Jimmy Heath • The Thumper

 

 

Biography by Matt Collar
With his delicately soulful tone and refined ear for lyrical, hard-swinging bop, tenor saxophonist Jimmy Heath helped shepherd modern jazz into the 21st century. Initially emerging as a member of Dizzy Gillespie's big band in the 1940s, Heath (then known as "Little Bird" after his idol Charlie "Yardbird" Parker) would establish his reputation as gifted improviser and composer, working with innovators like Miles Davis, John Coltrane, and Milt Jackson. He came to his greatest acclaim in the late '50s, penning a bevy of compositions like "C.T.A.," "Gingerbread Boy," and "For Minors Only," many of which would become jazz standards. His early Riverside albums, including 1959's The Thumper, 1962's Triple Threat, and 1964's On the Trail, are the epitome of hard bop, and many of the albums he contributed to are classics. He recorded for such varied labels as Strata East, Muse, and Columbia, working with his siblings, bassist Percy Heath and drummer Albert "Tootie" Heath, as the Heath Brothers, and collaborating with boundary-pushing stylists like Charles Tolliver, Stanley Cowell, and Art Farmer. Along with three Grammy nominations, including for 1994's Little Man, Big Band, Heath was also a 2003 NEA Jazz Master who dedicated much of his career to teaching, working at the Aaron Copland School of Music at Queens College, and helping to oversee the Louis Armstrong Archives. Still, performing remained his passion and he continued to work throughout his later years, often playing alongside younger musicians, including Roy Hargrove on his 2012 85th birthday celebration Togetherness: Live at the Blue Note, and Wynton Marsalis and Cecile McLorin Salvant on 2020's Love Letter.

Born in Philadelphia in 1926, Heath was introduced to jazz and big-band music by his father, an auto mechanic and part-time clarinet player, and mother, a singer in their church choir. However, due to the Depression his father often found himself out of work. Subsequently, Heath and his siblings were sent to live with their grandparents who ran a grocery store in Wilmington, North Carolina. It was there, while going to high school, that Jimmy started playing the alto saxophone, participating in the concert and marching band programs. Similarly, his older brother Percy played bass and his younger brother Albert "Tootie" played drums. He also had a sister Elizabeth who played piano. They would return home to Philadelphia for the summer, during which time Jimmy took private lessons. After graduating high school in 1943, Heath started his own swing dance band. He also performed with the Nat Towles band. By 1947, he was leading his own small group, playing alongside a young John Coltrane, trumpeter Johnny Coles, tenor saxophonist Benny Golson, bassist Nelson Boyd, drummer Specs Wright, and other Philadelphia natives. It was also around this time that he discovered bebop, influenced heavily by altoist Charlie "Yardbird" Parker. In 1948, Heath joined trumpeter Howard McGhee. He was soon joined by his brother Percy and together they toured Paris, appearing at the city's first jazz festival. It was while with McGhee that Heath earned his nickname "Little Bird," due in part to his love of Parker and his small stature; he had been turned away for the draft during WWII for being below the minimum weight. The following year, Heath became a member of trumpeter Dizzy Gillespie's band, which also featured a number of other Philadelphia regulars including Coltrane.

In the early '50s, Heath switched to tenor saxophone to better set himself apart from Parker and to secure more gigs. Soon after, he joined Miles Davis' band, appearing on the trumpeter's second album, 1952's Young Man with a Horn. There were also seminal dates with J.J. Johnson, Clifford Brown, and Kenny Dorham. Just as his career was taking off, Heath (an admitted drug addict) was arrested and convicted twice for the sale of heroin. His first arrest came in 1954 and found him incarcerated at the Federal Medical Center in Lexington, Kentucky. Following his release, he was again arrested in 1955 and sentenced to six years in prison. Sent to Lewisburg Penitentiary in Pennsylvania, he served four years. While in prison, Heath continued to write music, arranging for the prison big band and composing songs like "For Minors Only," "C.T.A.," ''Picture of Heath," and "For Miles and Miles," most of which gained wider attention after they were included on Chet Baker and Art Pepper's 1956 album Playboys.

Released from prison in 1959, Heath, now sober, immediately began to rebuild his career. That same year, he made his long-awaited debut as leader with The Thumper, an all-star session for Riverside featuring cornetist Nat Adderley, trombonist Curtis Fuller, pianist Wynton Kelly, bassist Paul Chambers, and his brother drummer Albert. He also appeared on trumpeter Blue Mitchell's classic album Blue Soul and briefly re-joined Miles Davis' group, taking over for Coltrane. Equally well-regarded sessions followed, including albums with Kenny Dorham, Sam Jones, Freddie Hubbard, and others. He followed his debut with the 1960 large-ensemble album Really Big!, featuring cornetist Adderley, flugelhornist Clark Terry, altoist Cannonball Adderley, and pianists Cedar Walton and Tommy Flanagan. Heath's output increased significantly throughout the early '60s with albums like 1961's The Quota, 1962's Triple Threat, and 1964's On the Trail, the latter of which introduced two more of his originals with "Gingerbread Boy" and "Project S." He also recorded albums with Milt Jackson, Mongo Santamaria, and others.

Heath returned to his solo work with 1972's The Gap Sealer, a hard-hitting album that found him playing both alto and tenor saxophone, as well as flute. Along with pianists Kenny Barron and Stanley Cowell, bassist Bob Cranshaw, and his brother drummer Albert, the album was also his first to feature his son, percussionist James Mtume. He then recorded several albums for the Muse label, including 1973's Love and Understanding, all of which found him further expanding his approach, embracing funk, avant-garde, and spiritual jazz influences. It was also during this period that he formed the Heath Brothers with his siblings Percy and Albert, as well as pianist Cowell. The group debuted the with 1975's Marchin' On, released on Cowell and trumpeter Charles Tolliver's Strata East label. They gained wider visibility after signing with Columbia Records and releasing 1978's Passin' Thru and 1979's In Motion.

In the '80s, Heath expanded into teaching, joining the faculty of the Aaron Copland School of Music at Queens College, City University of New York. Over the next 20 years, he balanced teaching and performing, helping create the school's jazz education program and attracting other jazz luminaries to campus, including Donald Byrd. He also served on the board of the school's Louis Armstrong Archives and aided in the restoration of Armstrong's home in Corona, Queens. Despite his dedication to teaching, he continued to perform and record during these years, releasing albums like 1987's Peer Pressure, 1992's Grammy-nominated Little Man, Big Band, and 1994's You've Changed.

In 2006, he again showcased his big band with Turn Up the Heath. He then collaborated with the Seattle Repertory Jazz Orchestra on the commissioned Endless Search. In 2011, Heath celebrated his 85th birthday with two nights of live performances at New York's Blue Note, backed by his 18-member big band. Released in 2012 as Togetherness: Live at the Blue Note, it featured appearances by Roy Hargrove, Peter Washington, Lewis Nash, Steve Davis, and others. Heath died on January 19, 2020 in Loganville, Georgia from natural causes. He was 93 years old. A posthumous album, Love Letter, arrived that August and worked as a romantic farewell from the saxophonist. It featured guest spots by Wynton Marsalis, Cecile McLorin Salvant, and Gregory Porter.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-heath-mn0000120241#biography

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Biografía de Matt Collar
Con su tono delicadamente conmovedor y su oído refinado para el bop lírico y oscilante, el saxofonista tenor Jimmy Heath ayudó a guiar el jazz moderno hacia el siglo XXI. Inicialmente emergiendo como miembro de la big band de Dizzy Gillespie en la década de 1940, Heath (entonces conocido como "Little Bird" por su ídolo Charlie "Yardbird" Parker) establecería su reputación como talentoso improvisador y compositor, trabajando con innovadores como Miles Davis, John Coltrane y Milt Jackson. Alcanzó su mayor éxito a fines de los 50, escribiendo un grupo de composiciones como "CTA", "Gingerbread Boy" y "For Minors Only", muchas de las cuales se convertirían en estándares de jazz. Sus primeros álbumes de Riverside, incluidos The Thumper de 1959, Triple Threat de 1962 y On the Trail de 1964, son el epítome del hard bop, y muchos de los álbumes en los que contribuyó son clásicos. Grabó para sellos tan variados como Strata East, Muse y Columbia, trabajando con sus hermanos, el bajista Percy Heath y el baterista Albert "Tootie" Heath, como The Heath Brothers, y colaborando con estilistas que empujan los límites como Charles Tolliver, Stanley Cowell y Art Farmer. Junto con tres nominaciones al Grammy, incluida Little Man, Big Band de 1994, Heath también fue un Maestro de Jazz de la NEA en 2003 que dedicó gran parte de su carrera a la enseñanza, trabajando en la Escuela de Música Aaron Copland en Queens College y ayudando a supervisar los Archivos de Louis Armstrong. Aún así, actuar siguió siendo su pasión y continuó trabajando durante sus últimos años, a menudo tocando junto a músicos más jóvenes, incluidos Roy Hargrove en la celebración de su 85 cumpleaños en 2012 Togetherness: Live at the Blue Note, y Wynton Marsalis y Cecile McLorin Salvant en Love Letter de 2020.

Nacido en Filadelfia en 1926, Heath conoció el jazz y la música de big band gracias a su padre, mecánico de automóviles y clarinetista a tiempo parcial, y su madre, cantante en el coro de su iglesia. Sin embargo, debido a la depresión, su padre a menudo se encontraba sin trabajo. Posteriormente, Heath y sus hermanos fueron enviados a vivir con sus abuelos, quienes administraban una tienda de comestibles en Wilmington, Carolina del Norte. Fue allí, mientras asistía a la escuela secundaria, donde Jimmy comenzó a tocar el saxofón alto, participando en los programas de conciertos y bandas de música. Del mismo modo, su hermano mayor Percy tocaba el bajo y su hermano menor Albert "Tootie" tocaba la batería. También tenía una hermana Elizabeth que tocaba el piano. Regresarían a casa a Filadelfia durante el verano, tiempo durante el cual Jimmy tomó lecciones privadas. Después de graduarse de la escuela secundaria en 1943, Heath fundó su propia banda de baile swing. También actuó con la banda Nat Towles. Para 1947, lideraba su propio grupo pequeño, tocando junto a un joven John Coltrane, el trompetista Johnny Coles, el saxofonista tenor Benny Golson, el bajista Nelson Boyd, el baterista Specs Wright y otros nativos de Filadelfia. También fue por esta época cuando descubrió el bebop, fuertemente influenciado por el altoista Charlie" Yardbird " Parker. En 1948, Heath se unió al trompetista Howard McGhee. Pronto se le unió su hermano Percy y juntos recorrieron París, apareciendo en el primer festival de jazz de la ciudad. Fue mientras estaba con McGhee que Heath se ganó su apodo de "Pajarito", debido en parte a su amor por Parker y su pequeña estatura; había sido rechazado para el servicio militar obligatorio durante la Segunda Guerra Mundial por estar por debajo del peso mínimo. Al año siguiente, Heath se convirtió en miembro de la banda del trompetista Dizzy Gillespie, que también incluía a otros habituales de Filadelfia, incluido Coltrane.

A principios de los 50, Heath cambió al saxofón tenor para diferenciarse mejor de Parker y asegurar más conciertos. Poco después, se unió a la banda de Miles Davis, apareciendo en el segundo álbum del trompetista, Young Man with a Horn de 1952. También hubo citas seminales con J. J. Johnson, Clifford Brown y Kenny Dorham. Justo cuando su carrera despegaba, Heath (un drogadicto admitido) fue arrestado y condenado dos veces por la venta de heroína. Su primer arresto se produjo en 1954 y lo encontró encarcelado en el Centro Médico Federal de Lexington, Kentucky. Tras su liberación, fue arrestado nuevamente en 1955 y sentenciado a seis años de prisión. Enviado a la penitenciaría de Lewisburg en Pensilvania, cumplió cuatro años. Mientras estuvo en prisión, Heath continuó escribiendo música, haciendo arreglos para la big band de la prisión y componiendo canciones como "For Minors Only", "CTA", "Picture of Heath" y "For Miles and Miles", la mayoría de las cuales obtuvieron una mayor atención después de que fueran incluidas en el álbum Playboys de Chet Baker y Art Pepper de 1956.

Liberado de prisión en 1959, Heath, ahora sobrio, inmediatamente comenzó a reconstruir su carrera. Ese mismo año, hizo su esperado debut como líder con The Thumper, una sesión estelar para Riverside con el cornetista Nat Adderley, el trombonista Curtis Fuller, el pianista Wynton Kelly, el bajista Paul Chambers y su hermano el baterista Albert. También apareció en el álbum clásico del trompetista Blue Mitchell, Blue Soul, y se reincorporó brevemente al grupo de Miles Davis, reemplazando a Coltrane. Siguieron sesiones igualmente bien consideradas, incluidos álbumes con Kenny Dorham, Sam Jones, Freddie Hubbard y otros. Siguió a su debut con el álbum de grandes conjuntos de 1960 Really Big!, con el cornetista Adderley, el flugelhornista Clark Terry, el altoista Cannonball Adderley y los pianistas Cedar Walton y Tommy Flanagan. La producción de Heath aumentó significativamente a principios de los 60 con álbumes como The Quota de 1961, Triple Threat de 1962 y On the Trail de 1964, el último de los cuales presentó dos de sus originales más con "Gingerbread Boy" y "Project S". También grabó álbumes con Milt Jackson, Mongo Santamaria y otros.

Heath volvió a su trabajo en solitario con The Gap Sealer de 1972, un álbum contundente que lo encontró tocando saxofón alto y tenor, así como flauta. Junto con los pianistas Kenny Barron y Stanley Cowell, el bajista Bob Cranshaw y su hermano el baterista Albert, el álbum también fue el primero en presentar a su hijo, el percusionista James Mtume. Luego grabó varios álbumes para el sello Muse, incluido Love and Understanding de 1973, todo lo cual lo encontró expandiendo aún más su enfoque, adoptando influencias del funk, la vanguardia y el jazz espiritual. También fue durante este período que formó The Heath Brothers con sus hermanos Percy y Albert, así como con el pianista Cowell. El grupo debutó con Marchin' On de 1975, lanzado en el sello Strata East de Cowell y el trompetista Charles Tolliver. Ganaron una mayor visibilidad después de firmar con Columbia Records y lanzar Passin' Thru de 1978 y In Motion de 1979.

En los años 80, Heath se expandió a la docencia, uniéndose a la facultad de la Escuela de Música Aaron Copland en Queens College, City University of New York. Durante los siguientes 20 años, equilibró la enseñanza y la actuación, ayudando a crear el programa de educación de jazz de la escuela y atrayendo a otras luminarias del jazz al campus, incluido Donald Byrd. También formó parte de la junta de los Archivos Louis Armstrong de la escuela y ayudó en la restauración de la casa de Armstrong en Corona, Queens. A pesar de su dedicación a la enseñanza, continuó actuando y grabando durante estos años, lanzando álbumes como Peer Pressure de 1987, Little Man, Big Band, nominado al Grammy en 1992, y You've Changed de 1994.

En 2006, volvió a exhibir su big band con Turn Up the Heath. Luego colaboró con la Seattle Repertory Jazz Orchestra en el encargo Endless Search. En 2011, Heath celebró su 85 cumpleaños con dos noches de presentaciones en vivo en el Blue Note de Nueva York, respaldado por su big band de 18 miembros. Lanzado en 2012 como Togetherness: Live at the Blue Note, contó con apariciones de Roy Hargrove, Peter Washington, Lewis Nash, Steve Davis y otros. Heath murió el 19 de enero de 2020 en Loganville, Georgia, por causas naturales. Tenía 93 años. Un álbum póstumo, Love Letter, llegó ese agosto y funcionó como despedida romántica del saxofonista. Contó con anuncios invitados de Wynton Marsalis, Cecile McLorin Salvant y Gregory Porter.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-heath-mn0000120241#biography

www.jimmyheath.com ...

Philly Joe Jones • Philly Mignon

 

Biography by Scott Yanow
A fiery drummer and a masterful accompanist, Philly Joe Jones came to fame as a key member with the first classic Miles Davis Quintet. After serving in the Army, he moved to New York in 1947, became the house drummer at Cafe Society and played with a who's who of bop (including Charlie Parker, Dizzy Gillespie, and Fats Navarro). He worked regularly with Ben Webster, Joe Morris, Tiny Grimes, Lionel Hampton, and Tadd Dameron (1953). Jones was with Miles Davis during 1955-1958, including the quintet years (1955-1956) with John Coltrane, Red Garland, and Paul Chambers and the beginnings of the super sextet that also included Cannonball Adderley (recording the classic Milestones album). In 1958, he started leading his own groups, recording for Riverside (1958-1959) and Atlantic (1960). Jones lived in London and Paris during 1967-1972 (performing and recording with some avant-garde players, including Archie Shepp). He eventually returned to Philadelphia, where he led a fusion group, Le Grand Prix, toured with Bill Evans during 1976, recorded for Galaxy in 1977 and 1979, and worked with Red Garland. Starting in 1981, he led the group Dameronia, which revived Tadd Dameron's music. But in reality, everything that Philly Joe Jones did after Miles Davis was anticlimactic.
https://www.allmusic.com/artist/philly-joe-jones-mn0000845443#biography

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Biografía de Scott Yanow
Philly Joe Jones, ardiente batería y acompañante magistral, saltó a la fama como miembro clave del primer quinteto clásico de Miles Davis. Después de servir en el ejército, se trasladó a Nueva York en 1947, se convirtió en el batería del Cafe Society y tocó con la flor y nata del bop (como Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Fats Navarro). Trabajó regularmente con Ben Webster, Joe Morris, Tiny Grimes, Lionel Hampton y Tadd Dameron (1953). Jones estuvo con Miles Davis durante 1955-1958, incluyendo los años del quinteto (1955-1956) con John Coltrane, Red Garland y Paul Chambers y los inicios del super sexteto que también incluía a Cannonball Adderley (grabando el clásico álbum Milestones). En 1958 comenzó a liderar sus propios grupos, grabando para Riverside (1958-1959) y Atlantic (1960). Jones vivió en Londres y París entre 1967 y 1972 (actuando y grabando con algunos músicos de vanguardia, como Archie Shepp). Finalmente regresó a Filadelfia, donde dirigió un grupo de fusión, Le Grand Prix, realizó una gira con Bill Evans durante 1976, grabó para Galaxy en 1977 y 1979 y trabajó con Red Garland. A partir de 1981, dirigió el grupo Dameronia, que revivió la música de Tadd Dameron. Pero en realidad, todo lo que Philly Joe Jones hizo después de Miles Davis fue anticlimático.
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Bill Harris • The Soul Of Jazz

 

This a rare and dynamic session, recorded by Rudy van Gelder in 1958, features an amazing All Stars cast. Essentially, it showcases Bill Harris playing alongside Joe Wilder, Bobby Jaspar, Pepper Adams, Eddie Costa, George Duvivier and Art Taylor. These musicians truly display the essence of jazz and hence the album’s title is so very appropriate. The sound even though ripped from a well-loved old vinyl still comes across ‘alive and fresh’ even by today’s standards. The concept of this LP is masterminded by the arrangements and conducting skills of Billy Ver Plank. The choices of tunes are very complimentary and blend well, all the while giving the players plenty of room to solo. Well Recommended.

Generally speaking, the men on the date fall into either a late swing or neo-modern period, as to their particular improvisatory allegiances. Yes, all bear the same "pure" approach to their performance of jazz. Bill Harris, veteran trombone star of the 1940's and the Woody Herman band has been a "preaching" jazzman of great fame for many years. Joe wilder, the early modern trumpet star, sparkles here with his growls, his various muses, and that unbelievably pure bell-tone while blowing a modern cascade of notes. Bobby Jaspar, Belgian import who has come to fame with J.J. Johnson and other combos on both tenor and flute, he is a "wailer" who plays in the Coltrane-Sims tradition these days. Pepper Adams, deserving of his nickname, bursts fierily throughout the proceedings. He is a Detroit export who rose to fame with Kenton, and has recently led his own combo in New York City. Eddie Costa, vibist and pianist once again proves his prowess as a tasty and ever-swinging keyboard man. George Duvivier can only be described as a "Rock" in a rhythm section ... with both beat, intonation, and "life" that are impeccable. Art Taylor, a usually intrepid bopper, illustrates his quieter moods here, lapsing into the more normal "popping" style he has become noted for on two tracks. Basically, the tunes are simple harmonic changes, with tried harmony, open voiced for the horns, and usually ending with the traditional "Amen" chord resolution. The solo-work, in almost every case stays fairly close to the simple diatonic harmonies, yet conveying a combined "preaching" and "funky blues" feel. ~ Extract from Liner Notes by H. Alan Stein.

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Esta es una rara y dinámica sesión, grabada por Rudy van Gelder en 1958, con un asombroso elenco de All Stars. En esencia, muestra a Bill Harris tocando junto a Joe Wilder, Bobby Jaspar, Pepper Adams, Eddie Costa, George Duvivier y Art Taylor. Estos músicos muestran la esencia del jazz y por eso el título del álbum es tan apropiado. El sonido, aunque arrancado de un viejo y querido vinilo, sigue siendo "vivo y fresco" incluso para los estándares de hoy en día. El concepto de este LP se basa en los arreglos y la dirección de Billy Ver Plank. La elección de los temas es muy complementaria y se mezclan bien, al tiempo que dan a los músicos mucho espacio para los solos. Bien recomendado.

En general, los hombres de la fecha caen en un período de swing tardío o neomoderno, en cuanto a sus lealtades particulares de improvisación. Sí, todos tienen el mismo enfoque "puro" en su interpretación del jazz. Bill Harris, veterano trombonista de los años 40 y la banda de Woody Herman ha sido un jazzista "predicador" de gran fama durante muchos años. Joe Wilder, la primera estrella de la trompeta moderna, brilla aquí con sus gruñidos, sus diversas musas y ese increíblemente puro tono de campana mientras sopla una moderna cascada de notas. Bobby Jaspar, importado de Bélgica que ha alcanzado la fama con J.J. Johnson y otros combos tanto en tenor como en flauta, es un "llorón" que toca en la tradición de Coltrane-Sims en estos días. Pepper Adams, merecedor de su apodo, irrumpe con fuerza en todo el proceso. Es un exportador de Detroit que saltó a la fama con Kenton, y recientemente ha dirigido su propio combo en la ciudad de Nueva York. Eddie Costa, vibrafonista y pianista demuestra una vez más su destreza como un sabroso teclista. George Duvivier sólo puede ser descrito como un "Rock" en una sección rítmica... con un ritmo, una entonación y una "vida" impecables. Art Taylor, un intrépido bopper, ilustra aquí sus estados de ánimo más tranquilos, cayendo en el estilo más normal de "popping" por el que se ha hecho famoso en dos temas. Básicamente, las melodías son simples cambios armónicos, con armonía probada, voz abierta para las trompas, y generalmente terminan con la tradicional resolución de acordes "Amen". El trabajo en solitario, en casi todos los casos se mantiene bastante cerca de las simples armonías diatónicas, pero transmitiendo una sensación combinada de "predicación" y "funky blues". ~ Extracto de Liner Notes de H. Alan Stein.

J.R. Monterose • The Message

 

 

 

Biography
by Scott Yanow
J.R. Monterose (not to be confused with fellow tenor Jack Montrose) is most famous for a gig that he personally did not enjoy, playing with Charles Mingus in 1956 and recording on Mingus' breakthrough album Pithecanthropus Erectus. He grew up in Utica, NY, played in territory bands in the Midwest, and then moved to New York City in the early '50s. Monterose played with Buddy Rich (1952) and Claude Thornhill and recorded with (among others) Teddy Charles, Jon Eardley, and Eddie Bert. After leaving Mingus (whom he did not get along with), Monterose played with Kenny Dorham's Jazz Prophets and recorded a strong set for Blue Note as a leader. Although he performed into the 1980s (doubling on soprano in later years), Monterose never really became famous. In addition to his Blue Note date, he led sets for Jaro (a 1959 session later reissued by Xanadu), Studio 4 (which was reissued by V.S.O.P.), a very obscure 1969 outing for the Dutch label Heavy Soul Music (1969), and, during 1979-1981, albums for Progressive, Cadence, and two for Uptown.
https://www.allmusic.com/artist/jr-monterose-mn0000117136/biography

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Biografía
por Scott Yanow
J.R. Monterose (no hay que confundirlo con el tenor Jack Montrose) es más famoso por una actuación que no disfrutó personalmente, tocar con Charles Mingus en 1956 y grabar en el álbum pionero de Mingus, Pithecanthropus Erectus. Creció en Utica (Nueva York), tocó en bandas territoriales en el Medio Oeste y luego se trasladó a Nueva York a principios de los años 50. Monterose tocó con Buddy Rich (1952) y Claude Thornhill y grabó con (entre otros) Teddy Charles, Jon Eardley y Eddie Bert. Después de dejar a Mingus (con quien no se llevaba bien), Monterose tocó con los Jazz Prophets de Kenny Dorham y grabó un sólido conjunto para Blue Note como líder. Aunque actuó hasta la década de 1980 (doblando como soprano en años posteriores), Monterose nunca llegó a ser realmente famoso. Además de su fecha en Blue Note, dirigió conjuntos para Jaro (una sesión de 1959 que luego fue reeditada por Xanadu), Studio 4 (que fue reeditado por V.S.O.P.), una salida muy oscura de 1969 para el sello holandés Heavy Soul Music (1969), y, durante 1979-1981, álbumes para Progressive, Cadence, y dos para Uptown.
https://www.allmusic.com/artist/jr-monterose-mn0000117136/biography

Hal McKusick Octet • In A Twentieth-Century Drawing Room

 

Joshua Breakstone • Let's Call This Monk

 

Review by Scott Yanow
A few decades ago it was considered quite unusual for any musician to record a full set of Thelonious Monk songs. However, by the time guitarist Joshua Breakstone made this trio date, everyone seemed to be recording Monk's music and the formerly forbidding pianist-composer was rightfully considered not only a genius, but fairly accessible. With the exception of "Ruby, My Dear," Breakstone (a superior cool-toned guitarist) explores the more obscure and complex Monk tunes on this set, swinging such songs as "Work," "Eronel," and "Brilliant Corners" with ease. The trio is tight, with bassist Dennis Irwin contributing stimulating lines and drummer Mickey Roker being subtle and swinging in support. Although no longer groundbreaking, this is a fine addition to Joshua Breakstone's consistently rewarding discography.
https://www.allmusic.com/album/lets-call-this-monk%21-mw0000594920

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Reseña de Scott Yanow
Hace unas décadas se consideraba bastante inusual que cualquier músico grabara un conjunto completo de canciones de Thelonious Monk. Sin embargo, para cuando el guitarrista Joshua Breakstone hizo esta cita en trío, todo el mundo parecía estar grabando la música de Monk y el antes prohibitivo pianista-compositor era considerado con razón no sólo un genio, sino bastante accesible. Con la excepción de "Ruby, My Dear", Breakstone (un guitarrista de tono frío superior) explora las melodías más oscuras y complejas de Monk en este set, balanceando canciones como "Work", "Eronel" y "Brilliant Corners" con facilidad. El trío está muy unido, con el bajista Dennis Irwin contribuyendo con líneas estimulantes y el batería Mickey Roker siendo sutil y oscilante como apoyo. Aunque ya no es innovador, se trata de una buena adición a la siempre gratificante discografía de Joshua Breakstone.
https://www.allmusic.com/album/lets-call-this-monk%21-mw0000594920

www.joshuabreakstone.com ...

Russell Malone • Heartstrings

 

Biography
by Matt Collar
An adept jazz guitarist with a clean attack and fluid, lyrical style, Russell Malone often plays in a swinging, straight-ahead style, weaving in elements of blues, gospel, and R&B. Born in Albany, Georgia in 1963, Malone first began playing guitar around age four on a toy instrument, quickly graduating to the real thing. Largely self-taught, he initially drew inspiration listening to the recordings of gospel and blues artists including the Dixie Hummingbirds and B.B. King. However, after seeing George Benson perform with Benny Goodman on a television show, Malone was hooked on jazz and began intently studying albums by legendary guitarists like Charlie Christian and Wes Montgomery.

By his twenties, Malone was an accomplished performer, and in 1988 he joined organist Jimmy Smith's band. Soon after, he also became a member of Harry Connick, Jr.'s big band, appearing on Connick's 1991 effort Blue Light, Red Light. With his growing reputation as a sideman, Malone next caught the attention of pianist/vocalist Diana Krall, with whom he would work throughout much of the '90s and 2000s. Also during this period, Malone appeared with a bevy of name artists including Branford Marsalis, Benny Green, Terell Stafford, Ray Brown, and others.

As a solo artist, Malone made his debut with 1992's Russell Malone, followed a year later by Black Butterfly. In 1999, he released Sweet Georgia Peach, which featured a guest appearance from pianist Kenny Barron. Malone kicked off the 2000s with several albums on Verve, including 2000's Look Who's Here and 2001's orchestral jazz-themed Heartstrings. He then moved to Maxjazz for 2004's Playground, featuring a guest appearance from saxophonist Gary Bartz, followed by 2010's Triple Play.

Over the next several years, Malone appeared on albums by Wynton Marsalis, Christian McBride, and Ron Carter, as well as Krall bandmate bassist Ben Wolfe. He returned to solo work in 2015 with the eclectic small-group album Love Looks Good on You, followed a year later by All About Melody, both on HighNote. In 2017, he delivered his third HighNote album, Time for the Dancers, featuring his quartet with pianist Rick Germanson, bassist Luke Sellick, and drummer Willie Jones III.
https://www.allmusic.com/artist/russell-malone-mn0000808613/biography

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Biografía
por Matt Collar
Adepto guitarrista de jazz con un ataque limpio y un estilo fluido y lírico, Russell Malone toca a menudo con un estilo swing y directo, entrelazando elementos de blues, gospel y R&B. Nacido en Albany, Georgia, en 1963, Malone empezó a tocar la guitarra a los cuatro años con un instrumento de juguete, y pronto pasó a tocar la guitarra de verdad. De formación autodidacta, al principio se inspiró en las grabaciones de artistas de gospel y blues como los Dixie Hummingbirds y B.B. King. Sin embargo, tras ver a George Benson tocar con Benny Goodman en un programa de televisión, Malone se enganchó al jazz y empezó a estudiar atentamente discos de guitarristas legendarios como Charlie Christian y Wes Montgomery.

A los veinte años, Malone ya era un consumado intérprete, y en 1988 se unió a la banda del organista Jimmy Smith. Poco después, se convirtió en miembro de la big band de Harry Connick, Jr. y apareció en el álbum de Connick de 1991 Blue Light, Red Light. Con su creciente reputación como músico de acompañamiento, Malone llamó la atención de la pianista y vocalista Diana Krall, con quien trabajó durante gran parte de los años 90 y 2000. También durante este periodo, Malone actuó con un grupo de artistas de renombre como Branford Marsalis, Benny Green, Terell Stafford y Ray Brown, entre otros.

Como solista, Malone debutó con Russell Malone en 1992, seguido un año después por Black Butterfly. En 1999 publicó Sweet Georgia Peach, que contó con la participación del pianista Kenny Barron. Malone inició la década de 2000 con varios álbumes en Verve, entre ellos Look Who's Here, de 2000, y Heartstrings, de 2001, de temática jazz orquestal. Luego pasó a Maxjazz para Playground (2004), con la participación del saxofonista Gary Bartz, y Triple Play (2010).

En los años siguientes, Malone apareció en álbumes de Wynton Marsalis, Christian McBride y Ron Carter, así como del bajista Ben Wolfe, compañero de banda de Krall. Volvió a trabajar en solitario en 2015 con el ecléctico álbum para pequeños grupos Love Looks Good on You, seguido un año después por All About Melody, ambos en HighNote. En 2017, publicó su tercer álbum en HighNote, Time for the Dancers, en el que presenta a su cuarteto con el pianista Rick Germanson, el bajista Luke Sellick y el batería Willie Jones III.
https://www.allmusic.com/artist/russell-malone-mn0000808613/biography

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Kai Winding • All We Ever Wanted

 

Trombonist Kai Christen Winding (pronounced ki-win-ding) was one of the founding fathers of be-bop music and truly one of the finest-ever jazz trombonists.

As a sideman to bop’s reigning kings “ Fats Navarro, Miles Davis, Charlie Parker, Dizzy Gillespie and Tadd Dameron “ he was more a bridesmaid than a bride. Winding recorded too infrequently as a leader during this period and none of his compositions ever really caught on. Indeed, he was adept at putting a defining stamp on others’ compositions “ a trait he picked up while outlining the artistry of Stan Kenton’s sound during the mid 1940s.

Kai was born on May 18, 1922, in Aarhaus, Denmark. He came to the United States with his family in 1934. In 1940, he made his professional debut as trombonist with Shorty Allen’s band. He played with the bands of Sonny Dunham and Alvino Rey before joining the U.S. Coast Guard during World War II. After becoming a civilian in 1945, he worked with Benny Goodman’s highly popular band and moved onto Stan Kenton’s orchestra, where he helped defined the brassy Kenton sound and, quickly became a featured soloist. Thereafter, he hooked himself up with a number of emerging stars of be-bop, the “new jazz,” and recorded prolifically “ most notably, as part of one of the nonets featured on the historic “The Birth of the Cool” (Capitol/1949).

Winding recorded and performed prolifically during the 1950s, as a leader and “ with distinction “ behind a number of significant and popular soloists such as Sonny Stitt, Billy Eckstein, Neal Hefti, Woody Herman, Chris Connor, Sylvia Syms.

Still, the trombone was considered an unusual instrument to lead a combo. So it was with prescient oddity that in 1954, producer Ozzie Cadena proposed the marriage of two trombones “ Winding’s quick-witted mellifluousness with fellow trombonist J.J. Johnson’s hard-edged angularity. The two leaders clicked together musically right away (check out Savoy “Jay& Kai”) and, surprisingly, became a hugely popular club attraction and critical favorite. Jay and Kai - or “Kai and Jay” or “J.J. & K” or “J & K” or any other of a number of other combinations - was born.

The duo recorded eight highly popular “ and consistently artistic “ albums over the next two years for the Savoy, RCA, Bethlehem, Prestige and Columbia labels. It was during this period that Kai's great compositional skill was finally recognized with such memorable tunes as “Don't Argue,” “Wind Bag,” “That's How I Feel About You,” “Gong Rock,” “Jeanne” and “Caribe.”

At this point, Kai Winding was a well-known “ and bankable “ entity. In addition to continuing session work and well-paid gigs, Winding recorded several “concept” oriented albums for Columbia where he embarked on his own remarkable - and successful - concept of a four-trombone front line.

Producer Creed Taylor, who has always recognized a sale-able sound (and produced the duo’s fourth album on Bethlehem from 1955, K + JJ), kept close tabs on Kai Winding. The producer brought the trombonist in for the delightful 1958 album, “The Axidentals “ with the Kai Winding Trombones” (ABC Paramount) and reunited with him when the producer helmed the inception of Impulse Records “ for the Kai and J.J. reunion (The Great Kai & J.J. “ with the catalog number “A-1”) and the marvelous solo record “The Incredible Trombones of Kai Winding.”

When Creed Taylor accepted a lucrative offer from MGM to head the jazz division of their record label, Verve, Kai Winding was invited too. Winding recorded a dozen albums and 4 non-LP 45-rpm records with Creed Taylor during his stay at the label (1961-67). The music Winding made during this time is well worth hearing and, surprisingly, uncharacteristic of his recordings before or after.

This is the period that my discography is most concerned with “ and when the be-bop legend recorded what I consider some of his most interesting material. There’s no doubt that Verve Records provided Kai Winding with the most popularity he’d known during his entire career and, in some odd and sometimes wonderful coincidences, provided the great trombone player, composer and arranger with the most notable music of his career.

Kai Winding's first Verve record was the wondrous, Latin-esque “Kai Olé”(1961). Still firmly rooted in bebop, Winding goes a bit further South of the Border than he did on his Columbia records, where he simply added a conga or a bongo to spice up the mix. Winding quickly followed with 1962's “Suspense Times in Jazz,” (1962), a collection of “crime jazz” (lots of Henry Mancini covers!), arranged by either Winding or the great Oliver Nelson.

Next came “Solo,” (1963), one of the first of Kai Winding's many 1963 recordings and a landmark in the trombonist's career. While not exactly true to its title, since it was a trombone-with-rhythm-section date, “Solo” did represent Winding's first solo recording where he was the only horn player! The record also featured several titles that celebrated Winding's role as the musical director of New York's Playboy Club - a position the musician maintained throughout the 1960s. “Solo” is, perhaps, Kai Winding's best jazz record on Verve, and maybe one of his least known for the label.

The next record, “Soul Surfin” (1963) changed all the rules. Quite unexpectedly, Kai Winding's cover of Riz Orolani's “More (Theme From Mondo Cane)” became a top ten hit in 1963 - spawning innumerable covers from the bachelor-pad crowd. The album, a collection of somewhat interesting surf tunes featured Winding and guitarist Kenny Burrell behind the oddly-annoying ondioline (played, without credit, by the legendary Jean Jacques Perrey!). After the single's unbelievable success, the album was renamed “More.”

Next up was the rather strange album titled “Kai Winding” (1963). The record was also known by the title”The Lonely One” due to the release of the one 45 from the album. This one, which features some pretty rockin' tunes, notably Claus Ogerman's hip “Get Lost,” certainly features Winding. But the trombonist barely solos and hardly ever takes a lead line. This writer guesses that the album was intended to be a feature for Garry (or “Gary,” or “Gerry”) Sherman, the arranger of many of the album's tunes. But the success of “More” encouraged Verve to issue the record (or a bunch of recordings that included Kai Winding) under the trombonist's name.

“Mondo Cane #2” (1963-64) next featured Winding covering Nino Oliviero's sequel (and not as good as the oriiginal) theme to Winding's top ten hit. Covering several Ogerman tunes here (notably “Python”) and a few originals (the best, which is “ Simian Theme”), Winding seems barely present on this record. Jean Jacques Perrey is again said to have played the ondioline (credited to Winding!), which dominates the sound and solos of the record. This is not the record for those that admire hearing Winding's magical trombone sound. When the hits didn't follow, Creed Taylor moved Kai Winding away from the surfing (and, thankfully, the ondioline) gimmick to other gimmick-y pastures. “Modern Country” (1964) followed, matching Kai's trombone and arrangements with the Anita Kerr Singers and a Nashville rhythm section. Somehow, the concept (which Taylor would explore again with Hubert Laws for CTI) yielded some exceptionally notable performances. Check out “Busted,” “Wolverton Mountain” and “Dang Me.”

Getting back to basics, Taylor and Winding thereafter conceived “Rainy Day” (1965) and The In Instrumentals” (1965), both which - much in the style of the time - attempt to place Kai Winding's sound into more contemporary arenas.

Things started gelling again when the pair conceived Kai Winding's excellent “More Brass” (1966), a not-so-veiled reference to both the trombonist's biggest hit and his best asset. The record yielded several credible performances of contemporary pop - highlighted especially by the delicate harpsichord styling of Hank Jones - that still had that sound of the past (and a marvelous re-arrangement of Winding's hit, “More”).

But perhaps the “hippest” Kai Winding ever got for Verve was on his next record, 1966's”Dirty Dog.” Featuring his patented four-trombone line-up with Carl Fontana, Urbie Green and Bill Watrous, Winding surrounded himself well with two-handed genius and funk overlord Herbie Hancock, bassist Bob Cranshaw, drummer Grady Tate and guitarist Al Gafa (under the pseudonym “Buzzy Bavarian,” to hide, perhaps an unusually rock-ish quality he lays down here). Winding traverses fast takes of the Hancock hits “Cantaloupe Island” and “Blind Man, Blind Man” and Gafa's surprisingly funky title track.

Winding's finest work with producer Creed Taylor, however, remains their last collaboration for Verve. “Penny Lane & Time” (1967) is an incredible accomplishment of pure pop finesse (shocking, given the number of Beatles covers here) and magical jazz arrangement (courtesy of Kai Winding himself). Winding pairs his mellifluous trombone with a four-part flute choir (featuring Hubert Laws, Danny Bank, Romeo Penque, Jerry Dodgion and Jerome Richardson). The result, probably inspired by Winding's former partner, arranger Claus Ogerman, is truly ethereal. Winding ended his 12-album run at Verve much the way he began it: with great artistic beauty.

Shortly thereafter, Creed Taylor left Verve Records to form his own CTI Records label. Winding recorded yet another album - that remains unreleased - for the MGM label (with Taylor, most likely) before Taylor reunited Winding with J.J. Johnson. The pair collaborated on three high-profile reunion projects at A&M/CTI during the late 1960s. Winding also did session work at the time for such A&M/CTI recordings as Paul Desmond's “Summertime,” and Quincy Jones's “Walking in Space.”

By the early 1970s, Kai Winding toured extensively with The Giants Of Jazz, featuring such old comrades as Dizzy Gillespie and Sonny Stitt and legendary masters Thelonius Monk and Art Blakey. He was also caught on a series of records which captured the 1972 Newport in New York Festival, reuniting with such early cohorts as Billy Eckstein, Flip Phillips and Zoot Sims.

Winding eventually chose to play when he felt like it, settling in Spain with his third wife, Ezshwan. Records during these years were sparse and on very small labels: two for the Glendale label and two for Lionel Hampton's Who's Who In Jazz label. Winding still performed on a regular basis, pairing up with the great Curtis Fuller in 1979 for two excellent “Giant Bones” recordings. Finally, Winding recorded an incredible “Trombone Summit” for the German MPS label (1980), heading a bone quartet featuring Albert Mangelsdorff, Bill Watrous and Jiggs Whigham - even reuniting one last time with J.J. Johnson for “All Star Jam Live- - Aurez Jazz Festival '82” (1982).

Unfortunately, after a long and artistically fulfilling career, Kai Winding succumbed to a brain tumor in a New York hospital on May 6, 1983, just shy of his 61st birthday. One of his sons, Jai, has kept Kai Winding's musical legacy alive as a respected - and busy! - session keyboard player for a wide variety of artists including George Benson, Michael Jackson, Madonna, America, The Eagles, Boz Scaggs, Jackson Browne, Molly Hatchet, Ted Nugent and many, many others.

Kai Winding's bop legacy has been kept alive in a variety of worthwhile reissues and countless compilations. However, one hopes that eventually major labels will concede to acknowledge the considerable contribution Kai Winding made during the 1960s as part of Verve Records.

Source: Doug Payne

https://musicians.allaboutjazz.com/kaiwinding

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El trombonista Kai Christen Winding fue uno de los padres fundadores de la música be-bop y uno de los mejores trombonistas de jazz de todos los tiempos.

Como acompañante de los reyes del bop, Fats Navarro, Miles Davis, Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Tadd Dameron, fue más una dama de honor que una novia. Winding grabó muy pocas veces como líder durante este período y ninguna de sus composiciones llegó a ser realmente popular. De hecho, era adepto a poner un sello definitorio en las composiciones de los demás, un rasgo que recogió mientras esbozaba el arte del sonido de Stan Kenton a mediados de los años 40.

Kai nació el 18 de mayo de 1922, en Aarhaus, Dinamarca. Llegó a los Estados Unidos con su familia en 1934. En 1940, hizo su debut profesional como trombonista con la banda de Shorty Allen. Tocó con las bandas de Sonny Dunham y Alvino Rey antes de unirse a la Guardia Costera de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial. Después de convertirse en civil en 1945, trabajó con la banda de Benny Goodman, que era muy popular, y pasó a la orquesta de Stan Kenton, donde ayudó a definir el sonido broncínea de Kenton y, rápidamente, se convirtió en un solista destacado. A partir de entonces, se relacionó con varias estrellas emergentes del be-bop, el "nuevo jazz", y grabó prolíficamente, "sobre todo, como parte de uno de los noneto que apareció en el histórico "The Birth of the Cool" (Capitol/1949).

Winding grabó y tocó prolíficamente durante el decenio de 1950, como líder y "con distinción" detrás de varios solistas importantes y populares como Sonny Stitt, Billy Eckstein, Neal Hefti, Woody Herman, Chris Connor, Sylvia Syms.

Aún así, el trombón era considerado un instrumento inusual para dirigir un combo. Así que fue con una clarividente rareza que en 1954, el productor Ozzie Cadena propuso el matrimonio de dos trombones " La melifluidad de Winding con la angularidad del trombonista J.J. Johnson. Los dos líderes se unieron musicalmente de inmediato (vean el Savoy "Jay& Kai") y, sorprendentemente, se convirtieron en una atracción muy popular del club y en el favorito de la crítica. Jay y Kai - o "Kai y Jay" o "J.J. & K" o "J & K" o cualquier otra de una serie de otras combinaciones - nació.

El dúo grabó ocho álbumes muy populares y consistentemente artísticos en los dos años siguientes para los sellos Savoy, RCA, Bethlehem, Prestige y Columbia. Fue durante este período que la gran habilidad compositiva de Kai fue finalmente reconocida con temas tan memorables como "Don't Argue", "Wind Bag", "That's How I Feel About You", "Gong Rock", "Jeanne" y "Caribe".

En ese momento, Kai Winding era una entidad muy conocida y financiable. Además de seguir trabajando en sesiones y en conciertos bien pagados, Winding grabó varios álbumes orientados al "concepto" para Columbia, donde se embarcó en su propio concepto notable - y exitoso - de una línea de frente de cuatro trombones.

El productor Creed Taylor, que siempre ha reconocido un sonido vendible (y produjo el cuarto álbum del dúo en Belén a partir de 1955, K + JJ), mantuvo una estrecha relación con Kai Winding. El productor trajo al trombonista para el encantador álbum de 1958, "The Axidentals " with the Kai Winding Trombones" (ABC Paramount) y se reunió con él cuando el productor dirigió la creación de Impulse Records " para la reunión de Kai y J.J. (The Great Kai & J.J. " con el número de catálogo "A-1") y el maravilloso disco en solitario "The Incredible Trombones of Kai Winding".

Cuando Creed Taylor aceptó una lucrativa oferta de MGM para dirigir la división de jazz de su sello discográfico, Verve, Kai Winding también fue invitado. Winding grabó una docena de álbumes y 4 discos no LP de 45 rpm con Creed Taylor durante su estancia en la discográfica (1961-67). La música que Winding hizo durante este tiempo es digna de ser escuchada y, sorprendentemente, poco característica de sus grabaciones antes o después.

Este es el período que más me preocupa en mi discografía " y cuando la leyenda del be-bop grabó lo que considero uno de sus materiales más interesantes. No hay duda de que Verve Records proporcionó a Kai Winding la mayor popularidad que había conocido durante toda su carrera y, en algunas extrañas y a veces maravillosas coincidencias, proporcionó al gran trombonista, compositor y arreglista la música más notable de su carrera.

El primer disco de Verve de Kai Winding fue el maravilloso y latino "Kai Olé" (1961). Todavía firmemente arraigado en el bebop, Winding va un poco más al sur de la frontera que en sus discos de Columbia, donde simplemente añadió una conga o un bongó para darle sabor a la mezcla. A Winding le siguió rápidamente el "Suspense Times in Jazz" (1962), una colección de "crime jazz" (¡muchas portadas de Henry Mancini!), arreglada por Winding o por el gran Oliver Nelson.

Luego vino "Solo" (1963), una de las primeras grabaciones de Kai Winding en 1963 y un hito en la carrera del trombonista. Aunque no es exactamente fiel a su título, ya que era una fecha de trombón con sección rítmica, "Solo" representó la primera grabación en solitario de Winding en la que él era el único trompetista. El disco también incluía varios títulos que celebraban el papel de Winding como director musical del Playboy Club de Nueva York, una posición que el músico mantuvo durante los años 60. "Solo" es, quizás, el mejor disco de jazz de Kai Winding en Verve, y quizás uno de los menos conocidos por el sello.

El siguiente disco, "Soul Surfin" (1963) cambió todas las reglas. De forma bastante inesperada, la versión de Kai Winding de "More (Theme From Mondo Cane)" de Riz Orolani se convirtió en un éxito entre los diez primeros en 1963, generando innumerables versiones de los solteros. El álbum, una colección de temas de surf un tanto interesantes, presentaba a Winding y al guitarrista Kenny Burrell detrás de la extrañamente molesta ondolina (¡interpretada, sin crédito, por el legendario Jean Jacques Perrey!). Después del increíble éxito del single, el álbum fue rebautizado como "More".

El siguiente fue el extraño álbum titulado "Kai Winding" (1963). El disco también era conocido por el título de "The Lonely One" debido al lanzamiento del uno 45 del álbum. Este, que contiene algunas canciones muy rockeras, en particular la cadera de Claus Ogerman "Get Lost", ciertamente contiene "Winding". Pero el trombonista apenas hace solos y casi nunca toma una línea principal. Este escritor adivina que el álbum estaba destinado a ser un reportaje para Garry (o "Gary" o "Gerry") Sherman, el arreglista de muchas de las canciones del álbum. Pero el éxito de "More" animó a Verve a publicar el disco (o un montón de grabaciones que incluían a Kai Winding) bajo el nombre del trombonista.

"Mondo Cane #2" (1963-64) fue el siguiente tema de Winding que cubría la secuela de Nino Oliviero (y no tan bueno como el original) del top diez de Winding. Cubriendo varias melodías ogermanas aquí (notablemente "Python") y unos pocos originales (el mejor, que es "Tema de Simio"), Winding parece apenas presente en este disco. Se dice que Jean Jacques Perrey ha tocado la ondiolina (acreditada a Winding!), que domina el sonido y los solos del disco. Este no es un disco para aquellos que admiran el sonido mágico del trombón de Winding. Cuando los éxitos no siguieron, Creed Taylor alejó a Kai Winding del truco del surf (y, afortunadamente, de la ondiolina) a otros pastos de trucos. Siguió "Modern Country" (1964), que combinaba el trombón y los arreglos de Kai con los cantantes de Anita Kerr y una sección rítmica de Nashville. De alguna manera, el concepto (que Taylor volvería a explorar con Hubert Laws para CTI) dio lugar a algunas actuaciones excepcionalmente notables. Echa un vistazo a "Busted", "Wolverton Mountain" y "Dang Me".

Volviendo a lo básico, Taylor y Winding concibieron posteriormente "Rainy Day" (1965) y "The In Instrumentals" (1965), ambas cosas que -muy al estilo de la época- intentan situar el sonido de Kai Winding en ámbitos más contemporáneos.

Las cosas comenzaron a ponerse de nuevo en marcha cuando la pareja concibió el excelente "More Brass" (1966) de Kai Winding, una referencia no muy revelada tanto al mayor éxito del trombonista como a su mejor activo. El disco produjo varias interpretaciones creíbles de pop contemporáneo, destacadas especialmente por el delicado estilo de clavicémbalo de Hank Jones, que todavía tenía ese sonido del pasado (y una maravillosa reorganización del éxito de Winding, "More").

Pero quizás el Kai Winding más "hippie" que jamás haya conseguido para Verve fue en su siguiente disco, "Dirty Dog" de 1966. Presentando su patentado conjunto de cuatro trombones con Carl Fontana, Urbie Green y Bill Watrous, Winding se rodeó de un genio de las dos manos y del señor del funk Herbie Hancock, del bajista Bob Cranshaw, del baterista Grady Tate y del guitarrista Al Gafa (bajo el seudónimo de "Buzzy Bavarian", para ocultar, tal vez, una cualidad inusualmente rockera que él pone aquí). Sinuosas y rápidas tomas de los éxitos de Hancock "Cantaloupe Island" y "Blind Man, Blind Man" y el sorprendente y funky tema del título de Gafa.

Sin embargo, el mejor trabajo de Winding con el productor Creed Taylor sigue siendo su última colaboración para Verve. "Penny Lane & Time" (1967) es un increíble logro de pura finura pop (impactante, dado el número de covers de los Beatles que hay aquí) y un mágico arreglo de jazz (cortesía del propio Kai Winding). Winding combina su melifluo trombón con un coro de flautas a cuatro voces (con Hubert Laws, Danny Bank, Romeo Penque, Jerry Dodgion y Jerome Richardson). El resultado, probablemente inspirado por el antiguo socio de Winding, el arreglista Claus Ogerman, es verdaderamente etéreo. Winding terminó su carrera de 12 álbumes en Verve de la misma manera que la comenzó: con gran belleza artística.

Poco después, Creed Taylor dejó Verve Records para formar su propio sello CTI Records. Winding grabó otro álbum -que sigue sin publicarse- para el sello MGM (con Taylor, probablemente) antes de que Taylor reuniera a Winding con J.J. Johnson. El par colaboró en tres proyectos de reunión de alto perfil en A&M/CTI a finales de los 60. Winding también hizo trabajos de sesión en esa época para grabaciones de A&M/CTI como "Summertime" de Paul Desmond, y "Walking in Space" de Quincy Jones.

A principios de los 70, Kai Winding realizó una extensa gira con The Giants Of Jazz, presentando a viejos camaradas como Dizzy Gillespie y Sonny Stitt y a los legendarios maestros Thelonius Monk y Art Blakey. También fue capturado en una serie de discos que capturaron el Festival de Newport en Nueva York de 1972, reuniéndose con cohortes tan tempranas como Billy Eckstein, Flip Phillips y Zoot Sims.

Winding eligió finalmente tocar cuando le apetecía, estableciéndose en España con su tercera esposa, Ezshwan. Los discos durante estos años fueron escasos y en sellos muy pequeños: dos para el sello Glendale y dos para el sello Who's Who In Jazz de Lionel Hampton. Winding seguía tocando regularmente, formando pareja con el gran Curtis Fuller en 1979 para dos excelentes grabaciones de "Giant Bones". Finalmente, Winding grabó un increíble "Trombone Summit" para el sello alemán MPS (1980), encabezando un cuarteto de huesos con Albert Mangelsdorff, Bill Watrous y Jiggs Whigham - incluso se reunió por última vez con J.J. Johnson para el "All Star Jam Live- - Aurez Jazz Festival '82" (1982).

Desafortunadamente, después de una larga y artística carrera, Kai Winding sucumbió a un tumor cerebral en un hospital de Nueva York el 6 de mayo de 1983, justo antes de cumplir 61 años. Uno de sus hijos, Jai, ha mantenido vivo el legado musical de Kai Winding como un respetado - ¡y ocupado! - teclista de sesión para una gran variedad de artistas, incluyendo a George Benson, Michael Jackson, Madonna, America, The Eagles, Boz Scaggs, Jackson Browne, Molly Hatchet, Ted Nugent y muchos, muchos otros.

El legado del bop de Kai Winding se ha mantenido vivo en una variedad de reediciones valiosas e innumerables compilaciones. Sin embargo, se espera que con el tiempo los principales sellos discográficos reconozcan la considerable contribución que Kai Winding hizo durante los años 60 como parte de Verve Records.

Fuente: Doug Payne
https://musicians.allaboutjazz.com/kaiwinding

Harry Sweets Edison, Eddie Lockjaw Davis & Richard Boone with Leonardo Pedersens's Jazzkapel

 

Since1962, Leonardo Pedersen’s Jazzkapel has been Denmark’s tightest, hard-swinging “almost” big band, in the musical tradition of Count Basie, Quincy Jones and Louis Jordan. Thus, they provided perfect backing for the three guest soloists – Harry “Sweets” Edison, Eddie “Lockjaw” Davis and Richard Boone – all alumni of the Count Basie Band. While there is a distinct Kansas City/Count Basie feel to this album, the repertoire also includes some Horace Silver bop classics and Louis Jordan jump-jive favourites. The three guest soloists here are true individual stylists – their sound is immediately identifiable. Thanks to their obvious compatibility with Leonardo Petersen’s Jazzkapel, “Sweets”, “Lockjaw” and Richard Boone play – and sing – with the same brilliance and passion as in their heyday with the Count.
https://storyvillerecords.com/

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Desde 1962, el Jazzkapel de Leonardo Pedersen ha sido la "casi" big band más compacta y de mayor swing de Dinamarca, en la tradición musical de Count Basie, Quincy Jones y Louis Jordan. Por lo tanto, proporcionaron el respaldo perfecto para los tres solistas invitados: Harry "Sweets" Edison, Eddie "Lockjaw" Davis y Richard Boone, todos ex alumnos de Count Basie Band. Si bien hay una sensación distintiva de Kansas City/Count Basie en este álbum, el repertorio también incluye algunos clásicos del bop de Horace Silver y los favoritos del jump-jive de Louis Jordan. Los tres solistas invitados aquí son verdaderos estilistas individuales: su sonido es inmediatamente identificable. Gracias a su evidente compatibilidad con el Jazzkapel de Leonardo Petersen, “Sweets”, “Lockjaw” y Richard Boone tocan –y cantan– con la misma brillantez y pasión que en su apogeo con el Conde.
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Swing to Bopː An Oral History of the Transition in Jazz in the 1940s

This indispensable book brings us face to face with some of the most memorable figures in jazz history and charts the rise and development of bop in the late 1930s and '40s. Ira Gitler interviewed more than 50 leading jazz figures, over a 10-year period, to preserve for posterity their recollections of the transition in jazz from the big band era to the modern jazz period. The musicians interviewed, including both the acclaimed and the unrecorded, tell in their own words how this renegade music emerged, why it was a turning point in American jazz, and how it influenced their own lives and work. Placing jazz in historical context, Gitler demonstrates how the mood of the nation in its post-Depression years, racial attitudes of the time, and World War II combined to shape the jazz of today.


About the Author
Ira Gitler's writing has helped illuminate the jazz scene from 1951, when he wrote the first of countless album and CD annotations. He was the New York editor of Downbeat in the 1960s and continues to contribute to that publication, as well as to JazzTimes and Internet publications. His credits as a producer include recordings and concerts, and he teaches jazz history at the Manhattan School of Music. His books include the highly acclaimed Jazz Masters of the '40s and Swing to Bop, the latter written while he was a Guggenheim fellow. He lives in New York City.

 

 

 

Ira Gitler (Author) 

Hank Jones • Upon Reflection

 

 

Out of print in the U.S. 1994 release from the Jazz piano great finds Hank, alongside George Mraz and brother Elvin, paying tribute to his younger brother, the late trumpeter Thad Jones. 10 tracks including 'Thad's Pad', 'Lady Luck' and 'Mean What You Say'.
Get your hands on this CD Jazz lovers. It is a monstrously magical moment with three great masters of this art form. The eldest of the 3 brothers from Pontiac, brother Hank is at the piano, with baby brother Elvin (he who changed the way all modern drummers approach the instrument) on drums playing brushes as only Elvin can, playing the compositions of their dearly departed brother Thad, with George Mraz, the bassist from Thad's legendary Big Band. The brotherly love is palpable, and the playing par excellence!

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Agotado en los Estados Unidos, el lanzamiento de 1994 del gran pianista de jazz encuentra a Hank, junto con George Mraz y su hermano Elvin, rindiendo homenaje a su hermano menor, el difunto trompetista Thad Jones. 10 temas que incluyen 'Thad's Pad', 'Lady Luck' y 'Mean What You Say'.
Hazte con este CD para los amantes del jazz. Es un momento monstruosamente mágico con tres grandes maestros de este arte. El mayor de los 3 hermanos de Pontiac, el hermano Hank, está al piano, con el hermano pequeño Elvin (el que cambió la forma en que todos los bateristas modernos se acercan al instrumento) a la batería tocando las escobillas como sólo Elvin puede hacerlo, tocando las composiciones de su querido hermano fallecido Thad, con George Mraz, el bajista de la legendaria Big Band de Thad. El amor fraternal es palpable, ¡y la interpretación por excelencia!


Colaborador / Contributor: peer57

Hal McKusick • Hal McKusick Quartet

Hal McKusick was a fine journeyman cool-toned bop-based altoist and clarinetist on this 1955 Bethlehem studio date (reissued on CD by Fresh Sound), McKusick is accompanied by guitarist Barry Galbraith, bassist Milt Hinton and drummer Osie Johnson on a variety of straightahead tunes including seven originals by arranger Manny Albam - The music is pleasing, light and swinging.

This is a very rare CD of Hall McKusick Quartet - It is the East Coast Jazz Series no - 8 - It was recorded in NYC on February 1955.

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Hal McKusick fue un excelente viajero, un altoista y clarinetista de bop basado en el bop en esta fecha de 1955 en los estudios de Belén (reeditado en CD por Fresh Sound), McKusick está acompañado por el guitarrista Barry Galbraith, el bajista Milt Hinton y el baterista Osie Johnson en una variedad de melodías de cabeza recta, incluyendo siete originales del arreglista Manny Albam - La música es agradable, ligera y swing.

Este es un CD muy raro del Cuarteto Hall McKusick - Es el número de la serie de jazz de la costa este - 8 - Fue grabado en Nueva York en febrero de 1955.

Ben Webster • Ben Webster plays Duke Ellington

 

 

Al Cohn • The Natural Seven

 

Seven Review
by Scott Yanow
Some but not all of the material on this out-of-print LP has since been reissued on CD on a Bluebird set shared by Freddie Green and Al Cohn. Although originally associated with Woody Herman and cool jazz, Cohn always felt equally comfortable playing with swing-styled players. His "Natural Seven" looks toward the Kansas City Seven and includes two members of Count Basie's band (trumpeter Joe Newman and guitarist Freddie Green) among the personnel (which also has trombonist Frank Rehak, Basie soundalike pianist Nat Pierce, bassist Milt Hinton and drummer Osie Johnson). Although the music includes a few Basie-associated songs, Cohn also contributed several of his own swinging originals; Osie Johnson's vocal on "Osie's Blues" is surprisingly effective.
https://www.allmusic.com/album/the-natural-seven-mw0000413536

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Reseña de Seven
por Scott Yanow
Parte del material de este LP agotado, pero no todo, ha sido reeditado en CD en un set de Bluebird compartido por Freddie Green y Al Cohn. Aunque originalmente se asoció con Woody Herman y el cool jazz, Cohn siempre se sintió igualmente cómodo tocando con músicos de estilo swing. Su "Natural Seven" mira hacia los Kansas City Seven e incluye a dos miembros de la banda de Count Basie (el trompetista Joe Newman y el guitarrista Freddie Green) entre el personal (que también cuenta con el trombonista Frank Rehak, el pianista afín a Basie Nat Pierce, el bajista Milt Hinton y el batería Osie Johnson). Aunque la música incluye algunas canciones asociadas a Basie, Cohn también contribuyó con varios de sus propios originales de swing; la voz de Osie Johnson en "Osie's Blues" es sorprendentemente efectiva.
https://www.allmusic.com/album/the-natural-seven-mw0000413536

Kenny Garrett • Sounds from the Ancestors

 

Review from DownBeat (by James Hale)
Always a highly percussive saxophonist, Kenny Garrett has found an exceptional partner in drummer Ronald Bruner. Their connection pushes Garrett to some intense heights... In sum, this is a rare artwork that has a clear conceit yet doesn't sound contrived. In addition, Garrett succeeds at combining deep, joyous grooves like 'When The Days Were Different,' introspective solo piano explorations, and the ecstasy of his freer improvisations without making the album seem like a pastiche of styles.
httpsdownbeat.comreviewsdetailsounds-from-the-ancestors

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Resena de DownBeat (por James Hale)
Siempre un saxofonista profundamente percusivo, Kenny Garrett ha encontrado un companero excepcional en el baterista Ronald Bruner. Su conexion impulsa a Garrett hacia momentos de enorme intensidad... En conjunto, esta es una obra poco comun con un concepto muy definido que nunca resulta forzado. Garrett logra combinar grooves profundos y jubilosos como 'When The Days Were Different', exploraciones introspectivas al piano y la energia extatica de sus improvisaciones sin que el album parezca un collage de estilos.
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The Mastersounds • Kismet

 

Jack Sheldon & his Exciting All-Star Big Band • Jack's Groove

 

Biography
Along with Lester Young in the '30s, Dizzy Gillespie in the '40s, and Zoot Sims in the '50s, Jack Sheldon is one of the Original Lions of the West Coast Sound. Jack's a premier improviser, is one of only a handful of trumpet players throughout jazz history who has developed his own distinctive "signature sound". It's an inimitable sound that comes from his heart and soul, what Miles Davis called "a voice".

As an integral part of the West Coast Scene of the 1950s, he played an important role in developing that era's bebop- inspired sound. His solid connection to that vibrant period in West coast Jazz surfaces with each impeccable solo.

Sheldon's collaborative list is indeed long and impressive: Dizzy Gillespie, Dexter Gordon, Curtis Counce, Shelly Manne, Art Pepper, Frank Sinatra, Benny Goodman, Stan Kenton, Mel Torme, Tony Bennett, Lena Horne, Peggy Lee, Sammy Davis Jr., Rosemary Clooney, Diane Schuur and many other greats.

Nominated five times for the Playboy International Artist Of The Year Award, Jack Sheldon continues to dazzle audiences with his prodigious chops and unerring sense of swing. Sheldon has been featured on innumerable soundtracks. It was his sensuous trumpet solo that immortalized Johnny Mandel's The Shadow of Your Smile from the Taylor-Burton film The Sandpiper. Today, his lyrical trumpet continues to garner the spotlight on soundtracks like Object of Beauty, The Super, White Men Can'tJump, For The Boys, Mr. Saturday Night, and his trumpet work is heard like a character in the Francis Ford Coppla film One From The Heart.

A sublime vocalist, Jack Sheldon has been ranked as one of the top jazz singers of the day. In addition to the many recordings show casing his trumpet, he's been a featured singer on soundtracks as well.

Jack Sheldon made his acting/comedy debut on The Steve Allen Show. His comedic skill was an immediate hit and he was soon given his own TV sitcom by CBS, Run Buddy Run. Over the years Sheldon has also appeared regularly on various television series including Dragnet, and Star Trek-The Next Generation. But his most powerful and popular TV stint was his tremendously successful 18 year association with Merv Griffin as featured soloist, resident comedian and musical director on The Merv Griffin Show.

In 2008 a feature documentray film opened, Trying to Get Good: The Jazz Odyssey of Jack Sheldon, celebrated with many notable music and film personalities in interviews and rare archival films with Jack playing with Benny Goodman, Chet Baker and with his own remarkable band.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jack-sheldon

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Biografía
Junto con Lester Young en los años 30, Dizzy Gillespie en los 40 y Zoot Sims en los 50, Jack Sheldon es uno de los Leones Originales del Sonido de la Costa Oeste. Jack es un improvisador de primera categoría, uno de los pocos trompetistas de la historia del jazz que ha desarrollado su propio "sonido característico". Es un sonido inimitable que le sale del corazón y del alma, lo que Miles Davis llamaba "una voz".

Como parte integrante de la West Coast Scene de los años 50, desempeñó un papel importante en el desarrollo del sonido bebop de aquella época. Su sólida conexión con ese vibrante periodo del jazz de la costa oeste aflora con cada impecable solo.

La lista de colaboradores de Sheldon es larga e impresionante: Dizzy Gillespie, Dexter Gordon, Curtis Counce, Shelly Manne, Art Pepper, Frank Sinatra, Benny Goodman, Stan Kenton, Mel Torme, Tony Bennett, Lena Horne, Peggy Lee, Sammy Davis Jr, Rosemary Clooney, Diane Schuur y muchos otros grandes.

Nominado cinco veces al premio Playboy International Artist Of The Year, Jack Sheldon sigue deslumbrando al público con sus prodigiosas habilidades y su infalible sentido del swing. Sheldon ha participado en innumerables bandas sonoras. Fue su sensual solo de trompeta el que inmortalizó The Shadow of Your Smile, de Johnny Mandel, en la película de Taylor-Burton The Sandpiper. Hoy en día, su trompeta lírica sigue acaparando la atención en bandas sonoras como Object of Beauty, The Super, White Men Can'tJump, For The Boys, Mr. Saturday Night, y su trabajo de trompeta se escucha como un personaje más en la película de Francis Ford Coppla One From The Heart.

Vocalista sublime, Jack Sheldon ha sido clasificado como uno de los mejores cantantes de jazz del momento. Además de las numerosas grabaciones en las que muestra su trompeta, también ha sido cantante en bandas sonoras.

Jack Sheldon debutó como actor y cómico en The Steve Allen Show. Su habilidad para la comedia fue un éxito inmediato y pronto la CBS le dio su propia serie de televisión, Run Buddy Run. A lo largo de los años, Sheldon también ha aparecido con regularidad en varias series de televisión, como Dragnet y Star Trek-The Next Generation. Pero su etapa televisiva más poderosa y popular fue su exitosa asociación con Merv Griffin durante 18 años como solista, cómico residente y director musical en The Merv Griffin Show.

En 2008 se estrenó un largometraje documental, Trying to Get Good: The Jazz Odyssey of Jack Sheldon, en el que se entrevista a numerosas personalidades de la música y el cine y se muestran películas de archivo de Jack tocando con Benny Goodman, Chet Baker y con su propia banda.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jack-sheldon

George Wallington Quintet • The New York Scene

George Wallington, cuyo verdadero nombre era Giacinto Figlia (Palermo, Sicilia, 27 de octubre de 1924 - Cape Coral, Miami, 15 de febrero de 1993) fue un pianista y compositor italo-estadounidense de jazz.

Emigrado a Estados Unidos apenas recién nacido, aprende piano desde los nueve años de edad y, ya en la adolescencia, comienza a tocar en clubs de Nueva York. Conoce a Max Roach, con quien se incorpora al quinteto de Dizzy Gillespie, en 1944. Después tocará con Georgie Auld, Allen Eager, Red Rodney, Charlie Parker, Kai Winding y Gerry Mulligan, comenzando en 1949 a dirigir sus propios grupos, aunque sin dejar de colaborar con músicos como Lionel Hampton (1953) y realizar grabaciones con Serge Chaloff, Stan Getz, Zoot Sims, Phil Woods, Tony Scott y otros muchos. Después, a finales de la década de 1950, abandona la escena musical para dirigir su propia empresa de aire acondicionado.

En 1984 hace una reaparición, grabando un álbum de piano solo y trabajando con Marian McPartland, además de aparecer en algunos grandes festivales.

Estilo

Wallington está considerado como uno de los arquetipos del pianista bop, y desarrolló su estilo de forma paralela pero cercana al de Bud Powell. Se caracterizaba por la originalidad de los acordes de paso que utilizaba para su mano izquierda, así como por la calidad de su sonido. Fue también importante su obra como compositor, especialmente tras su regreso en los años 1980.

https://es.wikipedia.org/wiki/George_Wallington

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George Wallington (October 27, 1924, – February 15, 1993) was an American jazz pianist and composer.

Wallington was born Giacinto Figlia (some sources give "Giorgio") in Sicily, and then moved to the United States (New York) with his family in 1925. His father sang opera and introduced his son to classical music, but Wallington listened to jazz after hearing the music of saxophonist Lester Young. He said that he acquired the name Wallington in high school: "I like to wear flashy clothes [...] and the kids in the neighborhood would say, 'Hey, look at Wallington!'" He left school at the age of 15 to play piano in New York.

Later life and career

From 1943 to 1953 Wallington played with Dizzy Gillespie, Joe Marsala, Charlie Parker, Serge Chaloff, Allan Eager, Kai Winding, Terry Gibbs, Brew Moore, Al Cohn, Gerry Mulligan, Zoot Sims, and Red Rodney, and recorded as a leader for Savoy and Blue Note (1950). Wallington toured Europe in 1953 with Lionel Hampton's big band. In 1954-60 he led bands in New York that contained rising musicians including Donald Byrd, Jackie McLean, and Phil Woods.

From 1954 to 1960 he led groups in New York that included newcomers Donald Byrd, Jackie McLean, and Phil Woods, recording as leader with these musicians for the Prestige and Atlantic labels. A Blue Note septet session from 1954 George Wallington Showcase is not included in this discography.

In 1960 Wallington stopped playing music and moved to Florida to work in the family air conditioning business, citing the stress of endless touring. He returned to music in 1984 and recorded three albums, Virtuoso in 1984, Symphony of a Jazz Piano in 1986 and Pleasure of a Jazz Inspiration in 1992.  He also performed at the 1985 Kool Jazz Festival in New York.

Compositions

His best-known compositions are "Lemon Drop" (which gained attention when played by Woody Herman in the late 1940s), and "Godchild" (one of the pieces played for The Birth of the Cool recordings led by Miles Davis).