Big Bad Voodoo Daddy • The Best Of

Biography by Stephen Thomas Erlewine
California's Big Bad Voodoo Daddy are an old-school swing-and-jump blues outfit who first came to prominence in the '90s as one of the main progenitors of the neo-swing revival. Along with similarly-inclined neo-swing acts like Squirrel Nut Zippers and the Cherry Poppin' Daddies, Big Bad Voodoo Daddy helped to revive big-band music and popularize swing dancing for the MTV generation and beyond. As with many of their neo-swing contemporaries, BBVD concentrated on the swinging days of the '40s and '50s, borrowing some of the Rat Pack lingo in addition to the zoot suits that cloaked each bandmate. Though heavily associated with the '90s swing movement, the band has thrived on touring and continued to mature, deepening their jazz influences.

Formed by lead singer/guitarist Scotty Morris and drummer Kurt Sodergren in Los Angeles in 1989, the group built up a following with regular gigs on the local lounge circuit, playing to Gen-Xers enamored with the kitschy charm of the cocktail nation. This burgeoning lounge scene was captured in the hit 1996 indie comedy film Swingers, which featured a song by Big Bad Voodoo Daddy on the soundtrack as well as an onscreen cameo by the band. By the end of 1997, the band had self-released two albums -- Big Bad Voodoo Daddy and What'chu Want for Christmas -- which were local hits and led to a major-label contract with Capitol Records.

In February 1998, Capitol released the group's major-label debut, Americana Deluxe (also known as Big Bad Voodoo Daddy, although the album was different from the band's self-released debut). This Beautiful Life followed one year later. By the time the band came together for a follow-up, Big Bad Voodoo Daddy had sold over three million albums, performed at Super Bowl XXXIII with Stevie Wonder and Gloria Estefan, and had their music used in over 60 film and TV trailers. The swing revival had considerably died down, however, thus returning Big Bad Voodoo Daddy to their original status as an underground band.

The group's fifth album, Save My Soul, appeared in 2003, five years after their Interscope debut. Inspired by the New Orleans Jazz & Heritage Festival, Save My Soul found the band expanding its sound to include elements of the Big Easy's jazz, swamp funk, and Cajun traditions. A live CD/DVD and holiday-themed album appeared in 2004. In 2009, Big Bad Voodoo Daddy released How Big Can You Get?: The Music of Cab Calloway, which found the band digging even deeper into a hardcore jazz and swing sound. The band stuck with the more swing- and jazz-oriented approach after signing with the Savoy Jazz label and releasing Rattle Them Bones in 2012. Their third collection of Christmas music, It Feels Like Christmas Time, appeared in the fall of 2013.

Over the next several years, Big Bad Voodoo Daddy stayed busy touring and making regular appearances at festivals around the world. In 2017, they celebrated their 25th anniversary in the music business with the release of their 11th studio album Louie Louie Louie. An homage to Louis Armstrong, Louis Prima, and Louis Jordan, the album featured reworkings of many the three jazz and blues legends' most well-known tunes.
https://www.allmusic.com/artist/big-bad-voodoo-daddy-mn0000053221#biography

 

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Biografía de Stephen Thomas Erlewine
Los californianos Big Bad Voodoo Daddy son un grupo de blues swing-and-jump de la vieja escuela que saltó a la fama en los años 90 como uno de los principales progenitores del renacimiento del neo-swing. Junto con otros grupos de tendencias similares como Squirrel Nut Zippers y Cherry Poppin' Daddies, Big Bad Voodoo Daddy ayudaron a revivir la música de big band y a popularizar el baile swing entre la generación de la MTV y más allá. Al igual que muchos de sus contemporáneos del neo-swing, BBVD se centró en los días de swing de los años 40 y 50, tomando prestada parte de la jerga del Rat Pack, además de los trajes de zoot que vestían a cada uno de sus compañeros de banda. Aunque fuertemente asociada al movimiento swing de los 90, la banda ha prosperado con las giras y ha seguido madurando, profundizando en sus influencias jazzísticas.

Formado por el cantante y guitarrista Scotty Morris y el batería Kurt Sodergren en Los Ángeles en 1989, el grupo se hizo con un gran número de seguidores gracias a sus actuaciones regulares en el circuito local de salones, donde tocaban para la generación del X, enamorada del encanto kitsch del país de los cócteles. Esta floreciente escena lounge quedó reflejada en la exitosa película de comedia indie Swingers (1996), que incluía una canción de Big Bad Voodoo Daddy en la banda sonora, así como un cameo del grupo en la pantalla. A finales de 1997, el grupo había autoeditado dos álbumes, Big Bad Voodoo Daddy y What'chu Want for Christmas, que fueron éxitos locales y le valieron un contrato con Capitol Records.

En febrero de 1998, Capitol publicó el debut del grupo en un gran sello, Americana Deluxe (también conocido como Big Bad Voodoo Daddy, aunque el álbum era diferente del debut autoeditado de la banda). This Beautiful Life le siguió un año después. Cuando el grupo se reunió para la continuación, Big Bad Voodoo Daddy ya había vendido más de tres millones de discos, había actuado en la Super Bowl XXXIII con Stevie Wonder y Gloria Estefan, y su música se había utilizado en más de 60 tráilers de cine y televisión. Sin embargo, el renacimiento del swing se había apagado considerablemente, lo que devolvió a Big Bad Voodoo Daddy a su estatus original de banda underground.

El quinto álbum del grupo, Save My Soul, apareció en 2003, cinco años después de su debut en Interscope. Inspirado en el New Orleans Jazz & Heritage Festival, Save My Soul amplió el sonido del grupo para incluir elementos del jazz, el swamp funk y las tradiciones cajún de la Big Easy. En 2004 publicaron un CD/DVD en directo y un álbum navideño. En 2009, Big Bad Voodoo Daddy publicó How Big Can You Get? The Music of Cab Calloway, en el que la banda se adentraba aún más en el jazz más duro y el swing. La banda siguió con el enfoque más orientado al swing y al jazz después de firmar con el sello Savoy Jazz y publicar Rattle Them Bones en 2012. Su tercera colección de música navideña, It Feels Like Christmas Time, apareció en otoño de 2013.

Durante los años siguientes, Big Bad Voodoo Daddy se mantuvo ocupado con giras y apariciones regulares en festivales de todo el mundo. En 2017, celebraron su 25 aniversario en el negocio de la música con el lanzamiento de su undécimo álbum de estudio Louie Louie Louie. El álbum, un homenaje a Louis Armstrong, Louis Prima y Louis Jordan, incluye versiones de muchos de los temas más conocidos de estas tres leyendas del jazz y el blues.
https://www.allmusic.com/artist/big-bad-voodoo-daddy-mn0000053221#biography

www.bbvd.com ...

Joe Houston • Limbo

Biography

He was born in Bastrop, a suburb of Austin, Texas, and studied trumpet in school, changing to saxophone later. As a teen he began emulating a touring band by buying a red suit with white pants. One night in 1941 a saxophone player did not show for a gig with the band and Houston took his place. Between 1943 and 1946, Houston toured with King Kolax's band through Kansas City and Chicago and throughout the Mid-West.

After World War II Houston returned to Texas, and recorded with the pianist Amos Milburn and singer Big Joe Turner. Initially playing alto sax, he switched to tenor in the wake of such "honking" saxophonists as Big Jay McNeely and Paul Williams. Turner got Houston his first recording contract on Freedom Records in 1949. Houston moved to Baton Rouge, Louisiana and played with Betty Roche and Wynonie Harris.

Eventually, Houston formed his own band The Rockets, and moved to Los Angeles in 1952. He scored his only two chart hit singles in 1952 with "Worry, Worry, Worry", and "Hard Time Baby" both of which peaked at #10 on Billboard's R&B singles chart. He recorded for many record labels, including Modern and Crown, and contributed vocals as well as saxophone on some of his records.

Houston was based in Los Angeles throughout most of his career. He toured and recorded with his band the Defrosterz, started by the bassist Mark St. John, who acted as his bassist and manager almost 20 years, plus the keyboardist Mike Malone. They toured North America and recorded throughout the 1990s and 2000s. The band was signed to the Shattered Records label.

Houston's musical career ended after he suffered a stroke in 2006. Joe returned to the stage in July 2008 and performed at The Long Beach lobster Festival. He continued to entertain until 2012 due to his health. He died on December 28, 2015 in Long Beach, California, following a some health issues.

https://en.wikipedia.org/wiki/Joe_Houston

From http://www.rockabilly.nl/references/messages/joe_houston.htm

August 2011

Born Joseph Abraham Houston, 11 July 1926, Bastrop, Texas

Died 28 December 2015, Long Beach, California

R&B saxophonist Joe Houston was a honker. "Honking" is described in the following terms by Wikipedia : "The honkers were known for their raucous stage antics and expressive, exhibitionist style of playing. They overblew their saxophones and often hit on the same note over and over, much like a black southern preacher, until their audiences were mesmerized." The style began in 1942 with Illinois Jacquet's solo on Lionel Hampton's "Flying Home" (a # 3 R&B hit in 1943). Other well-known honkers from the 1940s and 1950s were Big Jay McNeely, Hal Singer, Lynn Hope, Wild Bill Moore, Red Prysock, Chuck Higgins and Freddie Mitchell. Belittled by jazz fans ("honking is pure and simple grandstanding aimed at audiences with a limited capacity to discriminate"), these guys, as they walked the bars, fell to their knees, lay on their backs, or led their audiences outside to the street, pied-piper fashion. Honking was predominantly a Los Angeles phenomenon.

Houston studied trumpet in school, but soon switched to the sax. At the age of seventeen, Joe got a steady gig playing alto sax in King Kolax's big band out of Chicago. In 1947 he switched to the tenor sax and spent the next year touring variously with Amos Milburn, Wynonie Harris, Savannah Churchill and Betty Roche. By 1949 he settled in Baton Rouge, Louisiana (with his new wife, pianist Marian McKinley) and put together a local club band for Big Joe Turner. Their stint together led to Joe Houston accompanying Turner to a recording session in Houston, Texas, for the Freedom label, and while there he recorded a few sides under his own name (resulting in two singles), as a bandleader, not a saxophonist.

Not until late 1950 or early 1951 did Houston put himself front and centre as a honking tenor sax man. Until the frantic "Blow Joe Blow" (1951), recorded for the Macy label, he was strictly a blues player. That disc set the pattern for most of his subsequent recordings. Subtlety went out the window and Joe just let loose in the studio, usually choosing a climactic note and wringing the hell out of it. "Blow Joe Blow" wasn't a hit, but Jules Bihari got wind of it in Los Angeles, purchased the master and reissued it on Modern 830 in August 1951. This was soon followed by four other Modern singles, recorded at Joe's house in Baton Rouge with portable equipment, but in 1952 (the year in which Houston relocated to Los Angeles) there were also releases on Imperial, Combo and Mercury. The latter label had purchased an earlier vocal blues, "Worry, Worry, Worry", from the Sphinx label in Atlanta,Georgia, and this became Houston's only chart entry, peaking at # 10 on the R&B charts in February 1952.

But the song for which Joe Houston is best remembered is not that hit, but "All Night Long", recorded for the Money label in 1954. It was based on a Rusty Bryant record, but the two versions bear little resemblance to each other. When Bryant was recorded live in 1953 at the Carolyn Club in Columbus, Ohio, his biggest crowd-pleaser was Jimmy Forrest's "Night Train", which led the audience into a vocal chant of "Let it roll, let it roll, all night long", from Lucky Millinder's 1944 hit "Let It Roll". It was originally issued on Carolyn 333 in 1953 (as "Nite Train"), then purchased by Dot and reissued as "All Nite Long" (Dot 15134) in February 1954. Houston heard Bryant's version, but gave it his own interpretation, incorporating a riff from Hal Singer's "Cornbread" and avoiding "Night Train" altogether. Joe's "All Night Long" was and is one of the most exciting honking records ever made and was a huge territorial seller on the West Coast. Though Houston had sold the tape to John Dolphin's Money Records, the recording later showed up on LP's on Modern and Combo, in 1956 and 1957 respectively.

Houston didn't have to change his style to adjust to rock 'n' roll. In the early days of the Big Beat, when a TV or movie producer wanted to portray a rock n roll atmosphere, we usually got to see a scene from a nightclub where a hard blowing, honking and screaming sax player was inevitably heard. So what Joe was playing was rock n roll avant la lettre. All that had to be adjusted were the song titles. And when rock n roll waned in popularity, Joe recorded "twist" and "surf" albums for the Bihari brothers' Crown label that didn't sound very different from what he was doing a decade before. Houston remained active musically, but recorded only sporadically after 1963. Gradually he began to slow down, emphasizing his blues vocal talents, but he would still close most of his shows with "All Night Long" (although not on his back). He was forced to retire from performing after suffering a stroke in 2005. Recently his health took another downward turn and he has remained secluded for the last year or so.

Houston is a discographer's nightmare. He avoided contracts and recorded for whoever would pay cash up front. For that reason, his material came out on over a dozen labels, often at the same time, and he was not averse to recording essentially the same tune under different titles for different companies. Some of Joe's recordings were released by one company, then reissued by another, sometimes under a new title. Add to this the fact that the Biharis (Modern, RPM, Crown) haphazardly slapped albums together without regard to whether the track listings matched the music inside and the confusion is complete.

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Biografía

Nació en Bastrop, un suburbio de Austin, Texas, y estudió trompeta en la escuela, cambiando a saxofón más tarde. Cuando era un adolescente, comenzó a emular una banda de gira comprando un traje rojo con pantalones blancos. Una noche en 1941, un saxofonista no se presentó para un concierto con la banda y Houston tomó su lugar. Entre 1943 y 1946, Houston realizó una gira con la banda de King Kolax por Kansas City y Chicago y por todo el Medio Oeste.

Después de la Segunda Guerra Mundial, Houston regresó a Texas y grabó con el pianista Amos Milburn y el cantante Big Joe Turner. Inicialmente, tocando saxo alto, cambió a tenor como consecuencia de saxofonistas tan grandes como Big Jay McNeely y Paul Williams. Turner consiguió en Houston su primer contrato de grabación en Freedom Records en 1949. Houston se mudó a Baton Rouge, Louisiana, y jugó con Betty Roche y Wynonie Harris.

Finalmente, Houston formó su propia banda The Rockets, y se mudó a Los Ángeles en 1952. Obtuvo sus dos únicos singles de éxitos en 1952 con "Worry, Worry, Worry" y "Hard Time Baby", los cuales alcanzaron el puesto # 10. en la lista de singles de R&B de Billboard. Grabó para muchos sellos discográficos, incluyendo Modern and Crown, y contribuyó con voces y saxofones en algunos de sus discos.

Houston residió en Los Ángeles durante la mayor parte de su carrera. Realizó una gira y grabó con su banda The Defrosterz, iniciada por el bajista Mark St. John, quien actuó como su bajista y manager durante casi 20 años, más el tecladista Mike Malone. Hicieron una gira por América del Norte y grabaron durante los años 90 y 2000. La banda firmó con el sello Shattered Records.

La carrera musical de Houston terminó después de sufrir un derrame cerebral en 2006. Joe regresó al escenario en julio de 2008 y actuó en el Festival de la langosta de Long Beach. Continuó entreteniendo hasta 2012 debido a su salud. Murió el 28 de diciembre de 2015 en Long Beach, California, debido a algunos problemas de salud.

https://en.wikipedia.org/wiki/Joe_Houston

De http://www.rockabilly.nl/references/messages/joe_houston.htm

Agosto 2011

Nacido Joseph Abraham Houston, 11 de julio de 1926, Bastrop, Texas.

Falleció el 28 de diciembre de 2015 en Long Beach, California

El saxofonista de R&B Joe Houston fue un honker. "Honking" se describe en los siguientes términos en Wikipedia: "Los honkers eran conocidos por sus ruidosas travesuras en el escenario y su expresivo estilo de juego exhibicionista. Exageraban sus saxofones y solían tocar la misma nota una y otra vez, como un sur negro. Predicador, hasta que sus audiencias quedaron hipnotizadas ". El estilo comenzó en 1942 con el solo de Illinois Jacquet en "Flying Home" de Lionel Hampton (un # 3 hit de R&B en 1943). Otros conocidos honkers de la década de 1940 y 1950 fueron Big Jay McNeely, Hal Singer, Lynn Hope, Wild Bill Moore, Red Prysock, Chuck Higgins y Freddie Mitchell. Despreciados por los fanáticos del jazz ("tocar la bocina es pura y sencillamente grandiosa, dirigida a audiencias con una capacidad limitada para discriminar"), estos muchachos, mientras caminaban por los bares, se arrodillaron, se tumbaron de espaldas o llevaron a sus audiencias fuera de la La calle, la moda de pied-piper. Honking era predominantemente un fenómeno de Los Ángeles.

Houston estudió trompeta en la escuela, pero pronto cambió al saxofón. A la edad de diecisiete años, Joe consiguió un concierto estable tocando saxo alto en la gran banda de King Kolax en Chicago. En 1947 cambió al saxo tenor y pasó el año siguiente de gira con Amos Milburn, Wynonie Harris, Savannah Churchill y Betty Roche. En 1949 se estableció en Baton Rouge, Louisiana (con su nueva esposa, la pianista Marian McKinley) y formó una banda de club local para Big Joe Turner. Su paso juntos llevó a Joe Houston a acompañar a Turner a una sesión de grabación en Houston, Texas, para el sello Freedom, y mientras estuvo allí grabó algunos lados con su propio nombre (resultando en dos singles), como líder de banda, no como saxofonista.

Hasta finales de 1950 o principios de 1951, Houston se puso al frente y al centro como un hombre de saxo tenor. Hasta el frenético "Blow Joe Blow" (1951), grabado para el sello Macy, era estrictamente un jugador de blues. Ese disco estableció el patrón para la mayoría de sus grabaciones posteriores. La sutileza salió por la ventana y Joe simplemente se soltó en el estudio, generalmente escogiendo una nota culminante y escupiéndole el infierno. "Blow Joe Blow" no fue un éxito, pero Jules Bihari se enteró de ello en Los Ángeles, compró el maestro y lo reeditó en Modern 830 en agosto de 1951. A esto le siguieron otros cuatro sencillos modernos, grabados en la casa de Joe en Baton Rouge con equipo portátil, pero en 1952 (el año en que Houston se mudó a Los Ángeles) también hubo lanzamientos en Imperial, Combo y Mercury. La última etiqueta había comprado un blues vocal anterior, "Worry, Worry, Worry", de la etiqueta Sphinx en Atlanta, Georgia, y se convirtió en la única entrada de las listas de Houston, alcanzando el puesto número 10 en las listas de R&B en febrero de 1952.

Pero la canción para la que mejor se recuerda a Joe Houston no es ese éxito, sino "All Night Long", grabada para el sello Money en 1954. Se basó en un disco de Rusty Bryant, pero las dos versiones se parecen poco entre sí. Cuando Bryant fue grabado en vivo en 1953 en el Carolyn Club en Columbus, Ohio, su mayor público fue el "Night Train" de Jimmy Forrest, que llevó al público a un canto vocal de "Let it roll, let it roll". ", del éxito de Lucky Millinder en 1944" Let It Roll ". Originalmente se emitió en Carolyn 333 en 1953 (como "Nite Train"), luego fue comprada por Dot y reeditada como "All Nite Long" (Dot 15134) en febrero de 1954. Houston escuchó la versión de Bryant, pero le dio su propia interpretación, incorporando un riff de "Cornbread" de Hal Singer y evitando el "Night Train" por completo. "All Night Long" de Joe fue y es uno de los registros de excitación más emocionantes que se haya hecho y fue un gran vendedor territorial en la costa oeste. Aunque Houston había vendido la cinta a Money Records de John Dolphin, la grabación más tarde apareció en LP en Modern and Combo, en 1956 y 1957, respectivamente.

Houston no tuvo que cambiar su estilo para adaptarse al rock 'n' roll. En los primeros días de Big Beat, cuando un productor de cine o televisión quería representar una atmósfera de rock and roll, solíamos ver una escena de un club nocturno en el que inevitablemente se escuchaba a un saxofonista. Así que lo que Joe estaba tocando era rock n roll avant la lettre. Todo lo que había que ajustar eran los títulos de las canciones. Y cuando el rock n roll disminuyó en popularidad, Joe grabó los álbumes "twist" y "surf" para el sello Crown de los hermanos Bihari que no sonaban muy diferentes de lo que estaba haciendo una década antes. Houston se mantuvo activo musicalmente, pero grabó solo esporádicamente después de 1963. Poco a poco comenzó a disminuir la velocidad, enfatizando sus talentos vocales de blues, pero todavía cerraría la mayoría de sus programas con "All Night Long" (aunque no en su espalda). Se vio obligado a retirarse de su desempeño después de sufrir un derrame cerebral en 2005. Recientemente, su salud dio un giro hacia abajo y se ha mantenido aislado durante el último año.

Houston es la pesadilla de un discógrafo. Evitó los contratos y grabó para quien pagaría en efectivo por adelantado. Por esa razón, su material salió en más de una docena de etiquetas, a menudo al mismo tiempo, y no era reacio a grabar esencialmente la misma melodía bajo diferentes títulos para diferentes compañías. Algunas de las grabaciones de Joe fueron lanzadas por una compañía, luego reeditadas por otra, a veces bajo un nuevo título. Agregue a esto el hecho de que Biharis (Modern, RPM, Crown) aleatoriamente juntaron álbumes sin importar si las listas de canciones coincidían con la música interior y la confusión está completa.

 

 

 

Little Roger & The Houserockers • Good Rockin' House Party

 

Over the last twenty years, Roger C. Wade (harp / vocals) has established himself as an outstanding harmonica player. His powerful, as well as, sensitive style and penetrating Blues feeling coupled with a healthy level of virtuosity, spontaneity, humor and an energetic "stage presence" are certain to catch your ear! The quintet describes its style as "hip-wiggling, foot-stomping and down in the alley blues", which translates as a real good time. This is by no means exaggerated. The Brit is not only an excellent singer, his handling of the harmonica is breathtaking. With hints of Rod Piazza at work, Little Roger & The Houserockers succeed wonderfully on "Good Rockin' House Party".

http://dwmmusic.com/little-roger-the-houserockers-good-rockin-house-party/

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En los últimos veinte años, Roger C. Wade (arpa / voz) se ha establecido como un destacado intérprete de armónica. Su poderoso, así como, sensible estilo y penetrante sentimiento de Blues, junto con un saludable nivel de virtuosismo, espontaneidad, humor y una enérgica "presencia en el escenario", ¡seguro que te llamará la atención! El quinteto describe su estilo como "meneo de caderas, pisadas de pies y abajo en el callejón del blues", lo que se traduce como un verdadero buen momento. Esto no es de ninguna manera exagerado. El británico no sólo es un excelente cantante, su manejo de la armónica es impresionante. Con indicios de Rod Piazza en el trabajo, Little Roger & The Houserockers tienen un gran éxito en "Good Rockin' House Party".

http://dwmmusic.com/little-roger-the-houserockers-good-rockin-house-party/

 

Bear Family ...

Earl Bostic • Musical Pearls By Bostic

 

 

Artist Biography

Bostic's distinctive style, strong on the sax and heavy on the beat, was quite successful in the rhythm and blues market in the 1950s. One of the few jazz musicians of his generation with formal training, Bostic studied composition at Xavier University in New Orleans in the early 1930s, and then spent several years performing with territory bands in the Midwest as well as with Fate Marable, who led one of the last Mississippi riverboat bands.

His reputation as a superb instrumentalist earned him an invitation to come to New York City, where he played with Hot Lips Page and Lionel Hampton. After a couple of years with Hampton, during which he became more and more active as an arranger, Bostic left to work as a free-lancer, writing for bands such as Jack Teagarden's and Louis Prima, and taking occasional playing jobs. He was a regular at the legendary sessions at Minton's nightclub, where Charlie Christian, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, and others helped create what became known as bebop, and Bostic was considered one of the hottest players on that stage.

Then, after the war, he bucked the trends and formed his own band while others were folding theirs. His success at first, recording for the small label Majestic, was nothing special. But then he trimmed the group down to a seven- piece ensemble and adapted his arrangements to emphasize a simple melody line on sax and a strong dance beat, and switched to the Gotham label, where he had a Top 10 R&B hit with a cover of “Temptation.” Two years latter, Syd Nathan lured him away to his Cincinnati-based label, King, and Bostic remained one of King's featured artists until his death. Ironically, Bostic sold better in white markets than black, perhaps the only black artist of who that could be said.

Bostic went on to place four other tunes, including his most famous single, “Flamingo,” in the R&B Top 10 list. Although he kept a core group that included Gene Redd (later a successful R&B producer) on vibes, the list of musicians who spent time playing for Bostic is pretty impressive: John Coltrane, Stanley Turrentine, Blue Mitchell, Don Byas, Cozy Cole, Tiny Grimes, Sir Charles Thompson, Jackie Byard, Benny Golson, Richard “Groove” Holmes, and Earl Palmer, just to name a few. Although Bostic's sound was rather strident on most of his King hits, Art Blakey once said that, “Nobody knew more about the saxophone than Bostic, I mean technically, and that includes Bird.”

In the late 1950s, Bostic suffered from severe heart problems and stopped performing and recording for nearly two years. He moved to Los Angeles and resumed performing intermittently in 1959, but he never returned to the pace of the early 1950s. He also returned to recording, but this time with a more laid-back kind of soul-tinged jazz. He died after suffering a second heart attack while playing a hotel opening in Rochester, in 1965.

Source: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/earlbostic

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Biografía del artista

El estilo distintivo de Bostic, fuerte en el saxo y pesado en el ritmo, tuvo bastante éxito en el mercado del rhythm and blues en la década de 1950. Uno de los pocos músicos de jazz de su generación con formación formal, Bostic estudió composición en la Universidad de Xavier en Nueva Orleans a principios de la década de 1930, y luego pasó varios años tocando con bandas de territorio en el Medio Oeste, así como con Fate Marable, quien dirigió una de las últimas bandas de Mississippi Riverboat.

Su reputación como excelente instrumentista le valió una invitación para venir a la ciudad de Nueva York, donde tocó con Hot Lips Page y Lionel Hampton. Después de un par de años con Hampton, durante los cuales se volvió más y más activo como arreglista, Bostic se fue a trabajar como free-lancer, escribiendo para bandas como Jack Teagarden's y Louis Prima, y tomando trabajos ocasionales como músico. Era habitual en las legendarias sesiones del club nocturno de Minton, donde Charlie Christian, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk y otros ayudaron a crear lo que se conoció como bebop, y Bostic era considerado uno de los jugadores más populares en ese escenario.

Luego, después de la guerra, se resistió a las tendencias y formó su propia banda mientras que otros doblaban la suya. Su éxito al principio, grabar para el pequeño sello Majestic, no fue nada especial. Pero luego redujo el grupo a un conjunto de siete piezas y adaptó sus arreglos para enfatizar una simple línea melódica en el saxo y un fuerte ritmo de baile, y cambió a la disquera Gotham, donde tuvo un éxito de Top 10 R&B con una portada de "Temptation". Dos años más tarde, Syd Nathan lo llevó a su sello de Cincinnati, King, y Bostic siguió siendo uno de los artistas destacados de King hasta su muerte. Irónicamente, Bostic vendía mejor en los mercados blancos que en los negros, quizás el único artista negro de quien se podría decir eso.

Bostic pasó a colocar otras cuatro canciones, incluyendo su sencillo más famoso, "Flamingo", en la lista de los 10 mejores de R&B. Aunque mantuvo un grupo central que incluía a Gene Redd (más tarde un exitoso productor de R&B) en las vibraciones, la lista de músicos que pasaron tiempo tocando para Bostic es bastante impresionante: John Coltrane, Stanley Turrentine, Blue Mitchell, Don Byas, Cozy Cole, Tiny Grimes, Sir Charles Thompson, Jackie Byard, Benny Golson, Richard "Groove" Holmes y Earl Palmer, entre otros. Aunque el sonido de Bostic era bastante estridente en la mayoría de sus éxitos de King, Art Blakey dijo una vez: "Nadie sabía más del saxofón que Bostic, quiero decir técnicamente, y eso incluye a Bird".

A finales de la década de 1950, Bostic sufrió graves problemas cardíacos y dejó de tocar y grabar durante casi dos años. Se mudó a Los Ángeles y volvió a actuar intermitentemente en 1959, pero nunca volvió al ritmo de principios de la década de 1950. También volvió a la grabación, pero esta vez con un jazz más relajado. Murió después de sufrir un segundo ataque cardíaco mientras tocaba en la inauguración de un hotel en Rochester, en 1965.

Fuente: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/earlbostic

Paul Gayten • Ain't Nothin' Happenin' - Cool Jump Blues 1947–1957

 

 

Biography by Jim O'Neal
Paul Gayten, a seminal figure in New Orleans rhythm & blues, led a varied career in the music business as a bandleader, producer, label owner, and one-time overseer of the West Coast operation of Chess Records. A nephew of blues-piano legend Little Brother Montgomery, Gayten once led one of the top bands of New Orleans, but he gave up the performing life in 1956 to turn his attention to production and eventually to his own California-based Pzazz label (which featured Louis Jordan, among others). Gayten wrote Larry Darnell's 1949 classic "For You My Love" and recorded a few Top Ten hits of his own for Regal and DeLuxe (1947-1950), some of them with vocalist Annie Laurie.
https://www.allmusic.com/artist/paul-gayten-mn0000751175#biography

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Biografía de Jim O'Neal
Paul Gayten, figura fundamental del rhythm & blues de Nueva Orleans, desarrolló una variada carrera en el mundo de la música como director de orquesta, productor, propietario de un sello discográfico y, en una ocasión, supervisor de las operaciones de la costa oeste de Chess Records. Sobrino del legendario pianista de blues Little Brother Montgomery, Gayten dirigió en su día una de las mejores bandas de Nueva Orleans, pero en 1956 abandonó la actuación para dedicarse a la producción y, finalmente, a su propio sello californiano Pzazz (en el que actuaba Louis Jordan, entre otros). Gayten compuso el clásico de Larry Darnell de 1949 "For You My Love" y grabó algunos éxitos propios para Regal y DeLuxe (1947-1950), algunos de ellos con la vocalista Annie Laurie.
https://www.allmusic.com/artist/paul-gayten-mn0000751175#biography


www.eltororecords.com/Paul Gayten  ...
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VA • Midnite Blues Party Vol. 1

 

Review by Andrew Hamilton

As the title says, this is a blues party, a midnight-to-dawn shebang with plenty of liquor, sandwiches, chicken, beer, and cigarette smoke clouding the room. Blue Bull's opening "I'm a Loser" sets the stage for a wild CD ride that will light up backyard barbecues given by the geritol set and blues lovers of all ages. The best performances are too numerous to list. These tracks will make even the musically dead rock their shoulders like robots. You may need to take a break after listening to about five of these ruthless juke joints in a row, as there is no letup from track one to track 27; even the slow-rollers are sobering and could double as wake-up calls. Few big names but plenty of big sounds. As essential as water for jump blues lovers.

https://www.allmusic.com/album/midnite-blues-party-mw0000660289

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Reseña de Andrew Hamilton

Como dice el título, se trata de una fiesta de blues, una fiesta de medianoche al amanecer con mucho licor, sándwiches, pollo, cerveza y humo de cigarrillo que nubla la habitación. La apertura de Blue Bull "I'm a Loser" prepara el escenario para un paseo salvaje en CD que iluminará las barbacoas de patio trasero ofrecidas por los amantes del geritol y del blues de todas las edades. Las mejores actuaciones son demasiado numerosas para enumerarlas. Estas pistas harán que incluso los musicalmente muertos se muevan como robots. Es posible que tenga que tomar un descanso después de escuchar alrededor de cinco de estos despiadados juke joints en una fila, ya que no hay descanso de la pista uno a la pista 27; incluso los rodillos lentos son aleccionadores y podrían doblar como llamadas de despertador. Pocos nombres grandes, pero muchos sonidos grandes. Tan esencial como el agua para los amantes del jump blues.

https://www.allmusic.com/album/midnite-blues-party-mw0000660289

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VA • Midnite Blues Party Vol. 2

 

Review by Steve Leggett

This is a wonderful collection of extremely rare blues and R&B 78s from the late '40s and early '50s, compiled and sequenced by Toronto native Eddy Brake (Eddy B.). None of these sides have ever been on CD before, and while the sound transfers exhibit the snaps, pops, crackles, and omnipresent hiss inherent to these kinds of projects, none of it is too seriously intrusive. There is a little bit of everything here, from piano boogies to small orchestra jump blues pieces, all of it exhibiting a fascinating energy and intimacy. Highlights include Chocolate Williams' piano and affecting voice on "Good Story Blues," Mike McKendrick's "Lonesome Baby Blues" (if Alex Chilton is still in his R&B phase, he should cover this song immediately), the proto-rockabilly of Bobby Prince's "Tell Me Why, Why, Why," and the spooky, cavernous organ sound that carries "Gone Are the Days" by Gayle Brown. While this release is intended mostly for archivists and collectors, the tracks here are so raw and energetic that casual listeners will no doubt connect to it as well. It definitely won't slow your party down.

https://www.allmusic.com/album/midnite-blues-party-vol-2-rare-blues-and-r-b-mw0000596380

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Reseña de Steve Leggett

Esta es una maravillosa colección de blues y R&B 78s extremadamente raros de finales de los años 40 y principios de los 50, compilados y secuenciados por Eddy Brake (Eddy B.), oriundo de Toronto. Ninguno de estos lados ha estado nunca en un CD antes, y aunque las transferencias de sonido exhiben los chasquidos, chasquidos, crujidos y silbidos omnipresentes inherentes a este tipo de proyectos, ninguno de ellos es demasiado intrusivo. Hay un poco de todo aquí, desde boogies de piano hasta pequeñas piezas de blues de salto de orquesta, todo ello mostrando una energía e intimidad fascinante. Destacan el piano y la voz conmovedora de Chocolate Williams en "Good Story Blues", "Lonesome Baby Blues" de Mike McKendrick (si Alex Chilton todavía está en su fase de R&B, debería cubrir esta canción inmediatamente), el proto-rockabilly de "Tell Me Why, Why, Why, Why," de Bobby Prince, y el espeluznante y cavernoso sonido de órgano que lleva "Gone Are the Days" de Gayle Brown. Aunque esta versión está destinada principalmente a archiveros y coleccionistas, los temas aquí son tan crudos y enérgicos que los oyentes ocasionales sin duda también se conectarán a ellos. Definitivamente no retrasará tu fiesta.

https://www.allmusic.com/album/midnite-blues-party-vol-2-rare-blues-and-r-b-mw0000596380

Roy Brown • Blues & Rhythm Series Classics [1951-1953]

Reseña por Steve Leggett

Con sus voces llenas de gospel, llenas de swismes y suspiros melismáticos, y con una predilección por las canciones de jump blues aceleradas con fuertes líneas de saxo, Roy Brown creó la plantilla para el rock & roll temprano a finales de los años 40 y principios de los 50. Esta primera entrega en el estudio cronológico de Classics Records del trabajo grabado de Brown incluye ambos lados de su raro primer single, "Deep Sea Diver" b / w "Bye Baby Bye", corte para los Gold Star Records independientes de Houston en 1947, y luego se mueve A continuación, presentará sus partes iniciales para el sello DeLuxe Records de Braun Brothers, el primero de los cuales fue el seminal "Good Rockin 'Tonight", que Wynonie Harris convirtió en un gran éxito con una versión de portada. Brown escribió casi todo su material, y las raíces nacientes del rock & roll están claramente delineadas en sus canciones. Que sea tan poco conocido por el público en general es una vergüenza, especialmente porque muchos historiadores de la música han citado "Good Rockin 'Tonight" como posiblemente el primer disco verdadero de rock & roll. Si es así, entonces aquí es donde empezó todo.

Roy Brown (Nueva Orleans, 10 de septiembre de 1925 - San Fernando (California), 25 de marzo de 1981) fue un cantante estadounidense de blues, rockabilly y rhythm and blues.

Uno de los pioneros del rock and roll a partir de su interpretación de temas como "Hip Shakin' Baby", "Good Rockin' Tonight" y "Ain't No Rockin' No More" para la compañía DeLuxe Records en 1947. La canción fue "Good Rockin' Tonight" inmediatamente versionada por artistas como Wynonie Harris, Elvis Presley, Ricky Nelson, Jerry Lee Lewis, Paul McCartney y muchos otros. El estilo de Brown, melismático y con una fuerte impronta del gospel, influyó fuertemente en cantantes como B.B. King, Bobby Bland, Elvis Presley y Little Richard, entre otros.

 

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 Review by Steve Leggett

With his gospel-inflected vocals, full of melismatic swoops and sighs, and a penchant for speeded-up jump blues songs with strong sax lines, Roy Brown created the very template for early rock & roll in the late 1940s and early '50s. This first installment in Classics Records' chronological survey of Brown's recorded work includes both sides of his rare first single, "Deep Sea Diver" b/w "Bye Baby Bye," cut for the Houston independent Gold Star Records in 1947, and then moves on to feature his initial sides for the Braun Brothers' DeLuxe Records imprint, the first of which was the seminal "Good Rockin' Tonight," which Wynonie Harris turned into a huge hit with a cover version. Brown wrote nearly all of his material, and the nascent roots of rock & roll are clearly outlined in his songs. That he is so little known to the public at large is a complete shame, particularly since many music historians have cited "Good Rockin' Tonight" as arguably the first true rock & roll record. If so, then this is where it all began.

 

The Insomniacs • At Least I´m Not With You

 

Album Notes

Seemingly out of nowhere, The Insomniacs burst onto the scene in 2007 with their debut release "Left Coast Blues," garnering the band a 2007 Muddy Award for Best Contemporary Blues Act and a 2008 Blues Music Award nomination for best new artist debut. Led by 27-year old vocalist/guitarist Vyasa Dodson, The Insomniacs now return with their sophomore effort featuring an explosive mix of infectious originals and expertly chosen covers augmented by special guests Al Blake (Hollywood Blue Flames) and Mitch Kashmar on harmonica, Joel Paterson on pedal steel guitar, and Jeff Turmes on tenor & baritone sax. The end result is an album full of wildly contagious, feel good music guaranteed to put a smile on your face!

https://store.cdbaby.com/cd/theinsomniacs2

Review by AllMusic

The Insomniacs came blazing out of the gate with a big, bold West Coast blues sound that was as much R&B as it was jump blues and swing. Portland, OR is better known for its alt rock scene, but the Insomniacs have been burning up local clubs since they launched their career in 2007. They won that year's Muddy Award for Best Contemporary Blues Act, despite their retro feel, and their first album, Left Coast Blues, was nominated for a Blues Music Award for Best Debut. They follow their impressive premiere with this platter, an even more remarkable set written and recorded in just two days. The band is tight and divides the program between obscure covers and their own high-octane originals that show them as an original force to be reckoned with. "Description Blues," the most traditional-sounding tune, is a tale of infidelity, and Vyasa Dodson's tortured vocal is full of passion and frustration. Alex Shakeri's Hammond B-3 tales an extended solo that's both jazzy and blue followed by Dodson's workout on guitar, full of bent notes, long sustains, and lightning-fast runs. "Maybe Sometime Later" is a Howlin' Wolf-style Chicago blues, a slow, swampy groove with a sly sexy lyric. "She Can Talk" tips its hat to the teenage rockers of the '50s, a portrait of a foxy chick laying waste to the male population with her dazzling chatter while Shakeri's piano drops some Jerry Lee Lewis into the mix. "20/20" is a wry take on the phrase "20/20 hindsight," a loose, shuffling lament about lost love and regret; Dodson's guitar and Shakeri's B-3 supply the fireworks. "Angry Surfer" is an unexpected side trip featuring Dodson's blend of twangy surf guitar licks and Chicago blues guitar and Shakeri's boogie-woogie piano. The rhythm section supplies a backbeat with a Latin feel to add to the complications. The instrumentals the Insomniacs lay down are just as compelling as their songs. "Root Beer Float" is a showcase for Dodson's guitar and Shakeri's piano; it's a jump blues played at a high-speed tempo. Dodson avoids blues clichés by playing mostly on the bass strings of the guitar, giving his lines a fat, chunky, rhythmic feel; Shakeri's right hand takes care of the high end while the rhythm section adds dynamics with unexpected stops and starts. The closer, "Insomniacs Boogie," is a horn-driven jump tune with Jeff Big Dad Turmes' sax and Dodson's guitar kicking the tune into overdrive as the band waves an energetic good bye. The group also shines on the covers: "Broke and Lonely," a Johnny Otis/Johnny "Guitar" Watson tune, receives a ragged, countrified makeover, Little Richard's "Directly from My Heart to You" gets a greasy, New Orleans R&B treatment, and Junior Wells' "Hoodoo Man Blues" is a smoky remake with guest harmonica player Mitch Kashmar contributing a soulful solo that would do Wells proud.

https://www.allmusic.com/album/at-least-im-not-with-you-mw0000814366

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Notas del álbum

Aparentemente de la nada, The Insomniacs irrumpieron en escena en 2007 con su debut "Left Coast Blues", ganando para la banda un premio Muddy Award 2007 por Mejor Acto de Blues Contemporáneo y una nominación al premio Blues Music Award 2008 por mejor debut como nuevo artista. Liderados por el vocalista/guitarrista de 27 años Vyasa Dodson, The Insomniacs ahora regresan con su esfuerzo de segundo año con una mezcla explosiva de originales infecciosos y portadas elegidas por expertos, aumentadas por los invitados especiales Al Blake (Hollywood Blue Flames) y Mitch Kashmar en armónica, Joel Paterson en guitarra de pedal de acero, y Jeff Turmes en saxo tenor y barítono. El resultado final es un álbum lleno de música salvajemente contagiosa, que te garantiza una sonrisa en la cara!

https://store.cdbaby.com/cd/theinsomniacs2

Reseña escrita por AllMusic

Los insomnes salieron de la puerta con un gran y audaz sonido de blues de la costa oeste que era tanto R&B como jump blues y swing. Portland, OR es más conocida por su escena de rock alternativo, pero los Insomniacs han estado quemando clubes locales desde que lanzaron su carrera en 2007. Ganaron el premio Muddy de ese año al Mejor Acto de Blues Contemporáneo, a pesar de su carácter retro, y su primer álbum, Left Coast Blues, fue nominado para el premio Blues Music Award al Mejor Debut. Siguen su impresionante estreno con este plato, un conjunto aún más notable escrito y grabado en sólo dos días. La banda es apretada y divide el programa entre tapas oscuras y sus propios originales de alto octanaje que los muestran como una fuerza original a tener en cuenta. "Description Blues", la melodía más tradicional, es una historia de infidelidad, y la voz torturada de Vyasa Dodson está llena de pasión y frustración. Hammond B-3, de Alex Shakeri, cuenta un extenso solo que es a la vez jazzy y azul, seguido por el entrenamiento de Dodson con la guitarra, lleno de notas dobladas, sostenidos largos y carreras rápidas como el rayo. "Maybe Some Sometime Later" es un blues de Chicago al estilo Howlin' Wolf-style, un groove lento y pantanoso con una lírica muy sexy. "She Can Talk" se sacude el sombrero ante los rockeros adolescentes de los años 50, un retrato de un pollito zorro que asfixia a la población masculina con su deslumbrante charla mientras el piano de Shakeri deja caer un poco de Jerry Lee Lewis en la mezcla. "20/20" es una versión irónica de la frase "20/20 en retrospectiva", un lamento suelto y barajado sobre el amor y el arrepentimiento perdidos; la guitarra de Dodson y el B-3 de Shakeri proporcionan los fuegos artificiales. "Angry Surfer" es un viaje inesperado con la mezcla de Dodson de guitarras de surf y guitarra blues de Chicago y el piano boogie-woogie de Shakeri. La sección rítmica proporciona un ritmo con un toque latino que se suma a las complicaciones. Los instrumentos que ponen los insomnes son tan convincentes como sus canciones. "Root Beer Float" es un escaparate para la guitarra de Dodson y el piano de Shakeri; es un jump blues tocado a un ritmo de alta velocidad. Dodson evita los clichés del blues tocando principalmente en las cuerdas del bajo de la guitarra, dando a sus líneas una sensación rítmica, gorda y robusta; la mano derecha de Shakeri se encarga de la parte alta mientras que la sección rítmica añade dinámica con paradas y arranques inesperados. El más cercano, "Insomniacs Boogie", es una melodía de salto impulsada por la trompeta con el saxo de Jeff Big Dad Turmes y la guitarra de Dodson que le da una patada a la melodía en la sobremarcha a medida que la banda se despide con energía. El grupo también brilla en las cubiertas: "Broke and Lonely", una melodía de Johnny Otis/Johnny "Guitarra" Watson, recibe un cambio de imagen raído y rústico, "Directly from My Heart to You" de Little Richard recibe un grasiento tratamiento de R&B de Nueva Orleans, y "Hoodoo Man Blues" de Junior Wells es un remake ahumado con el intérprete invitado de la armónica Mitch Kashmar aportando un solo de alma que enorgullecería a Wells.

https://www.allmusic.com/album/at-least-im-not-with-you-mw0000814366

VA • For Jumpers Only!

 

Erskine Oglesby • Blues Dancin'

 

Erskine Oglesby (January 20, 1937 – March 7, 2004) was an American tenor saxophonist and blues singer. He was a native of St. Louis and as a teenager he played in a local band with Chuck Berry. He later played with Little Milton, Albert King, and Ike Turner's Kings of Rhythm. Oglesby also recorded as a solo artist and released a few albums on Black & Tan Records.

Oglesby was born in the St. Louis neighborhood of Mill Creek Valley on January 20, 1937. By the age of 14, he was playing in a local band with guitarist Chuck Berry. Oglesby attended Vashon High School in St. Louis.

As a teenager, Oglesby joined the Air Force near the end of the Korean War. After his service, he joined Billy Gayles' band in 1958. Through Gayles, he met bandleader Ike Turner and joined his Kings of Rhythm as a baritone player and vocalist. Oglesby left the band because he didn't want to tour.

Through the years, Oglesby played saxophone on records by various R&B and blues artists such Ike & Tina Turner, Albert King, Little Milton, and Benny Sharp. Not wanting to limit himself to only R&B and blues, Oglesby also played with local jazz acts including, Terry Williams and the Sound Merchants and the quartet Tres' Bien.

While working as a musician, he also held day jobs as a dishwasher and street worker for the YMCA helping unemployed people find jobs. Oglesby earned a degree in social work and worked with inner city kids.

In 1986 and 1987, Oglesby toured Europe with several original members of the Kings of Rhythm, including Clayton Love, Billy Gayles, Stacy Johnson, Oliver Sain, and former Ikette Robbie Montgomery. They were known as the St. Louis Kings of Rhythm. Mayor Vincent Schoemehl officially appointed them as ambassadors for the City of St. Louis. They recorded a double album for Timeless Records in the Netherlands.

After the blues revival in the 1990s, Oglesby returned to playing music full-time and he released two album on Black & Tan Records.

Oglesby died on March 7, 2004. He is buried at Jefferson Barracks National Cemetery in St. Louis County, Missouri.
https://en.wikipedia.org/wiki/Erskine_Oglesby

 

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Erskine Oglesby (20 de enero de 1937 - 7 de marzo de 2004) fue un saxofonista tenor y cantante de blues estadounidense. Era natural de San Luis y de adolescente tocó en una banda local con Chuck Berry. Más tarde tocó con Little Milton, Albert King y Ike Turner's Kings of Rhythm. Oglesby también grabó en solitario y publicó algunos álbumes en Black & Tan Records.

Oglesby nació en el barrio de Mill Creek Valley, en San Luis, el 20 de enero de 1937. A los 14 años ya tocaba en una banda local con el guitarrista Chuck Berry. Oglesby estudió en el Vashon High School de St.

Siendo adolescente, Oglesby se alistó en las Fuerzas Aéreas cerca del final de la Guerra de Corea. Tras su servicio, se unió a la banda de Billy Gayles en 1958. A través de Gayles, conoció al director de orquesta Ike Turner y se unió a sus Kings of Rhythm como barítono y vocalista. Oglesby dejó la banda porque no quería hacer giras.

A lo largo de los años, Oglesby tocó el saxofón en discos de varios artistas de R&B y blues como Ike & Tina Turner, Albert King, Little Milton y Benny Sharp. Sin querer limitarse únicamente al R&B y al blues, Oglesby también tocó con grupos locales de jazz, como Terry Williams and the Sound Merchants y el cuarteto Tres' Bien.

Al mismo tiempo que trabajaba como músico, desempeñaba otros trabajos como friegaplatos y trabajador de calle para la YMCA, ayudando a desempleados a encontrar trabajo. Oglesby se licenció en trabajo social y trabajó con niños de barrios marginales.

En 1986 y 1987, Oglesby realizó una gira por Europa con varios miembros originales de los Kings of Rhythm, como Clayton Love, Billy Gayles, Stacy Johnson, Oliver Sain y el ex Ikette Robbie Montgomery. Se les conocía como los Kings of Rhythm de San Luis. El alcalde Vincent Schoemehl los nombró oficialmente embajadores de la ciudad de San Luis. Grabaron un doble álbum para Timeless Records en los Países Bajos.

Tras el renacimiento del blues en la década de 1990, Oglesby volvió a tocar música a tiempo completo y publicó dos álbumes en Black & Tan Records.

Oglesby murió el 7 de marzo de 2004. Está enterrado en el cementerio nacional Jefferson Barracks, en el condado de San Luis, Misuri.
https://en.wikipedia.org/wiki/Erskine_Oglesby

Chris Corcoran Band • Coolerator

 

Review from Blues Blast Magazine (by Greg "Bluesdog" Szalony):
Coolerator is an apt title for this amalgamation of jump blues, swing, blues and jazz from this ensemble from the U.K. This all instrumental CD is lead by guitarist Chris Corcoran who gives the individual members their opportunity in the spotlight as well. The basic guitar, piano, rhythm section augmented by a three piece horn section along with a few guest musicians. Four out of ten songs are covers with the remainder that sound like they could of come from the swing era with a hint of the groovy swinging London mod vibe. This is music to compliment your lazy, relaxing sunny Sunday afternoon or to take your mind back to the era of the spy or spy spoof era. The first two originals definitely fit into this characterization, "Coolerator" and "Get A Grip." "Comin' Home Baby" associated with jazz flute player Herbie Mann allots time for the horn section to have solo turns. An unusual choice for an instrumental cover is Son House's "John The Revelator." Stride piano and Django Reinhardt-like guitar make an appearance in "Jumpin' At Bardies." Claudio Corona contributes his jazzy organ to compliment Chris's way cool guitar on "Oh Yeah!". A Duane Eddy twangy guitar tone sets the tone for the moody "Resolution Blues." Jimmy Smith's "Back At The Chicken Shack" is given the necessary upbeat treatment that benefits from brief but tasty horn solos. Organ makes another appearance on the closing original tune "Sit Tight" along with ensemble horn playing as well as some solos. This type of feel good music is timeless. It just WORKS!
https://www.bluesblastmagazine.com/chris-corcoran-band-coolerator-album-review/

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Resena de Blues Blast Magazine (por Greg "Bluesdog" Szalony):
Coolerator es un titulo acertado para esta amalgama de jump blues, swing, blues y jazz de este conjunto del Reino Unido. Este CD completamente instrumental esta liderado por el guitarrista Chris Corcoran, quien tambien le da oportunidad a cada integrante de brillar. La guitarra basica, el piano y la seccion ritmica se ven reforzados por una seccion de tres vientos junto con algunos musicos invitados. Cuatro de los diez temas son versiones, mientras que el resto suena como si pudieran venir de la era del swing con un toque del vibrante ambiente mod del Londres de los anos 60. Esta es musica para acompanar una tarde de domingo relajada y soleada, o para transportarte mentalmente a la era del espionaje. Con eso dicho, es musica muy bien ejecutada. Los dos primeros originales encajan perfectamente en esta caracterizacion: "Coolerator" y "Get A Grip." "Comin' Home Baby", asociado al flautista de jazz Herbie Mann, le da tiempo a la seccion de vientos para sus solos. Una eleccion inusual para una version instrumental es "John The Revelator" de Son House. El piano stride y una guitarra al estilo de Django Reinhardt aparecen en "Jumpin' At Bardies." Claudio Corona aporta su organo jazzistico para complementar la cool guitarra de Chris en "Oh Yeah!". Un tono de guitarra twangy al estilo de Duane Eddy marca el clima del misterioso "Resolution Blues." "Back At The Chicken Shack" de Jimmy Smith recibe el tratamiento animado necesario que se beneficia de breves pero sabrosos solos de vientos. El organo hace otra aparicion en el tema original de cierre "Sit Tight", junto con el juego conjunto de los vientos y algunos solos. Este tipo de musica para sentirse bien es atemporal. Simplemente FUNCIONA.
https://www.bluesblastmagazine.com/chris-corcoran-band-coolerator-album-review/

www.chriscorcoranmusic.com ...

The Jive Romeros • Bim Bam

The Jive Romeros play a jumpin' swingin' mix of 1950s American Rock'n'Roll in the style of Bill Haley, Freddie Bell, Louis Prima etc, and Great British Rock 'n' Roll (Tommy Steele, Freddie Bell, Tony Crombie...)

A highly polished act who have established themselves around the UK and Europe clubs and festivals, and to date have released 3 CDs on the Raucous Records labels - now firmly established at the UKs leading contemporary Rock'n'Roll

Swingin' Jumpin' Jivin' Big Beat Rock 'n' Roll. Perfect for swing-dancing, or just listening to those rockin' rollin' 1950s sounds.

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Los Jive Romeros interpretan una mezcla de jumpin' swingin' de American Rock'n'Roll de los años 50 al estilo de Bill Haley, Freddie Bell, Louis Prima, etc. y Great British Rock 'n' Roll (Tommy Steele, Freddie Bell, Tony Crombie). ..)

Un acto muy pulido que se ha establecido en los clubes y festivales del Reino Unido y Europa, y hasta la fecha ha lanzado 3 CD en los sellos Raucous Records, ahora firmemente establecidos en el Rock'n'Roll contemporáneo líder en el Reino Unido.

Swingin 'Jumpin' Jivin 'Big Beat Rock' n 'Roll. Perfecto para bailar swing, o simplemente escuchar esos sonidos de rockin 'rollin' 1950s.

 

VA • Nashville Jumps

 

The Treniers • Rockin' Is Our Bizness

 

The Treniers son, indudablemente, uno de los primeros (si no el primero), auténticos grupos autónomos de rock and roll. También son, probablemente, los más longevos entertainers en activo en el showbiz. Entre los más agudos observadores, ellos permanecen como el único grupo de pioneros de Jump Blues que no sólo prosperaron cuando el resto del mundo se subió al carro de su material Rock'n'Roll (unos diez años después de iniciarlo) sino que continuaron prosperando en décadas posteriores como un grupo de éxito lejos de las típicas actuaciones de hotel. El grupo ha sobrevivido a los interminables ciclos de tendencias pop, no a pesar de su resistencia a cambiar, sino precisamente por eso. Las actuaciones de The Treniers son hoy tan vitales e hipnóticas como lo eran en la época en que ayudaron a crear el Rock'n'Roll. Me gusta pensar que han estado demasiado ocupados divirtiéndose como para percatarse de ello.

Gemelos idénticos, Claude y Cliff Trenier nacieron en una familia muy musical en Mobile, Alabama, un 1q4 de Julio de 1919. En 1939 empezaron a acudir a la Alabama State, pero los estudios no desviaron su amor por la música. Montgomery era entonces un semillero de talento musical y los gemelos pronto se pusieron a actuar con colegas como Joe Newman, el saxofonista Don Hill (que todavía sigue con el grupo hoy), y el pianista Gene Gilbeaux. Después de dejar la escuela, y después de que la IIª Guerra Mundial los alejara de la música durante un tiempo, regresaron. Claude inició una estancia con la imperecedera Jimmie Lunceford Orchestra, llevándose a Cliff para grabar "Buzz Buzz Buzz" (que aparece en la reedición de Dr. Horse, You're Killin' Me) y el propio Claude prestó su voz para unas cuantas leyendas del jazz. En 1945 Claude tuvo un año de éxito ocupando plaza en el Melody Club y después reemplazó al genial (pero malhablado) Wynonie Harris en el Club Alabam. Los gemelos, sin embargo, eran inseparables y se unieron enseguida y, finalmente, echaron mano de Gene Gilbeaux, que se convirtió en el arreglista de la banda, y Don Hill acompañando desde la cortina.

Estos artistas fueron conocidos primero como “The Trenier Twins and the Gene Gilbeaux Orchestra”, después como The Trenier Twins y, finalmente, como The Treniers. Habían nacido, con toda seguridad, pateando y aullando. Firmaron su primer contrato discográfico hace más de medio siglo con Mercury Records; rápidamente se forjaron una reputación, sobre todo por sus frenéticos movimientos en escena y también por su propia música. Aunque Claude y Cliff fueran innegablemente los protagonistas al frente, la banda al completo se meneaba en perfecta sincronía, como siameses quíntuples conectados por un sencillo interruptor. Ágiles como una serpiente, más salvajes que una hiena, el grupo era una permanente máquina móvil. Por lo tanto, ¿cómo no moverse cuando The Treniers están en tu aparato stereo, tu TV o, si eres lo bastante afortunado, en escena, en vivo y ante tus ojos? El ritmo y la alegría que generan, es contagiosa.

A principios de los 50 empezó en auténtico apogeo de The Treniers. En unión de su hermano mayor Buddy y del más joven Milt, firmaron con el legendario sello OKeh, produciendo una notable cadena de lados Rock'n'Roll estremecedores, cada uno de ellos extraordinario en términos de calidad, cuando no también de ventas. Se ha dicho que The Treniers no podían trasladar toda la energía que desplegaban en sus actuaciones en vivo, a sus grabaciones en estudio, pero lo que nos legaron fueron algunos de los mejores momentos del Rock'n'Roll que se hayan hecho nunca. "Rockin' Is Our Business", "Rockin' On Saturday Night" y "It Rocks, it Rolls, it Swings!", todos ellos son evidencias de su facilidad para el rock’n’roll.

La celebración a la bebida en "Hadacol (That's All)", el “horniness” de "Poon-Tang!" («Poon is a hug! Tang is a kiss! Uh, yeah...») y la audaz letra en el clásico "(Uh Oh) Get Out Of The Car" (copiada por Richard "Louie Louie" Berry y Sammy Davis, Jr.), fueron todas hechas en clave de alegría, pero fueron los comienzos de una revolución que, afortunadamente, fue televisada. Tomando prestado lo que aprendieron de aritstas con los que habían trabajado y admirado como Louis Jordan, Amos Milburn, Wynonie Harris, Roy Brown y Jimmie Lunceford, The Treniers añadieron su toque personal e inimitable e hicieron prácticamente de todo de cualquier forma imaginable. La expresión “Rock and Roll” era todavía más conocida como una metáfora sexual y The Treniers se encargaron de llevarla al climax.

Otros artistas recogerían pronto los frutos de las semillas que otros habían sembrado, pero The Treniers se encontraron por derecho propio en una posición muy respetable, visible hacia 1956, pese a su marcha de OKeh Records. Alcanzaron una audiencia más amplia a través de varios programas de televisión, entre ellos los de Jackie Gleason y Red Skelton, y a través de algunas películas como “Don't Knock the Rock” y “The Girl Can't Help It”, que son hoy sus interpretaciones más conocidas. En la primera, The Treniers aparecieron con Alan Freed, (que había sido honrado por The Treniers con un tema que sirvió de sintonía para algunos de sus programas) y junto a Little Richard y Bill Haley. Para aquellos que reconocen el lugar de Haley como una de las puntas de lanza del rock’n’roll con "Rock Around The Clock", existe otro linaje directo entre The Treniers y el nacimiento del rock’n’roll.

Haley, que había visto las actuaciones de The Treniers en New Jersey cuando él era todavía un artista country con The Saddlemen, «y no era nadie» como dice Claude, se vio influido significativamente por su sonido y su show. En “Don't Knock The Rock”, la interpretación explosiva y alocada de "Rockin' On Saturday Night" a cargo de The Treniers, repleta de palmadas y chasquidos de dedos es, a la vez, provocativa y surrealista. Pero la incluso más bufona, "Out Of The Bushes", se lleva el premio. Junto al guaperas de Milt, con su casi robótica afectación, Claude y Cliff hold court in bughouse square, each attempting to outdo the other in sheer craziness, even resorting (before even some parents of the Lallapaloser Nation were born) to stage diving! The song itself, more or less a word of warning from a stalker, ("Something's gonna jump out of the bushes and grab you..." is an outrageous combination of some more complicated Jazzy sequences and The Treniers' own brand of contagious humor. It even spawned one purely novelty version by Joe Besser soundalike Crazy Otto. "It was big in Guam," Claude jokes today.

Su momento cinematográfico culminante llegó en forma de “The Girl Cant Help It”, la película sobre rock’n’roll más grande de todos los tiempos. En primoroso Technicolor y sonido estereofónico, The Treniers interpretaron una auténtica locura, "Rockin' Is Our Business", entonces su canción emblemática y con la que todavía abren sus actuaciones. Incluidos en un “package”, entre una pléyade de estrellas que incluían a Little Richard, Julie London, Gene Vincent, Eddie Cochran, Fats Domino, Abbey Lincoln y The Platters, The Treniers still stand out like Jayne Mansfield's Double D's! Únicamente Little Richard podía tener posibilidades de superarles por su fastuosidad y convicción, pero también porque tuvo la oportunidad de hacer ¡tres! canciones.

A finales de los 50 el rock'n'roll estaba en llamas, no de gloria sino de defunción, escándalos y confusión personal. Alan Freed fue crucificado por escándalos de payola. Dick Clark, inexplicablemente, eludió un destino parecido, aunque empezara programando disco tanmalos, que el propio Freed no se hubiera molestado en pagar por ellos. Clark se convirtió en el nuevo líder del movimiento, mientras Freed murió en la ruina. A los que quedaron vivos no les fue mucho mejor. The Treniers estaban incluidos en la desgraciada gira de Jerry Lee Lewis por Inglaterra, y donde se destrozó a sí mismos al hacer público su matrimonio con su prima adolescente. «¡Qué falsedad tan enorme!», señala Claude. ¿Dónde podían refugiarse The Treniers en los albores de una época de teen idols que no sabían hacer rock’n’roll aunque les partieran la cabeza? ¿Puedes creerlo? ¡Las Vegas!

Una vez que el humo dejó paso a una mejor visión, The Treniers se encontraron funcionando bien en el circuito Las Vegas - Atlantic City. Milt les había dejado por entonces para intentar una carrera por cuenta propia, grabando algunos lados muy fuertes con una voz baritonal no muy diferente de la de Screamin' Jay Hawkins. Su sobrino Skip, también poseído por una buena colección de instrumentos de viento, y de buen aspecto que era capaz de que las damas giraran la cabeza, ocupó el puesto de Milt y sigue con el grupo hasta el el día de hoy. Rock’n’roll y Las Vegas habían sido hasta ese momento compañeros extraños. Incluso Elvis fracasó en Las Vegas en su primera aparición en 1956. Pero The Treniers supieron anticipar que los patrones no sólo querían un espectáculo, sino el sol, la luna y las estrellas también, y The Treniers estaban allí para dárselas. Louis Prima ya había demostrado que se podía rockear en Sin City (la ciudad del pecado) y no morir de hambre. Aunque sus primos lejanos, los componentes del Rat Pack (excepto Sammy al que le gustaba cualquier cosa que sonara hip) menospreciaran al rock'n'roll calificándolo como una moda pasajera, Prima escenificó su regreso incorporando sus ritmos en sus actuaciones. Con carisma y versatilidad (dominaban perfectamente cada estilo imaginable de pop de la época) The Treniers, junto a Prima y su compañero Sam Butera, fueron los únicos artistas que hicieron rock’n’roll en Las Vegas y Atlantic City con clase y sin compromiso. Para cuando otros intérpretes de rock'n'soul fueron ganando aceptación a principios de los 70, ellos ya se habían consolidado. Una de aquellas figuras fue Elvis Presley que cuando conoció a The Treniers les dijo que cuando era chico él había aprendido "Good Rockin' Tonight" a partir de su versión, la de los Treniers.

Su hermano Milt abrió un lounge de tipo más swing en la ciudad de la que era su esposa, Chicago. Contrata a la banda dos veces al año entre sus compromisos en Las Vegas y Atlantic City, aunque sus visitas a la Windy City (ciudad de los vientos) han sido más esporádicas desde que el aura de Atlantic City haya perdido intensidad en años recientes. A lo largo de los años han compartido escenario con tipos como Sinatra, Sammy Davis, Jr. y Bill Cosby. Cosby se encariñó de tal forma con Cliff que llamó a su personaje televisivo, Heathcliff Huxtable, después de conocerle. Su éxito en Las Vegas ha sido fenomenal e incluso recientemente, contra todo pronóstico, han conquistado el “Las Vegas Entertainers of the Year” unas cuantas veces.

El grupo mantenía una longevidad notable y parecía indestructible pero, desgraciadamente, hace catorce años llegó un recordatorio de nuestra propia fragilidad. En 1983, Cliff Trenier falleció. Claude tuvo que enfrentarse entonces a, probablemente, la decisión más importante de su vida. ¿Debía dejar el grupo o debería conducirlo en memoria de Cliff? La obligación era tan fuerte entre estos gemelos, que las decisiones de cada uno estaban indudablemente influidas por el otro. Cliff había sido llamado a un nuevo hogar y, para el resto de los Treniers, su hogar en esta vida estaba claro. Volvieron al escenario. Skip, cerca ya de sus 25 años con el grupo, fue capaz de desenvolverse al frente con Claude (Buddy ya se había retirado). Don Hill todavía sigue prestando su hechicero saxo para la banda, mientras actúa ante las incesantes pifias de Claude y Skip. Dave Akins, también un veterano de años, sigue el ritmo mientras fuma, y mientras las adquisiciones más recientes, el bajista Donald Jackson y el hombre de los teclados Jack Holland, siguen la senda y colaboran en los movimientos.

Presenciar ahora a The Treniers es sentirse trasladado a una atmósfera y una edad que que uno ya había olvidado al creer que nunca jamás la vería. La cordialidad que comunican y el evidente amor por su trabajo son también genuinos. Su complicidad con el público, uno a uno, se ve raramente en otras partes, y nos trae cosas que nuestra generación se ha perdido. La mayoría de los intérpretes más jóvenes deberían moverse como lo hacen Claude y Skip do todavía hoy. Por supuesto que The Treniers acabarían en el Hospital si siguieran haciendo todas las cosas que solían hacer en escena, pero eso mismo sucedería si mucha gente de mi edad intentara hacer lo que los Treniers hacen todavía cada noche. The Treniers son todavía, como siempre, un grupo para el directo. Siempre vivos y siempre en vivo.

LONG LIVE THE TRENIERS

By John Battles and Jake Austen

(From october #18, 1997)

http://hallelujahrnr.hostweb4u.info/index_archivos/TheTreniersBiografia.htm

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From Wikipedia, the free encyclopedia
Genres R&B, jump blues
Years active 1947-2003

The Treniers were an American R&B and jump blues musical group,[1] led by identical twins Cliff and Claude Trenier with the Gene Gilbeaux Orchestra which included Don Hill on saxophone, Shifty Henry and later James (Jimmy) Johnson on bass, Henry (Tucker) Green on drums and Gene Gilbeaux on piano, along with the Treniers Twins and later, additional Treniers brothers Milt, Buddy and nephew Skip joining the group on vocals. The group's name was shortened to "The Treniers", and there were many other session musician and line up changes over the years including Herman Washington and Mickey Baker on guitar.

Big Jay McNeely • Blues & Rhythm Series Classics (1948 - 1950)

Cecil James McNeely (Los Angeles, Estados Unidos, 29 de abril de 1927), más conocido como Big Jay McNeely,1 es un saxofonista tenor de rock 'n' roll, también conocido como el Rey del Honkin' Tenor Sax (honk viene a significar bocina o bocinazo).
Inspirado por hombres como Lester Young, Illinois Jacquet o Coleman Hawkins, empezó a tocar con su hermano mayor, Robert McNeely (que tocaba el saxo barítono). En sus primeras grabaciones, estuvo acompañado por el batería Johnny Otis, participando en "Barrel House Stomp". Al poco tiempo, Savoy Records firmó con Big Jay un contrato de grabación. El jefe de la discográfica, Herman Lubinsky, sugirió el nombre artístico de Big Jay McNeely.

Bio completa

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Cecil James McNeely (born April 29, 1927, Watts, Los Angeles, California),[1] known as Big Jay McNeely, is an American rhythm and blues saxophonist.
Inspired by Illinois Jacquet and Lester Young, he teamed with his older brother Robert McNeely, who played baritone saxophone, and made his first recordings with drummer Johnny Otis, who ran the Barrelhouse Club that stood only a few blocks from McNeely's home.[1] Shortly after he performed on Otis's "Barrel House Stomp." Ralph Bass, A&R man for Savoy Records, promptly signed him to a recording contract. Bass's boss, Herman Lubinsky, suggested the stage name Big Jay McNeely because Cecil McNeely did not sound commercial. McNeely's first hit was "The Deacon's Hop," an instrumental which topped the Billboard R&B chart in early 1949.

Bio