Stephane Grappelli & Diz Dizley Trio • Violinspiration

Review by Scott Yanow

Violinist Stephane Grappelli teamed up with the perfectly complementary Diz Disley Trio (featuring Disley and Ike Isaacs on guitar and bassist Isla Eckinger) for a spirited program of standards on this LP. Even if he has played some of these songs (such as "Shine" and "Ain't Misbehavin'") a countless numbers of times through the years, Grappelli never loses enthusiasm nor runs out of new variations.

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Reseña de Scott Yanow

El violinista Stéphane Grappelli se unió al perfectamente complementario Diz Disley Trio (con Disley e Ike Isaacs en la guitarra y el bajista Isla Eckinger) para un animado programa de estándares en este LP. Aunque ha tocado algunas de estas canciones (como "Shine" y "Ain't Misbehavin'") innumerables veces a lo largo de los años, Grappelli nunca pierde el entusiasmo ni se queda sin nuevas variaciones.

Clarence "Gatemouth" Brown • Blackjack

Multi-instrumentalist, multi-directional genius Clarence Gatemouth Brown flaunts his natural gifts on Blackjack (Sugar Hill 3891; 44:26). The jazziest of all the great, old school bluesman, Gatemouth fingerpicks his way through the instrumental “Tippin’ In” with typical elan and burns a blue streak on two fiercely swinging uptempo jump blues workouts-“Pressure Cooker,” title track from a great mid-’80s album on Alligator, and Billy Butler’s “Honey Boy.” Pedal steel ace Don Buzard (the album is dedicated to his memory) turns heads on those three instrumental tracks with his idiosyncratic virtuosity. Buzard switches to dobro on the Grand Ol’ Opry-styled offering “Dark End of the Hallway,” which features some lyrical turns by Gate on viola. Brown picks up his fiddle and deals in inimitable fashion on the country flavored instrumental “Song for Renee,” throwing in a comical quote from “Love in Bloom” (Jack Benny’s old theme) before launching into some bluesy abandon. The revved up instrumental closer “Up Jumped the Devil” is proving ground for every bluegrass fiddler, and Gate passes with flying colors. His instrumental version of Wiley Walker’s “When My Blue Moon Turns to Gold Again,” another fiddle showcase, is straight from the country (cajun country, that is). The energized, hilarious shuffle “Street Corner” is Gate’s chance to wail on harmonica and he struts his stuff on mandolin on the bluegrassy instrumental romp “Take Me Back to Tulsa.” On “Here Am I,” his lament about love lost and lonliness, Rev. Gate speaks with the knowing of a blues preacher while on the menacing title track he sings about “cuttin’ yo’ doggone head.” A complex man of many moods and varied talents, the one and onliest Gatemouth delivers all the goods on this excellent sampler.

By Bill Milkowski

Originally Published July 1, 1999

https://jazztimes.com/archives/clarence-gatemouth-brown-black-jack/

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El genio multiinstrumentista y multidireccional Clarence Gatemouth Brown hace alarde de sus dotes naturales en el Blackjack (Sugar Hill 3891; 44:26). El más jazzista de todos los grandes bluesman de la vieja escuela, Gatemouth se abre camino a través del instrumental "Tippin' In" con el típico elan y quema una racha azul en dos feroces entrenamientos de jump blues con swing uptempo: "Pressure Cooker", tema del título de un gran álbum de mediados de los 80 en Alligator, y "Honey Boy" de Billy Butler. El as del acero de pedales Don Buzard (el álbum está dedicado a su memoria) hace girar las cabezas en esos tres temas instrumentales con su idiosincrática virtuosidad. Buzard cambia al dobro en el Grand Ol' Opry que ofrece "Dark End of the Hallway", que presenta algunos giros líricos de Gate en la viola. Brown coge su violín y se dedica de forma inimitable al instrumental de sabor country "Song for Renee", añadiendo una cita cómica de "Love in Bloom" (el viejo tema de Jack Benny) antes de lanzarse a un abandono del blues. El acelerado cierre instrumental "Up Jumped the Devil" está demostrando ser un terreno para cada violinista de bluegrass, y Gate pasa con gran éxito. Su versión instrumental de "When My Blue Moon Turns to Gold Again" de Wiley Walker, otra muestra de violín, viene directamente del país (país cajún, eso es). El enérgico e hilarante baile "Street Corner" es la oportunidad de Gate para lamentarse en la armónica y se pavonea con la mandolina en el juego instrumental bluegrassy "Take Me Back to Tulsa". En "Here Am I", su lamento sobre el amor perdido y la soledad, el reverendo Gate habla con el conocimiento de un predicador del blues mientras en el amenazante tema del título canta sobre "Cuttin' yo' doggone head". Un hombre complejo de muchos humores y talentos variados, el único Gatemouth entrega todos los bienes en este excelente muestrario.

Por Bill Milkowski

Publicado originalmente el 1 de julio de 1999

https://jazztimes.com/archives/clarence-gatemouth-brown-black-jack/

Gypsy Jazz Caravan • Sinister Amusement

 

Gypsy Jazz Caravan is a New York City based acoustic ensemble that plays Hot Jazz inspired by the music of legendary French Gypsy guitarist, Django Reinhardt, and jazz violinist, Stephane Grappelli. Gypsy Jazz Caravan's extensive repertoire includes swing standards, ballads, bossa novas, tangos, waltzes and a growing number of original compositions. The lineup includes: NY veteran guitarist, Marc Daine, who has recorded for RCA records and toured with the Broadway show, "Big River"; virtuoso violinist, Rob Thomas, who JazzTimes calls "a violinist of exceptional creative resources... riveting as a solo voice with a rich complex tone that can sing or shriek"; bassist, Mike Weatherly, who has performed for President Bill Clinton, Nelson Mandela, and Pope John Paul II and top NY Gypsy Swing rhythm guitarist, Glenn Tosto.
https://www.thebash.com/jazz-band/gypsy-jazz-caravan

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Gypsy Jazz Caravan es un conjunto acústico con sede en Nueva York que toca Hot Jazz inspirado en la música del legendario guitarrista gitano francés Django Reinhardt y el violinista de jazz Stéphane Grappelli. El extenso repertorio de Gypsy Jazz Caravan incluye estándares de swing, baladas, bossa novas, tangos, valses y un creciente número de composiciones originales. Laalineación incluye: El veterano guitarrista de Nueva York, Marc Daine, que ha grabado para RCA Records y ha hecho una gira con el espectáculo de Broadway "Big River"; el virtuoso violinista Rob Thomas, a quien JazzTimes llama "un violinista de excepcionales recursos creativos... fascinante como voz solista con un rico y complejo tono que puede cantar o chillar"; el bajista Mike Weatherly, que ha actuado para el Presidente Bill Clinton, Nelson Mandela y el Papa Juan Pablo II, y el guitarrista rítmico de Gypsy Swing, Glenn Tosto.
https://www.thebash.com/jazz-band/gypsy-jazz-caravan

 

Gary Burton & Stephane Grappelli • Paris Encounter

Review

Atlantic has thus far been very slow to reissue its six valuable Gary Burton records. This particular set is the most accessible of the group, for it matches the advanced vibraphonist with the classic violinist Stephane Grappelli in a quartet also including electric bassist Steve Swallow and drummer Bill Goodwin. The music alternates between standards and originals (including Swallow's famous "Eiderdown"), and both Grappelli and Burton prove to be flexible enough to have much common ground despite a 35-year difference in age. A frequently delightful set.

by Scott Yanow

https://www.allmusic.com/album/paris-encounter-mw0000003533

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Revisar

Hasta ahora, Atlantic ha sido muy lento en reeditar sus seis valiosos discos de Gary Burton. Este conjunto en particular es el más accesible del grupo, ya que combina al vibrafonista avanzado con el violinista clásico Stéphane Grappelli en un cuarteto que incluye también al bajista eléctrico Steve Swallow y al baterista Bill Goodwin. La música alterna entre estándares y originales (incluyendo el famoso "Eiderdown" de Swallow), y tanto Grappelli como Burton demuestran ser lo suficientemente flexibles como para tener mucho en común a pesar de una diferencia de edad de 35 años. Un conjunto frecuentemente encantador.

por Scott Yanow

https://www.allmusic.com/album/paris-encounter-mw0000003533

Stéphane Grappelli • The Nearness of You

 

 

Biography

Stephane Grappelli (originally surname was spelled with a 'Y') would have earned himself a place in Jazz History books if only for his important role in the Quintette of the Hot Club of France, featuring the dazzling virtuosity of Django Reindhart. Grappelli's violin was the perfect foil to Reindhart's guitar in this piano-less group.

Fired by Reindhart's tremendous rhythmic powers, Grappelli's contributions to recordings by the Quintette like Lime House Blues, China Boy and It Don't Mean A Thing (all 1935) and Them There Eyes, Three little Words and Swing '39 (these latter three tracks from 1938-39) were admirable in their execution.

Occasionally Grappelli would play piano, as when harmonica virtuoso Larry Adler recorded with the group in 1939, the year when Reindhart and Grappelli, violin, recorded (with delightful results) as a duo (all Django Reindhart).

Grappelli born (1908) and raised in Paris was involved with music at a very early age. By 12 years, he had acquired his first violin- just one of several instruments he learned to play. He began professionally with theatre bands, eventually being introduced to jazz music. A French jazz musician, Philippe Brun, introduced Grappelli to Reindhart. Soon after that meeting they put the idea of Quintette into practice.

When World War II commenced, Grappelli and the band were touring Britain. While the others returned to Paris Grappelli decided to stay. During the next six years he became a popular figure in London with habitues of nightlife in general and in musical entertainment in particular, working with local musicians in the local clubs. In 1946, he returned to Paris, renewed association with Reindhart, but he magic of pre-war days did not re-appear too often. Between 1948-55 worked in Club Saint Germain, Paris, and in the latter year played nine-month residency in St. Tropez.

During the '70s Grappelli has played throughout Europe, in Clubs, concerts and festivals, has and broadcast televised extensively, and has been a regular visitor to the recording studio.

In 1966, Grappelli was recorded in concert in Switzerland, together with fellow jazz violinist Jean-Luc Ponty, Stuff Smith and Svend Asmussen (Violin Summit). Since then he has recorded frequently in London. A live date at the Queen Elizabeth Hall (Stephane Grappelli 1972) finds him responding to an enthusiastic audience. Elsewhere he has recorded with much success, with Americans Gary Burton (Paris Encounter), Bill Coleman (Stephane Grappelli-Bill Coleman), Roland Hanna, (Stephane Grappelli Meets he Rhythm Section) and Barney Kessel (I Remember Django).

https://musicians.allaboutjazz.com/stephanegrappelli

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Biografía

Stéphane Grappelli (originalmente el apellido se escribía con una "Y") se habría ganado un lugar en los libros de historia del jazz aunque sólo fuera por su importante papel en el Quinteto del Hot Club de Francia, con el deslumbrante virtuosismo de Django Reindhart. El violín de Grappelli fue el perfecto complemento de la guitarra de Reindhart en este grupo sin piano.

Impulsados por los tremendos poderes rítmicos de Reindhart, las contribuciones de Grappelli a grabaciones del Quinteto como Lime House Blues, China Boy y It Don't Mean A Thing (todas de 1935) y Them There Eyes, Three little Words y Swing '39 (estas tres últimas canciones de 1938-39) fueron admirables en su ejecución.

Ocasionalmente Grappelli tocaba el piano, como cuando el virtuoso de la armónica Larry Adler grabó con el grupo en 1939, año en que Reindhart y Grappelli, violín, grabaron (con resultados deliciosos) como dúo (todos Django Reindhart).

Grappelli, nacido en 1908 y criado en París, se involucró en la música a una edad muy temprana. A los 12 años ya había adquirido su primer violín, uno de los muchos instrumentos que aprendió a tocar. Empezó profesionalmente con bandas de teatro, y finalmente se introdujo en la música de jazz. Un músico de jazz francés, Philippe Brun, presentó a Grappelli a Reindhart. Poco después de ese encuentro pusieron en práctica la idea del Quinteto.

Cuando comenzó la Segunda Guerra Mundial, Grappelli y la banda estaban de gira por Gran Bretaña. Mientras los demás volvían a París, Grappelli decidió quedarse. Durante los siguientes seis años se convirtió en una figura popular en Londres con hábitos de vida nocturna en general y de entretenimiento musical en particular, trabajando con músicos locales en los clubes locales. En 1946, regresó a París, renovando su asociación con Reindhart, pero la magia de los días de preguerra no reapareció con demasiada frecuencia. Entre 1948-55 trabajó en el Club Saint Germain de París, y en este último año hizo una residencia de nueve meses en St.

Durante los años 70 Grappelli ha tocado en toda Europa, en Clubes, conciertos y festivales, ha transmitido por televisión y ha sido un visitante regular del estudio de grabación.

En 1966, Grappelli se grabó en concierto en Suiza, junto con su colega violinista de jazz Jean-Luc Ponty, Stuff Smith y Svend Asmussen (Violin Summit). Desde entonces ha grabado frecuentemente en Londres. Una cita en directo en el Queen Elizabeth Hall (Stéphane Grappelli 1972) le encuentra respondiendo a un público entusiasta. En otros lugares ha grabado con mucho éxito, con los americanos Gary Burton (Paris Encounter), Bill Coleman (Stephane Grappelli-Bill Coleman), Roland Hanna, (Stephane Grappelli Meets he Rhythm Section) y Barney Kessel (I Remember Django).

https://musicians.allaboutjazz.com/stephanegrappelli

 

Don 'Sugarcane' Harris • Keep On Driving

 

 

This studio session marked the beginning of blues violinist Don "Sugarcane" Harris' association with the German record label Saba (later renamed MPS). Harris, who was nearly flat broke at the time, had to borrow one of the violins used on the date, along with a pickup for the amplified selections. Joined by electric guitarist Volker Kriegel, pianist John Taylor, and drummer Tony Oxley (all of whom are better known for their jazz credentials), the session ends up being a fusion of blues, jazz, and a bit of rock, while all of the songs are Harris' originals. The opener, "Keep On Driving," is the kind of insistent blues typically associated with Harris, though it is a bit low key, possibly due to the use of acoustic violin. The free improvisation within "Blues on the Moon" is atypical for the genre, but not Harris, who is again on the acoustic instrument. The leader's slashing attack on electric violin in the humorously titled "Which Way Is the Bathroom?" is easily the highlight of the date, recalling his best collaborations with rocker Frank Zappa, as well as the violinist's rare live recordings. He is at his most soulful in "Desiree." The brisk "Almost Broke" showcases a hot solo by Kriegel, while the funky "Coitus Interruptus" finds Harris' violin taking on an almost vocal quality, followed by Kriegel's blistering solo. The disc ends with an extended workout of "Remember the Past," a sort of blues strut that detours into wild improvisations by the quartet. This was a fine beginning for Sugarcane Harris' debut with the label, though health problems essentially ended his recording career within just a few short years. ~by Ken Dryden

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 Esta sesión de estudio marcó el inicio de la asociación del violinista de blues Don "Sugarcane" Harris con el sello discográfico alemán Saba (que posteriormente pasó a llamarse MPS). Harris, que estaba casi sin blanca en ese momento, tuvo que pedir prestado uno de los violines utilizados en la fecha, junto con una pastilla para las selecciones amplificadas. Acompañado por el guitarrista eléctrico Volker Kriegel, el pianista John Taylor y el baterista Tony Oxley (todos ellos más conocidos por sus credenciales de jazz), la sesión acaba siendo una fusión de blues, jazz y un poco de rock, mientras que todas las canciones son originales de Harris. El primer tema, "Keep On Driving", es el tipo de blues insistente que se asocia típicamente con Harris, aunque es un poco bajo, posiblemente debido al uso del violín acústico. La improvisación libre dentro de "Blues on the Moon" es atípica para el género, pero no para Harris, que vuelve a estar en el instrumento acústico. El ataque del líder con el violín eléctrico en la canción titulada con humor "Which Way Is the Bathroom?" es fácilmente lo más destacado de la fecha, recordando sus mejores colaboraciones con el rockero Frank Zappa, así como las raras grabaciones en directo del violinista. En "Desiree" se muestra más conmovedor. La enérgica "Almost Broke" muestra un solo caliente de Kriegel, mientras que el funky "Coitus Interruptus" encuentra que el violín de Harris adquiere una calidad casi vocal, seguido por el contundente solo de Kriegel. El disco termina con un extenso ejercicio de "Remember the Past", una especie de blues que se desvía hacia salvajes improvisaciones del cuarteto. Este fue un buen comienzo para el debut de Sugarcane Harris con el sello, aunque los problemas de salud acabaron con su carrera discográfica en pocos años. ~Por Ken Dryden

Kristian Jørgensen • Secret Love

 

  

Helmut Thiede y Su Conjunto. Vol. 2 [EP]

 

La única información disponible es la de la contraportada.

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The only information available is the back cover.

John Blake • Quest

The best moments on violinist John Blake's 1992 release are the two selections that feature his former boss, Grover Washington Jr., on soprano. Washington swings hard on an overly brief version of "Moment's Notice" and plays soulfully on "Val's Blues." Other selections have Blake and his rhythm section (with pianist Joey Calderazzo, bassist Charles Fambrough, drummer Ben Riley, and percussionist Omar Hill) joined by Joe Ford on soprano and mostly playing melodic group originals. The one exception is Charlie Chaplin's "Smile," which features some lyrical violin from the talented if underrated Blake.

Scott Yanow, All Music Guide

https://www.allmusic.com/album/quest-mw0000098830

Artist Biography by Scott Yanow

Throughout his career, John Blake veered back and forth between R&B-ish sets and more adventurous dates. A pleasing if not overly distinctive violinist, the versatile Blake played in a wide variety of settings. After advanced classical study, he first gained recognition for his early-'70s recordings with Archie Shepp. During the next decade, Blake recorded with McCoy Tyner, James Newton, Cecil McBee, Jay Hoggard, and Grover Washington, Jr., touring extensively with Tyner and Washington. He made a series of generally interesting, if diverse, sets for Gramavision in the 1980s (including a fascinating 1986 date with fellow violinists Michal Urbaniak and Didier Lockwood) and one CD for Sunnyside in 1992, showing a lot of potential. Striken with multiple myeloma, Blake died in August 2014 at the age of 67.

https://www.allmusic.com/artist/john-blake-mn0000181924/biography

John Blake, Jr. has been one of the world’s leading jazz violinists for over four decades. A four-time winner of the Down Beat Critics’ Poll Violinist Deserving Wider Recognition category he was also one of the top two jazz violinists in the 49th, 50th, and 51st Down Beat Readers’ Poll, Classically trained, Blake first gained recognition on early-'70s recordings he made with Archie Shepp and in the mid-70s became established with a global audience during three years recording and touring as a member of Grover Washington, Jr.’s popular “crossover” jazz band. He then spent five years working extensively as a member of various ensembles led by pianist McCoy. Among other artists with whom Blake has performed and/or recorded with are the Duke Ellington Orchestra, Turtle Island String Quartet, Quartet Indigo, the Steve Turre Sextet, the Billy Taylor Trio, Avery Sharpe, Cecil McBee, Jay Hoggard and James Newton. Blake released his recording debut as a leader and composer, Maiden Dance, in 1984, the first of five well-received projects on Gramavision Records including one that teamed him up with fellow jazz violinists Michal Urbaniak and Didier Lockwood. He released his sixth album, Quest that reunited him with Grover Washington and featured Joe Ford, Charles Fambrough, Ben Riley, Omar Hill, Joey Calderazzo, on Sunnyside Records 1992. Blake’s first recording with his current quartet, The Traveler, was released in 2007.

Born in Philadelphia on July 3, 1947, Blake began studying violin in that city’s public school system and at the Settlement Music School. After graduating from West Virginia University he did postgraduate work at the Institute for Advanced Studies in Montreux, Switzerland and received a grant to study studied East Indian music. In addition to his work as an instrumentalist performing with his quartet and as a featured guest soloist at concerts and on studio sessions, Blake is also an accomplished composer, arranger and producer as well as an author, teacher and lecturer who presents hundreds of workshops annually to musicians at all levels. He co-wrote with Suzuki educator Jody Harmon J.I.M.E., the definitive beginning string jazz method book and CD in use around the world. In addition to lecturing on campuses throughout the US, Blake is on the faculty of the University of the Arts in Philadelphia and at the Manhattan School of Music in New York City, and has been a guest lecturer at Berklee College of Music in Boston. In 2004 he was appointed to the Basler Chair of Excellence for the winter semester at East Tennessee State University and that year also was awarded a Chamber Music America Jazz Composer Grant.

https://musicians.allaboutjazz.com/johnblake

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 Los mejores momentos del estreno del violinista John Blake en 1992 son las dos selecciones que presentan a su ex jefe, Grover Washington Jr. en soprano. Washington se mueve con fuerza en una versión demasiado breve de "Moment's Notice" y juega con el alma en "Val's Blues". Otras selecciones tienen a Blake y su sección rítmica (con el pianista Joey Calderazzo, el bajista Charles Fambrough, el baterista Ben Riley, y el percusionista Omar Hill) a los que se unió Joe Ford en soprano y que en su mayoría tocaba en grupos melódicos originales. La única excepción es "Smile", de Charlie Chaplin, que presenta un violín lírico del talentoso, aunque subestimado, Blake.

Scott Yanow, Guía de Música

https://www.allmusic.com/album/quest-mw0000098830

Biografía del artista por Scott Yanow

A lo largo de su carrera, John Blake se movió de un lado a otro entre sets de R&B y fechas más aventureras. Un violinista agradable, si no excesivamente distintivo, el versátil Blake tocaba en una amplia variedad de escenarios. Después de estudios clásicos avanzados, primero obtuvo reconocimiento por sus grabaciones de principios de los 70 con Archie Shepp. Durante la siguiente década, Blake grabó con McCoy Tyner, James Newton, Cecil McBee, Jay Hoggard y Grover Washington, Jr. y realizó numerosas giras con Tyner y Washington. Hizo una serie de sets generalmente interesantes, aunque diversos, para Gramavision en los años 80 (incluyendo una fascinante cita en 1986 con sus compañeros violinistas Michal Urbaniak y Didier Lockwood) y un CD para Sunnyside en 1992, mostrando mucho potencial. Ataque de mieloma múltiple, Blake murió en agosto de 2014 a la edad de 67 años.

https://www.allmusic.com/artist/john-blake-mn0000181924/biography

John Blake, Jr. ha sido uno de los principales violinistas de jazz del mundo durante más de cuatro décadas. Ganador en cuatro ocasiones de la categoría Down Beat Critics' Poll Violinist Mering Wider Recognition, también fue uno de los dos mejores violinistas de jazz en la 49ª, 50ª y 51ª Down Beat Readers' Poll, con formación clásica, Blake obtuvo por primera vez el reconocimiento en grabaciones de principios de los 70 que realizó con Archie Shepp y a mediados de la década de los 70 se estableció con una audiencia global durante tres años grabando y realizando giras como miembro de la popular banda de jazz "crossover" de Grover Washington, Jr. Luego pasó cinco años trabajando extensamente como miembro de varios conjuntos dirigidos por el pianista McCoy. Entre otros artistas con los que Blake ha tocado y/o grabado se encuentran la Duke Ellington Orchestra, Turtle Island String Quartet, Quartet Indigo, Steve Turre Sextet, Billy Taylor Trio, Avery Sharpe, Cecil McBee, Jay Hoggard y James Newton. Blake lanzó su debut discográfico como líder y compositor, Maiden Dance, en 1984, el primero de cinco proyectos bien recibidos en Gramavision Records, incluyendo uno que lo unió a sus colegas violinistas de jazz Michal Urbaniak y Didier Lockwood. Publicó su sexto álbum, Quest, que lo reunió con Grover Washington e incluyó a Joe Ford, Charles Fambrough, Ben Riley, Omar Hill, Joey Calderazzo, en Sunnyside Records 1992. La primera grabación de Blake con su cuarteto actual, The Traveler, fue lanzada en 2007.

Nacido en Filadelfia el 3 de julio de 1947, Blake comenzó a estudiar violín en el sistema de escuelas públicas de esa ciudad y en la Escuela de Música de la Colonia. Después de graduarse de la Universidad de West Virginia, realizó un trabajo de postgrado en el Instituto de Estudios Avanzados de Montreux, Suiza, y recibió una beca para estudiar música de las Indias Orientales. Además de su trabajo como instrumentista tocando con su cuarteto y como solista invitado en conciertos y sesiones de estudio, Blake también es un compositor, arreglista y productor consumado, así como autor, profesor y conferenciante que presenta cientos de talleres anualmente a músicos de todos los niveles. Escribió junto con la educadora Suzuki Jody Harmon J.I.M.E., el libro y CD de método de jazz de cuerda definitivo para principiantes que se usa en todo el mundo. Además de impartir clases en campus de todo Estados Unidos, Blake es miembro del cuerpo docente de la University of the Arts de Filadelfia y de la Manhattan School of Music de la ciudad de Nueva York, y ha sido profesor invitado en el Berklee College of Music de Boston. En 2004 fue nombrado a la Cátedra Basler de Excelencia para el semestre de invierno en la East Tennessee State University y ese año también recibió una beca Chamber Music America Jazz Composer Grant.

https://musicians.allaboutjazz.com/johnblake

Roby Lakatos And His Ensemble • As Time Goes By

 

 

Review from MusicWeb International: Roby Lakatos is descended from János Bihari, the celebrated violinist and this compilation of movie themes gets the genuine gypsy treatment with full-blooded interpretations of pieces such as the titular 'As Time Goes By' from Casablanca (1942) and 'If I were a Rich Man' from Fiddler on the Roof. The selections that work best though are those where Lakatos takes centre stage with his expressive violin playing, particularly on the two Morricone tracks, 'Poverty' and 'Deborah's Theme' from Once Upon a Time in America (1984). An agreeable collection, performed with aplomb, that should entertain most and will especially appeal to those who gravitate towards the colour and energy of gypsy music. http://www.musicweb-international.com/film/2002/nov02/lakatos_as_time_goes_by.html

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Reseña de MusicWeb International: Roby Lakatos es descendiente de János Bihari, el célebre violinista, y esta compilación de temas de películas recibe el genuino tratamiento gitano con interpretaciones de sangre caliente de piezas como el titular 'As Time Goes By' de Casablanca (1942) y 'If I Were a Rich Man' de El violinista en el tejado. Las selecciones que mejor funcionan son aquellas en las que Lakatos ocupa el centro del escenario con su expresiva interpretación del violín, particularmente en los dos temas de Morricone, 'Poverty' y 'Deborah's Theme' de Érase una vez en América (1984). Una colección agradable, interpretada con aplomo, que debería entretener a la mayoría y que atraerá especialmente a quienes se sienten atraídos por el color y la energía de la música gitana. http://www.musicweb-international.com/film/2002/nov02/lakatos_as_time_goes_by.html 

 

Ballycotton • Jenseits Vom Ende Der Zeit

 

 

Review from FolkWorld (by Gabe McCaslin): McCaslin describes Ballycotton as an Austrian fantasy-folk band whose music combines folk styles from around the world. He highlights the complementary sounds of violin, guitar, mandolin, accordion and vocals, as well as the band's ability to move between haunting melodies and driving rhythms. He describes the album as a cohesive, otherworldly blend of folk traditions.

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Reseña de FolkWorld (por Gabe McCaslin): McCaslin describe a Ballycotton como una banda austriaca de fantasy-folk cuya musica combina estilos folkloricos de distintas partes del mundo. Destaca la combinacion de violin, guitarra, mandolina, acordeon y voces, junto con la capacidad del grupo para alternar entre melodias evocadoras y ritmos intensos. Describe el album como una fusion coherente y envolvente de diferentes tradiciones folkloricas. 

 

Alexandre Cavalière • Manouche Moderne

  

www.facebook.com/alexandrecavaliereofficial ...

Cleveland Crochet • And All Sugar Bees

Este violinista tal vez el más conocido y famoso intérprete de cajun*, originario de Louisiana, que a principios de los 60 re-elaboró el género adicionandole una base ritmica de R'N'R y steel guitar, este disco si bien en general de estilo cajun, tiene puntos de contacto otros como el rockabilly, hillbily y zydeco .
Su éxito "Sugar Bee" fue el primer tema cajun en ingresar en el top 100 billboard.


* Cajun: música emblemática de Louisiana , tiene sus raíces en las baladas de los pueblos acadienses de Canadá . Estos sonidos han infuenciado en la música popular estadounidense durante muchas décadas, en especial la música country, de la que derivan otros sub-géneros como el folk, hillbilly, etc

http://en.wikipedia.org/wiki/Cajun_music

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Biography by Craig Harris

The fiddle player and bandleader of The Hillbilly Ramblers, a Cajun band whose 1961 song, "Sugar Bee," became the first Cajun song to reach the "Billboard Hot 100", Cleveland Crochet has never been financially compensated for the tune. "I didn't get anything out of it," Crochet said by telephone from his home in Iowa, Louisiana. "Eddie Schuler (owner of the Gold Band record label) stole the copyright." The son of a Cajun musician, Crochet built his first fiddle out of a cigar box at the age of twelve. Although he continued to earn his living as an iron worker, until his retirement in 1970, Crochet became a regular at Cajun dances throughout eastern Texas and southwestern Louisiana. Together with the Hillbilly Ramblers, which he formed in the 1950s, Crochet played every Saturday night at the Shamrock and Moulin Rouge dance clubs in Lake Charles, Louisiana. Since his retirement, Crochet has limited his playing to informal jam sessions.

 

 

 

 

Ray Nance • Body And Soul

 

Ray no sólo fue violinista sino también trompetista y cantante. Este disco es de su faceta con el violín del año 1969.

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 Ray was not only cool but also trumpeter and singer. This album is his role with the violin of 1969.

 

 

Review by Ken Dryden

This is a very unusual date by Ray Nance, as he sticks exclusively to violin with an occasional vocal. Accompanied by either Jaki Byard or Roland Hanna on piano, the shifting supporting cast also includes guitarists Tiny Grimes and Tommy Lucas, and tenor saxophonist Brew Moore. Nance swings like mad through "Get Happy" with some hot licks from Grimes and Lucas, and delivers a poignant "Body and Soul" in a duet with Hanna. Some of the pop tunes from the 1960s fare less well, especially the rather monotonous "Sunny" and an uninspired arrangement of the gospel tune "Oh Happy Day." The two tracks from the Duke Ellington-Billy Strayhorn songbook are the album's highlights. "Guitar Amour" (which strangely omitted guitar in the many renditions of it by Ellington) has a gypsy flavor. But the masterpiece of this long unavailable LP is Nance's dirge-like duet with Hanna of "Take the 'A' Train" (which Nance had earlier performed at Strayhorn's memorial service); it is difficult not to be moved by this emotional arrangement, which contrasts starkly with typical recordings of it.

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Revisión por Ken Dryden

Esta es una fecha muy inusual de Ray Nance, ya que se adhiere exclusivamente al violín con una voz ocasional. Acompañado por Jaki Byard o Roland Hanna en el piano, el cambiante reparto también incluye a los guitarristas Tiny Grimes y Tommy Lucas, y al saxofonista tenor Brew Moore. Nance se balancea como loca a través de "Get Happy" con algunas frases calientes de Grimes y Lucas, y ofrece un conmovedor "Body and Soul" en un dúo con Hanna. Algunas de las melodías pop de la década de los sesenta no son tan buenas, especialmente el monótono "Sunny" y un arreglo poco inspirado de la melodía del evangelio "Oh Happy Day". Las dos pistas del libro de canciones de Duke Ellington-Billy Strayhorn son los aspectos más destacados del álbum. "Guitar Amour" (que extrañamente omite la guitarra en las muchas interpretaciones de Ellington) tiene un sabor gitano. Pero la obra maestra de este largo LP no disponible es el dúo de Nance con Hanna como "Take the 'A' Train" (que Nance había realizado anteriormente en el funeral de Strayhorn); es difícil no ser movido por este arreglo emocional, que contrasta fuertemente con las grabaciones típicas de este.

Stephane Grappelli • Pent Up House

 

Biography

Stephane Grappelli (originally surname was spelled with a 'Y') would have earned himself a place in Jazz History books if only for his important role in the Quintette of the Hot Club of France, featuring the dazzling virtuosity of Django Reindhart. Grappelli's violin was the perfect foil to Reindhart's guitar in this piano-less group.

Fired by Reindhart's tremendous rhythmic powers, Grappelli's contributions to recordings by the Quintette like Lime House Blues, China Boy and It Don't Mean A Thing (all 1935) and Them There Eyes, Three little Words and Swing '39 (these latter three tracks from 1938-39) were admirable in their execution.

Occasionally Grappelli would play piano, as when harmonica virtuoso Larry Adler recorded with the group in 1939, the year when Reindhart and Grappelli, violin, recorded (with delightful results) as a duo (all Django Reindhart).

Grappelli born (1908) and raised in Paris was involved with music at a very early age. By 12 years, he had acquired his first violin- just one of several instruments he learned to play. He began professionally with theatre bands, eventually being introduced to jazz music. A French jazz musician, Philippe Brun, introduced Grappelli to Reindhart. Soon after that meeting they put the idea of Quintette into practice.

When World War II commenced, Grappelli and the band were touring Britain. While the others returned to Paris Grappelli decided to stay. During the next six years he became a popular figure in London with habitues of nightlife in general and in musical entertainment in particular, working with local musicians in the local clubs. In 1946, he returned to Paris, renewed association with Reindhart, but he magic of pre-war days did not re-appear too often. Between 1948-55 worked in Club Saint Germain, Paris, and in the latter year played nine-month residency in St. Tropez.

During the '70s Grappelli has played throughout Europe, in Clubs, concerts and festivals, has and broadcast televised extensively, and has been a regular visitor to the recording studio.

In 1966, Grappelli was recorded in concert in Switzerland, together with fellow jazz violinist Jean-Luc Ponty, Stuff Smith and Svend Asmussen (Violin Summit). Since then he has recorded frequently in London. A live date at the Queen Elizabeth Hall (Stephane Grappelli 1972) finds him responding to an enthusiastic audience. Elsewhere he has recorded with much success, with Americans Gary Burton (Paris Encounter), Bill Coleman (Stephane Grappelli-Bill Coleman), Roland Hanna, (Stephane Grappelli Meets he Rhythm Section) and Barney Kessel (I Remember Django).

https://musicians.allaboutjazz.com/stephanegrappelli

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Biografía

Stéphane Grappelli (originalmente el apellido se escribía con una "Y") se habría ganado un lugar en los libros de historia del jazz aunque sólo fuera por su importante papel en el Quinteto del Hot Club de Francia, con el deslumbrante virtuosismo de Django Reindhart. El violín de Grappelli fue el perfecto complemento de la guitarra de Reindhart en este grupo sin piano.

Impulsados por los tremendos poderes rítmicos de Reindhart, las contribuciones de Grappelli a grabaciones del Quinteto como Lime House Blues, China Boy y It Don't Mean A Thing (todas de 1935) y Them There Eyes, Three little Words y Swing '39 (estas tres últimas canciones de 1938-39) fueron admirables en su ejecución.

Ocasionalmente Grappelli tocaba el piano, como cuando el virtuoso de la armónica Larry Adler grabó con el grupo en 1939, año en que Reindhart y Grappelli, violín, grabaron (con resultados deliciosos) como dúo (todos Django Reindhart).

Grappelli, nacido en 1908 y criado en París, se involucró en la música a una edad muy temprana. A los 12 años ya había adquirido su primer violín, uno de los muchos instrumentos que aprendió a tocar. Empezó profesionalmente con bandas de teatro, y finalmente se introdujo en la música de jazz. Un músico de jazz francés, Philippe Brun, presentó a Grappelli a Reindhart. Poco después de ese encuentro pusieron en práctica la idea del Quinteto.

Cuando comenzó la Segunda Guerra Mundial, Grappelli y la banda estaban de gira por Gran Bretaña. Mientras los demás volvían a París, Grappelli decidió quedarse. Durante los siguientes seis años se convirtió en una figura popular en Londres con hábitos de vida nocturna en general y de entretenimiento musical en particular, trabajando con músicos locales en los clubes locales. En 1946, regresó a París, renovando su asociación con Reindhart, pero la magia de los días de preguerra no reapareció con demasiada frecuencia. Entre 1948-55 trabajó en el Club Saint Germain de París, y en este último año hizo una residencia de nueve meses en St.

Durante los años 70 Grappelli ha tocado en toda Europa, en Clubes, conciertos y festivales, ha transmitido por televisión y ha sido un visitante regular del estudio de grabación.

En 1966, Grappelli se grabó en concierto en Suiza, junto con su colega violinista de jazz Jean-Luc Ponty, Stuff Smith y Svend Asmussen (Violin Summit). Desde entonces ha grabado frecuentemente en Londres. Una cita en directo en el Queen Elizabeth Hall (Stéphane Grappelli 1972) le encuentra respondiendo a un público entusiasta. En otros lugares ha grabado con mucho éxito, con los americanos Gary Burton (Paris Encounter), Bill Coleman (Stephane Grappelli-Bill Coleman), Roland Hanna, (Stephane Grappelli Meets he Rhythm Section) y Barney Kessel (I Remember Django).

https://musicians.allaboutjazz.com/stephanegrappelli

Svend Asmussen Quartet ‎• Fit as a Fiddle

 

  

Joe Venuti & George Barnes • Live At The Concord Summer

Review by Scott Yanow

Violinist Joe Venuti and guitarist George Barnes (joined by pianist Ross Tompkins, bassist Ray Brown and drummer Jake Hanna) make for a very complementary team on this live session. Tompkins is featured on "Too Close for Comfort," Barnes is showcased on "I Can't Get Started," the ensemble romps on "Sweet Georgia Brown" and the full group plays a lengthy five-song Duke Ellington/Billy Strayhorn medley. Few surprises occur but there are enough fireworks to justify this album's acquisition, even by those who already own 20 Joe Venuti albums.

 

Note: On the cover, Venuti is seen using a curved violin bow.

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Reseña de Scott Yanow

El violinista Joe Venuti y el guitarrista George Barnes (junto con el pianista Ross Tompkins, el bajista Ray Brown y el baterista Jake Hanna) forman un equipo muy complementario en esta sesión en vivo. Tompkins aparece en "Too Close for Comfort", Barnes en "I Can't Get Started", el conjunto toca en "Sweet Georgia Brown" y el grupo completo toca una larga mezcla de cinco canciones de Duke Ellington y Billy Strayhorn. Pocas sorpresas ocurren pero hay suficientes fuegos artificiales para justificar la adquisición de este álbum, incluso por aquellos que ya poseen 20 álbumes de Joe Venuti.

Nota: En la portada, Venuti se ve lo utilizando un arco de violín curvado.

Ara Malikian y Fernando Egozcue Quinteto • Con Los Ojos Cerrados

 

Ara Malikian es uno de los más brillantes y expresivos violinistas de su generación. Poseedor de un estilo propio, original e innovador. Nació en Líbano en el seno de una familia armenia, se inició en el violín a muy temprana edad de la mano de su padre y con 12 años dio su primer concierto. A lo largo de su carrera Malikian ha partido de sus raíces armenias y ha ido asimilando la cultura musical de medio mundo: árabe y judía, gitana y kletzmer, el tango argentino y el flamenco español. También ha obtenido numerosos premios en concursos internacionales.

Por su parte, Fernando Egozkue se ha formado en el Conservatorio Nacional de Argentina y ha sido discípulo de algunos de los grandes maestros de la guitarra como Horacio Ceballos, Luis María Corallini, Guillermo Graetzer y Greg Hopkins.Uno de los referentes del tango y los arreglos musicales del panorama actual.

https://elpais.com/ccaa/2012/02/10/paisvasco/1328865610_210223.html

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In 1998, during one of Ara Malikian’s tours in Spain, destiny made that the virtuoso violinist Malikian met Fernando Egozcue and his captivating music. Since then many things have happened, many shared music, many concerts and a natural understanding which is today the expression of the same feeling, deep and mature.

It has a lot to do with this Moisés P. Sánchez, probably the best jazz pianist in Spain nowadays, who oozes creativity, professionalism and good deeds at every step; Miguel Rodrigáñez, elegant double-bass player who combines a polished classic bow with the presence and rhythmic of folk musics and Martin Bruhn, multifaceted and exquisite percussionist who joins the music with the most natural thing.

http://www.fernandoegozcue.com/ara-malikian-fernando-egozcue-quinteto-en/

 

 

aramalikian.com ...

Stephane Grappelli • Whispering Gypsy

 

 

 

 

Sara Caswell • But Beautiful

 

2018 Grammy Nominee Sara Caswell “is a brilliant world-class violinist…one of the very best of the present generation of emerging young jazz stars” according to the late David Baker, internationally-renowned jazz educator and former Director of the Smithsonian Jazz Masterworks Orchestra. Rooted in an early exposure to a variety of musical genres, Sara’s technical facility intertwined with her gift for lyricism continue to attract growing attention to her artistry as a jazz soloist, sideman, and teacher.

Recognized as a “Rising Star” in the DownBeat Magazine Critics and Readers Polls every year since 2013, Sara’s two groups (the Sara Caswell Quartet and the Caswell Sisters Quintet) have been heard in venues ranging from Jazz at Lincoln Center’s Dizzy’s Club to university concert halls nationwide. In 2013 Sara and her sister, vocalist Rachel Caswell, released their CD, Alive in the Singing Air featuring jazz pianist Fred Hersch, to rave reviews and its selection by jazz critic Thomas Cunniffe as one of the year’s “Best Vocal CDs” on Jazz History Online. Sara’s two CDs, First Song (Double-Time Records, 2000) and But Beautiful (Arbors Records, 2005), were recognized in several year-end best-of jazz album releases.

Sara regularly performs with mandolinist Joseph Brent’s 9 Horses and has toured extensively with Grammy-winning bassist/vocalist Esperanza Spalding’s Chamber Music Society, clarinetist David Krakauer’s The Big Picture, vocalist Roseanna Vitro’s quintet, violinist Mark O’Connor’s American String Celebration, and violinist Darol Anger’s Four Generations of Jazz Violin. She has performed and/or recorded with such artists as Brad Mehldau, Linda Oh, Fabian Almazan, Regina Carter, Jenny Scheinman, Lynne Arriale, Alan Ferber, Ike Sturm, John Clayton, Gene Bertoncini, Charlie Byrd, Skitch Henderson, Bucky Pizzarelli, and Bruce Springsteen.  She is a member of the New York Pops Orchestra with whom she has been a featured soloist several times in Carnegie Hall, and was part of the house band for NBC’s weekly variety show “Maya & Marty” starring Maya Rudolph and Martin Short.

Currently on faculty at both the Berklee College of Music and the Manhattan School of Music, Sara’s formidable teaching experience also includes the Mark O’Connor String Camps, the Jamey Aebersold Summer Jazz Workshops, the Indiana University String Academy, and a private studio. She has given numerous jazz string improvisation workshops and master classes and is involved with JEN (Jazz Education Network), MENC (National Association of Music Education), and ASTA (American String Teachers Association).

As an award-winning classical violinist, Sara has soloed with several orchestras, given numerous recitals, and performed as a chamber musician in a variety of settings. She was raised in a musical family and began violin at age 5, moving through the first five Suzuki volumes in just nine months. Subsequent years of private lessons at Indiana University led to her involvement in the classical competition circuit where she won numerous awards and 1st-place prizes. “Sara has always shown a remarkable understanding of different musical styles and an uncommon power of communication. These qualities are making of this young artist an outstanding one,” spoken by the late violin maestro Franco Gulli.

A graduate of Indiana University which she attended under full scholarship as a Wells Scholar, Sara received B.M. Degrees with High Distinction and an Artist Diploma in both Violin Performance and Jazz Studies. In 2006 Sara completed her M.M. Degree in Jazz Violin at the Manhattan School of Music. In addition to several years of study with the legendary Josef Gingold (classical), Stanley Ritchie (baroque), and David Baker (jazz), Sara worked with many of today’s top jazz artists at the Thelonious Monk Institute of Jazz Summer Residency Program and at the Steans Institute for Young Artists at the Ravinia Jazz Festival.

Sara’s artistry and unique sound lead international recording artist/violinist Mark O’Connor to write: “Most good violinists will never experience what Sara creates with her instrument. It is beautifully refined emotion that lifts the spirit…Jazz violin needs a universal ambassador…a player who can pick up where the last generation left off. Sara  is well on her way to extending that tradition to touch new audiences.”

http://saracaswell.com/bio/

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Sara Caswell, nominada al Grammy 2018 "es una brillante violinista de clase mundial ... una de las mejores estrellas emergentes de jazz jóvenes", según el fallecido David Baker, reconocido internacionalmente como educador de jazz y ex director de la Smithsonian Jazz Masterworks Orchestra . Arraigada en una temprana exposición a una variedad de géneros musicales, la facilidad técnica de Sara entrelazada con su don para el lirismo sigue atrayendo cada vez más atención a su arte como solista de jazz, sideman y profesora.

Reconocidos como una “estrella en ascenso” en las encuestas de críticos y lectores de la revista DownBeat cada año desde 2013, los dos grupos de Sara (el cuarteto de Sara Caswell y el quinteto de las hermanas de Caswell) han sido escuchados en lugares que van desde el Jazz en el Dizzy's Club del Lincoln Center hasta un concierto universitario. Salones a nivel nacional. En 2013, Sara y su hermana, la vocalista Rachel Caswell, lanzaron su CD, Alive in the Singing Air con el pianista de jazz Fred Hersch, con excelentes críticas y su selección por el crítico de jazz Thomas Cunniffe como uno de los "Mejores CDs vocales" de la historia del jazz. En línea. Los dos CD de Sara, First Song (Double-Time Records, 2000) y But Beautiful (Arbors Records, 2005), fueron reconocidos en varios de los mejores lanzamientos de álbumes de jazz de fin de año.

Sara se presenta regularmente con los 9 caballos del mandolinista Joseph Brent y ha realizado numerosas giras con la bajista y vocalista ganadora del Grammy, la Sociedad de Música de Cámara Esperanza Spalding, The Big Picture del clarinetista David Krakauer, el quinteto de la vocalista Roseanna Vitro, el violinista Mark O'Connor y el violinista Darol Las cuatro generaciones de violín de jazz de la ira. Ella ha actuado y / o grabado con artistas como Brad Mehldau, Linda Oh, Fabian Almazan, Regina Carter, Jenny Scheinman, Lynne Arriale, Alan Ferber, Ike Sturm, John Clayton, Gene Bertoncini, Charlie Byrd, Skitch Henderson, Bucky Pizzarelli, y Bruce Springsteen. Es miembro de la Orquesta Pops de Nueva York, con la que ha sido solista destacada varias veces en el Carnegie Hall, y fue parte de la banda de house para el programa de variedades semanal "Maya & Marty" de NBC, protagonizada por Maya Rudolph y Martin Short.

Actualmente formando parte de la facultad de Berklee College of Music y Manhattan School of Music, la formidable experiencia de enseñanza de Sara también incluye los Mark O’Connor String Camps, los Jamey Aebersold Summer Jazz Workshops, la Indiana University String Academy y un estudio privado. Ha impartido numerosos talleres y clases magistrales de improvisación de cuerdas de jazz y está involucrada con JEN (Jazz Education Network), MENC (Asociación Nacional de Educación Musical) y ASTA (American String Teachers Association).

Como violinista clásica galardonada, Sara ha tocado en solitario con varias orquestas, ha dado numerosos recitales y ha actuado como músico de cámara en una variedad de escenarios. Creció en una familia de músicos y comenzó a tocar el violín a los 5 años, pasando por los primeros cinco volúmenes de Suzuki en solo nueve meses. Los años subsiguientes de clases privadas en la Universidad de Indiana la llevaron a participar en el circuito de competencia clásica, donde ganó numerosos premios y premios de 1er lugar. “Sara siempre ha demostrado una notable comprensión de los diferentes estilos musicales y un poder de comunicación poco común. Estas cualidades hacen que este joven artista sea excepcional ", pronunciado por el fallecido maestro de violín Franco Gulli.

Una graduada de la Universidad de Indiana, a la que asistió con una beca completa como becaria de Wells, Sara recibió B.M. Grados con Alta Distinción y un Diploma de Artista en Violin Performance y Jazz Studies. En 2006 Sara completó su M.M. Licenciada en violín de jazz en la Manhattan School of Music. Además de varios años de estudio con el legendario Josef Gingold (clásico), Stanley Ritchie (barroco) y David Baker (jazz), Sara trabajó con muchos de los mejores artistas de jazz de hoy en el Programa de Residencia de Verano Thelonious Monk Institute of Jazz y en El Instituto Steans para Jóvenes Artistas en el Festival de Jazz de Ravinia.

El arte y el sonido único de Sara llevaron al artista y violinista internacional Mark O’Connor a escribir: “La mayoría de los buenos violinistas nunca experimentarán lo que Sara crea con su instrumento. Es una emoción bellamente refinada la que levanta el espíritu ... El violín de jazz necesita un embajador universal ... un jugador que puede continuar donde se detuvo la última generación. Sara está bien encaminada para extender esa tradición a nuevas audiencias ".

http://saracaswell.com/bio/

 

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