Mostrando entradas con la etiqueta instrumental. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta instrumental. Mostrar todas las entradas
viernes, 18 de octubre de 2019
jueves, 17 de octubre de 2019
miércoles, 16 de octubre de 2019
sábado, 12 de octubre de 2019
Sy Mann & Nick Tagg • 2 Organs & Percussion
Sy Mann
(1920 - 2001) American musician and bandleader. Moved from radio to television in 1953, joining CBS. His primary duty while with CBS was as the lead pianist and arranger for its popular "Arthur Godfrey Show," replacing another musical chameleon, Dick Hyman.
Nick Tagg
Jazz pianist and organist, studio musician and arranger.
Discogs ...
martes, 24 de septiembre de 2019
miércoles, 18 de septiembre de 2019
Mongo Santamaria • El Pussy Cat
Mongo Santamaria enjoyed a long and successful career in Latin music. His recordings and concert performances ranged from the authentic percussion music of Afro-Cuban religious rituals through to Latin-jazz reworkings of American jazz and pop hits.
His song Afro-Blue became a contemporary jazz standard, best-known in the coruscating version by saxophonist John Coltrane. His own adaptation of Herbie Hancock’s Watermelon Man provided the biggest hit of his career in 1963, and is regarded as a classic artefact on the Lounge Music scene.
He was born Ramon Santamaria in Cuba, and nicknamed Mongo by his father (the word denotes a tribal chief in Senegal). He began learning violin, but quickly switched to drums and then congas, and left school early to work as a musician on the highly active local scene in Havana.
He graduated to the famous Tropicana Club with bands like Conjunto Matamoros and Conjunto Azul, then moved to New York in 1950. He was able to pursue his interest in American jazz at its epicentre, while gaining valuable exposure playing with two of the most important Latin band leaders in the city, Perez Prado and later Tito Puente.
Their explosive percussion battles became a major attraction in Puente’s band, but in 1958 he left the band to work with the jazz vibraphonist Cal Tjader, who was beginning to explore the Latin jazz direction which made his reputation. He spent some years in California in this period, but returned to New York in 1962.
He was already making records under his own name while working with Tjader, and soon formed his own band in New York. He came across Herbie Hancock’s Watermelon Man when the pianist sat in with the band at a Cuban music club in the Bronx in 1962, and immediately saw the possibilities.
His own version was a top ten entry on the American pop charts in 1963, and launched the percussionist on a new and more commercial direction, although the standard of his musicians generally remained high, including jazz artists like Chick Corea, Ray Vega, Sonny Fortune and Hubert Laws.
He pursued the strategy of adding a Latin groove to jazz and pop tunes throughout the next two decades, and became an acknowledged leader in the highly popular Latin-soul fusion movement of the era. He became one of the best known names in Latin music, and reached a wide audience with his accessible, dance-oriented approach to the music.
Although he never scored another hit of the magnitude of Watermelon Man, his other successes of the period included an energised version of La Bamba in 1964 and another big American success with his version of The Temptations’s Cloud Nine in 1969. He received several Grammy nominations in the Seventies and Eighties, and won the award in 1977 for his album Amancer.
In the early Eighties he returned to a more jazz influenced direction. He continued to perform into the early Nineties, and made further recordings even after he retired from concert appearances.
Latin Jazz conguero and bandleader Ramón “Mongo” Santamaria, unfortunately passed away in Miami, Florida, on February 1st, 2003 at the age of 85.
Mongo's body of work and his contribution to the evolution of percussion not just in Latin genres but in music in general is one that will continue to inspire musicians for years to come.
https://musicians.allaboutjazz.com/mongosantamaria
/////////////////////////////////////////////////////////////////////
Mongo Santamaría disfrutó de una larga y exitosa carrera en la música latina. Sus grabaciones y conciertos abarcaron desde la auténtica música de percusión de rituales religiosos afrocubanos hasta la reelaboración de jazz latinoamericano y éxitos pop.
Su canción Afro-Blue se convirtió en un estándar del jazz contemporáneo, más conocido en la versión coruscante del saxofonista John Coltrane. Su propia adaptación de Watermelon Man de Herbie Hancock proporcionó el mayor éxito de su carrera en 1963, y es considerado como un artefacto clásico en la escena Lounge Music.
Nació en Cuba, Ramón Santamaría, y su padre lo apodó Mongo (la palabra denota un jefe tribal en Senegal). Comenzó a aprender violín, pero rápidamente cambió a la batería y luego a las congas, y dejó la escuela temprano para trabajar como músico en la activa escena local de La Habana.
Se graduó en el famoso Tropicana Club con bandas como Conjunto Matamoros y Conjunto Azul, y luego se mudó a Nueva York en 1950. Pudo continuar su interés en el jazz americano en su epicentro, mientras ganaba una valiosa exposición tocando con dos de los líderes de bandas latinas más importantes de la ciudad, Pérez Prado y más tarde Tito Puente.
Sus explosivas batallas de percusión se convirtieron en una gran atracción para la banda de Puente, pero en 1958 dejó la banda para trabajar con el vibrafonista de jazz Cal Tjader, quien estaba comenzando a explorar la dirección del jazz latino que hizo su reputación. Pasó algunos años en California en este período, pero regresó a Nueva York en 1962.
Ya estaba grabando discos bajo su propio nombre mientras trabajaba con Tjader, y pronto formó su propia banda en Nueva York. Se encontró con Watermelon Man de Herbie Hancock cuando el pianista se sentó con la banda en un club de música cubana en el Bronx en 1962, e inmediatamente vio las posibilidades.
Su propia versión fue una de las diez mejores entradas en las listas de éxitos del pop estadounidense en 1963, y lanzó al percusionista en una dirección nueva y más comercial, aunque el nivel de sus músicos en general siguió siendo alto, incluyendo a artistas de jazz como Chick Corea, Ray Vega, Sonny Fortune y Hubert Laws.
Siguió la estrategia de añadir un groove latino a las melodías de jazz y pop durante las dos décadas siguientes, y se convirtió en un líder reconocido en el altamente popular movimiento de fusión de alma latina de la época. Se convirtió en uno de los nombres más conocidos de la música latina, y llegó a un amplio público con su enfoque accesible y orientado a la danza.
Aunque nunca tuvo otro éxito de la magnitud de Watermelon Man, sus otros éxitos de la época incluyeron una versión animada de La Bamba en 1964 y otro gran éxito americano con su versión de The Temptations's Cloud Nine en 1969. Recibió varias nominaciones a los Grammy en los años setenta y ochenta, y ganó el premio en 1977 por su álbum Amancer.
A principios de los ochenta regresó a una dirección más influenciada por el jazz. Continuó tocando hasta principios de los años noventa, e hizo más grabaciones incluso después de retirarse de las apariciones en conciertos.
El conguero y director de orquesta de jazz latino Ramón "Mongo" Santamaría, lamentablemente falleció en Miami, Florida, el 1 de febrero de 2003 a la edad de 85 años.
El trabajo de Mongo y su contribución a la evolución de la percusión no sólo en los géneros latinos, sino en la música en general, es uno que continuará inspirando a los músicos en los años venideros.
https://musicians.allaboutjazz.com/mongosantamaria
Discogs ...
martes, 20 de agosto de 2019
Milt Jackson • Milt Jackson Quartet
Review by Richard Mortifoglio
This 1955 date is an intriguing opportunity to hear Milt Jackson accompanied by the MJQ rhythm section, but with hard bopper Horace Silver substituting for John Lewis. Not only that, it's also a chance to hear a hitherto unknown, lushly romantic side of both Jackson and Silver, two blues-oriented players who rarely if ever recorded standards in this sort of style. With its excellent recording quality, it's a perfect album for intimate dinners and other late-night activities. Artie Shaw's exotic "Moonray" is rarely heard in any sort of context, while "My Funny Valentine" and "The Nearness of You" set the mood throughout.
//////////////////////////////////////////////////////////////////////////
Reseña de Richard Mortifoglio
Esta fecha de 1955 es una interesante oportunidad para escuchar a Milt Jackson acompañado de la sección rítmica MJQ, pero con el hard bopper Horace Silver sustituyendo a John Lewis. No sólo eso, sino que también es una oportunidad para escuchar un lado hasta ahora desconocido y exuberantemente romántico tanto de Jackson como de Silver, dos jugadores orientados al blues que rara vez, si es que alguna vez han registrado estándares en este tipo de estilo. Con su excelente calidad de grabación, es un álbum perfecto para cenas íntimas y otras actividades nocturnas. El exótico "Moonray" de Artie Shaw rara vez se escucha en ningún tipo de contexto, mientras que "My Funny Valentine" y "The Nearness of You" marcan la pauta en todo momento.
Discogs ...
Cherry Wainer • Showtime In Your Club
Cherry Wainer nació el 2 de marzo de 1935 en East London, Eastern Cape, Sudáfrica y falleció el 15 de noviembre de 2014 en las Vegas, Nevada. Formó parte de la banda Lord Rockingham's XI y tuvo una carrera en solitario siendo una de las pocas mujeres solistas de Hammond. Cherry formó en los sesenta un dúo con el baterista Don Storer con el que se casó. Los británicos la llamaban en la época “the Female Liberace”, por el apellido del conocido pianista y showman americano. Tras morir su marido en los setenta, dejó la música profesionalmente y cuando la BBC la recordó en 2013, trabajaba, completamente olvidada por todos, en una pequeña tienda de regalos.
Su padre promovía giras de músicos mientras que su madre la llevó de Sudáfrica a Londres para potenciar su carrera como pianista de clásico. A los ocho años, la prodigiosa Cherry ya había dado un concierto de piano con orquesta. Hasta que un día oyó a Jimmy Smith y se enamoró del Hammond. Nadie le enseñó, sino que tuvo que aplicar lo que sabía del piano al órgano. Con cuatro escasas melodías, se fue abriendo camino y empezó a colaborar con el acordeonista Nico Carstens dando vida al primer disco sudafricano de rock and roll, “Flying High”. Wainor se hizo popular en los cincuenta en el programa de la televisión británica, Lunchbox de Noele Gordon. En 1958 sacó su primer single con el tema “Valencia” de José Padilla. Fue entonces cuando conoció al que sería su futuro marido y acompañante rítmico, el baterista Don Storer con el que grabó "Cherry Rock" en 1959.
En 1959 apareció en el programa musical “Oh, Boy!” (1958-1959), producido por Jack Good, una de las primeras series en las que sonó rock and roll de forma habitual. Tocaba en la banda residente del programa llamada Lord Rockingham's XI en la que estuvieron otros músicos de estudio como el director y compositor, Harry Robinson ( n. 1937- d. 1996), el saxofonista Benny Green ( n. 1927 – d. 1998), más otros miembros itinerantes como el mencionado Don Storer (batería), Reg Weller (percusión), Red Price (saxo tenor), Rex Morris (saxo tenor), Cyril Reubens ( saxo baritono), Ronnie Black (contrabajo), Bernie Taylor (guitarra), Eric Ford (guitarra), Kenny Packwood (guitarra) y Ian Frazer (piano). También tuvieron cantantes como Marty Wilde y Cuddly Dudley. Cherry tenía su órgano acolchado en blanco y solía tocar con su caniche estirado en la banqueta.
Lord Rockingham's XI grabaron instrumentales de rock and roll para Decca Records, siendo el primero "Fried Onions" al que siguió "Hoots Mon", una version rockera del tema tradicional escocés "A Hundred Pipers". Tuvieron problemas legales con los descendientes del auténtico Lord Rockingham y tras algún que otro tema más como "Wee Tom" en 1959, ese año acabaron por disolverse aunque en los sesenta se editó algún disco al nombre del grupo. Harry Roberston aka Robinson siguió en el mundo de la televisión y son conocidos sus arreglos de cuerda para canciones de Sandy Denny o para el “River Man" de Nick Drake incluida en su disco “Five Leaves Left”.
Wainer siguió actuando en los sesenta con el baterista Don Storer y en 1967 apareció en el programa alemán “Beat,beat,beat”. Sacó varios Lp’s a su nombre como “Hammond Organ Light And Lively”, y “Rhythmus Im Blut” (1964); o “It’s Hammond Time” (1965). Al morir Storer en 1977, dejó el mundo del espectáculo y cuando la BBC la recordó en 2013, Cherry trabajaba en una pequeña tienda de regalos. Wainer fue una de las pocas solistas de Hammond entre otras grandes como las organistas Shirley Scott (n. 1934 – d. 2002), Marjorie Meinhert (n. 1921 - d. 2009), Ethel Smith (n. 1902 - d. 1996) o más recientemente, Barbara Dennerlein (n. 1964).
Su padre promovía giras de músicos mientras que su madre la llevó de Sudáfrica a Londres para potenciar su carrera como pianista de clásico. A los ocho años, la prodigiosa Cherry ya había dado un concierto de piano con orquesta. Hasta que un día oyó a Jimmy Smith y se enamoró del Hammond. Nadie le enseñó, sino que tuvo que aplicar lo que sabía del piano al órgano. Con cuatro escasas melodías, se fue abriendo camino y empezó a colaborar con el acordeonista Nico Carstens dando vida al primer disco sudafricano de rock and roll, “Flying High”. Wainor se hizo popular en los cincuenta en el programa de la televisión británica, Lunchbox de Noele Gordon. En 1958 sacó su primer single con el tema “Valencia” de José Padilla. Fue entonces cuando conoció al que sería su futuro marido y acompañante rítmico, el baterista Don Storer con el que grabó "Cherry Rock" en 1959.
En 1959 apareció en el programa musical “Oh, Boy!” (1958-1959), producido por Jack Good, una de las primeras series en las que sonó rock and roll de forma habitual. Tocaba en la banda residente del programa llamada Lord Rockingham's XI en la que estuvieron otros músicos de estudio como el director y compositor, Harry Robinson ( n. 1937- d. 1996), el saxofonista Benny Green ( n. 1927 – d. 1998), más otros miembros itinerantes como el mencionado Don Storer (batería), Reg Weller (percusión), Red Price (saxo tenor), Rex Morris (saxo tenor), Cyril Reubens ( saxo baritono), Ronnie Black (contrabajo), Bernie Taylor (guitarra), Eric Ford (guitarra), Kenny Packwood (guitarra) y Ian Frazer (piano). También tuvieron cantantes como Marty Wilde y Cuddly Dudley. Cherry tenía su órgano acolchado en blanco y solía tocar con su caniche estirado en la banqueta.
Lord Rockingham's XI grabaron instrumentales de rock and roll para Decca Records, siendo el primero "Fried Onions" al que siguió "Hoots Mon", una version rockera del tema tradicional escocés "A Hundred Pipers". Tuvieron problemas legales con los descendientes del auténtico Lord Rockingham y tras algún que otro tema más como "Wee Tom" en 1959, ese año acabaron por disolverse aunque en los sesenta se editó algún disco al nombre del grupo. Harry Roberston aka Robinson siguió en el mundo de la televisión y son conocidos sus arreglos de cuerda para canciones de Sandy Denny o para el “River Man" de Nick Drake incluida en su disco “Five Leaves Left”.
Wainer siguió actuando en los sesenta con el baterista Don Storer y en 1967 apareció en el programa alemán “Beat,beat,beat”. Sacó varios Lp’s a su nombre como “Hammond Organ Light And Lively”, y “Rhythmus Im Blut” (1964); o “It’s Hammond Time” (1965). Al morir Storer en 1977, dejó el mundo del espectáculo y cuando la BBC la recordó en 2013, Cherry trabajaba en una pequeña tienda de regalos. Wainer fue una de las pocas solistas de Hammond entre otras grandes como las organistas Shirley Scott (n. 1934 – d. 2002), Marjorie Meinhert (n. 1921 - d. 2009), Ethel Smith (n. 1902 - d. 1996) o más recientemente, Barbara Dennerlein (n. 1964).
////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////
Cherry Wainer (March 2, 1935 – November 14, 2014) was a South African-born musician, best known as a member of Lord Rockingham's XI and a soloist on the Hammond organ.
Wainer was born in East London, Eastern Cape, South Africa. A piano player since childhood, she was later influenced by Jimmy Smith (musician) to learn jazz keyboard. In her first recording she collaborated with accordianist Nico Carstens on an early South African rock and roll 10" titled "Flying High".[citation needed] She first became known to UK television audiences as a regular in the 1950s magazine programme Lunchbox, with Noele Gordon. She subsequently featured as a session musician in Oh, Boy!, one of the first British series to feature rock'n'roll regularly, with Lord Rockingham's XI, a "scratch" band led by Harry Robinson, which also included Benny Green and Red Price. Their single, "Hoots Mon", was number one in the UK charts in 1958.[4] Along with the band, Wainer played in the 1959 Royal Variety Performance, held at the Palace Theatre, Manchester. In 1960 she appeared as herself in the musical "Girls of the Latin Quarter"
Wainer married drummer Don Storer (died 2006), with whom she appeared regularly as a duo during the 1960s. They appeared regularly in a German television series, Beat! Beat! Beat (1967). Wainer released several solo albums and four singles, none of which made the UK charts.[citation needed]
Cherry Wainer died in Las Vegas, Nevada, on November 14, 2014, aged 79.
miércoles, 14 de agosto de 2019
Dan Fogel • Oracle
Album Notes
Jazz organist Dan Fogel, whose stylistic and improvisatioal
skills on the Hammond B-3 have established his reputation as a master musician. An Atlantic City area native, he has been rated as one of the top 5 jazz organists in the world, and has performed with such legendary "Kentucky Avenue Greats" as Jimmy Smith, Don Patterson, Billy James, Pat Martino, Sonny Murray, and Harvey Mason.
In a departure from his usual form, Fogel is playing the acoustic piano. The reflective but powerful piano compositions on this CD, are markedly different in style form Fogel's earlier works. This impromptu recording relies less on Fogel's traditional jazz and be-bop backround and more on his strong classical roots. From the Latin-flavored,Ravelesque "Gypsy" to the meditative, graceful title track, 'Oracle', this CD showcases the work of an intriguing musician exhibiting a very personal but
powerfully introspective side of himself.
Dan's versatility and originality takes you (the listener)
on an impromtu and improvisational journey you will never forget.
Artist Biography by Steve Leggett
Jazz organist Dan Fogel, whose stylistic and improvisatioal
skills on the Hammond B-3 have established his reputation as a master musician. An Atlantic City area native, he has been rated as one of the top 5 jazz organists in the world, and has performed with such legendary "Kentucky Avenue Greats" as Jimmy Smith, Don Patterson, Billy James, Pat Martino, Sonny Murray, and Harvey Mason.
In a departure from his usual form, Fogel is playing the acoustic piano. The reflective but powerful piano compositions on this CD, are markedly different in style form Fogel's earlier works. This impromptu recording relies less on Fogel's traditional jazz and be-bop backround and more on his strong classical roots. From the Latin-flavored,Ravelesque "Gypsy" to the meditative, graceful title track, 'Oracle', this CD showcases the work of an intriguing musician exhibiting a very personal but
powerfully introspective side of himself.
Dan's versatility and originality takes you (the listener)
on an impromtu and improvisational journey you will never forget.
Artist Biography by Steve Leggett
Solidly in the line of the great Hammond B-3 jazz players like Jimmy Smith, Groove Holmes, Jimmy McGriff, and Wild Bill Davis who emerged in the 1950s, Dan Fogel caught the B-3 bug early. Born June 21, 1948, in Atlantic City, NJ, Fogel could lay claim to being Jackie Gleason's second cousin and his aunt, Helen Forrest, was a big-band singer who worked with Benny Goodman, Harry James, and Artie Shaw, among others. Fogel found an opportune job shining shoes in front of the legendary Club Harlem when he was only seven years old, and he couldn't help but soak up the music -- mostly jazz -- that the club featured. After hearing Groove Holmes' B-3 version of "Misty," Fogel was hooked. He started piano lessons at the age of ten, but it was the organ that called to him, and he purchased, with his parents' help and a whole lot of shoeshine money, his first B-3 organ when he was 11. Two years later he made his debut on the organ at the Wonder Gardens in Atlantic City, and was soon gigging regularly in the area as a teenager. He has continued to use the Atlantic City area as a home base throughout his career. Over the years Fogel has worked with such jazz notables as Pat Martino, Odean Pope, Billy James, Eddie McFadden, Sunny Murray, and Cecil Payne, and has released six albums on his own Laughing Waters imprint: Movement de la Mer (1983), Naked Flowers (1986), Something Like That (1996), Oracle (2001), Soul Eyes (2004), and 15 West (2006).
////////////////////////////////////////////////////////////////////
Notas del álbum
El organista de jazz Dan Fogel, cuyo estilo e improvisación
en el Hammond B-3 han establecido su reputación como un músico maestro. Un nativo de Atlantic City, ha sido clasificado como uno de los 5 mejores organistas de jazz en el mundo, y ha tocado con los legendarios "Kentucky Avenue Greats" como Jimmy Smith, Don Patterson, Billy James, Pat Martino, Sonny Murray, y Harvey Mason.
A diferencia de su forma habitual, Fogel toca el piano acústico. Las reflexivas pero poderosas composiciones para piano de este CD, son marcadamente diferentes en estilo a las obras anteriores de Fogel. Esta grabación improvisada se basa menos en el jazz tradicional de Fogel y en el fondo del be-bop y más en sus fuertes raíces clásicas. Desde el Ravelesco "Gitano" con sabor latino hasta el meditativo y elegante tema del título,'Oráculo', este CD muestra el trabajo de un músico intrigante que exhibe una obra muy personal, pero que a la vez es una obra de gran calidad.
lado poderosamente introspectivo de sí mismo.
La versatilidad y originalidad de Dan te lleva a ti (el oyente) en un viaje impromtu e improvisado que nunca olvidarás.
Biografía del artista por Steve Leggett
El organista de jazz Dan Fogel, cuyo estilo e improvisación
en el Hammond B-3 han establecido su reputación como un músico maestro. Un nativo de Atlantic City, ha sido clasificado como uno de los 5 mejores organistas de jazz en el mundo, y ha tocado con los legendarios "Kentucky Avenue Greats" como Jimmy Smith, Don Patterson, Billy James, Pat Martino, Sonny Murray, y Harvey Mason.
A diferencia de su forma habitual, Fogel toca el piano acústico. Las reflexivas pero poderosas composiciones para piano de este CD, son marcadamente diferentes en estilo a las obras anteriores de Fogel. Esta grabación improvisada se basa menos en el jazz tradicional de Fogel y en el fondo del be-bop y más en sus fuertes raíces clásicas. Desde el Ravelesco "Gitano" con sabor latino hasta el meditativo y elegante tema del título,'Oráculo', este CD muestra el trabajo de un músico intrigante que exhibe una obra muy personal, pero que a la vez es una obra de gran calidad.
lado poderosamente introspectivo de sí mismo.
La versatilidad y originalidad de Dan te lleva a ti (el oyente) en un viaje impromtu e improvisado que nunca olvidarás.
Biografía del artista por Steve Leggett
Sólidamente en la línea de los grandes músicos de jazz Hammond B-3 como Jimmy Smith, Groove Holmes, Jimmy McGriff y Wild Bill Davis, que surgieron en la década de 1950, Dan Fogel detectó el bicho B-3 a tiempo. Nacido el 21 de junio de 1948 en Atlantic City, NJ, Fogel podía reivindicar ser el primo segundo de Jackie Gleason y su tía, Helen Forrest, era una cantante de banda grande que trabajó con Benny Goodman, Harry James y Artie Shaw, entre otros. Fogel encontró un trabajo oportuno lustrando zapatos frente al legendario Club Harlem cuando sólo tenía siete años de edad, y no pudo evitar absorber la música, principalmente jazz, que el club presentaba. Después de escuchar la versión B-3 de "Misty" de Groove Holmes, Fogel quedó enganchado. Comenzó a recibir clases de piano a la edad de diez años, pero fue el órgano que le llamó, y compró, con la ayuda de sus padres y mucho dinero para lustrar zapatos, su primer órgano B-3 cuando tenía 11 años. Dos años más tarde hizo su debut en el órgano de los Wonder Gardens en Atlantic City, y pronto estuvo tocando regularmente en la zona cuando era adolescente. Ha continuado utilizando el área de Atlantic City como base de operaciones a lo largo de su carrera. A lo largo de los años, Fogel ha trabajado con notables del jazz como Pat Martino, Odean Pope, Billy James, Eddie McFadden, Sunny Murray y Cecil Payne, y ha publicado seis álbumes en su propio sello Laughing Waters: Movement de la Mer (1983), Naked Flowers (1986), Something Like That (1996), Oracle (2001), Soul Eyes (2004) y 15 West (2006).
Amazon ...
miércoles, 7 de agosto de 2019
Larry Goldings & Bob Ward • Vоdoo Dogs
By GLENN ASTARITA
June 1, 2000
Larry Goldings & Bob Ward: Voodoo Dogs
Voodoo Dogs is the brainchild of keyboardist Larry Goldings, and established session guitarist, multi-instrumentalist Bob Ward as vibraphonist Joe Locke, saxophonist Tim Ries, drummer Billy Drummond and others lend their distinguished talents to this upbeat affair. And while some might be a bit aghast with this overtly ' radio friendly track mix consisting of 4-5 minute tunes that skirt the edges of jazz/funk, ambient-dub and trance groove genres, the band effectively and quite artfully conveys a party-hearty and altogether vivacious atmosphere. Not a bad thing mind you, however fans of Larry Goldings' might wonder if he has succumbed to commercialism or is just broadening his horizons here.....
Pieces such as 'Keep A Thing Happening' and 'People Unite' are brimming with trance groove rhythms, - voodoo samples ' (Indian Diva vocals, mystical flutes), cool, breezy guitar work by Ward and tasty piano/synth work by Goldings. Throughout, the band melds ' Bill Laswell-style ambient dub beats with subtle EFX and funk/jazz rhythms yet many of these pieces boast affable melodies and catchy hooks upheld by a sharp production and clever arrangements. Vibraphonist Joe Locke executes some soul drenched lines along with saxophonist Tim Ries on the electro-acoustic jazz funk number titled, 'You Dig' as Ward handles the keys, bass, guitars and samples. In some areas, the overall presentation might spark memories of Herbie Hancock's original 'Headhunters' yet the overall mix bespeaks a contemporary vibe. Needless to state these folks were having a blast during the process and it shows!
While not a glowing artistic achievement, Voodoo Dogs is a balanced set performed with tenacity and wit as Larry Goldings adds another well-versed chapter to his blossoming repertoire. And along with Bob Ward's studio savvy and multifaceted musical skills, this rather polished yet relatively ' happening ' set, should (in the proverbial sense) cast a spell over you or at the very least ' liven your spirits as blushing innocence counters forthright genre hopping!
https://www.allaboutjazz.com/voodoo-dogs-larry-goldings-palmetto-records-review-by-glenn-astarita.php
/////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////
Por GLENN ASTARITA
1 de junio de 2000
Larry Goldings y Bob Ward: Perros vudú
Voodoo Dogs es la creación del tecladista Larry Goldings, y el guitarrista de sesión establecido, el multi-instrumentista Bob Ward como el vibrafonista Joe Locke, el saxofonista Tim Ries, el baterista Billy Drummond y otros prestan sus distinguidos talentos a este alegre asunto. Y mientras algunos pueden estar un poco horrorizados con esta mezcla de temas abiertamente amigables con la radio que consiste en melodías de 4-5 minutos que bordean los bordes de los géneros de jazz/funk, ambient-dub y trance groove, la banda transmite efectiva y artísticamente una atmósfera festiva y totalmente vivaz. No es algo malo, pero los fans de Larry Goldings se preguntarán si ha sucumbido al comercialismo o si está ampliando sus horizontes aquí......
Piezas como'Keep A Thing Happening' y'People Unite' están repletas de ritmos de trance, - muestras de vudú (voces de la Diva india, flautas místicas), trabajos de guitarra frescos y frescos de Ward y sabrosos trabajos de piano y sintetizadores de Goldings. A lo largo de la banda se mezclan los ritmos ambient dub al estilo de Bill Laswell con sutiles ritmos EFX y funk/jazz, aunque muchas de estas piezas cuentan con melodías afables y ganchos pegadizos sostenidos por una producción nítida y arreglos ingeniosos. El vibrafonista Joe Locke ejecuta algunas líneas empapadas de soul junto con el saxofonista Tim Ries en el número de jazz funk electroacústico titulado,'You Dig' mientras Ward maneja las llaves, el bajo, las guitarras y las muestras. En algunas áreas, la presentación general podría provocar recuerdos de los'Headhunters' originales de Herbie Hancock, sin embargo, la mezcla general habla de una vibración contemporánea. No hace falta decir que esta gente se estaba divirtiendo mucho durante el proceso y se nota!
Aunque no es un logro artístico brillante, Voodoo Dogs es un conjunto equilibrado interpretado con tenacidad e ingenio, ya que Larry Goldings añade otro capítulo bien versado a su floreciente repertorio. Y junto con las habilidades musicales de Bob Ward de estudio inteligente y multifacético, este más bien pulido pero relativamente ''sucediendo'', debería (en el sentido proverbial) lanzar un hechizo sobre ti o al menos ' animar tus espíritus mientras la inocencia ruborizada contesta el saltito de género directo!
https://www.allaboutjazz.com/voodoo-dogs-larry-goldings-palmetto-records-review-by-glenn-astarita.php
Discogs ...
domingo, 21 de julio de 2019
The Ventures • Theme From Shaft
Artist Biography by John Bush
Not the first but definitely the most popular rock instrumental combo, the Ventures scored several hit singles during the 1960s -- most notably "Walk-Don't Run" and "Hawaii Five-O" -- but made their name in the growing album market, covering hits of the day and organizing thematically linked LPs. Almost 40 Ventures' albums charted, and 17 hit the Top 40. And though the group's popularity in America virtually disappeared by the 1970s, their enormous contribution to pop culture was far from over; the Ventures soon became one of the most popular world-wide groups, with dozens of albums recorded especially for the Japanese and European markets. They toured continually throughout the 1970s and '80s -- influencing Japanese pop music of the time more than they had American music during the '60s.
The Ventures' origins lie in a Tacoma, Washington group called the Impacts. Around 1959, construction workers and hobby guitarists Bob Bogle and Don Wilson formed the group, gigging around Washington state and Idaho with various rhythm sections as backup. They recorded a demo tape, but after it was rejected by the Liberty Records subsidiary Dolton, the duo founded their own label, Blue Horizon. They released one vocal single ("Cookies and Coke"), then recruited bassist Nokie Edwards and drummer Skip Moore and decided to instead become an instrumental group.
The Ventures went into the studio in 1959 with an idea for a new single they had first heard on Chet Atkins' Hi Fi in Focus LP. Released on Blue Horizon in 1960, the single "Walk-Don't Run" became a big local hit after being aired as a news lead-in on a Seattle radio station (thanks to a friend with connections). In an ironic twist, Dolton Records came calling and licensed the single for national distribution; by summer 1960, it had risen to number two in the charts, behind only "It's Now or Never" by Elvis Presley. After Howie Johnson replaced Moore on drums, the Ventures began recording their debut album, unsurprisingly titled after their hit single.
Two singles, "Perfidia" and "Ram-Bunk-Shush," hit the Top 40 during 1960-61, but the Ventures soon began capitalizing on what became a trademark: releasing LPs which featured songs very loosely arranged around a theme implied in the title. The group's fourth LP, The Colorful Ventures, included "Yellow Jacket," "Red Top," "Orange Fire" and no less than three tracks featuring the word "blue" in the title. The Ventures put their indelible stamp on each style of '60s music they covered, and they covered many -- twist, country, pop, spy music, psychedelic, swamp, garage, TV themes. (In the '70s, the band moved on to funk, disco, reggae, soft rock and Latin music.) The Ventures' lineup changed slightly during 1962. Howie Johnson left the band, to be replaced by session man Mel Taylor; also, Nokie Edwards took over lead guitar with Bob Bogle switching to bass.
One of the few LPs not arranged around a theme became their best-selling; 1963's The Ventures Play Telstar, The Lonely Bull featured a cover of the number one instrumental hit by the British studio band the Tornadoes and produced by Joe Meek. Though their cover of "Telstar" didn't even chart, the album hit the Top Ten and became the group's first of three gold records. A re-write of their signature song -- entitled "Walk-Don't Run '64" -- reached number eight that year. By the mid-'60s however, the Ventures appeared to be losing their touch. Considering the volatility of popular music during the time, it was quite forgivable that the group would lose their heads-up knowledge of current trends in the music industry to forecast which songs should be covered. The television theme "Hawaii Five-O" hit number four in 1969, but the Ventures slipped off the American charts for good in 1972. Instead, the band began looking abroad for attention and -- in Japan especially -- they found it with gusto. After leaving Dolton/Liberty and founding their own Tridex Records label, the Ventures began recording albums specifically for the Japanese market. The group eventually sold over 40 million records in that country alone, becoming one of the biggest American influences on Japanese pop music ever.
Nokie Edwards left the Ventures in 1968 to pursue his interest in horse racing for a time, and was replaced by Gerry McGee; though he returned by 1972, Mel Taylor left the group that year for a solo career, to be replaced by Joe Barile. (Taylor also returned, in 1979.) By the early '80s, the Ventures' core quartet of Wilson, Bogle, Edwards, and Taylor could boast of playing together for over 20 years. Edwards left the band for good in 1984 (replaced again by Gerry McGee), and the following decades were marked by the deaths of several of the group's earliest members -- Mel Taylor died midway through a Japanese tour in 1996 (replaced by his son Leon), co-founder Bob Bogle died in 2009, and Nokie Edwards himself died in 2018 -- yet latter-day incarnations of the Ventures continued to pack venues around the world.
///////////////////////////////////////////////////////////////////////////////
Biografía del artista por John Bush
No es el primer pero definitivamente el combo instrumental de rock más popular, los Ventures marcaron varios éxitos durante los años 60 -- más notablemente "Walk-Don't Run" y "Hawaii Five-O" -- pero se hicieron un nombre en el creciente mercado de álbumes, cubriendo los éxitos del día y organizando LPs temáticamente ligados. Casi 40 álbumes de Ventures registrados, y 17 llegaron al Top 40. Y aunque la popularidad del grupo en Estados Unidos prácticamente desapareció en la década de 1970, su enorme contribución a la cultura pop estaba lejos de haber terminado; los Ventures pronto se convirtieron en uno de los grupos más populares del mundo, con docenas de álbumes grabados especialmente para los mercados japonés y europeo. Hicieron giras continuas a lo largo de los años setenta y ochenta, influyendo en la música pop japonesa de la época más de lo que habían hecho con la música americana durante los años sesenta.
Los orígenes de los Ventures se encuentran en un grupo de Tacoma, Washington llamado los Impactos. Alrededor de 1959, los obreros de la construcción y los guitarristas aficionados Bob Bogle y Don Wilson formaron el grupo, tocando en el estado de Washington e Idaho con varias secciones rítmicas como apoyo. Grabaron una cinta de demostración, pero después de ser rechazada por la filial Dolton de Liberty Records, el dúo fundó su propio sello, Blue Horizon. Ellos lanzaron un sencillo vocal ("Cookies and Coke"), luego reclutaron al bajista Nokie Edwards y al baterista Skip Moore y decidieron convertirse en un grupo instrumental.
Los Ventures entraron en el estudio en 1959 con la idea de un nuevo single que habían escuchado por primera vez en el LP Hi Fi in Focus de Chet Atkins. Publicado en Blue Horizon en 1960, el sencillo "Walk-Don't Run" se convirtió en un gran éxito local después de haber sido transmitido como noticia en una estación de radio de Seattle (gracias a un amigo con conexiones). En un giro irónico, Dolton Records llegó llamando y licenciando el sencillo para su distribución nacional; para el verano de 1960, ya era el número dos en las listas de éxitos, detrás de sólo "It's Now or Never" de Elvis Presley. Después de que Howie Johnson reemplazara a Moore en la batería, los Ventures comenzaron a grabar su álbum debut, que no es de extrañar, titulado después de su exitoso sencillo.
Dos sencillos, "Perfidia" y "Ram-Bunk-Shush", llegaron al Top 40 durante 1960-61, pero los Ventures pronto empezaron a sacar provecho de lo que se convirtió en una marca registrada: el lanzamiento de LPs que contenían canciones muy poco estructuradas en torno a un tema implícito en el título. El cuarto LP del grupo, The Colorful Ventures, incluía "Yellow Jacket", "Red Top", "Orange Fire" y nada menos que tres temas con la palabra "blue" en el título. Los Ventures pusieron su sello indeleble en cada estilo de la música de los'60 que cubrieron, y cubrieron muchos: twist, country, pop, música de espías, psicodélica, pantano, garaje, temas de televisión. (En los años 70, la banda pasó al funk, la discoteca, el reggae, el soft rock y la música latina.) La alineación de los Ventures cambió ligeramente durante 1962. Howie Johnson dejó la banda, para ser reemplazado por el hombre de sesión Mel Taylor; también, Nokie Edwards se hizo cargo de la guitarra principal con Bob Bogle cambiando al bajo.
Uno de los pocos LPs no arreglados en torno a un tema se convirtió en su best-seller; The Ventures Play Telstar, The Lonely Bull, de 1963, incluía una portada del éxito instrumental número uno de la banda de estudio británica Tornadoes y producida por Joe Meek. Aunque su portada de "Telstar" ni siquiera figuraba en la lista de éxitos, el álbum llegó al Top Ten y se convirtió en el primero de los tres discos de oro del grupo. Una reescritura de su canción principal, titulada "Walk-Don't Run '64", llegó al número ocho ese año. Sin embargo, a mediados de los años 60, los Ventures parecían estar perdiendo su toque. Considerando la volatilidad de la música popular durante ese tiempo, era bastante perdonable que el grupo perdiera su conocimiento de las tendencias actuales en la industria de la música para pronosticar qué canciones deberían ser cubiertas. El tema televisivo "Hawaii Five-O" llegó al número cuatro en 1969, pero los Ventures se salieron definitivamente de las listas de éxitos estadounidenses en 1972. En cambio, la banda comenzó a buscar atención en el extranjero y, especialmente en Japón, la encontraron con gusto. Después de dejar Dolton/Liberty y fundar su propio sello Tridex Records, los Ventures comenzaron a grabar álbumes específicamente para el mercado japonés. El grupo finalmente vendió más de 40 millones de discos sólo en ese país, convirtiéndose en una de las mayores influencias estadounidenses en la música pop japonesa de todos los tiempos.
Nokie Edwards dejó los Ventures en 1968 para dedicarse a las carreras de caballos por un tiempo, y fue reemplazado por Gerry McGee; aunque regresó en 1972, Mel Taylor dejó el grupo ese año para una carrera en solitario, para ser reemplazado por Joe Barile. (Taylor también regresó, en 1979.) A principios de los'80, el cuarteto principal de los Ventures, formado por Wilson, Bogle, Edwards y Taylor, podía presumir de haber tocado juntos durante más de 20 años. Edwards dejó la banda para siempre en 1984 (reemplazado de nuevo por Gerry McGee), y las décadas siguientes estuvieron marcadas por la muerte de varios de los primeros miembros del grupo - Mel Taylor murió a mitad de una gira japonesa en 1996 (reemplazado por su hijo Leon), el co-fundador Bob Bogle murió en 2009, y el propio Nokie Edwards murió en 2018 - sin embargo, las encarnaciones más recientes de los Ventures continuaron llenando las salas de conciertos en todo el mundo.
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator
Discogs ...
sábado, 13 de julio de 2019
Fuzz Busters • Retro-Sonic Music for the Moderns
From the producer of The Spies Who Surf, The Insiders, Material Issue, and Ministry, comes The Fuzz-Busters. Retro-Sonic Music for the Moderns was recorded at Jay's home ADT project studio, on a houseboat in Starved Rock, at Acme studios with Mike Zalenko (Material Issue) sitting in on drums, and "live" at the Boulevard Cafe in Chicago were the band has been playing every Tuesday night, turning the scene into a who's who of Chicago music.
It's all in the title, 'Retro - Sonic Music for the Moderns', instrumental surf, garage, phychedelic rock by Chicago's finest backing & sidemen. Think Austin Powers meets James Bond, The Ventures and Booker T. & The MG's.
It's all in the title, 'Retro - Sonic Music for the Moderns', instrumental surf, garage, phychedelic rock by Chicago's finest backing & sidemen. Think Austin Powers meets James Bond, The Ventures and Booker T. & The MG's.
///////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////
Del productor de The Spies Who Surf, The Insiders, Material Issue, and Ministry, viene The Fuzz-Busters. Retro-Sonic Music for the Moderns fue grabado en el estudio del proyecto ADT de Jay, en una casa flotante en Starved Rock, en los estudios Acme con Mike Zalenko (Material Issue) sentado en la batería, y "en vivo" en el Boulevard Cafe de Chicago, donde la banda ha estado tocando todos los martes por la noche, convirtiendo la escena en un who's who's who of Chicago music.
Está todo en el título,'Retro - Sonic Music for the Moderns', instrumental surf, garage, phychedelic rock de los mejores backing & sidemen de Chicago. Think Austin Powers conoce a James Bond, The Ventures y Booker T. & The MG's.
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator
Está todo en el título,'Retro - Sonic Music for the Moderns', instrumental surf, garage, phychedelic rock de los mejores backing & sidemen de Chicago. Think Austin Powers conoce a James Bond, The Ventures y Booker T. & The MG's.
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator
Amazon ...
domingo, 23 de junio de 2019
The Ventures • Joy - The Ventures Play The Classics
AllMusic Review by Bruce Eder
The Ventures go classical -- well, sort of -- really more pop or, if you will, pop-sical. Their cover of Apollo 100's hit "Joy (Jesu, Joy of Man's Desiring)" isn't as attractive as the original, though it is played with greater intensity. The rest varies from vaguely ELO-ish covers of Beethoven to guitar- and bass-heavy renditions of Mozart, Ravel, Prokofiev, and Tchaikovsky, as well as pop standards like "In a Persian Market." The original LP was packaged like a legitimate classical compilation release of the period, and nothing here would do violence to that image except the fervor (especially what creeps through on the drumming) with which anything is played. "Swan Lake" starts out sounding very much like an ELO experiment, and "Bach's Prelude" pumps up the wattage even higher on the tune that became the basis for the Toys' "A Lover's Concerto," which is what most listeners of this record will think of rather than Bach -- again, the light orchestration accompanying the band will evoke images of ELO from around this period. Nothing here is overly reverent, and even less revelatory, but it is all fun, which was probably the point in the first place.
Artist Biography by John Bush
Not the first but definitely the most popular rock instrumental combo, the Ventures scored several hit singles during the 1960s -- most notably "Walk-Don't Run" and "Hawaii Five-O" -- but made their name in the growing album market, covering hits of the day and organizing thematically linked LPs. Almost 40 Ventures' albums charted, and 17 hit the Top 40. And though the group's popularity in America virtually disappeared by the 1970s, their enormous contribution to pop culture was far from over; the Ventures soon became one of the most popular world-wide groups, with dozens of albums recorded especially for the Japanese and European markets. They toured continually throughout the 1970s and '80s -- influencing Japanese pop music of the time more than they had American music during the '60s.
The Ventures' origins lie in a Tacoma, Washington group called the Impacts. Around 1959, construction workers and hobby guitarists Bob Bogle and Don Wilson formed the group, gigging around Washington state and Idaho with various rhythm sections as backup. They recorded a demo tape, but after it was rejected by the Liberty Records subsidiary Dolton, the duo founded their own label, Blue Horizon. They released one vocal single ("Cookies and Coke"), then recruited bassist Nokie Edwards and drummer Skip Moore and decided to instead become an instrumental group.
The Ventures went into the studio in 1959 with an idea for a new single they had first heard on Chet Atkins' Hi Fi in Focus LP. Released on Blue Horizon in 1960, the single "Walk-Don't Run" became a big local hit after being aired as a news lead-in on a Seattle radio station (thanks to a friend with connections). In an ironic twist, Dolton Records came calling and licensed the single for national distribution; by summer 1960, it had risen to number two in the charts, behind only "It's Now or Never" by Elvis Presley. After Howie Johnson replaced Moore on drums, the Ventures began recording their debut album, unsurprisingly titled after their hit single.
Two singles, "Perfidia" and "Ram-Bunk-Shush," hit the Top 40 during 1960-61, but the Ventures soon began capitalizing on what became a trademark: releasing LPs which featured songs very loosely arranged around a theme implied in the title. The group's fourth LP, The Colorful Ventures, included "Yellow Jacket," "Red Top," "Orange Fire" and no less than three tracks featuring the word "blue" in the title. The Ventures put their indelible stamp on each style of '60s music they covered, and they covered many -- twist, country, pop, spy music, psychedelic, swamp, garage, TV themes. (In the '70s, the band moved on to funk, disco, reggae, soft rock and Latin music.) The Ventures' lineup changed slightly during 1962. Howie Johnson left the band, to be replaced by session man Mel Taylor; also, Nokie Edwards took over lead guitar with Bob Bogle switching to bass.
One of the few LPs not arranged around a theme became their best-selling; 1963's The Ventures Play Telstar, The Lonely Bull featured a cover of the number one instrumental hit by the British studio band the Tornadoes and produced by Joe Meek. Though their cover of "Telstar" didn't even chart, the album hit the Top Ten and became the group's first of three gold records. A re-write of their signature song -- entitled "Walk-Don't Run '64" -- reached number eight that year. By the mid-'60s however, the Ventures appeared to be losing their touch. Considering the volatility of popular music during the time, it was quite forgivable that the group would lose their heads-up knowledge of current trends in the music industry to forecast which songs should be covered. The television theme "Hawaii Five-O" hit number four in 1969, but the Ventures slipped off the American charts for good in 1972. Instead, the band began looking abroad for attention and -- in Japan especially -- they found it with gusto. After leaving Dolton/Liberty and founding their own Tridex Records label, the Ventures began recording albums specifically for the Japanese market. The group eventually sold over 40 million records in that country alone, becoming one of the biggest American influences on Japanese pop music ever.
Nokie Edwards left the Ventures in 1968 to pursue his interest in horse racing for a time, and was replaced by Gerry McGee; though he returned by 1972, Mel Taylor left the group that year for a solo career, to be replaced by Joe Barile. (Taylor also returned, in 1979.) By the early '80s, the Ventures' core quartet of Wilson, Bogle, Edwards, and Taylor could boast of playing together for over 20 years. Edwards left the band for good in 1984 (replaced again by Gerry McGee), and the following decades were marked by the deaths of several of the group's earliest members -- Mel Taylor died midway through a Japanese tour in 1996 (replaced by his son Leon), co-founder Bob Bogle died in 2009, and Nokie Edwards himself died in 2018 -- yet latter-day incarnations of the Ventures continued to pack venues around the world.
/////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////
Reseña de AllMusic por Bruce Eder
The Ventures son clásicos -- bueno, más o menos -- realmente más pop o, si se quiere, pop-sical. Su versión del éxito de Apolo 100 "Joy (Jesu, Joy of Man's Desiring)" no es tan atractiva como la original, aunque se toca con mayor intensidad. El resto varía desde versiones de Beethoven vagamente ELO-ish hasta interpretaciones de Mozart, Ravel, Prokofiev y Tchaikovsky, así como estándares pop como "In a Persian Market". El LP original estaba empaquetado como una compilación clásica legítima de la época, y nada aquí haría violencia a esa imagen excepto el fervor (especialmente lo que se arrastra a través de la batería) con el que se toca cualquier cosa. El "Lago de los Cisnes" comienza sonando como un experimento de ELO, y el "Preludio de Bach" eleva el vataje aún más en la melodía que se convirtió en la base del "Concierto de un Amante" de Toys, que es lo que la mayoría de los oyentes de este disco pensarán en lugar de Bach - una vez más, la orquestación de luz que acompaña a la banda evocará imágenes de ELO de ese período. Nada aquí es demasiado reverente, y menos aún revelador, pero todo es divertido, lo cual fue probablemente el punto en primer lugar.
Biografía del artista por John Bush
No es el primer pero definitivamente el combo instrumental de rock más popular, los Ventures marcaron varios éxitos durante los años 60 -- más notablemente "Walk-Don't Run" y "Hawaii Five-O" -- pero se hicieron un nombre en el creciente mercado de álbumes, cubriendo los éxitos del día y organizando LPs temáticamente ligados. Casi 40 álbumes de Ventures registrados, y 17 llegaron al Top 40. Y aunque la popularidad del grupo en Estados Unidos prácticamente desapareció en la década de 1970, su enorme contribución a la cultura pop estaba lejos de haber terminado; los Ventures pronto se convirtieron en uno de los grupos más populares del mundo, con docenas de álbumes grabados especialmente para los mercados japonés y europeo. Hicieron giras continuas a lo largo de los años setenta y ochenta, influyendo en la música pop japonesa de la época más de lo que habían hecho con la música americana durante los años sesenta.
Los orígenes de los Ventures se encuentran en un grupo de Tacoma, Washington llamado los Impactos. Alrededor de 1959, los obreros de la construcción y los guitarristas aficionados Bob Bogle y Don Wilson formaron el grupo, tocando en el estado de Washington e Idaho con varias secciones rítmicas como apoyo. Grabaron una cinta de demostración, pero después de ser rechazada por la filial Dolton de Liberty Records, el dúo fundó su propio sello, Blue Horizon. Ellos lanzaron un sencillo vocal ("Cookies and Coke"), luego reclutaron al bajista Nokie Edwards y al baterista Skip Moore y decidieron convertirse en un grupo instrumental.
Los Ventures entraron en el estudio en 1959 con la idea de un nuevo single que habían escuchado por primera vez en el LP Hi Fi in Focus de Chet Atkins. Publicado en Blue Horizon en 1960, el sencillo "Walk-Don't Run" se convirtió en un gran éxito local después de haber sido transmitido como noticia en una estación de radio de Seattle (gracias a un amigo con conexiones). En un giro irónico, Dolton Records llegó llamando y licenciando el sencillo para su distribución nacional; para el verano de 1960, ya era el número dos en las listas de éxitos, detrás de sólo "It's Now or Never" de Elvis Presley. Después de que Howie Johnson reemplazara a Moore en la batería, los Ventures comenzaron a grabar su álbum debut, que no es de extrañar, titulado después de su exitoso sencillo.
Dos sencillos, "Perfidia" y "Ram-Bunk-Shush", llegaron al Top 40 durante 1960-61, pero los Ventures pronto empezaron a sacar provecho de lo que se convirtió en una marca registrada: el lanzamiento de LPs que contenían canciones muy poco estructuradas en torno a un tema implícito en el título. El cuarto LP del grupo, The Colorful Ventures, incluía "Yellow Jacket", "Red Top", "Orange Fire" y nada menos que tres temas con la palabra "blue" en el título. Los Ventures pusieron su sello indeleble en cada estilo de la música de los'60 que cubrieron, y cubrieron muchos: twist, country, pop, música de espías, psicodélica, pantano, garaje, temas de televisión. (En los años 70, la banda pasó al funk, la discoteca, el reggae, el soft rock y la música latina.) La alineación de los Ventures cambió ligeramente durante 1962. Howie Johnson dejó la banda, para ser reemplazado por el hombre de sesión Mel Taylor; también, Nokie Edwards se hizo cargo de la guitarra principal con Bob Bogle cambiando al bajo.
Uno de los pocos LPs no arreglados en torno a un tema se convirtió en su best-seller; The Ventures Play Telstar, The Lonely Bull, de 1963, incluía una portada del éxito instrumental número uno de la banda de estudio británica Tornadoes y producida por Joe Meek. Aunque su portada de "Telstar" ni siquiera figuraba en la lista de éxitos, el álbum llegó al Top Ten y se convirtió en el primero de los tres discos de oro del grupo. Una reescritura de su canción principal, titulada "Walk-Don't Run '64", llegó al número ocho ese año. Sin embargo, a mediados de los años 60, los Ventures parecían estar perdiendo su toque. Considerando la volatilidad de la música popular durante ese tiempo, era bastante perdonable que el grupo perdiera su conocimiento de las tendencias actuales en la industria de la música para pronosticar qué canciones deberían ser cubiertas. El tema televisivo "Hawaii Five-O" llegó al número cuatro en 1969, pero los Ventures se salieron definitivamente de las listas de éxitos estadounidenses en 1972. En cambio, la banda comenzó a buscar atención en el extranjero y, especialmente en Japón, la encontraron con gusto. Después de dejar Dolton/Liberty y fundar su propio sello Tridex Records, los Ventures comenzaron a grabar álbumes específicamente para el mercado japonés. El grupo finalmente vendió más de 40 millones de discos sólo en ese país, convirtiéndose en una de las mayores influencias estadounidenses en la música pop japonesa de todos los tiempos.
Nokie Edwards dejó los Ventures en 1968 para dedicarse a las carreras de caballos por un tiempo, y fue reemplazado por Gerry McGee; aunque regresó en 1972, Mel Taylor dejó el grupo ese año para una carrera en solitario, para ser reemplazado por Joe Barile. (Taylor también regresó, en 1979.) A principios de los'80, el cuarteto principal de los Ventures, formado por Wilson, Bogle, Edwards y Taylor, podía presumir de haber tocado juntos durante más de 20 años. Edwards dejó la banda para siempre en 1984 (reemplazado de nuevo por Gerry McGee), y las décadas siguientes estuvieron marcadas por la muerte de varios de los primeros miembros del grupo - Mel Taylor murió a mitad de una gira japonesa en 1996 (reemplazado por su hijo Leon), el co-fundador Bob Bogle murió en 2009, y el propio Nokie Edwards murió en 2018 - sin embargo, las encarnaciones más recientes de los Ventures continuaron llenando las salas de conciertos en todo el mundo.
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator
https://www.allmusic.com/artist/the-ventures-mn0000921965/biographyAmazon ...
lunes, 10 de junio de 2019
Mongo Santamaria • All Strung Out
AllMusic Review by Jason Ankeny
Like most of Mongo Santamaria's Columbia efforts, All Strung Out consists largely of blistering Latin soul renditions of contemporary pop hits -- the formula may frustrate listeners yearning for a return to the traditional charanga sensibilities that defined the percussionist's early dates for Fantasy, but there's no denying the sheer energy and infectiousness of this music. As always, Santamaria approaches familiar pop texts like "Day Tripper" and "Ain't Too Proud to Beg" with deep respect and understanding, creating soulful, righteous rhythms that snake in and out of the original melodies with brilliant precision.
Arranger Marty Sheller is in top form here as well, complementing Santamaria's relentless conga drumming with soaring horns and scorching piano -- the album's centerpiece, "Do Your Thing," may signify the apex of their collaboration, capturing Latin soul at its most transcendentally funky.
//////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////
Reseña de AllMusic por Jason Ankeny
Como la mayoría de los esfuerzos de Mongo Santamaría en Colombia, All Strung Out consiste en gran medida en una ampulosa interpretación del alma latina de éxitos pop contemporáneos -- la fórmula puede frustrar a los oyentes que anhelan un retorno a las sensibilidades tradicionales de la charanga que definieron las primeras fechas del percusionista para Fantasía, pero no se puede negar la pura energía e infecundidad de esta música. Como siempre, Santamaría se acerca a textos pop familiares como "Day Tripper" y "Ain't Too Proud to Beg" con profundo respeto y comprensión, creando ritmos conmovedores y justos que serpentean dentro y fuera de las melodías originales con brillante precisión.
El arreglador Marty Sheller también está en plena forma aquí, complementando la implacable conga de Santamaría con sus tambores con trompetas altas y un piano ardiente - la pieza central del álbum, "Do Your Thing", puede significar la cúspide de su colaboración, capturando el alma latina en su forma más trascendentalmente funky.
Discogs ...
sábado, 8 de junio de 2019
Esquivel And His Orchestra • Infinity In Sound Volume 2
Biography by Richie Unterberger
In the mid-'90s, Juan Garcia Esquivel enjoyed one of the most unexpected resurgences of popularity -- and hipness -- in the annals of 20th-century pop. The composer and arranger skirted the lines between lounge music, eccentric experimentalism, and stereo sound pioneer in the late '50s and early '60s on a series of albums aimed at the easy listening market. Both cheesy and goofily unpredictable, these records were forgotten by all but thrift-store habitues for decades. With the space age pop/exotica revival of the mid-'90s, however, Esquivel was not just being rediscovered, but was being championed as a cutting-edge innovator by certain segments of the hipper-than-thou alternative crowd.
Esquivel (in the manner of Dion or Melanie, he billed himself with a single name) actually enjoyed a long and varied career, of which his space age pop recordings were only a portion. Born in a small Mexican village, the pianist became a popular performer on a Mexican radio station, and studied briefly at Juilliard in New York. The radio (and later television and film) work actually gave him valuable experience in the art of quickly devising varied background music and orchestral arrangements, which he'd put to good use when he began recording for RCA in the late '50s.
This was the era in which stereo albums were first starting to be marketed. Esquivel -- along with several other of "space age pop"'s leading lights -- took advantage of this development to use his albums as laboratories of sorts to explore the spectrum of recorded sound, as reflected in LP titles like Other Worlds, Other Sounds and Four Corners of the World. He employed then-exotic instruments such as the theremin, the ondioline, early Fender Rhodes keyboards, Chinese bells, bass accordion, and a Boom-Bam (a 24-bongo kit tuned to F) to get what he wanted.
What kept Esquivel from serious critical appreciation at the time are, perhaps, the same factors that exerted a strange fascination upon listeners of the 1990s. In its form and content, Esquivel's material was lightweight martini-mixing fare, more geared toward suburban easy listening than challenging innovation. He threw in just enough sly, oddball quirks, however, to make one wonder whether he was in fact deftly satirizing the form, or at least using it as a forum to slip in some unbridled zaniness. Chipper white bread background chorus singers will slip into strange nonsense syllables like "boink, boink." Weird instrumental flourishes add unpredictable tension to bathetic easy listening instrumentals, sometimes almost jarring the listener from the state of bland relaxation for which the records were purportedly designed. The strains of cha chas and mambos (then in vogue among much of mainstream America) run through much of his work, though in a much more lounge-ish vein than what you would find in sweaty Havana ballrooms. Tempos and arrangements change with unnerving frequency and charge forward with unsettling manic energy, though never so often that the music sounds more experimental than pop.
So when post-moderns tired of punk, grunge, and industrial music, and needed some suitably different (but still ironic) music to chill out to in their dank clubs and cafes, they turned to forgotten artists such as Esquivel. The man himself had passed his heyday as a recording artist after the early '60s. He remained active for years with his live act (Frank Sinatra was a fan of Esquivel's Las Vegas sets) and television and film scores. By the 1990s, he was confined to a wheelchair in his brother's home in Mexico, the victim of numerous back injuries. He wasn't so ill that he couldn't be interviewed, however. His lengthy profile in the second volume of the Incredibly Strange Music book kicked off the Esquivel revival in earnest. 1995 suddenly saw Esquivel reissues flooding the market (at least three appeared that year, with many more following). Respected alternative figureheads like John Zorn and R.E.M. sang his praises. Esquivel was no longer gathering mold in the attic -- he was the epitome of hip.
As is the case with other space age pop heroes such as Martin Denny, some listeners were dumbfounded, or even angered, by the modern appeal enjoyed by Esquivel. His work will never be treated with respect by the "serious" music community; his music is too consciously geared toward light entertainment for that. And just as one wonders whether Esquivel was mixing irony and entertainment in his recordings, one wonders whether some modern Esquivel fans were championing his cause out of a desire to be more jaded-than-thou. Did they groove to his sounds precisely because Esquivel's records sound so ridiculously outdated, or simply because they want to become hip by attaching themselves to the most unfashionable music possible? Easy answers are not forthcoming, but Esquivel wasn't complaining. In fact, he became something of the spokesperson emeritus for the whole space age pop craze, conducting regular interviews for national publications from his Mexico bed, and hoping to eventually recover some of his mobility. However, in late 2001, Esquivel suffered two strokes in three months. The first left him partially paralyzed and unable to speak, and the second one led to his death. He passed away on January 3, 2002, four days after the second stroke in his home in Jiutepec, Morelos, Mexico.
///////////////////////////////////////////////////////////////////////////////
Biografía de Richie Unterberger.
A mediados de la década de los 90, Juan García Esquivel disfrutó de uno de los resurgimientos más inesperados de la popularidad, y de la moda, en los anales del pop del siglo XX. El compositor y arreglista bordearon las líneas entre la música lounge, el excéntrico experimentalismo y el pionero en el sonido estéreo a finales de los años 50 y principios de los 60 en una serie de álbumes destinados al mercado de la escucha fácil. Falsos y ridículamente impredecibles, estos registros fueron olvidados por casi todos los hábitats de tiendas de ahorro durante décadas. Sin embargo, con el resurgimiento del pop / exotismo de la era espacial a mediados de los años 90, Esquivel no solo estaba siendo redescubierto, sino que estaba siendo promovido como un innovador de vanguardia por parte de ciertos segmentos de la multitud alternativa más moderna que tú.
Esquivel (a la manera de Dion o Melanie, se facturó con un solo nombre) en realidad disfrutó de una carrera larga y variada, de la que sus grabaciones pop de la era espacial eran solo una parte. Nacido en un pequeño pueblo mexicano, el pianista se convirtió en un artista popular en una estación de radio mexicana y estudió brevemente en Juilliard en Nueva York. El trabajo en la radio (y luego en la televisión y el cine) en realidad le dio una valiosa experiencia en el arte de idear rápidamente música de fondo variada y arreglos orquestales, que le sirvió cuando comenzó a grabar para RCA a fines de los años cincuenta.
Esta fue la época en la que se empezaron a comercializar los álbumes estéreo. Esquivel, junto con varias otras de las principales luces de la "era espacial", aprovechó este desarrollo para utilizar sus álbumes como laboratorios de todo tipo para explorar el espectro del sonido grabado, como se refleja en los títulos de LP como Other Worlds, Other. Sonidos y cuatro esquinas del mundo. Empleó instrumentos exóticos como el theremin, el ondioline, los primeros teclados de Fender Rhodes, las campanas chinas, el acordeón bajo y un Boom-Bam (un kit de 24 bongo sintonizado a F) para obtener lo que quería.
Lo que evitó que Esquivel tuviera una seria apreciación crítica en ese momento son, quizás, los mismos factores que ejercían una extraña fascinación entre los oyentes de los años noventa. En su forma y contenido, el material de Esquivel era una mezcla ligera de martini, más orientada a la escucha suburbana que a la innovación desafiante. Sin embargo, lanzó lo suficiente como para caprichos extravagantes y extravagantes, para que uno se preguntara si de hecho estaba satirizando hábilmente la forma, o al menos usándola como un foro para deslizarse en una locura desenfrenada. Los cantantes de coro de fondo de la astilladora de pan blanco se deslizarán en extrañas sílabas sin sentido como "boink, boink". Los extraños extravagantes instrumentales agregan una tensión impredecible a los audífonos de fácil escucha batidos, que a veces casi sacan al oyente del estado de relajación insípida para el cual los discos fueron supuestamente diseñados. La variedad de cha chas y mambos (entonces en boga entre gran parte de la mayoría de los Estados Unidos) recorre gran parte de su trabajo, aunque en una forma mucho más relajada que la que encontraría en los salones de baile sudorosos de La Habana. Los tempos y los arreglos cambian con una frecuencia desconcertante y se cargan hacia adelante con una energía maníaca perturbadora, aunque nunca tan a menudo que la música suena más experimental que el pop.
Así que cuando los posmodernos se cansaron del punk, el grunge y la música industrial, y necesitaron música adecuadamente diferente (pero aún irónica) para relajarse en sus húmedos clubes y cafés, recurrieron a artistas olvidados como Esquivel. El propio hombre había pasado su apogeo como artista de grabación después de principios de los sesenta. Permaneció activo durante años con su actuación en vivo (Frank Sinatra era fanático de los sets de Esquivel en Las Vegas) y de televisión y películas. En la década de 1990, fue confinado a una silla de ruedas en la casa de su hermano en México, víctima de numerosas lesiones en la espalda. Sin embargo, no estaba tan enfermo como para no ser entrevistado. Su perfil extenso en el segundo volumen del libro de música increíblemente extraño inició el renacimiento de Esquivel en serio. 1995 vio repentinamente las reediciones de Esquivel inundando el mercado (al menos tres aparecieron ese año, y muchos más lo siguieron). Figuras alternativas respetadas como John Zorn y R.E.M. cantaba sus alabanzas. Esquivel ya no estaba acumulando moho en el ático, era el epítome de la cadera.
Como es el caso de otros héroes del pop de la era espacial como Martin Denny, algunos oyentes quedaron estupefactos, o incluso enojados, por el atractivo moderno de Esquivel. Su trabajo nunca será tratado con respeto por la comunidad musical "seria"; Su música está demasiado conscientemente orientada hacia el entretenimiento ligero para eso. Y justo cuando uno se pregunta si Esquivel estaba mezclando ironía y entretenimiento en sus grabaciones, uno se pregunta si algunos fanáticos de Esquivel modernos defendieron su causa por el deseo de estar más cansados que tú. ¿Se adaptaron a sus sonidos precisamente porque los discos de Esquivel suenan tan ridículamente anticuados, o simplemente porque quieren estar a la vanguardia al unirse a la música más desfavorable posible? No hay respuestas fáciles, pero Esquivel no se quejaba. De hecho, se convirtió en algo del portavoz emérito de toda la locura del pop de la era espacial, realizando entrevistas periódicas para publicaciones nacionales desde su cama de México y con la esperanza de recuperar algo de su movilidad. Sin embargo, a fines de 2001, Esquivel sufrió dos golpes en tres meses. El primero lo dejó parcialmente paralizado e incapaz de hablar, y el segundo lo llevó a la muerte. Falleció el 3 de enero de 2002, cuatro días después del segundo derrame cerebral en su casa en Jiutepec, Morelos, México.
Discogs ...
jueves, 6 de junio de 2019
The Ventures • Rock And Roll Forever
Artist Biography by John Bush
Not the first but definitely the most popular rock instrumental combo, the Ventures scored several hit singles during the 1960s -- most notably "Walk-Don't Run" and "Hawaii Five-O" -- but made their name in the growing album market, covering hits of the day and organizing thematically linked LPs. Almost 40 Ventures' albums charted, and 17 hit the Top 40. And though the group's popularity in America virtually disappeared by the 1970s, their enormous contribution to pop culture was far from over; the Ventures soon became one of the most popular world-wide groups, with dozens of albums recorded especially for the Japanese and European markets. They toured continually throughout the 1970s and '80s -- influencing Japanese pop music of the time more than they had American music during the '60s.
The Ventures' origins lie in a Tacoma, Washington group called the Impacts. Around 1959, construction workers and hobby guitarists Bob Bogle and Don Wilson formed the group, gigging around Washington state and Idaho with various rhythm sections as backup. They recorded a demo tape, but after it was rejected by the Liberty Records subsidiary Dolton, the duo founded their own label, Blue Horizon. They released one vocal single ("Cookies and Coke"), then recruited bassist Nokie Edwards and drummer Skip Moore and decided to instead become an instrumental group.
The Ventures went into the studio in 1959 with an idea for a new single they had first heard on Chet Atkins' Hi Fi in Focus LP. Released on Blue Horizon in 1960, the single "Walk-Don't Run" became a big local hit after being aired as a news lead-in on a Seattle radio station (thanks to a friend with connections). In an ironic twist, Dolton Records came calling and licensed the single for national distribution; by summer 1960, it had risen to number two in the charts, behind only "It's Now or Never" by Elvis Presley. After Howie Johnson replaced Moore on drums, the Ventures began recording their debut album, unsurprisingly titled after their hit single.
Two singles, "Perfidia" and "Ram-Bunk-Shush," hit the Top 40 during 1960-61, but the Ventures soon began capitalizing on what became a trademark: releasing LPs which featured songs very loosely arranged around a theme implied in the title. The group's fourth LP, The Colorful Ventures, included "Yellow Jacket," "Red Top," "Orange Fire" and no less than three tracks featuring the word "blue" in the title. The Ventures put their indelible stamp on each style of '60s music they covered, and they covered many -- twist, country, pop, spy music, psychedelic, swamp, garage, TV themes. (In the '70s, the band moved on to funk, disco, reggae, soft rock and Latin music.) The Ventures' lineup changed slightly during 1962. Howie Johnson left the band, to be replaced by session man Mel Taylor; also, Nokie Edwards took over lead guitar with Bob Bogle switching to bass.
One of the few LPs not arranged around a theme became their best-selling; 1963's The Ventures Play Telstar, The Lonely Bull featured a cover of the number one instrumental hit by the British studio band the Tornadoes and produced by Joe Meek. Though their cover of "Telstar" didn't even chart, the album hit the Top Ten and became the group's first of three gold records. A re-write of their signature song -- entitled "Walk-Don't Run '64" -- reached number eight that year. By the mid-'60s however, the Ventures appeared to be losing their touch. Considering the volatility of popular music during the time, it was quite forgivable that the group would lose their heads-up knowledge of current trends in the music industry to forecast which songs should be covered. The television theme "Hawaii Five-O" hit number four in 1969, but the Ventures slipped off the American charts for good in 1972. Instead, the band began looking abroad for attention and -- in Japan especially -- they found it with gusto. After leaving Dolton/Liberty and founding their own Tridex Records label, the Ventures began recording albums specifically for the Japanese market. The group eventually sold over 40 million records in that country alone, becoming one of the biggest American influences on Japanese pop music ever.
Nokie Edwards left the Ventures in 1968 to pursue his interest in horse racing for a time, and was replaced by Gerry McGee; though he returned by 1972, Mel Taylor left the group that year for a solo career, to be replaced by Joe Barile. (Taylor also returned, in 1979.) By the early '80s, the Ventures' core quartet of Wilson, Bogle, Edwards, and Taylor could boast of playing together for over 20 years. Edwards left the band for good in 1984 (replaced again by Gerry McGee), and the following decades were marked by the deaths of several of the group's earliest members -- Mel Taylor died midway through a Japanese tour in 1996 (replaced by his son Leon), co-founder Bob Bogle died in 2009, and Nokie Edwards himself died in 2018 -- yet latter-day incarnations of the Ventures continued to pack venues around the world.
/////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////
Biografía del artista por John Bush
No es el primer pero definitivamente el combo instrumental de rock más popular, los Ventures marcaron varios éxitos durante los años 60 -- más notablemente "Walk-Don't Run" y "Hawaii Five-O" -- pero se hicieron un nombre en el creciente mercado de álbumes, cubriendo los éxitos del día y organizando LPs temáticamente ligados. Casi 40 álbumes de Ventures registrados, y 17 llegaron al Top 40. Y aunque la popularidad del grupo en Estados Unidos prácticamente desapareció en la década de 1970, su enorme contribución a la cultura pop estaba lejos de haber terminado; los Ventures pronto se convirtieron en uno de los grupos más populares del mundo, con docenas de álbumes grabados especialmente para los mercados japonés y europeo. Hicieron giras continuas a lo largo de los años setenta y ochenta, influyendo en la música pop japonesa de la época más de lo que habían hecho con la música americana durante los años sesenta.
Los orígenes de los Ventures se encuentran en un grupo de Tacoma, Washington llamado los Impactos. Alrededor de 1959, los obreros de la construcción y los guitarristas aficionados Bob Bogle y Don Wilson formaron el grupo, tocando en el estado de Washington e Idaho con varias secciones rítmicas como apoyo. Grabaron una cinta de demostración, pero después de ser rechazada por la filial Dolton de Liberty Records, el dúo fundó su propio sello, Blue Horizon. Ellos lanzaron un sencillo vocal ("Cookies and Coke"), luego reclutaron al bajista Nokie Edwards y al baterista Skip Moore y decidieron convertirse en un grupo instrumental.
Los Ventures entraron en el estudio en 1959 con la idea de un nuevo single que habían escuchado por primera vez en el LP Hi Fi in Focus de Chet Atkins. Publicado en Blue Horizon en 1960, el sencillo "Walk-Don't Run" se convirtió en un gran éxito local después de haber sido transmitido como noticia en una estación de radio de Seattle (gracias a un amigo con conexiones). En un giro irónico, Dolton Records llegó llamando y licenciando el sencillo para su distribución nacional; para el verano de 1960, ya era el número dos en las listas de éxitos, detrás de sólo "It's Now or Never" de Elvis Presley. Después de que Howie Johnson reemplazara a Moore en la batería, los Ventures comenzaron a grabar su álbum debut, que no es de extrañar, titulado después de su exitoso sencillo.
Dos sencillos, "Perfidia" y "Ram-Bunk-Shush", llegaron al Top 40 durante 1960-61, pero los Ventures pronto empezaron a sacar provecho de lo que se convirtió en una marca registrada: el lanzamiento de LPs que contenían canciones muy poco estructuradas en torno a un tema implícito en el título. El cuarto LP del grupo, The Colorful Ventures, incluía "Yellow Jacket", "Red Top", "Orange Fire" y nada menos que tres temas con la palabra "blue" en el título. Los Ventures pusieron su sello indeleble en cada estilo de la música de los'60 que cubrieron, y cubrieron muchos: twist, country, pop, música de espías, psicodélica, pantano, garaje, temas de televisión. (En los años 70, la banda pasó al funk, la discoteca, el reggae, el soft rock y la música latina.) La alineación de los Ventures cambió ligeramente durante 1962. Howie Johnson dejó la banda, para ser reemplazado por el hombre de sesión Mel Taylor; también, Nokie Edwards se hizo cargo de la guitarra principal con Bob Bogle cambiando al bajo.
Uno de los pocos LPs no arreglados en torno a un tema se convirtió en su best-seller; The Ventures Play Telstar, The Lonely Bull, de 1963, incluía una portada del éxito instrumental número uno de la banda de estudio británica Tornadoes y producida por Joe Meek. Aunque su portada de "Telstar" ni siquiera figuraba en la lista de éxitos, el álbum llegó al Top Ten y se convirtió en el primero de los tres discos de oro del grupo. Una reescritura de su canción principal, titulada "Walk-Don't Run '64", llegó al número ocho ese año. Sin embargo, a mediados de los años 60, los Ventures parecían estar perdiendo su toque. Considerando la volatilidad de la música popular durante ese tiempo, era bastante perdonable que el grupo perdiera su conocimiento de las tendencias actuales en la industria de la música para pronosticar qué canciones deberían ser cubiertas. El tema televisivo "Hawaii Five-O" llegó al número cuatro en 1969, pero los Ventures se salieron definitivamente de las listas de éxitos estadounidenses en 1972. En cambio, la banda comenzó a buscar atención en el extranjero y, especialmente en Japón, la encontraron con gusto. Después de dejar Dolton/Liberty y fundar su propio sello Tridex Records, los Ventures comenzaron a grabar álbumes específicamente para el mercado japonés. El grupo finalmente vendió más de 40 millones de discos sólo en ese país, convirtiéndose en una de las mayores influencias estadounidenses en la música pop japonesa de todos los tiempos.
Nokie Edwards dejó los Ventures en 1968 para dedicarse a las carreras de caballos por un tiempo, y fue reemplazado por Gerry McGee; aunque regresó en 1972, Mel Taylor dejó el grupo ese año para una carrera en solitario, para ser reemplazado por Joe Barile. (Taylor también regresó, en 1979.) A principios de los'80, el cuarteto principal de los Ventures, formado por Wilson, Bogle, Edwards y Taylor, podía presumir de haber tocado juntos durante más de 20 años. Edwards dejó la banda para siempre en 1984 (reemplazado de nuevo por Gerry McGee), y las décadas siguientes estuvieron marcadas por la muerte de varios de los primeros miembros del grupo - Mel Taylor murió a mitad de una gira japonesa en 1996 (reemplazado por su hijo Leon), el co-fundador Bob Bogle murió en 2009, y el propio Nokie Edwards murió en 2018 - sin embargo, las encarnaciones más recientes de los Ventures continuaron llenando las salas de conciertos en todo el mundo.
Discogs ...
Suscribirse a:
Entradas (Atom)