiler: las máquinas ganan). Que comience la "Odisea"...


Buddy Montgomery Trio • Here Again



An Amazingly Talented Muscian, Arranger and Composer- His music has been described as, Lyrical and fluid, with a warmth and grace that's hard to resist. Composer and arranger, pianist and vibraphonist, Buddy Montgomery's musical career has spanned nearly half a century. Born and raised in Indianapolis, Buddy was the youngest in a family of musical siblings. He was motivated to pursue a musical career by his older brothers, Thomas, Monk and Wes. But it was his sister Lena's piano playing that inspired Buddy to play the piano. Thomas, who died in his teens, was a drummer; Monk, a bassist; and Wes, a guitarist.

By the age of 18, Buddy was on the road with Big Joe Turner, a well-known blues singer. Upon returning home, he continued to work with his brothers and other Indianapolis musicians. Indianapolis was a hotbed of musical talent at that time and Buddy's biggest inspiration was a pianist by the name of Erroll Grandy.

In 1951, Buddy was drafted and served two years in the Army. Because he didn't read music, he was not allowed in the Army band. After his discharge, Buddy joined the Hampton Family band and worked at the Cotton Club in Cincinnati. He then returned to Indianapolis to join his brothers Monk and Wes, and two other musicians, Robert (Sonny) Johnson and Alonzo (Pookie) Johnson, forming the Montgomery Johnson Quintet.

Buddy has appeared with, recorded with, or arranged musical scores for most of the jazz greats, including George Shearing, Cannonball Adderly, Johnny Griffin, Ron Carter, John Coltrane and Wynton Kelly. He joined the Miles Davis Sextet in 1960. His stay with Miles was short because Buddy's fear of flying caused him to leave the band and his luggage just as their airplane started to taxi down the runway for a European tour. Throughout the 60's, Wes, Monk and Buddy, worked together whenever they could. They were on the road together in 1968 when Wes died of a heart attack at the early age of 45.

After that Buddy moved to Milwaukee, where he lived and worked for the next 12 years. He worked at two of Milwaukee's prestigious hotels, the Marc Plaza (now Hilton) in the Bombay Bicycle room and the Pfister Hotel. He formed the “Buddy Montgomery Trio” and because of his extraordinary ear for detecting talent he enlisted bassist Jeff Chambers and Sam Belton. Later Buddy expanded his trio to quartet to include new drummer “Killer” Ray Appleton and Duma Saafir on percussions. At times this group was expanded even further to a sextet.

Then he founded the Milwaukee Jazz Alliance (MJA), which provided entertainment, some of it free, throughout the city and outlying areas. Buddy enlisted both nationally known artists and local artists to help provide free concerts. With the help of local politicians, he obtained space at Marquette College where the MJA could teach students and soon the MJA was able to hire large numbers of these young musicians to perform at different venues and events, including grade and middle schools, colleges, performing arts centers, parks, night clubs, hospitals and prisons. During this time, Buddy put countless hours and personal funds into helping young musicians, and non-profit organizations working with young people.

As Buddy had worked at the Hotel Meridien in San Francisco, in 1989, he was asked to play at the Hotel Parker Meridien in New York City. For four years he held court there, with his jazz trio, just doors from Carnegie Hall and blocks from Radio City Music Hall. Many of his old friends, such as George Shearing, Nancy Wilson, George Benson, Al Jareau and Ella Fitzgerald dropped by to see him. And some sat in, such as Bobby McFerron, Grover Washington Jr., Johnny Mandel and Charles Brown to name a few. During that time, he returned to Oakland in the summer months to continue to manage the Oakland Jazz Alliance and record a another CD, So Why Not. When the job ended in New York, he returned to Oakland to do two more shows with the Oakland Jazz Alliance before moving to Los Angeles in 1993, where he continued to work and record. In the fall of 2004, Buddy returned, for a second year, as a featured performer, to the Jazz en Tete festival, in the south of France. On his previous trip to France in 2000, he played the vibes on a CD entitled A Love Affair In Paris, for Space Time Records/Blue Geodesics. Buddy was also working on a book about “The Brothers” while he continued to perform and compose music until his death in May 2009. He will greatly be missed by his fans and family.
https://musicians.allaboutjazz.com/buddymontgomery

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Un músico, arreglista y compositor de talento asombroso. Su música ha sido descrita como, lírica y fluida, con una calidez y gracia difíciles de resistir. Compositor y arreglista, pianista y vibrafonista, la carrera musical de Buddy Montgomery ha abarcado casi medio siglo. Nacido y criado en Indianápolis, Buddy era el más joven de una familia de hermanos musicales. Fue motivado a seguir una carrera musical por sus hermanos mayores, Thomas, Monk y Wes. Pero fue el hecho de que su hermana Lena tocara el piano lo que inspiró a Buddy a tocar el piano. Thomas, que murió en su adolescencia, era baterista, Monk, bajista y Wes, guitarrista.

A los 18 años, Buddy estaba en la carretera con Big Joe Turner, un conocido cantante de blues. Al regresar a casa, siguió trabajando con sus hermanos y otros músicos de Indianápolis. Indianápolis era un semillero de talento musical en esa época y la mayor inspiración de Buddy fue un pianista llamado Erroll Grandy.

En 1951, Buddy fue reclutado y sirvió dos años en el ejército. Como no leía música, no se le permitió entrar en la banda del ejército. Después de su baja, Buddy se unió a la banda de la familia Hampton y trabajó en el Cotton Club de Cincinnati. Luego regresó a Indianápolis para unirse a sus hermanos Monk y Wes, y a otros dos músicos, Robert (Sonny) Johnson y Alonzo (Pookie) Johnson, formando el Quinteto Montgomery Johnson.

Buddy ha aparecido, grabado o arreglado partituras musicales para la mayoría de los grandes del jazz, como George Shearing, Cannonball Adderly, Johnny Griffin, Ron Carter, John Coltrane y Wynton Kelly. Se unió al Sexteto de Miles Davis en 1960. Su estancia con Miles fue corta porque el miedo de Buddy a volar le hizo dejar la banda y su equipaje justo cuando su avión empezó a rodar por la pista para una gira europea. A lo largo de los 60, Wes, Monk y Buddy, trabajaron juntos siempre que pudieron. Estaban en la carretera juntos en 1968 cuando Wes murió de un ataque al corazón a la temprana edad de 45 años.

Después de eso Buddy se mudó a Milwaukee, donde vivió y trabajó durante los siguientes 12 años. Trabajó en dos de los prestigiosos hoteles de Milwaukee, el Marc Plaza (ahora Hilton) en el Bombay Bicycle room y el Hotel Pfister. Formó el "Buddy Montgomery Trio" y debido a su extraordinario oído para detectar el talento, reclutó al bajista Jeff Chambers y a Sam Belton. Más tarde Buddy amplió su trío a cuarteto para incluir al nuevo baterista "Killer" Ray Appleton y a Duma Saafir en las percusiones. A veces este grupo se expandió aún más hasta convertirse en un sexteto.

Luego fundó la Milwaukee Jazz Alliance (MJA), que ofrecía entretenimiento, algunos gratis, en toda la ciudad y en las zonas periféricas. Buddy reclutó tanto a artistas conocidos a nivel nacional como a artistas locales para ayudar a proporcionar conciertos gratuitos. Con la ayuda de los políticos locales, obtuvo un espacio en el Marquette College donde la MJA podía enseñar a los estudiantes y pronto la MJA pudo contratar a un gran número de estos jóvenes músicos para que actuaran en diferentes lugares y eventos, incluyendo escuelas primarias y secundarias, colegios, centros de artes escénicas, parques, clubes nocturnos, hospitales y prisiones. Durante este tiempo, Buddy puso incontables horas y fondos personales para ayudar a los jóvenes músicos y a las organizaciones sin fines de lucro que trabajaban con jóvenes.

Como Buddy había trabajado en el Hotel Meridien de San Francisco, en 1989, le pidieron que tocara en el Hotel Parker Meridien de la ciudad de Nueva York. Durante cuatro años estuvo allí, con su trío de jazz, a las puertas del Carnegie Hall y a unas manzanas del Radio City Music Hall. Muchos de sus viejos amigos, como George Shearing, Nancy Wilson, George Benson, Al Jareau y Ella Fitzgerald pasaron a verlo. Y algunos se sentaron, como Bobby McFerron, Grover Washington Jr., Johnny Mandel y Charles Brown, por nombrar algunos. Durante ese tiempo, regresó a Oakland en los meses de verano para seguir dirigiendo la Oakland Jazz Alliance y grabar otro CD, So Why Not. Cuando el trabajo terminó en Nueva York, regresó a Oakland para hacer dos shows más con la Oakland Jazz Alliance antes de mudarse a Los Ángeles en 1993, donde continuó trabajando y grabando. En el otoño de 2004, Buddy volvió, por segundo año, como artista invitado, al festival Jazz en Tete, en el sur de Francia. En su anterior viaje a Francia en 2000, tocó el vibráfono en un CD titulado A Love Affair In Paris, para Space Time Records/Blue Geodesics. Buddy también estaba trabajando en un libro sobre "The Brothers" mientras seguía interpretando y componiendo música hasta su muerte en mayo de 2009. Sus fans y su familia le echarán mucho de menos.
https://musicians.allaboutjazz.com/buddymontgomery


Alexander Stein • Mint Tonic (Organ Piano Lounge)



sábado, 28 de marzo de 2020

Sonny Rollins • Newk's Time



 Theodore Walter Rollins was born on September 7, 1930 in New York City. He grew up in Harlem not far from the Savoy Ballroom, the Apollo Theatre, and the doorstep of his idol, Coleman Hawkins. After early discovery of Fats Waller and Louis Armstrong, he started out on alto saxophone, inspired by Louis Jordan. At the age of sixteen, he switched to tenor, trying to emulate Hawkins. He also fell under the spell of the musical revolution that surrounded him, Bebop.

He began to follow Charlie Parker, and soon came under the wing of Thelonious Monk, who became his musical mentor and guru. Living in Sugar Hill, his neighborhood musical peers included Jackie McLean, Kenny Drew and Art Taylor, but it was young Sonny who was first out of the pack, working and recording with Babs Gonzales, J.J. Johnson, Bud Powell and Miles Davis before he turned twenty.

“Of course, these people are there to be called on because I think I represent them in a way,” Rollins said recently of his peers and mentors. “They’re not here now so I feel like I’m sort of representing all of them, all of the guys. Remember, I’m one of the last guys left, as I’m constantly being told, so I feel a holy obligation sometimes to evoke these people.”

In the early fifties, he established a reputation first among musicians, then the public, as the most brash and creative young tenor on the scene, through his work with Miles, Monk, and the MJQ.

Miles Davis was an early Sonny Rollins fan and in his autobiography wrote that he “began to hang out with Sonny Rollins and his Sugar Hill Harlem crowd…anyway, Sonny had a big reputation among a lot of the younger musicians in Harlem. People loved Sonny Rollins up in Harlem and everywhere else. He was a legend, almost a god to a lot of the younger musicians. Some thought he was playing the saxophone on the level of Bird. I know one thing–he was close. He was an aggressive, innovative player who always had fresh musical ideas. I loved him back then as a player and he could also write his ass off…”

Sonny moved to Chicago for a few years to remove himself from the surrounding elements of negativity around the Jazz scene. He reemerged at the end of 1955 as a member of the Clifford Brown-Max Roach Quintet, with an even more authoritative presence. His trademarks became a caustic, often humorous style of melodic invention, a command of everything from the most arcane ballads to calypsos, and an overriding logic in his playing that found him hailed for models of thematic improvisation.

It was during this time that Sonny acquired a nickname,”Newk.” As Miles Davis explains in his autobiography: “Sonny had just got back from playing a gig out in Chicago. He knew Bird, and Bird really liked Sonny, or “Newk” as we called him, because he looked like the Brooklyn Dodgers’ pitcher Don Newcombe. One day, me and Sonny were in a cab…when the white cabdriver turned around and looked at Sonny and said, `Damn, you’re Don Newcombe!” Man, the guy was totally excited. I was amazed, because I hadn’t thought about it before. We just put that cabdriver on something terrible. Sonny started talking about what kind of pitches he was going to throw Stan Musial, the great hitter for the St. Louis Cardinals, that evening…”

In 1956, Sonny began recording the first of a series of landmark recordings issued under his own name: Valse Hot introduced the practice, now common, of playing bop in 3/4 meter; St. Thomasinitiated his explorations of calypso patterns; and Blue 7 was hailed by Gunther Schuller as demonstrating a new manner of “thematic improvisation,” in which the soloist develops motifs extracted from his theme. Way Out West (1957), Rollins’s first album using a trio of saxophone, double bass, and drums, offered a solution to his longstanding difficulties with incompatible pianists, and exemplified his witty ability to improvise on hackneyed material (Wagon Wheels, I’m an Old Cowhand). It Could Happen to You (also 1957) was the first in a long series of unaccompanied solo recordings, and The Freedom Suite (1958) foreshadowed the political stances taken in jazz in the 1960s. During the years 1956 to 1958 Rollins was widely regarded as the most talented and innovative tenor saxophonist in jazz.

Rollins’s first examples of the unaccompanied solo playing that would become a specialty also appeared in this period; yet the perpetually dissatisfied saxophonist questioned the acclaim his music was attracting, and between 1959 and late `61 withdrew from public performance.

Sonny remembers that he took his leave of absence from the scene because “I was getting very famous at the time and I felt I needed to brush up on various aspects of my craft. I felt I was getting too much, too soon, so I said, wait a minute, I’m going to do it my way. I wasn’t going to let people push me out there, so I could fall down. I wanted to get myself together, on my own. I used to practice on the Bridge, the Williamsburg Bridge because I was living on the Lower East Side at the time.”

sonnyonthebridgefixedWhen he returned to action in late `61, his first recording was appropriately titled The Bridge. By the mid 60’s, his live sets became grand, marathon stream-of-consciousness solos where he would call forth melodies from his encyclopedic knowledge of popular songs, including startling segues and sometimes barely visiting one theme before surging into dazzling variations upon the next. Rollins was brilliant, yet restless. The period between 1962 and `66 saw him returning to action and striking productive relationships with Jim Hall, Don Cherry, Paul Bley, and his idol Hawkins, yet he grew dissatisfied with the music business once again and started yet another sabbatical in `66. “I was getting into eastern religions,” he remembers. “I’ve always been my own man. I’ve always done, tried to do, what I wanted to do for myself. So these are things I wanted to do. I wanted to go on the Bridge. I wanted to get into religion. But also, the Jazz music business is always bad. It’s never good. So that led me to stop playing in public for a while, again. During the second sabbatical, I worked in Japan a little bit, and went to India after that and spent a lot of time in a monastery. I resurfaced in the early 70s, and made my first record in `72. I took some time off to get myself together and I think it’s a good thing for anybody to do.”

In 1972, with the encouragement and support of his wife Lucille, who had become his business manager, Rollins returned to performing and recording, signing with Milestone and releasing Next Album. (Working at first with Orrin Keepnews, Sonny was by the early ’80s producing his own Milestone sessions with Lucille.) His lengthy association with the Berkeley-based label produced two dozen albums in various settings – from his working groups to all-star ensembles (Tommy Flanagan, Jack DeJohnette, Stanley Clarke, Tony Williams); from a solo recital to tour recordings with the Milestone Jazzstars (Ron Carter, McCoy Tyner); in the studio and on the concert stage (Montreux, San Francisco, New York, Boston). Sonny was also the subject of a mid-’80s documentary by Robert Mugge entitled Saxophone Colossus; part of its soundtrack is available as G-Man.

He won his first performance Grammy for This Is What I Do (2000), and his second for 2004’s Without a Song (The 9/11 Concert), in the Best Jazz Instrumental Solo category (for “Why Was I Born”). In addition, Sonny received a Lifetime Achievement Award from the National Academy of Recording Arts and Sciences in 2004.

In June 2006 Rollins was inducted into the Academy of Achievement – and gave a solo performance – at the International Achievement Summit in Los Angeles. The event was hosted by George Lucas and Steven Spielberg and attended by world leaders as well as distinguished figures in the arts and sciences.

Rollins was awarded the Austrian Cross of Honor for Science and Art, First Class, in November 2009. The award is one of Austria’s highest honors, given to leading international figures for distinguished achievements. The only other American artists who have received this recognition are Frank Sinatra and Jessye Norman.

In 2010 on the eve of his 80th birthday, Sonny Rollins is one of 229 leaders in the sciences, social sciences, humanities, arts, business, and public affairs who have been elected members of the American Academy of Arts and Sciences. A center for independent policy research, the Academy is among the nation’s oldest and most prestigious honorary societies and celebrates the 230th anniversary of its founding this year.

In August 2010, Rollins was named the Edward MacDowell Medalist, the first jazz composer to be so honored. The Medal has been awarded annually since 1960 to an individual who has made an outstanding contribution to his or her field.

Yet another major award was bestowed on Rollins on March 2, 2011, when he received the Medal of Arts from President Barack Obama in a White House ceremony. Rollins accepted the award, the nation’s highest honor for artistic excellence, “on behalf of the gods of our music.”

Since 2006, Rollins has been releasing his music on his own label, Doxy Records. The first Doxy album was Sonny, Please, Rollins’s first studio recording since This Is What I Do. That was followed by the acclaimed Road Shows, vol. 1 (2008), the first in a planned series of recordings from Rollins’s audio archives.

Mr. Rollins released Road Shows, vol. 2 in the fall of 2011. In addition to material recorded in Sapporo and Tokyo, Japan during an October 2010 tour, the recording contains several tracks from Sonny’s September 2010 80th birthday concert in New York—including the historic and electrifying encounter with Ornette Coleman.

On December 3, 2011 Sonny Rollins was one of five 2011 Kennedy Center honorees, alongside actress Meryl Streep, singer Barbara Cook, singer/songwriter Neil Diamond and cellist Yo-Yo Ma.   Rollins said of the honor, “I am deeply appreciative of this great honor. In honoring me, the Kennedy Center honors jazz, America’s classical music. For that, I am very grateful.”

The saxophonist’s most recent CD is Road Shows, vol. 3 (Doxy/Okeh/Sony).  He has just completed editing Road Shows, vol. 4, for Spring 2016 release.
https://sonnyrollins.com/biography/

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Theodore Walter Rollins nació el 7 de septiembre de 1930 en la ciudad de Nueva York. Creció en Harlem no lejos del Savoy Ballroom, el Teatro Apolo y la puerta de su ídolo, Coleman Hawkins. Tras el descubrimiento temprano de Fats Waller y Louis Armstrong, empezó con el saxo alto, inspirado por Louis Jordan. A la edad de 16 años, cambió a tenor, tratando de emular a Hawkins. También cayó bajo el hechizo de la revolución musical que lo rodeaba, el Bebop.

Empezó a seguir a Charlie Parker, y pronto se puso bajo el ala de Thelonious Monk, que se convirtió en su mentor musical y gurú. Viviendo en Sugar Hill, entre sus compañeros musicales de barrio se encontraban Jackie McLean, Kenny Drew y Art Taylor, pero fue el joven Sonny el primero en salir de la manada, trabajando y grabando con Babs Gonzales, J.J. Johnson, Bud Powell y Miles Davis antes de cumplir los veinte años.

"Por supuesto, estas personas están ahí para ser llamadas porque creo que los represento de alguna manera", dijo Rollins recientemente sobre sus compañeros y mentores. "No están aquí ahora, así que siento que los represento a todos ellos, a todos los chicos. Recuerden que soy uno de los últimos que quedan, como me dicen constantemente, así que siento una obligación sagrada a veces de evocar a estas personas".

A principios de los 50, estableció una reputación, primero entre los músicos y luego entre el público, como el joven tenor más descarado y creativo de la escena, a través de su trabajo con Miles, Monk y el MJQ.

Miles Davis fue uno de los primeros fans de Sonny Rollins y en su autobiografía escribió que "empezó a salir con Sonny Rollins y su gente de Sugar Hill Harlem... de todas formas, Sonny tenía una gran reputación entre muchos de los músicos más jóvenes de Harlem". La gente amaba a Sonny Rollins en Harlem y en todas partes. Era una leyenda, casi un dios para muchos de los músicos jóvenes. Algunos pensaban que tocaba el saxofón al nivel de Bird. Sé una cosa, estaba cerca. Era un músico agresivo e innovador que siempre tenía ideas musicales frescas. Lo amaba en ese entonces como músico y también podía escribir su trasero..."

Sonny se mudó a Chicago por unos años para alejarse de los elementos negativos que rodean la escena del Jazz. Reapareció a finales de 1955 como miembro del Quinteto Clifford Brown-Max Roach, con una presencia aún más autoritaria. Su marca registrada se convirtió en un estilo cáustico, a menudo humorístico, de invención melódica, un dominio de todo, desde las baladas más arcanas hasta los calipsos, y una lógica primordial en su forma de tocar que lo encontró aclamado por los modelos de improvisación temática.

Fue durante este tiempo que Sonny adquirió un apodo, "Newk". Como explica Miles Davis en su autobiografía: "Sonny acababa de regresar de un concierto en Chicago. Conocía a Bird, y a Bird le gustaba mucho Sonny, o "Newk" como lo llamábamos, porque se parecía al lanzador de los Dodgers de Brooklyn, Don Newcombe. Un día, Sonny y yo estábamos en un taxi... cuando el taxista blanco se dio la vuelta y miró a Sonny y le dijo: "¡Maldita sea, eres Don Newcombe!" Tío, el tipo estaba totalmente excitado. Estaba sorprendido, porque no había pensado en ello antes. Acabamos de poner a ese taxista en algo terrible. Sonny empezó a hablar de qué tipo de lanzamientos iba a hacer Stan Musial, el gran bateador de los Cardenales de San Luis, esa noche..."

En 1956, Sonny comenzó a grabar la primera de una serie de grabaciones históricas publicadas con su propio nombre: Valse Hot introdujo la práctica, ahora común, de tocar bop en 3/4 de metro; St. Thomas inició sus exploraciones de los patrones del calipso; y Blue 7 fue aclamado por Gunther Schuller como una nueva forma de "improvisación temática", en la que el solista desarrolla motivos extraídos de su tema. Way Out West (1957), el primer álbum de Rollins con un trío de saxofón, contrabajo y batería, ofreció una solución a sus antiguas dificultades con pianistas incompatibles, y ejemplificó su ingeniosa habilidad para improvisar sobre material trillado (Wagon Wheels, I'm an Old Cowhand). It Could Happen to You (también 1957) fue la primera de una larga serie de grabaciones en solitario sin acompañamiento, y The Freedom Suite (1958) prefiguró las posturas políticas adoptadas en el jazz en el decenio de 1960. Durante los años 1956 a 1958 Rollins fue considerado como el saxofonista tenor más talentoso e innovador del jazz.

Los primeros ejemplos de Rollins de la interpretación en solitario sin acompañamiento que se convertiría en una especialidad también aparecieron en este período; sin embargo, el saxofonista, perpetuamente insatisfecho, cuestionó la aclamación que su música estaba atrayendo, y entre 1959 y finales de 1961 se retiró de la actuación pública.
Sonny recuerda que se despidió de la escena porque "me estaba volviendo muy famoso en ese momento y sentí que necesitaba repasar varios aspectos de mi oficio. Sentí que estaba recibiendo demasiado, demasiado pronto, así que dije, espera un minuto, voy a hacerlo a mi manera. No iba a dejar que la gente me empujara ahí fuera, para que me cayera. Quería recomponerme, por mi cuenta. Solía practicar en el puente, el puente de Williamsburg, porque en ese momento vivía en el Lower East Side".

Cuando volvió a la acción a finales del 61, su primera grabación se tituló apropiadamente El Puente. A mediados de los 60, sus directos se convirtieron en grandes y maratónicos solos de consciencia donde sacaba melodías de su conocimiento enciclopédico de las canciones populares, incluyendo sorprendentes segundas partes y a veces apenas visitando un tema antes de pasar a deslumbrantes variaciones sobre el siguiente. Rollins era brillante, pero inquieto. El período entre 1962 y 1966 le vio volver a la acción y establecer relaciones productivas con Jim Hall, Don Cherry, Paul Bley, y su ídolo Hawkins, pero se descontento con el negocio de la música una vez más y comenzó otro año sabático en 1966. "Me estaba metiendo en las religiones orientales", recuerda. "Siempre he sido mi propio hombre. Siempre he hecho, tratado de hacer, lo que he querido hacer por mí mismo. Así que estas son las cosas que quería hacer. Quería ir al puente. Quería entrar en la religión. Pero también, el negocio de la música de Jazz siempre es malo. Nunca es bueno. Así que eso me llevó a dejar de tocar en público por un tiempo, de nuevo. Durante el segundo año sabático, trabajé un poco en Japón, y después me fui a la India y pasé mucho tiempo en un monasterio. Resurgí a principios de los 70, e hice mi primer disco en el 72. Me tomé un tiempo libre para recomponerme y creo que es algo bueno para cualquiera".

En 1972, con el estímulo y el apoyo de su esposa Lucille, que se había convertido en su gerente comercial, Rollins volvió a actuar y a grabar, firmando con Milestone y lanzando Next Album. (Trabajando al principio con Orrin Keepnews, Sonny estaba a principios de los 80 produciendo sus propias sesiones de Milestone con Lucille). Su larga asociación con el sello discográfico de Berkeley produjo dos docenas de álbumes en varios escenarios - desde sus grupos de trabajo hasta conjuntos de estrellas (Tommy Flanagan, Jack DeJohnette, Stanley Clarke, Tony Williams); desde un recital en solitario hasta grabaciones de gira con los Milestone Jazzstars (Ron Carter, McCoy Tyner); en el estudio y en el escenario de conciertos (Montreux, San Francisco, Nueva York, Boston). Sonny también fue objeto de un documental de mediados de los años ochenta de Robert Mugge titulado Saxophone Colossus; parte de su banda sonora está disponible como G-Man.

Ganó su primer Grammy por This Is What I Do (2000), y su segundo por Without a Song (The 9/11 Concert) de 2004, en la categoría de Mejor Solo Instrumental de Jazz (por "Why Was I Born"). Además, Sonny recibió un premio a la trayectoria de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación en 2004.

En junio de 2006 Rollins fue admitido en la Academia de Logros, y realizó una actuación en solitario, en la Cumbre Internacional de Logros de Los Ángeles. El evento fue presentado por George Lucas y Steven Spielberg y asistieron líderes mundiales así como distinguidas figuras de las artes y las ciencias.

Rollins fue galardonado con la Cruz de Honor Austriaca para la Ciencia y el Arte, de primera clase, en noviembre de 2009. El premio es uno de los más altos honores de Austria, otorgado a las principales figuras internacionales por sus distinguidos logros. Los únicos otros artistas americanos que han recibido este reconocimiento son Frank Sinatra y Jessye Norman.

En 2010, en la víspera de su 80 cumpleaños, Sonny Rollins es uno de los 229 líderes en ciencias, ciencias sociales, humanidades, artes, negocios y asuntos públicos que han sido elegidos miembros de la Academia Americana de Artes y Ciencias. La Academia, un centro de investigación política independiente, es una de las sociedades honorarias más antiguas y prestigiosas del país y celebra este año el 230 aniversario de su fundación.

En agosto de 2010, Rollins fue nombrado medallista Edward MacDowell, el primer compositor de jazz en recibir este honor. La Medalla se ha concedido anualmente desde 1960 a un individuo que ha hecho una contribución sobresaliente en su campo.

Otro premio importante fue otorgado a Rollins el 2 de marzo de 2011, cuando recibió la Medalla de las Artes del Presidente Barack Obama en una ceremonia en la Casa Blanca. Rollins aceptó el premio, el más alto honor de la nación por excelencia artística, "en nombre de los dioses de nuestra música".

Desde 2006, Rollins ha estado publicando su música en su propio sello, Doxy Records. El primer álbum de Doxy fue Sonny, Please, la primera grabación de estudio de Rollins desde This Is What I Do. A esto le siguió el aclamado Road Shows, vol. 1 (2008), el primero de una serie de grabaciones previstas de los archivos de audio de Rollins.
El Sr. Rollins publicó Road Shows, vol. 2 en el otoño de 2011. Además del material grabado en Sapporo y Tokio, Japón, durante una gira en octubre de 2010, la grabación contiene varios temas del concierto del 80º cumpleaños de Sonny en Nueva York en septiembre de 2010, incluyendo el histórico y electrizante encuentro con Ornette Coleman.

El 3 de diciembre de 2011 Sonny Rollins fue uno de los cinco homenajeados del Kennedy Center en 2011, junto con la actriz Meryl Streep, la cantante Barbara Cook, el cantante y compositor Neil Diamond y el violonchelista Yo-Yo Ma.   Rollins dijo del honor: "Estoy profundamente agradecido por este gran honor. Al honrarme, el Kennedy Center honra el jazz, la música clásica de Estados Unidos. Por eso, estoy muy agradecido".

El CD más reciente del saxofonista es Road Shows, vol. 3 (Doxy/Okeh/Sony).  Acaba de terminar la edición de Road Shows, vol. 4, para su lanzamiento en la primavera de 2016.
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