Freddie Hubbard • First Light

 

 

Review by Thom Jurek
Never one to take lyricism for granted, trumpeter and composer Freddie Hubbard entered Creed Taylor's studio for the third time in 1971 with the express purpose of making a record radically different from anything he'd cut before; he was looking for it to use electricity and to be out of the soul-jazz mold, but was also more ambitious and wanted to push that envelope and himself. Taylor and Hubbard assembled a band that included Herbie Hancock on Rhodes, guitarists Eric Gale and George Benson, bassist Ron Carter, Jack DeJohnette on drums, Airto Moreira on percussion, and Richard Wyands on acoustic piano to back him. The band was also supported by the truly ethereal and adventurous string arrangements of Don Sebesky (a first for Hubbard). The result is a masterpiece of textured sound, gorgeously far-flung charts, sweet, tight grooves, a subtle mystic feel, and some of Hubbard's most exciting playing ever. The title track and Hubbard's ingenious read of Paul and Linda McCartney's "Uncle Albert/ Admiral Halsey," as well as Leonard Bernstein's "Lonely Town," are so in the pocket that they bleed soul. Benson's uncharacteristically edgy guitar playing juxtaposed against Hubbard's warm tone, and Hancock's beautifully modal Rhodes lines that are drenched with big, open, minor chord voicings, are simply made more illustrious and graceful by Sebesky's strings. While Red Clay and Straight Life are both fine albums, First Light is the one that connects on all levels -- and it did with the jazz-buying public as well. A masterpiece.
https://www.allmusic.com/album/first-light-mw0000188197

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Reseña de Thom Jurek
Nunca dando por sentado el lirismo, el trompetista y compositor Freddie Hubbard entró en el estudio de Creed Taylor por tercera vez en 1971 con el propósito expreso de hacer un disco radicalmente diferente a todo lo que había grabado antes; buscaba que usara electricidad y saliera del molde del soul-jazz, pero también era más ambicioso y quería superar ese límite y a él mismo. Taylor y Hubbard formaron una banda que incluía a Herbie Hancock en Rhodes, los guitarristas Eric Gale y George Benson, el bajista Ron Carter, Jack DeJohnette en la batería, Airto Moreira en la percusión y Richard Wyands en el piano acústico para respaldarlo. La banda también fue apoyada por los arreglos de cuerdas verdaderamente etéreos y aventureros de Don Sebesky (una primicia para Hubbard). El resultado es una obra maestra de sonido texturizado, gráficos magníficamente remotos, ritmos dulces y ajustados, una sutil sensación mística y algunas de las interpretaciones más emocionantes de Hubbard. La canción principal y la ingeniosa lectura de Hubbard de "Uncle Albert/ Admiral Halsey" de Paul y Linda McCartney, así como de "Lonely Town" de Leonard Bernstein, están tan en el bolsillo que sangran el alma. La guitarra inusualmente nerviosa de Benson yuxtapuesta al tono cálido de Hubbard, y las hermosas líneas modales de Rhodes de Hancock que están empapadas de voces de acordes grandes, abiertas y menores, simplemente se vuelven más ilustres y elegantes con las cuerdas de Sebesky. Si bien Red Clay y Straight Life son buenos álbumes, First Light es el que conecta en todos los niveles y también lo hizo con el público que compra jazz. Una obra maestra.
https://www.allmusic.com/album/first-light-mw0000188197

João Donato-Eumir Deodato • DonatoDeodato

 

VA • The Colors Of Latin Jazz Samba

 

Review from AllMusic (by Alex Henderson):
The term Latin jazz usually refers to a blend of jazz and Afro-Cuban music. When people hear the term Latin jazz, the artists who immediately come to mind include Tito Puente, Dizzy Gillespie, Chano Pozo, Cal Tjader, Ray Barretto, Mongo Santamaria, and Poncho Sanchez. Meanwhile, the term Brazilian jazz has been used to describe artists ranging from Airto Moreira to Stan Getz to Claudio Roditi -- improvisers who have combined jazz with Brazilian rhythms. Latin jazz and Brazilian jazz are thought of as two separate categories, but because Brazilian music is a form of Latin music, Brazilian jazz is technically a form of Latin jazz. Thus, it makes perfect sense for Concord to put together a Brazilian jazz compilation and call it Colors of Latin Jazz: Samba. Assembled in 2002, this good-to-excellent CD looks back on Concord's contributions to Brazilian jazz in the '80s and '90s. Some of the selections are actually by Brazilian artists, including Tania Maria's "Dear Dee Vee," Marcos Silva's "Street Samba," and Flora Purim's "Samba Do Cantor." But some of the artists are not, which isn't surprising because Stan Getz and Bud Shank proved long ago that one doesn't have to be Brazilian to play Brazilian jazz effectively. Some of the American improvisers who demonstrate their mastery of the samba beat include pianist Joanne Brackeen on "Recado Bossa Nova," flutist Ali Ryerson on "Não Está Colando (I'm Not Buying It)," and guitarist Charlie Byrd on Luiz Bonfá's familiar "Samba de Orfeu" (which features Ken Peplowski on tenor sax). Colors of Latin Jazz: Samba is far from the last word on Concord's Brazilian jazz output -- for one thing, it doesn't include anything by Laurindo Almeida. But it's an enjoyable compilation that shows listeners how appealing a combination jazz improvisation and the Brazilian samba rhythm can be.
https://www.allmusic.com/album/colors-of-latin-jazz-samba-mw0000660497

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Reseña de AllMusic (por Alex Henderson):
El término jazz latino generalmente se refiere a una mezcla de jazz y música afrocubana. Cuando la gente escucha el término jazz latino, los artistas que vienen inmediatamente a la mente incluyen a Tito Puente, Dizzy Gillespie, Chano Pozo, Cal Tjader, Ray Barretto, Mongo Santamaría y Poncho Sánchez. Mientras tanto, el término jazz brasileño se ha utilizado para describir artistas que van desde Airto Moreira hasta Stan Getz y Claudio Roditi -- improvisadores que han combinado el jazz con ritmos brasileños. El jazz latino y el jazz brasileño se consideran dos categorías separadas, pero dado que la música brasileña es una forma de música latina, el jazz brasileño es técnicamente una forma de jazz latino. Por lo tanto, tiene todo el sentido que Concord reúna una compilación de jazz brasileño y la llame Colors of Latin Jazz: Samba. Ensamblada en 2002, este CD de bueno a excelente mira hacia atrás en las contribuciones de Concord al jazz brasileño en los años 80 y 90. Algunas de las selecciones son en realidad de artistas brasileños, incluyendo "Dear Dee Vee" de Tania Maria, "Street Samba" de Marcos Silva y "Samba Do Cantor" de Flora Purim. Pero algunos de los artistas no lo son, lo cual no es sorprendente porque Stan Getz y Bud Shank demostraron hace mucho tiempo que no hay que ser brasileño para tocar jazz brasileño de manera efectiva. Algunos de los improvisadores americanos que demuestran su maestría del ritmo de samba incluyen a la pianista Joanne Brackeen en "Recado Bossa Nova", la flautista Ali Ryerson en "Não Está Colando (I'm Not Buying It)" y el guitarrista Charlie Byrd en el familiar "Samba de Orfeu" de Luiz Bonfá (que cuenta con Ken Peplowski en saxo tenor). Colors of Latin Jazz: Samba está lejos de ser la última palabra sobre la producción de jazz brasileño de Concord -- para empezar, no incluye nada de Laurindo Almeida. Pero es una compilación disfrutable que muestra a los oyentes lo atractiva que puede ser la combinación de la improvisación del jazz y el ritmo de samba brasileño.
https://www.allmusic.com/album/colors-of-latin-jazz-samba-mw0000660497

Joe Farrell • Outback

 

Review by Thom Jurek
Outback is the second and finest of Joe Farrell's dates for Creed Taylor's CTI label. Recorded in a quartet setting in 1970, with Elvin Jones, Chick Corea, and Brazilian percussionist Airto Moreira, Farrell pushes the envelope not only of his own previous jazz conceptualism, but CTI's envelope, as well. Outback is not a commercially oriented funk or fusion date, but an adventurous, spacy, tightrope-walking exercise between open-ended composition and improvisation. That said, there is plenty of soul in the playing. Four compositions, all arranged by Farrell, make up the album. The mysterious title track by John Scott opens the set. Staged in a series of minor-key signatures, Farrell primarily uses winds -- flutes and piccolos -- to weave a spellbinding series of ascending melodies over the extended, contrasting chord voicings by Corea. Jones skitters on his cymbals while playing the snare and tom-toms far more softly than his signature style usually attests. Airto rubs and shimmers on hand drums, going through the beat, climbing on top of it, and playing accents in tandem with Farrell in the solo sections. "Sound Down" is a bit more uptempo and features Farrell playing wonderfully on the soprano. Buster Williams lays down a short staccato bassline that keeps Jones' bass drum pumping. As Farrell moves from theme/variation/melody to improvisation, he brings in Corea, who vamps off the melody before offering a series of ostinati responses. Corea's "Bleeding Orchid" is a ballad played with augmented modes and continually shifting intervals, mapped beautifully by Williams' adherence to the changes, with a series of contrasting pizzicato fills. Farrell's trills and arpeggiatic exercises combine both jazz classicism and Middle Eastern folk music. On Farrell's "November 68th," he invokes John Coltrane's version of "My Favorite Things" as he digs deep into the tenor's middle register for a song-like voicing, played with a gorgeously bluesy sophistication. The other players rally around him and push his sonic flight to near manic intensity. Outback is a stunner, as inspired as anything -- and perhaps more so -- that Farrell ever recorded.
https://www.allmusic.com/album/outback-mw0000700690


Biography by Thom Jurek
Joe Farrell was an American jazz multi-instrumentalist and elite-caliber bandleader and sideman. Though he played virtually all reeds and winds, his primary tools were saxophones, flute, and oboe. Though his recording career began in 1960, he is best known as a founding member of Chick Corea's original Return to Forever in 1970, and for the seven dates he led for CTI, including 1970's Joe Farrell Quartet, 1973's Moon Germs, and 1975's Canned Funk. Farrell appeared on dozens of pop, R&B, and rock records from artists including Laura Nyro and James Brown. He also worked extensively with Elvin Jones from 1968 to 1975, while playing countless sessions and touring with others, and leading his own groups. After CTI, Farrell issued two albums for Warner Bros.: the Latin jazz outing La Catedral y El Toro and 1978's exercise in disco and smooth jazz Night Dancing. Farrell returned to straight-ahead jazz with 1979's Skate Board Park for Xanadu. 1981's Sonic Text was praised for its forceful post-bop. His final album was 1985's Three-Way Mirror, co-led with former RTF bandmates Airto Moreira and Flora Purim. Farrell died in 1986 at age 48. His work has been studied by three succeeding generations of jazz musicians, and his CTI and Warner recordings have been reissued numerous times and abundantly sampled by DJs, hip-hop, and electronic producers.

Farrell was born Joseph Carl Firrantello in 1937, in Chicago Heights, Illinois. As a child he began musical studies on flute; at 11, he began playing clarinet; and at 13, saxophone. He participated in academic orchestras and bands throughout elementary and high school. Farrell attended the University of Illinois, where he began his jazz education in earnest. He worked local bandstands in the evenings and even shared them with his heroes Johnny Griffin and Ira Sullivan.

After graduating in 1959, he emigrated to New York City and pursued life as a freelance musician, but found work almost immediately with the Maynard Ferguson Big Band. Farrell made his recording debut with the bandleader on 1960's Newport Suite. He continued to work in the studio and on the road with Ferguson through 1965. During that tenure, Farrell also worked with Charles Mingus, Slide Hampton, Willie Bobo, Dizzy Reece, Rufus Jones, and the Sal Salvador Big Band. In 1965, Farrell joined Jaki Byard's quartet for a pair of albums and several tours, and won a slot in the Thad Jones-Mel Lewis Big Band roster. During this latter tenure, Farrell found the time to work with a wide array of jazz musicians across the hard bop and soul-jazz spectrums. The dozens of record dates he played between 1966 and 1970 included outings led by Harold Vick, Bobby Timmons, Grady Tate, Mongo Santamaria, Jimmy Smith, Herbie Hancock, and, most importantly, Elvin Jones, whose road and studio bands Farrell joined as a regular member. During this period, the saxophonist also met and worked with Brazilian jazz pioneer Hermeto Paschoal (who introduced him to future collaborators Airto Moreira and Flora Purim), Andrew Hill (Dance with Death) and Chick Corea -- Farrell played on 1968's Tones for Joan's Bones.

1970 proved a fateful year for Farrell and, a decade after his arrival in New York, cemented his place as a top-tier sideman. He played on recordings by Jones, Antonio Carlos Jobim, Johnny Hodges, Mose Allison, and Laura Nyro. That year, Farrell signed to Creed Taylor's emerging CTI label and cut The Joe Farrell Quartet (aka Song of the Wind). His sidemen on the date included Corea, John McLaughlin, Jack DeJohnette, and Dave Holland. The set enjoyed overwhelmingly positive reviews and established Farrell as a headliner on the New York and Los Angeles club scenes.

Though Farrell remained a working member of Jones' quartet, he was also playing a multitude of sessions. In 1971 alone, he played on albums by the Rascals, the Band, Roberta Flack, and Gap Mangione. He played a key role on Airto's legendary Free album, and cut his own sophomore leader set for CTI entitled Outback, with Jones, Corea, Airto, and bassist Buster Williams. The following year, Farrell joined Airto, Flora, and bassist Stanley Clarke in Corea's fledgling Return to Forever, whose self-titled debut appeared on ECM to abundant critical acclaim, robust sales, and the jazz chart. It is Farrell's flute on the pianist's "Spain" that buoyed the tune's reputation; the song is now universally considered a jazz standard.

1973 proved one of Farrell's busiest and most successful years. He worked on dozens of recordings including Aretha Franklin's Hey Now Hey (The Other Side of the Sky) and Hall & Oates' Abandoned Luncheonette (that's his sax on immortal single "She's Gone"). He also played on Billy Cobham's fusion classic Spectrum, Don Sebesky's Giant Box, Santana's jazz-fusion outing Welcome, and Return to Forever's commercial breakthrough album Light as a Feather with guitarist Bill Connors appending the lineup. Farrell also issued his third acclaimed leader outing, Moon Germs, backed by Clarke, Hancock, and DeJohnette. In 1974, in addition to playing dozens of studio sessions and touring, Farrell released two hit albums for CTI: Upon This Rock and Penny Arcade. That year, his horns and winds graced albums by Hancock, Blue Mitchell, Stanley Turrentine, Jack McDuff, and Jones, to name scant few.

Farrell cut the charting Canned Funk for CTI in 1975. In addition to continuing his work with Jones, he played more sessions for Flack and Franklin, and worked with Corea's live quartet and with Buddy Rich. Farrell also appeared on two truly classic albums that year: Mike Longo's jazz-funk tome 900 Shades of the Blues and Parliament's game-changing Mothership Connection -- the horn section also included Maceo Parker, Fred Wesley, and the Brecker Brothers. In 1976, Farrell drew on his considerable reputation as a sideman. He was hired to work with guitarist Grant Green, to cut sessions with Nyro and the Bee Gees, and he co-led Benson & Farrell with guitarist George Benson for CTI. The saxophonist resumed working in studio and on the road with Ferguson and cut his album Primal Scream. Farrell also played on albums by Corea (The Leprechaun), McDuff (Sophisticated Funk), and Fania All-Stars (Rhythm Machine).

In 1977, Farrell moved to Los Angeles, and signed with Warner Bros. His debut La Catedral y El Toro, was produced, arranged, and conducted by William Eaton. The large group offering featured all-star horn and string sections in a band that included the Brecker Brothers, Eric Gale, Ralph MacDonald, Steve Gadd, Ronnie Cuber, Anthony Jackson, and Richard Tee. Framed in Latin time signatures and modal forms adorned with lush charts, it is unlike any other date in Farrell's catalog, and considered by some as a modern companion to Miles Davis' and Gil Evans' Sketches of Spain. That same year, the saxophonist worked with Return to Forever on several live and studio outings (including Musicmagic), as well as Lalo Schifrin and the CTI All-Stars. In 1978, Farrell did an about-face and released the disco-smooth jazz fusion outing, Night Dancing. Derided by jazz critics for its deliberately commercial overtones, the set was nonetheless embraced by DJs across the globe --and later sampled abundantly by hip-hop and electronic producers. It currently enjoys a storied place in Farrell's catalog.

While continuing his working relationship with Ferguson, Farrell remained entrenched with Corea's stable of musicians. In addition to RTF tours, he contributed to the pianist/keyboardist's The Mad Hatter, Friends, and Secret Agent in 1978 alone. Farrell also played on Art Garfunkel's Watermark and Carly Simon's Boys in the Trees that year. In 1979, he joined the Mingus Dynasty Big Band and, in addition to recording their debut Chair in the Sky, he toured with the group across the globe. Farrell also released his own Skate Board Park for Xanadu. Though not commercially successful, it was celebrated by critics as a return to form. That year, Farrell also played on albums by Neil Larsen, Freddie Hubbard, Turrentine, and Jeff Lorber Fusion.

In 1980, Farrell and some CTI stalwarts formed the revolving studio supergroup Fuse One. Their self-titled debut was produced by Taylor, and also included Ronnie Foster, Ndugu Chancler, Clarke, Jeremy Wall, McLaughlin, Larry Coryell, Paulinho Da Costa, Lenny White, and Jorge Dalto. The set charted not only in the Top Ten for Jazz, but in the Top 200 as well. He also worked with the Harris Simon Group, Don Sebesky, and McDuff. Farrell issued a pair of outings under his own name that year: the post-bop Farrell's Inferno on Jazz Ala Carte and a live fusion outing with Paul Horn entitled Jazz Gala 1980 Vol. 3.

In 1981, Farrell re-appeared with Mingus Dynasty on Live at Montreux and played on Ray Barretto's Latin jazz classic La Cuna. He also released his own Sonic Text, a post-bop outing for Les Koenig's Contemporary label, leading an all-star lineup that included Hubbard, Peter Erskine, George Cables, and Tony Dumas. The following year, the latter two and drummer John Dentz appeared on Farrell's Someday, and introduced him to their regular boss, saxophonist/clarinetist Art Pepper. Pepper enlisted Farrell's tenor for a reading of the standard "Someday My Prince Will Come" on an album called Darn That Dream. In 1983, Farrell worked the clubs in a quartet he formed with drummer Louis Hayes and appeared on albums by Patti Austin and George Benson. Fuse One issued Silk, its charting sophomore release that year.

The Joe Farrell-Louis Hayes Quartet released their debut album Vim 'n' Vigor for Timeless in 1984. He also played saxophone on the iconic international club smash by James Brown "King Heroin," and resumed his working relationship with Airto for the percussionist's album Latino / Aqui Se Puede. In 1985, Farrell was diagnosed with bone cancer but refused to slow down. The year saw a reunion between Farrell, Airto, and Flora Purim. They cut the album Humble People, and a few months later released the Three-Way Mirror on Reference Recordings; the latter was co-billed to all three artists. It was Farrell's final album. On June 1, 1986, at the age of 48, Farrell passed away in the Duarte. He is revered by jazz fans as a consummate saxophonist, flutist, and technician, and by fans of funk, hip-hop, and EDM as a pioneer who sought to erase boundaries between jazz, pop, and the dancefloor.
https://www.allmusic.com/artist/joe-farrell-mn0000125160#biography

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Reseña de Thom Jurek
Outback es la segunda y mejor de las citas de Joe Farrell para el sello CTI de Creed Taylor. Grabado en un ambiente de cuarteto en 1970, con Elvin Jones, Chick Corea y el percusionista brasileño Airto Moreira, Farrell empuja el sobre no solo de su propio conceptualismo jazzístico anterior, sino también del sobre de CTI. Outback no es una cita de funk o fusión orientada comercialmente, sino un ejercicio aventurero, espacioso y de cuerda floja entre la composición abierta y la improvisación. Dicho esto, hay mucha alma en la interpretación. Cuatro composiciones, todas arregladas por Farrell, componen el álbum. La misteriosa canción principal de John Scott abre el set. Escenificado en una serie de firmas de tonalidades menores, Farrell usa principalmente vientos, flautas y piccolos, para tejer una fascinante serie de melodías ascendentes sobre las voces de acordes extendidas y contrastantes de Corea. Jones toca sus platillos mientras toca la caja y los tom-toms mucho más suavemente de lo que suele atestiguar su estilo característico. Airto se frota y brilla en la batería manual, repasa el ritmo, se sube encima y toca los acentos en conjunto con Farrell en las secciones solistas. "Sound Down" es un poco más uptempo y presenta a Farrell tocando maravillosamente con la soprano. Buster Williams establece una línea de bajo corta en staccato que mantiene bombeando el bombo de Jones. A medida que Farrell pasa del tema / variación / melodía a la improvisación, trae a Corea, quien elimina la melodía antes de ofrecer una serie de respuestas ostinati. "Bleeding Orchid" de Corea es una balada interpretada con modos aumentados e intervalos que cambian continuamente, mapeada maravillosamente por la adherencia de Williams a los cambios, con una serie de rellenos de pizzicato contrastantes. Los trinos y ejercicios arpegiáticos de Farrell combinan tanto el clasicismo del jazz como la música folclórica del Medio Oriente. En "November 68th" de Farrell, invoca la versión de John Coltrane de" My Favorite Things " mientras profundiza en el registro medio del tenor para una voz similar a una canción, interpretada con una sofisticación magníficamente blues. Los otros jugadores se reúnen a su alrededor y empujan su vuelo sónico a una intensidad casi maníaca. Outback es una maravilla, tan inspirada como cualquier cosa, y quizás más, que Farrell haya grabado.
https://www.allmusic.com/album/outback-mw0000700690


Biografía de Thom Jurek
Joe Farrell fue un multiinstrumentista de jazz estadounidense y líder de banda y acompañante de élite. Aunque tocaba prácticamente todas las cañas y vientos, sus herramientas principales eran el saxofón, la flauta y el oboe. Aunque su carrera discográfica comenzó en 1960, es mejor conocido como miembro fundador del regreso original de Chick Corea a Forever en 1970, y por las siete fechas que dirigió para CTI, incluido Joe Farrell Quartet de 1970, Moon Germs de 1973 y Canned Funk de 1975. Farrell apareció en docenas de discos de pop, R & B y rock de artistas como Laura Nyro y James Brown. También trabajó extensamente con Elvin Jones de 1968 a 1975, mientras tocaba en innumerables sesiones y hacía giras con otros, y dirigía sus propios grupos. Después de CTI, Farrell lanzó dos álbumes para Warner Bros.: la salida de jazz latino La Catedral y El Toro y exercise in disco y smooth jazz Night Dancing de 1978. Farrell regresó al jazz directo con Skate Board Park de 1979 para Xanadu. Sonic Text de 1981 fue elogiado por su contundente post-bop. Su último álbum fue Three-Way Mirror de 1985, codirigido con sus excompañeros de RTF Airto Moreira y Flora Purim. Farrell murió en 1986 a los 48 años. Su trabajo ha sido estudiado por tres generaciones sucesivas de músicos de jazz, y sus grabaciones de CTI y Warner han sido reeditadas en numerosas ocasiones y muestreadas abundantemente por DJs, hip-hop y productores electrónicos.

Farrell nació Joseph Carl Firrantello en 1937, en Chicago Heights, Illinois. De niño inició estudios musicales de flauta; a los 11 años, comenzó a tocar el clarinete; y a los 13, el saxofón. Participó en orquestas académicas y bandas a lo largo de la escuela primaria y secundaria. Farrell asistió a la Universidad de Illinois, donde comenzó su educación jazzística en serio. Trabajaba en los quioscos de bandas locales por las noches e incluso los compartía con sus héroes Johnny Griffin e Ira Sullivan.

Después de graduarse en 1959, emigró a la ciudad de Nueva York y siguió una vida como músico independiente, pero encontró trabajo casi de inmediato con la Big Band de Maynard Ferguson. Farrell hizo su debut discográfico con el líder de la banda en Newport Suite de 1960. Continuó trabajando en el estudio y en la carretera con Ferguson hasta 1965. Durante ese mandato, Farrell también trabajó con Charles Mingus, Slide Hampton, Willie Bobo, Dizzy Reece, Rufus Jones y la Big Band de Sal Salvador. En 1965, Farrell se unió al cuarteto de Jaki Byard para un par de álbumes y varias giras, y ganó un puesto en la lista de Big Band de Thad Jones-Mel Lewis. Durante este último mandato, Farrell encontró el tiempo para trabajar con una amplia gama de músicos de jazz en todo el espectro del hard bop y el soul-jazz. Las docenas de fechas discográficas que tocó entre 1966 y 1970 incluyeron salidas dirigidas por Harold Vick, Bobby Timmons, Grady Tate, Mongo Santamaría, Jimmy Smith, Herbie Hancock y, lo más importante, Elvin Jones, a cuyas bandas de gira y de estudio Farrell se unió como miembro habitual. Durante este período, el saxofonista también conoció y trabajó con el pionero del jazz brasileño Hermeto Paschoal (quien le presentó a futuros colaboradores Airto Moreira y Flora Purim), Andrew Hill (Dance with Death) y Chick Corea Far Farrell tocó en Tones de 1968 para Juan's Bones.

1970 resultó ser un año fatídico para Farrell y, una década después de su llegada a Nueva York, consolidó su lugar como acompañante de primer nivel. Tocó en grabaciones de Jones, Antonio Carlos Jobim, Johnny Hodges, Mose Allison y Laura Nyro. Ese año, Farrell firmó con el sello emergente CTI de Creed Taylor y editó el Cuarteto Joe Farrell (también conocido como Song of the Wind). Sus acompañantes en la cita incluyeron a Corea, John McLaughlin, Jack DeJohnette y Dave Holland. El set disfrutó de críticas abrumadoramente positivas y estableció a Farrell como cabeza de cartel en las escenas de clubes de Nueva York y Los Ángeles.

Aunque Farrell seguía siendo un miembro activo del cuarteto de Jones, también tocaba en multitud de sesiones. Solo en 1971, tocó en álbumes de The Rascals, the Band, Roberta Flack y Gap Mangione. Jugó un papel clave en el legendario álbum gratuito de Airto, y grabó su propio conjunto de líderes de segundo año para CTI titulado Outback, con Jones, Corea, Airto y el bajista Buster Williams. Al año siguiente, Farrell se unió a Airto, Flora y al bajista Stanley Clarke en el incipiente Return to Forever de Corea, cuyo debut homónimo apareció en ECM con abundantes elogios de la crítica, sólidas ventas y la lista de jazz. Es la flauta de Farrell en "Spain" del pianista lo que impulsó la reputación de la melodía; la canción ahora se considera universalmente un estándar de jazz.

1973 resultó ser uno de los años más ocupados y exitosos de Farrell. Trabajó en docenas de grabaciones, incluida Hey Now Hey (The Other Side of the Sky) de Aretha Franklin y Abandoned Luncheonette de Hall & Oates (ese es su saxo en el sencillo inmortal "She's Gone"). También tocó en el clásico de fusión Spectrum de Billy Cobham, Giant Box de Don Sebesky, Welcome de Santana y el álbum comercial innovador de Return to Forever, Light as a Feather, con el guitarrista Bill Connors como anexo a la alineación. Farrell también emitió su tercera salida de líder aclamado, Moon Germs, respaldado por Clarke, Hancock y DeJohnette. En 1974, además de tocar en docenas de sesiones de estudio y de gira, Farrell lanzó dos álbumes de éxito para CTI: Upon This Rock y Penny Arcade. Ese año, sus cuernos y vientos adornaron álbumes de Hancock, Blue Mitchell, Stanley Turrentine, Jack McDuff y Jones, por nombrar pocos.

Farrell cortó el Funk Enlatado de gráficos para CTI en 1975. Además de continuar su trabajo con Jones, tocó en más sesiones para Flack y Franklin, y trabajó con el cuarteto en vivo de Corea y con Buddy Rich. Farrell también apareció en dos álbumes verdaderamente clásicos ese año: el tomo de jazz-funk de Mike Longo 900 Shades of the Blues y Parliament's Mothership Connection, que cambió el juego the la sección de vientos también incluyó a Maceo Parker, Fred Wesley y los Brecker Brothers. En 1976, Farrell aprovechó su considerable reputación como acompañante. Fue contratado para trabajar con el guitarrista Grant Green, para grabar sesiones con Nyro y los Bee Gees, y codirigió Benson & Farrell con el guitarrista George Benson para CTI. El saxofonista volvió a trabajar en el estudio y en la carretera con Ferguson y grabó su álbum Primal Scream. Farrell también tocó en álbumes de Corea (The Leprechaun), McDuff (Sophisticated Funk) y Fania All-Stars (Rhythm Machine).

En 1977, Farrell se mudó a Los Ángeles y firmó con Warner Bros. Su debut La Catedral y El Toro, fue producido, arreglado y dirigido por William Eaton. La gran oferta grupal contó con secciones de trompas y cuerdas de estrellas en una banda que incluía a los Brecker Brothers, Eric Gale, Ralph MacDonald, Steve Gadd, Ronnie Cuber, Anthony Jackson y Richard Tee. Enmarcada en compases latinos y formas modales adornadas con exuberantes gráficos, es diferente a cualquier otra fecha en el catálogo de Farrell, y algunos la consideran una compañera moderna de los Bocetos de España de Miles Davis y Gil Evans. Ese mismo año, el saxofonista trabajó con Return to Forever en varias salidas en vivo y en estudio (incluida Musicmagic), así como con Lalo Schifrin y the CTI All-Stars. En 1978, Farrell dio un giro radical y lanzó la salida disco-smooth jazz fusion, Night Dancing. Ridiculizado por los críticos de jazz por sus connotaciones deliberadamente comerciales, el set fue acogido, sin embargo, por DJs de todo el mundo, y luego muestreado abundantemente por productores de hip-hop y electrónica. Actualmente disfruta de un lugar histórico en el catálogo de Farrell.

Mientras continuaba su relación laboral con Ferguson, Farrell permaneció arraigado en el establo de músicos de Corea. Además de las giras de RTF, contribuyó solo en 1978 al pianista/tecladista The Mad Hatter, Friends y Secret Agent. Farrell también tocó en Watermark de Art Garfunkel y Boys in the Trees de Carly Simon ese año. En 1979, se unió a la Mingus Dynasty Big Band y, además de grabar su debut Chair in the Sky, realizó una gira con el grupo por todo el mundo. Farrell también lanzó su propio Parque de tablas de Skate para Xanadu. Aunque no tuvo éxito comercial, fue celebrado por la crítica como un regreso a la forma. Ese año, Farrell también tocó en álbumes de Neil Larsen, Freddie Hubbard, Turrentine y Jeff Lorber Fusion.

En 1980, Farrell y algunos incondicionales de CTI formaron el supergrupo de estudio giratorio Fuse One. Su debut homónimo fue producido por Taylor, y también incluyó a Ronnie Foster, Ndugu Chancler, Clarke, Jeremy Wall, McLaughlin, Larry Coryell, Paulinho Da Costa, Lenny White y Jorge Dalto. El conjunto se ubicó no solo entre los Diez primeros del Jazz, sino también entre los 200 primeros. También trabajó con Harris Simon Group, Don Sebesky y McDuff. Farrell emitió un par de salidas bajo su propio nombre ese año: Farrell's Inferno on Jazz Ala Carte post-bop y una salida de fusión en vivo con Paul Horn titulada Jazz Gala 1980 Vol. 3.

En 1981, Farrell reapareció con Mingus Dynasty en Live at Montreux y tocó en el clásico de jazz latino La Cuna de Ray Barretto. También lanzó su propio Sonic Text, una salida post-bop para el sello contemporáneo de Les Koenig, liderando una alineación de estrellas que incluía a Hubbard, Peter Erskine, George Cables y Tony Dumas. Al año siguiente, los dos últimos y el baterista John Dentz aparecieron en Farrell's Someday, y le presentaron a su jefe habitual, el saxofonista/clarinetista Art Pepper. Pepper reclutó al tenor de Farrell para una lectura del estándar "Someday My Prince Will Come" en un álbum llamado Darn That Dream. En 1983, Farrell trabajó en clubes en un cuarteto que formó con el baterista Louis Hayes y apareció en álbumes de Patti Austin y George Benson. Fuse One emitió Silk, su segundo lanzamiento en las listas de éxitos ese año.

El Cuarteto Joe Farrell-Louis Hayes lanzó su álbum debut Vim ' n ' Vigor para Timeless en 1984. También tocó el saxofón en el icónico éxito internacional de James Brown "King Heroin", y reanudó su relación laboral con Airto para el álbum Latino / Aquí Se Puede del percusionista. En 1985, Farrell fue diagnosticado con cáncer de huesos, pero se negó a disminuir la velocidad. El año vio una reunión entre Farrell, Airto y Flora Purim. Editaron el álbum Humble People, y unos meses más tarde lanzaron el Three-Way Mirror en Reference Recordings; este último fue co-facturado a los tres artistas. Fue el último álbum de Farrell. El 1 de junio de 1986, a la edad de 48 años, Farrell falleció en el Duarte. Es venerado por los fanáticos del jazz como un saxofonista, flautista y técnico consumado, y por los fanáticos del funk, hip-hop y EDM como un pionero que buscó borrar los límites entre el jazz, el pop y la pista de baile.
https://www.allmusic.com/artist/joe-farrell-mn0000125160#biography

Paul Desmond • From The Hot Afternoon

All the featured performances are excellent, Paul Desmond's playing is superb, taking a little more of a back seat, but with some beautiful, memorable phrasing. Not mentioned in other reviews are three vocal tracks featuring Wanda de Sa, "To Say Goodbye", "Circles" and "Crystal Illusions". In "To Say Goodbye", she was forced by the recording schedule and low register of the instrumental part to sing well below her normal register, producing a striking and sultry version of this song, a must-have for her fans. Edu Lobo may not be Jobim, but "Crystal Illusions" is perhaps his best known work. He performs on the track and Wanda (his wife) sings it beautifully. The swirling '70s orchestation suits the song very well, the edgy chord shifts provide Paul with a challenging backdrop for his solos; this is probably my favourite version. This is an easy listening classic which is head and shoulders above others in the genre and has the power to move you with some exceptional performances by several icons of jazz and the '60s "Bossa" sound. - by Ricardo, Amazon.com

Review by Richard S. Ginell

Paul Desmond's first genuine all-Brazilian album under the Creed Taylor signature was a beauty, a collection of songs by the then-moderately known Edu Lobo and the emerging giant Milton Nascimento, then only in his early twenties. All Desmond has to do is sit back and ride the Brazilian grooves while lyrically ruminating on whatever pops into his head. It sounds so effortless -- until you try it yourself. The swirling, often gorgeous orchestral arrangements are by Don Sebesky (one CD edition mistakenly gives Claus Ogerman credit on the cover), Airto Moreira leads the samba-flavored percussion forces, and Lobo and his wife Wanda de Sah appear on three of Lobo's four songs. Lobo's "To Say Goodbye," "Circles," and "Martha and Romao" have exactly the brand of wistful sadness that Desmond could communicate so well; on the former, de Sah has to sing well below the register with which she is comfortable, and the strain is painfully obvious. Some of Nascimento's best early tunes are here, including the tense title track, the popping "Catavento," and "Canto Latino." "Catavento" inspires a particularly inventive solo from Desmond where he pulls out one of his age-old tricks, quoting "St. Thomas." This 2000 Verve "By Request" edition adds no less than six alternate takes to the package.

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Todas las actuaciones son excelentes, la interpretación de Paul Desmond es magnífica, tomando un poco más de un asiento trasero, pero con un fraseo hermoso y memorable. En otras críticas no se mencionan tres pistas vocales con Wanda de Sa, "To Say Goodbye", "Circles" y "Crystal Illusions". En "To Say Goodbye", se vio obligada por el horario de grabación y el registro bajo de la parte instrumental a cantar muy por debajo de su registro normal, produciendo una llamativa y sensual versión de esta canción, imprescindible para sus fans. Edu Lobo puede no ser Jobim, pero "Ilusiones de Cristal" es quizás su obra más conocida. Actúa en la pista y Wanda (su esposa) la canta muy bien. La orquestación de los años 70 se adapta muy bien a la canción, los cambios de acordes nerviosos proporcionan a Paul un telón de fondo desafiante para sus solos; esta es probablemente mi versión favorita. Se trata de un clásico de fácil escucha que está por encima de otros en el género y que tiene el poder de conmoverte con algunas actuaciones excepcionales de varios iconos del jazz y del sonido de la Bossa de los años 60. - por Ricardo, Amazon.com

Reseña de Richard S. Ginell

El primer álbum genuinamente brasileño de Paul Desmond bajo la firma de Creed Taylor fue una belleza, una colección de canciones del entonces moderadamente conocido Edu Lobo y del gigante emergente Milton Nascimento, entonces sólo a los veinte años. Todo lo que tiene que hacer Desmond es sentarse y correr por los surcos brasileños mientras rumia líricamente sobre lo que se le viene a la cabeza. Suena tan fácil... hasta que lo pruebes tú mismo. Los arremolinados y a menudo magníficos arreglos orquestales son de Don Sebesky (una edición en CD da crédito a Claus Ogerman en la portada), Airto Moreira lidera las fuerzas de la percusión con sabor a samba, y Lobo y su esposa Wanda de Sah aparecen en tres de las cuatro canciones de Lobo. "To Say Goodbye", de Lobo, "Circles" y "Martha and Romao" tienen exactamente la marca de tristeza melancólica que Desmond podía comunicar tan bien; en la primera, de Sah tiene que cantar muy por debajo del registro con el que se siente cómoda, y la tensión es dolorosamente obvia. Algunas de las mejores canciones tempranas de Nascimento están aquí, incluyendo el tenso tema del título, el pop "Catavento" y "Canto Latino". "Catavento" inspira un solo particularmente inventivo de Desmond donde saca uno de sus viejos trucos, citando a "St. Thomas". Esta edición 2000 de Verve "By Request" añade no menos de seis tomas alternativas al paquete.

Freddie Hubbard • Polar AC

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
Polar AC is a rather unusual CTI release, a collection of leftover tracks from different sessions put out by Creed Taylor after Freddie Hubbard had departed for Columbia. Despite its compilation nature, the results are quite enjoyable. Hubbard is in fine form throughout, and the supporting cast -- including George Benson, Hubert Laws, Ron Carter and Jack DeJohnette -- is top-notch. The arrangements by Don Sebesky and Bob James are typically lush, though the briefer, sparser "Son of Sky Dive" stands apart as the highlight, offering a more direct jazz setting without the orchestral overlay. An uneven but worthwhile set for CTI and Hubbard fans.
https://www.allmusic.com/album/polar-ac-mw0000459817

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Resena de AllMusic (por Scott Yanow):
Polar AC es una entrega bastante inusual de CTI, una coleccion de temas sobrantes de diferentes sesiones publicada por Creed Taylor despues de que Freddie Hubbard se marchara a Columbia. A pesar de su naturaleza compilatoria, los resultados son bastante disfrutables. Hubbard esta en plena forma a lo largo del disco, y el elenco de apoyo -- incluyendo a George Benson, Hubert Laws, Ron Carter y Jack DeJohnette -- es de primer nivel. Los arreglos de Don Sebesky y Bob James son tipicamente exuberantes, aunque el mas breve y austero "Son of Sky Dive" se destaca como el punto culminante, ofreciendo un contexto jazzistico mas directo sin la cobertura orquestal. Un conjunto irregular pero que vale la pena para los fans de CTI y de Hubbard.
https://www.allmusic.com/album/polar-ac-mw0000459817

George Duke • The Aura Will Prevail

 

Review by Alex Henderson
In 1975, George Duke was dabbling in R&B vocals. But instrumental jazz-fusion was still his primary focus, and he had yet to be played extensively on any of the genres' stations. When The Aura Will Prevail came out that year, no one bought the LP for its occasional R&B vocal — the main attraction was Duke's keyboard playing. "Fools" is a melancholy soul ballad that finds him singing lead and predicts what was to come on R&B-oriented releases like Don't Let Go (1978) and Master of the Game (1979), but it isn't typical of the album on the whole. This is a fusion effort first and foremost, and Duke has plenty of room to stretch out and improvise on instrumentals that range from the insistent "Floop de Loop" to the Brazilian-influenced "Malibu" (which shouldn't be confused with the Hole/Courtney Love gem). Two of the songs were written or co-written by Frank Zappa: the fusion instrumental "Echidna's Arf" and the gospel-minded soul item "Uncle Remus" (another tune that gives Duke a chance to sing lead). Without question, The Aura Will Prevail is among this artist's finest fusion-oriented albums.
https://www.allmusic.com/album/the-aura-will-prevail-mw0000901259

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Reseña de Alex Henderson
En 1975, George Duke incursionaba en las voces de R&B, pero su enfoque principal seguía siendo el jazz fusión instrumental, y aún no sonaba con frecuencia en las emisoras de ninguno de los géneros. Cuando The Aura Will Prevail apareció ese año, nadie compró el LP por sus ocasionales voces de R&B: el principal atractivo era el teclado de Duke. “Fools” es una melancólica balada soul en la que canta como solista y anticipa lo que vendría en lanzamientos más orientados al R&B como Don’t Let Go (1978) y Master of the Game (1979), pero no representa el tono general del álbum. Este es, ante todo, un trabajo de fusión, donde Duke tiene amplio espacio para explayarse e improvisar en temas instrumentales que van desde la insistente “Floop de Loop” hasta la brasileña “Malibu” (que no debe confundirse con la pieza de Hole/Courtney Love). Dos de las canciones fueron escritas o coescritas por Frank Zappa: la instrumental de fusión “Echidna’s Arf” y el soul de inspiración góspel “Uncle Remus” (otra pieza donde Duke canta como solista). Sin duda, The Aura Will Prevail se encuentra entre los mejores álbumes de fusión de este artista.
https://www.allmusic.com/album/the-aura-will-prevail-mw0000901259

VA • Bossa Jazz The Birth Of Hard Bossa, Samba Jazz And The Evolution Of Brazilian Fusion 1962-73

 

Review by John Bush
Elenco wasn't notable only for the packaging and design of its album covers -- a strident black-and-white color scheme, leavened only by occasional reds and grays. The label also produced most of the best Brazilian music of the mid-'60s, that fertile time just after the bossa craze had kicked off worldwide and before psychedelia and fascism were about to force the unlikely birth of tropicalia. This two-disc reissue of all things Elenco is a treasure for fans of Brazilian music; for the record, Bossa Jazz has a companion volume called Brazil Bossa Beat!, but the crossover between jazz and beat is liberal. Here are many, if not most, of the figures who were in the process of making Brazilian jazz one of the most potent and fertile scenes in post-bop jazz, with Airto Moreira, Eumir Deodato, Sergio Mendes, Baden Powell, João Donato, Tamba 4, and of course, Antonio Carlos Jobim. (Even the artists less familiar to those outside the Brazilian sphere, such as Zimbo Trio and Sambalanço Trio, produced top-flight work.) Soul Jazz has done many favors to Brazilian music, but this labor of love belongs near the top.

 

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Reseña de John Bush
Elenco no sólo destacó por el embalaje y el diseño de las portadas de sus discos, con una estridente combinación de colores en blanco y negro, suavizada sólo por ocasionales rojos y grises. El sello también produjo la mayor parte de la mejor música brasileña de mediados de los años 60, esa época fértil justo después de que la moda de la bossa se desatara en todo el mundo y antes de que la psicodelia y el fascismo estuvieran a punto de forzar el improbable nacimiento de la tropicalia. Esta reedición de dos discos de Elenco es un tesoro para los aficionados a la música brasileña; que conste que el Bossa Jazz tiene un volumen complementario llamado Brazil Bossa Beat, pero el cruce entre el jazz y el beat es liberal. Aquí están muchas, si no la mayoría, de las figuras que estuvieron en el proceso de hacer del jazz brasileño una de las escenas más potentes y fértiles del jazz post-bop, con Airto Moreira, Eumir Deodato, Sergio Mendes, Baden Powell, João Donato, Tamba 4 y, por supuesto, Antonio Carlos Jobim. (Incluso los artistas menos conocidos para los que no pertenecen al ámbito brasileño, como Zimbo Trio y Sambalanço Trio, produjeron trabajos de primera categoría). El Soul Jazz ha hecho muchos favores a la música brasileña, pero este trabajo de amor pertenece a la cima.

Paul Desmond • Summertime

 

Review by Richard S. Ginell
In the midst of lolling away his time in semi-retirement after the Dave Brubeck Quartet broke up in 1967, Paul Desmond allowed himself to be lured back into the recording studio by producer Creed Taylor, who knew exactly what to do with his idle, but by no means spent, alto player. The result is a beautifully produced, eclectic album of music that revives Desmond's "bossa antigua" idea and sends it in different directions, directly toward Brazil and various Caribbean regions, as well as back to the jazzy States. "Samba With Some Barbecue" is a marvelous bossa nova treatment of Louis Armstrong's New Orleans rouser "Struttin' With Some Barbecue," whose opening bars bear an uncanny resemblance to those of "Samba de Orpheus" (which the erudite Desmond was no doubt aware of). No matter how many times you've heard "Autumn Leaves," Desmond's bossa nova treatment will give you a fresh jolt as he offhandedly tosses off the most exquisitely swinging ruminations; too bad it fades after only three minutes. In a pliable mood, Desmond even consents to record a then-new Beatles tune, "Ob-La-Di, Ob-La-Da," samba-style, quoting "Hey Jude" along the way (it's very possible that he was attracted by the main character of the lyric, a fellow named Desmond), and he makes potent music out of movie tunes like "Emily" and even the snazzy "Lady in Cement." Don Sebesky brings in some intelligently crafted arrangements for big band augmented by French horns, Herbie Hancock turns in some often brilliant solo work in several featured spots, Ron Carter is on bass, and Leo Morris and Airto Moreira alternate on drums. Never before had Desmond's alto been recorded so ravishingly -- Rudy Van Gelder's engineering gives it a new golden-mellow glow -- and the original LP had a great, sarcastic cover: gleaming icicles.

 

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Reseña de Richard S. Ginell
En medio de su tiempo de semi-retiro tras la disolución del Dave Brubeck Quartet en 1967, Paul Desmond se dejó atraer de nuevo al estudio de grabación por el productor Creed Taylor, que sabía exactamente qué hacer con su ocioso, pero en absoluto gastado, contralto. El resultado es un álbum ecléctico y bellamente producido que revive la idea de la "bossa antigua" de Desmond y la envía en diferentes direcciones, directamente hacia Brasil y varias regiones del Caribe, así como de vuelta a los Estados Unidos del jazz. "Samba With Some Barbecue" es una maravillosa versión bossa nova de la canción de Louis Armstrong "Struttin' With Some Barbecue", cuyos primeros compases guardan un asombroso parecido con los de la "Samba de Orpheus" (que el erudito Desmond sin duda conocía). No importa cuántas veces hayas escuchado "Autumn Leaves", el tratamiento de la bossa nova de Desmond te dará una nueva sacudida cuando lance las cavilaciones más exquisitamente oscilantes; lástima que se desvanezca después de sólo tres minutos. En un estado de ánimo flexible, Desmond incluso consiente en grabar un tema de los Beatles, "Ob-La-Di, Ob-La-Da", al estilo de la samba, citando de paso "Hey Jude" (es muy posible que se sintiera atraído por el personaje principal de la letra, un tipo llamado Desmond), y hace música potente de melodías de películas como "Emily" e incluso la elegante "Lady in Cement". Don Sebesky aporta algunos arreglos inteligentemente elaborados para la big band, aumentados por las trompas francesas, Herbie Hancock realiza un trabajo en solitario a menudo brillante en varios puntos destacados, Ron Carter está en el bajo, y Leo Morris y Airto Moreira se alternan en la batería. Nunca antes se había grabado el contralto de Desmond de forma tan maravillosa -la ingeniería de Rudy Van Gelder le da un nuevo brillo dorado- y el LP original tenía una portada genial y sarcástica: carámbanos brillantes.

Grover Washington Jr. • Side Star

 

 

One of the most popular saxophonists of all time, Grover Washington, Jr. was long the pacesetter in his field. His roots were in R&B and soul-jazz organ combos, but he also fared very well on the infrequent occasions when he played straight-ahead jazz. A highly influential player, Washington pushed himself with the spontaneity and risk-taking of a masterful jazz musician.

Grover Washington, Jr.'s, father also played saxophone and was his first influence. The younger son started playing music when he was ten, and within two years was working in clubs. He picked up experience touring with the Four Clefs from 1959-1963 and freelancing during the next two years, before spending a couple years in the Army. He moved to Philadelphia in 1967, becoming closely identified with the city from then on, and worked with several organists, including Charles Earland and Johnny Hammond Smith, recording as a sideman for the Prestige label. His biggest break occurred in 1971, when Hank Crawford could not make it to a recording date for Creed Tasylor's Kudu label; Washington was picked as his replacement, and the result was Inner City Blues, a big seller. From then on he became a major name, particularly after recording 1975's Mister Magic and Feels So Good, and later 1980's Winelight; the latter included the Bill Withers hit "Just the Two of Us."

Although some of his recordings since then found him coasting a bit, Washington usually stretched himself in concert. He developed his own personal voices on soprano, tenor, alto, and even his infrequently-used baritone. Grover Washington Jr. recorded as a leader for Kudu, Motown, Elektra, and Columbia and made notable guest appearances on dozens of records ranging from pop to straightforward jazz. He died of a sudden heart attack on December 17, 1999 while taping an appearance on CBS television's The Saturday Early Show; Washington was 56. The posthumous Aria was issued early the following year.
https://www.allmusic.com/artist/grover-washington-jr-mn0000944206/biography

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Grover Washington, Jr. fue durante mucho tiempo uno de los saxofonistas más populares de todos los tiempos. Sus raíces estaban en los combos de órgano de R&B y soul-jazz, pero también le iba muy bien en las raras ocasiones en que tocaba jazz directo. Washington, un intérprete muy influyente, se esforzaba con la espontaneidad y la asunción de riesgos de un músico de jazz magistral.

El padre de Grover Washington, Jr. también tocaba el saxofón y fue su primera influencia. El hijo menor empezó a tocar música a los diez años y en dos ya trabajaba en clubes. Adquirió experiencia en giras con los Four Clefs entre 1959 y 1963 y trabajó como freelance durante los dos años siguientes, antes de pasar un par de años en el ejército. En 1967 se trasladó a Filadelfia, ciudad con la que se identificó estrechamente desde entonces, y trabajó con varios organistas, entre ellos Charles Earland y Johnny Hammond Smith, grabando como músico de acompañamiento para el sello Prestige. Su mayor oportunidad se produjo en 1971, cuando Hank Crawford no pudo acudir a una cita de grabación para el sello Kudu de Creed Tasylor; Washington fue elegido como su sustituto, y el resultado fue Inner City Blues, un gran éxito de ventas. A partir de entonces se convirtió en un nombre importante, sobre todo después de grabar Mister Magic y Feels So Good, de 1975, y más tarde Winelight, de 1980; este último incluía el éxito de Bill Withers "Just the Two of Us".

Aunque en algunas de las grabaciones que ha realizado desde entonces se le ha visto un poco indolente, Washington suele esforzarse al máximo en los conciertos. Desarrolló sus voces personales de soprano, tenor, contralto e incluso su poco utilizado barítono. Grover Washington Jr. grabó como líder para Kudu, Motown, Elektra y Columbia e hizo notables apariciones como invitado en docenas de discos que iban desde el pop hasta el jazz más directo. Murió de un repentino ataque al corazón el 17 de diciembre de 1999 mientras grababa una aparición en el programa de televisión The Saturday Early Show de la CBS; Washington tenía 56 años. El disco póstumo Aria se publicó a principios del año siguiente.
https://www.allmusic.com/artist/grover-washington-jr-mn0000944206/biography

Stan Getz & Joao Gilberto • The Best Of Two Worlds

 

Buddy Terry • Pure Dynamite

 

An overlooked gem from the early 70s, Buddy Terry’s “Pure Dynamite” mixes post bop and fusion in a style somewhat similar to what Freddie Hubbard and Sonny Rollins were doing at the same time, but Terry also dips into some psychedelic sounds and ensemble freedom that pushes his music a little closer to Herbie Hancock’s excellent Sextet. The connection to the Sextet is furthered by the appearance of the Sextet’s Eddie Henderson and Billy Hart. Meanwhile, the new Return to Forever was also playing with post bop that bordered on the avant-garde on their first album, so its no big surprise to see RTF’s Lenny White, Airto and Stanley Clarke on here as well. The rest of this album’s all-star cast also includes Joanne Brackeen, Mtume, Woody Shaw and Kenny Barron, its hard to go wrong with a cast like that and there is certainly very little wrong with this album.

The album opens with “Quiet Afternoon”, which starts off like a mellow psychedelic fusion version of “All Blues”, before Stanley kicks the bass line into double time and the soloists unleash their fire. All through this album the soloists don’t necessarily go it alone as other players might add counter melodies or even occasional competing solos. This busy complicated texture is pushed further with occasional tape echo and a rich tapestry of percussion and sound effects. The early 70s was a very creative time in music and this album is very much a product of that culture. If you enjoy post bop that borders on fusion and the avant-garde, you will not be disappointed by this one. Buddy Terry certainly deserves way more recognition than he has received.

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Pure Dynamite" de Buddy Terry, una joya olvidada de principios de los 70, mezcla post bop y fusión en un estilo similar al que Freddie Hubbard y Sonny Rollins hacían al mismo tiempo, pero Terry también se sumerge en algunos sonidos psicodélicos y libertad de conjunto que acercan su música un poco más al excelente Sextet de Herbie Hancock. La conexión con el Sextet se ve reforzada por la aparición de Eddie Henderson y Billy Hart. Mientras tanto, el nuevo Return to Forever también jugaba con el post bop que rozaba la vanguardia en su primer álbum, por lo que no es una gran sorpresa ver a Lenny White, Airto y Stanley Clarke de RTF aquí también. El resto del elenco de estrellas de este álbum también incluye a Joanne Brackeen, Mtume, Woody Shaw y Kenny Barron, es difícil equivocarse con un elenco así y ciertamente hay muy pocas cosas malas en este álbum.

El álbum se abre con "Quiet Afternoon", que comienza como una suave versión de fusión psicodélica de "All Blues", antes de que Stanley ponga la línea de bajo en doble tiempo y los solistas desaten su fuego. A lo largo de este álbum, los solistas no van necesariamente solos, ya que otros músicos pueden añadir contra-melodías o incluso solos que compiten ocasionalmente. Esta complicada y ajetreada textura se amplía con ecos de cinta ocasionales y un rico tapiz de percusión y efectos sonoros. Los primeros años 70 fueron una época muy creativa en la música y este álbum es en gran medida un producto de esa cultura. Si te gusta el post bop que roza la fusión y la vanguardia, éste no te decepcionará. Buddy Terry merece mucho más reconocimiento del que ha recibido.

Al Di Meola • Cielo E Terra

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Al Di Meola • Soaring Through A Dream

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Lonnie Smith • Mama Wailer

Review by Thom Jurek

Dr. Lonnie Smith's Mama Wailer is one of the quintessential sides issued by Creed Taylor's CTI/Kudu imprint. Out of print for decades on LP, in 2003 it became available again in Japan as a beautifully remastered CD -- as part of King's ambitious reissue project of all things Kudu. Uncharacteristically, Smith played clavinet as well as organ on this set, and arranged all but one track. The rest of the band was comprised of Billy Cobham, Ron Carter, Chuck Rainey, Grover Washington, Jr., Airto, Jimmy Ponder, George Davis, and others. There are only four cuts on Mama Wailer, the title and "Hola Muneca" were written by Smith, the others are covers of pop tunes from the era: Carole King's "I Feel the Earth Move," and Sly Stone's "Stand" -- the latter takes up all of Side Two. Smith's keyboard playing -- particularly on the clavinet, is dirty, greasy, and way-gone funky. He rides Latin grooves on "Hola Muneca," and his B3 collides with the basses and Cobham's dancing, inverted backbeat groove. This is what Latin soul is all about when it meets jazz. The improvisations are in the pocket, but, at the same time, off the page. Here is where boogaloo and hard bop meet headlong. On the King tune, soul-jazz reigns supreme as the B3 administers groove therapy to the rhythm challenge. Elsewhere, as on "Stand," (arranged by Washington), Smith's overdubbed B3s create a wondrously complex harmonic melody as the band moves in behind the beat. A few minutes in (it's almost 20 minutes in length), the ensemble picks up the tempo, and falls into the groove pocket from which all things are possible improvisationally. Two-and-a-half minutes into the tune, the jam unfolds, a soul-jazz deep funky grit that streams and sweats call-and-response lines from one player to the next. For anyone who's ever had reservations about Washington's ability to cut loose as an improviser, they need only to give this track a listen and then apologize to his ghost. As guitars weave in and around the slinky, deep-groove basslines, Smith and Washington trade fours, and then Ponder turns his guitar into an overdrive machine to match Smith line for line, interweaving and intercutting before the whole mutha lifts off at eight-minutes-thirty-seconds and into a James Brown and His Famous Flames riot of soulful funky badness that nonetheless allows for Washington to solo outside on the edges of an over-amped rhythm section. Whew!

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Revisión por Thom Jurek
Mama Wailer, del Dr. Lonnie Smith, es una de las partes por excelencia del sello CTI / Kudu de Creed Taylor. Fuera de impresión durante décadas en LP, en 2003 volvió a estar disponible en Japón como un CD hermosamente remasterizado, como parte del ambicioso proyecto de reedición de King de todo lo relacionado con Kudu. Extrañamente, Smith tocó tanto el clavinet como el órgano en este set, y organizó todas las pistas menos una. El resto de la banda estaba compuesto por Billy Cobham, Ron Carter, Chuck Rainey, Grover Washington, Jr., Airto, Jimmy Ponder, George Davis y otros. Solo hay cuatro cortes en Mama Wailer, el título y "Hola Muneca" fueron escritos por Smith, los otros son covers de canciones pop de la época: "I Feel the Earth Move" de Carole King y "Stand" de Sly Stone - el último ocupa todo el lado dos. La ejecución del teclado de Smith, en particular en el clavinet, es sucia, grasienta, y funky. Él monta ritmos latinos en "Hola Muneca", y su B3 choca con los bajos y el baile de Cobham, ritmo de ritmo invertido. De esto se trata el alma latina cuando se encuentra con el jazz. Las improvisaciones están en el bolsillo, pero, al mismo tiempo, fuera de la página. Aquí es donde el boogaloo y el hard bop se encuentran de frente. En la melodía de King, el soul-jazz reina supremo a medida que el B3 administra la terapia de ritmo al desafío del ritmo. En otra parte, como en "Stand" (arreglado por Washington), los B3s doblados de Smith crean una melodía armónica maravillosamente compleja cuando la banda se mueve detrás del ritmo. A los pocos minutos (casi 20 minutos de duración), el conjunto recoge el ritmo y cae en el bolsillo de la ranura desde el cual todo es posible de manera improvisada. A dos minutos y medio de la melodía, el atasco se despliega, una profunda melodía funky de soul-jazz que transmite y suda líneas de respuesta y respuesta de un jugador a otro. Para cualquiera que haya tenido reservas acerca de la capacidad de Washington para liberarse como improvisador, solo tienen que escuchar esta canción y luego disculparse con su fantasma. Mientras las guitarras tejen en torno a las líneas de bajo slinky, surco surco, Smith y Washington intercambian cuatro, y luego Ponder convierte su guitarra en una máquina de sobremarcha para que coincida línea por línea con Smith, entretejiéndose e intercalando antes de que el mutha se levante a los ocho minutos. - Treinta segundos y en un motín de maldad funky y funky de James Brown y Sus Llamas Famosas que, sin embargo, le permite a Washington salir a solas en los bordes de una sección de ritmo demasiado amplificada. ¡Uf! 

www.drlonniesmith.com ...

Stan Getz • Capitan Marvel

 

Review
by Thom Jurek  
One of the more remarkable aspects of Stan Getz's 1972 masterpiece is just how organic he was able to keep the sound. The band surrounding Getz on this Columbia date was led by Chick Corea with his Return to Forever (electric) bassist Stanley Clarke, drummer Tony Williams, and Brazilian master percussionist Airto. With the exception of Clarke, all the rest had played with Miles Davis in his then-experimental electric bands. Corea's Return to Forever was just getting itself off the fusion ground, while Williams had been with John McLaughlin and Larry Young in Lifetime on top of his experience with Davis. But make no mistake, this is a Stan Getz record, his gorgeous tenor tone furiously and fluidly playing through all of Corea's difficult changes on Corea's Latin carnival jam, "La Fiesta," and shapeshifting his way through mode changes on "Five Hundred Miles High." The nucleus for the bedrock of Return to Forever was in the Getz laboratory of extended complex harmony and a strict adherence to melodic improvisation. Billy Strayhorn's "Lush Life" is the space in which Getz teaches the band about dynamic, texture, and ambience -- he even has Clarke bowing his bass. This band, combining as it did the restlessness of electric jazz with Getz's trademark stubbornness in adhering to those principles that made modern jazz so great, made for a tension that came pouring out of the speakers with great mutual respect shining forth from every cut -- especially the steamy Latin-drenched title track. Captain Marvel is arguably the finest recording Getz made during the 1970s.
https://www.allmusic.com/album/captain-marvel-mw0000045641

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Reseña
por Thom Jurek  
Uno de los aspectos más notables de la obra maestra de Stan Getz de 1972 es lo orgánico que fue capaz de mantener el sonido. La banda que rodeaba a Getz en esta fecha de Columbia estaba liderada por Chick Corea con su Return to Forever (eléctrico), el bajista Stanley Clarke, el baterista Tony Williams y el maestro brasileño de la percusión Airto. A excepción de Clarke, todos los demás habían tocado con Miles Davis en sus entonces experimentales bandas eléctricas. El grupo Return to Forever de Corea acababa de despegar del terreno de la fusión, mientras que Williams había estado con John McLaughlin y Larry Young en Lifetime, además de su experiencia con Davis. Pero no nos equivoquemos, este es un disco de Stan Getz, con su magnífico tono de tenor tocando furiosamente y con fluidez todos los difíciles cambios de Corea en la mermelada de carnaval latina de Corea, "La Fiesta", y cambiando de forma a través de los cambios de modo en "Five Hundred Miles High". El núcleo de la base de Return to Forever estaba en el laboratorio de Getz de armonía compleja extendida y una estricta adherencia a la improvisación melódica. Lush Life" de Billy Strayhorn es el espacio en el que Getz enseña a la banda la dinámica, la textura y el ambiente; incluso hace que Clarke arquee su bajo. Esta banda, que combinaba la inquietud del jazz eléctrico con la terquedad característica de Getz para adherirse a los principios que hicieron grande al jazz moderno, creó una tensión que salía de los altavoces con un gran respeto mutuo que brillaba en cada corte, especialmente en la vaporosa canción del título. Captain Marvel es posiblemente la mejor grabación que Getz hizo durante la década de 1970.
https://www.allmusic.com/album/captain-marvel-mw0000045641

Antonio Carlos Jobim • Tide

 

 

Artist Biography

It has been said that Antonio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim was the George Gershwin of Brazil—and there is a solid ring of truth in that, for both contributed large bodies of songs to the jazz repertoire, both expanded their reach into the concert hall, and both tend to symbolize their countries in the eyes of the rest of the world. With their gracefully urbane, sensuously aching melodies and harmonies, Jobim's songs gave jazz musicians in the 1960s a quiet, strikingly original alternative to their traditional Tin Pan Alley source.

Jobim's roots were always planted firmly in jazz; the records of Gerry Mulligan, Chet Baker, Barney Kessel and other West Coast jazz musicians made an enormous impact upon him in the 1950s. But he also claimed that the French impressionist composer Claude Debussy had a decisive influence upon his harmonies, and the Brazilian samba gave his music a uniquely exotic rhythmic underpinning. As a pianist, he usually kept things simple and melodically to the point with a touch that reminds some of Claude Thornhill, but some of his records show that he could also stretch out when given room. His guitar was limited mostly to gentle strumming of the syncopated rhythms, and he sang in a modest, slightly hoarse yet often hauntingly emotional manner.

Born in the Tijuca neighborhood of Rio, Jobim originally was headed for a career as an architect. Yet by the time he turned 20, the lure of music was too powerful, and so he started playing piano in nightclubs and working in recording studios. He made his first record in 1954 backing singer Bill Farr as the leader of “Tom and His Band” (Tom was Jobim's lifelong nickname), and he first found fame in 1956 when he teamed up with poet Vinicius de Morales to provide part of the score for a play called Orfeo do Carnaval (later made into the famous film Black Orpheus). In 1958, the then-unknown Brazilian singer Joao Gilberto recorded some of Jobim's songs, which had the effect of launching the phenomenon known as bossa nova. Jobim's breakthrough outside Brazil occurred in 1962 when Stan Getz and Charlie Byrd scored a surprise hit with his tune “Desafinado”—and later that year, he and several other Brazilian musicians were invited to participate in a Carnegie Hall showcase. Fueled by Jobim's songs, the bossa nova became an international fad, and jazz musicians jumped on the bandwagon recording album after album of bossa novas until the trend ran out of commercial steam in the late '60s.

Jobim himself preferred the recording studios to touring, making several lovely albums of his music as a pianist, guitarist and singer for Verve, Warner Bros., Discovery, A&M, CTI and MCA in the '60s and '70s, and Verve again in the last decade of his life. Early on, he started collaborating with arranger/conductor Claus Ogerman, whose subtle, caressing, occasionally moody charts gave his records a haunting ambiance. When Brazilian music was in its American eclipse after the '60s, a victim of overexposure and the burgeoning rock revolution, Jobim retreated more into the background, concentrating much energy upon film and TV scores in Brazil. But by 1985, as the idea of world music and a second Brazilian wave gathered steam, Jobim started touring again with a group containing his second wife Ana Lontra, his son Paulo, daughter Elizabeth and various musician friends. At the time of his final concerts in Brazil in September 1993 and at Carnegie Hall in April 1994 (both available on Verve), Jobim at last was receiving the universal recognition he deserved, and a plethora of tribute albums and concerts followed in the wake of his sudden death in New York City of heart failure. Jobim's reputation as one of the great songwriters of the century is now secure, nowhere more so than on the jazz scene where every other set seems to contain at least one bossa nova.

Composer Antonio Carlos Jobim AKA Tom Jobim was born on January 25, 1927 in Tijuca, Rio de Janeiro, Brazil. He showed a natural curiosity towards music early on and at age 13 discovered an old piano in his parents’ school and started experimenting with sounds and notes. Although he took some private piano lessons he was for the most part self-taught. At age 20 he gave up on his original plans to become an architect and devoted himself completely to music. He started his career in 1952 playing piano in small cafes around the city. His early musical influences included the legendary composer Pixinguinha, Claude Debussy and jazz. In 1954 he cut his first record with his band called “Tom and His Band” backing the singer Bill Farr. The same year he apprenticed to arranger Radames Gnatali from whom he learned the rudiments of arranging and shifted careers and for a while and became an arranger for local singers. In 1956 he collaborated with poet and diplomat Vinicius de Moraes on an operetta entitled Orfeo do Carnaval that opened to great acclaim at the Metropolitan Opera House in Rio. The French director Marcel Camus transferred it to the big screen under the title Black Orpheus. The film was honored by the Cannes Film Festival with a Palme D’Or in 1959. His first hit was Felicidade from this operetta. The song gained immense popularity when Billy Eckstine added English lyrics to it in the late 1950s. Moraes and Jobim also teamed up on other hits including Girl from Ipanema and Agua de Beber among others. In 1958 Brazilian guitarist and vocalist Joao Gilberto released a record of Jobim songs that marked the beginning of the bossa nova phenomenon. 1962 marked an important change in Jobim’s career when he broke out into the world scene after Stan Getz popularized his tune “Desafinado”. He and his colleagues were invited to perform at Carnegie Hall and the popularity of the bossa nova took off. From 1962 till the end of the 60s various jazz musicians recorded multitude of bossa nova albums. Jobim himself, in addition to becoming one of the most recorded composers, cut several albums for a variety of labels often in collaboration with Claus Ogerman. The 1970s and 80s marked a time of low popularity for jazz and for Brazilian music due to the rock explosion. Jobim returned to Brazil and worked on TV and film scores. By 1985 though bossa nova and Brazilian music experienced a renaissance and Jobim started touring again performing up to few months before his death in New York City of heart failure on December 8 1994.

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Biografía del artista

Se ha dicho que Antonio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim era el George Gershwin de Brasil, y hay un sólido anillo de verdad en que, dado que ambos contribuyeron con grandes cantidades de canciones al repertorio de jazz, ambos ampliaron su alcance a la sala de conciertos y ambos tienden a simbolizar a sus países a los ojos del resto del mundo. Con sus melodías y armonías grácilmente urbanas y sensualmente dolorosas, las canciones de Jobim dieron a los músicos de jazz de los años sesenta una alternativa silenciosa y sorprendentemente original a su fuente tradicional de Tin Pan Alley.

Las raíces de Jobim siempre estuvieron firmemente arraigadas en el jazz; los discos de Gerry Mulligan, Chet Baker, Barney Kessel y otros músicos de jazz de la costa oeste le causaron un enorme impacto en la década de 1950. Pero también afirmó que el compositor impresionista francés Claude Debussy tuvo una influencia decisiva en sus armonías, y que la samba brasileña le dio a su música una base rítmica excepcionalmente exótica. Como pianista, solía mantener las cosas simples y melódicas hasta el punto con un toque que recuerda a Claude Thornhill, pero algunos de sus discos muestran que también podía estirarse cuando se le daba espacio. Su guitarra se limitaba sobre todo a un suave rasgueo de los ritmos sincopados, y cantaba de una manera modesta, ligeramente ronca, pero a menudo de una manera inquietantemente emocional.

Nacido en el barrio de Tijuca, en Río de Janeiro, Jobim comenzó su carrera como arquitecto. Sin embargo, cuando cumplió 20 años, la atracción de la música era demasiado poderosa, así que empezó a tocar el piano en clubes nocturnos y a trabajar en estudios de grabación. Hizo su primer disco en 1954 con el cantante Bill Farr como líder de "Tom and His Band" (Tom era el apodo de toda la vida de Jobim), y encontró fama en 1956 cuando se asoció con el poeta Vinicius de Morales para formar parte de la partitura de una obra de teatro llamada Orfeo do Carnaval (que más tarde se convertiría en la famosa película Black Orpheus). En 1958, el entonces desconocido cantante brasileño Joao Gilberto grabó algunas de las canciones de Jobim, lo que tuvo el efecto de lanzar el fenómeno conocido como bossa nova. El gran avance de Jobim fuera de Brasil ocurrió en 1962 cuando Stan Getz y Charlie Byrd lograron un éxito sorprendente con su canción "Desafinado", y más tarde ese mismo año, él y varios otros músicos brasileños fueron invitados a participar en un concierto en el Carnegie Hall. Impulsado por las canciones de Jobim, la bossa nova se convirtió en una moda internacional, y los músicos de jazz se subieron al carro de la grabación álbum tras álbum de bossa novas hasta que la tendencia se agotó a finales de los años sesenta.

Jobim mismo prefirió los estudios de grabación a las giras, haciendo varios álbumes de su música como pianista, guitarrista y cantante para Verve, Warner Bros., Discovery, A&M, CTI y MCA en los'60s y'70s, y Verve nuevamente en la última década de su vida. Desde el principio, comenzó a colaborar con el arreglista y director de orquesta Claus Ogerman, cuyos sutiles, acariciantes y ocasionalmente malhumorados gráficos le dieron a sus discos un ambiente inolvidable. Cuando la música brasileña estaba en su eclipse americano después de los años 60, víctima de la sobreexposición y de la floreciente revolución del rock, Jobim se retiró más a un segundo plano, concentrando mucha energía en las partituras de cine y televisión en Brasil. Pero en 1985, cuando la idea de la música del mundo y una segunda ola brasileña se intensificó, Jobim comenzó a viajar de nuevo con un grupo que incluía a su segunda esposa Ana Lontra, su hijo Paulo, su hija Elizabeth y varios amigos músicos. En el momento de sus últimos conciertos en Brasil en septiembre de 1993 y en el Carnegie Hall en abril de 1994 (ambos disponibles en Verve), Jobim recibía por fin el reconocimiento universal que se merecía, y una plétora de álbumes homenaje y conciertos le siguieron tras su repentina muerte en la ciudad de Nueva York a causa de una insuficiencia cardíaca. La reputación de Jobim como uno de los grandes compositores del siglo ya está asegurada, sobre todo en la escena del jazz, donde cada uno de los otros conjuntos parece contener al menos una bossa nova.

El compositor Antonio Carlos Jobim alias Tom Jobim nació el 25 de enero de 1927 en Tijuca, Río de Janeiro, Brasil. Mostró una curiosidad natural por la música desde muy joven y a los 13 años descubrió un viejo piano en la escuela de sus padres y comenzó a experimentar con sonidos y notas. Aunque tomó algunas clases privadas de piano, era en su mayor parte autodidacta. A los 20 años abandonó sus planes originales de convertirse en arquitecto y se dedicó por completo a la música. Comenzó su carrera en 1952 tocando el piano en pequeños cafés de la ciudad. Sus primeras influencias musicales incluyeron al legendario compositor Pixinguinha, Claude Debussy y el jazz. En 1954 grabó su primer disco con su banda "Tom and His Band" con el apoyo del cantante Bill Farr. Ese mismo año fue aprendiz del arreglista Radames Gnatali, de quien aprendió los rudimentos del arreglo y cambió de carrera y durante un tiempo se convirtió en arreglista de cantantes locales. En 1956 colaboró con el poeta y diplomático Vinicius de Moraes en una opereta titulada Orfeo do Carnaval que fue muy aclamada en el Metropolitan Opera House de Río. El director francés Marcel Camus lo transfirió a la gran pantalla bajo el título Black Orpheus. La película fue galardonada por el Festival de Cannes con una Palma de Oro en 1959. Su primer éxito fue Felicidade de esta opereta. La canción ganó inmensa popularidad cuando Billy Eckstine le agregó letras en inglés a finales de la década de 1950. Moraes y Jobim también se unieron en otros éxitos como Girl from Ipanema y Agua de Beber entre otros. En 1958 el guitarrista y vocalista brasileño Joao Gilberto lanzó un disco de canciones de Jobim que marcó el inicio del fenómeno de la bossa nova. 1962 marcó un cambio importante en la carrera de Jobim cuando irrumpió en la escena mundial después de que Stan Getz popularizara su melodía "Desafinado". Él y sus colegas fueron invitados a actuar en el Carnegie Hall y la popularidad de la bossa nova despegó. Desde 1962 hasta finales de los años 60 varios músicos de jazz grabaron multitud de discos de bossa nova. El propio Jobim, además de convertirse en uno de los compositores más grabados, grabó varios álbumes para diversos sellos, a menudo en colaboración con Claus Ogerman. Los años 70 y 80 marcaron una época de baja popularidad para el jazz y la música brasileña debido a la explosión del rock. Jobim regresó a Brasil y trabajó en partituras de televisión y cine. En 1985, aunque la bossa nova y la música brasileña experimentaron un renacimiento y Jobim comenzó a tocar de nuevo hasta unos meses antes de su muerte en la ciudad de Nueva York por un fallo cardíaco el 8 de diciembre de 1994.

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