Miles Davis Sextet • Miles and Monk at Newport

 

 

Miles Davis Sextet • Miles and Monk at Newport [Mono Version]

 

 

Hank Mobley • Touch And Go

 

Biography by Steve Huey
One of the Blue Note label's definitive hard bop artists, tenor saxophonist Hank Mobley remains somewhat underappreciated for his straightforward, swinging style. Any characterization of Mobley invariably begins with critic Leonard Feather's assertion that he was the "middleweight champion of the tenor saxophone," meaning that his tone wasn't as aggressive and thick as John Coltrane or Sonny Rollins, but neither was it as soft and cool as Stan Getz or Lester Young. Instead, Mobley's in-between, "round" (as he described it) sound was controlled and even, given over to subtlety rather than intense displays of emotion. Even if he lacked the galvanizing, mercurial qualities of the era's great tenor innovators, Mobley remained consistently solid throughout most of his recording career. His solo lines were full of intricate rhythmic patterns that were delivered with spot-on precision, and he was no slouch harmonically either. As a charter member of Horace Silver's Jazz Messengers, Mobley helped inaugurate the hard bop movement: jazz that balanced sophistication and soulfulness, complexity and earthy swing, and whose loose structure allowed for extended improvisations. As a solo artist, he began recording for Blue Note in the latter half of the '50s, and hit his peak in the first half of the '60s with hard bop cornerstones like Soul Station, No Room for Squares, and A Caddy for Daddy.

Henry "Hank" Mobley was born on July 7, 1930, in Eastman, GA, and grew up mostly in Elizabeth, NJ. Several family members played piano and/or church organ, and Mobley himself learned piano as a child. He switched to the saxophone at age 16, initially modeling his style on players like Lester Young, Charlie Parker, Dexter Gordon, Don Byas, and Sonny Stitt. He soon started playing professionally in the area, and built enough of a reputation that trumpeter Clifford Brown recommended him for a job without having heard him play. That job was with Paul Gayten's Newark-based R&B band, which he joined in 1949, doubling as a composer. He departed in 1951 and joined the house band at a Newark nightclub, where he played with pianist Walter Davis, Jr. and backed some of the era's top jazz stars. That led to a job with Max Roach, who hired both Mobley and Davis after performing with them; they all recorded together in early 1953, at one of the earliest sessions to feature Roach as a leader. Meanwhile, Mobley continued to gig around his home area, playing with the likes of Milt Jackson, Tadd Dameron, and J.J. Johnson, among others; he also served two weeks in Duke Ellington's orchestra in 1953.

Mobley spent much of 1954 performing and recording with Dizzy Gillespie. He left in September to join pianist Horace Silver's group, which evolved into a quintet co-led by Art Blakey and dubbed the Jazz Messengers. Their groundbreaking first album for Blue Note, 1955's Horace Silver and the Jazz Messengers, was a landmark in the genesis of hard bop, with its sophisticated solos and bright, almost funky rhythms. Mobley led his first session for Blue Note, The Hank Mobley Quartet, in 1955, and recorded for Savoy and Prestige during 1956. In the middle of that year, the original lineup of the Jazz Messengers split, with Blakey keeping the name and Silver forming a new group. Mobley stayed with Silver until 1957, by which time he had begun to record prolifically as a leader for Blue Note, completing eight albums' worth of material over the next 16 months. Some of his best work, such as Hank Mobley and His All Stars and The Hank Mobley Quintet, was cut with a selection of old Messengers mates. Not all of his sessions were released at the time, but some began to appear as import reissues in the '80s. Often composing his own material, Mobley was beginning to truly hit his stride with 1958's Peckin' Time, when a worsening drug problem resulted in an arrest that took him off the scene for a year.

Upon returning to music in 1959, Mobley oriented himself by rejoining Art Blakey in the Jazz Messengers for a short period. His comeback session as a leader was 1960's classic Soul Station, near-universally acknowledged as his greatest recorded moment. Mobley cut two more high-quality hard bop albums, Roll Call and Workout, over 1960-1961, as well as some other sessions that went unreleased at the time. In 1961, Mobley caught what looked to be a major break when he was hired to replace John Coltrane in Miles Davis' quintet. Unfortunately, the association was a stormy one; Mobley came under heavy criticism from the bandleader, and wound up leaving in 1962. He returned to solo recording with 1963's No Room for Squares, often tabbed as one of his best efforts, before drug and legal problems again put him out of commission during 1964. Energized and focused upon his return, Mobley recorded extensively during 1965, showcasing a slightly harder-edged tone and an acumen for tricky, modal-flavored originals that challenged his sidemen. At the same time, Dippin' found a funkier soul-jazz sound starting to creep into his work, an approach that reached its apex on the infectious A Caddy for Daddy later that year.

Mobley recorded steadily for Blue Note through the '60s, offering slight variations on his approach, and continued to appear as a sideman on a generous number of the label's other releases (especially frequent collaborator Lee Morgan). 1966's A Slice of the Top found Mobley fronting a slightly larger band arranged by Duke Pearson, though it went unissued until 1979. After cutting the straightforward Third Season in 1967, Mobley embarked on a brief tour of Europe, where he performed with Slide Hampton. He returned to the U.S. to record the straight-ahead Far Away Lands and Hi Voltage that year, and tried his hand at commercially oriented jazz-funk on 1968's Reach Out. Afterward, he took Hampton's advice and returned to Europe, where he would remain for the next two years. 1969's The Flip was recorded in Paris, and Mobley returned to the States to lead his final session for Blue Note, Thinking of Home, in 1970 (it wasn't released until ten years later). He subsequently co-led a group with pianist Cedar Walton, which recorded the excellent Breakthrough in 1972.

Sadly, that would prove to be Mobley's last major effort. Health problems forced him to retire in 1975, when he settled in Philadelphia. He was barely able to even play his horn for fear of rupturing a lung; by the dawn of the '80s, he was essentially an invalid. In 1986, he mustered up the energy to work on a limited basis with Duke Jordan; however, he died of pneumonia not long after, on May 30, 1986. During Mobley's heyday, most critics tended to compare him unfavorably to Sonny Rollins, or dismiss him for not being the innovator that Coltrane was. However, in the years that followed Mobley's death, Blue Note hard bop enjoyed a positive reappraisal; with it came a new appreciation for Mobley's highly developed talents as a composer and soloist, instead of a focus on his shortcomings.
https://www.allmusic.com/artist/hank-mobley-mn0000951384#biography

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Biografía de Steve Huey
Uno de los artistas definitivos del hard bop del sello Blue Note, el saxofonista tenor Hank Mobley sigue siendo algo subestimado por su estilo directo y oscilante. Cualquier caracterización de Mobley invariablemente comienza con la afirmación del crítico Leonard Feather de que él era el "campeón de peso mediano del saxofón tenor", lo que significa que su tono no era tan agresivo y grueso como John Coltrane o Sonny Rollins, pero tampoco era tan suave y fresco como Stan Getz o Lester Young. En cambio, el sonido intermedio, "redondo" (como él lo describió) de Mobley estaba controlado e incluso, entregado a la sutileza en lugar de a intensas demostraciones de emoción. Incluso si carecía de las cualidades galvanizadoras y mercuriales de los grandes innovadores tenores de la época, Mobley se mantuvo consistentemente sólido durante la mayor parte de su carrera discográfica. Sus líneas solistas estaban llenas de intrincados patrones rítmicos que se entregaban con precisión precisa, y tampoco se quedaba atrás armónicamente. Como miembro fundador de Jazz Messengers de Horace Silver, Mobley ayudó a inaugurar el movimiento hard bop: jazz que equilibraba la sofisticación y el sentimiento, la complejidad y el swing terrenal, y cuya estructura suelta permitía improvisaciones extendidas. Como solista, comenzó a grabar para Blue Note en la segunda mitad de los años 50, y alcanzó su punto máximo en la primera mitad de los 60 con piedras angulares del hard bop como Soul Station, No Room for Squares y A Caddy for Daddy.

Henry" Hank " Mobley nació el 7 de julio de 1930 en Eastman, Georgia, y creció principalmente en Elizabeth, Nueva Jersey. Varios miembros de la familia tocaban el piano y / o el órgano de la iglesia, y el propio Mobley aprendió piano cuando era niño. Cambió al saxofón a los 16 años, inicialmente modelando su estilo en músicos como Lester Young, Charlie Parker, Dexter Gordon, Don Byas y Sonny Stitt. Pronto comenzó a tocar profesionalmente en el área y se ganó la reputación suficiente como para que el trompetista Clifford Brown lo recomendara para un trabajo sin haberlo escuchado tocar. Ese trabajo fue con la banda de R&B con sede en Newark de Paul Gayten, a la que se unió en 1949, doblando como compositor. Partió en 1951 y se unió a la banda de la casa en un club nocturno de Newark, donde tocó con el pianista Walter Davis, Jr.y respaldó a algunas de las principales estrellas del jazz de la época. Eso llevó a un trabajo con Max Roach, quien contrató a Mobley y Davis después de actuar con ellos; todos grabaron juntos a principios de 1953, en una de las primeras sesiones en las que Roach actuó como líder. Mientras tanto, Mobley continuó actuando en su área local, tocando con artistas como Milt Jackson, Tadd Dameron y J. J. Johnson, entre otros; también sirvió dos semanas en la orquesta de Duke Ellington en 1953.

Mobley pasó gran parte de 1954 actuando y grabando con Dizzy Gillespie. Se fue en septiembre para unirse al grupo del pianista Horace Silver, que se convirtió en un quinteto codirigido por Art Blakey y apodado the Jazz Messengers. Su innovador primer álbum para Blue Note, Horace Silver and the Jazz Messengers de 1955, fue un hito en la génesis del hard bop, con sus sofisticados solos y ritmos brillantes, casi funky. Mobley dirigió su primera sesión para Blue Note, el Cuarteto Hank Mobley, en 1955, y grabó para Savoy y Prestige durante 1956. A mediados de ese año, la formación original de los Jazz Messengers se separó, Blakey mantuvo el nombre y Silver formó un nuevo grupo. Mobley permaneció con Silver hasta 1957, momento en el que había comenzado a grabar prolíficamente como líder de Blue Note, completando ocho álbumes de material en los siguientes 16 meses. Algunos de sus mejores trabajos, como Hank Mobley and His All Stars y The Hank Mobley Quintet, fueron cortados con una selección de viejos compañeros de Messengers. No todas sus sesiones fueron lanzadas en ese momento, pero algunas comenzaron a aparecer como reediciones de importación en los años 80. A menudo componiendo su propio material, Mobley comenzaba a dar un verdadero salto con Peckin' Time de 1958, cuando un empeoramiento de los problemas con las drogas provocó un arresto que lo sacó de escena durante un año.

Al regresar a la música en 1959, Mobley se orientó al reunirse con Art Blakey en los Jazz Messengers por un corto período. Su sesión de regreso como líder fue el clásico Soul Station de 1960, reconocido casi universalmente como su mejor momento grabado. Mobley grabó dos álbumes más de hard bop de alta calidad, Roll Call y Workout, durante 1960-1961, así como algunas otras sesiones que quedaron inéditas en ese momento. En 1961, Mobley se dio cuenta de lo que parecía ser una gran oportunidad cuando fue contratado para reemplazar a John Coltrane en el quinteto de Miles Davis. Desafortunadamente, la asociación fue tormentosa; Mobley fue objeto de fuertes críticas por parte del líder de la banda, y terminó abandonando en 1962. Regresó a la grabación en solitario con No Room for Squares de 1963, a menudo catalogado como uno de sus mejores esfuerzos, antes de que las drogas y los problemas legales lo pusieran nuevamente fuera de servicio durante 1964. Energizado y concentrado en su regreso, Mobley grabó extensamente durante 1965, mostrando un tono un poco más duro y una perspicacia para originales complicados y con sabor a modal que desafiaban a sus acompañantes. Al mismo tiempo, Dippin ' encontró un sonido soul-jazz más funky que comenzó a infiltrarse en su trabajo, un enfoque que alcanzó su punto máximo en el infeccioso A Caddy for Daddy más tarde ese año.

Mobley grabó constantemente para Blue Note durante los años 60, ofreciendo ligeras variaciones en su enfoque, y continuó apareciendo como acompañante en un generoso número de otros lanzamientos del sello (especialmente su colaborador frecuente Lee Morgan). A Slice of the Top de 1966 encontró a Mobley al frente de una banda un poco más grande organizada por Duke Pearson, aunque no se publicó hasta 1979. Después de cortar la sencilla Tercera Temporada en 1967, Mobley se embarcó en una breve gira por Europa, donde actuó con Slide Hampton. Regresó a los EE. UU. grabó los sencillos Far Away Lands y Hi Voltage ese año, y probó suerte con el jazz-funk orientado comercialmente en Reach Out de 1968. Posteriormente, siguió el consejo de Hampton y regresó a Europa, donde permanecería durante los dos años siguientes. The Flip de 1969 se grabó en París, y Mobley regresó a los Estados Unidos para dirigir su última sesión de Blue Note, Thinking of Home, en 1970 (no se lanzó hasta diez años después). Posteriormente codirigió un grupo con el pianista Cedar Walton, que grabó the excellent Breakthrough en 1972.

Lamentablemente, ese resultaría ser el último gran esfuerzo de Mobley. Los problemas de salud lo obligaron a retirarse en 1975, cuando se instaló en Filadelfia. Apenas podía tocar la bocina por temor a romperse un pulmón; a principios de los 80, era esencialmente un inválido. En 1986, reunió la energía para trabajar de forma limitada con Duke Jordan; sin embargo, murió de neumonía poco después, el 30 de mayo de 1986. Durante el apogeo de Mobley, la mayoría de los críticos tendían a compararlo desfavorablemente con Sonny Rollins, o descartarlo por no ser el innovador que era Coltrane. Sin embargo, en los años que siguieron a la muerte de Mobley, Blue Note hard bop disfrutó de una reevaluación positiva; con ella vino una nueva apreciación de los talentos altamente desarrollados de Mobley como compositor y solista, en lugar de centrarse en sus defectos.
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John Coltrane • Bahia

 

 When looking at the sheer amount of work an artist the magnitude of John Coltrane left behind, it’s inevitable that many phenomenal albums will get lost in the shuffle. It’s not because they are bad, quite the contrary. This happens to any artist with an extensive catalog. Everyone knows ‘A Love Supreme’, ‘Blue Train’, ‘My Favorite Things’ and ‘Giant Steps’. As wonderful as those albums are, we have to remember that Coltrane recorded over 100 albums as a leader and as a sideman. That’s a lot of music.
There is a depth of musicality that many people really don’t appreciate fully when it comes to Coltrane. To fully appreciate and see the evolution of Coltrane’s playing through the years, you have to get familiar with his work. All of it. He didn’t just arrive at ‘A Love Supreme’. When you start listening to his older output, you can clearly hear the progression in his playing. The gradual shift from hard bop to a more adventurous, and even ethereal style of playing.
The beginning of the shift can be clearly heard on his album ‘Bahia‘, which was recorded in 1958. Bahia is a state in Brazil. Most of the slaves captured from West Africa by Europeans were sent to Brazil, almost 40% of them. Most of them were processed through Bahia. Culturally, Bahia still retains an amalgamation of many African cultures and traditions; from music, to deities, to food and Capoeira. The city of Salvador in Bahia in particular, has the highest percentage of Afro-Brazilians in all of Brazil. Most of the people in Salvador have African ancestry, and to be more precise, many of them have Yoruba ancestry. The Yoruba are one of the major ethnic groups in present day Nigeria. It should be noted that it was also around this time that Coltrane became a close friend to Babatunde Olatunji, a now equally legendary Yoruba Nigerian drummer. Coltrane dedicated his song “Tunji” on his Coltrane LP to him. The last live recording of Coltrane performing before he died, was at the Olatunji Center of African Culture in Harlem.
Bahia was the beginning of a more musically adventurous and globally conscious Coltrane. Plotting the timeline of Trane shows that the transition to full blown avant-garde and free jazz in his later years was at least a decade in the making. It was not spontaneous, like many people make it out to be. He didn’t just wake up one day deciding to play avant-garde.
Joining him on the Bahia session was Mr. PC himself, Paul Chambers on bass, Red Garland on piano, Jimmy Cobb and Art Taylor on drums, Wilbur Harden on flugelhorn and trumpet, and a very young Freddie Hubbard playing trumpet on the song, ‘Something I dreamed last night’. Hubbard was only 20 years old when they recorded this date.
Bahia might not be a popular Coltrane album, but it is still essential. It’s a synopsis of Trane about to open the floodgates of his deeply spiritual and ethereal playing of the future. The title track & ‘Goldsboro Express’ alone make it worth the cost of admission. It’s amazing!

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 Al contemplar la ingente cantidad de obra que dejó tras de sí un artista de la magnitud de John Coltrane, es inevitable que muchos álbumes fenomenales se pierdan en el olvido. No es porque sean malos, al contrario. Esto le ocurre a cualquier artista con un catálogo extenso. Todo el mundo conoce "A Love Supreme", "Blue Train", "My Favorite Things" y "Giant Steps". Por maravillosos que sean esos discos, hay que recordar que Coltrane grabó más de 100 álbumes como líder y como sideman. Eso es mucha música.
Hay una profundidad de musicalidad que mucha gente no aprecia del todo cuando se trata de Coltrane. Para apreciar y ver la evolución de la forma de tocar de Coltrane a lo largo de los años, hay que familiarizarse con su obra. Toda su obra. No llegó solo a "A Love Supreme". Cuando se empieza a escuchar su producción más antigua, se percibe claramente la progresión de su forma de tocar. El cambio gradual del hard bop a un estilo más aventurero e incluso etéreo.
El comienzo de este cambio se percibe claramente en su álbum "Bahia", grabado en 1958. Bahía es un estado de Brasil. La mayoría de los esclavos capturados en África Occidental por los europeos fueron enviados a Brasil, casi el 40% de ellos. La mayoría pasaron por Bahía. Culturalmente, Bahía aún conserva una amalgama de muchas culturas y tradiciones africanas; desde la música, a las deidades, pasando por la comida y la capoeira. La ciudad de Salvador de Bahía, en particular, tiene el mayor porcentaje de afrobrasileños de todo Brasil. La mayoría de los habitantes de Salvador tienen ascendencia africana, y para ser más precisos, muchos de ellos tienen ascendencia yoruba. Los yoruba son uno de los principales grupos étnicos de la actual Nigeria. Cabe señalar que fue también por esta época cuando Coltrane se hizo amigo íntimo de Babatunde Olatunji, un batería nigeriano yoruba ahora igualmente legendario. Coltrane le dedicó su canción "Tunji" en su LP Coltrane. La última grabación en directo de Coltrane antes de morir fue en el Olatunji Center of African Culture de Harlem.
Bahia fue el comienzo de un Coltrane más aventurero musicalmente y con mayor conciencia global. Si trazamos la cronología de Trane, veremos que la transición a la vanguardia y el free jazz en sus últimos años se gestó durante al menos una década. No fue algo espontáneo, como muchos pretenden. No se levantó un día y decidió tocar música de vanguardia.
En la sesión de Bahia le acompañaban el propio Mr. PC, Paul Chambers al bajo, Red Garland al piano, Jimmy Cobb y Art Taylor a la batería, Wilbur Harden al fliscorno y la trompeta, y un jovencísimo Freddie Hubbard tocando la trompeta en la canción "Something I dreamed last night". Hubbard sólo tenía 20 años cuando grabaron esta fecha.
Puede que Bahia no sea un álbum popular de Coltrane, pero sigue siendo esencial. Es una sinopsis de Trane a punto de abrir las compuertas de su forma de tocar profundamente espiritual y etérea del futuro. Sólo por el tema que da título al disco y por "Goldsboro Express" ya merece la pena pagar la entrada. Es increíble.

www.johncoltrane.com ...

Cannonball Adderley-Kenny Clarke • Bohemia After Dark

 

Review
by Mark Keresman
Along with Max Roach, Kenny Clarke was one of the definitive drummers of jazz’s original bebop movement. By the time of the Bohemia After Dark sessions (in June 1955), Clarke was firmly established as a bandleader. He probably didn’t know it at the time, but he also made jazz history here, as Bohemia marks the recording debut of the soulful Adderley brothers -- alto sax heavyweight Cannonball and ace cornetist/composer Nat. The brothers also contributed several tunes as well. This session is earnestly swinging bop with very good early career work from pianist Horace Silver and bassist Paul Chambers.
https://www.allmusic.com/album/bohemia-after-dark-mw0000099767

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Reseña
por Mark Keresman
Junto con Max Roach, Kenny Clarke fue uno de los bateristas definitivos del movimiento bebop original del jazz. En el momento de las sesiones de Bohemia After Dark (en junio de 1955), Clarke estaba firmemente establecido como director de banda. Probablemente no lo sabía en ese momento, pero también hizo historia en el jazz, ya que Bohemia marca el debut discográfico de los conmovedores hermanos Adderley: el peso pesado del saxo alto Cannonball y el as cornetista/compositor Nat. Los hermanos también contribuyeron con varios temas. Esta sesión es un bop con mucho swing, con un muy buen trabajo de principios de la carrera del pianista Horace Silver y el bajista Paul Chambers.
https://www.allmusic.com/album/bohemia-after-dark-mw0000099767

Sonny Criss • This Is Criss!

 

Biography by Thom Jurek

Alto saxophonist William "Sonny" Criss was an anomaly of the jazz musicians who came up during the bebop era. Criss moved to Los Angeles from Memphis at the age of 15, and at 19 played in Howard McGhee's band with Charlie Parker and Teddy Edwards. As was the norm for every alto player, Parker exerted a huge influence on Criss' playing. His beefy, earthy tone can be heard on a number of Savoy sessions beginning the next year. Criss drifted, playing in jazz and R&B groups, including those led by Johnny Otis, Billy Eckstine, and Stan Kenton. After joining Buddy Rich in 1956, Criss recorded Jazz U.S.A. for Imperial as a leader; it's one of the true underground classics of the hard bop era. Imperial -- mainly an R&B label specializing in New Orleans acts such as Fats Domino -- put no promotional push behind it. Nonetheless, he was able to cut two more sessions for the label: the excellent Go Man! and Sonny Criss Plays Cole Porter. Still playing with Rich, Criss cut At the Crossroads while on tour in Chicago for the Peacock label; the set featured Wynton Kelly and was critically well received. The saxophonist continued to work, fronting his own band in Los Angeles and gigging with others for brief out-of-town jaunts. He signed with Prestige in 1965 and issued a host of fine recordings, This Is Criss! and Sonny's Dream among them. Criss also cut various sessions for Xanadu, Muse, and ABC/Impulse near the end of his life. He committed suicide in 1977 due to the painful consequences of stomach cancer. His fine Crisscraft and Out of Nowhere albums were reissued on CDs, as were his complete Imperial recordings.

https://www.allmusic.com/artist/sonny-criss-mn0000755431/biography

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Biografía de Thom Jurek

El saxofonista alto William "Sonny" Criss fue una anomalía de los músicos de jazz que surgieron durante la era del bebop. Criss se mudó a Los Ángeles desde Memphis a los 15 años, y a los 19 tocó en la banda de Howard McGhee con Charlie Parker y Teddy Edwards. Como era la norma para todos los contrabajistas, Parker ejerció una gran influencia en la forma de tocar de Criss. Su tono fuerte y terrenal se puede escuchar en varias sesiones de Savoy a partir del año siguiente. Criss fue a la deriva, tocando en grupos de jazz y R&B, incluyendo los liderados por Johnny Otis, Billy Eckstine y Stan Kenton. Después de unirse a Buddy Rich en 1956, Criss grabó Jazz U.S.A. para Imperial como líder; es uno de los verdaderos clásicos del underground de la era del hard bop. Imperial - principalmente un sello de R&B especializado en actos de Nueva Orleans como Fats Domino - no puso ningún empuje promocional detrás de él. Sin embargo, fue capaz de cortar dos sesiones más para el sello: el excelente Go Man! y Sonny Criss Plays Cole Porter. Aún tocando con Rich, Criss cortó At the Crossroads mientras estaba de gira en Chicago para el sello Peacock; el set contó con Wynton Kelly y fue muy bien recibido por la crítica. El saxofonista siguió trabajando, liderando su propia banda en Los Ángeles y actuando con otros para breves salidas fuera de la ciudad. Firmó con Prestige en 1965 y publicó una serie de buenas grabaciones, entre ellas This Is Criss! y Sonny's Dream. Criss también grabó varias sesiones para Xanadu, Muse y ABC/Impulse cerca del final de su vida. Se suicidó en 1977 debido a las dolorosas consecuencias del cáncer de estómago. Sus excelentes álbumes de Crisscraft y Out of Nowhere se reeditaron en CD, así como sus grabaciones completas de Imperial.

https://www.allmusic.com/artist/sonny-criss-mn0000755431/biography

 

 

 

 

Wayne Shorter • Adam's Apple

 

Review
by Stacia Proefrock  
With the possible exception of its song, "Footprints," which would become a jazz standard, Adam's Apple received quite a bit less attention upon its release than some of the preceding albums in Wayne Shorter's catalog. That is a shame because it really does rank with the best of his output from this incredibly fertile period. From the first moments when Shorter's sax soars out in the eponymous opening track, with its warmth and roundness and power, it is hard not to like this album. It might not be turning as sharp of a corner stylistically as some of his earlier works, like Speak No Evil, but its impact is only dulled by the fact that Shorter has already arrived at the peak of his powers. Taken in isolation, this is one of the great works of mid-'60s jazz, but when Shorter has already achieved a unique performance style, compositional excellence, and a perfectly balanced relationship with his sidemen, it is hard to be impressed by the fact that he manages to continue to do these things album after album. But Shorter does shine here, while allowing strong players like Herbie Hancock to also have their place in the sun. Especially hypnotic are two very different songs, the ballad "Teru" and Shorter's tribute to John Coltrane, "Chief Crazy Horse," both of which also allow Hancock a chance to show what he could do.
https://www.allmusic.com/album/adams-apple-mw0000192508

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Reseña
por Stacia Proefrock  
Con la posible excepción de su canción, "Footprints", que se convertiría en un estándar de jazz, Adam's Apple recibió bastante menos atención en su lanzamiento que algunos de los álbumes precedentes del catálogo de Wayne Shorter. Es una pena, porque realmente se encuentra entre lo mejor de su producción de este período increíblemente fértil. Desde los primeros momentos en que el saxo de Shorter se eleva en el tema de apertura homónimo, con su calidez, redondez y potencia, es difícil que no te guste este álbum. Puede que no dé un giro tan brusco desde el punto de vista estilístico como algunos de sus primeros trabajos, como Speak No Evil, pero su impacto sólo se ve empañado por el hecho de que Shorter ya ha llegado a la cima de sus poderes. Tomado de forma aislada, es una de las grandes obras del jazz de mediados de los 60, pero cuando Shorter ya ha logrado un estilo de interpretación único, una excelencia compositiva y una relación perfectamente equilibrada con sus acompañantes, es difícil impresionarse por el hecho de que consiga seguir haciendo estas cosas álbum tras álbum. Pero Shorter brilla aquí, al tiempo que permite que jugadores fuertes como Herbie Hancock tengan también su lugar bajo el sol. Especialmente hipnóticas son dos canciones muy diferentes, la balada "Teru" y el homenaje de Shorter a John Coltrane, "Chief Crazy Horse", que también permiten a Hancock mostrar lo que puede hacer.
https://www.allmusic.com/album/adams-apple-mw0000192508


wayneshorter.com ...

Michel Legrand • Legrand Jazz

 

 

Biography:
It is difficult to pin the multi-talented Michel Legrand down into one single category. This amazingly versatile French singer, songwriter, composer, arranger, conductor and producer has enjoyed a whirlwind career, excelling in an impressively broad range of domains from film soundtracks and French 'chanson' to jazz and classical music. An international star, who has won as much respect in the States as he has in Europe, Legrand is an insatiable musician whose creativity and ambition appear to know no bounds.

Michel Legrand was born in Bécon-les-Bruyères, in the Paris suburbs, on 24 February 1932. His mother, Marcelle der Mikaelian, married Raymond Legrand, a French musician renowned for hits such as “Irma la douce.” Michel spent a rather solitary childhood, growing up with his sister, Christiane. He revealed a prodigious musical talent at an early age, playing the piano when he was just four years old. As a child, he was fascinated about the life of composer Franz Schubert. Michel eventually went on to train at the Paris Conservatoire in 1942. He spent seven years there, studying under renowned teachers such as Nadia Boulanger, Henri Challan, Noël Gallon and Lucette Descaves. The young prodigy went on to win numerous awards for his skills in counterpoint, piano, fugue and 'solfège' (an award he received on 6 June 1944).

In the immediate post-war years, Michel Legrand discovered a new passion: jazz. The moment that triggered off this musical conversion was when he attended a concert by Dizzy Gillespie “ and left, totally blown away by what he had seen! By the time he graduated from the Conservatoire in 1949, Legrand had mastered a dozen instruments. And he found himself launched straight into the world of French 'chanson,' thanks to introductions from his father (with whom he had renewed ties by this point). The gifted teenager was soon working as an accompanist to many of the major French stars of the day including Henri Salvador, Juliette Gréco, Zizi Jeanmaire and Catherine Sauvage.

In 1954, Legrand stepped from the accompanying shadows centre stage when the American record label Columbia-EMI commissioned him to make an album of English adaptations of French classics. The album “I Love Paris” went on to sell a staggering 8 million copies, turning Legrand into an overnight star both at home and abroad. It was at this point that legendary French 'chanson' star Maurice Chevalier approached Legrand and offered him a post as his musical director. Legrand accepted and, in Chevalier's company, flew across the Atlantic, discovering the States in the course of numerous tours.

Meanwhile, Legrand's own solo career continued to go from strength to strength. He recorded a whole string of albums: “Holiday In Rome,” (1955) “Michel Legrand Plays Cole Porter,” (1957) and “Legrand In Rio,” (1958) all released on the Philips label, directed by Jacques Canetti. One of the high points of Legrand's early recording career was his 1956 album recorded with Boris and Henri Salvador (aka Henri Cording) under the pseudonym Big Mike “ a nickname Jean Cocteau had bestowed upon him! The following year, Legrand was invited to the USSR to perform at the Student Youth Festival. It was on this trip that he met his future wife, a young French model with who he went on to have three children (Hervé, Benjamin and Emilie).

In 1958, Legrand headed back across the Atlantic to the States and spent valuable time in New York, directing studio sessions where he mixed with the crème de la crème of the jazz world, working with the likes of Miles Davis, John Coltrane, Bill Evans and Ben Webster. The album “Legrand Jazz” was a result of this white-hot jazz period.

In 1955, Michel Legrand branched out in a new direction, writing the music for Henri Verneuil's film “Amants du Tage,” under the pseudonym Lucien Legrand. But Legrand's involvement in the world of French cinema really began in earnest in the late 50s when he was caught up in the French New Wave. Working in close collaboration with a new breed of French directors, Legrand kept up a hectic non-stop schedule, composing soundtracks for up to a dozen feature films and television films a year.

Between 1961 and 1967, Legrand scored seven films for directors Jean-Luc Godard, and Jacques Demy, with whom he would work on ten major feature films between 1961 and 1988. In short, Michel Legrand was responsible for creating a new - either much-loved or much-hated - genre in the French film world: the musical! Besides working with the most avant-garde directors of the “Nouvelle Vague”, Legrand also collaborated with a number of more 'traditional' French film-makers such as Gilles Grangier and Yves Allégret. He soon found himself in great demand abroad, too. The first foreign director to recognise Legrand's talent was Joseph Losey (for whom Legrand scored “Eva” in 1962). Losey and Legrand subsequently worked together on another three occasions, most famously for “The Go-Between” (which won the 'Palme d'or' at the Cannes film festival in 1971).

Legrand had long been familiar with the French 'chanson' world, having accompanied some of its biggest stars when he was a young 20-year-old just starting out in the business. He had also put in several years at the Philips label, orchestrating countless songs for the big names of the day. When Legrand met the famous Toulousan singer Claude Nougaro in 1962, the two men hit it off immediately thanks to their shared passion for jazz. The pair even went on to write a number of Nougaro classics together including “Les Dom Juan” and “Le Cinéma.” Legrand also went on to compose and arrange material for Serge Reggiani in 1970 and he worked with Yves Montand, too, composing hits such as “Coucher avec elle.” Meanwhile, Legrand's songs were covered by a number of international stars from Liza Minnelli to Greek diva Nana Mouskouri.

But it was Jacques Brel, a singer for whom Legrand had written arrangements in the 50s, that was to play a decisive role in Legrand's career , for Brel was the one that persuaded him to get up behind the microphone and start performing his own work. As early as 1964, Legrand began building his own repertoire with a helping hand from Eddy Marnay and Jean Dréjac (for the lyrics). Over the following years, he would also work with the likes of Jean-Loup Dabadie, Boris Bergman, Jean Guidoni and novelist (and occasional songwriter) Françoise Sagan. Ever eager to branch out and conquer new territory, Michel Legrand set off for Los Angeles in 1966, with his wife and three children in tow. He spent three years there, which turned out to be an amazingly productive period for him. In 1968, Legrand sat down and wrote the soundtrack to Norman Jewison's swinging 60s film “The Thomas Crown Affair.” The theme tune from the movie, “The Windmills Of Your Mind”, (”Les Moulins de mon c”ur”) which featured French lyrics by Eddy Marnay and English lyrics by Alan and Marilyn Bergman went on to become a huge hit. In fact, Legrand ended up scooping the Oscar for Best Film Theme Song in 1969. What's more, he won another famous gold statue two years later for Best Film Music thanks to “The Summer of '42”, a film which was famous for its theme song “The Summer Knows” (French lyrics by Jean Dréjac, English lyrics by Alan and Marilyn Bergman) performed by Barbra Streisand.

Needless to say, Michel Legrand went on to become a major star in the U.S. Indeed, he soon became such a household name that he was soon invited to appear on all the prime time chat shows from The Maurice Chevalier Show and The Danny Kaye Show to The Shirley Bassey Special. Legrand, who was nominated for a Grammy Award no less than 27 times, carried off the prestigious prize five times between 1971 and 1975.

America at that time also meant jazz, of course. And, jazz being one of Legrand's greatest passions in life, he went on to perform several concerts with Ray Brown in 1968 in the famous L.A. club, Shelly's Manne-Hole. The album, “Verve”, was produced as a result of this.

Legrand's astounding versatility continued, if anything increasing over the years. He took his film work to new heights, working with Clint Eastwood in 1973 and Orson Welles in 1976. In 1983, his theme tune to Barbra Streisand’s movie “Yentl” won him yet another Oscar. Later that same year, Legrand wrote the score for “Never Say Never Again” (the last James Bond film starring Sean Connery). Meanwhile, he also extended his work to the theatre, writing the music for Jean-Louis Barrault’s play “Jarry sur la butte” (1970) and “Monte Cristo” in 1975.

In January 1972, Legrand took to the stage in his own right, performing a successful run at the Olympia (in Paris) with the singer Caterina Valente. In 1975, he gave a helping hand to a young unknown singer, Jean Guidoni, helping assure his promote him as a new talent.

In 1974, Michel Legrand suffered a blow in his personal life when he lost his father, Raymond Legrand.

In the 80s, Legrand chose to devote his time and energy to jazz, forming a trio with drummer André Ceccarelli and double-bass virtuoso Marc-Michel Le Bévillon. The threesome went on to make three albums together. In 1982, Legrand pulled off another major musical exploit, getting the two famous saxophonists, Phil Woods and Zoot Sims, together in the studio to make the album “After The Rain.” Later that year, Legrand was responsible for organising the mega-Shirley Bassey show which opened Midem (the annual record industry fair in Cannes). His first solo album as a singer since 1972 was also released at this point.

In the late 80s, as part of the official celebrations for the Bicentenary of the French Revolution, Michel Legrand staged the première of his oratorio (based on the Universal Declaration of Human Rights) in Lyon. And he ended the decade branching out in a totally new direction, stepping behind the camera to direct his own film. “Cinq jours en juin”, starring Sabine Azema and Annie Girardot, hit French cinema screens in 1989, but failed to make a major impact on cinema-goers or the critics.

Following his work as part of a jazz trio, Legrand changed musical format in the 90s, creating a big band which he took on several international tours in subsequent years, accompanying Ray Charles, Diana Ross and Icelandic pop diva Björk. He then went off to Suresnes to record an album with the orchestra (which featured a number of well-known musicians including the Belmondo brothers). The album was released in September 1999. Legrand also organised a show at the Olympia for French violinist Stéphane Grappelli who celebrated his 85th birthday in 1992. (A CD was released to mark the occasion).

In 1995, Michel Legrand got down to his composing work, writing new material for Jean Guidoni’s album “Vertigo”. The pair took to the stage together at the Casino de Paris in 1996 for a joint show which won a coveted “Victoire de la musique” award. Throughout the 90s, Legrand returned to his classical roots on several occasions. He recorded several CDs with the trumpet-player Maurice André (in 1998 and 2004), staged performances of Erik Satie’s work three times (in 1993, 1999 and 2002) and conducted requiems by Fauré and Duruflé in 1994. In the meantime, a number of songs from his own repertoire were covered by the world-famous opera singer Kiri te Kanawa on an album entitled “Kiri Sings Michel Legrand.”

In 1997, working in collaboration with the playwright Didier Van Cauwelaert, Legrand staged a new show “Le Passe Muraille” (based on Marcel Aymé’s work) at Les Bouffes Parisiens. The show proved to be a big hit with theatre-goers and Legrand also took “Le Passe Muraille” to Japan in 2000. But when, in 2002, he attempted to reinvent the show on Broadway in a new adaptation, “Amour”, it proved to be a total flop.

Various Legrand compilations have been available on the international scene since the 1980s. But in 2001, Mercury/Universal finally got round to releasing an official Legrand anthology, summing up the versatile singer-composer-musician’s career. The year before, a major tribute was staged to Michel Legrand when a bevy of stars performed his classics at an open-air concert in the courtyard of the Louvre as part of the annual “Fête de la musique.” In 2003, Legrand received recognition at an even higher level, when he was presented with the ‘Légion d'honneur’. Snowed under with honours, music awards and Oscars, this formidable talent has never let fame go to his head or dull his prodigious artistic appetite.

In 2005, Universal Jazz released “Le Cinéma de Michel Legrand”, a boxed set compilation featuring Legrand's best known film soundtracks. But Legrand himself appeared reluctant to focus on the past and was not involved in the production of this 'greatest film hits.' The 4 CD set proved to be a veritable musical treasure trove, however, featuring 90 tracks composed in the course of Legrand's 50-year career.

In June 2005, Legrand returned to the studio. This time round, it was not to compose his own work, however, but to pay tribute to his late friend and music colleague, the Toulousan singer Claude Nougaro (who died in 2004). Working with a number of leading jazz musicians and using tapes of Nougaro's voice, Legrand recorded new versions of many of the “Little Bull's” lesser-known songs which they had written together in the course of various collaborations. The album “Legrand Nougaro” also included reworkings of Nougaro classics such as “Don Juan”, “Le Cinéma” and “Le Rouge et le Noir.” The album, which proved to be more of a jazz extravaganza than a strictly 'chanson' affair, featured a special bonus, including a new song “Mon Dernier Concert” (which Nougaro had written before his death but never recorded himself).
https://musicians.allaboutjazz.com/michellegrand

Note: Michel Legrand died on January 26, 2019.

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Biografía:
Es difícil clasificar al polifacético Michel Legrand en una sola categoría. Este cantante, compositor, arreglista, director de orquesta y productor francés sorprendentemente versátil ha disfrutado de una carrera fulgurante, destacando en una impresionante gama de ámbitos que van desde las bandas sonoras de películas y la "chanson" francesa hasta el jazz y la música clásica. Estrella internacional, que se ha ganado tanto el respeto en Estados Unidos como en Europa, Legrand es un músico insaciable cuya creatividad y ambición parecen no tener límites.

Michel Legrand nació en Bécon-les-Bruyères, en los suburbios de París, el 24 de febrero de 1932. Su madre, Marcelle der Mikaelian, se casó con Raymond Legrand, un músico francés famoso por éxitos como "Irma la douce". Michel pasó una infancia bastante solitaria, creciendo con su hermana, Christiane. Reveló un prodigioso talento musical a temprana edad, tocando el piano cuando tenía sólo cuatro años. De niño, le fascinó la vida del músico Franz Schubert. Finalmente, Michel se formó en el Conservatorio de París en 1942. Pasó siete años allí, estudiando con profesores de renombre como Nadia Boulanger, Henri Challan, Noël Gallon y Lucette Descaves. El joven prodigio ganó numerosos premios por sus habilidades en contrapunto, piano, fuga y solfeo (premio que recibió el 6 de junio de 1944).

En los años inmediatos a la posguerra, Michel Legrand descubrió una nueva pasión: el jazz. El momento que desencadenó esta conversión musical fue cuando asistió a un concierto de Dizzy Gillespie " y se marchó, ¡totalmente impresionado por lo que había visto! Cuando se graduó en el Conservatorio en 1949, Legrand ya había dominado una docena de instrumentos. Y se lanzó directamente al mundo de la chanson francesa, gracias a las presentaciones de su padre (con quien ya había renovado sus lazos). El talentoso adolescente pronto trabajó como acompañante de muchas de las principales estrellas francesas de la época, como Henri Salvador, Juliette Gréco, Zizi Jeanmaire y Catherine Sauvage.

En 1954, Legrand se apartó de las sombras del acompañamiento cuando el sello discográfico estadounidense Columbia-EMI le encargó un álbum de adaptaciones en inglés de clásicos franceses. El álbum "I Love Paris" vendió la asombrosa cantidad de 8 millones de copias, convirtiendo a Legrand en una estrella de la noche a la mañana tanto en casa como en el extranjero. Fue entonces cuando la legendaria estrella francesa de la chanson Maurice Chevalier se acercó a Legrand y le ofreció un puesto como director musical. Legrand aceptó y, en compañía de Chevalier, cruzó el Atlántico, descubriendo los Estados Unidos en el curso de numerosas giras.

Mientras tanto, la carrera en solitario de Legrand seguía avanzando con fuerza. Grabó toda una serie de álbumes: "Holiday In Rome" (1955), "Michel Legrand Plays Cole Porter" (1957) y "Legrand In Rio" (1958), todos publicados por el sello Philips, dirigido por Jacques Canetti. Uno de los puntos culminantes de la carrera discográfica de Legrand fue su álbum de 1956 grabado con Boris y Henri Salvador (alias Henri Cording) bajo el seudónimo de Big Mike " un apodo que Jean Cocteau le había dado! Al año siguiente, Legrand fue invitado a la URSS para actuar en el Festival de la Juventud Estudiantil. En este viaje conoció a su futura esposa, una joven modelo francesa con la que tuvo tres hijos (Hervé, Benjamin y Emilie).

En 1958, Legrand volvió a cruzar el Atlántico a los Estados Unidos y pasó un tiempo valioso en Nueva York, dirigiendo sesiones de estudio donde se mezcló con la crème de la crème del mundo del jazz, trabajando con gente como Miles Davis, John Coltrane, Bill Evans y Ben Webster. El álbum "Legrand Jazz" fue el resultado de este período de jazz al rojo vivo.

En 1955, Michel Legrand tomó una nueva dirección, escribiendo la música de la película "Amants du Tage" de Henri Verneuil, bajo el seudónimo de Lucien Legrand. Pero la implicación de Legrand en el mundo del cine francés comenzó realmente en serio a finales de los 50 cuando se vio envuelto en la Nueva Ola Francesa. Trabajando en estrecha colaboración con una nueva generación de directores franceses, Legrand mantuvo una agitada agenda sin parar, componiendo bandas sonoras para hasta una docena de películas de cine y televisión al año.

Entre 1961 y 1967, Legrand realizó siete películas para los directores Jean-Luc Godard y Jacques Demy, con los que trabajaría en diez grandes largometrajes entre 1961 y 1988. En resumen, Michel Legrand fue el responsable de crear un nuevo género -muy querido o muy odiado- en el mundo del cine francés: ¡el musical! Además de trabajar con los directores más vanguardistas de la "Nouvelle Vague", Legrand también colaboró con algunos cineastas franceses más "tradicionales" como Gilles Grangier e Yves Allégret. Pronto se encontró también muy solicitado en el extranjero. El primer director extranjero que reconoció el talento de Legrand fue Joseph Losey (para el que Legrand firmó "Eva" en 1962). Posteriormente, Losey y Legrand trabajaron juntos en otras tres ocasiones, la más famosa de ellas para "The Go-Between" (que ganó la 'Palma de Oro' en el festival de cine de Cannes en 1971).

Legrand conocía desde hacía mucho tiempo el mundo de la chanson francesa, ya que había acompañado a algunas de sus mayores estrellas cuando era un joven de 20 años que empezaba en el negocio. También había trabajado varios años en el sello Philips, orquestando incontables canciones para los grandes nombres del momento. Cuando Legrand conoció al famoso cantante tolosano Claude Nougaro en 1962, los dos hombres se llevaron bien inmediatamente gracias a su pasión común por el jazz. Incluso escribieron juntos varios clásicos de Nougaro como "Les Dom Juan" y "Le Cinéma". Legrand también pasó a componer y arreglar material para Serge Reggiani en 1970 y trabajó con Yves Montand, también, componiendo éxitos como "Coucher avec elle". Mientras tanto, las canciones de Legrand fueron cubiertas por varias estrellas internacionales, desde Liza Minnelli a la diva griega Nana Mouskouri.

Pero fue Jacques Brel, un cantante para el que Legrand había escrito arreglos en los años 50, el que jugó un papel decisivo en la carrera de Legrand , ya que Brel fue el que le convenció para que se pusiera detrás del micrófono y empezara a interpretar su propia obra. Ya en 1964, Legrand comenzó a construir su propio repertorio con la ayuda de Eddy Marnay y Jean Dréjac (para las letras). Durante los años siguientes, también trabajaría con gente como Jean-Loup Dabadie, Boris Bergman, Jean Guidoni y la novelista (y compositora ocasional) Françoise Sagan. Siempre deseoso de expandirse y conquistar nuevos territorios, Michel Legrand partió hacia Los Ángeles en 1966, con su esposa y sus tres hijos. Pasó allí tres años, que resultaron ser un período increíblemente productivo para él. En 1968, Legrand se sentó y escribió la banda sonora de la película de los 60 de Norman Jewison "The Thomas Crown Affair". El tema de la película, "Los molinos de tu mente", ("Les Moulins de mon c "ur"), con letra francesa de Eddy Marnay y letra inglesa de Alan y Marilyn Bergman, se convirtió en un gran éxito. De hecho, Legrand terminó ganando el Oscar a la mejor canción temática en 1969. Es más, ganó otra famosa estatua de oro dos años más tarde por la mejor música de película gracias a "El verano del 42", una película famosa por su canción temática "El verano sabe" (letra francesa de Jean Dréjac, letra inglesa de Alan y Marilyn Bergman) interpretada por Barbra Streisand.

No hace falta decir que Michel Legrand se convirtió en una gran estrella en los EE.UU. De hecho, pronto se hizo tan conocido que pronto fue invitado a aparecer en todos los programas de chat en horario de máxima audiencia, desde The Maurice Chevalier Show y The Danny Kaye Show hasta el especial de Shirley Bassey. Legrand, que fue nominado para un premio Grammy no menos de 27 veces, se llevó el prestigioso premio cinco veces entre 1971 y 1975.

América en ese momento también significaba jazz, por supuesto. Y, siendo el jazz una de las mayores pasiones de Legrand en la vida, realizó varios conciertos con Ray Brown en 1968 en el famoso club de Los Ángeles, Shelly's Manne-Hole. El álbum, "Verve", fue producido como resultado de esto.

La asombrosa versatilidad de Legrand continuó, si acaso aumentando a lo largo de los años. Llevó su trabajo cinematográfico a nuevas alturas, trabajando con Clint Eastwood en 1973 y Orson Welles en 1976. En 1983, su tema de la película "Yentl" de Barbra Streisand le hizo ganar otro Oscar. Más tarde ese mismo año, Legrand escribió la partitura de "Never Say Never Again" (la última película de James Bond protagonizada por Sean Connery). Mientras tanto, también extendió su trabajo al teatro, escribiendo la música para la obra de Jean-Louis Barrault "Jarry sur la butte" (1970) y "Monte Cristo" en 1975.

En enero de 1972, Legrand se subió al escenario por derecho propio, realizando una exitosa carrera en el Olympia (en París) con la cantante Caterina Valente. En 1975, ayudó a un joven cantante desconocido, Jean Guidoni, asegurando su promoción como un nuevo talento.

En 1974, Michel Legrand sufrió un golpe en su vida personal cuando perdió a su padre, Raymond Legrand.

En los años 80, Legrand eligió dedicar su tiempo y energía al jazz, formando un trío con el baterista André Ceccarelli y el virtuoso del contrabajo Marc-Michel Le Bévillon. El trío llegó a hacer tres álbumes juntos. En 1982, Legrand realizó otra gran hazaña musical, reuniendo a los dos famosos saxofonistas, Phil Woods y Zoot Sims, en el estudio para hacer el álbum "After The Rain". Más tarde ese año, Legrand fue responsable de organizar el mega-show de Shirley Bassey que inauguró Midem (la feria anual de la industria discográfica en Cannes). Su primer álbum en solitario como cantante desde 1972 también fue lanzado en este momento.

A finales de los años 80, en el marco de las celebraciones oficiales del Bicentenario de la Revolución Francesa, Michel Legrand estrenó en Lyon su oratorio (basado en la Declaración Universal de los Derechos Humanos). Y terminó la década tomando una dirección totalmente nueva, poniéndose detrás de la cámara para dirigir su propia película. "Cinq jours en juin", protagonizada por Sabine Azema y Annie Girardot, llegó a las pantallas francesas en 1989, pero no tuvo gran repercusión ni en los espectadores ni en la crítica.

Después de su trabajo como parte de un trío de jazz, Legrand cambió de formato musical en los años 90, creando una big band que realizó varias giras internacionales en los años siguientes, acompañando a Ray Charles, Diana Ross y a la diva del pop islandés Björk. Luego se fue a Suresnes para grabar un álbum con la orquesta (en el que participaron varios músicos conocidos, entre ellos los hermanos Belmondo). El álbum se publicó en septiembre de 1999. Legrand también organizó un espectáculo en el Olimpia para el violinista francés Stéphane Grappelli, que celebró su 85 cumpleaños en 1992. (Un CD fue lanzado para marcar la ocasión).

En 1995, Michel Legrand se puso manos a la obra para componer, escribiendo nuevo material para el álbum "Vértigo" de Jean Guidoni. La pareja subió al escenario juntos en el Casino de París en 1996 para un espectáculo conjunto que ganó el codiciado premio "Victoire de la musique". A lo largo de los 90, Legrand volvió a sus raíces clásicas en varias ocasiones. Grabó varios discos compactos con el trompetista Maurice André (en 1998 y 2004), realizó tres representaciones de la obra de Erik Satie (en 1993, 1999 y 2002) y dirigió réquiemes de Fauré y Duruflé en 1994. Mientras tanto, varias canciones de su propio repertorio fueron cubiertas por el cantante de ópera mundialmente famoso Kiri te Kanawa en un álbum titulado "Kiri Sings Michel Legrand".

En 1997, en colaboración con el dramaturgo Didier Van Cauwelaert, Legrand puso en escena en Les Bouffes Parisiens un nuevo espectáculo "Le Passe Muraille" (basado en la obra de Marcel Aymé). El espectáculo tuvo un gran éxito entre los espectadores y Legrand también llevó "Le Passe Muraille" a Japón en 2000. Pero cuando en 2002 intentó reinventar el espectáculo en Broadway en una nueva adaptación, "Amour", resultó ser un fracaso total.

Varias compilaciones de Legrand han estado disponibles en la escena internacional desde la década de 1980. Pero en 2001, Mercury/Universal finalmente logró lanzar una antología oficial de Legrand, que resume la carrera del versátil cantante-compositor-músico. El año anterior, se rindió un gran homenaje a Michel Legrand cuando un grupo de estrellas interpretó sus clásicos en un concierto al aire libre en el patio del Louvre como parte de la "Fête de la musique" anual. En 2003, Legrand recibió un reconocimiento de un nivel aún más alto, cuando se le otorgó la "Légion d'honneur". Bajo la nieve de los honores, los premios de la música y los Oscars, este formidable talento no ha dejado nunca que la fama se le suba a la cabeza ni que se apague su prodigioso apetito artístico.

En 2005, Universal Jazz lanzó "Le Cinéma de Michel Legrand", una compilación en caja con las bandas sonoras de las películas más conocidas de Legrand. Pero el propio Legrand parecía reacio a centrarse en el pasado y no participó en la producción de este "gran éxito cinematográfico". El set de 4 CDs resultó ser un verdadero tesoro musical, sin embargo, con 90 canciones compuestas en el curso de los 50 años de carrera de Legrand.

En junio de 2005, Legrand volvió al estudio. Esta vez no fue para componer su propia obra, sino para rendir homenaje a su difunto amigo y colega musical, el cantante tolosano Claude Nougaro (fallecido en 2004). Trabajando con algunos de los principales músicos de jazz y utilizando cintas de la voz de Nougaro, Legrand grabó nuevas versiones de muchas de las canciones menos conocidas de "Little Bull" que habían escrito juntos en el curso de varias colaboraciones. El álbum "Legrand Nougaro" también incluía reelaboraciones de clásicos de Nougaro como "Don Juan", "Le Cinéma" y "Le Rouge et le Noir". El álbum, que resultó ser más un extravagante espectáculo de jazz que un asunto estrictamente de "chanson", incluía un bono especial, incluyendo una nueva canción "Mon Dernier Concert" (que Nougaro había escrito antes de su muerte pero que nunca grabó él mismo).
https://musicians.allaboutjazz.com/michellegrand

Nota: Michel Legrand murió el 26 de enero de 2019.

http://michellegrandofficial.com/

Hank Mobley • Workout

 

Review by Scott Yanow
This is one of the best-known Hank Mobley recordings, and for good reason. Although none of his four originals ("Workout," "Uh Huh," "Smokin'," "Greasin' Easy") caught on, the fine saxophonist is in top form. He jams on the four tunes, plus "The Best Things in Life Are Free," with an all-star quintet of young modernists -- guitarist Grant Green, pianist Wynton Kelly, bassist Paul Chambers, and drummer Philly Joe Jones -- and shows that he was a much stronger player than his then-current boss Miles Davis seemed to think. [Some reissues add a version of "Three Coins in the Fountain" from the same date, originally released on Another Workout.]

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Reseña de Scott Yanow
Esta es una de las grabaciones más conocidas de Hank Mobley, y por una buena razón. Aunque ninguno de sus cuatro originales ("Workout", "Uh Huh", "Smokin'", "Greasin' Easy") tuvo éxito, el excelente saxofonista está en plena forma. Toca las cuatro melodías, además de "Las mejores cosas de la Vida Son Gratis", con un quinteto estelar de jóvenes modernistas-el guitarrista Grant Green, el pianista Wynton Kelly, el bajista Paul Chambers y el baterista Philly Joe Jones-y demuestra que era un jugador mucho más fuerte de lo que parecía pensar su entonces actual jefe Miles Davis. [Algunas reediciones agregan una versión de" Three Coins in the Fountain " de la misma fecha, lanzada originalmente en Another Workout.]

Art Taylor • A.T.'s Delight

 

 

Review
by Steve Leggett
Although Art Taylor was one of the busiest modern second-generation jazz drummers, working in the studio with Coleman Hawkins, Donald Byrd, John Coltrane and many others, he only released five albums under his own name, of which A.T.'s Delight was the third. And a delight it is indeed, bright and percussive, and when conga player Carlos "Patato" Valdes joins Taylor and pianist Wynton Kelly and bassist Paul Chambers on three cuts (Thelonious Monk's "Epistrophy," "Move" and a Taylor calypso-inflected original called "Cookoo and Fungi"), the rhythm pocket opens into a deep blue sea for the horn men (Stanley Turrentine on tenor sax and Dave Burns on trumpet). "Move" does exactly that, it moves, and at a blistering pace. Monk's "Epistrophy," thanks in part to Valdes, reveals its rumba roots, and has never sounded brighter. The seldom-covered Coltrane composition "Syeeda's Song Flute" seems likewise refreshed and revived. The lone Taylor original, the driving "Cookoo and Fungi," is as sharp and alert is a kitten waking from a nap in the spring sun, and Taylor's drum solo is crisp, efficient and slides seamlessly into the calypso-informed main theme. A.T.'s Delight is a solid outing, with a wonderfully nervous but completely focused energy.
https://www.allmusic.com/album/ats-delight-mw0000201263

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Reseña
por Steve Leggett
Aunque Art Taylor fue uno de los bateristas modernos de segunda generación más activos, trabajando en el estudio con Coleman Hawkins, Donald Byrd, John Coltrane y muchos otros, sólo publicó cinco álbumes bajo su propio nombre, de los cuales A.T.'s Delight fue el tercero. Y es una delicia, brillante y percusiva, y cuando el conguero Carlos "Patato" Valdés se une a Taylor y al pianista Wynton Kelly y al bajista Paul Chambers en tres cortes ("Epistrophy" de Thelonious Monk, "Move" y un original de Taylor con influencias calipso llamado "Cookoo and Fungi"), la bolsa rítmica se abre en un profundo mar azul para los hombres de las trompas (Stanley Turrentine al saxo tenor y Dave Burns a la trompeta). "Move" hace exactamente eso, moverse, y a un ritmo vertiginoso. Epistrophy" de Monk, gracias en parte a Valdés, revela sus raíces rumberas, y nunca ha sonado más brillante. La composición de Coltrane "Syeeda's Song Flute", rara vez cubierta, parece igualmente refrescada y revivida. El único original de Taylor, "Cookoo and Fungi", es tan agudo y alerta como un gatito despertando de una siesta bajo el sol de primavera, y el solo de batería de Taylor es nítido, eficiente y se desliza sin problemas en el tema principal informado por el calipso. A.T.'s Delight es una salida sólida, con una energía maravillosamente nerviosa pero completamente centrada.
https://www.allmusic.com/album/ats-delight-mw0000201263

Bennie Green • The 45 Session

 

 

Review
by Stephen Thomas Erlewine  
Trombonist Bennie Green cut four sessions for Blue Note Records, three of which were released as full-length LPs. At the remaining session, the group cut a series of eight songs that were intended for release as singles -- as reissue producer Michael Cuscuna points out, several songs fade out at the end on the master tapes, cutting off solos just as they're beginning to take off. The Japanese issue The 45 Session collects all nine masters, including one alternate take of Babs Gonzales' vocal tribute to Bennie, "Encore." Considering the strength of Green's combo -- it boasted pianist Sonny Clark, bassist Paul Chambers, tenor saxophonist Eddy Williams, and drummer Jerry Segal -- it's a bit frustrating to hear the songs in truncated form, but since that's the only way they exist, fans should cherish what we do have. And this is music to cherish. Green's Blue Note recordings are consistently fun, and this is no exception. Each song swings with energy, offering each instrumentalist a chance to shine -- the piano-handclap breakdown on "Minor Revelation" is as infectious as the blowing "It's Groovy" or the swinging interpretation of "Why Do I Love You." This is cheery, bluesy, good-natured music, and even if Gonzales' hipster salute to Green has dated a bit, the rest of the music is as appealing today as when it was recorded.
https://www.allmusic.com/album/the-45-session-mw0000960169

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Reseña
por Stephen Thomas Erlewine  
El trombonista Bennie Green grabó cuatro sesiones para Blue Note Records, tres de las cuales se publicaron como LPs completos. En la sesión restante, el grupo grabó una serie de ocho canciones que estaban destinadas a ser publicadas como singles - como señala el productor de la reedición, Michael Cuscuna, varias canciones se desvanecen al final en las cintas maestras, cortando los solos justo cuando empiezan a despegar. La edición japonesa The 45 Session recoge los nueve masters, incluyendo una toma alternativa del homenaje vocal de Babs Gonzales a Bennie, "Encore". Teniendo en cuenta la fuerza del combo de Green -que contaba con el pianista Sonny Clark, el bajista Paul Chambers, el saxofonista tenor Eddy Williams y el baterista Jerry Segal- es un poco frustrante escuchar las canciones en forma truncada, pero ya que esa es la única forma en que existen, los fans deben apreciar lo que tenemos. Y esto es música para apreciar. Las grabaciones de Green en Blue Note son siempre divertidas, y ésta no es una excepción. Cada canción se balancea con energía, ofreciendo a cada instrumentista la oportunidad de brillar - el desglose de palmas de piano en "Minor Revelation" es tan contagioso como el soplido de "It's Groovy" o la interpretación de swing de "Why Do I Love You". Se trata de música alegre, bluesera y de buen humor, y aunque el saludo hipster de Gonzales a Green ha quedado un poco anticuado, el resto de la música es tan atractiva hoy como cuando se grabó.
https://www.allmusic.com/album/the-45-session-mw0000960169

'Philly' Joe Jones & Paul Chambers • The Music of John Graas

 

Review by Scott Yanow
The packaging of this CD is a little confusing. Although John Graas gets first billing, he is actually only on the first three selections (taken from Jazz Lab, Vol. 2). Of the remaining ten numbers, five are by Graas but he does not play a single note. Those selections were originally issued under bassist Paul Chambers' name for Vee Jay but have long been obscure, being reissued on a Xanadu LP and in England by Affinity. There are individual features for Jack Montrose ("There Will Never Be Another You"), Bill Perkins ("The Song Is Ended") and Paul Moer ("Neat Foot") plus a previously unreleased bass-drums duet by Paul Chambers and Philly Joe Jones ("I'm Confessin' That I Love You"). The other seven selections are by a quintet with all of the musicians other than Graas. In any case, the music is well-played, cool-toned bop and gives one an opportunity to hear a variety of underrated musicians from the 1950s. This set is worth exploring. Just don't expect many French horn solos!
https://www.allmusic.com/album/westlake-bounce-mw0000633053

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Reseña de Scott Yanow
El embalaje de este CD es un poco confuso. Aunque John Graas aparece en primer lugar, en realidad sólo está en las tres primeras selecciones (tomadas de Jazz Lab, Vol. 2). De los diez números restantes, cinco son de Graas, pero no toca ni una sola nota. Estas selecciones se publicaron originalmente bajo el nombre del bajista Paul Chambers para Vee Jay, pero hace tiempo que se han perdido de vista, siendo reeditadas en un LP de Xanadu y en Inglaterra por Affinity. Hay temas individuales de Jack Montrose ("There Will Never Be Another You"), Bill Perkins ("The Song Is Ended") y Paul Moer ("Neat Foot"), además de un dúo inédito de bajo y batería de Paul Chambers y Philly Joe Jones ("I'm Confessin' That I Love You"). Las otras siete selecciones son de un quinteto con todos los músicos excepto Graas. En cualquier caso, la música está bien tocada, es bop de tono fresco y ofrece la oportunidad de escuchar a una variedad de músicos infravalorados de los años cincuenta. Merece la pena explorar este conjunto. Eso sí, ¡no esperes muchos solos de trompa!
https://www.allmusic.com/album/westlake-bounce-mw0000633053

Hank Mobley • Soul Station

 

Soul Station es unánimemente considerado el disco más destacado de Hank Mobley, un infravalorado y saxofonista de referencia en la mitad del siglo XX, y uno de los valores incontestables del selecto catalogo de Blue Note. Acompañado de una rítmica maravillosa con Wynton Kelly al piano, Paul Chambers al bajo y el maestro de la batería Art Blakey, el disco es denso por momentos, como la música de sus maestros Coltrane y Rollins, o suave y relajado en algunos pasajes rememorando las influencias de Lester o Webster.

Porque Hank Mobley no necesitó copiar ni estilos ni sonidos. Fue un músico muy creativo, con estilo propio y propietario de un sonido singular. "Soul Station" es un disco redondo, lleno de swing y con nuestro saxofonista en plena madurez creativa. Un álbum para disfrutar plenamente de la belleza de esta música, para escucharlo sin prisas, de principio a fin. El swing fluye de manera natural, fresco y subyugante del saxo de Hank Mobley y uno a uno los seis temas que componen el álbum, conforman toda una obra maestra a la que sin duda de ningún tipo, contribuyen el virtuosismo y la calidad de los músicos que acompañan a Hank Mobley en esta grabación.

La discografía como líder de Hank Mobley comprende desde 1955 cuando grabó para Blue Note su álbum de presentación titulado: "The Hank Mobley Quartet", hasta 1974, y además de ser extensa, es de una calidad media extraordinaria y en la que sobresalen dos títulos que bien podrían catalogarse como obras maestras. Una es este álbum que hoy recomendamos y el segundo disco imprescindible en la discográfica de Mobley es el titulado: "Dippin'" grabado en 1965 también para la Blue Note y probablemente el ultimo disco importante del músico. En "Dippin" tocan, Lee Morgan a la trompeta, Harold Mabern al piano, Larry Ridley al bajo y Billy Higgins a la batería.

Hank Mobley tuvo muy claro lo que debía aportar como jazzista. El hard bop era su razón de ser y lo fue por siempre hasta que falleció en 1986.
https://www.apoloybaco.com/jazz/index.php?option=com_content&view=article&id=2620&Itemid=335

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Often overlooked, perhaps because he wasn't a great innovator in jazz but merely a stellar performer, tenor saxophonist Hank Mobley was at the peak of his powers on Soul Station. Recorded with a superstar quartet including Art Blakey on drums, Paul Chambers on bass, and Wynton Kelly on piano, it was the first album since Mobley's 1955 debut to feature him as a leader without any other accompanying horns. The clean, uncomplicated sound that resulted from that grouping helps make it the best among his albums and a peak moment during a particularly strong period in his career. Mobley has no problem running the show here, and he does it without being flashy or burying the strong work of his sidemen. The solidness of his technique means that he can handle material that is occasionally rhythmically intricate, while still maintaining the kind of easy roundness and warmth displayed by the best players of the swing era. Two carefully chosen standards, "Remember" and "If I Should Lose You," help to reinforce that impression by casting an eye back to the classic jazz era. They bookend four Mobley originals that, in contrast, reflect the best of small-group composition with their lightness and tight dynamics. Overall, this is a stellar set from one of the more underrated musicians of the bop era.
https://www.allmusic.com/album/soul-station-mw0000649652

Warne Marsh • Warne Marsh

 

 

 

Biography
by Scott Yanow
Along with Lee Konitz, Warne Marsh was the most successful "pupil" of Lennie Tristano and, unlike Konitz, Marsh spent most of his career exploring chordal improvisation the Tristano way. The cool-toned tenor played with Hoagy Carmichael's Teenagers during 1944-1945 and then after the Army, he was with Buddy Rich (1948) before working with Lennie Tristano (1949-1952). His recordings with Tristano and Konitz still sound remarkable today with unisons that make the two horns sound like one. Marsh had occasional reunions with Konitz and Tristano through the years, spent periods outside of music, and stayed true to his musical goals. He moved to Los Angeles in 1966 and worked with Supersax during 1972-1977, also filling in time teaching. Marsh, who collapsed and died on stage at the legendary Donte's club in 1987 while playing "Out of Nowhere," is now considered legendary. He recorded as a leader for Xanadu, Imperial, Kapp, Mode (reissued on V.S.O.P.), Atlantic, Wave, Storyville, Revelation, Interplay, Criss Cross, and Hot Club.
https://www.allmusic.com/artist/warne-marsh-mn0000193802/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Junto con Lee Konitz, Warne Marsh fue el "alumno" más exitoso de Lennie Tristano y, a diferencia de Konitz, Marsh pasó la mayor parte de su carrera explorando la improvisación de acordes a la manera de Tristano. Este tenor de tono frío tocó con los Teenagers de Hoagy Carmichael durante 1944-1945 y, después del ejército, estuvo con Buddy Rich (1948) antes de trabajar con Lennie Tristano (1949-1952). Sus grabaciones con Tristano y Konitz todavía suenan de forma notable, con unísonos que hacen que las dos trompas suenen como una sola. Marsh se reunió ocasionalmente con Konitz y Tristano a lo largo de los años, pasó periodos fuera de la música y se mantuvo fiel a sus objetivos musicales. Se trasladó a Los Ángeles en 1966 y trabajó con Supersax durante 1972-1977, ocupando también tiempo en la enseñanza. Marsh, que se desplomó y murió en el escenario del legendario club Donte's en 1987 mientras tocaba "Out of Nowhere", es considerado ahora una leyenda. Grabó como líder para Xanadu, Imperial, Kapp, Mode (reeditado en V.S.O.P.), Atlantic, Wave, Storyville, Revelation, Interplay, Criss Cross y Hot Club.
https://www.allmusic.com/artist/warne-marsh-mn0000193802/biography

Jackie McLean • McLean's Scene

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
Altoist Jackie McLean tended to downgrade his Prestige recordings due to the low pay, the little prior preparation, and the jam session feel of the music. Although all of the above is true, the music (while not on a par with his Blue Note recordings of the '60s) is still pretty worthy, particularly when compared to the output of his contemporaries. McLean never really copied Charlie Parker and was one of the first in his generation to develop his own sound. Three of the six selections on this LP (a pair of standards and a blues) feature McLean with trumpeter Bill Hardman, pianist Red Garland, bassist Paul Chambers, and drummer Art Taylor. The remainder of the set is from a marathon quartet set with pianist Mal Waldron, bassist Arthur Phipps, and drummer Art Taylor, which would result in material that was used as part of five separate albums. McLean is in lyrical form on "Our Love Is Here to Stay" and "Old Folks" while playing with great intensity on his accurately titled original "Outburst."
https://www.allmusic.com/album/mcleans-scene-mw0000272558

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
El altista Jackie McLean tendía a menospreciar sus grabaciones para Prestige debido al bajo pago, la escasa preparación previa y el ambiente de jam session de la música. Aunque todo lo anterior es cierto, la música (si bien no está a la par de sus grabaciones para Blue Note de los años 60) sigue siendo bastante valiosa, especialmente en comparación con la producción de sus contemporáneos. McLean nunca copió realmente a Charlie Parker y fue uno de los primeros de su generación en desarrollar su propio sonido. Tres de las seis selecciones de este LP (un par de standards y un blues) presentan a McLean con el trompetista Bill Hardman, el pianista Red Garland, el bajista Paul Chambers y el baterista Art Taylor. El resto del set proviene de una maratónica sesión de cuarteto con el pianista Mal Waldron, el bajista Arthur Phipps y el baterista Art Taylor, que daría lugar a material utilizado en cinco álbumes separados. McLean está en forma lírica en "Our Love Is Here to Stay" y "Old Folks", mientras toca con gran intensidad en su acertadamente titulado original "Outburst."
https://www.allmusic.com/album/mcleans-scene-mw0000272558

The Adderley Brothers • The Summer Of '55

 

Review from AllMusic:
Julian "Cannonball" Adderley and Nat Adderley are both legendary names in jazz now, but when the material on these two discs was recorded in 1955, they were newcomers on the New York jazz scene. These 21 tracks were originally released on three separate LPs: the first as Bohemia After Dark (with drummer Kenny Clarke billed as leader), the second under Cannonball's name as Spontaneous Combustion, and the third titled That's Nat. This reissue leaves the tracks in the same order as that found on the original LPs (with the addition of several alternate takes). The playing is stupendous, and Cannonball's alto sax is particularly reminiscent of Charlie Parker at the peak of his powers. Cannonball and Nat's compositions, especially the very boppish "Chasm" and the bluesy "Hear Me Talkin' to Ya" simultaneously hark back to and expand the bebop tradition in a way that would lead directly to the hard bop sound of Art Blakey and others.
https://www.allmusic.com/album/the-summer-of-55-mw0000252296

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Reseña de AllMusic:
Julian "Cannonball" Adderley y Nat Adderley son ahora nombres legendarios en el jazz, pero cuando el material de estos dos discos fue grabado en 1955, eran recién llegados a la escena del jazz de Nueva York. Estos 21 temas fueron publicados originalmente en tres LPs separados: el primero como Bohemia After Dark (con el baterista Kenny Clarke acreditado como líder), el segundo bajo el nombre de Cannonball como Spontaneous Combustion, y el tercero titulado That's Nat. Esta reedición mantiene los temas en el mismo orden que el encontrado en los LPs originales (con la adición de varias tomas alternativas). La interpretación es estupenda, y el saxofón alto de Cannonball recuerda particularmente a Charlie Parker en la cima de sus poderes. Las composiciones de Cannonball y Nat, especialmente el muy boppish "Chasm" y el bluesy "Hear Me Talkin' to Ya" evocan y expanden simultáneamente la tradición del bebop de una manera que llevaría directamente al sonido hard bop de Art Blakey y otros.
https://www.allmusic.com/album/the-summer-of-55-mw0000252296

A.K. Salim • Pretty for the People

 

Lee Morgan • Best of

  

Review by Richard S. Ginell
Curious listeners who encounter Lee Morgan for the first time through this single-disc anthology will come away mightily impressed, even inspired, but they will be hearing only the first part of the story. The album picks up on his teenage whiz kid days circa 1957, then jumps ahead to his renaissance in 1963-1965 as the high priest of hard bop boogaloo. Besides showcasing Morgan's brash, crackling, infinitely expressive trumpet playing, the album does a good job of emphasizing his abundant, still-underrated gifts as a composer -- with "The Sidewinder," of course, but also the strikingly lovely bossa nova "Ceora" and the near standard "Speedball." With its three bonus tracks, "I Remember Clifford," "Cornbread," and especially "Mr. Kenyatta," the CD version adds compelling corroborating evidence of Morgan's originality. The major hang-up, alas, is that the album cuts off the time line at 1965, thus leaving out Morgan's gradual move away from boilerplate hard bop toward modal, progressive explorations that reached an exciting peak on 1970's Live at the Lighthouse. The selections included here will no doubt satisfy those who would want to keep this tremendous talent locked into a single airtight box -- and frankly, it would be difficult to dispute any of the choices on their own terms. But the rest of Morgan's tragically aborted evolution deserves representation on a set like this.
https://www.allmusic.com/album/the-best-of-lee-morgan-mw0000198488

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Reseña de Richard S. Ginell
Los oyentes curiosos que se encuentren con Lee Morgan por primera vez a través de esta antología de un solo disco saldrán muy impresionados, incluso inspirados, pero sólo escucharán la primera parte de la historia. El álbum se remonta a sus días de adolescente alrededor de 1957, y luego salta a su renacimiento en 1963-1965 como sumo sacerdote del hard bop boogaloo. Además de mostrar el descarado, crepitante e infinitamente expresivo toque de trompeta de Morgan, el álbum hace un buen trabajo al enfatizar sus abundantes y aún subestimadas dotes como compositor - con "The Sidewinder", por supuesto, pero también la sorprendentemente encantadora bossa nova "Ceora" y el casi estándar "Speedball". Con sus tres temas extra, "I Remember Clifford", "Cornbread" y, sobre todo, "Mr. Kenyatta", la versión en CD añade pruebas convincentes que corroboran la originalidad de Morgan. El mayor problema, por desgracia, es que el álbum corta la línea de tiempo en 1965, dejando de lado el gradual alejamiento de Morgan del hard bop caldera hacia exploraciones modales y progresivas que alcanzaron un emocionante pico en el Live at the Lighthouse de 1970. Las selecciones incluidas aquí sin duda satisfarán a aquellos que quieran mantener este tremendo talento encerrado en una sola caja hermética - y francamente, sería difícil discutir cualquiera de las opciones en sus propios términos. Pero el resto de la evolución trágicamente abortada de Morgan merece ser representada en un conjunto como éste.
https://www.allmusic.com/album/the-best-of-lee-morgan-mw0000198488

www.bluenote.com/lee-morgan ...