Joe Houston & His Rockets • Rock And Roll-The Essential Collection

 

Joe Houston • Rockin' 'n' Boppin'

Biography

Joe Houston (July 11, 1926 – December 28, 2015) was an American tenor saxophonist who played jazz and rhythm and blues.
He was born in Bastrop, a suburb of Austin, Texas, and studied trumpet in school, changing to saxophone later. As a teen he began emulating a touring band by buying a red suit with white pants. One night in 1941 a saxophone player did not show for a gig with the band and Houston took his place. Between 1943 and 1946, Houston toured with King Kolax's band through Kansas City and Chicago and throughout the Mid-West.
After World War II Houston returned to Texas, and recorded with the pianist Amos Milburn and singer Big Joe Turner. Initially playing alto sax, he switched to tenor in the wake of such "honking" saxophonists as Big Jay McNeely and Paul Williams. Turner got Houston his first recording contract on Freedom Records in 1949. Houston moved to Baton Rouge, Louisiana and played with Betty Roche and Wynonie Harris.
Eventually, Houston formed his own band The Rockets, and moved to Los Angeles in 1952. He scored his only two chart hit singles in 1952 with "Worry, Worry, Worry", and "Hard Time Baby" both of which peaked at #10 on Billboard's R&B singles chart. He recorded for many record labels, including Modern and Crown, and contributed vocals as well as saxophone on some of his records.
Houston was based in Los Angeles throughout most of his career. He toured and recorded with his band the Defrosterz, started by the bassist Mark St. John, who acted as his bassist and manager almost 20 years, plus the keyboardist Mike Malone. They toured North America and recorded throughout the 1990s and 2000s. The band was signed to the Shattered Records label.
Houston's musical career ended after he suffered a stroke in 2005. He died on December 28, 2015 in Long Beach, California, following a series of strokes.

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Traducción Automática:
Biografía:

Joe Houston (11 de julio de 1926 - 28 de diciembre de 2015) fue un saxofonista tenor estadounidense que tocaba jazz, rhythm and blues.
Nació en Bastrop, un suburbio de Austin, Texas, y estudió trompeta en la escuela, cambiando a saxofón más tarde. Cuando era un adolescente comenzó a emular una banda de gira comprando un traje rojo con pantalones blancos. Una noche, en 1941, un saxofonista no se presentó a un concierto con la banda y Houston tomó su lugar. Entre 1943 y 1946, Houston realizó una gira con la banda de King Kolax por Kansas City y Chicago y por todo el Medio Oeste.
Después de la Segunda Guerra Mundial, Houston regresó a Texas y grabó con el pianista Amos Milburn y el cantante Big Joe Turner. Inicialmente, tocando saxo alto, cambió a tenor como consecuencia de saxofonistas tan grandes como Big Jay McNeely y Paul Williams. Turner consiguió en Houston su primer contrato de grabación en Freedom Records en 1949. Houston se mudó a Baton Rouge, Louisiana, y jugó con Betty Roche y Wynonie Harris.
Finalmente, Houston formó su propia banda The Rockets, y se mudó a Los Ángeles en 1952. Obtuvo sus dos únicos singles de éxitos en 1952 con "Worry, Worry, Worry" y "Hard Time Baby", los cuales alcanzaron el puesto # 10. en la lista de singles R&B de Billboard. Grabó para muchos sellos discográficos, incluyendo Modern and Crown, y contribuyó con voces y saxofones en algunos de sus discos.
Houston residió en Los Ángeles durante la mayor parte de su carrera. Realizó una gira y grabó con su banda The Defrosterz, iniciada por el bajista Mark St. John, quien actuó como su bajista y manager durante casi 20 años, más el tecladista Mike Malone. Hicieron una gira por América del Norte y grabaron durante los años 90 y 2000. La banda firmó con el sello Shattered Records.
La carrera musical de Houston terminó después de sufrir un derrame cerebral en 2005. Murió el 28 de diciembre de 2015 en Long Beach, California, luego de una serie de ataques cerebrales.

Orgzeptor • Welcome

The three passionate musicians came closer to him in the band He & We and soon a friendship arose. Embossed by radio / jazz blues and latin, the three quickly recognized that they were speaking the same musical language. The joy, the fun and the love of the music brought the trio to the founding of the organ. The Hammond organ is the trademark of the band. With organ, guitar and drums, they present jazzy jazzy blues and groovy old-school funk. If the occasion demands it, Orgzeptor will also play with vocals or other guest musicians. The three blossoms on stage.
 

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Los tres músicos apasionados se acercaron a él en el grupo He & We y pronto surgió una amistad. Embelesados por la radio / el jazz blues y el latín, los tres reconocieron rápidamente que hablaban el mismo idioma musical. La alegría, la diversión y el amor por la música llevaron al trío a fundar el órgano. El órgano Hammond es la marca de la banda. Con el órgano, la guitarra y la batería, presentan un jazzy blues y un groovy funk de la vieja escuela. Si la ocasión lo requiere, Orgzeptor también toca con voces u otros músicos invitados. Las tres flores en el escenario.
 

 

Jimmy Witherspoon • The Blues The Whole Blues and Nothing But The Blues

AllMusic Review

Jimmy Witherspoon was one of the smoothest blues singers to come along in the late 1940s, and his earthy yet elegant style was versatile enough for him to "cross over" into jazz and even rock (in 1971, he co-led an album with the great British blues-rock singer Eric Burdon). THE BLUES, THE WHOLE BLUES... was recorded in England and originally released in 1992.

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 Reseña de AllMusic
Jimmy Witherspoon fue uno de los cantantes de blues más suaves que aparecieron a finales de la década de 1940, y su estilo terrenal pero elegante era lo suficientemente versátil como para "cruzar" al jazz e incluso al rock (en 1971, codirigió un álbum con el gran cantante británico de blues-rock Eric Burdon). THE BLUES, THE WHOLE BLUES... fue grabado en Inglaterra y publicado originalmente en 1992.

 

Jack McVea & His All Stars • New Deal

Artist Biography by Scott Yanow

Jack McVea will always be most famous for his big hit "Open the Door, Richard." Although associated with the R&B world due to that 1946 bestseller, McVea was actually a swing stylist whose fairly mellow sound was a major contrast to the honking tenors of the time. He started out playing banjo as a youth (1925-27) before switching to alto. McVea began playing professionally with his father (banjoist Satchel McVea), Dootise Williams' Harlem Dukes (1932), Charlie Echols (1934-35), Claude Kennedy, Edyth Turnham, Cee Pee Johnson and Eddie Barefield (1936). McVea mostly gigged in the Los Angeles area until joining Lionel Hampton in 1940 as a baritonist. He was with Hamp for three years and played with Snub Mosley, but McVea made a much stronger impression when he played on the first Jazz at the Philharmonic Concert. From 1944 on, McVea led his own group most of the time. He appeared on a Slim Gaillard record date in 1945 that included Dizzy Gillespie and Charlie Parker and was quite popular from 1946-48 after "Open the Door, Richard" became a novelty hit. In the 1950s McVea had a lower profile, continuing to lead his own combo in the Los Angeles area and gigging with Benny Carter in 1956. McVea recorded as a leader for Rhythm, Melodisc, Apollo, Black & White and Exclusive from 1945-47 and for Combo and Ace from 1953-55. He also recorded a jazz album for 77 in 1962. From 1966 until the mid-1980s, McVea led a Dixieland-oriented trio at Disneyland, playing clarinet exclusively. When the Disneyland job ended, he retired from music. Jack McVea died in Los Angeles on December 27, 2000.

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Traducción Automática:
Biografía del artista por Scott Yanow

Jack McVea siempre será el más famoso por su gran éxito "Open the Door, Richard". Aunque asociado con el mundo de R&B debido a ese éxito de ventas de 1946, McVea era en realidad un estilista de swing cuyo sonido bastante suave era un gran contraste con los tenores de la época. Comenzó a tocar el banjo cuando era joven (1925-27) antes de cambiar a alto. McVea comenzó a jugar profesionalmente con su padre (banjoista Satchel McVea), Dootise Williams 'Harlem Dukes (1932), Charlie Echols (1934-35), Claude Kennedy, Edyth Turnham, Cee Pee Johnson y Eddie Barefield (1936). McVea actuó principalmente en el área de Los Ángeles hasta que se unió a Lionel Hampton en 1940 como baritonista. Estuvo con Hamp durante tres años y tocó con Snub Mosley, pero McVea causó una impresión mucho más fuerte cuando tocó en el primer concierto de Jazz en la Filarmónica. A partir de 1944, McVea dirigió su propio grupo la mayor parte del tiempo. Apareció en una fecha de registro de Slim Gaillard en 1945 que incluía a Dizzy Gillespie y Charlie Parker y fue bastante popular entre 1946-48 después de que "Open the Door, Richard" se convirtió en un éxito de novedad. En la década de 1950, McVea tenía un perfil más bajo, continuando liderando su propio combo en el área de Los Ángeles y tocando con Benny Carter en 1956. McVea se registró como líder de Rhythm, Melodisc, Apollo, Black & White y Exclusive de 1945-47 y Para Combo y Ace desde 1953-55. También grabó un álbum de jazz para 77 en 1962. Desde 1966 hasta mediados de la década de 1980, McVea dirigió un trío orientado a Dixieland en Disneyland, tocando exclusivamente el clarinete. Cuando el trabajo de Disneylandia terminó, se retiró de la música. Jack McVea murió en Los Ángeles el 27 de diciembre de 2000.

 

Melvin Sparks • Im A Gittar Player

 

Review by Alex Henderson

Although he appeared on countless R&B and soul-jazz sessions in the 1960s and early 1970s, Melvin Sparks has recorded only sporadically as a leader over the years. The late 1990s found the swinging, Grant Green-influenced guitarist recording for the Minneapolis-based Cannonball label and playing much the same type of groove-oriented organ-combo music he'd been embracing 25 and 30 years earlier. Recalling his work with Charles Earland, I'm a 'Gittar' Player employs Ron Levy on the Hammond B-3 and offers a very accessible fusion of jazz, R&B, blues and pop that often sounds like it could have been recorded in 1970. The only thing letting you know that this decent, enjoyable CD wasn't recorded back then is some Salt-N-Pepa-ish rapping that Sparks' daughters Ayisha and Idrissa provide on a remake of KC & the Sunshine Band's "Get Down Tonight." Otherwise, a retro outlook prevails. From the Latin-influenced "Jiggy" (which bears a definite resemblance to War's 1970 hit "Spill the Wine") to congenial numbers like "Sparkling," "Taste the Flavor" and "Mr. Texas," I'm a 'Gittar' Player demonstrates that jazz can have commercial appeal and pop leanings without sacrificing the type of spontaneity and blues feeling that make it jazz in the first place.

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Traducción Automática:

Revisión por Alex Henderson
Aunque apareció en innumerables sesiones de R&B y soul-jazz en la década de los 60 y principios de los 70, Melvin Sparks ha grabado solo de forma esporádica como líder a lo largo de los años. A fines de la década de 1990, se encontró con el guitarrista de Grant Green, con influencia de Green, para el sello Cannonball de Minneapolis y tocaba casi el mismo tipo de música de órgano-combo orientada al ritmo que había estado abrazando 25 y 30 años antes. Al recordar su trabajo con Charles Earland, soy un jugador 'Gittar' que emplea a Ron Levy en el Hammond B-3 y ofrece una fusión muy accesible de jazz, R&B, blues y pop que a menudo suena como si pudiera haber sido grabado en 1970. Lo único que te hace saber que este decente y agradable CD no se grabó en ese momento es el rap de Salt-N-Pepa-ish que las hijas de Sparks Ayisha e Idrissa ofrecen en una nueva versión de "Get Down Tonight" de KC & Sunshine Band. " De lo contrario, una perspectiva retro prevalece. Desde el "Jiggy" de influencia latina (que se parece mucho al éxito de 1970 de la Guerra, "Spill the Wine") a números similares como "Sparkling", "Taste the Flavor" y "Mr. Texas", soy un 'Gittar 'El jugador demuestra que el jazz puede tener un atractivo comercial y tendencias pop sin sacrificar el tipo de espontaneidad y el sentimiento de blues que lo hacen el jazz en primer lugar. 

 

 

Kenny Burrell And The Jazz Guitar Band • Pieces Of Blue And The Blues

 

Review
by Michael G. Nastos
On paper, Kenny Burrell's three-guitar band with Bobby Broom, Rodney Jones, and a bass/drums rhythm section looks pretty good. Though individually they all sound quite different, this meeting of the minds, recorded over two days in October of 1986 at the Village Vanguard, harnesses the sound of Jones to a certain degree, and lets Broom a little loose in his soulful groove tendency. All are quite competent and professional players who understand the subtleties and understated harmonic arena Burrell lives in, so things work quite well in terms of sharing the load. There's very little competition at stake, the guitarists rightfully trade space and phrases, and play few extended unison lines, so the listening is enhanced if you do pay attention. Jay McShann's "Confessin' the Blues" is a good warmup opener, as the acoustic guitar of Burrell sets an animated tone, then he switches to an amplified model after everyone plays several choruses. The workout tune of the set is Duke Pearson's famed "Jeannine," an energetic, chord-infused hard bopper as the three trace the melody with an occasional squiggled line. A deft solo by Jones gets the ball rolling on "Blue Days, Blue Dreams" in the most cooperative effort, everyone similarly divvies up melodic phrases during "'Round Midnight" as you'd expect, and the band has the most fun on the closer, the jam-styled "No Hype Blues." A correction is in order on the credited title "Salty Papa" with Burrell leading the band in a blues shuffle on the hybrid six-string banjo, the guitarjo. Liner note author Leonard Feather says it is an intro to a Dinah Washington record, while Burrell claims it is an old riff he and his mates played in his native Detroit. The latter statement is more true, as it is the direct melody line of the adapted traditional piece "Hastings Street Bounce" as heard on the Pepper Adams/Donald Byrd album 10 to 4 at the Five Spot. It seems this one-shot effort could be looked at via a jaundiced, too-many-cooks-spoil-the-broth eye. The music is good, not particularly great or memorable, but certainly a credible effort, likely better heard at the venue on the nights in question.
https://www.allmusic.com/album/pieces-of-blue-and-the-blues-mw0000196407

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Reseña
por Michael G. Nastos
Sobre el papel, la banda de tres guitarras de Kenny Burrell con Bobby Broom, Rodney Jones y una sección rítmica de bajo y batería parece bastante buena. Aunque individualmente todos suenan bastante diferentes, esta reunión de las mentes, grabada durante dos días en octubre de 1986 en el Village Vanguard, aprovecha el sonido de Jones hasta cierto punto, y deja a Broom un poco suelto en su tendencia al groove conmovedor. Todos son jugadores bastante competentes y profesionales que entienden las sutilezas y el ámbito armónico discreto en el que vive Burrell, así que las cosas funcionan bastante bien en términos de reparto de la carga. Hay muy poca competencia en juego, los guitarristas intercambian correctamente el espacio y las frases, y tocan pocas líneas extendidas al unísono, por lo que la escucha mejora si se presta atención. "Confessin' the Blues" de Jay McShann es un buen comienzo de calentamiento, ya que la guitarra acústica de Burrell establece un tono animado, y luego cambia a un modelo amplificado después de que todos tocan varios coros. El tema de entrenamiento del conjunto es el famoso "Jeannine" de Duke Pearson, un hard bopper enérgico y lleno de acordes mientras los tres trazan la melodía con una línea ocasionalmente garabateada. Un hábil solo de Jones pone en marcha la pelota en "Blue Days, Blue Dreams" en el esfuerzo más cooperativo, todos se reparten de manera similar las frases melódicas durante "'Round Midnight" como era de esperar, y la banda se divierte al máximo en el cierre, la jam de estilo "No Hype Blues". Hay que hacer una corrección en el título acreditado "Salty Papa" con Burrell dirigiendo a la banda en un blues shuffle en el banjo híbrido de seis cuerdas, el guitarjo. El autor de la nota de presentación, Leonard Feather, dice que es una introducción de un disco de Dinah Washington, mientras que Burrell afirma que es un viejo riff que él y sus compañeros tocaban en su Detroit natal. Esta última afirmación es más cierta, ya que es la línea melódica directa de la pieza tradicional adaptada "Hastings Street Bounce" que se escucha en el álbum de Pepper Adams/Donald Byrd 10 to 4 at the Five Spot. Parece que este esfuerzo de una sola vez podría ser mirado a través de un ojo cariñoso, de demasiados cocineros que mojan el caldo. La música es buena, no particularmente grande o memorable, pero ciertamente un esfuerzo creíble, probablemente mejor escuchado en el lugar en las noches en cuestión.
https://www.allmusic.com/album/pieces-of-blue-and-the-blues-mw0000196407

Melvin Sparks • It Is What It Is

Pete Johnson • Boogie Woogie Mood 1940-1944

Pete Johnson (March 25, 1904 – March 23, 1967) was an American boogie-woogie and jazz pianist.

Journalist Tony Russell stated in his book The Blues – From Robert Johnson to Robert Cray that "Johnson shared with the other members of the 'Boogie Woogie Trio' the technical virtuosity and melodic fertility that can make this the most exciting of all piano music styles, but he was more comfortable than Meade Lux Lewis in a band setting; and as an accompanist, unlike Lewis or Albert Ammons, he could sparkle but not outshine his singing partner". Fellow journalist Scott Yanow (Allmusic) added "Johnson was one of the three great boogie-woogie pianists (along with Lewis and Ammons) whose sudden prominence in the late 1930s helped make the style very popular"

Complete Bio ... https://en.wikipedia.org/wiki/Pete_Johnson

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Pete Johnson (25 de marzo de 1904 - 23 de marzo de 1967) fue un pianista americano de boogie-woogie y jazz.

El periodista Tony Russell declaró en su libro The Blues - From Robert Johnson to Robert Cray que "Johnson compartió con los otros miembros del Boogie Woogie Trio' el virtuosismo técnico y la fertilidad melódica que pueden hacer de éste el más excitante de todos los estilos de música para piano, pero se sentía más cómodo que Meade Lux Lewis en el entorno de una banda; y como acompañante, a diferencia de Lewis o Albert Ammons, podía brillar pero no eclipsar a su compañero de canto". El periodista Scott Yanow (Allmusic) añadió: "Johnson fue uno de los tres grandes pianistas de boogie-woogie (junto con Lewis y Ammons) cuya repentina prominencia a finales de la década de 1930 ayudó a hacer muy popular el estilo".  

 

Kenny Burrell • Laguna Beach Live 1979 - Live American Radio Broadcast (Live)

 

Archival recording from Kenny Burrell & the West Coast All Stars, Laguna Beach - Friends Of Jazz Festival 1979. This superb set was performed at California's first annual Friends of Jazz Festival, and broadcast as part National Public Radio's Jazz Alive series. It captures veteran guitarist Kenny Burrell at the top of his game, tackling a selection of standards in typically breezy fashion, backed by the cream of the country's jazz talent. The entire National Public Radio broadcast is presented here.
https://www.forcedexposure.com/Catalog/burrell-the-west-coast-all-stars-kenny-laguna-beach-friends-of-ja-cd/HH.3085CD.html

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Grabación de archivo de Kenny Burrell & the West Coast All Stars, Laguna Beach - Friends Of Jazz Festival 1979. Este magnífico conjunto fue interpretado en el primer festival anual Friends of Jazz de California, y emitido como parte de la serie Jazz Alive de la National Public Radio. Captura al veterano guitarrista Kenny Burrell en la cima de su juego, abordando una selección de estándares de manera típica, respaldado por la crema y nata del talento jazzístico del país. Aquí se presenta la emisión completa de National Public Radio.
https://www.forcedexposure.com/Catalog/burrell-the-west-coast-all-stars-kenny-laguna-beach-friends-of-ja-cd/HH.3085CD.html

Melvin Sparks Band • What You Hear Is What You Get

Review by Jesse Jarnow

What You Hear Is What You Get, guitarist Melvin Sparks' first session as a bandleader since 1997's I'm a Gittar Player, finds the guitarist in fine form, showing off his soul-jazz licks with funky aplomb. Since the release of I'm a Gittar Player, Sparks' native style underwent a huge renaissance, especially in New York City. John Scofield's sessions with Medeski, Martin & Wood, Soulive's recordings, and a variety of New York club acts helped find a new audience for the form. From these ranks, Sparks draws Topaz, a saxophone player (and leader of an eponymous unit) who blows on three cuts, including "The Governor," "Funky Good Time," and "Money." Also joining Sparks' quintet for a trio of tracks is his old friend, organist Reuben Wilson. The music is restrained and tasteful throughout. Sparks' playing is crisp and spot-on, though it rarely ventures into experimental territory. If Sparks comes across as hopelessly lodged in the past during some moments, it more often feels like, simply, he never went away.

https://www.allmusic.com/album/what-you-hear-is-what-you-get-mw0000660863

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Reseña de Jesse Jarnow

La primera sesión del guitarrista Melvin Sparks como director de una banda desde 1997, I'm a Gittar Player, encuentra al guitarrista en buena forma, mostrando sus lametazos de soul-jazz con aplomo funky. Desde el lanzamiento de I'm a Gittar Player, el estilo nativo de Sparks experimentó un enorme renacimiento, especialmente en la ciudad de Nueva York. Las sesiones de John Scofield con Medeski, Martin & Wood, las grabaciones de Soulive y una variedad de actos en clubes de Nueva York ayudaron a encontrar un nuevo público para la forma. De estas filas, Sparks saca a Topaz, un saxofonista (y líder de una unidad homónima) que sopla en tres cortes, incluyendo "El Gobernador", "Funky Good Time" y "Money". También se une al quinteto de Sparks para un trío de canciones su viejo amigo, el organista Reuben Wilson. La música es sobria y de buen gusto en todo momento. La música de Sparks es nítida y precisa, aunque rara vez se aventura en territorio experimental. Si Sparks se encuentra como desesperadamente alojado en el pasado durante algunos momentos, más a menudo se siente como, simplemente, que nunca se fue.

https://www.allmusic.com/album/what-you-hear-is-what-you-get-mw0000660863

Kenny Burrell • The Bluesin' Around Sessions

Kenneth Earl Burrell, nació el 31 de Julio de 1931 en una de las grandes localidades del blues en los Estados Unidos: la muy industrial ciudad de Detroit. En su familia todos eran músicos y el ambiente no podía ser más propicio para un joven que pronto se apoderó de la guitarra de su hermano para, con apenas 12 años, comenzar a estudiar las composiciones de sus ídolos: Charlie Christian y Django Reinhardt.

Con una impresionante y excepcional discografía para prestigiosos sellos como: Prestige, Verve, Cadet y Blue Note, Burrell aún sigue activo (en 2010 grabó en directo Be Yourself: Live at Dizzy's Club Coca-Cola), siendo fundador y Director del Jazz Studies Program de la UCLA y Presidente Emérito de la Jazz Heritage Foundation.

La revista Down Beat definió a Kenny Burrell como "un hombre con una misión, una persona cuyo papel como un músico de jazz no se diferencia de la de un evangelista".

Cuando Kennny Burrell y Alfred Lion discutieron la idea para Midnight Blue, el propósito fundamental era lograr que el espíritu del blues que conoció a fondo durante sus tempranos trabajos en bandas de Detroit quedara bien reflejado.

Prescindiendo del piano y con el deseo de rodearse de compañeros que sintieran el concepto profundo del blues tanto como él, se convocaron entonces a Stanley Turrentine para el saxo tenor, Major Holley para el contrabajo, Bill English para la batería y a Ray Barretto para imprimir cierto sabor latino con su conga.

El resultado de aquella grabación del 21 de Abril de 1967 en los estudios de Rudy Van Gelder no fue más que un disco prodigioso, completo de principio a fin, devenido en clásico y considerado como uno de los mejores discos de jazz-blues de todos los tiempos.

Tanto así que Leonard Feather inició sus "liner notes" con la impactante cita de Duke Ellington: "...el blues no es nada más que un día frío y gris, y toda una noche igual... el blues es un pasaje sin retorno desde tu amor hacia ninguna parte, el blues no es nada más que un velo negro como crespón listo para usar..." [elsonidodeljazz.blogspot.com.ar]

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This release contains the complete original Kenny Burrell LP Bluesin' Around (Columbia FC38507), which showcases the guitarist in a quintet format with such stars as Illinois Jacquet, Hank Jones, Brother Jack McDuff, Leo Wright, and Eddie Bert. In addition, all existing songs from the same sessions that weren't included on the original LP plus all but one of the existing alternate takes from the dates. The music is presented here chronologically, in order to avoid mixing the personnel from the different sessions.

Kenny Burrell • Midnight Blue

 Kenneth Earl Burrell, nació el 31 de Julio de 1931 en una de las grandes localidades del blues Kenneth Earl Burrell, nació el 31 de Julio de 1931 en una de las grandes localidades del blues en los Estados Unidos: la muy industrial ciudad de Detroit. En su familia todos eran músicos y el ambiente no podía ser más propicio para un joven que pronto se apoderó de la guitarra de su hermano para, con apenas 12 años, comenzar a estudiar las composiciones de sus ídolos: Charlie Christian y Django Reinhardt.

Con una impresionante y excepcional discografía para prestigiosos sellos como: Prestige, Verve, Cadet y Blue Note, Burrell aún sigue activo (en 2010 grabó en directo Be Yourself: Live at Dizzy's Club Coca-Cola), siendo fundador y Director del Jazz Studies Program de la UCLA y Presidente Emérito de la Jazz Heritage Foundation.

La revista Down Beat definió a Kenny Burrell como "un hombre con una misión, una persona cuyo papel como un músico de jazz no se diferencia de la de un evangelista".

Cuando Kennny Burrell y Alfred Lion discutieron la idea para Midnight Blue, el propósito fundamental era lograr que el espíritu del blues que conoció a fondo durante sus tempranos trabajos en bandas de Detroit quedara bien reflejado.

Prescindiendo del piano y con el deseo de rodearse de compañeros que sintieran el concepto profundo del blues tanto como él, se convocaron entonces a Stanley Turrentine para el saxo tenor, Major Holley para el contrabajo, Bill English para la batería y a Ray Barretto para imprimir cierto sabor latino con su conga.

El resultado de aquella grabación del 21 de Abril de 1967 en los estudios de Rudy Van Gelder no fue más que un disco prodigioso, completo de principio a fin, devenido en clásico y considerado como uno de los mejores discos de jazz-blues de todos los tiempos.

Tanto así que Leonard Feather inició sus "liner notes" con la impactante cita de Duke Ellington: "...el blues no es nada más que un día frío y gris, y toda una noche igual... el blues es un pasaje sin retorno desde tu amor hacia ninguna parte, el blues no es nada más que un velo negro como crespón listo para usar..." [elsonidodeljazz.blogspot.com.ar]

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Kenneth Earl "Kenny" Burrell (born July 31, 1931) is an American jazz guitarist known for his collaborations with Jimmy Smith, including the 1965 Billboard Top Twenty hit album Organ Grinder Swing. He has cited jazz guitarists Charlie Christian and Django Reinhardt as influences, along with blues musicians T-Bone Walker and Muddy Waters. Burrell also serves as a professor and Director of Jazz Studies at the UCLA Herb Alpert School of Music. Full Bio ...