Cherry Wainer • Waltzes In Swingtime

 

Cherry Wainer was born on March 2 1935 in South Africa, and was in showbusiness almost from infancy. Her father promoted tours by nationally renowned artistes while her mother ensured that their daughter’s obvious musical talent was formalised. “I was going to be a classical pianist,” she recalled. “At the age of eight, I performed a concerto with an orchestra. I was, I suppose, considered a child prodigy – because, in my early teens, my mother took me to London to start at the Sadler’s Wells Ballet School.”

While she finished the course, she failed the audition to join the associated ballet company. However, on returning to the Transvaal, her imagination was captured by the Hammond organ, a keyboard that was becoming increasingly more prominent in jazz, notably beneath the hands of the American exponent Jimmy Smith. “I was entirely self-taught,” she confessed, “mostly by applying what I knew on piano to organ. I wanted to be the female Jimmy Smith!”

Response to her performances in regional clubs was sufficiently encouraging for Wainer to seek engagements further afield – in the first instance in Holland, but she was too young to go on her own, so her mother went along too. “I only knew six tunes, which I played over and over again while trying to learn new ones,” said Cherry Wainer in later life.

Next, she collaborated with accordionist Nico Carstens on Flying High, the first rock and roll album recorded by South Africans before entering the orbit of Don Storer, a highly paid jobbing drummer and her future husband. They first played together in 1958 at a private function for the billionaire Johnny Schlesinger. With a musical chemistry that was, reckoned Wainer, “almost telepathic”, the duo tried their luck in Britain – where Wainer’s flatmate, the singer and actress Georgia Brown, introduced them to booking agent Tito Burns, who found them work on the variety circuit and in US military bases. Burns also got them booked on ITV’s Lunch Box, the lightest of light entertainment shows.

It was through one such appearance that they came to the attention of Jack Good, who had been commissioned to produce the first series of Oh Boy! that autumn. As well as incorporating Storer and Wainer into Lord Rockingham’s XI, he also brokered a recording contract for Wainer. Her output was to include Money (1960), historically the first Tamla-Motown number to be covered in the UK (and, later, a set track for many beat groups).

While chart entries proved elusive for Wainer in her own right, a maiden Rockingham single, Fried Onions, made the US Hot 100. Hoots Mon, the follow-up, was a domestic No 1 – and was heard on a section of Oh Boy! featured in the 1959 Royal Command Performance. Wainer became the focal point of the band – publicised as “the female Liberace” – with solo spots as both a singer and instrumentalist.

“I had my Hammond customised with quilted white-leather and diamanté studs,” she recalled. “Also, my poodle used to sit next to me. I loved every minute of it – being recognised in the street, signing autographs and when fans washed my pink saloon car when it was parked outside the hall in Islington where every Oh Boy! was rehearsed.”

After the final edition of Oh Boy! in 1959, Wainer went on to star in another ITV series, Boy Meets Girls, which was aimed at a wider audience. “It didn’t have the same pace as Oh Boy!” said Jack Good, “and was a dreadful mistake.”

“It just didn’t feel the same,” agreed Wainer, “Neither has any other television series in which I’ve been involved since.” Among the shows was Beat! Beat! Beat!, a German TV pop programme on which she and Storer were regular performers during the mid-1960s prior to their move to the United States in 1968. In America they played residencies at venues in Las Vegas where they settled.

In the wake of Storer’s death in 1977, Wainer retired as a professional entertainer. In 2013, at the time of her appearance on Rock’n’Roll Britannia on BBC4, she was working as an assistant in a small gift shop.

Cherry Wainer, born March 2 1935, died November 14 2014

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 Cherry Wainer nació el 2 de marzo de 1935 en Sudáfrica, y estuvo en el mundo del espectáculo casi desde su infancia. Su padre promovió giras de artistas de renombre nacional, mientras que su madre se aseguró de que el evidente talento musical de su hija se formalizara. "Iba a ser pianista clásica", recuerda. "A la edad de ocho años, di un concierto con una orquesta. Supongo que me consideraban un niño prodigio, porque, a principios de mi adolescencia, mi madre me llevó a Londres para empezar en la Escuela de Ballet de Sadler's Wells".

Mientras terminaba el curso, fracasó en la audición para unirse a la compañía de ballet asociada. Sin embargo, al volver a la Transvaal, su imaginación fue capturada por el órgano de Hammond, un teclado que cada vez era más prominente en el jazz, notablemente bajo las manos del exponente americano Jimmy Smith. "Era totalmente autodidacta", confesó, "sobre todo aplicando al órgano lo que sabía hacer en el piano. ¡Quería ser la Jimmy Smith femenina!"

La respuesta a sus actuaciones en clubes regionales fue lo suficientemente alentadora como para que Wainer buscara compromisos más allá, en primer lugar en Holanda, pero ella era demasiado joven para ir sola, así que su madre también lo hizo. "Sólo conocía seis melodías, que tocaba una y otra vez mientras trataba de aprender otras nuevas", dijo Cherry Wainer más tarde en su vida.

Luego, colaboró con el acordeonista Nico Carstens en Flying High, el primer álbum de rock and roll grabado por sudafricanos antes de entrar en la órbita de Don Storer, un baterista muy bien pagado y su futuro esposo. Tocaron juntos por primera vez en 1958 en una función privada para el multimillonario Johnny Schlesinger. Con una química musical que fue, según Wainer, "casi telepática", el dúo probó suerte en Gran Bretaña, donde la compañera de piso de Wainer, la cantante y actriz Georgia Brown, les presentó al agente de contratación Tito Burns, que les encontró trabajando en el circuito de variedades y en bases militares estadounidenses. Burns también los reservó en Lunch Box de ITV, el programa de entretenimiento más ligero.

Fue a través de una de esas apariciones que llamaron la atención de Jack Good, que había sido comisionado para producir la primera serie de Oh Boy! ese otoño. Además de incorporar a Storer y Wainer en el XI de Lord Rockingham, también negoció un contrato de grabación para Wainer. Su producción incluiría a Money (1960), históricamente el primer número de Tamla-Motown en ser cubierto en el Reino Unido (y, más tarde, un tema fijo para muchos grupos de beat).

Mientras que las entradas en las listas de éxitos resultaron difíciles para Wainer por derecho propio, un sencillo inaugural de Rockingham, Fried Onions, se convirtió en el Hot 100 de Estados Unidos. Hoots Mon, la continuación, fue la número 1 en el ámbito nacional, y se escuchó en una sección de Oh Boy! que apareció en la Royal Command Performance de 1959. Wainer se convirtió en el punto focal de la banda -publicada como "la Liberace femenina"- con spots en solitario como cantante e instrumentista.

"Hice personalizar mi Hammond con sementales de cuero blanco acolchado y diamantes", recuerda. "Además, mi caniche se sentaba a mi lado. Me encantó cada minuto - ser reconocido en la calle, firmar autógrafos y cuando los fans lavaron mi auto rosado cuando estaba estacionado fuera del pasillo en Islington donde cada Oh Boy! fue ensayado".

Después de la edición final de Oh Boy! en 1959, Wainer protagonizó otra serie de ITV, Boy Meets Girls, dirigida a un público más amplio. "No tenía el mismo ritmo que Oh Boy", dijo Jack Good, "y fue un terrible error".

"No sentí lo mismo", dijo Wainer, "Tampoco lo ha hecho ninguna otra serie de televisión en la que haya participado desde entonces". Entre los espectáculos se encontraba Beat! Beat! Beat! un programa de televisión pop alemán en el que ella y Storer actuaron regularmente a mediados de la década de 1960 antes de su traslado a los Estados Unidos en 1968. En Estados Unidos tocaron en residencias en lugares de Las Vegas donde se establecieron.

Tras la muerte de Storer en 1977, Wainer se retiró como artista profesional. En 2013, en el momento de su aparición en Rock'n'Roll Britannia en la BBC4, trabajaba como asistente en una pequeña tienda de regalos.

Cherry Wainer, nacida el 2 de marzo de 1935, fallecida el 14 de noviembre de 2014

 

 

Milt Jackson • Bags & Flutes

Biography by Scott Yanow
Before Milt Jackson, there were only two major vibraphonists: Lionel Hampton and Red Norvo. Jackson soon surpassed both of them in significance and, despite the rise of other players (including Bobby Hutcherson and Gary Burton), still won the popularity polls throughout the decades. Jackson (or "Bags" as he was long called) was at the top of his field for 50 years, playing bop, blues, and ballads with equal skill and sensitivity. In its essence, Jackson did for the vibes what Dizzy Gillespie did for the trumpet -- revolutionize its approach. He slowed the speed on the instrument's oscillator, changed its vibrato and perfected slow, cleverly paced blues solos. His floating solos with long, sustained notes and darting rhythms became a bop staple. A former singer, guitarist and pianist, Jackson was an extremely versatile player, cutting big-band dates, working with orchestras, and fighting to maintain a successful solo career yet retain his ties with the Modern Jazz Quartet, the group he co-founded with pianist John Lewis in 1952.

Milt Jackson started on guitar when he was seven, and piano at 11; a few years later, he switched to vibes. He actually made his professional debut singing in a touring gospel quartet. After Dizzy Gillespie discovered him playing in Detroit, he offered him a job with his sextet and (shortly after) his innovative big band (1946). Jackson recorded with Gillespie, and was soon in great demand. During 1948-1949, he worked with Charlie Parker, Thelonious Monk, Howard McGhee, and the Woody Herman Orchestra. After playing with Gillespie's sextet (1950-1952), which at one point included John Coltrane, Jackson recorded with a quartet comprised of John Lewis, Percy Heath, and Kenny Clarke (1952), which soon became a regular group called the Modern Jazz Quartet. Although he recorded regularly as a leader (including dates in the 1950s with Miles Davis and/or Thelonious Monk, Coleman Hawkins, John Coltrane, and Ray Charles), Milt Jackson stayed with the MJQ through 1974, becoming an indispensable part of their sound. By the mid-'50s, Lewis became the musical director and some felt that Bags was restricted by the format, but it actually served him well, giving him some challenging settings. And he always had an opportunity to jam on some blues numbers, including his "Bags' Groove." However, in 1974, Jackson felt frustrated by the MJQ (particularly financially) and broke up the group. He recorded frequently for Pablo in many all-star settings in the 1970s, and after a seven-year vacation, the MJQ came back in 1981. In addition to the MJQ recordings, Milt Jackson cut records as a leader throughout his career for many labels including Savoy, Blue Note (1952), Prestige, Atlantic, United Artists, Impulse, Riverside, Limelight, Verve, CTI, Pablo, Music Masters, and Qwest. He died of liver cancer on October 9, 1999, at the age of 76.
https://www.allmusic.com/artist/milt-jackson-mn0000489845#biography

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Biografía de Scott Yanow
Antes de Milt Jackson, sólo había dos grandes vibrafonistas: Lionel Hampton y Red Norvo. Jackson pronto superó a ambos en importancia y, a pesar del auge de otros intérpretes (entre ellos Bobby Hutcherson y Gary Burton), siguió ganando las encuestas de popularidad a lo largo de las décadas. Jackson (o «Bags», como se le llamó durante mucho tiempo) estuvo en la cima de su campo durante 50 años, tocando bop, blues y baladas con igual habilidad y sensibilidad. En esencia, Jackson hizo por el vibráfono lo que Dizzy Gillespie hizo por la trompeta: revolucionar su enfoque. Redujo la velocidad del oscilador del instrumento, cambió su vibrato y perfeccionó los solos de blues lentos y de ritmo inteligente. Sus solos flotantes con notas largas y sostenidas y ritmos vertiginosos se convirtieron en un elemento básico del bop. Jackson, que había sido cantante, guitarrista y pianista, era un músico extremadamente versátil, que tocaba con big bands, trabajaba con orquestas y luchaba por mantener una exitosa carrera en solitario y, al mismo tiempo, conservar sus vínculos con el Modern Jazz Quartet, el grupo que cofundó con el pianista John Lewis en 1952.

Milt Jackson empezó a tocar la guitarra a los siete años y el piano a los once; unos años más tarde, se pasó al vibráfono. En realidad, debutó profesionalmente cantando en un cuarteto de gospel de gira. Cuando Dizzy Gillespie le descubrió tocando en Detroit, le ofreció trabajar con su sexteto y (poco después) con su innovadora big band (1946). Jackson grabó con Gillespie y pronto estuvo muy solicitado. Durante 1948-1949, trabajó con Charlie Parker, Thelonious Monk, Howard McGhee y la Woody Herman Orchestra. Después de tocar con el sexteto de Gillespie (1950-1952), que en un momento dado incluyó a John Coltrane, Jackson grabó con un cuarteto formado por John Lewis, Percy Heath y Kenny Clarke (1952), que pronto se convirtió en un grupo fijo llamado Modern Jazz Quartet. Aunque grabó regularmente como líder (incluyendo fechas en los años 50 con Miles Davis y/o Thelonious Monk, Coleman Hawkins, John Coltrane y Ray Charles), Milt Jackson permaneció con el MJQ hasta 1974, convirtiéndose en una parte indispensable de su sonido. A mediados de los 50, Lewis se convirtió en el director musical y algunos pensaron que Bags se veía limitado por el formato, pero en realidad le servía bien, ya que le ofrecía algunos escenarios desafiantes. Y siempre tenía la oportunidad de improvisar en algunos números de blues, incluyendo su «Bags' Groove». Sin embargo, en 1974, Jackson se sintió frustrado por el MJQ (sobre todo económicamente) y disolvió el grupo. En la década de 1970 grabó con frecuencia para Pablo en muchos grupos de estrellas y, tras unas vacaciones de siete años, el MJQ regresó en 1981. Además de las grabaciones del MJQ, Milt Jackson grabó discos como líder a lo largo de su carrera para muchos sellos, como Savoy, Blue Note (1952), Prestige, Atlantic, United Artists, Impulse, Riverside, Limelight, Verve, CTI, Pablo, Music Masters y Qwest. Murió de cáncer de hígado el 9 de octubre de 1999, a la edad de 76 años.
https://www.allmusic.com/artist/milt-jackson-mn0000489845#biography

 

 

Henry Mancini • The Jazz Sound From Peter Gunn

The music in this album offers an excellent sampling of the sounds you're likely to hear any Monday eve when Peter Gunn swings into action on NBC-TV. The musicians are the same jazzmen who are heard to outstanding advantage in all the programs. Here are some of them: Drummer Jack Sperling and bassist Rolly Bundock state the show's forceful opening motif, Fallout! The raw-sounding trumpet belongs to Pete Candoli, a veteran of the Woody Herman and Stan Kenton bands. Dreamsville, which might be subtitled "a love refrain for hipsters," features a moving alto sax solo by Ted Nash; his brother Dick can be heard dueling with fellow trombonist Milt Bernhart on Session at Pete's Pad. Saxist Ronnie Lang, who, in common with most of the musicians here, is a graduate of the Les Brown band, wields a bulging baritone on Sorta Blue. Other soloists at Mother's, the nitery where Peter Gunn hangs his Brooks Brothers jacket, are vibist Larry Bunker and pianist Johnny T. Williams.
This music is Peter Gunn's kind of jazz. I think you'll find that it's your kind, too."
- Blake Edwards

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La música de este álbum ofrece una excelente muestra de los sonidos que es probable que escuches cualquier lunes por la noche cuando Peter Gunn entra en acción en NBC-TV. Los músicos son los mismos jazzistas que se escuchan con gran ventaja en todos los programas. Aquí están algunos de ellos: El baterista Jack Sperling y el bajista Rolly Bundock declaran el poderoso motivo de apertura del programa, Fallout! La trompeta de sonido crudo pertenece a Pete Candoli, un veterano de las bandas de Woody Herman y Stan Kenton. Dreamsville, que podría subtitularse "un estribillo de amor para los hipsters", presenta un conmovedor solo de saxo alto de Ted Nash; su hermano Dick puede oírse en duelo con su colega trombonista Milt Bernhart en Session at Pete's Pad. El saxofonista Ronnie Lang, que, como la mayoría de los músicos de aquí, es graduado de la banda Les Brown, esgrime un abultado barítono en Sorta Blue. Otros solistas en Mother's, el lugar donde Peter Gunn cuelga su chaqueta de los Brooks Brothers, son el vibrafonista Larry Bunker y el pianista Johnny T. Williams.

Esta música es el tipo de jazz de Peter Gunn. Creo que descubrirás que también es tu tipo".
- Blake Edwards

Milt Jackson • Milt Jackson Quartet

 

Review by Richard Mortifoglio

This 1955 date is an intriguing opportunity to hear Milt Jackson accompanied by the MJQ rhythm section, but with hard bopper Horace Silver substituting for John Lewis. Not only that, it's also a chance to hear a hitherto unknown, lushly romantic side of both Jackson and Silver, two blues-oriented players who rarely if ever recorded standards in this sort of style. With its excellent recording quality, it's a perfect album for intimate dinners and other late-night activities. Artie Shaw's exotic "Moonray" is rarely heard in any sort of context, while "My Funny Valentine" and "The Nearness of You" set the mood throughout.

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Reseña de Richard Mortifoglio

Esta fecha de 1955 es una interesante oportunidad para escuchar a Milt Jackson acompañado de la sección rítmica MJQ, pero con el hard bopper Horace Silver sustituyendo a John Lewis. No sólo eso, sino que también es una oportunidad para escuchar un lado hasta ahora desconocido y exuberantemente romántico tanto de Jackson como de Silver, dos jugadores orientados al blues que rara vez, si es que alguna vez han registrado estándares en este tipo de estilo. Con su excelente calidad de grabación, es un álbum perfecto para cenas íntimas y otras actividades nocturnas. El exótico "Moonray" de Artie Shaw rara vez se escucha en ningún tipo de contexto, mientras que "My Funny Valentine" y "The Nearness of You" marcan la pauta en todo momento.

Esquivel • The Genius Of Esquivel

 

 Biography by Richie Unterberger

In the mid-'90s, Juan Garcia Esquivel enjoyed one of the most unexpected resurgences of popularity -- and hipness -- in the annals of 20th-century pop. The composer and arranger skirted the lines between lounge music, eccentric experimentalism, and stereo sound pioneer in the late '50s and early '60s on a series of albums aimed at the easy listening market. Both cheesy and goofily unpredictable, these records were forgotten by all but thrift-store habitues for decades. With the space age pop/exotica revival of the mid-'90s, however, Esquivel was not just being rediscovered, but was being championed as a cutting-edge innovator by certain segments of the hipper-than-thou alternative crowd.

Esquivel (in the manner of Dion or Melanie, he billed himself with a single name) actually enjoyed a long and varied career, of which his space age pop recordings were only a portion. Born in a small Mexican village, the pianist became a popular performer on a Mexican radio station, and studied briefly at Juilliard in New York. The radio (and later television and film) work actually gave him valuable experience in the art of quickly devising varied background music and orchestral arrangements, which he'd put to good use when he began recording for RCA in the late '50s.

This was the era in which stereo albums were first starting to be marketed. Esquivel -- along with several other of "space age pop"'s leading lights -- took advantage of this development to use his albums as laboratories of sorts to explore the spectrum of recorded sound, as reflected in LP titles like Other Worlds, Other Sounds and Four Corners of the World. He employed then-exotic instruments such as the theremin, the ondioline, early Fender Rhodes keyboards, Chinese bells, bass accordion, and a Boom-Bam (a 24-bongo kit tuned to F) to get what he wanted.

What kept Esquivel from serious critical appreciation at the time are, perhaps, the same factors that exerted a strange fascination upon listeners of the 1990s. In its form and content, Esquivel's material was lightweight martini-mixing fare, more geared toward suburban easy listening than challenging innovation. He threw in just enough sly, oddball quirks, however, to make one wonder whether he was in fact deftly satirizing the form, or at least using it as a forum to slip in some unbridled zaniness. Chipper white bread background chorus singers will slip into strange nonsense syllables like "boink, boink." Weird instrumental flourishes add unpredictable tension to bathetic easy listening instrumentals, sometimes almost jarring the listener from the state of bland relaxation for which the records were purportedly designed. The strains of cha chas and mambos (then in vogue among much of mainstream America) run through much of his work, though in a much more lounge-ish vein than what you would find in sweaty Havana ballrooms. Tempos and arrangements change with unnerving frequency and charge forward with unsettling manic energy, though never so often that the music sounds more experimental than pop.

So when post-moderns tired of punk, grunge, and industrial music, and needed some suitably different (but still ironic) music to chill out to in their dank clubs and cafes, they turned to forgotten artists such as Esquivel. The man himself had passed his heyday as a recording artist after the early '60s. He remained active for years with his live act (Frank Sinatra was a fan of Esquivel's Las Vegas sets) and television and film scores. By the 1990s, he was confined to a wheelchair in his brother's home in Mexico, the victim of numerous back injuries. He wasn't so ill that he couldn't be interviewed, however. His lengthy profile in the second volume of the Incredibly Strange Music book kicked off the Esquivel revival in earnest. 1995 suddenly saw Esquivel reissues flooding the market (at least three appeared that year, with many more following). Respected alternative figureheads like John Zorn and R.E.M. sang his praises. Esquivel was no longer gathering mold in the attic -- he was the epitome of hip.

As is the case with other space age pop heroes such as Martin Denny, some listeners were dumbfounded, or even angered, by the modern appeal enjoyed by Esquivel. His work will never be treated with respect by the "serious" music community; his music is too consciously geared toward light entertainment for that. And just as one wonders whether Esquivel was mixing irony and entertainment in his recordings, one wonders whether some modern Esquivel fans were championing his cause out of a desire to be more jaded-than-thou. Did they groove to his sounds precisely because Esquivel's records sound so ridiculously outdated, or simply because they want to become hip by attaching themselves to the most unfashionable music possible? Easy answers are not forthcoming, but Esquivel wasn't complaining. In fact, he became something of the spokesperson emeritus for the whole space age pop craze, conducting regular interviews for national publications from his Mexico bed, and hoping to eventually recover some of his mobility. However, in late 2001, Esquivel suffered two strokes in three months. The first left him partially paralyzed and unable to speak, and the second one led to his death. He passed away on January 3, 2002, four days after the second stroke in his home in Jiutepec, Morelos, Mexico.

https://www.allmusic.com/artist/esquivel-mn0000198923/biography

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Biografía de Richie Unterberger.

A mediados de la década de los 90, Juan García Esquivel disfrutó de uno de los resurgimientos más inesperados de la popularidad, y de la moda, en los anales del pop del siglo XX. El compositor y arreglista bordearon las líneas entre la música lounge, el excéntrico experimentalismo y el pionero en el sonido estéreo a finales de los años 50 y principios de los 60 en una serie de álbumes destinados al mercado de la escucha fácil. Falsos y ridículamente impredecibles, estos registros fueron olvidados por casi todos los hábitats de tiendas de ahorro durante décadas. Sin embargo, con el resurgimiento del pop / exotismo de la era espacial a mediados de los años 90, Esquivel no solo estaba siendo redescubierto, sino que estaba siendo promovido como un innovador de vanguardia por parte de ciertos segmentos de la multitud alternativa más moderna que tú.

Esquivel (a la manera de Dion o Melanie, se facturó con un solo nombre) en realidad disfrutó de una carrera larga y variada, de la que sus grabaciones pop de la era espacial eran solo una parte. Nacido en un pequeño pueblo mexicano, el pianista se convirtió en un artista popular en una estación de radio mexicana y estudió brevemente en Juilliard en Nueva York. El trabajo en la radio (y luego en la televisión y el cine) en realidad le dio una valiosa experiencia en el arte de idear rápidamente música de fondo variada y arreglos orquestales, que le sirvió cuando comenzó a grabar para RCA a fines de los años cincuenta.

Esta fue la época en la que se empezaron a comercializar los álbumes estéreo. Esquivel, junto con varias otras de las principales luces de la "era espacial", aprovechó este desarrollo para utilizar sus álbumes como laboratorios de todo tipo para explorar el espectro del sonido grabado, como se refleja en los títulos de LP como Other Worlds, Other. Sonidos y cuatro esquinas del mundo. Empleó instrumentos exóticos como el theremin, el ondioline, los primeros teclados de Fender Rhodes, las campanas chinas, el acordeón bajo y un Boom-Bam (un kit de 24 bongo sintonizado a F) para obtener lo que quería.

Lo que evitó que Esquivel tuviera una seria apreciación crítica en ese momento son, quizás, los mismos factores que ejercían una extraña fascinación entre los oyentes de los años noventa. En su forma y contenido, el material de Esquivel era una mezcla ligera de martini, más orientada a la escucha suburbana que a la innovación desafiante. Sin embargo, lanzó lo suficiente como para caprichos extravagantes y extravagantes, para que uno se preguntara si de hecho estaba satirizando hábilmente la forma, o al menos usándola como un foro para deslizarse en una locura desenfrenada. Los cantantes de coro de fondo de la astilladora de pan blanco se deslizarán en extrañas sílabas sin sentido como "boink, boink". Los extraños extravagantes instrumentales agregan una tensión impredecible a los audífonos de fácil escucha batidos, que a veces casi sacan al oyente del estado de relajación insípida para el cual los discos fueron supuestamente diseñados. La variedad de cha chas y mambos (entonces en boga entre gran parte de la mayoría de los Estados Unidos) recorre gran parte de su trabajo, aunque en una forma mucho más relajada que la que encontraría en los salones de baile sudorosos de La Habana. Los tempos y los arreglos cambian con una frecuencia desconcertante y se cargan hacia adelante con una energía maníaca perturbadora, aunque nunca tan a menudo que la música suena más experimental que el pop.

Así que cuando los posmodernos se cansaron del punk, el grunge y la música industrial, y necesitaron música adecuadamente diferente (pero aún irónica) para relajarse en sus húmedos clubes y cafés, recurrieron a artistas olvidados como Esquivel. El propio hombre había pasado su apogeo como artista de grabación después de principios de los sesenta. Permaneció activo durante años con su actuación en vivo (Frank Sinatra era fanático de los sets de Esquivel en Las Vegas) y de televisión y películas. En la década de 1990, fue confinado a una silla de ruedas en la casa de su hermano en México, víctima de numerosas lesiones en la espalda. Sin embargo, no estaba tan enfermo como para no ser entrevistado. Su perfil extenso en el segundo volumen del libro de música increíblemente extraño inició el renacimiento de Esquivel en serio. 1995 vio repentinamente las reediciones de Esquivel inundando el mercado (al menos tres aparecieron ese año, y muchos más lo siguieron). Figuras alternativas respetadas como John Zorn y R.E.M. cantaba sus alabanzas. Esquivel ya no estaba acumulando moho en el ático, era el epítome de la cadera.

Como es el caso de otros héroes del pop de la era espacial como Martin Denny, algunos oyentes quedaron estupefactos, o incluso enojados, por el atractivo moderno de Esquivel. Su trabajo nunca será tratado con respeto por la comunidad musical "seria"; Su música está demasiado conscientemente orientada hacia el entretenimiento ligero para eso. Y justo cuando uno se pregunta si Esquivel estaba mezclando ironía y entretenimiento en sus grabaciones, uno se pregunta si algunos fanáticos de Esquivel modernos defendieron su causa por el deseo de estar más cansados ​​que tú. ¿Se adaptaron a sus sonidos precisamente porque los discos de Esquivel suenan tan ridículamente anticuados, o simplemente porque quieren estar a la vanguardia al unirse a la música más desfavorable posible? No hay respuestas fáciles, pero Esquivel no se quejaba. De hecho, se convirtió en algo del portavoz emérito de toda la locura del pop de la era espacial, realizando entrevistas periódicas para publicaciones nacionales desde su cama de México y con la esperanza de recuperar algo de su movilidad. Sin embargo, a fines de 2001, Esquivel sufrió dos golpes en tres meses. El primero lo dejó parcialmente paralizado e incapaz de hablar, y el segundo lo llevó a la muerte. Falleció el 3 de enero de 2002, cuatro días después del segundo derrame cerebral en su casa en Jiutepec, Morelos, México.

https://www.allmusic.com/artist/esquivel-mn0000198923/biography

Tracklist:
A1 - St. Louis Blues - 2:29
A2 - Agua De Beber - 2:55
A3 - Question Mark (Que Vas A Hacer) - 2:05
A4 - Perdon (Perdoname Mi Vida) - 2:47
A5 - Temptation - 5:32
B1 - Amor Amor - 2:08
B2 - Flower Girl From Bordeaux - 2:08
B3 - La Bikina - 1:53
B4 - Surfboard - 2:55
B5 - Malaguena Salerosa (Sweetheart From Malaga) - 3:18
B6 - Besame Mucho - 4:21


Credits:
    Cover, Photography – Roger Lopez
    Engineer – John Norman
    Liner Notes – Bill Stewart
    Piano, Voice, Arranged By, Conductor – Esquivel
    Producer – Mariano Rivera Conde, Neely Plumb

Notes:
Recorded at RCA Victor's Music Center of the World, Hollywood, California, February 21, 1966.

Label: RCA Victor ‎– LPM-3697
Released: Jan 1967
Genre: Jazz, Latin
Style: Easy Listening, Latin Jazz, Space-Age

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Peter Leitch • Landscape

 

 

 

Peter Leitch has over the years, gained an international reputation for his unique personal style, rooted in tradition but recognizably his own. Of his fifteen recordings as a leader, many feature his long-time rhythm section of pianist John Hicks, Ray Drummond and Smitty Smith. Several also include a saxophonist (Pepper Adams, Bobby Watson, Gary Bartz and Jed Levy have each contributed to Peter's recordings).

Self-Portrait is Peter's most recent release (April 2007) and is his first complete solo effort. It features music ranging from Mingus, Ellington and Strayhorn to several new originals performed on electric and acoustic guitar.

Peter is also an accomplished photographer. It is fitting that the release of his new CD is in conjunction with the opening of his photography show “Mississippi and the South,” at the WBGO Gallery in Newark.

Autobiography pays tribute to some of the guitarists, heroes, influences and friends (including a tune written for everyone's favorite jazz waitress, “Allyson.”) Fans who buy the CD from the website or from Peter directly will also receive a fun 9-minute DVD about the making of Autobiography .

Duality is an intimate musical conversation between the guitarist and pianist John Hicks.

The Montreal Concert is a duet of another sort. Recorded live (a first!), he and altoist Gary Bartz take some musical chances to create what Jazziz calls, “one of the new decade's sterling examples of chamber jazz.”

Blues On The Corner is a sextet recording that Peter feels is a winning combination of new voices and old friends and they're unique! Bobby Watson, Kendra Shank, Renee Rosnes, Dwayne Burno and Billy Hart join Peter in making this something special in this mix of originals and music from within the jazz repertoire.

Up Front on Reservoir Records, is a trio effort featuring the guitarist in a more “up front” setting than his previous recording. Featuring bassist Sean Smith and drummer Marvin “Smitty” Smith, Peter, according to Jim Ferguson at Jazz Times, renders this nine-tune set with “a combination of his trademark virtuosity, imagination, musicianship and good taste.” And, according to Downbeat, “his long, smoothly flowing lines sound emotional and hauntingly beautiful.”

Colours And Dimensions finds the guitarist leading a full-size ensemble featuring piano, bass, drums and three horns. “I wanted to get a group sound in which the guitar was part of the ensemble, rather than make a guitar record per se,” Leitch said. The result is a fine summation of his other releases with superb displays of his playing on both electric and acoustic guitars, his composing, and his arranging.

In addition to his performing career, he enjoys visiting universities and jazz camps as clinician and artist-in-residence. Peter feels strongly that such involvement with developing musicians not only helps them with their craft, but builds knowledgeable jazz audiences for the future. When he was developing as a musician in his native Montreal in the early 1960s, younger musicians learned informally from the older, more experienced ones in after-hour jams and through listening--both to live and recorded music. “I was able to hear such giants as Coltrane, Wes Montgomery and Monk live, night after night when they came through town with their groups,” Peter remembers. “I could hear them develop their new ideas and then get the record that they made at the end of that particular tour and see where the music went.”

He came up at a time when young musicians could make a living playing with r&b groups, organ bands and back-up groups for all kinds of entertainers -- from strippers to hypnotists to cabaret singers -- travelling from one small town to another. “But today's young musicians don't have the same kind of community to develop in. The schools have had to take the place of that kind of education.”

Among the legendary artists that Peter has recorded or worked in the bands of are: Oscar Peterson, Milt Jackson, Al Grey & Jimmy Forrest, Woody Shaw and Pepper Adams. The Interview

Peter plays a Zoller guitar, a big hollow-bodied instrument made by the Hofner Company and designed by friend and fellow guitarist, the late Atilla Zoller. It is one of only two such models in existence (the other was owned by the great Jimmy Raney and passed on his son). He uses and endorses Polytone amplifiers and La Bella strings.
https://musicians.allaboutjazz.com/peterleitch

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A lo largo de los años, Peter Leitch se ha ganado una reputación internacional por su estilo personal único, enraizado en la tradición pero reconociblemente propio. De sus quince grabaciones como líder, muchas cuentan con su sección rítmica de toda la vida: el pianista John Hicks, Ray Drummond y Smitty Smith. Varias incluyen también a un saxofonista (Pepper Adams, Bobby Watson, Gary Bartz y Jed Levy han contribuido a las grabaciones de Peter).

Self-Portrait es el lanzamiento más reciente de Peter (abril de 2007) y es su primer trabajo completo en solitario. Incluye música que va desde Mingus, Ellington y Strayhorn hasta varios originales nuevos interpretados con guitarra eléctrica y acústica.

Peter es también un fotógrafo consumado. El lanzamiento de su nuevo CD coincide con la inauguración de su exposición fotográfica "Mississippi and the South", en la galería WBGO de Newark.

Autobiography rinde homenaje a algunos de sus guitarristas, héroes, influencias y amigos (incluida una melodía escrita para la camarera de jazz favorita de todos, "Allyson"). Los fans que compren el CD en la página web o directamente a Peter recibirán también un divertido DVD de 9 minutos sobre la realización de Autobiography .

Duality es una conversación musical íntima entre el guitarrista y el pianista John Hicks.

El Concierto de Montreal es un dúo de otro tipo. Grabado en directo (¡una primicia!), él y el contralto Gary Bartz se arriesgan musicalmente para crear lo que Jazziz denomina "uno de los mejores ejemplos de jazz de cámara de la nueva década".

Blues On The Corner es una grabación de un sexteto que Peter considera una combinación ganadora de nuevas voces y viejos amigos, ¡y son únicos! Bobby Watson, Kendra Shank, Renee Rosnes, Dwayne Burno y Billy Hart se unen a Peter para hacer algo especial en esta mezcla de originales y música del repertorio de jazz.

Up Front, en Reservoir Records, es un trío que presenta al guitarrista en un entorno más "frontal" que su anterior grabación. Con el bajista Sean Smith y el batería Marvin "Smitty" Smith, Peter, según Jim Ferguson de Jazz Times, interpreta este conjunto de nueve melodías con "una combinación de su virtuosismo característico, imaginación, musicalidad y buen gusto". Y, según Downbeat, "sus largas y fluidas líneas suenan emotivas e inquietantemente bellas".

En Colours And Dimensions, el guitarrista se pone al frente de un conjunto de tamaño completo que incluye piano, bajo, batería y tres trompas. "Quería conseguir un sonido de grupo en el que la guitarra formara parte del conjunto, en lugar de hacer un disco de guitarra per se", dijo Leitch. El resultado es un buen resumen de sus otros lanzamientos, con magníficas muestras de su forma de tocar tanto la guitarra eléctrica como la acústica, su composición y sus arreglos.

Además de su carrera como intérprete, disfruta visitando universidades y campamentos de jazz como clínico y artista residente. Peter cree firmemente que esta implicación con los músicos en formación no sólo les ayuda en su oficio, sino que crea un público de jazz bien informado para el futuro. Cuando se estaba formando como músico en su Montreal natal a principios de los años 60, los músicos más jóvenes aprendían de manera informal de los más veteranos y experimentados en las jams de última hora y a través de la escucha, tanto de música en directo como grabada. "Pude escuchar en directo a gigantes como Coltrane, Wes Montgomery y Monk, noche tras noche, cuando pasaban por la ciudad con sus grupos", recuerda Peter. "Pude escuchar cómo desarrollaban sus nuevas ideas y luego conseguir el disco que grababan al final de esa gira concreta y ver hacia dónde iba la música".

Llegó en una época en la que los jóvenes músicos podían ganarse la vida tocando con grupos de r&b, bandas de órgano y grupos de acompañamiento para todo tipo de artistas -desde strippers a hipnotizadores o cantantes de cabaret- que viajaban de una pequeña ciudad a otra. "Pero los jóvenes músicos de hoy no tienen el mismo tipo de comunidad en la que desarrollarse. Las escuelas han tenido que ocupar el lugar de ese tipo de educación".

Entre los artistas legendarios de los que Peter ha grabado o trabajado en las bandas están: Oscar Peterson, Milt Jackson, Al Grey & Jimmy Forrest, Woody Shaw y Pepper Adams. La entrevista

Peter toca una guitarra Zoller, un gran instrumento de cuerpo hueco fabricado por la empresa Hofner y diseñado por su amigo y compañero guitarrista, el difunto Atilla Zoller. Es uno de los dos únicos modelos de este tipo que existen (el otro fue propiedad del gran Jimmy Raney y pasó a su hijo). Utiliza y respalda los amplificadores Polytone y las cuerdas La Bella.
https://musicians.allaboutjazz.com/peterleitch

peterleitch.com ...

Royce Campbell • Romancing The Tone

 

Biography
by Rovi Staff
Royce Campbell's blues-influenced, hyper-relaxed jazz-guitar playing has earned him accolades as a solo performer and made him a sought-after session musician. His first experience came touring the U.S. in Marvin Gaye's band, before being tapped by Henry Mancini, in whose orchestra Campbell stayed for two decades; Campbell's gentle, flowing swing formed a subtle backdrop for the composer's ever-cinematic works. A versatile performer, Campbell's expert guitar graced recordings of everyone from Dave Brubeck to Liza Minnelli to Sarah Vaughan. In the '90s, Campbell stepped out under his own name, starting with the dreamily melodic Nighttime Daydreams in 1990, and eventually extending to several dozen recordings.
https://www.allmusic.com/artist/royce-campbell-mn0000851616/biography

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Biografía
por el Personal de Rovi
La guitarra de jazz hiper relajada e influenciada por el blues de Royce Campbell le ha valido elogios como solista y lo ha convertido en un músico de sesión muy solicitado. Su primera experiencia fue de gira por los Estados Unidos en la banda de Marvin Gaye, antes de ser tocado por Henry Mancini, en cuya orquesta Campbell permaneció durante dos décadas; el suave y fluido swing de Campbell formó un sutil telón de fondo para las obras siempre cinematográficas del compositor. Intérprete versátil, la guitarra experta de Campbell adornó grabaciones de todos, desde Dave Brubeck hasta Liza Minnelli y Sarah Vaughan. En los años 90, Campbell salió bajo su propio nombre, comenzando con los ensoñadores Sueños melódicos nocturnos en 1990, y eventualmente extendiéndose a varias docenas de grabaciones.
https://www.allmusic.com/artist/royce-campbell-mn0000851616/biography


www.roycecampbell.net ...

Peter Almqvist • Peter Almqvist Trio With Horace Parlan

 

 

Peter Almqvist has performed and recorded with such noteable names as Art Farmer. NH0P, Red Mitchel and Svend Asmussen. This is his second album as a leader for Storyville, this time featuring Horace Parian "... a man of sensitive temperament as well as of lucid intelligence... can convey intensity in a ballad performance without sacrificing tenderness..." Nat Hentoff "With players like Almqvist around, the future of Jazz guitar is in safe hands!" American Guitar Magazine
https://www.storyvillerecords.com/products/peter-almqvist-trio-w-horace-parlan-stcd4205

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Peter Almqvist ha actuado y grabado con nombres tan notables como Art Farmer NH0P, Red Mitchel y Svend Asmussen. Este es su segundo álbum como líder para Storyville, esta vez con Horace Parian "... un hombre de temperamento sensible así como de lúcida inteligencia... puede transmitir intensidad en una interpretación de balada sin sacrificar la ternura..." Nat Hentoff "¡Con jugadores como Almqvist alrededor, el futuro de la guitarra de Jazz está en buenas manos!" Revista American Guitar
https://www.storyvillerecords.com/products/peter-almqvist-trio-w-horace-parlan-stcd4205


www.storyvillerecords.com ...

Exotic Guitars • Sonic Lounge

 

This Album compiles the concept songs of Exotic Guitars, a band produced by legendary producers Bill Justice and Randy Wood and featuring the best studio musicians available.

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Este Album recopila las canciones conceptuales de Exotic Guitars, una banda producida por los legendarios productores Bill Justice y Randy Wood y que cuenta con los mejores músicos de estudio disponibles.

 

Mongo Santamaria • La Bamba

 

One good hit deserves a remake, so Columbia had Mongo Santamaria redo his breakthrough record "Watermelon Man" on his second LP for the label. Indeed, it is this brighter, better-recorded version that we generally hear on the radio nowadays instead of the Battle original. Even better, though, are "Fatback" and the wildly swinging workout on "La Bamba" that kicks off the album, to which you can imagine the foxy blonde model on the cover dancing the boogaloo. Marty Sheller’s charging arrangements and trumpet are in the driver’s seat of this sports car with the Mongo engine, and Hubert Laws has a ball in his flute and tenor sax solos. Few records embodied the go-go spirit of the ’60s as well as this Latin jazz album. — Richard S. Ginell

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Un buen éxito merece un remake, por lo que Columbia hizo que Mongo Santamaria rehiciera su innovador disco "Watermelon Man" en su segundo LP para el sello. De hecho, es esta versión más brillante y mejor grabada que generalmente escuchamos en la radio hoy en día en lugar del original de Battle. Aún mejor, sin embargo, son "Fatback" y el ejercicio de "La Bamba" que da inicio al álbum, en el que puedes imaginarte la modelo rubia astuta en la portada bailando boogaloo. Los arreglos de carga y la trompeta de Marty Sheller están en el asiento del conductor de este auto deportivo con el motor Mongo, y Hubert Laws tiene una bola en su flauta y sus solos de saxo tenor. Pocos discos encarnan el espíritu go-go de los años 60, así como este álbum de jazz latino. - Richard S. Ginell

Royce Campbell • Cocktail Hour

 

 

www.roycecampbell.net ...

Dutch Swing College Band • Collectors Items

 

 

 

The Dutch Swing College Band "DSCB" is a traditional dixieland band founded on May 5, 1945 by bandleader and clarinettist/saxophonist Peter Schilperoort.

Highly successful in their native home of The Netherlands, the band quickly found an international following. It has featured such musicians as Huub Janssen (drums), Henk Bosch van Drakestein (double bass), Kees van Dorser (trumpet), Dim Kesber (saxes), Jan Morks (clarinet), Wout Steenhuis (guitar), Arie Ligthart (banjo/guitar), Jaap van Kempen (banjo/guitar), Oscar Klein (trumpet), Dick Kaart (trombone), Ray Kaart (trumpet), Bert de Kort (cornet), Bert Boeren (trombone), Rod Mason, Rob Agerbeek (piano) - among many others.

The band continues to tour extensively, mainly in Europe & Scandinavia, and record directed by Bob Kaper, himself a member since 1967, following the former leader, Peter Schilperoort's death on November 17, 1990. Schilperoort had led the band for more than 45 years, albeit with a five year sabbatical from September 13, 1955, when he left to pursue an engineering career before returning to lead the band again officially on January 1, 1960.

http://en.wikipedia.org/wiki/Dutch_Swing_College_Band

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En mayo de 1945, cuando Europa estrenaba la paz, en medio de los tiros que aún sonaban, un grupo de estudiantes de música en Holanda no tuvo mejor idea para festejar la liberación que fundar una banda que con los años se convirtió en una de las mejores bandas de jazz. Como nombre lleva el de Dutch Swing College Band o como se la conoce "Los Estudiantes Holandeses"

 

 

dsc.nl ...

Peter Leitch Quartet ‎• A Special Rapport

 

Peter Leitch has over the years, gained an international reputation for his unique personal style, rooted in tradition but recognizably his own. Of his fifteen recordings as a leader, many feature his long-time rhythm section of pianist John Hicks, Ray Drummond and Smitty Smith. Several also include a saxophonist (Pepper Adams, Bobby Watson, Gary Bartz and Jed Levy have each contributed to Peter's recordings).

Self-Portrait is Peter's most recent release (April 2007) and is his first complete solo effort. It features music ranging from Mingus, Ellington and Strayhorn to several new originals performed on electric and acoustic guitar.

Peter is also an accomplished photographer. It is fitting that the release of his new CD is in conjunction with the opening of his photography show “Mississippi and the South,” at the WBGO Gallery in Newark.

Autobiography pays tribute to some of the guitarists, heroes, influences and friends (including a tune written for everyone's favorite jazz waitress, “Allyson.”) Fans who buy the CD from the website or from Peter directly will also receive a fun 9-minute DVD about the making of Autobiography .

Duality is an intimate musical conversation between the guitarist and pianist John Hicks.

The Montreal Concert is a duet of another sort. Recorded live (a first!), he and altoist Gary Bartz take some musical chances to create what Jazziz calls, “one of the new decade's sterling examples of chamber jazz.”

Blues On The Corner is a sextet recording that Peter feels is a winning combination of new voices and old friends and they're unique! Bobby Watson, Kendra Shank, Renee Rosnes, Dwayne Burno and Billy Hart join Peter in making this something special in this mix of originals and music from within the jazz repertoire.

Up Front on Reservoir Records, is a trio effort featuring the guitarist in a more “up front” setting than his previous recording. Featuring bassist Sean Smith and drummer Marvin “Smitty” Smith, Peter, according to Jim Ferguson at Jazz Times, renders this nine-tune set with “a combination of his trademark virtuosity, imagination, musicianship and good taste.” And, according to Downbeat, “his long, smoothly flowing lines sound emotional and hauntingly beautiful.”

Colours And Dimensions finds the guitarist leading a full-size ensemble featuring piano, bass, drums and three horns. “I wanted to get a group sound in which the guitar was part of the ensemble, rather than make a guitar record per se,” Leitch said. The result is a fine summation of his other releases with superb displays of his playing on both electric and acoustic guitars, his composing, and his arranging.

In addition to his performing career, he enjoys visiting universities and jazz camps as clinician and artist-in-residence. Peter feels strongly that such involvement with developing musicians not only helps them with their craft, but builds knowledgeable jazz audiences for the future. When he was developing as a musician in his native Montreal in the early 1960s, younger musicians learned informally from the older, more experienced ones in after-hour jams and through listening--both to live and recorded music. “I was able to hear such giants as Coltrane, Wes Montgomery and Monk live, night after night when they came through town with their groups,” Peter remembers. “I could hear them develop their new ideas and then get the record that they made at the end of that particular tour and see where the music went.”

He came up at a time when young musicians could make a living playing with r&b groups, organ bands and back-up groups for all kinds of entertainers -- from strippers to hypnotists to cabaret singers -- travelling from one small town to another. “But today's young musicians don't have the same kind of community to develop in. The schools have had to take the place of that kind of education.”

Among the legendary artists that Peter has recorded or worked in the bands of are: Oscar Peterson, Milt Jackson, Al Grey & Jimmy Forrest, Woody Shaw and Pepper Adams. The Interview

Peter plays a Zoller guitar, a big hollow-bodied instrument made by the Hofner Company and designed by friend and fellow guitarist, the late Atilla Zoller. It is one of only two such models in existence (the other was owned by the great Jimmy Raney and passed on his son). He uses and endorses Polytone amplifiers and La Bella strings.
https://musicians.allaboutjazz.com/peterleitch

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A lo largo de los años, Peter Leitch se ha ganado una reputación internacional por su estilo personal único, enraizado en la tradición pero reconociblemente propio. De sus quince grabaciones como líder, muchas cuentan con su sección rítmica de toda la vida: el pianista John Hicks, Ray Drummond y Smitty Smith. Varias incluyen también a un saxofonista (Pepper Adams, Bobby Watson, Gary Bartz y Jed Levy han contribuido a las grabaciones de Peter).

Self-Portrait es el lanzamiento más reciente de Peter (abril de 2007) y es su primer trabajo completo en solitario. Incluye música que va desde Mingus, Ellington y Strayhorn hasta varios originales nuevos interpretados con guitarra eléctrica y acústica.

Peter es también un fotógrafo consumado. El lanzamiento de su nuevo CD coincide con la inauguración de su exposición fotográfica "Mississippi and the South", en la galería WBGO de Newark.

Autobiography rinde homenaje a algunos de sus guitarristas, héroes, influencias y amigos (incluida una melodía escrita para la camarera de jazz favorita de todos, "Allyson"). Los fans que compren el CD en la página web o directamente a Peter recibirán también un divertido DVD de 9 minutos sobre la realización de Autobiography .

Duality es una conversación musical íntima entre el guitarrista y el pianista John Hicks.

El Concierto de Montreal es un dúo de otro tipo. Grabado en directo (¡una primicia!), él y el contralto Gary Bartz se arriesgan musicalmente para crear lo que Jazziz denomina "uno de los mejores ejemplos de jazz de cámara de la nueva década".

Blues On The Corner es una grabación de un sexteto que Peter considera una combinación ganadora de nuevas voces y viejos amigos, ¡y son únicos! Bobby Watson, Kendra Shank, Renee Rosnes, Dwayne Burno y Billy Hart se unen a Peter para hacer algo especial en esta mezcla de originales y música del repertorio de jazz.

Up Front, en Reservoir Records, es un trío que presenta al guitarrista en un entorno más "frontal" que su anterior grabación. Con el bajista Sean Smith y el batería Marvin "Smitty" Smith, Peter, según Jim Ferguson de Jazz Times, interpreta este conjunto de nueve melodías con "una combinación de su virtuosismo característico, imaginación, musicalidad y buen gusto". Y, según Downbeat, "sus largas y fluidas líneas suenan emotivas e inquietantemente bellas".

En Colours And Dimensions, el guitarrista se pone al frente de un conjunto de tamaño completo que incluye piano, bajo, batería y tres trompas. "Quería conseguir un sonido de grupo en el que la guitarra formara parte del conjunto, en lugar de hacer un disco de guitarra per se", dijo Leitch. El resultado es un buen resumen de sus otros lanzamientos, con magníficas muestras de su forma de tocar tanto la guitarra eléctrica como la acústica, su composición y sus arreglos.

Además de su carrera como intérprete, disfruta visitando universidades y campamentos de jazz como clínico y artista residente. Peter cree firmemente que esta implicación con los músicos en formación no sólo les ayuda en su oficio, sino que crea un público de jazz bien informado para el futuro. Cuando se estaba formando como músico en su Montreal natal a principios de los años 60, los músicos más jóvenes aprendían de manera informal de los más veteranos y experimentados en las jams de última hora y a través de la escucha, tanto de música en directo como grabada. "Pude escuchar en directo a gigantes como Coltrane, Wes Montgomery y Monk, noche tras noche, cuando pasaban por la ciudad con sus grupos", recuerda Peter. "Pude escuchar cómo desarrollaban sus nuevas ideas y luego conseguir el disco que grababan al final de esa gira concreta y ver hacia dónde iba la música".

Llegó en una época en la que los jóvenes músicos podían ganarse la vida tocando con grupos de r&b, bandas de órgano y grupos de acompañamiento para todo tipo de artistas -desde strippers a hipnotizadores o cantantes de cabaret- que viajaban de una pequeña ciudad a otra. "Pero los jóvenes músicos de hoy no tienen el mismo tipo de comunidad en la que desarrollarse. Las escuelas han tenido que ocupar el lugar de ese tipo de educación".

Entre los artistas legendarios de los que Peter ha grabado o trabajado en las bandas están: Oscar Peterson, Milt Jackson, Al Grey & Jimmy Forrest, Woody Shaw y Pepper Adams. La entrevista

Peter toca una guitarra Zoller, un gran instrumento de cuerpo hueco fabricado por la empresa Hofner y diseñado por su amigo y compañero guitarrista, el difunto Atilla Zoller. Es uno de los dos únicos modelos de este tipo que existen (el otro fue propiedad del gran Jimmy Raney y pasó a su hijo). Utiliza y respalda los amplificadores Polytone y las cuerdas La Bella.
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Colaborador / Contributor:  Mich58

Mongo Santamaria • Watermelon Man

Mongo Santamaria enjoyed a long and successful career in Latin music. His recordings and concert performances ranged from the authentic percussion music of Afro-Cuban religious rituals through to Latin-jazz reworkings of American jazz and pop hits.

His song Afro-Blue became a contemporary jazz standard, best-known in the coruscating version by saxophonist John Coltrane. His own adaptation of Herbie Hancock’s Watermelon Man provided the biggest hit of his career in 1963, and is regarded as a classic artefact on the Lounge Music scene.

He was born Ramon Santamaria in Cuba, and nicknamed Mongo by his father (the word denotes a tribal chief in Senegal). He began learning violin, but quickly switched to drums and then congas, and left school early to work as a musician on the highly active local scene in Havana.

He graduated to the famous Tropicana Club with bands like Conjunto Matamoros and Conjunto Azul, then moved to New York in 1950. He was able to pursue his interest in American jazz at its epicentre, while gaining valuable exposure playing with two of the most important Latin band leaders in the city, Perez Prado and later Tito Puente.

Their explosive percussion battles became a major attraction in Puente’s band, but in 1958 he left the band to work with the jazz vibraphonist Cal Tjader, who was beginning to explore the Latin jazz direction which made his reputation. He spent some years in California in this period, but returned to New York in 1962.

He was already making records under his own name while working with Tjader, and soon formed his own band in New York. He came across Herbie Hancock’s Watermelon Man when the pianist sat in with the band at a Cuban music club in the Bronx in 1962, and immediately saw the possibilities.

His own version was a top ten entry on the American pop charts in 1963, and launched the percussionist on a new and more commercial direction, although the standard of his musicians generally remained high, including jazz artists like Chick Corea, Ray Vega, Sonny Fortune and Hubert Laws.

He pursued the strategy of adding a Latin groove to jazz and pop tunes throughout the next two decades, and became an acknowledged leader in the highly popular Latin-soul fusion movement of the era. He became one of the best known names in Latin music, and reached a wide audience with his accessible, dance-oriented approach to the music.

Although he never scored another hit of the magnitude of Watermelon Man, his other successes of the period included an energised version of La Bamba in 1964 and another big American success with his version of The Temptations’s Cloud Nine in 1969. He received several Grammy nominations in the Seventies and Eighties, and won the award in 1977 for his album Amancer.

In the early Eighties he returned to a more jazz influenced direction. He continued to perform into the early Nineties, and made further recordings even after he retired from concert appearances.

Latin Jazz conguero and bandleader Ramón “Mongo” Santamaria, unfortunately passed away in Miami, Florida, on February 1st, 2003 at the age of 85.

Mongo's body of work and his contribution to the evolution of percussion not just in Latin genres but in music in general is one that will continue to inspire musicians for years to come.

https://musicians.allaboutjazz.com/mongosantamaria

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Mongo Santamaría disfrutó de una larga y exitosa carrera en la música latina. Sus grabaciones y conciertos abarcaron desde la auténtica música de percusión de rituales religiosos afrocubanos hasta la reelaboración de jazz latinoamericano y éxitos pop.

Su canción Afro-Blue se convirtió en un estándar del jazz contemporáneo, más conocido en la versión coruscante del saxofonista John Coltrane. Su propia adaptación de Watermelon Man de Herbie Hancock proporcionó el mayor éxito de su carrera en 1963, y es considerado como un artefacto clásico en la escena Lounge Music.

Nació en Cuba, Ramón Santamaría, y su padre lo apodó Mongo (la palabra denota un jefe tribal en Senegal). Comenzó a aprender violín, pero rápidamente cambió a la batería y luego a las congas, y dejó la escuela temprano para trabajar como músico en la activa escena local de La Habana.

Se graduó en el famoso Tropicana Club con bandas como Conjunto Matamoros y Conjunto Azul, y luego se mudó a Nueva York en 1950. Pudo continuar su interés en el jazz americano en su epicentro, mientras ganaba una valiosa exposición tocando con dos de los líderes de bandas latinas más importantes de la ciudad, Pérez Prado y más tarde Tito Puente.

Sus explosivas batallas de percusión se convirtieron en una gran atracción para la banda de Puente, pero en 1958 dejó la banda para trabajar con el vibrafonista de jazz Cal Tjader, quien estaba comenzando a explorar la dirección del jazz latino que hizo su reputación. Pasó algunos años en California en este período, pero regresó a Nueva York en 1962.

Ya estaba grabando discos bajo su propio nombre mientras trabajaba con Tjader, y pronto formó su propia banda en Nueva York. Se encontró con Watermelon Man de Herbie Hancock cuando el pianista se sentó con la banda en un club de música cubana en el Bronx en 1962, e inmediatamente vio las posibilidades.

Su propia versión fue una de las diez mejores entradas en las listas de éxitos del pop estadounidense en 1963, y lanzó al percusionista en una dirección nueva y más comercial, aunque el nivel de sus músicos en general siguió siendo alto, incluyendo a artistas de jazz como Chick Corea, Ray Vega, Sonny Fortune y Hubert Laws.

Siguió la estrategia de añadir un groove latino a las melodías de jazz y pop durante las dos décadas siguientes, y se convirtió en un líder reconocido en el altamente popular movimiento de fusión de alma latina de la época. Se convirtió en uno de los nombres más conocidos de la música latina, y llegó a un amplio público con su enfoque accesible y orientado a la danza.

Aunque nunca tuvo otro éxito de la magnitud de Watermelon Man, sus otros éxitos de la época incluyeron una versión animada de La Bamba en 1964 y otro gran éxito americano con su versión de The Temptations's Cloud Nine en 1969. Recibió varias nominaciones a los Grammy en los años setenta y ochenta, y ganó el premio en 1977 por su álbum Amancer.

A principios de los ochenta regresó a una dirección más influenciada por el jazz. Continuó tocando hasta principios de los años noventa, e hizo más grabaciones incluso después de retirarse de las apariciones en conciertos.

El conguero y director de orquesta de jazz latino Ramón "Mongo" Santamaría, lamentablemente falleció en Miami, Florida, el 1 de febrero de 2003 a la edad de 85 años.

El trabajo de Mongo y su contribución a la evolución de la percusión no sólo en los géneros latinos, sino en la música en general, es uno que continuará inspirando a los músicos en los años venideros.

https://musicians.allaboutjazz.com/mongosantamaria

Michele Ramo, Bucky Pizzarelli & Jerry Bruno • Oh' Lady Be Good

 

An all-strings swing session with a Gallic twist, this trio offering from three vets is enjoyable enough to make you think the “standards” concept isn’t entirely played out yet. At least for an hour or so.

Certainly there’s no sign that fiddler Michele Ramo, guitarist Bucky Pizzarelli and bassist Jerry Bruno have grown tired of playing the tunes gathered here, though one suspects these cozy performances were more inspired by chemistry and camaraderie than by repertory. Suffice to say that there are no surprises here, tunewise. In addition to the title track, the Gershwins are represented by “They Can’t Take That Away From Me” (which moves from rubato melody and arpeggiated accompaniment into 4/4 chordal propulsion); Rodgers and Hart by “Have You Met Miss Jones?” (another out-of-tempo showcase for Ramo’s lyrical fiddle until Pizzarelli pushes the tune into gear); Hoagy Carmichael by “Stardust” (mostly slow and soulful but enlivened by Pizzarelli’s strumming); and Johnny Mandel by “A Time for Love” (the album’s haunting coda).

Django Reinhardt’s legacy, however, looms large. He had a hand in composing three of the pieces on the CD-“Nuages, “Tears” and “Mélodie au Crépuscule.” Not surprisingly, all rank among the album’s highlights, particularly the last, with Ramo and Pizzarelli evoking the Stéphane Grappelli-Reinhardt pairing with aplomb and affection. All the while, Bruno underscores the melodies and rhythms with a resonant tone or a swinging pulse, completing this portrait of pre-war jazz.

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Una sesión de swing de todas las cuerdas con un giro galo, esta oferta de tres veterinarios de tres tríos es lo suficientemente agradable como para hacerte pensar que el concepto de "estándares" no está completamente implementado todavía. Al menos por una hora más o menos.

Ciertamente, no hay ninguna señal de que la violinista Michele Ramo, el guitarrista Bucky Pizzarelli y el bajista Jerry Bruno se hayan cansado de tocar las melodías reunidas aquí, aunque uno sospecha que estas actuaciones acogedoras están más inspiradas en la química y la camaradería que en el repertorio. Basta con decir que aquí no hay sorpresas, por cierto. Además de la pista del título, los Gershwins están representados por "No pueden quitar eso de mí" (que se mueve desde la melodía de rubato y el acompañamiento arpegiado a la propulsión cordal 4/4); Rodgers y Hart de "¿Has conocido a la señorita Jones?" (Otro escaparate fuera de ritmo para el violín lírico de Ramo hasta que Pizzarelli empuja la melodía); Hoagy Carmichael por "Stardust" (en su mayoría lento y conmovedor, pero animado por el rasgueo de Pizzarelli); y Johnny Mandel por "A Time for Love" (la coda inquietante del álbum).

El legado de Django Reinhardt, sin embargo, cobra gran importancia. Participó en la composición de tres de las piezas del CD: “Nuages,“ Tears ”y“ Mélodie au Crépuscule ”. No es sorprendente que todos se encuentren entre los aspectos más destacados del álbum, particularmente el último, con Ramo y Pizzarelli evocando a Stéphane Grappelli- Reinhardt emparejamiento con aplomo y cariño. Al mismo tiempo, Bruno subraya las melodías y los ritmos con un tono resonante o un pulso oscilante, completando este retrato del jazz de preguerra. 

 

 

The Ventures • Wild Things

 

Old School Band • King Of The Zulus

Swiss jazz band playing New Orleans style.
The orchestra was founded in 1958 by six friends who were fans of Jazz New Orleans. Founding members are: François Pesse, Jean-Claude Pesse, Jean-Luc Piller and Reynold Gysin nicknamed "Pops" accompanied by Jean-Pierre Guyot and Paulet Magro.
https://www.discogs.com/es/artist/1456221-Old-School-Band

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Banda de jazz suiza que toca al estilo de Nueva Orleans.
La orquesta fue fundada en 1958 por seis amigos aficionados al jazz de Nueva Orleans. Los miembros fundadores son: François Pesse, Jean-Claude Pesse, Jean-Luc Piller y Reynold Gysin apodado "Pops" acompañado por Jean-Pierre Guyot y Paulet Magro.
https://www.discogs.com/es/artist/1456221-Old-School-Band

Royce Campbell • Organ Trio

 

Biography
by Rovi Staff
Royce Campbell's blues-influenced, hyper-relaxed jazz-guitar playing has earned him accolades as a solo performer and made him a sought-after session musician. His first experience came touring the U.S. in Marvin Gaye's band, before being tapped by Henry Mancini, in whose orchestra Campbell stayed for two decades; Campbell's gentle, flowing swing formed a subtle backdrop for the composer's ever-cinematic works. A versatile performer, Campbell's expert guitar graced recordings of everyone from Dave Brubeck to Liza Minnelli to Sarah Vaughan. In the '90s, Campbell stepped out under his own name, starting with the dreamily melodic Nighttime Daydreams in 1990, and eventually extending to several dozen recordings.
https://www.allmusic.com/artist/royce-campbell-mn0000851616/biography

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Biografía
por el Personal de Rovi
La guitarra de jazz hiper relajada e influenciada por el blues de Royce Campbell le ha valido elogios como solista y lo ha convertido en un músico de sesión muy solicitado. Su primera experiencia fue de gira por los Estados Unidos en la banda de Marvin Gaye, antes de ser tocado por Henry Mancini, en cuya orquesta Campbell permaneció durante dos décadas; el suave y fluido swing de Campbell formó un sutil telón de fondo para las obras siempre cinematográficas del compositor. Intérprete versátil, la guitarra experta de Campbell adornó grabaciones de todos, desde Dave Brubeck hasta Liza Minnelli y Sarah Vaughan. En los años 90, Campbell salió bajo su propio nombre, comenzando con los ensoñadores Sueños melódicos nocturnos en 1990, y eventualmente extendiéndose a varias docenas de grabaciones.
https://www.allmusic.com/artist/royce-campbell-mn0000851616/biography


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