To a certain extent, retro-swing is always at its best in a live
setting, whether it's in a packed club or a concert hall. There it's
possible to get swept in the energy of a performance, feeding off the
performance of the band and the vibe of the crowd. During the live show,
it's all about having a good time, and it's possible not to care about
whether the music is derivative if the attitude is smirky and if the
musicians are more flash than skilled. And that's why even if
retro-swing makes for a good live experience, it doesn't necessarily
make for a great live album, because it can fall apart under the
scrutiny of a close listen, as Big Bad Voodoo Daddy's 2004 double-disc
Live illustrates. Containing one 17-track CD and one 17-track DVD, it
captures a full set from May 15, 2003. Live finds the band in solid
form, running through songs from their three albums. On-stage, they're a
little looser than they are in the studio, which means to a certain
extent they come across a little bit better, since they sound livelier,
but at home, the listener is as removed from the band as he would be
with a studio platter. The kinetic energy of the live show falls away,
and it reveals that while the musicians can pull of their big-band
pastiche they have limited chops as musicians and that their persona is
too silly and kitschy to play outside of their fan base. Those fans,
however, will likely enjoy this disc since it's crisply produced and
professionally performed -- plus, the DVD has a 5.1 Sound mix and a
15-minute documentary chronicling their "Early Years," complete with
lots of home video footage -- but this is strictly a release for the
fans and the fans alone.
Hasta cierto punto, el retro-swing es siempre el mejor en un escenario
en vivo, ya sea en un club lleno o en una sala de conciertos. Allí es
posible dejarse llevar por la energía de una actuación, alimentándose de
la actuación de la banda y de la vibración de la multitud. Durante el
show en vivo, se trata de pasar un buen rato, y es posible no
preocuparse de si la música es derivada si la actitud es sonriente y si
los músicos son más brillantes que hábiles. Y es por eso que incluso si
el retro-swing es una buena experiencia en vivo, no necesariamente es un
gran álbum en vivo, porque puede desmoronarse bajo el escrutinio de una
escucha atenta, como ilustra el doble disco Live 2004 de Big Bad Voodoo
Daddy. Contiene un CD de 17 pistas y un DVD de 17 pistas, captura un
conjunto completo desde el 15 de mayo de 2003. Live encuentra a la banda
en forma sólida, repasando las canciones de sus tres álbumes. En el
escenario, son un poco más flojos que en el estudio, lo que significa
que hasta cierto punto se encuentran un poco mejor, ya que suenan más
animados, pero en casa, el oyente está tan alejado de la banda como lo
estaría con una bandeja de estudio. La energía cinética del espectáculo
en vivo se desvanece, y revela que mientras los músicos pueden tirar de
su pastiche de big-band, tienen pocas posibilidades como músicos y que
su personalidad es demasiado tonta y kitsch para tocar fuera de su base
de fans. Sin embargo, es probable que esos fans disfruten de este disco,
ya que ha sido producido de forma nítida y ejecutado profesionalmente -
además, el DVD tiene una mezcla de sonido 5.1 y un documental de 15
minutos de duración en el que se hace una crónica de sus "Primeros
años", con muchas imágenes de vídeo casero -, pero esto es estrictamente
un lanzamiento para los fans y sólo para los fans.
En Suecia también se hace blues y esta banda está a la altura de sus
similares del otro lado del atlántico, los Knock-Out Greg & Blue
Weather son blues de Chicago, mezclado con elementos de swing, jazz y
jump-blues
//////////
Sweden also makes blues and this band is on par with their counterparts on the other side of the Atlantic, the Knock-Out Greg & Blue Weather are Chicago blues, mixed with elements of swing, jazz and jump-blues.
Curtis
'King Curtis' Ousley was already a well-respected Jazz tenor
saxophonist in 1952 when he moved to New York, to concentrate on doing
session work for the growing Pop and R&B markets. Over the next
decade, saxophone became the pre-eminent lead instrument within Rhythm
& Blues/Rock n' Roll, and King Curtis became its leading exponent,
spicing up massive numbers of hits with ear catching solos, sealing his
reputation as one of the leading instrumentalists of that era. Perhaps
he'll be most remembered as blowing that solo on The Coasters 1958 smash
“Yakety Yak.”
King
Curtis was originally part of the late 40's honking Texas tenor sax
brigade, counting Arnett Cobb, Earl Bostic, and Illinois Jacquet as
influences. He played in bands of Lionel Hampton and Horace Silver. Upon
moving to New York from Fort Worth TX (his 1934 birthplace), he was
already well grounded in Jazz, R&B, and Pop. Curtis could play any
style on a moment's notice. Curtis had also pursued a highly successful
solo career, primarily in contemporary R&B. But he also stretched
out with the best Jazzmen: about half of his Prestige output circa
1960-62 he's surrounded by top line players like Jack McDuff, Billy
Butler, Billy Gale, Ray Lucas, and Willie Rodriguez. On his classic
“Soul Meeting,” the personnel includes: King Curtis (tenor saxophone);
Nat Adderly (cornet); Wynton Kelly (piano); Paul Chambers, Sam Jones
(bass); Oliver Jackson, Belton Evans (drums)
Recording
with Capitol, Epic, and Atlantic, he garnered instrumental hits like
1962's “Soul Twist,” and 1967's “Memphis Soul Stew,” . That same year he
did a successful cover of “Ode To Billie Joe.”
He
made a big impression in the late 60's, hooking up with artists like
Eric Clapton who performed on King's “Teasin'” album in 1970. The
saxophonist had meanwhile put together a superb studio group: The
Kingpins, with Richard Tee, Cornell Dupree, Jerry Jemmott and Bernard
Purdie, all of whom contributed to several of Aretha Franklin's finest
records. King Curtis topped the R&B charts in 1971, handling the sax
on Aretha Franklin's version of “Bridge Over Troubled Waters,” and
played on several tracks on John Lennon's 'Imagine' album that same
year.
When
King Curtis departed this world in 1971 -the victim of a brutal
stabbing outside his apartment- he wasn't yet 40, but was at the apex of
his career. In 2000, King Curtis was inducted into the Rock&Roll
Hall of Fame.
///////
Biografía
Curtis
'King Curtis' Ousley ya era un respetado saxofonista tenor de Jazz en
1952 cuando se mudó a Nueva York, para concentrarse en hacer trabajo de
sesión para los crecientes mercados de Pop y R&B. Durante la
siguiente década, el saxofón se convirtió en el principal instrumento
del Rhythm & Blues/Rock n' Roll, y King Curtis se convirtió en su
principal exponente, condimentando un gran número de éxitos con solos
que atrapan las orejas, sellando su reputación como uno de los
principales instrumentistas de esa época. Tal vez sea más recordado por
soplar ese solo en Los Posavasos de 1958 y aplastar "Yakety Yak".
King
Curtis fue originalmente parte de la brigada de saxos tenor de Texas a
finales de los 40, contando a Arnett Cobb, Earl Bostic e Illinois
Jacquet como influencias. Tocó en bandas de Lionel Hampton y Horace
Silver. Al mudarse a Nueva York desde Fort Worth TX (su lugar de
nacimiento en 1934), ya estaba bien arraigado en el Jazz, el R&B y
el Pop. Curtis podía tocar cualquier estilo en un momento. Curtis
también había desarrollado una exitosa carrera en solitario,
principalmente en el R&B contemporáneo. Pero también se extendió con
los mejores Jazzmen: alrededor de la mitad de su producción de Prestige
alrededor de 1960-62 está rodeado de jugadores de primera línea como
Jack McDuff, Billy Butler, Billy Gale, Ray Lucas, y Willie Rodríguez. En
su clásico "Soul Meeting", el personal incluye: King Curtis (saxo
tenor); Nat Adderly (corneta); Wynton Kelly (piano); Paul Chambers, Sam
Jones (bajo); Oliver Jackson, Belton Evans (batería)
Grabando
con Capitol, Epic y Atlantic, obtuvo éxitos instrumentales como "Soul
Twist" de 1962 y "Memphis Soul Stew" de 1967. Ese mismo año hizo una
exitosa portada de "Oda a Billie Joe".
Causó
una gran impresión a finales de los 60's, uniéndose a artistas como
Eric Clapton, quien actuó en el álbum "Teasin'" de King en 1970.
Mientras tanto, el saxofonista había formado un magnífico grupo de
estudio: The Kingpins, con Richard Tee, Cornell Dupree, Jerry Jemmott y
Bernard Purdie, todos los cuales contribuyeron a varios de los mejores
discos de Aretha Franklin. King Curtis encabezó las listas de éxitos de
R&B en 1971, manejando el saxo en la versión de "Bridge Over
Troubled Waters" de Aretha Franklin, y tocó en varios temas del
álbum'Imagine' de John Lennon ese mismo año.
Cuando
el rey Curtis partió de este mundo en 1971 -víctima de una brutal
puñalada fuera de su apartamento- aún no tenía 40 años, pero estaba en
la cúspide de su carrera. En el año 2000, King Curtis fue admitido en el
Rock&Roll Hall of Fame
He was born in Bastrop, a suburb of Austin, Texas, and studied trumpet
in school, changing to saxophone later. As a teen he began emulating a
touring band by buying a red suit with white pants. One night in 1941 a
saxophone player did not show for a gig with the band and Houston took
his place. Between 1943 and 1946, Houston toured with King Kolax's band
through Kansas City and Chicago and throughout the Mid-West.
After World War II Houston returned to Texas, and recorded with the
pianist Amos Milburn and singer Big Joe Turner. Initially playing alto
sax, he switched to tenor in the wake of such "honking" saxophonists as
Big Jay McNeely and Paul Williams. Turner got Houston his first
recording contract on Freedom Records in 1949. Houston moved to Baton
Rouge, Louisiana and played with Betty Roche and Wynonie Harris.
Eventually, Houston formed his own band The Rockets, and moved to Los
Angeles in 1952. He scored his only two chart hit singles in 1952 with
"Worry, Worry, Worry", and "Hard Time Baby" both of which peaked at #10
on Billboard's R&B singles chart. He recorded for many record
labels, including Modern and Crown, and contributed vocals as well as
saxophone on some of his records.
Houston was based in Los Angeles throughout most of his career. He
toured and recorded with his band the Defrosterz, started by the bassist
Mark St. John, who acted as his bassist and manager almost 20 years,
plus the keyboardist Mike Malone. They toured North America and recorded
throughout the 1990s and 2000s. The band was signed to the Shattered
Records label.
Houston's musical career ended after he suffered a stroke in 2006. Joe
returned to the stage in July 2008 and performed at The Long Beach
lobster Festival. He continued to entertain until 2012 due to his
health. He died on December 28, 2015 in Long Beach, California,
following a some health issues.
Born Joseph Abraham Houston, 11 July 1926, Bastrop, Texas
Died 28 December 2015, Long Beach, California
R&B saxophonist Joe Houston was a honker. "Honking" is described in
the following terms by Wikipedia : "The honkers were known for their
raucous stage antics and expressive, exhibitionist style of playing.
They overblew their saxophones and often hit on the same note over and
over, much like a black southern preacher, until their audiences were
mesmerized." The style began in 1942 with Illinois Jacquet's solo on
Lionel Hampton's "Flying Home" (a # 3 R&B hit in 1943). Other
well-known honkers from the 1940s and 1950s were Big Jay McNeely, Hal
Singer, Lynn Hope, Wild Bill Moore, Red Prysock, Chuck Higgins and
Freddie Mitchell. Belittled by jazz fans ("honking is pure and simple
grandstanding aimed at audiences with a limited capacity to
discriminate"), these guys, as they walked the bars, fell to their
knees, lay on their backs, or led their audiences outside to the street,
pied-piper fashion. Honking was predominantly a Los Angeles phenomenon.
Houston studied trumpet in school, but soon switched to the sax. At the
age of seventeen, Joe got a steady gig playing alto sax in King Kolax's
big band out of Chicago. In 1947 he switched to the tenor sax and spent
the next year touring variously with Amos Milburn, Wynonie Harris,
Savannah Churchill and Betty Roche. By 1949 he settled in Baton Rouge,
Louisiana (with his new wife, pianist Marian McKinley) and put together a
local club band for Big Joe Turner. Their stint together led to Joe
Houston accompanying Turner to a recording session in Houston, Texas,
for the Freedom label, and while there he recorded a few sides under his
own name (resulting in two singles), as a bandleader, not a
saxophonist.
Not until late 1950 or early 1951 did Houston put himself front and
centre as a honking tenor sax man. Until the frantic "Blow Joe Blow"
(1951), recorded for the Macy label, he was strictly a blues player.
That disc set the pattern for most of his subsequent recordings.
Subtlety went out the window and Joe just let loose in the studio,
usually choosing a climactic note and wringing the hell out of it. "Blow
Joe Blow" wasn't a hit, but Jules Bihari got wind of it in Los Angeles,
purchased the master and reissued it on Modern 830 in August 1951. This
was soon followed by four other Modern singles, recorded at Joe's house
in Baton Rouge with portable equipment, but in 1952 (the year in which
Houston relocated to Los Angeles) there were also releases on Imperial,
Combo and Mercury. The latter label had purchased an earlier vocal
blues, "Worry, Worry, Worry", from the Sphinx label in Atlanta,Georgia,
and this became Houston's only chart entry, peaking at # 10 on the
R&B charts in February 1952.
But the song for which Joe Houston is best remembered is not that hit,
but "All Night Long", recorded for the Money label in 1954. It was based
on a Rusty Bryant record, but the two versions bear little resemblance
to each other. When Bryant was recorded live in 1953 at the Carolyn Club
in Columbus, Ohio, his biggest crowd-pleaser was Jimmy Forrest's "Night
Train", which led the audience into a vocal chant of "Let it roll, let
it roll, all night long", from Lucky Millinder's 1944 hit "Let It Roll".
It was originally issued on Carolyn 333 in 1953 (as "Nite Train"), then
purchased by Dot and reissued as "All Nite Long" (Dot 15134) in
February 1954. Houston heard Bryant's version, but gave it his own
interpretation, incorporating a riff from Hal Singer's "Cornbread" and
avoiding "Night Train" altogether. Joe's "All Night Long" was and is one
of the most exciting honking records ever made and was a huge
territorial seller on the West Coast. Though Houston had sold the tape
to John Dolphin's Money Records, the recording later showed up on LP's
on Modern and Combo, in 1956 and 1957 respectively.
Houston didn't have to change his style to adjust to rock 'n' roll. In
the early days of the Big Beat, when a TV or movie producer wanted to
portray a rock n roll atmosphere, we usually got to see a scene from a
nightclub where a hard blowing, honking and screaming sax player was
inevitably heard. So what Joe was playing was rock n roll avant la
lettre. All that had to be adjusted were the song titles. And when rock n
roll waned in popularity, Joe recorded "twist" and "surf" albums for
the Bihari brothers' Crown label that didn't sound very different from
what he was doing a decade before. Houston remained active musically,
but recorded only sporadically after 1963. Gradually he began to slow
down, emphasizing his blues vocal talents, but he would still close most
of his shows with "All Night Long" (although not on his back). He was
forced to retire from performing after suffering a stroke in 2005.
Recently his health took another downward turn and he has remained
secluded for the last year or so.
Houston is a discographer's nightmare. He avoided contracts and recorded
for whoever would pay cash up front. For that reason, his material came
out on over a dozen labels, often at the same time, and he was not
averse to recording essentially the same tune under different titles for
different companies. Some of Joe's recordings were released by one
company, then reissued by another, sometimes under a new title. Add to
this the fact that the Biharis (Modern, RPM, Crown) haphazardly slapped
albums together without regard to whether the track listings matched the
music inside and the confusion is complete.
///////
Biografía
Nació en Bastrop, un suburbio de Austin, Texas, y estudió trompeta en la
escuela, cambiando a saxofón más tarde. Cuando era un adolescente,
comenzó a emular una banda de gira comprando un traje rojo con
pantalones blancos. Una noche en 1941, un saxofonista no se presentó
para un concierto con la banda y Houston tomó su lugar. Entre 1943 y
1946, Houston realizó una gira con la banda de King Kolax por Kansas
City y Chicago y por todo el Medio Oeste.
Después de la Segunda Guerra Mundial, Houston regresó a Texas y grabó
con el pianista Amos Milburn y el cantante Big Joe Turner. Inicialmente,
tocando saxo alto, cambió a tenor como consecuencia de saxofonistas tan
grandes como Big Jay McNeely y Paul Williams. Turner consiguió en
Houston su primer contrato de grabación en Freedom Records en 1949.
Houston se mudó a Baton Rouge, Louisiana, y jugó con Betty Roche y
Wynonie Harris.
Finalmente, Houston formó su propia banda The Rockets, y se mudó a Los
Ángeles en 1952. Obtuvo sus dos únicos singles de éxitos en 1952 con
"Worry, Worry, Worry" y "Hard Time Baby", los cuales alcanzaron el
puesto # 10. en la lista de singles de R&B de Billboard. Grabó para
muchos sellos discográficos, incluyendo Modern and Crown, y contribuyó
con voces y saxofones en algunos de sus discos.
Houston residió en Los Ángeles durante la mayor parte de su carrera.
Realizó una gira y grabó con su banda The Defrosterz, iniciada por el
bajista Mark St. John, quien actuó como su bajista y manager durante
casi 20 años, más el tecladista Mike Malone. Hicieron una gira por
América del Norte y grabaron durante los años 90 y 2000. La banda firmó
con el sello Shattered Records.
La carrera musical de Houston terminó después de sufrir un derrame
cerebral en 2006. Joe regresó al escenario en julio de 2008 y actuó en
el Festival de la langosta de Long Beach. Continuó entreteniendo hasta
2012 debido a su salud. Murió el 28 de diciembre de 2015 en Long Beach,
California, debido a algunos problemas de salud.
Nacido Joseph Abraham Houston, 11 de julio de 1926, Bastrop, Texas.
Falleció el 28 de diciembre de 2015 en Long Beach, California
El saxofonista de R&B Joe Houston fue un honker. "Honking" se
describe en los siguientes términos en Wikipedia: "Los honkers eran
conocidos por sus ruidosas travesuras en el escenario y su expresivo
estilo de juego exhibicionista. Exageraban sus saxofones y solían tocar
la misma nota una y otra vez, como un sur negro. Predicador, hasta que
sus audiencias quedaron hipnotizadas ". El estilo comenzó en 1942 con el
solo de Illinois Jacquet en "Flying Home" de Lionel Hampton (un # 3 hit
de R&B en 1943). Otros conocidos honkers de la década de 1940 y
1950 fueron Big Jay McNeely, Hal Singer, Lynn Hope, Wild Bill Moore, Red
Prysock, Chuck Higgins y Freddie Mitchell. Despreciados por los
fanáticos del jazz ("tocar la bocina es pura y sencillamente grandiosa,
dirigida a audiencias con una capacidad limitada para discriminar"),
estos muchachos, mientras caminaban por los bares, se arrodillaron, se
tumbaron de espaldas o llevaron a sus audiencias fuera de la La calle,
la moda de pied-piper. Honking era predominantemente un fenómeno de Los
Ángeles.
Houston estudió trompeta en la escuela, pero pronto cambió al saxofón. A
la edad de diecisiete años, Joe consiguió un concierto estable tocando
saxo alto en la gran banda de King Kolax en Chicago. En 1947 cambió al
saxo tenor y pasó el año siguiente de gira con Amos Milburn, Wynonie
Harris, Savannah Churchill y Betty Roche. En 1949 se estableció en Baton
Rouge, Louisiana (con su nueva esposa, la pianista Marian McKinley) y
formó una banda de club local para Big Joe Turner. Su paso juntos llevó a
Joe Houston a acompañar a Turner a una sesión de grabación en Houston,
Texas, para el sello Freedom, y mientras estuvo allí grabó algunos lados
con su propio nombre (resultando en dos singles), como líder de banda,
no como saxofonista.
Hasta finales de 1950 o principios de 1951, Houston se puso al frente y
al centro como un hombre de saxo tenor. Hasta el frenético "Blow Joe
Blow" (1951), grabado para el sello Macy, era estrictamente un jugador
de blues. Ese disco estableció el patrón para la mayoría de sus
grabaciones posteriores. La sutileza salió por la ventana y Joe
simplemente se soltó en el estudio, generalmente escogiendo una nota
culminante y escupiéndole el infierno. "Blow Joe Blow" no fue un éxito,
pero Jules Bihari se enteró de ello en Los Ángeles, compró el maestro y
lo reeditó en Modern 830 en agosto de 1951. A esto le siguieron otros
cuatro sencillos modernos, grabados en la casa de Joe en Baton Rouge con
equipo portátil, pero en 1952 (el año en que Houston se mudó a Los
Ángeles) también hubo lanzamientos en Imperial, Combo y Mercury. La
última etiqueta había comprado un blues vocal anterior, "Worry, Worry,
Worry", de la etiqueta Sphinx en Atlanta, Georgia, y se convirtió en la
única entrada de las listas de Houston, alcanzando el puesto número 10
en las listas de R&B en febrero de 1952.
Pero la canción para la que mejor se recuerda a Joe Houston no es ese
éxito, sino "All Night Long", grabada para el sello Money en 1954. Se
basó en un disco de Rusty Bryant, pero las dos versiones se parecen poco
entre sí. Cuando Bryant fue grabado en vivo en 1953 en el Carolyn Club
en Columbus, Ohio, su mayor público fue el "Night Train" de Jimmy
Forrest, que llevó al público a un canto vocal de "Let it roll, let it
roll". ", del éxito de Lucky Millinder en 1944" Let It Roll ".
Originalmente se emitió en Carolyn 333 en 1953 (como "Nite Train"),
luego fue comprada por Dot y reeditada como "All Nite Long" (Dot 15134)
en febrero de 1954. Houston escuchó la versión de Bryant, pero le dio su
propia interpretación, incorporando un riff de "Cornbread" de Hal
Singer y evitando el "Night Train" por completo. "All Night Long" de Joe
fue y es uno de los registros de excitación más emocionantes que se
haya hecho y fue un gran vendedor territorial en la costa oeste. Aunque
Houston había vendido la cinta a Money Records de John Dolphin, la
grabación más tarde apareció en LP en Modern and Combo, en 1956 y 1957,
respectivamente.
Houston no tuvo que cambiar su estilo para adaptarse al rock 'n' roll.
En los primeros días de Big Beat, cuando un productor de cine o
televisión quería representar una atmósfera de rock and roll, solíamos
ver una escena de un club nocturno en el que inevitablemente se
escuchaba a un saxofonista. Así que lo que Joe estaba tocando era rock n
roll avant la lettre. Todo lo que había que ajustar eran los títulos de
las canciones. Y cuando el rock n roll disminuyó en popularidad, Joe
grabó los álbumes "twist" y "surf" para el sello Crown de los hermanos
Bihari que no sonaban muy diferentes de lo que estaba haciendo una
década antes. Houston se mantuvo activo musicalmente, pero grabó solo
esporádicamente después de 1963. Poco a poco comenzó a disminuir la
velocidad, enfatizando sus talentos vocales de blues, pero todavía
cerraría la mayoría de sus programas con "All Night Long" (aunque no en
su espalda). Se vio obligado a retirarse de su desempeño después de
sufrir un derrame cerebral en 2005. Recientemente, su salud dio un giro
hacia abajo y se ha mantenido aislado durante el último año.
Houston es la pesadilla de un discógrafo. Evitó los contratos y grabó
para quien pagaría en efectivo por adelantado. Por esa razón, su
material salió en más de una docena de etiquetas, a menudo al mismo
tiempo, y no era reacio a grabar esencialmente la misma melodía bajo
diferentes títulos para diferentes compañías. Algunas de las grabaciones
de Joe fueron lanzadas por una compañía, luego reeditadas por otra, a
veces bajo un nuevo título. Agregue a esto el hecho de que Biharis
(Modern, RPM, Crown) aleatoriamente juntaron álbumes sin importar si las
listas de canciones coincidían con la música interior y la confusión
está completa.
The first volume in Indigo's Rhythm & Blues Allstars series includes all-time R&B classics by Roosevelt Sykes ("The Honeydripper"), Dinah Washington ("I Know How to Do It"), Joe Liggins ("Drippers Boogie"), Amos Wilburn ("Down the Road Apiece"), T-Bone Walker ("I'm Gonna Find My Baby"), Erskine Hawkins ("After Hours"), and Ivory Joe Hunter ("We're Gonna Boogie").
H-Bomb Ferguson (May 9, 1929 – November 26, 2006) was an American jump
blues singer from Cincinnati, Ohio, United States. He was an early
pioneer of the rock and roll sound of the mid-1950s, featuring driving
rhythm, intensely shouted vocals, honking tenor saxophone solos, and
outlandish personal appearance. Ferguson sang and played piano in a
flamboyant style, wearing colorful wigs.
Born Robert Percell Ferguson in Charleston, South Carolina, United
States, he was the eleventh of twelve children. His father was a Baptist
preacher who paid for piano lessons for his son, on condition he
learned sacred melodies. But Ferguson had other ideas. "After church was
over, while the people was all standing outside talking, me and my
friends would run back inside and I'd play the blues on the
piano."[citation needed] At the age of 19, he was on the road with Joe
Liggins and the Honeydrippers. They moved to New York, where Ferguson
branched off on his own, getting a gig at the nightclub Baby Grand Club
in Harlem, billed as "The Cobra Kid." He had a recording contract with
Savoy Records from 1951 to 1952.
Ferguson retired from touring in the early 1970s, but made a number of
comebacks. Backed by the Medicine Men, he recorded his first album,
Wiggin' Out, for Chicago's Earwig Music in 1993.
He died in 2006 at the Hospice of Cincinnati, of complications from emphysema and cardiopulmonary disease, aged 77.
His early work was featured in a compilation album H-Bomb Ferguson: Big City Blues, 1951-54.
H-Bomb Ferguson (9 de mayo de 1929 - 26 de noviembre de 2006) fue un
cantante estadounidense de jump blues de Cincinnati, Ohio, Estados
Unidos. Fue uno de los primeros pioneros del rock and roll de mediados
de la década de 1950, con ritmo de conducción, voces intensamente
gritadas, solos de saxofón de tenor y apariencia personal extravagante.
Ferguson cantó y tocó el piano con un estilo extravagante, vistiendo
coloridas pelucas.
Robert Percell Ferguson, nacido en Charleston, Carolina del Sur, Estados
Unidos, fue el undécimo de doce hijos. Su padre era un predicador
bautista que pagaba lecciones de piano para su hijo, a condición de que
aprendiera melodías sagradas. Pero Ferguson tenía otras ideas. "Después
de que se terminó la iglesia, mientras la gente estaba fuera hablando,
mis amigos y yo volvíamos corriendo y yo tocaba el blues en el piano".
[Cita requerida] A la edad de 19 años, él estaba en la carretera Con Joe
Liggins y los Honeydrippers. Se mudaron a Nueva York, donde Ferguson se
ramificó por su cuenta y consiguió un concierto en el club nocturno
Baby Grand Club en Harlem, considerado "The Cobra Kid". Tenía un
contrato de grabación con Savoy Records desde 1951 hasta 1952.
Ferguson se retiró de la gira a principios de la década de 1970, pero
hizo varias remontadas. Con el respaldo de Medicine Men, grabó su primer
álbum, Wiggin 'Out, para Earwig Music de Chicago en 1993.
Falleció en 2006 en el Hospice of Cincinnati, por complicaciones de enfisema y enfermedad cardiopulmonar, de 77 años.
Sus primeros trabajos aparecieron en un álbum recopilatorio H-Bomb Ferguson: Big City Blues, 1951-54.
Texas tenorman Jesse Powell was born February 2, 1924. There is very
little biographical information about his early years, other than his
working with Hot Lips Page, Louis Armstrong, and Luis Russell. He joined
Count Basie's Band in 1946, replacing the great sax player Illinois
Jacquet, which says something about his abilities.
Powell appears on a number of blues recordings in the late 1940s with
people like Brownie McGhee, Willie Jordan, and Doc Pomus. He also worked
with Champion Jack Dupree and continued to play jazz, touring France
with Howard McGee in 1948. He played bop and recorded with Dizzy
Gillespie in 1949. During the 1950s, as bebop fell out of favor, Powell
found steady work with a variety of R&B artists.
He recorded as a leader for Federal in 1951 and 1953 and had established
himself with the Josie label by 1954, which included groups like the
Cadillacs. His R&B work included a number of singles, and studio
work with Atlantic/Atco in the late 1950s. His work can be seen on the
classic single "Mr. Lee," by the Bobbettes, where he takes the tenor
solo.
Powell was back recording jazz in the early 1960s. In 1961, he recorded
Party Time for a subsidiary of Prestige. In his later years, he worked
in Harlem and made only a few recordings.
///////
Traducción Automática:
Biografía del artista por Michael Erlewine
El teniente de Texas Jesse Powell nació el 2 de febrero de 1924. Hay muy
poca información biográfica sobre sus primeros años, aparte de su
trabajo con Hot Lips Page, Louis Armstrong y Luis Russell. Se unió a
Count Basie's Band en 1946, reemplazando al gran saxofonista Illinois
Jacquet, que dice algo acerca de sus habilidades.
Powell aparece en una serie de grabaciones de blues a finales de la
década de 1940 con personas como Brownie McGhee, Willie Jordan y Doc
Pomus. También trabajó con el campeón Jack Dupree y continuó tocando
jazz, recorriendo Francia con Howard McGee en 1948. Tocó bop y grabó con
Dizzy Gillespie en 1949. Durante la década de 1950, cuando el bebop
cayó en desgracia, Powell encontró un trabajo estable con una variedad.
de artistas del R&B.
Grabó como líder para el Federal en 1951 y 1953 y se estableció con el
sello Josie en 1954, que incluía grupos como los Cadillacs. Su trabajo
en R&B incluyó varios solteros y trabajo en estudio con Atlantic /
Atco a fines de los años cincuenta. Su trabajo se puede ver en el
clásico single "Mr. Lee", de Bobbettes, donde toma el solo de tenor.
Powell estaba de vuelta grabando jazz a principios de los sesenta. En
1961, grabó Party Time para una subsidiaria de Prestige. En sus últimos
años, trabajó en Harlem y realizó solo algunas grabaciones.
Biography by Stephen Thomas Erlewine California's Big Bad Voodoo Daddy are an old-school swing-and-jump blues outfit who first came to prominence in the '90s as one of the main progenitors of the neo-swing revival. Along with similarly-inclined neo-swing acts like Squirrel Nut Zippers and the Cherry Poppin' Daddies, Big Bad Voodoo Daddy helped to revive big-band music and popularize swing dancing for the MTV generation and beyond. As with many of their neo-swing contemporaries, BBVD concentrated on the swinging days of the '40s and '50s, borrowing some of the Rat Pack lingo in addition to the zoot suits that cloaked each bandmate. Though heavily associated with the '90s swing movement, the band has thrived on touring and continued to mature, deepening their jazz influences.
Formed by lead singer/guitarist Scotty Morris and drummer Kurt Sodergren in Los Angeles in 1989, the group built up a following with regular gigs on the local lounge circuit, playing to Gen-Xers enamored with the kitschy charm of the cocktail nation. This burgeoning lounge scene was captured in the hit 1996 indie comedy film Swingers, which featured a song by Big Bad Voodoo Daddy on the soundtrack as well as an onscreen cameo by the band. By the end of 1997, the band had self-released two albums -- Big Bad Voodoo Daddy and What'chu Want for Christmas -- which were local hits and led to a major-label contract with Capitol Records.
In February 1998, Capitol released the group's major-label debut, Americana Deluxe (also known as Big Bad Voodoo Daddy, although the album was different from the band's self-released debut). This Beautiful Life followed one year later. By the time the band came together for a follow-up, Big Bad Voodoo Daddy had sold over three million albums, performed at Super Bowl XXXIII with Stevie Wonder and Gloria Estefan, and had their music used in over 60 film and TV trailers. The swing revival had considerably died down, however, thus returning Big Bad Voodoo Daddy to their original status as an underground band.
The group's fifth album, Save My Soul, appeared in 2003, five years after their Interscope debut. Inspired by the New Orleans Jazz & Heritage Festival, Save My Soul found the band expanding its sound to include elements of the Big Easy's jazz, swamp funk, and Cajun traditions. A live CD/DVD and holiday-themed album appeared in 2004. In 2009, Big Bad Voodoo Daddy released How Big Can You Get?: The Music of Cab Calloway, which found the band digging even deeper into a hardcore jazz and swing sound. The band stuck with the more swing- and jazz-oriented approach after signing with the Savoy Jazz label and releasing Rattle Them Bones in 2012. Their third collection of Christmas music, It Feels Like Christmas Time, appeared in the fall of 2013.
Over the next several years, Big Bad Voodoo Daddy stayed busy touring and making regular appearances at festivals around the world. In 2017, they celebrated their 25th anniversary in the music business with the release of their 11th studio album Louie Louie Louie. An homage to Louis Armstrong, Louis Prima, and Louis Jordan, the album featured reworkings of many the three jazz and blues legends' most well-known tunes. https://www.allmusic.com/artist/big-bad-voodoo-daddy-mn0000053221#biography
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Biografía de Stephen Thomas Erlewine Los californianos Big Bad Voodoo Daddy son un grupo de blues swing-and-jump de la vieja escuela que saltó a la fama en los años 90 como uno de los principales progenitores del renacimiento del neo-swing. Junto con otros grupos de tendencias similares como Squirrel Nut Zippers y Cherry Poppin' Daddies, Big Bad Voodoo Daddy ayudaron a revivir la música de big band y a popularizar el baile swing entre la generación de la MTV y más allá. Al igual que muchos de sus contemporáneos del neo-swing, BBVD se centró en los días de swing de los años 40 y 50, tomando prestada parte de la jerga del Rat Pack, además de los trajes de zoot que vestían a cada uno de sus compañeros de banda. Aunque fuertemente asociada al movimiento swing de los 90, la banda ha prosperado con las giras y ha seguido madurando, profundizando en sus influencias jazzísticas.
Formado por el cantante y guitarrista Scotty Morris y el batería Kurt Sodergren en Los Ángeles en 1989, el grupo se hizo con un gran número de seguidores gracias a sus actuaciones regulares en el circuito local de salones, donde tocaban para la generación del X, enamorada del encanto kitsch del país de los cócteles. Esta floreciente escena lounge quedó reflejada en la exitosa película de comedia indie Swingers (1996), que incluía una canción de Big Bad Voodoo Daddy en la banda sonora, así como un cameo del grupo en la pantalla. A finales de 1997, el grupo había autoeditado dos álbumes, Big Bad Voodoo Daddy y What'chu Want for Christmas, que fueron éxitos locales y le valieron un contrato con Capitol Records.
En febrero de 1998, Capitol publicó el debut del grupo en un gran sello, Americana Deluxe (también conocido como Big Bad Voodoo Daddy, aunque el álbum era diferente del debut autoeditado de la banda). This Beautiful Life le siguió un año después. Cuando el grupo se reunió para la continuación, Big Bad Voodoo Daddy ya había vendido más de tres millones de discos, había actuado en la Super Bowl XXXIII con Stevie Wonder y Gloria Estefan, y su música se había utilizado en más de 60 tráilers de cine y televisión. Sin embargo, el renacimiento del swing se había apagado considerablemente, lo que devolvió a Big Bad Voodoo Daddy a su estatus original de banda underground.
El quinto álbum del grupo, Save My Soul, apareció en 2003, cinco años después de su debut en Interscope. Inspirado en el New Orleans Jazz & Heritage Festival, Save My Soul amplió el sonido del grupo para incluir elementos del jazz, el swamp funk y las tradiciones cajún de la Big Easy. En 2004 publicaron un CD/DVD en directo y un álbum navideño. En 2009, Big Bad Voodoo Daddy publicó How Big Can You Get? The Music of Cab Calloway, en el que la banda se adentraba aún más en el jazz más duro y el swing. La banda siguió con el enfoque más orientado al swing y al jazz después de firmar con el sello Savoy Jazz y publicar Rattle Them Bones en 2012. Su tercera colección de música navideña, It Feels Like Christmas Time, apareció en otoño de 2013.
Durante los años siguientes, Big Bad Voodoo Daddy se mantuvo ocupado con giras y apariciones regulares en festivales de todo el mundo. En 2017, celebraron su 25 aniversario en el negocio de la música con el lanzamiento de su undécimo álbum de estudio Louie Louie Louie. El álbum, un homenaje a Louis Armstrong, Louis Prima y Louis Jordan, incluye versiones de muchos de los temas más conocidos de estas tres leyendas del jazz y el blues. https://www.allmusic.com/artist/big-bad-voodoo-daddy-mn0000053221#biography
He was born in Bastrop, a suburb of Austin, Texas, and studied trumpet
in school, changing to saxophone later. As a teen he began emulating a
touring band by buying a red suit with white pants. One night in 1941 a
saxophone player did not show for a gig with the band and Houston took
his place. Between 1943 and 1946, Houston toured with King Kolax's band
through Kansas City and Chicago and throughout the Mid-West.
After World War II Houston returned to Texas, and recorded with the
pianist Amos Milburn and singer Big Joe Turner. Initially playing alto
sax, he switched to tenor in the wake of such "honking" saxophonists as
Big Jay McNeely and Paul Williams. Turner got Houston his first
recording contract on Freedom Records in 1949. Houston moved to Baton
Rouge, Louisiana and played with Betty Roche and Wynonie Harris.
Eventually, Houston formed his own band The Rockets, and moved to Los
Angeles in 1952. He scored his only two chart hit singles in 1952 with
"Worry, Worry, Worry", and "Hard Time Baby" both of which peaked at #10
on Billboard's R&B singles chart. He recorded for many record
labels, including Modern and Crown, and contributed vocals as well as
saxophone on some of his records.
Houston was based in Los Angeles throughout most of his career. He
toured and recorded with his band the Defrosterz, started by the bassist
Mark St. John, who acted as his bassist and manager almost 20 years,
plus the keyboardist Mike Malone. They toured North America and recorded
throughout the 1990s and 2000s. The band was signed to the Shattered
Records label.
Houston's musical career ended after he suffered a stroke in 2006. Joe
returned to the stage in July 2008 and performed at The Long Beach
lobster Festival. He continued to entertain until 2012 due to his
health. He died on December 28, 2015 in Long Beach, California,
following a some health issues.
Born Joseph Abraham Houston, 11 July 1926, Bastrop, Texas
Died 28 December 2015, Long Beach, California
R&B saxophonist Joe Houston was a honker. "Honking" is described in
the following terms by Wikipedia : "The honkers were known for their
raucous stage antics and expressive, exhibitionist style of playing.
They overblew their saxophones and often hit on the same note over and
over, much like a black southern preacher, until their audiences were
mesmerized." The style began in 1942 with Illinois Jacquet's solo on
Lionel Hampton's "Flying Home" (a # 3 R&B hit in 1943). Other
well-known honkers from the 1940s and 1950s were Big Jay McNeely, Hal
Singer, Lynn Hope, Wild Bill Moore, Red Prysock, Chuck Higgins and
Freddie Mitchell. Belittled by jazz fans ("honking is pure and simple
grandstanding aimed at audiences with a limited capacity to
discriminate"), these guys, as they walked the bars, fell to their
knees, lay on their backs, or led their audiences outside to the street,
pied-piper fashion. Honking was predominantly a Los Angeles phenomenon.
Houston studied trumpet in school, but soon switched to the sax. At the
age of seventeen, Joe got a steady gig playing alto sax in King Kolax's
big band out of Chicago. In 1947 he switched to the tenor sax and spent
the next year touring variously with Amos Milburn, Wynonie Harris,
Savannah Churchill and Betty Roche. By 1949 he settled in Baton Rouge,
Louisiana (with his new wife, pianist Marian McKinley) and put together a
local club band for Big Joe Turner. Their stint together led to Joe
Houston accompanying Turner to a recording session in Houston, Texas,
for the Freedom label, and while there he recorded a few sides under his
own name (resulting in two singles), as a bandleader, not a
saxophonist.
Not until late 1950 or early 1951 did Houston put himself front and
centre as a honking tenor sax man. Until the frantic "Blow Joe Blow"
(1951), recorded for the Macy label, he was strictly a blues player.
That disc set the pattern for most of his subsequent recordings.
Subtlety went out the window and Joe just let loose in the studio,
usually choosing a climactic note and wringing the hell out of it. "Blow
Joe Blow" wasn't a hit, but Jules Bihari got wind of it in Los Angeles,
purchased the master and reissued it on Modern 830 in August 1951. This
was soon followed by four other Modern singles, recorded at Joe's house
in Baton Rouge with portable equipment, but in 1952 (the year in which
Houston relocated to Los Angeles) there were also releases on Imperial,
Combo and Mercury. The latter label had purchased an earlier vocal
blues, "Worry, Worry, Worry", from the Sphinx label in Atlanta,Georgia,
and this became Houston's only chart entry, peaking at # 10 on the
R&B charts in February 1952.
But the song for which Joe Houston is best remembered is not that hit,
but "All Night Long", recorded for the Money label in 1954. It was based
on a Rusty Bryant record, but the two versions bear little resemblance
to each other. When Bryant was recorded live in 1953 at the Carolyn Club
in Columbus, Ohio, his biggest crowd-pleaser was Jimmy Forrest's "Night
Train", which led the audience into a vocal chant of "Let it roll, let
it roll, all night long", from Lucky Millinder's 1944 hit "Let It Roll".
It was originally issued on Carolyn 333 in 1953 (as "Nite Train"), then
purchased by Dot and reissued as "All Nite Long" (Dot 15134) in
February 1954. Houston heard Bryant's version, but gave it his own
interpretation, incorporating a riff from Hal Singer's "Cornbread" and
avoiding "Night Train" altogether. Joe's "All Night Long" was and is one
of the most exciting honking records ever made and was a huge
territorial seller on the West Coast. Though Houston had sold the tape
to John Dolphin's Money Records, the recording later showed up on LP's
on Modern and Combo, in 1956 and 1957 respectively.
Houston didn't have to change his style to adjust to rock 'n' roll. In
the early days of the Big Beat, when a TV or movie producer wanted to
portray a rock n roll atmosphere, we usually got to see a scene from a
nightclub where a hard blowing, honking and screaming sax player was
inevitably heard. So what Joe was playing was rock n roll avant la
lettre. All that had to be adjusted were the song titles. And when rock n
roll waned in popularity, Joe recorded "twist" and "surf" albums for
the Bihari brothers' Crown label that didn't sound very different from
what he was doing a decade before. Houston remained active musically,
but recorded only sporadically after 1963. Gradually he began to slow
down, emphasizing his blues vocal talents, but he would still close most
of his shows with "All Night Long" (although not on his back). He was
forced to retire from performing after suffering a stroke in 2005.
Recently his health took another downward turn and he has remained
secluded for the last year or so.
Houston is a discographer's nightmare. He avoided contracts and recorded
for whoever would pay cash up front. For that reason, his material came
out on over a dozen labels, often at the same time, and he was not
averse to recording essentially the same tune under different titles for
different companies. Some of Joe's recordings were released by one
company, then reissued by another, sometimes under a new title. Add to
this the fact that the Biharis (Modern, RPM, Crown) haphazardly slapped
albums together without regard to whether the track listings matched the
music inside and the confusion is complete.
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Biografía
Nació en Bastrop, un suburbio de Austin, Texas, y estudió trompeta en la
escuela, cambiando a saxofón más tarde. Cuando era un adolescente,
comenzó a emular una banda de gira comprando un traje rojo con
pantalones blancos. Una noche en 1941, un saxofonista no se presentó
para un concierto con la banda y Houston tomó su lugar. Entre 1943 y
1946, Houston realizó una gira con la banda de King Kolax por Kansas
City y Chicago y por todo el Medio Oeste.
Después de la Segunda Guerra Mundial, Houston regresó a Texas y grabó
con el pianista Amos Milburn y el cantante Big Joe Turner. Inicialmente,
tocando saxo alto, cambió a tenor como consecuencia de saxofonistas tan
grandes como Big Jay McNeely y Paul Williams. Turner consiguió en
Houston su primer contrato de grabación en Freedom Records en 1949.
Houston se mudó a Baton Rouge, Louisiana, y jugó con Betty Roche y
Wynonie Harris.
Finalmente, Houston formó su propia banda The Rockets, y se mudó a Los
Ángeles en 1952. Obtuvo sus dos únicos singles de éxitos en 1952 con
"Worry, Worry, Worry" y "Hard Time Baby", los cuales alcanzaron el
puesto # 10. en la lista de singles de R&B de Billboard. Grabó para
muchos sellos discográficos, incluyendo Modern and Crown, y contribuyó
con voces y saxofones en algunos de sus discos.
Houston residió en Los Ángeles durante la mayor parte de su carrera.
Realizó una gira y grabó con su banda The Defrosterz, iniciada por el
bajista Mark St. John, quien actuó como su bajista y manager durante
casi 20 años, más el tecladista Mike Malone. Hicieron una gira por
América del Norte y grabaron durante los años 90 y 2000. La banda firmó
con el sello Shattered Records.
La carrera musical de Houston terminó después de sufrir un derrame
cerebral en 2006. Joe regresó al escenario en julio de 2008 y actuó en
el Festival de la langosta de Long Beach. Continuó entreteniendo hasta
2012 debido a su salud. Murió el 28 de diciembre de 2015 en Long Beach,
California, debido a algunos problemas de salud.
Nacido Joseph Abraham Houston, 11 de julio de 1926, Bastrop, Texas.
Falleció el 28 de diciembre de 2015 en Long Beach, California
El saxofonista de R&B Joe Houston fue un honker. "Honking" se
describe en los siguientes términos en Wikipedia: "Los honkers eran
conocidos por sus ruidosas travesuras en el escenario y su expresivo
estilo de juego exhibicionista. Exageraban sus saxofones y solían tocar
la misma nota una y otra vez, como un sur negro. Predicador, hasta que
sus audiencias quedaron hipnotizadas ". El estilo comenzó en 1942 con el
solo de Illinois Jacquet en "Flying Home" de Lionel Hampton (un # 3 hit
de R&B en 1943). Otros conocidos honkers de la década de 1940 y
1950 fueron Big Jay McNeely, Hal Singer, Lynn Hope, Wild Bill Moore, Red
Prysock, Chuck Higgins y Freddie Mitchell. Despreciados por los
fanáticos del jazz ("tocar la bocina es pura y sencillamente grandiosa,
dirigida a audiencias con una capacidad limitada para discriminar"),
estos muchachos, mientras caminaban por los bares, se arrodillaron, se
tumbaron de espaldas o llevaron a sus audiencias fuera de la La calle,
la moda de pied-piper. Honking era predominantemente un fenómeno de Los
Ángeles.
Houston estudió trompeta en la escuela, pero pronto cambió al saxofón. A
la edad de diecisiete años, Joe consiguió un concierto estable tocando
saxo alto en la gran banda de King Kolax en Chicago. En 1947 cambió al
saxo tenor y pasó el año siguiente de gira con Amos Milburn, Wynonie
Harris, Savannah Churchill y Betty Roche. En 1949 se estableció en Baton
Rouge, Louisiana (con su nueva esposa, la pianista Marian McKinley) y
formó una banda de club local para Big Joe Turner. Su paso juntos llevó a
Joe Houston a acompañar a Turner a una sesión de grabación en Houston,
Texas, para el sello Freedom, y mientras estuvo allí grabó algunos lados
con su propio nombre (resultando en dos singles), como líder de banda,
no como saxofonista.
Hasta finales de 1950 o principios de 1951, Houston se puso al frente y
al centro como un hombre de saxo tenor. Hasta el frenético "Blow Joe
Blow" (1951), grabado para el sello Macy, era estrictamente un jugador
de blues. Ese disco estableció el patrón para la mayoría de sus
grabaciones posteriores. La sutileza salió por la ventana y Joe
simplemente se soltó en el estudio, generalmente escogiendo una nota
culminante y escupiéndole el infierno. "Blow Joe Blow" no fue un éxito,
pero Jules Bihari se enteró de ello en Los Ángeles, compró el maestro y
lo reeditó en Modern 830 en agosto de 1951. A esto le siguieron otros
cuatro sencillos modernos, grabados en la casa de Joe en Baton Rouge con
equipo portátil, pero en 1952 (el año en que Houston se mudó a Los
Ángeles) también hubo lanzamientos en Imperial, Combo y Mercury. La
última etiqueta había comprado un blues vocal anterior, "Worry, Worry,
Worry", de la etiqueta Sphinx en Atlanta, Georgia, y se convirtió en la
única entrada de las listas de Houston, alcanzando el puesto número 10
en las listas de R&B en febrero de 1952.
Pero la canción para la que mejor se recuerda a Joe Houston no es ese
éxito, sino "All Night Long", grabada para el sello Money en 1954. Se
basó en un disco de Rusty Bryant, pero las dos versiones se parecen poco
entre sí. Cuando Bryant fue grabado en vivo en 1953 en el Carolyn Club
en Columbus, Ohio, su mayor público fue el "Night Train" de Jimmy
Forrest, que llevó al público a un canto vocal de "Let it roll, let it
roll". ", del éxito de Lucky Millinder en 1944" Let It Roll ".
Originalmente se emitió en Carolyn 333 en 1953 (como "Nite Train"),
luego fue comprada por Dot y reeditada como "All Nite Long" (Dot 15134)
en febrero de 1954. Houston escuchó la versión de Bryant, pero le dio su
propia interpretación, incorporando un riff de "Cornbread" de Hal
Singer y evitando el "Night Train" por completo. "All Night Long" de Joe
fue y es uno de los registros de excitación más emocionantes que se
haya hecho y fue un gran vendedor territorial en la costa oeste. Aunque
Houston había vendido la cinta a Money Records de John Dolphin, la
grabación más tarde apareció en LP en Modern and Combo, en 1956 y 1957,
respectivamente.
Houston no tuvo que cambiar su estilo para adaptarse al rock 'n' roll.
En los primeros días de Big Beat, cuando un productor de cine o
televisión quería representar una atmósfera de rock and roll, solíamos
ver una escena de un club nocturno en el que inevitablemente se
escuchaba a un saxofonista. Así que lo que Joe estaba tocando era rock n
roll avant la lettre. Todo lo que había que ajustar eran los títulos de
las canciones. Y cuando el rock n roll disminuyó en popularidad, Joe
grabó los álbumes "twist" y "surf" para el sello Crown de los hermanos
Bihari que no sonaban muy diferentes de lo que estaba haciendo una
década antes. Houston se mantuvo activo musicalmente, pero grabó solo
esporádicamente después de 1963. Poco a poco comenzó a disminuir la
velocidad, enfatizando sus talentos vocales de blues, pero todavía
cerraría la mayoría de sus programas con "All Night Long" (aunque no en
su espalda). Se vio obligado a retirarse de su desempeño después de
sufrir un derrame cerebral en 2005. Recientemente, su salud dio un giro
hacia abajo y se ha mantenido aislado durante el último año.
Houston es la pesadilla de un discógrafo. Evitó los contratos y grabó
para quien pagaría en efectivo por adelantado. Por esa razón, su
material salió en más de una docena de etiquetas, a menudo al mismo
tiempo, y no era reacio a grabar esencialmente la misma melodía bajo
diferentes títulos para diferentes compañías. Algunas de las grabaciones
de Joe fueron lanzadas por una compañía, luego reeditadas por otra, a
veces bajo un nuevo título. Agregue a esto el hecho de que Biharis
(Modern, RPM, Crown) aleatoriamente juntaron álbumes sin importar si las
listas de canciones coincidían con la música interior y la confusión
está completa.
Over the last twenty years, Roger C. Wade (harp / vocals) has
established himself as an outstanding harmonica player. His powerful, as
well as, sensitive style and penetrating Blues feeling coupled with a
healthy level of virtuosity, spontaneity, humor and an energetic "stage
presence" are certain to catch your ear! The quintet describes its style
as "hip-wiggling, foot-stomping and down in the alley blues", which
translates as a real good time. This is by no means exaggerated. The
Brit is not only an excellent singer, his handling of the harmonica is
breathtaking. With hints of Rod Piazza at work, Little Roger & The
Houserockers succeed wonderfully on "Good Rockin' House Party".
En los últimos veinte años, Roger C. Wade (arpa / voz) se ha establecido
como un destacado intérprete de armónica. Su poderoso, así como,
sensible estilo y penetrante sentimiento de Blues, junto con un
saludable nivel de virtuosismo, espontaneidad, humor y una enérgica
"presencia en el escenario", ¡seguro que te llamará la atención! El
quinteto describe su estilo como "meneo de caderas, pisadas de pies y
abajo en el callejón del blues", lo que se traduce como un verdadero
buen momento. Esto no es de ninguna manera exagerado. El británico no
sólo es un excelente cantante, su manejo de la armónica es
impresionante. Con indicios de Rod Piazza en el trabajo, Little Roger
& The Houserockers tienen un gran éxito en "Good Rockin' House
Party".
Bostic's distinctive style, strong on the sax and heavy on the beat, was
quite successful in the rhythm and blues market in the 1950s. One of
the few jazz musicians of his generation with formal training, Bostic
studied composition at Xavier University in New Orleans in the early
1930s, and then spent several years performing with territory bands in
the Midwest as well as with Fate Marable, who led one of the last
Mississippi riverboat bands.
His reputation as a superb instrumentalist earned him an invitation to
come to New York City, where he played with Hot Lips Page and Lionel
Hampton. After a couple of years with Hampton, during which he became
more and more active as an arranger, Bostic left to work as a
free-lancer, writing for bands such as Jack Teagarden's and Louis Prima,
and taking occasional playing jobs. He was a regular at the legendary
sessions at Minton's nightclub, where Charlie Christian, Dizzy
Gillespie, Thelonious Monk, and others helped create what became known
as bebop, and Bostic was considered one of the hottest players on that
stage.
Then, after the war, he bucked the trends and formed his own band while
others were folding theirs. His success at first, recording for the
small label Majestic, was nothing special. But then he trimmed the group
down to a seven- piece ensemble and adapted his arrangements to
emphasize a simple melody line on sax and a strong dance beat, and
switched to the Gotham label, where he had a Top 10 R&B hit with a
cover of “Temptation.” Two years latter, Syd Nathan lured him away to
his Cincinnati-based label, King, and Bostic remained one of King's
featured artists until his death. Ironically, Bostic sold better in
white markets than black, perhaps the only black artist of who that
could be said.
Bostic went on to place four other tunes, including his most famous
single, “Flamingo,” in the R&B Top 10 list. Although he kept a core
group that included Gene Redd (later a successful R&B producer) on
vibes, the list of musicians who spent time playing for Bostic is pretty
impressive: John Coltrane, Stanley Turrentine, Blue Mitchell, Don Byas,
Cozy Cole, Tiny Grimes, Sir Charles Thompson, Jackie Byard, Benny
Golson, Richard “Groove” Holmes, and Earl Palmer, just to name a few.
Although Bostic's sound was rather strident on most of his King hits,
Art Blakey once said that, “Nobody knew more about the saxophone than
Bostic, I mean technically, and that includes Bird.”
In the late 1950s, Bostic suffered from severe heart problems and
stopped performing and recording for nearly two years. He moved to Los
Angeles and resumed performing intermittently in 1959, but he never
returned to the pace of the early 1950s. He also returned to recording,
but this time with a more laid-back kind of soul-tinged jazz. He died
after suffering a second heart attack while playing a hotel opening in
Rochester, in 1965.
Source: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/earlbostic
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Biografía del artista
El estilo distintivo de Bostic, fuerte en el saxo y pesado en el ritmo,
tuvo bastante éxito en el mercado del rhythm and blues en la década de
1950. Uno de los pocos músicos de jazz de su generación con formación
formal, Bostic estudió composición en la Universidad de Xavier en Nueva
Orleans a principios de la década de 1930, y luego pasó varios años
tocando con bandas de territorio en el Medio Oeste, así como con Fate
Marable, quien dirigió una de las últimas bandas de Mississippi
Riverboat.
Su reputación como excelente instrumentista le valió una invitación para
venir a la ciudad de Nueva York, donde tocó con Hot Lips Page y Lionel
Hampton. Después de un par de años con Hampton, durante los cuales se
volvió más y más activo como arreglista, Bostic se fue a trabajar como
free-lancer, escribiendo para bandas como Jack Teagarden's y Louis
Prima, y tomando trabajos ocasionales como músico. Era habitual en las
legendarias sesiones del club nocturno de Minton, donde Charlie
Christian, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk y otros ayudaron a crear lo
que se conoció como bebop, y Bostic era considerado uno de los jugadores
más populares en ese escenario.
Luego, después de la guerra, se resistió a las tendencias y formó su
propia banda mientras que otros doblaban la suya. Su éxito al principio,
grabar para el pequeño sello Majestic, no fue nada especial. Pero luego
redujo el grupo a un conjunto de siete piezas y adaptó sus arreglos
para enfatizar una simple línea melódica en el saxo y un fuerte ritmo de
baile, y cambió a la disquera Gotham, donde tuvo un éxito de Top 10
R&B con una portada de "Temptation". Dos años más tarde, Syd Nathan
lo llevó a su sello de Cincinnati, King, y Bostic siguió siendo uno de
los artistas destacados de King hasta su muerte. Irónicamente, Bostic
vendía mejor en los mercados blancos que en los negros, quizás el único
artista negro de quien se podría decir eso.
Bostic pasó a colocar otras cuatro canciones, incluyendo su sencillo más
famoso, "Flamingo", en la lista de los 10 mejores de R&B. Aunque
mantuvo un grupo central que incluía a Gene Redd (más tarde un exitoso
productor de R&B) en las vibraciones, la lista de músicos que
pasaron tiempo tocando para Bostic es bastante impresionante: John
Coltrane, Stanley Turrentine, Blue Mitchell, Don Byas, Cozy Cole, Tiny
Grimes, Sir Charles Thompson, Jackie Byard, Benny Golson, Richard
"Groove" Holmes y Earl Palmer, entre otros. Aunque el sonido de Bostic
era bastante estridente en la mayoría de sus éxitos de King, Art Blakey
dijo una vez: "Nadie sabía más del saxofón que Bostic, quiero decir
técnicamente, y eso incluye a Bird".
A finales de la década de 1950, Bostic sufrió graves problemas cardíacos
y dejó de tocar y grabar durante casi dos años. Se mudó a Los Ángeles y
volvió a actuar intermitentemente en 1959, pero nunca volvió al ritmo
de principios de la década de 1950. También volvió a la grabación, pero
esta vez con un jazz más relajado. Murió después de sufrir un segundo
ataque cardíaco mientras tocaba en la inauguración de un hotel en
Rochester, en 1965.
Biography by Jim O'Neal Paul
Gayten, a seminal figure in New Orleans rhythm & blues, led a
varied career in the music business as a bandleader, producer, label
owner, and one-time overseer of the West Coast operation of Chess
Records. A nephew of blues-piano legend Little Brother Montgomery,
Gayten once led one of the top bands of New Orleans, but he gave up the
performing life in 1956 to turn his attention to production and
eventually to his own California-based Pzazz label (which featured Louis
Jordan, among others). Gayten wrote Larry Darnell's 1949 classic "For
You My Love" and recorded a few Top Ten hits of his own for Regal and
DeLuxe (1947-1950), some of them with vocalist Annie Laurie. https://www.allmusic.com/artist/paul-gayten-mn0000751175#biography
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Biografía de Jim O'Neal Paul
Gayten, figura fundamental del rhythm & blues de Nueva Orleans,
desarrolló una variada carrera en el mundo de la música como director de
orquesta, productor, propietario de un sello discográfico y, en una
ocasión, supervisor de las operaciones de la costa oeste de Chess
Records. Sobrino del legendario pianista de blues Little Brother
Montgomery, Gayten dirigió en su día una de las mejores bandas de Nueva
Orleans, pero en 1956 abandonó la actuación para dedicarse a la
producción y, finalmente, a su propio sello californiano Pzazz (en el
que actuaba Louis Jordan, entre otros). Gayten compuso el clásico de
Larry Darnell de 1949 "For You My Love" y grabó algunos éxitos propios
para Regal y DeLuxe (1947-1950), algunos de ellos con la vocalista Annie
Laurie. https://www.allmusic.com/artist/paul-gayten-mn0000751175#biography
