Willie Dixon & The Chicago Allstars • Loaded With The Blues

 

 

Artist Biography

Willie Dixon was a prolific blues songwriter with more than 500 compositions to his credit. Born and raised in Mississippi, he rode the rails to Chicago during the Great Depression and became the primary blues songwriter and producer for Chess Records. Dixon's songs literally created the so-called “Chicago blues sound” and were recorded by such blues artists as Muddy Waters, Howlin' Wolf, Bo Diddley, Koko Taylor, and many others.

Willie Dixon was born on July 1, 1915, in Vicksburg, Mississippi. Vicksburg was a lively town located on the Mississippi River midway between New Orleans and Memphis. As a youth, Dixon heard a variety of blues, dixieland, and ragtime musicians performing on the streets, at picnics and other community functions, and in the clubs near his home where he would listen to them from the sidewalk.

Dixon grew up in an integrated neighborhood on the northern edge of Vicksburg, where his mother ran a small restaurant. The family of seven children lived behind the restaurant, and next to the restaurant was Curley's Barrelhouse. Listening from the street, Dixon, then about eight years old, heard bluesmen Little Brother Montgomery and Charley Patton perform there along with a variety of ragtime and dixieland piano players.

Dixon was only twelve when he first landed in jail and was sent to a county farm for stealing some fixtures from an old torn-down house. He recalled, “That's when I really learned about the blues. I had heard 'em with the music and took 'em to be an enjoyable thing but after I heard these guys down there moaning and groaning these really down-to-earth blues, I began to inquire about 'em.... I really began to find out what the blues meant to black people, how it gave them consolation to be able to think these things over and sing them to themselves or let other people know what they had in mind and how they resented various things in life.”

About a year later Dixon was caught by the local authorities near Clarksdale, Mississippi, and arrested for hoboing. He was given thirty days at the Harvey Allen County Farm, located near the infamous Parchman Farm prison. At the Allen Farm, Dixon saw many prisoners being mistreated and beatenDixon himself was mistreated at the county farm, receiving a blow to his head that he said made him deaf for about four years. He managed to escape, though, and walked to Memphis, where he hopped a freight into Chicago. He stayed there briefly at his sister's house, then went to New York for a short time before returning to Vicksburg.

When Dixon arrived in Chicago in 1936, he started training to be a boxer. He was in excellent physical condition from the heavy work he had been doing down south, and he was a big man as well. In 1937 he won the Illinois Golden Gloves in the novice heavyweight category. Throughout the late 1930s, Dixon was singing in Chicago with various gospel groups, some of which performed on the radio. Dixon had received good training in vocal harmony from Theo Phelps back in Vicksburg, where he sang bass with the Union Jubilee Singers. Around the same time, Leonard “Baby Doo” Caston gave Dixon his first musical instrument--a makeshift bass made out of an oil can and one string. Dixon, Caston, and some other musicians formed a group called the Five Breezes. They played around Chicago and in 1939 made a record that marked Dixon's first appearance on vinyl.

In 1946 Dixon and Caston formed the Big Three Trio, named after the wartime “Big Three” of U.S. president Franklin Roosevelt, British prime minister Winston Churchill, and Soviet political leader Joseph Stalin. The group was modeled after other popular black vocal groups of the time, such as the Mills Brothers and the Ink Spots. Dixon by this time was singing and playing a regular upright bass. While Chicago blues musicians like Muddy Waters and Little Walter were playing to all-black audiences in small clubs, the Big Three Trio played large show clubs with capacities of three to five thousand.

In 1951 after several years of successful touring and recording, the Big Three Trio disbanded. Many of Dixon's compositions were never recorded by the trio, but these songs turned up later in the repertoire of the blues artists Dixon worked with in the 1950s.

Leonard and Phil Chess began recording the blues in the late 1940s, and by 1950 the Chess brothers were releasing blues records on the label bearing their name. Over the next decade, Chess became what many consider to be the most important blues label in the world, releasing material by such blues giants as Muddy Waters and Howlin' Wolf and rhythm and blues artists like Bo Diddley and Chuck Berry. Many of the blues songs recorded at Chess were written, arranged, and produced by Willie Dixon.

Dixon was first used on recording sessions by the Chess brothers in the late 1940s, as his schedule allowed. After the Big Three Trio disbanded, Dixon became a full-time employee of Chess. He performed a variety of duties, including producing, arranging, leading the studio band, and playing bass.

Dixon's first big break as a songwriter came when Muddy Waters recorded his “Hoochie Coochie Man” in 1954. Waters was one of Chess's most popular artists and the song became Waters's biggest hit, reaching Number Three on the rhythm and blues charts, Dixon became the label's top songwriter. Chess also released Waters's recordings of Dixon's “I Just Wanna Make Love to You” and “I'm Ready” in 1954, and they both became Top Ten R & B hits.

In 1955 Dixon charted his first Number One hit when Little Walter recorded “My Babe,” a song that became a blues classic.One of Dixon's most widely recorded songs, “My Babe” has been performed and recorded by artists as varied as the Everly Brothers, Elvis Presley, Ricky Nelson, the Righteous Brothers, Nancy Wilson, Ike and Tina Turner, and blues artists John Lee Hooker, Bo Diddley, and Lightnin' Hopkins.

Dixon supplied Chess blues recording artists with songs for three years, from 1954 through 1956. At the end of 1956, however, he left the label over disputes regarding royalties and contracts. He continued to play on recording sessions at Chess, though, most notably providing bass on all of Chuck Berry's sessions starting with the recording of “Maybelline” in 1955.

In 1957 Dixon joined the small independent Cobra Records, where he recorded such bluesmen as Otis Rush, Buddy Guy, and Magic Sam, creating what became known as the “West Side Sound.” It was a blues style that fused the Delta influence of classic Chicago blues with single-string lead guitar lines la B. B. King. The West Side gave birth to a less traditional, more modern blues sound and the emphasis placed on the guitar as a lead instrument ultimately proved to be a vastly influential force on the British blues crew in their formative stages.”

Gradually learning more about the music business, Dixon formed his own publishing company, Ghana Music, in 1957 and registered it with Broadcast Music Incorporated (BMI) to protect his copyright interest in his own songs. His “I Can't Quit You Baby” was a Top Ten rhythm and blues hit for Otis Rush, but Cobra Records soon faced financial difficulties. By 1959 Dixon was back at Chess as a full-time employee. The late 1950s were a difficult time for bluesmen in Chicago, even as blues music was gaining popularity in other parts of the United States. In 1959 Dixon teamed up with an old friend, pianist Memphis Slim, to perform at the Newport Folk Festival in Newport, Rhode Island. They continued to play together at coffee houses and folk clubs throughout the country and eventually became key players in a folk and blues revival among young white audiences that achieved its height in the 1960s.

Dixon began internationalizing the blues when he went to England with Memphis Slim in 1960. Dixon performed as part of the First American Folk Blues Festival that toured Europe in 1962. Organized by German blues fans Horst Lippmann and Fritz Rau, the festival also included Memphis Slim, T-Bone Walker, John Lee Hooker, Sonny Terry and Brownie McGhee, and other blues musicians.

The American Folk Blues Festival ran from 1962 through 1971 and helped the blues reach an audience of young Europeans. American blues musicians soon found they could make more money playing in Europe than in Chicago. They played in concert halls and were reportedly treated like royalty. Dixon played on the tour for three years, then became the Chicago contact for booking blues musicians for the tour.

Toward the end of the 1960s soul music eclipsed the blues in black record sales. Chess Records' last major hit was Koko Taylor's 1966 recording of Willie Dixon's “Wang Dang Doodle.” Many prominent bluesmen had died, including Elmore James, Sonny Boy Williamson, Little Walter, and J.B. Lenoir. Chess Records was sold in 1969 and Dixon recorded his last session for the label in 1970.

The many cover versions of his songs by the rock bands of the 1960s enhanced Dixon's reputation as a certified blues legend. He revived his career as a performer by forming the Chicago Blues All-Stars in 1969. The group's original lineup included Johnny Shines on guitar and vocals, Sunnyland Slim on piano, Walter “Shakey” Horton on harmonica, Clifton James on drums, and Dixon on bass and vocals.

Throughout the 1970s Dixon continued to write new songs, record other artists, and release his own performances on his own Yambo label. Two albums, “Catalyst,” in 1973 and “What's Happened to My Blues?” in 1977, received Grammy nominations. His busy performing schedule kept him on the road in the United States and abroad for six months out of the year until 1977, when his diabetes worsened and caused him to be hospitalized. He lost a foot from the disease but, after a period of recuperation, continued performing into the next decade.

Dixon resumed touring and regrouped the Chicago Blues All-Stars in the early 1980s. A 1983 live recording from the Montreux Jazz Festival in Switzerland resulted in another Grammy nomination. In the 1980s, Dixon established the Blues Heaven Foundation, a nonprofit organization providing scholarship awards and musical instruments to poorly funded schools. Blues Heaven also offers assistance to indigent blues musicians and helps them secure the rights to their songs. Ever active in protecting his own copyrights, Dixon himself reached an out-of-court settlement in 1987 over the similarity of Led Zeppelin's 1969 hit “Whole Lotta Love” to his own “You Need Love.”

Dixon's final two albums were well received, with the 1988 album “Hidden Charms” winning a Grammy Award for best traditional blues recording. In 1989 he recorded the soundtrack for the film “Ginger Ale Afternoon,” which also was nominated for a Grammy.

When Dixon died in 1992 at the age of 76, the music world lost one of its foremost blues composers and performers. From his musical roots in the Mississippi Delta and Chicago, Dixon created a body of work that reflected the changing times in which he lived.

Source: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/williedixon

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Biografía del artista

Willie Dixon fue un prolífico compositor de blues con más de 500 composiciones en su haber. Nacido y criado en Mississippi, viajó en tren a Chicago durante la Gran Depresión y se convirtió en el principal compositor y productor de blues de Chess Records. Las canciones de Dixon crearon literalmente el llamado "Chicago blues sound" y fueron grabadas por artistas del blues como Muddy Waters, Howlin' Wolf, Bo Diddley, Koko Taylor y muchos otros.

Willie Dixon nació el 1 de julio de 1915 en Vicksburg, Mississippi. Vicksburg era una ciudad animada situada en el río Mississippi, a medio camino entre Nueva Orleans y Memphis. De joven, Dixon escuchó una variedad de músicos de blues, dixieland y ragtime tocando en las calles, en picnics y otros eventos comunitarios, y en los clubes cercanos a su casa donde los escuchaba desde la acera.

Dixon creció en un barrio integrado en el borde norte de Vicksburg, donde su madre tenía un pequeño restaurante. La familia de siete niños vivía detrás del restaurante, y al lado del restaurante estaba Curley's Barrelhouse. Escuchando desde la calle, Dixon, que entonces tenía unos ocho años, escuchó a los bluesmen Little Brother Montgomery y Charley Patton tocar allí junto con una variedad de pianistas de ragtime y dixieland.

Dixon tenía sólo doce años cuando aterrizó en la cárcel por primera vez y fue enviado a una granja del condado por robar algunos artefactos de una vieja casa derribada. Recordó: "Fue entonces cuando realmente aprendí sobre el blues. Los había escuchado con la música y los había tomado como algo agradable, pero después de escuchar a estos chicos quejándose y gimiendo con los pies en la tierra, empecé a preguntarles sobre ellos...... Realmente empecé a descubrir lo que significaba el blues para la gente negra, cómo les daba consuelo poder reflexionar sobre estas cosas y cantarlas para sí mismos o dejar que otras personas supieran lo que tenían en mente y cómo les molestaban varias cosas en la vida".

Aproximadamente un año después, Dixon fue capturado por las autoridades locales cerca de Clarksdale, Mississippi, y arrestado por vagabundear. Le dieron treinta días en la Granja del Condado de Harvey Allen, ubicada cerca de la infame prisión de la Granja Parchman. En la granja Allen, Dixon vio a muchos prisioneros siendo maltratados y golpeados. El mismo Dixon fue maltratado en la granja del condado, recibiendo un golpe en la cabeza que, según él, lo dejó sordo durante unos cuatro años. Logró escapar, sin embargo, y caminó hasta Memphis, donde se embarcó en un tren de carga hacia Chicago. Permaneció allí brevemente en casa de su hermana, luego se fue a Nueva York por un corto tiempo antes de regresar a Vicksburg.

Cuando Dixon llegó a Chicago en 1936, comenzó a entrenar para ser boxeador. Estaba en excelente condición física por el duro trabajo que había estado haciendo en el sur, y también era un hombre grande. En 1937 ganó los Guantes de Oro de Illinois en la categoría de peso pesado para principiantes. A lo largo de la década de 1930, Dixon estuvo cantando en Chicago con varios grupos de gospel, algunos de los cuales actuaron en la radio. Dixon había recibido un buen entrenamiento en armonía vocal de Theo Phelps en Vicksburg, donde cantó el bajo con los Union Jubilee Singers. Más o menos al mismo tiempo, Leonard "Baby Doo" Caston le dio a Dixon su primer instrumento musical, un bajo improvisado hecho de una lata de aceite y una cuerda. Dixon, Caston, y algunos otros músicos formaron un grupo llamado las Cinco Brisas. Tocaron en Chicago y en 1939 grabaron un disco que marcó la primera aparición de Dixon en vinilo.

En 1946 Dixon y Caston formaron el Trío de los Tres Grandes, que lleva el nombre de los Tres Grandes del presidente estadounidense Franklin Roosevelt, del primer ministro británico Winston Churchill y del líder político soviético Joseph Stalin. El grupo se inspiró en otros grupos vocales negros populares de la época, como los Mills Brothers y los Ink Spots. Dixon en ese momento estaba cantando y tocando un bajo erguido regular. Mientras los músicos de blues de Chicago como Muddy Waters y Little Walter tocaban en clubes pequeños para todo el público negro, el Big Three Trio tocaba en clubes de espectáculos grandes con capacidades de tres a cinco mil personas.

En 1951, después de varios años de exitosas giras y grabaciones, el Big Three Trio se disolvió. Muchas de las composiciones de Dixon nunca fueron grabadas por el trío, pero estas canciones aparecieron más tarde en el repertorio de los artistas de blues con los que Dixon trabajó en la década de 1950.

Leonard y Phil Chess comenzaron a grabar el blues a finales de los años 40, y en 1950 los Chess Brothers lanzaron discos de blues en el sello que lleva su nombre. Durante la siguiente década, Chess se convirtió en lo que muchos consideran el sello de blues más importante del mundo, publicando material de gigantes del blues como Muddy Waters y Howlin' Wolf y artistas del rhythm and blues como Bo Diddley y Chuck Berry. Muchas de las canciones de blues grabadas en Chess fueron escritas, arregladas y producidas por Willie Dixon.

Dixon fue usado por primera vez en sesiones de grabación por los hermanos Chess a finales de los años 40, según lo permitía su horario. Después de la disolución del Big Three Trio, Dixon se convirtió en un empleado de tiempo completo de Chess. Realizó una variedad de tareas, incluyendo la producción, arreglos, dirección de la banda del estudio y tocar el bajo.

La primera gran oportunidad de Dixon como compositor llegó cuando Muddy Waters grabó su "Hoochie Coochie Man" en 1954. Waters fue uno de los artistas más populares del ajedrez y la canción se convirtió en el mayor éxito de Waters, alcanzando el número tres en las listas de éxitos del rhythm and blues, Dixon se convirtió en el mejor compositor de la discográfica. Chess también lanzó las grabaciones de Waters de "I Just Wanna Make Love to You" y "I'm Ready" de Dixon en 1954, y ambos se convirtieron en éxitos de Top Ten R & B.

En 1955 Dixon trazó su primer éxito número uno cuando Little Walter grabó "My Babe", una canción que se convirtió en un clásico del blues. Una de las canciones más grabadas de Dixon, "My Babe", ha sido interpretada y grabada por artistas tan variados como Everly Brothers, Elvis Presley, Ricky Nelson, Righteous Brothers, Nancy Wilson, Ike y Tina Turner, y los artistas de blues John Lee Hooker, Bo Diddley, y Lightnin' Hopkins.

Dixon proveyó a los artistas de blues de ajedrez con canciones durante tres años, desde 1954 hasta 1956. A finales de 1956, sin embargo, dejó la etiqueta por disputas sobre regalías y contratos. Sin embargo, continuó tocando en sesiones de grabación en Chess, sobre todo proporcionando bajo en todas las sesiones de Chuck Berry, comenzando con la grabación de "Maybelline" en 1955.

En 1957 Dixon se unió al pequeño sello independiente Cobra Records, donde grabó bluesmen como Otis Rush, Buddy Guy y Magic Sam, creando lo que se conoció como el "West Side Sound". Era un estilo de blues que fusionaba la influencia del Delta del blues clásico de Chicago con las líneas de guitarra principal de una sola cuerda de la B. B. King. El West Side dio lugar a un sonido blues menos tradicional y más moderno, y el énfasis puesto en la guitarra como instrumento principal resultó ser, en última instancia, una fuerza muy influyente en el equipo de blues británico en sus etapas de formación".

Gradualmente aprendiendo más sobre el negocio de la música, Dixon formó su propia compañía editorial, Ghana Music, en 1957 y la registró en Broadcast Music Incorporated (BMI) para proteger los derechos de autor de sus propias canciones. Su "I Can't Quit You Baby" fue un éxito en el Top Ten del rhythm and blues de Otis Rush, pero Cobra Records pronto se enfrentó a dificultades financieras. En 1959 Dixon volvió a Chess como empleado a tiempo completo. Los últimos años de la década de 1950 fueron una época difícil para los bluesistas en Chicago, a pesar de que la música blues estaba ganando popularidad en otras partes de los Estados Unidos. En 1959 Dixon se asoció con un viejo amigo, el pianista Memphis Slim, para actuar en el Newport Folk Festival en Newport, Rhode Island. Continuaron tocando juntos en cafés y clubes folclóricos de todo el país y, con el tiempo, se convirtieron en protagonistas de un renacimiento del folclore y el blues entre el público joven blanco que alcanzó su apogeo en la década de 1960.

Dixon comenzó a internacionalizar el blues cuando fue a Inglaterra con Memphis Slim en 1960. Dixon actuó como parte del Primer Festival de Folk Blues Americano que recorrió Europa en 1962. Organizado por los fans del blues alemán Horst Lippmann y Fritz Rau, el festival también incluyó a Memphis Slim, T-Bone Walker, John Lee Hooker, Sonny Terry y Brownie McGhee, y otros músicos de blues.

El American Folk Blues Festival se llevó a cabo de 1962 a 1971 y ayudó a que el blues llegara a una audiencia de jóvenes europeos. Los músicos de blues estadounidenses pronto descubrieron que podían ganar más dinero tocando en Europa que en Chicago. Tocaban en salas de conciertos y, según se informa, eran tratados como si fueran de la realeza. Dixon tocó en la gira durante tres años, y luego se convirtió en el contacto de Chicago para contratar músicos de blues para la gira.

Hacia finales de la década de 1960, la música soul eclipsó al blues en las ventas de discos negros. El último gran éxito de Chess Records fue la grabación de Koko Taylor en 1966 de "Wang Dang Doodle" de Willie Dixon. Muchos destacados bluesmen habían muerto, incluyendo a Elmore James, Sonny Boy Williamson, Little Walter y J.B. Lenoir. Chess Records se vendió en 1969 y Dixon grabó su última sesión para el sello en 1970.

Las muchas versiones de sus canciones de las bandas de rock de los años 60 mejoraron la reputación de Dixon como una leyenda del blues certificada. Revivió su carrera como intérprete formando las Chicago Blues All-Stars en 1969. La formación original del grupo incluía a Johnny Shines en guitarra y voz, Sunnyland Slim en piano, Walter "Shakey" Horton en armónica, Clifton James en batería y Dixon en bajo y voz.

A lo largo de la década de 1970, Dixon continuó escribiendo nuevas canciones, grabando a otros artistas y lanzando sus propias actuaciones en su propio sello Yambo. Dos álbumes, "Catalyst", en 1973, y "What's Happened to My Blues", en 1977, recibieron nominaciones a los Grammy. Su apretada agenda de presentaciones lo mantuvo en la carretera en los Estados Unidos y en el extranjero durante seis meses del año hasta 1977, cuando su diabetes empeoró y lo hospitalizó. Perdió un pie de la enfermedad pero, después de un período de recuperación, siguió actuando en la siguiente década.

Dixon reanudó sus giras y reagrupó a las Chicago Blues All-Stars a principios de la década de 1980. Una grabación en vivo de 1983 del Festival de Jazz de Montreux en Suiza resultó en otra nominación a los Grammy. En la década de 1980, Dixon estableció la Blues Heaven Foundation, una organización sin fines de lucro que ofrece becas e instrumentos musicales a escuelas con pocos fondos. Blues Heaven también ofrece asistencia a músicos de blues indigentes y les ayuda a asegurar los derechos de sus canciones. Siempre activo en la protección de sus propios derechos de autor, el propio Dixon llegó a un acuerdo extrajudicial en 1987 por la similitud del éxito de Led Zeppelin en 1969 "Whole Lotta Love" con su propio "You Need Love".

Los dos últimos álbumes de Dixon fueron bien recibidos, con el álbum de 1988 "Hidden Charms" ganando un premio Grammy a la mejor grabación de blues tradicional. En 1989 grabó la banda sonora de la película "Ginger Ale Afternoon", que también fue nominada a un Grammy.

Cuando Dixon murió en 1992 a la edad de 76 años, el mundo de la música perdió a uno de sus principales compositores e intérpretes de blues. Desde sus raíces musicales en el delta del Mississippi y Chicago, Dixon creó un cuerpo de trabajo que reflejaba los tiempos cambiantes en los que vivió.

Fuente: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/williedixon

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

 

www.willie-dixon.com ...

 

Les McCann • New from the Big City

 

 

Biography by Thom Jurek
After leaving Gene McDaniels' employ in 1959, pianist Les McCann continually evolved his style from hard bop by incorporating his signature groove-based rhythms into soul-jazz, gospel, R&B, and funk. McCann's abilities also included his expressive, earthy, gravelly singing voice. He cut a slew of albums for Pacific Jazz beginning with 1960's The Truth. He signed to Atlantic in 1968 and a year later, recorded the live Swiss Movement with saxophonist Eddie Harris, netting iconic performances of "Compared to What?" and "Cold Duck Time." His Atlantic tenure (which lasted until 1976) netted a slew of popular titles and two consecutive now-influential electric jazz-funk albums: 1973's Invitation to Openness and 1974's Layers. He later recorded successful albums for ABC Impulse and A&M, including 1978's The Man, and then recorded on indies. He suffered a stroke in 1995 that left him partially paralyzed but began recording again, issuing the star-studded Pump It Up in 2002 and A Time Les Christmas in 2018. In 2023, Resonance Records released the archival, multi-disc Never a Dull Moment! Live from Coast to Coast 1966-1967.

McCann was born in Lexington, Kentucky in 1935. His siblings (a brother and three sisters) all sang in church. His father was a jazz fan and his mother liked to hum opera arias. He began taking piano lessons at six, but after only a few weeks, his teacher unexpectedly died. McCann continued teaching himself the piano while getting formal musical training in elementary and high school. He played tuba in the marching band and drums in the orchestra.

McCann joined the navy and, during his service, won a singing contest that resulted in an appearance on the nationally syndicated Ed Sullivan Show in 1956. After being honorably discharged, he moved to Los Angeles and formed a trio. McCann turned down an invitation to join the Cannonball Adderley Quintet in order to focus on his own music. The group's first gig was playing the Purple Onion in 1959 supporting Gene McDaniels, who hired them to back him on tour after that night. After leaving McDaniels' employ, McCann signed a solo deal with Pacific Jazz. In 1960, Les McCann Ltd. Plays the Truth and The Shout appeared. His soulful, funk style on piano was influential on emerging musicians, resonated with veterans, and was popular with live audiences.

He recorded a dozen albums for Pacific Jazz between 1960 and 1967, including Les McCann Ltd. in New York with Blue Note stars Stanley Turrentine and Blue Mitchell, and Les McCann Sings with the Gerald Wilson Orchestra. Despite the latter's release in 1961, McCann's singing was only occasional both live and on recordings; he didn't begin using vocals as a key part of his act until the middle of the decade. During his time with Pacific Jazz, McCann issued collaborative albums with the Jazz Crusaders, Richard "Groove" Holmes, and several others. 1963's Plays the Shampoo at the Village Gate, netted a number three single with the title track. Though pianist Ramsey Lewis was already recording, McCann's 1963 album influenced the latter's mid-'60s live recordings such as The In Crowd and Dancing in the Street.

McCann moved over to Limelight in 1965/1967 on the way to Atlantic in 1968. Swiss Movement, his label debut, was recorded in collaboration with saxophonist Eddie Harris at the Montreux Jazz Festival. They hadn't rehearsed before the gig and Harris hadn't even seen their music. The record was a smash, thanks in part to McCann's vocals on their reading of McDaniels' "Compared to What?" (McCann's signature tune), and Harris contributed the massively funky "Cold Duck Time." The album won airplay internationally and charted. (Another volume, Second Movement, appeared in 1971 to critical acclaim, but didn't sell as well.)

Some jazz critics felt McCann emphasized his singing at the expense of his and his sidemen's playing, but the listening public didn't agree, and they were right not to: Recordings from the period, like 1971's Comment and 1972's Talk to the People, are both excellent. Joel Dorn, McCann's producer at the label, encouraged his singing and his use of an electric piano and analog synthesizers. For 1973's Invitation to Openness, McCann and Dorn hired a 13-piece band that included Yusef Lateef, guitarists Cornell Dupree and David Spinozza, and five percussionists/drummers that included Alphonse Mouzon, William "Buck" Clarke, Ralph McDonald, and Bernard Purdie. McCann's sidemen, bassist Jimmy Rowser and drummer percussionist Donald Dean, were also aboard. McCann played electric piano and synth; he also conducted without charts or formal instructions across three largely improvised, vamp-and-groove-laden jazz-funk jams that included an improvised, side-long track titled "The Lovers." It notched perfectly with the early electric releases of Miles Davis (In a Silent Way, Jack Johnson, Bitches Brew) and Weather Report (I Sing the Body Electric).

He followed with the even more revolutionary Layers in 1973. Retaining his trio, and McDonald and Clarke from the former outing, Layers revealed McCann's love of the ARP synthesizer (he also played piano and electric piano) and led him to attempt his own re-creation of an orchestra with it using the sounds of strings, reeds, winds, etc. The band, meanwhile, stuck close to a prescription of airy, gritty, jazz-funk. Both Invitation to Openness and Layers have found several more generations of listeners, particularly among electronic music and hip-hop fans.

He followed it with Live at Montreux at the end of 1973 with Clarke filling out his quartet, and completed his Atlantic label deal with three lushly arranged, elegantly orchestrated, criminally underrated gems of progressive soul: 1974's Another Beginning, 1975's Hustle to Survive, and 1976's River High, River Low.

After his tenure on Atlantic, McCann continued to tour the globe, but recorded far less often. Music Lets Me Be and Change, Change, Change: Live at the Roxy both appeared from ABC Impulse in 1977, but by then McCann had inked a deal with A&M.

Les McCann The Man appeared in 1978. Motown producer/arranger Paul Riser tried to adorn McCann's funky rhythms with smooth horns and soft strings, hoping its gorgeously recorded results would translate into commercial dance music. It didn't. The very next year, producers Benny Golson and Bobby Martin brought McCann into an L.A. studio with the intention of making him a latter-day disco star and hired an army of slick session players to ensure it. That it didn't work, given McCann's fierce independent streak, is no surprise.

McCann continued to tour but didn't record again until releasing The Longer You Wait and Music Box for Jam Records during the mid-'80s. He teamed with saxophonist Houston Person for CTI in 1984. Interestingly, he played only acoustic piano on the date. Between 1988 and 1990, McCann released three albums for as many labels, but in 1994, he surprised critics with On the Soul Side, for MusicMasters. A collection of jazz instrumentals, McCann led a quintet that included saxophonist Keith Anderson, trumpeter Jeff Elliott, bassist Abraham Laboriel, and drummer Tony St. James. The only vocal on the set was a medley of "Lift Every Voice and Sing/America the Beautiful" with Lou Rawls. The album received uniformly positive reviews.

McCann suffered a debilitating stroke in 1995, but was undaunted. While his ability to play piano was seriously compromised, his singing voice wasn't. As soon as he was strong enough, he recorded Listen Up! with a stellar cast that included pianist George Duke, saxophonists Ernie Watts and Anderson, guitarists David T. Walker and Dori Caymmi, organist Billy Preston and steel drummer Andy Narell among others. McCann sang on only two selections, but the recording was well received given the band's fine performance.

McCann returned to a more active schedule during 1996. He worked jazz rooms across the U.S., Europe, and Japan, often with a second keyboardist. In 1997 he released the collaborative Pacifique with European keyboardist Joja Wendt. A series of duets finds McCann comping on a Fender Rhodes piano underneath his gravelly voice with assistance from Wendt's acoustic piano. Many of its tunes are remakes of past McCann rousers like his read of Marvin Gaye's "What's Goin' On," plus "With These Hands" and "Cold Duck Time" (dedicated to the memory of Eddie Harris). McCann also offers a couple of barrelhouse roof raisers, the spirituals "Amazing Grace" and "Prince of Peace," and the standard "What a Wonderful World." Pacifique was largely celebrated by critics.

Again, McCann lived on the road with a pick-up band, dividing his time between gigs in Europe, Asia, and to a lesser degree, the U.S. In 2002, McCann surprised critics and fans alike with Pump It Up, a guest-heavy celebration of funk and jazz released on ESC Records. Among the musicians who appeared were Anderson, organist Ricky Peterson, bassist Marcus Miller, vocalist Dianne Reeves, drummer Paulinho Da Costa, vocalist Bonnie Raitt, saxophonist Maceo Parker, and many more. McCann didn't play on the record but sang and rapped. The potent set highlighted a new version of "The Truth" from his Pacific Jazz debut; it featured his modern-day vocal dubbed over the original piano trio's recording. In 2018, McCann self-released A Time Les Christmas.

Back in 2012, McCann met jazz pianist Joe Alterman on the stage of the Blue Note in New York. They became fast and enduring friends despite their age difference (more than half-a-century). The pair spoke nearly every day after that meeting. In August 2023, the younger man issued Joe Alterman Plays Les McCann: Big Mo & Little Joe consisting of ten Les originals and "Don't Forget to Love Yourself," co-written by the pair.

In December, producer and jazz detective Zev Feldman, in association with Resonance Records, issued Never a Dull Moment! Live from Coast to Coast 1966-1967. It captured McCann's excellent mid-'60s trios playing at Seattle's legendary Penthouse club and The Village Vanguard. Les McCann died on December 29, 2023 from pneumonia; he was 88 years of age.
https://www.allmusic.com/artist/les-mccann-mn0000245760#biography

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Biografía de Thom Jurek
Después de dejar el empleo de Gene McDaniels en 1959, el pianista Les McCann evolucionó continuamente su estilo del hard bop incorporando sus ritmos característicos basados en el groove al soul-jazz, gospel, R&B y funk. Las habilidades de McCann también incluían su voz expresiva, terrenal y grave para cantar. Grabó una gran cantidad de álbumes para Pacific Jazz a partir de The Truth de 1960. Firmó con Atlantic en 1968 y un año después grabó the live Swiss Movement con el saxofonista Eddie Harris, obteniendo actuaciones icónicas de "Compared to What?"y" Tiempo de Pato Frío."Su mandato en Atlantic (que duró hasta 1976) obtuvo una gran cantidad de títulos populares y dos álbumes consecutivos de jazz-funk eléctrico ahora influyentes: Invitation to Openness de 1973 y Layers de 1974. Más tarde grabó álbumes exitosos para ABC Impulse y A & M, incluido The Man de 1978, y luego grabó en indies. Sufrió un derrame cerebral en 1995 que lo dejó parcialmente paralizado, pero comenzó a grabar de nuevo, publicando Pump It Up, repleto de estrellas, en 2002 y Time Les Christmas en 2018. En 2023, Resonance Records lanzó el archivo multidisco Never a Dull Moment! En vivo de costa a costa 1966-1967.

McCann nació en Lexington, Kentucky, en 1935. Sus hermanos (un hermano y tres hermanas) cantaban en la iglesia. Su padre era fanático del jazz y a su madre le gustaba tararear arias de ópera. Comenzó a tomar lecciones de piano a los seis años, pero después de solo unas pocas semanas, su maestra murió inesperadamente. McCann continuó aprendiendo piano por sí mismo mientras recibía capacitación musical formal en la escuela primaria y secundaria. Tocaba la tuba en la banda de música y la batería en la orquesta.

McCann se unió a la marina y, durante su servicio, ganó un concurso de canto que resultó en una aparición en el programa sindicado a nivel nacional Ed Sullivan Show en 1956. Después de ser dado de baja honorablemente, se mudó a Los Ángeles y formó un trío. McCann rechazó una invitación para unirse al Quinteto Cannonball Adderley con el fin de concentrarse en su propia música. El primer concierto del grupo fue tocando The Purple Onion en 1959 como teloneros de Gene McDaniels, quien los contrató para que lo respaldaran en la gira después de esa noche. Después de dejar el empleo de McDaniels, McCann firmó un contrato en solitario con Pacific Jazz. En 1960, Les McCann Ltd. Toca la Verdad y apareció el Grito. Su estilo conmovedor y funk al piano influyó en los músicos emergentes, resonó entre los veteranos y fue popular entre el público en vivo.

Grabó una docena de álbumes para Pacific Jazz entre 1960 y 1967, incluido Les McCann Ltd. en Nueva York con Blue Note está protagonizada por Stanley Turrentine y Blue Mitchell, y Les McCann canta con la Orquesta Gerald Wilson. A pesar del lanzamiento de este último en 1961, McCann cantaba ocasionalmente tanto en vivo como en grabaciones; no comenzó a usar la voz como parte clave de su actuación hasta mediados de la década. Durante su tiempo con Pacific Jazz, McCann publicó álbumes colaborativos con the Jazz Crusaders, Richard "Groove" Holmes y varios otros. Plays the Shampoo at the Village Gate de 1963, obtuvo un sencillo número tres con la canción principal. Aunque el pianista Ramsey Lewis ya estaba grabando, el álbum de McCann de 1963 influyó en las grabaciones en vivo de mediados de los 60 de este último, como The In Crowd y Dancing in the Street.

McCann pasó a ser el centro de atención en 1965/1967 de camino al Atlántico en 1968. Swiss Movement, su debut en el sello, fue grabado en colaboración con el saxofonista Eddie Harris en el Festival de Jazz de Montreux. No habían ensayado antes del concierto y Harris ni siquiera había visto su música. El disco fue un éxito, gracias en parte a la voz de McCann en su lectura de McDaniels " Compared to What?"(La melodía característica de McCann), y Harris contribuyeron con el masivamente funky " Cold Duck Time."El álbum ganó difusión internacional y se ubicó en las listas de éxitos. (Otro volumen, Second Movement, apareció en 1971 con gran éxito de crítica, pero no se vendió tan bien.)

Algunos críticos de jazz sintieron que McCann enfatizó su canto a expensas de su interpretación y la de sus acompañantes, pero el público oyente no estuvo de acuerdo, y tenían razón en no hacerlo: Las grabaciones de la época, como Comment de 1971 y Talk to the People de 1972, son excelentes. Joel Dorn, productor de McCann en el sello, lo alentó a cantar y a usar un piano eléctrico y sintetizadores analógicos. Para Invitation to Openness de 1973, McCann y Dorn contrataron a una banda de 13 integrantes que incluía a Yusef Lateef, los guitarristas Cornell Dupree y David Spinozza, y cinco percusionistas / bateristas que incluían a Alphonse Mouzon, William "Buck" Clarke, Ralph McDonald y Bernard Purdie. Los acompañantes de McCann, el bajista Jimmy Rowser y el baterista percusionista Donald Dean, también estaban a bordo. McCann tocaba piano eléctrico y sintetizador; también dirigió sin listas de éxitos ni instrucciones formales en tres improvisaciones de jazz-funk cargadas de vampiros y ritmos que incluían una pista improvisada de larga duración titulada " The Lovers."Encajó perfectamente con los primeros lanzamientos eléctricos de Miles Davis (In a Silent Way, Jack Johnson, Bitches Brew) y Weather Report(Canto the Body Electric).

Siguió con las Capas aún más revolucionarias en 1973. Reteniendo a su trío, y a McDonald y Clarke de la salida anterior, Layers reveló el amor de McCann por el sintetizador ARP (también tocaba el piano y el piano eléctrico) y lo llevó a intentar su propia recreación de una orquesta con él utilizando los sonidos de cuerdas, lengüetas, vientos, etc. La banda, mientras tanto, se apegó a una receta de jazz-funk aireado, arenoso. Tanto la invitación a la apertura como las Capas han encontrado varias generaciones más de oyentes, particularmente entre los fanáticos de la música electrónica y el hip-hop.

Lo siguió con Live at Montreux a fines de 1973 con Clarke completando su cuarteto, y completó su contrato con Atlantic Label con tres gemas del soul progresivo lujosamente arregladas, elegantemente orquestadas y criminalmente subestimadas: Another Beginning de 1974, Hustle to Survive de 1975 y River High, River Low de 1976.

Después de su permanencia en Atlantic, McCann continuó recorriendo el mundo, pero grabó con mucha menos frecuencia. Music Lets Me Be y Change, Change, Change: Live at the Roxy aparecieron en ABC Impulse en 1977, pero para entonces McCann había firmado un contrato con A&M.

Les McCann El Hombre apareció en 1978. El productor/arreglista de Motown, Paul Riser, intentó adornar los ritmos funky de McCann con suaves trompas y cuerdas suaves, con la esperanza de que sus resultados magníficamente grabados se tradujeran en música de baile comercial. Al año siguiente, los productores Benny Golson y Bobby Martin llevaron a McCann a un estudio de Los Ángeles con la intención de convertirlo en una estrella disco de los últimos días y contrataron a un ejército de hábiles músicos de sesión para garantizarlo.  Que no funcionó, dada la feroz racha independiente de McCann, no es de extrañar.

McCann continuó de gira, pero no volvió a grabar hasta que lanzó The Longer You Wait y Music Box para Jam Records a mediados de los 80. Se asoció con el saxofonista Houston Person para CTI en 1984. Curiosamente, solo tocó el piano acústico en la cita. Entre 1988 y 1990, McCann lanzó tres álbumes para otros tantos sellos, pero en 1994 sorprendió a la crítica con On the Soul Side, para MusicMasters. McCann, una colección de instrumentos de jazz, dirigió un quinteto que incluía al saxofonista Keith Anderson, el trompetista Jeff Elliott, el bajista Abraham Laboriel y el baterista Tony St.James. La única voz en el set fue un popurrí de "Lift Every Voice and Sing / America the Beautiful" con Lou Rawls. El álbum recibió críticas uniformemente positivas.

McCann sufrió un derrame cerebral debilitante en 1995, pero no se desanimó. Si bien su habilidad para tocar el piano estaba seriamente comprometida, su voz para cantar no lo estaba. ¡Tan pronto como estuvo lo suficientemente fuerte, grabó Listen Up! con un elenco estelar que incluyó al pianista George Duke, los saxofonistas Ernie Watts y Anderson, los guitarristas David T. Walker y Dori Caymmi, el organista Billy Preston y el baterista de steel Andy Narell, entre otros. McCann cantó en solo dos selecciones, pero la grabación fue bien recibida dada la excelente actuación de la banda.

McCann volvió a un horario más activo durante 1996. Trabajó en salas de jazz en los EE. UU., Europa y Japón, a menudo con un segundo tecladista. En 1997 lanzó la colaboración Pacifique con la tecladista europea Joja Wendt. Una serie de duetos encuentra a McCann tocando un piano Fender Rhodes debajo de su voz grave con la ayuda del piano acústico de Wendt. Muchas de sus canciones son remakes de pasados McCann rousers, como su lectura de "What's Goin' On" de Marvin Gaye, más "With These Hands" y " Cold Duck Time "(dedicada a la memoria de Eddie Harris). McCann también ofrece un par de elevadores de techo barrelhouse, los espirituales "Amazing Grace" y "Prince of Peace", y el estándar " What a Wonderful World."Pacifique fue ampliamente celebrado por la crítica.

Nuevamente, McCann vivía de gira con una banda de pick-up, dividiendo su tiempo entre conciertos en Europa, Asia y, en menor grado, en los EE.UU. En 2002, McCann sorprendió a críticos y fanáticos por igual con Pump It Up, una celebración del funk y el jazz con muchos invitados lanzada en ESC Records. Entre los músicos que aparecieron se encontraban Anderson, el organista Ricky Peterson, el bajista Marcus Miller, la vocalista Dianne Reeves, el baterista Paulinho Da Costa, la vocalista Bonnie Raitt, el saxofonista Maceo Parker y muchos más. McCann no tocó en el disco, pero cantó y rapeó. El potente set destacó una nueva versión de "The Truth" de su debut en Pacific Jazz; presentaba su voz moderna doblada sobre la grabación original del trío de piano. En 2018, McCann se autoeditó Una vez Les Christmas.

En 2012, McCann conoció al pianista de jazz Joe Alterman en el escenario del Blue Note en Nueva York. Se convirtieron en amigos rápidos y duraderos a pesar de su diferencia de edad (más de medio siglo). La pareja habló casi todos los días después de esa reunión. En agosto de 2023, the younger emitió Joe Alterman Plays Les McCann: Big Mo & Little Joe que consta de diez Les originals y "Don't Forget to Love Yourself", coescrita por la pareja.

En diciembre, el productor y detective de jazz Zev Feldman, en asociación con Resonance Records, emitió Never a Dull Moment! En vivo de costa a costa 1966-1967. Capturó los excelentes tríos de McCann de mediados de los 60 tocando en el legendario Penthouse club de Seattle y el Village Vanguard. Les McCann murió el 29 de diciembre de 2023 de neumonía; tenía 88 años de edad.
https://www.allmusic.com/artist/les-mccann-mn0000245760#biography

www.lesmccannunlimited.com ...

Sam Yahel, Ari Hoenig, Mike Moreno, Seamus Blake • Jazz Side Of The Moon Music Of Pink Floyd

 

Editorial Review:
Organist Sam Yahel, trumpeter Seamus Blake, guitarist Mike Moreno and drummer Ari Hoenig perform jazz interpretations of music from the seminal Pink Floyd album, 'Dark Side Of The Moon.' They achieve the seemingly-impossible as they evoke both the thematic spirit of the original recording and its sonic effects, while maintaining the overall conceptual arc and metaphysical implications of Pink Floyd's suite of songs. The result is remarkably powerful both as a jazz combo statement and as a purist, bare-bones audiophile recording - all the while reasserting the grace, power and musical nuance of the original materials. Personnel: Sam Yahel - (Hammond B-3 organ), Mike Moreno - (electric & acoustic guitars), Ari Hoenig - (drums), Seamus Blake - (tenor saxophone)

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Reseña editorial:
El organista Sam Yahel, el trompetista Seamus Blake, el guitarrista Mike Moreno y el batería Ari Hoenig interpretan en clave de jazz la música del álbum seminal de Pink Floyd, 'Dark Side Of The Moon'. Logran lo aparentemente imposible al evocar tanto el espíritu temático de la grabación original como sus efectos sonoros, manteniendo al mismo tiempo el arco conceptual general y las implicaciones metafísicas del conjunto de canciones de Pink Floyd. El resultado es extraordinariamente potente como declaración de un combo de jazz y como grabación purista y audiófila, al tiempo que reafirma la gracia, el poder y los matices musicales del material original. Personal: Sam Yahel - (órgano Hammond B-3), Mike Moreno - (guitarras eléctrica y acústica), Ari Hoenig - (batería), Seamus Blake - (saxo tenor)

www.samyahel.com ...

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Eric Dolphy • The Illinois Concert

 

Review by Ken Dryden
The 1999 discovery of a previously unknown 1963 concert by Eric Dolphy makes it one of the finds of the decade. Taped for broadcast at the University of Illinois at Champaign, it was mentioned in an Eric Dolphy Internet chat room and eventually relayed to producer Michael Cuscuna. The sound is very good, except for overly prominent drums throughout the concert and an under-miked flute on "South Street Exit." Dolphy's playing is consistently rewarding, including a lengthy workout of "Softly, As in a Morning Sunrise," a miniature of "Something Sweet, Something Tender," and his always superb solo feature of "God Bless the Child." He switches to alto sax for an adventurous new work, "Iron Man" (which he would record a few months later for Douglas International), also inserting a hilarious quote of "Comin' Through the Rye." A 23-year-old Herbie Hancock on piano, Eddie Locke on bass, and drummer J. C. Moses make up the solid rhythm section. The last two tracks, "Red Planet" and Dolphy's "G.W.," add the support of the University of Illinois Brass Ensemble, which included a young Cecil Bridgewater on trumpet. Highly recommended!-
https://www.allmusic.com/album/the-illinois-concert-mw0000669489

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Reseña de Ken Dryden
El descubrimiento en 1999 de un concierto de Eric Dolphy en 1963 previamente desconocido lo convierte en uno de los hallazgos de la década. Grabado para su transmisión en la Universidad de Illinois en Champaign, fue mencionado en una sala de chat de Eric Dolphy en Internet y finalmente transmitido al productor Michael Cuscuna. El sonido es muy bueno, excepto por los tambores excesivamente prominentes durante todo el concierto y una flauta con micrófono bajo en " South Street Exit."La interpretación de Dolphy es consistentemente gratificante, incluido un largo entrenamiento de 'Suavemente, Como en un Amanecer Matutino', una miniatura de 'Algo Dulce, Algo Tierno' y su siempre excelente característica en solitario de 'Dios Bendiga al Niño'."Cambia al saxo alto por un nuevo trabajo aventurero," Iron Man "(que grabaría unos meses después para Douglas International), insertando también una cita hilarante de "Comin' Through the Rye."Un Herbie Hancock de 23 años al piano, Eddie Locke al bajo y el baterista J.C. Moses componen la sólida sección rítmica. Las dos últimas pistas," Red Planet " y "G. W." de Dolphy, cuentan con el apoyo del Conjunto de Metales de la Universidad de Illinois, que incluía a un joven Cecil Bridgewater a la trompeta. Muy recomendable!-
https://www.allmusic.com/album/the-illinois-concert-mw0000669489

Billy Larkin & The Delegates • Hole In The Wall

Organist Billy Larkin and The Delegates immediately came to the attention of the Los Angeles jazz audience when their first record was released, but they also picked up a larger audience when the teenagers discovered they could dance to it. Just as Ramsey Lewis, they had an appeal that far exceeded just the jazz listener.

Basically a jazz trio with heavy emphasis on the blues, Billy Larkin and The Delegates was a versatile and dynamic group that reached into all corners of music to come up with a style and an approach that is both fresh and distinctive.

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El organista Billy Larkin y The Delegates llamaron inmediatamente la atención del público de jazz de Los Ángeles cuando salió su primer disco, pero también captaron un público más numeroso cuando los adolescentes descubrieron que podían bailarlo. Al igual que Ramsey Lewis, tenían un atractivo que superaba con creces al oyente de jazz.

Básicamente un trío de jazz con gran énfasis en el blues, Billy Larkin y The Delegates fue un grupo versátil y dinámico que llegó a todos los rincones de la música para crear un estilo y un enfoque que es a la vez fresco y distintivo.

J.J. Johnson • A Touch Of Satin

 

Biography by Scott Yanow
Considered by many to be the finest jazz trombonist of all time, J.J. Johnson somehow transferred the innovations of Charlie Parker and Dizzy Gillespie to his more awkward instrument, playing with such speed and deceptive ease that at one time some listeners assumed he was playing valve (rather than slide) trombone. Johnson toured with the territory bands of Clarence Love and Snookum Russell during 1941-1942, and then spent 1942-1945 with Benny Carter's big band. He made his recording debut with Carter (taking a solo on "Love for Sale" in 1943), and played at the first JATP concert (1944). Johnson also had plenty of solo space during his stay with Count Basie's Orchestra (1945-1946). During 1946-1950, he played with all of the top bop musicians, including Charlie Parker (with whom he recorded in 1947), the Dizzy Gillespie big band, Illinois Jacquet (1947-1949), and the Miles Davis Birth of the Cool Nonet. His own recordings from the era included such sidemen as Bud Powell and a young Sonny Rollins. Johnson, who also recorded with the Metronome All-Stars, played with Oscar Pettiford (1951) and Miles Davis (1952), but then was outside of music, working as a blueprint inspector for two years (1952-1954). His fortunes changed when, in August 1954, he formed a two-trombone quintet with Kai Winding that became known as Jay and Kai and was quite popular during its two years.

After Johnson and Winding went their separate ways (they would later have a few reunions), Johnson led a quintet that often included Bobby Jaspar. He began to compose ambitious works, starting with 1956's "Poem for Brass," and including "El Camino Real" and a feature for Dizzy Gillespie, "Perceptions"; his "Lament" became a standard. Johnson worked with Miles Davis during part of 1961-1962, led some more small groups of his own, and by the late '60s was kept busy writing television and film scores. J.J. Johnson was so famous in the jazz world that he kept on winning Downbeat polls in the 1970s, even though he was not playing at all. However, starting with a Japanese tour in 1977, Johnson gradually returned to a busy performance schedule, leading a quintet in the 1980s that often featured Ralph Moore. In the mid-'90s, he remained at the top of his field, but by the late '90s and early into the 2000s, the legendary musician fell ill with prostate cancer, and sadly took his own life on February 4, 2001.
https://www.allmusic.com/artist/jj-johnson-mn0000119111#biography

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Biografía de Scott Yanow
Considerado por muchos como el mejor trombonista de jazz de todos los tiempos, J. J. Johnson transfirió de alguna manera las innovaciones de Charlie Parker y Dizzy Gillespie a su instrumento más torpe, tocando con tanta velocidad y facilidad engañosa que en un momento algunos oyentes asumieron que estaba tocando trombón valvular (en lugar de slide). Johnson realizó una gira con las bandas territoriales de Clarence Love y Snookum Russell durante 1941-1942, y luego pasó de 1942 a 1945 con la big band de Benny Carter. Hizo su debut discográfico con Carter (haciendo un solo en" Love for Sale " en 1943) y tocó en el primer concierto de JATP (1944). Johnson también tuvo mucho espacio como solista durante su estadía con la Orquesta de Count Basie (1945-1946). Durante 1946-1950, tocó con todos los mejores músicos de bop, incluido Charlie Parker (con quien grabó en 1947), la Dizzy Gillespie big band, Illinois Jacquet (1947-1949) y Miles Davis Birth of the Cool Nonet. Sus propias grabaciones de la época incluían acompañantes como Bud Powell y un joven Sonny Rollins. Johnson, quien también grabó con Metronome All-Stars, tocó con Oscar Pettiford (1951) y Miles Davis (1952), pero luego estuvo fuera de la música, trabajando como inspector de planos durante dos años (1952-1954). Su suerte cambió cuando, en agosto de 1954, formó un quinteto de dos trombones con Kai Winding que se conoció como Jay y Kai y fue bastante popular durante sus dos años.

Después de que Johnson y Winding se separaran (más tarde tendrían algunas reuniones), Johnson dirigió un quinteto que a menudo incluía a Bobby Jaspar. Comenzó a componer obras ambiciosas, comenzando con "Poem for Brass" de 1956, e incluyendo "El Camino Real" y un largometraje para Dizzy Gillespie, "Perceptions"; su "Lamento" se convirtió en un estándar. Johnson trabajó con Miles Davis durante parte de 1961-1962, dirigió algunos grupos más pequeños propios y, a fines de los 60, se mantuvo ocupado escribiendo bandas sonoras para televisión y cine. J. J. Johnson era tan famoso en el mundo del jazz que siguió ganando encuestas pesimistas en la década de 1970, a pesar de que no tocaba en absoluto. Sin embargo, comenzando con una gira japonesa en 1977, Johnson regresó gradualmente a una apretada agenda de presentaciones, liderando un quinteto en la década de 1980 que a menudo presentaba a Ralph Moore. A mediados de los 90, se mantuvo en la cima de su campo, pero a fines de los 90 y principios de la década de 2000, el legendario músico enfermó de cáncer de próstata y lamentablemente se quitó la vida el 4 de febrero de 2001.
https://www.allmusic.com/artist/jj-johnson-mn0000119111#biography

Paul Gonsalves-Clyde Fats Wright • Sitting In, The Lost Solo Sessions of

 

 

Abbey Lincoln, Archie Shepp, Roy Burrowes, Hilton Ruiz, Freddie Waits, Jack Gregg • Painted Lady

 

 

The American vocalist and actress Abbey Lincoln first gained recognition in the 1950s under the name Gaby Lee as a pop singer and film actress (The Girl Can't Help It). In the late 1950s, she married drummer Max Roach and participated with him in several important recordings with Sonny Rollins, Coleman Hawkins, Benny Golson, and others. It was the fabulous "Freedom Now Suite," recorded in 1960 with Max Roach, that made her famous with the general public. Twenty years later, associated with another great African-American dissident, saxophonist Archie Shepp, in Paris, she created this historic album for the Marge label, one of the most beautiful meetings between two legendary figures of contemporary jazz. 

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La vocalista y actriz estadounidense Abbey Lincoln se dio a conocer en la década de 1950 bajo el nombre de Gaby Lee como cantante pop y actriz de cine (The Girl Can't Help It). A finales de los 50, se casó con el batería Max Roach y participó con él en varias grabaciones importantes con Sonny Rollins, Coleman Hawkins, Benny Golson y otros. Fue la fabulosa "Freedom Now Suite", grabada en 1960 con Max Roach, la que la hizo famosa entre el gran público. Veinte años más tarde, asociada en París con otro gran disidente afroamericano, el saxofonista Archie Shepp, creó este álbum histórico para el sello Marge, uno de los más bellos encuentros entre dos figuras legendarias del jazz contemporáneo.

Sven Hammond • Sphere

 

  

Herbie Mann & Chick Corea • Complete Latin Band Session

 

Two CD set containing the complete recordings of Herbie Mann with Chick Corea, consisting of the three complete albums Monday Night at the Village Gate, Standing Ovation at Newport and Latin Mann: Afro to Bossa to Blues (all recorded in 1965), plus all seven of the tracks from the album The Roar of the Greasepaint the Smell of the Crowd in which both musicians are present.

 

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Juego de dos CDs que contiene las grabaciones completas de Herbie Mann con Chick Corea, consistentes en los tres álbumes completos Monday Night at the Village Gate, Standing Ovation at Newport y Latin Mann: Afro to Bossa to Blues (todos ellos grabados en 1965), más los siete temas del álbum The Roar of the Greasepaint the Smell of the Crowd en los que están presentes ambos músicos.

John Blake • Quest

The best moments on violinist John Blake's 1992 release are the two selections that feature his former boss, Grover Washington Jr., on soprano. Washington swings hard on an overly brief version of "Moment's Notice" and plays soulfully on "Val's Blues." Other selections have Blake and his rhythm section (with pianist Joey Calderazzo, bassist Charles Fambrough, drummer Ben Riley, and percussionist Omar Hill) joined by Joe Ford on soprano and mostly playing melodic group originals. The one exception is Charlie Chaplin's "Smile," which features some lyrical violin from the talented if underrated Blake.

Scott Yanow, All Music Guide

https://www.allmusic.com/album/quest-mw0000098830

Artist Biography by Scott Yanow

Throughout his career, John Blake veered back and forth between R&B-ish sets and more adventurous dates. A pleasing if not overly distinctive violinist, the versatile Blake played in a wide variety of settings. After advanced classical study, he first gained recognition for his early-'70s recordings with Archie Shepp. During the next decade, Blake recorded with McCoy Tyner, James Newton, Cecil McBee, Jay Hoggard, and Grover Washington, Jr., touring extensively with Tyner and Washington. He made a series of generally interesting, if diverse, sets for Gramavision in the 1980s (including a fascinating 1986 date with fellow violinists Michal Urbaniak and Didier Lockwood) and one CD for Sunnyside in 1992, showing a lot of potential. Striken with multiple myeloma, Blake died in August 2014 at the age of 67.

https://www.allmusic.com/artist/john-blake-mn0000181924/biography

John Blake, Jr. has been one of the world’s leading jazz violinists for over four decades. A four-time winner of the Down Beat Critics’ Poll Violinist Deserving Wider Recognition category he was also one of the top two jazz violinists in the 49th, 50th, and 51st Down Beat Readers’ Poll, Classically trained, Blake first gained recognition on early-'70s recordings he made with Archie Shepp and in the mid-70s became established with a global audience during three years recording and touring as a member of Grover Washington, Jr.’s popular “crossover” jazz band. He then spent five years working extensively as a member of various ensembles led by pianist McCoy. Among other artists with whom Blake has performed and/or recorded with are the Duke Ellington Orchestra, Turtle Island String Quartet, Quartet Indigo, the Steve Turre Sextet, the Billy Taylor Trio, Avery Sharpe, Cecil McBee, Jay Hoggard and James Newton. Blake released his recording debut as a leader and composer, Maiden Dance, in 1984, the first of five well-received projects on Gramavision Records including one that teamed him up with fellow jazz violinists Michal Urbaniak and Didier Lockwood. He released his sixth album, Quest that reunited him with Grover Washington and featured Joe Ford, Charles Fambrough, Ben Riley, Omar Hill, Joey Calderazzo, on Sunnyside Records 1992. Blake’s first recording with his current quartet, The Traveler, was released in 2007.

Born in Philadelphia on July 3, 1947, Blake began studying violin in that city’s public school system and at the Settlement Music School. After graduating from West Virginia University he did postgraduate work at the Institute for Advanced Studies in Montreux, Switzerland and received a grant to study studied East Indian music. In addition to his work as an instrumentalist performing with his quartet and as a featured guest soloist at concerts and on studio sessions, Blake is also an accomplished composer, arranger and producer as well as an author, teacher and lecturer who presents hundreds of workshops annually to musicians at all levels. He co-wrote with Suzuki educator Jody Harmon J.I.M.E., the definitive beginning string jazz method book and CD in use around the world. In addition to lecturing on campuses throughout the US, Blake is on the faculty of the University of the Arts in Philadelphia and at the Manhattan School of Music in New York City, and has been a guest lecturer at Berklee College of Music in Boston. In 2004 he was appointed to the Basler Chair of Excellence for the winter semester at East Tennessee State University and that year also was awarded a Chamber Music America Jazz Composer Grant.

https://musicians.allaboutjazz.com/johnblake

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 Los mejores momentos del estreno del violinista John Blake en 1992 son las dos selecciones que presentan a su ex jefe, Grover Washington Jr. en soprano. Washington se mueve con fuerza en una versión demasiado breve de "Moment's Notice" y juega con el alma en "Val's Blues". Otras selecciones tienen a Blake y su sección rítmica (con el pianista Joey Calderazzo, el bajista Charles Fambrough, el baterista Ben Riley, y el percusionista Omar Hill) a los que se unió Joe Ford en soprano y que en su mayoría tocaba en grupos melódicos originales. La única excepción es "Smile", de Charlie Chaplin, que presenta un violín lírico del talentoso, aunque subestimado, Blake.

Scott Yanow, Guía de Música

https://www.allmusic.com/album/quest-mw0000098830

Biografía del artista por Scott Yanow

A lo largo de su carrera, John Blake se movió de un lado a otro entre sets de R&B y fechas más aventureras. Un violinista agradable, si no excesivamente distintivo, el versátil Blake tocaba en una amplia variedad de escenarios. Después de estudios clásicos avanzados, primero obtuvo reconocimiento por sus grabaciones de principios de los 70 con Archie Shepp. Durante la siguiente década, Blake grabó con McCoy Tyner, James Newton, Cecil McBee, Jay Hoggard y Grover Washington, Jr. y realizó numerosas giras con Tyner y Washington. Hizo una serie de sets generalmente interesantes, aunque diversos, para Gramavision en los años 80 (incluyendo una fascinante cita en 1986 con sus compañeros violinistas Michal Urbaniak y Didier Lockwood) y un CD para Sunnyside en 1992, mostrando mucho potencial. Ataque de mieloma múltiple, Blake murió en agosto de 2014 a la edad de 67 años.

https://www.allmusic.com/artist/john-blake-mn0000181924/biography

John Blake, Jr. ha sido uno de los principales violinistas de jazz del mundo durante más de cuatro décadas. Ganador en cuatro ocasiones de la categoría Down Beat Critics' Poll Violinist Mering Wider Recognition, también fue uno de los dos mejores violinistas de jazz en la 49ª, 50ª y 51ª Down Beat Readers' Poll, con formación clásica, Blake obtuvo por primera vez el reconocimiento en grabaciones de principios de los 70 que realizó con Archie Shepp y a mediados de la década de los 70 se estableció con una audiencia global durante tres años grabando y realizando giras como miembro de la popular banda de jazz "crossover" de Grover Washington, Jr. Luego pasó cinco años trabajando extensamente como miembro de varios conjuntos dirigidos por el pianista McCoy. Entre otros artistas con los que Blake ha tocado y/o grabado se encuentran la Duke Ellington Orchestra, Turtle Island String Quartet, Quartet Indigo, Steve Turre Sextet, Billy Taylor Trio, Avery Sharpe, Cecil McBee, Jay Hoggard y James Newton. Blake lanzó su debut discográfico como líder y compositor, Maiden Dance, en 1984, el primero de cinco proyectos bien recibidos en Gramavision Records, incluyendo uno que lo unió a sus colegas violinistas de jazz Michal Urbaniak y Didier Lockwood. Publicó su sexto álbum, Quest, que lo reunió con Grover Washington e incluyó a Joe Ford, Charles Fambrough, Ben Riley, Omar Hill, Joey Calderazzo, en Sunnyside Records 1992. La primera grabación de Blake con su cuarteto actual, The Traveler, fue lanzada en 2007.

Nacido en Filadelfia el 3 de julio de 1947, Blake comenzó a estudiar violín en el sistema de escuelas públicas de esa ciudad y en la Escuela de Música de la Colonia. Después de graduarse de la Universidad de West Virginia, realizó un trabajo de postgrado en el Instituto de Estudios Avanzados de Montreux, Suiza, y recibió una beca para estudiar música de las Indias Orientales. Además de su trabajo como instrumentista tocando con su cuarteto y como solista invitado en conciertos y sesiones de estudio, Blake también es un compositor, arreglista y productor consumado, así como autor, profesor y conferenciante que presenta cientos de talleres anualmente a músicos de todos los niveles. Escribió junto con la educadora Suzuki Jody Harmon J.I.M.E., el libro y CD de método de jazz de cuerda definitivo para principiantes que se usa en todo el mundo. Además de impartir clases en campus de todo Estados Unidos, Blake es miembro del cuerpo docente de la University of the Arts de Filadelfia y de la Manhattan School of Music de la ciudad de Nueva York, y ha sido profesor invitado en el Berklee College of Music de Boston. En 2004 fue nombrado a la Cátedra Basler de Excelencia para el semestre de invierno en la East Tennessee State University y ese año también recibió una beca Chamber Music America Jazz Composer Grant.

https://musicians.allaboutjazz.com/johnblake

Blossom Dearie • Sings Comden And Green

 

Artist Biography by John Bush

A distinctive, girlish voice and crisp, impeccable delivery, plus an irrepressible sense of playful swing, made Blossom Dearie one of the most enjoyable singers of the vocal era. Her warmth and sparkle ensured that she'd never treat standards as the well-worn songs they often appeared in less capable hands. And though her reputation was made on record with a string of excellent albums for Verve during the '50s, she remained a draw with Manhattan cabaret audiences long into the new millennium.

Actually born with the name Blossom Dearie in the New York Catskills, she began playing piano at an early age and studied classical music before making the switch to jazz while in high school. After graduation, she moved to New York and began appearing with vocal groups like the Blue Flames (attached to Woody Herman) and the Blue Reys (with Alvino Rey). She also played cocktail piano around the city, and moved to Paris in 1952 to form her own group, the Blue Stars of France. Dearie also appeared in a nightclub act with Annie Ross, and made a short, uncredited appearance on King Pleasure's vocalese classic, "Moody's Mood for Love." She recorded an obscure album of piano solos, and in 1954, the Blue Stars hit the national charts with a French version of "Lullaby of Birdland."

After hearing Dearie perform in Paris in 1956, Norman Granz signed her to Verve and she returned to America by the end of the year. Her eponymous debut for Verve featured a set of standards that slanted traditional pop back to its roots in Tin Pan Alley, Broadway, and cabaret. Her focus on intimate readings of standards ("Deed I Do," "Thou Swell") and the relaxed trio setting (bassist Ray Brown and drummer Jo Jones, plus Dearie on piano) drew nods to her cabaret background.

My Gentleman Friend

On her next few records, Dearie stuck to her focus on standards and small groups, though her gift for songwriting emerged as well with songs like "Blossom's Blues." She performed in solo settings at supper clubs all over New York, and appeared on the more cultured of the late-'50s New York talk shows. Her husband, flutist Bobby Jaspar, made several appearances on her records, notably 1959's My Gentleman Friend. After a recording break in the early '60s, Blossom Dearie signed to Capitol for one album (1964's May I Come In?), but then recorded sparingly during the rest of the decade.

Finally, in the early '70s, she formed her own Daffodil Records label and began releasing her own work, including 1974's Blossom Dearie Sings and 1976's My New Celebrity Is You. She also performed at Carnegie Hall with Anita O'Day and Joe Williams, billed as the Jazz Singers. She continued to perform and record during the 1980s through to the early 2000s, centered mostly in New York but also a regular attraction in London as well. She retired from playing live in 2006 due to health concerns and died quietly in her Greenwich Village apartment on February 7, 2009.

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Biografía del artista por John Bush

Blossom Dearie, una voz distintiva y juvenil con una transmisión impecable e impecable, más un sentido irreprimible de swing juguetón, hizo de Blossom Dearie una de las cantantes más agradables de la era vocal. Su calidez y brillo le aseguraron que nunca trataría los estándares como las canciones gastadas que a menudo aparecían en manos menos capaces. Y aunque su reputación se hizo oficial con una serie de excelentes álbumes para Verve durante los años 50, siguió siendo una atracción para el público del cabaret de Manhattan hasta el nuevo milenio.

Nacida en realidad con el nombre de Blossom Dearie en los New York Catskills, comenzó a tocar el piano a temprana edad y estudió música clásica antes de cambiar al jazz cuando estaba en la escuela secundaria. Después de graduarse, se mudó a Nueva York y comenzó a aparecer con grupos vocales como Blue Flames (asociada a Woody Herman) y Blue Reys (con Alvino Rey). También tocó el piano de cóctel en la ciudad y se mudó a París en 1952 para formar su propio grupo, las Estrellas Azules de Francia. Dearie también apareció en un acto de club nocturno con Annie Ross, e hizo una breve aparición sin acreditar en el clásico vocalese de King Pleasure, "Moody's Mood for Love". Grabó un oscuro álbum de solos para piano, y en 1954, las Estrellas Azules llegaron a las listas nacionales con una versión francesa de "Canción de cuna de Birdland".

Después de escuchar a Dearie actuar en París en 1956, Norman Granz la contrató en Verve y regresó a Estados Unidos a finales de año. Su debut homónimo para Verve presentó un conjunto de estándares que desviaron el pop tradicional hasta sus raíces en Tin Pan Alley, Broadway y cabaret. Su enfoque en las lecturas íntimas de los estándares ("Deed I Do", "Thou Swell") y el ambiente relajado del trío (el bajista Ray Brown y el baterista Jo Jones, además de Dearie en el piano) atrajeron su fondo de cabaret.

Mi amigo caballero

En sus próximos discos, Dearie se concentró en los grupos pequeños y en los estándares, aunque su don para la composición de canciones también surgió con canciones como "Blossom's Blues". Actuó como solista en clubes de cenas en todo Nueva York, y apareció en los programas de entrevistas de Nueva York a finales de los cincuenta. Su esposo, el flautista Bobby Jaspar, hizo varias apariciones en sus discos, especialmente en 1959's My Gentleman Friend. Después de una pausa en la grabación a principios de los años 60, Blossom Dearie firmó con Capitol para un álbum (¿Puedo entrar en 1964?), Pero luego grabó con moderación durante el resto de la década.

Finalmente, a principios de la década de los 70, formó su propio sello Daffodil Records y comenzó a lanzar su propio trabajo, incluyendo Blossom Dearie Sings de 1974 y My New Celebrity Is You de 1976. También actuó en el Carnegie Hall con Anita O'Day y Joe Williams, catalogados como los Jazz Singers. Continuó tocando y grabando desde la década de 1980 hasta principios de la década de 2000, centrada principalmente en Nueva York, pero también en una atracción habitual en Londres. Se retiró de tocar en vivo en 2006 debido a problemas de salud y murió en silencio en su apartamento de Greenwich Village el 7 de febrero de 2009.


Blossom Dearie, Ed Thigpen, Kenny Burrell, Ray Brown.

 

Oregon • Friends

 

 

Tete Montoliu • Tete Montoliu Interpreta a Serrat

 

 

Dexter Gordon • Clubhouse

 

Review by Scott Yanow
Although tenor saxophonist Dexter Gordon had moved to Europe in 1962, he made a return visit to the U.S. in 1965 that resulted in both this album and Gettin' Around. Gordon teams up with trumpeter Freddie Hubbard, pianist Barry Harris, bassist Bob Cranshaw and drummer Billy Higgins for three of his originals, two obscurities, and a standard that ended up being the date's most memorable performance: "I'm a Fool to Want You." It is excellent music if not quite essential.
https://www.allmusic.com/album/clubhouse-mw0000204481


One of the enduring mysteries of Blue Note history is that superb sessions such as Dexter Gordon’s Clubhouse (recorded in 1965) remained unreleased in the vault until the late 1970s. Recorded during the middle of Gordon’s “golden period” career renaissance after he signed with Blue Note in 1961, the tenor saxophone legend is joined by Freddie Hubbard on trumpet and the remarkable rhythm section of Barry Harris on piano, Bob Cranshaw on bass, and the great Billy Higgins on drums. Long Tall Dexter’s rendition of the Sinatra evergreen “I’m a Fool To Want You” stands as one of his all-time greatest ballad performances.
https://store.bluenote.com/products/dexter-gordon-clubhouse-lp-tone-poet-series

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Reseña de Scott Yanow
Aunque el saxofonista tenor Dexter Gordon se había mudado a Europa en 1962, hizo una visita de regreso a los EE.UU. en 1965 que resultó tanto en este álbum como en Gettin' Around. Gordon se une al trompetista Freddie Hubbard, al pianista Barry Harris, al bajista Bob Cranshaw y al baterista Billy Higgins para tres de sus originales, dos obscuridades y un estándar que terminó siendo la actuación más memorable de la cita: "Soy un tonto por Quererte."Es una música excelente, si no del todo esencial.
https://www.allmusic.com/album/clubhouse-mw0000204481


Uno de los misterios perdurables de la historia de Blue Note es que sesiones magníficas como Dexter Gordon's Clubhouse (grabada en 1965) permanecieron inéditas en la bóveda hasta finales de la década de 1970. Grabada durante la mitad del renacimiento de la carrera del "período dorado" de Gordon después de firmar con Blue Note en 1961, la leyenda del saxofón tenor se une a Freddie Hubbard a la trompeta y la notable sección rítmica de Barry Harris al piano, Bob Cranshaw al bajo y el gran Billy Higgins a la batería. La interpretación de Long Tall Dexter de la perenne "I'm a Fool To Want You" de Sinatra se erige como una de sus mejores interpretaciones de baladas de todos los tiempos.
https://store.bluenote.com/products/dexter-gordon-clubhouse-lp-tone-poet-series

Con Alma Trio • Con Alma Trio Meets Jerry Bergonzi

 

The Hammond organ, is enjoying a new successful season and certainly Vito di Modugno is among the best Hammondisti in circulation, remembering that was voted as one of the best organists in the world by the American magazine “Downbeat” which the italian jazz magazine “Music Jazz “has included him among specialists of Hammond organ in the insert and cD dedicated to the history of this instrument Di Modugno was constantly winner in 2011, 2012 and 2014,2015 Jazzit Award as best Italian organist. Not to be outdone its coaleaders travel,Guido Di Leone and Mimmo Campanale, among the main protagonists and disseminators of the national jazz scene. Jerry Bergonzi is a worldwide reference point of the saxophone.

“Swing smooth and without fuss” as Nicholas Gaeta writes in the liner notes, summing up one of the peculiarities of this record. With Alma trio comes back 15 years after the first job (branded YVP). Three of the best musicians of the peninsular landscape blend their soul with that of the American saxophonist Jerry Bergonzi, certainly among the supermusician of the international scene, creating an inventive project, with swing, dazzling technique and desire to have fun, an element that the latter while appearing not to go out of fashion is actually often crucial to convey that feeling which belongs mostly to jazz of the past and that we feel the need to recover. So a high-quality recording operation, which, we are sure,will be one of the best Italian publications of the currently.
https://www.abeatrecords.com/music/shop/con-alma-trio-meets-jerry-bergonzi/

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El órgano Hammond, está disfrutando de una nueva temporada exitosa y ciertamente Vito di Modugno se encuentra entre los mejores Hammondisti en circulación, recordando que fue votado como uno de los mejores organistas del mundo por la revista estadounidense "Downbeat", que la revista italiana de jazz "Music Jazz "lo ha incluido entre los especialistas del órgano Hammond en el inserto y cD dedicado a la historia de este instrumento.Di Modugno fue constantemente ganador en 2011, 2012 y 2014,2015 Premio Jazzit como mejor organista italiano. Para no quedarse atrás viajan sus coaligados, Guido Di Leone y Mimmo Campanale, entre los principales protagonistas y divulgadores de la escena jazzística nacional. Jerry Bergonzi es un referente mundial del saxofón.

"Swing suave y sin aspavientos" como escribe Nicholas Gaeta en las notas del transatlántico, resumiendo una de las peculiaridades de este disco. Con Alma trio regresa 15 años después del primer trabajo (con la marca YVP). Tres de los mejores músicos del paisaje peninsular mezclan su alma con la del saxofonista estadounidense Jerry Bergonzi, ciertamente entre los supermúsicos de la escena internacional, creando un proyecto inventivo, con swing, técnica deslumbrante y ganas de divertirse, elemento que este último aunque parezca no pasar de moda en realidad suele ser crucial para transmitir ese sentimiento que pertenece mayoritariamente al jazz del pasado y que sentimos la necesidad de recuperar. Así que una operación de grabación de alta calidad, que, estamos seguros, será una de las mejores publicaciones italianas de la actualidad.
https://www.abeatrecords.com/music/shop/con-alma-trio-meets-jerry-bergonzi/


 

facebook.com/TheConAlmaTrio ...