VA • Night Comes Downː 60 British Mod, R&B, Freakbeat, And Swinging London Nuggets [3 vols]

  

There's much, much more to 60s British music than just the invasion groups as Night Comes Down demonstrates. If you're a fan of the era, this box most certainly belongs in your collection. Recommended.
Night Comes Down: 60s British Mod, R&B, Freakbeat & Swinging London Nuggets.

Richard Whiteman Trio • Grooveyard

 

 

richardwhiteman.com ...

Joe Cohn • Restless

 

 

Review by Ronnie D. Lankford, Jr.
Guitarist Joe Cohn is joined by pianist Hod O'Brien, alto saxophonist Dmitry Baevsky, bassist Dennis Irwin, and drummer Chuck Riggs on Restless, a small jazz band outing grounded in the past. Five of the songs, including "Two Marvelous for Words," the title track, and "Shadow Waltz" date back to the '30s, and another, "I Wonder Where Our Love Has Gone," from the '40s. Four of the remaining five tunes, however, were written by Cohn, Harry Allen, and O'Brien; they're pieces that build on the band's roots. The band also expands to a sextet on five numbers with guest tenor saxophonist Allen. Cohn runs a tight ensemble, limiting most pieces to five or six minutes, and the range of material, from the bluesy "Woody's Lament" to the frenetic "Fast,," is expansive. For some fans of guitar music, setting the guitar among one or two horns may seem somewhat distracting; whenever the horns chime in, the guitar is shunted to the sidelines. Because of this, the instrumental mix doesn't always jell the way many guitar-centered trios and quartets do. Other mainstream jazz fans will find much to like about Restless, appreciating Cohn's willingness to explore both old and new material in this setting.
https://www.allmusic.com/album/restless-mw0000481787

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Reseña de Ronnie D. Lankford, Jr.
El guitarrista Joe Cohn está acompañado por el pianista Hod O'Brien, el saxofonista alto Dmitry Baevsky, el bajista Dennis Irwin y el baterista Chuck Riggs en Restless, una pequeña banda de jazz anclada en el pasado. Cinco de las canciones, entre ellas "Two Marvelous for Words", el tema que da título al disco, y "Shadow Waltz" se remontan a los años 30, y otra, "I Wonder Where Our Love Has Gone", a los años 40. Sin embargo, cuatro de los cinco temas restantes fueron escritos por Cohn, Harry Allen y O'Brien; son piezas que se basan en las raíces de la banda. La banda también se amplía a un sexteto en cinco números con el saxofonista tenor invitado Allen. Cohn dirige un conjunto compacto, limitando la mayoría de las piezas a cinco o seis minutos, y la gama de material, desde el blues "Woody's Lament" hasta el frenético "Fast", es amplia. Para algunos aficionados a la música de guitarra, el hecho de situar la guitarra entre uno o dos instrumentos de viento puede resultar algo molesto; cada vez que los instrumentos de viento intervienen, la guitarra queda relegada a un segundo plano. Por este motivo, la mezcla instrumental no siempre funciona como lo hacen muchos tríos y cuartetos centrados en la guitarra. Otros aficionados al jazz convencional encontrarán mucho que gustar en Restless, apreciando la voluntad de Cohn de explorar tanto el material antiguo como el nuevo en este entorno.
https://www.allmusic.com/album/restless-mw0000481787

Barry Harris • At The Jazz Worskhop

 

Review
by Scott Yanow
Pianist Barry Harris' second recording as a leader (he led a set for Argo in 1958) finds him at the age of 30 playing in the same boppish style he would have throughout his career. Teamed up with bassist Sam Jones and drummer Louis Hayes, this live CD reissue (which adds three alternate takes to the original LP program) is an excellent example of Harris' playing. Highlights of the enthusiastic straight-ahead set (which includes three obscure but worthy originals by the pianist) include "Is You Is or Is You Ain't My Baby," "Moose the Mooche" and "Woody'N You."
https://www.allmusic.com/album/barry-harris-at-the-jazz-workshop-mw0000649555

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Reseña
por Scott Yanow
La segunda grabación como líder del pianista Barry Harris (dirigió un set para Argo en 1958) le encuentra a la edad de 30 años tocando en el mismo estilo boppish que tendría a lo largo de su carrera. Formando equipo con el bajista Sam Jones y el batería Louis Hayes, esta reedición en CD en directo (que añade tres tomas alternativas al programa original en LP) es un excelente ejemplo de la forma de tocar de Harris. Entre los temas más destacados del entusiasta directo (que incluye tres oscuros pero dignos originales del pianista) figuran "Is You Is or Is You Ain't My Baby", "Moose the Mooche" y "Woody'N You".
https://www.allmusic.com/album/barry-harris-at-the-jazz-workshop-mw0000649555

The M-Tet • Long Play

 

themtet ...

King Curtis • Country Soul

 

 

Review
by Bruce Eder
This album of country standards was intended to be King Curtis' answer to Ray Charles' Modern Sounds in Country and Western Music. It never sold remotely as well as Charles' album, primarily because of Curtis's more perfunctory singing and some unwise choices of music to cover -- "Night Train To Memphis," "Raunchy" (which is an instrumental), and "I'm Movin' On" work as R&B instrumentals, with the latter benefiting from some sizzling interplay between the guitars, the trumpets, and Curtis's sax. But "High Noon" and "Home On the Range" are a lot less convincing, conceptually as well as in execution. There are a few surprises, however, such as a version of "Your Cheatin' Heart" that tries desperately to transform itself into "Stand By Me."
https://www.allmusic.com/album/country-soul-mw0000980963

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Revisar
por Bruce Eder
Este álbum de estándares country pretendía ser la respuesta de King Curtis a Modern Sounds in Country and Western Music de Ray Charles. Nunca se vendió ni remotamente tan bien como el álbum de Charles, principalmente debido a que Curtis cantaba de forma más superficial y a algunas elecciones poco acertadas de música para versionar: "Night Train To Memphis", "Raunchy" (que es un instrumental) y "I'm Movin' On" funcionan como instrumentales de R&B, y esta última se beneficia de una interacción chispeante entre las guitarras, las trompetas y el saxo de Curtis. Pero "High Noon" y "Home On the Range" son mucho menos convincentes, tanto conceptualmente como en su ejecución. Hay algunas sorpresas, sin embargo, como una versión de "Your Cheatin' Heart" que intenta desesperadamente transformarse en "Stand By Me".
https://www.allmusic.com/album/country-soul-mw0000980963

Fapy Lafertin Quintet & Tim Kliphuis • Fleur D’ennui

 

In the early ’50s, near the end of his life, Django Reinhardt had switched to electric guitar and was playing in a more bebop vein. He was evolving. Little did he know that it was his acoustic, swing-based Hot Club work of the ’30s that would give rise to vast numbers of imitators.

What would Django have thought? Would he have cared?

While those questions will never be answered, he remains the most blatantly imitated jazz guitarist to have worn shoe leather. Today, especially in Europe, where the past takes on dimensions unknown to most Americans, myriad groups model themselves after the Hot Club, and several Django/Gypsy jazz festivals are held each year.

While most Django imitators by definition are highly derivative in approach and execution-if the great Gypsy hadn’t lived, they wouldn’t exist-occasionally somebody emerges from the time warp to at least demonstrate that they’re a cut above the pack and maybe even offer a surprise or two. One such player is Fapy Lafertin, whose CD, Fleur D’Ennui (Jazz Is Timeless), features the Fapy Lafertin Quintet.

Like Django, Lafertin is the real McCoy, having been raised in a Manouche Gypsy family, which, of course, doesn’t make his playing any less derivative but does give him a credential that most six-string pretenders don’t have. Despite his playing’s origins, Lafertin, after one listening, has got to be admired for the way he enthusiastically floats over his group’s bouncy Hot Club-esque tandem guitar rhythm section on tunes like “Fascinating Rhythm” and “Just One of Those Things,” where he tosses off Django licks like he’s been playing them since he’s been in short pants, which he probably has. Throughout, Dutch violinist Tim Kliphuis matches him note for note in terms of technique and spirit, skillfully playing the role of Django’s sidekick, Stephane Grappelli. And while the set draws heavily from Reinhardt’s vocabulary and repertoire, a breath of fresh air wafts through the program in the form of four nicely arranged Brazilian choros, which paved the way for the emergence of samba and bossa nova, by the likes of Pixinguinha and Ernesto Nazareth. The choros help this album rise above offerings by the seemingly endless stream of Gypsy knockoffs who are out there.

https://jazztimes.com/archives/fapy-lafertin-quintet-and-tim-kliphuis-fleur-dennui/

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A principios de los años 50, cerca del final de su vida, Django Reinhardt había cambiado a la guitarra eléctrica y estaba tocando en una vena más bebop. Estaba evolucionando. Poco sabía que era su trabajo de Hot Club acústico, basado en el swing, de los años 30, lo que daría lugar a un gran número de imitadores.

¿Qué habría pensado Django? ¿Le habría importado?

Aunque esas preguntas nunca serán respondidas, sigue siendo el guitarrista de jazz más descaradamente imitado por haber usado zapatos de cuero. Hoy en día, especialmente en Europa, donde el pasado adquiere dimensiones desconocidas para la mayoría de los estadounidenses, miles de grupos se inspiran en el Hot Club, y cada año se celebran varios festivales de jazz de Django/Gypsy.

Mientras que la mayoría de los imitadores de Django, por definición, son altamente derivados en su enfoque y ejecución -si el gran gitano no hubiera vivido, no existirían-, ocasionalmente alguien emerge de la urdimbre del tiempo para al menos demostrar que son un corte por encima de la manada y tal vez incluso ofrecer una sorpresa o dos. Uno de ellos es Fapy Lafertin, cuyo CD, Fleur D'Ennui (El jazz es intemporal), contiene el quinteto Fapy Lafertin.

Al igual que Django, Lafertin es el verdadero McCoy, criado en una familia gitana de Manouche, lo que, por supuesto, no hace que su forma de tocar sea menos derivada, pero sí le da una credencial que la mayoría de los pretendientes de seis cuerdas no tienen. A pesar de sus orígenes, Lafertin, después de una escucha, es digno de admiración por la forma en que flota con entusiasmo sobre la sección de ritmo de guitarra tándem de su grupo, al estilo del Hot Club, en temas como "Fascinating Rhythm" (Ritmo fascinante) y "Just One of Those Things" (Sólo una de esas cosas), donde se deshace de los lame de Django como si los hubiera estado tocando desde que llevaba pantalones cortos, lo cual es probable que haya estado haciendo. El violinista holandés Tim Kliphuis lo acompaña nota por nota en términos de técnica y espíritu, interpretando hábilmente el papel de Stephane Grappelli, compañero de Django. Y mientras que el conjunto se basa en gran medida en el vocabulario y repertorio de Reinhardt, un soplo de aire fresco se respira en el programa en forma de cuatro coros brasileños bien organizados, que allanaron el camino para el surgimiento de la samba y la bossa nova, por los gustos de Pixinguinha y Ernesto Nazareth. Los choros ayudan a que este álbum se eleve por encima de las ofertas de la aparentemente interminable corriente de imitaciones gitanas que están ahí fuera.

https://jazztimes.com/archives/fapy-lafertin-quintet-and-tim-kliphuis-fleur-dennui/

Vinnie Burke • All-Stars

 

Press reviews
"Originally schooled on violin and guitar, Vinnie Burke redirected his creative energies to contrabass out of necessity brought about by an accident at a factory day gig. The earlier instruments still informed the approach to his replacement, particularly in the areas of timbre and melody and Burke became a first call session man for a roster of east coast band leaders including Tal Farlow, Marian McPartland and singer Chris Conner. There were also opportunities to organize sessions. All-Stars and His String Jazz Quartet collects two of the three albums that Burke released under his name. Together, they present his substantial bull fiddle talents in a handful of stimulating contexts that also show him to have been an accomplished leader.

All-Stars benefits greatly from the presence of one of Burke’s closest associates, pianist Eddie Costa. The latter employed the bassist in his trio, and the rapport established in that context transfers directly the three sessions that comprise the original album. The majority of pieces are by a quartet that combines the pair with guitarist Jimmy Raney and drummer Joe Morello, on loan from the Dave Brubeck Quartet. The most adventurous piece, “Vin-Tin-Tin” juxtaposes a driving melodic figure that flirts with atonality with staggered solos. Another original, “Unison Blues” swaps in guitarist Joe Puma and drummer Jimmy Campbell for Raney and Morello without missing a beat. Three more tunes add tenorist Al Cohn and trombonist Urbie Green, but it’s the more streamlined ensembles that deliver the best results.

On String Jazz Quartet Burke explores an idea that his later employer Gerry Mulligan would borrow and expand on to significantly greater commercial success. The order of titular modifiers is important as the ensembles assembled are first and foremost jazz-grounded rather than classically inclined. Violinist Dick Wetmore, cellist Calo Scott, and guitarist Bobby Grillo join Burke as the core group. Kenny Burrell and Paul Palmieri guest as electric guitarists in a tune ratio of five to one. Lastly, there’s a kit-less Campbell, returning for six numbers to play “brushes on Manhattan telephone directory.” That last addition has gimmick written all over it, but his contributions actually bolster the bands’ rhythmic integrity, particularly on a delightfully fisheye version of “A Night in Tunisia.” Burke solos cogently and concisely on basically every piece and the disc’s generous 74+ minute duration flies by in a finger pluck, er, snap!!

—Derek Taylor (March 4, 2021)
https://dustedmagazine.tumblr.com

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Reseñas de prensa
"Originalmente educado en el violín y la guitarra, Vinnie Burke redirigió sus energías creativas al contrabajo por la necesidad provocada por un accidente en un concierto en una fábrica. Los instrumentos anteriores todavía informaron el enfoque de su reemplazo, particularmente en las áreas de timbre y melodía y Burke se convirtió en un hombre de sesión de primera llamada para una lista de líderes de bandas de la costa este incluyendo Tal Farlow, Marian McPartland y el cantante Chris Conner. También tuvo la oportunidad de organizar sesiones. All-Stars and His String Jazz Quartet recoge dos de los tres álbumes que Burke publicó con su nombre. Juntos, presentan su importante talento como violinista en un puñado de contextos estimulantes que también demuestran que fue un líder consumado.

All-Stars se beneficia en gran medida de la presencia de uno de los socios más cercanos de Burke, el pianista Eddie Costa. Este último empleó al bajista en su trío, y la compenetración establecida en ese contexto se traslada directamente a las tres sesiones que componen el álbum original. La mayoría de las piezas son de un cuarteto que combina a la pareja con el guitarrista Jimmy Raney y el baterista Joe Morello, cedido por el Dave Brubeck Quartet. La pieza más arriesgada, "Vin-Tin-Tin", yuxtapone una figura melódica impulsora que coquetea con la atonalidad con solos escalonados. Otro original, "Unison Blues", cambia al guitarrista Joe Puma y al batería Jimmy Campbell por Raney y Morello sin perder el ritmo. Otras tres melodías añaden al tenorista Al Cohn y al trombonista Urbie Green, pero son los conjuntos más racionalizados los que ofrecen los mejores resultados.

En String Jazz Quartet Burke explora una idea que su posterior empleador Gerry Mulligan tomaría prestada y ampliaría con un éxito comercial significativamente mayor. El orden de los modificadores del título es importante, ya que los conjuntos reunidos tienen, ante todo, una base jazzística más que una inclinación clásica. El violinista Dick Wetmore, el chelista Calo Scott y el guitarrista Bobby Grillo se unen a Burke como grupo principal. Kenny Burrell y Paul Palmieri están invitados como guitarristas eléctricos en una proporción de cinco a uno. Por último, hay un Campbell sin equipo, que vuelve durante seis números para tocar "pinceles en la guía telefónica de Manhattan". Esta última adición tiene el truco escrito por todas partes, pero sus contribuciones en realidad refuerzan la integridad rítmica de la banda, particularmente en una versión deliciosamente pesada de "A Night in Tunisia". Burke hace solos convincentes y concisos en prácticamente todas las piezas y los más de 74 minutos de duración del disco se pasan volando.

-Derek Taylor (4 de marzo de 2021)
https://dustedmagazine.tumblr.com


www.freshsoundrecords.com/vinnie-burke ...

John Etheridge & Sweet Chorus • Small Hotel

 

 

John Etheridge:
British rock guitarist, worked with: Darryl Way's Wolf, The Soft Machine, Whatever and others.
Born: January 12, 1948 in Lambeth, London, England.
https://www.discogs.com/artist/418236-John-Etheridge

Sweet Chorus:
'Hot club' style band founded in 1998 and led by guitarist John Etheridge - originally formed as a personal tribute by John Etheridge to his mentor and inspiration Stephane Grappelli with whom he worked for 5 years in the 70's and early 80's.
https://www.discogs.com/artist/4189412-Sweet-Chorus-2

Colaborador / Contributor:  Mich58

Michel Camilo • Rhapsody In Blue

 

Artist Biography

Pianist and composer Michel Camilo was born in Santo Domingo, Dominican Republic, in 1954. Fascinated with music since childhood, he composed his first song at the age of five, then studied for 13 years at the National Conservatory. At 16, he became a member of the National Symphony Orchestra.

Seeking to expand his musical horizons, he moved in 1979 to New York, where he continued his studies at Mannes and Juilliard School of Music. His composition Why Not? was recorded by Paquito D'Rivera as the title tune for one of his albums, and The Manhattan Transfer won a Grammy Award for their vocal version in 1983. His first two albums were titled Why Not? and Suntan/In Trio.

Camilo made his Carnegie Hall debut with his trio in 1985. Since then, he has become a prominent figure performing regularly in the United States, the Caribbean, Japan and Europe. December 1987 marked his debut as a classical conductor when the National Symphony Orchestra of the Dominican Republic invited him to conduct a recital featuring the works of Rimsky-Korsakoff, Beethoven, Dvorak and Camilo’s own composition, The Goodwill Games Theme, which won an Emmy Award. That year, he became the musical director of the Heineken Jazz Festival in his native Dominican Republic, a post he held through 1992.

November of 1988 marked his debut on a major record label with the release of his self- titled album, Michel Camilo (Sony). The album became an instant success and held the top jazz album spot for ten consecutive weeks. His next recording, On Fire, was voted one of the top three Jazz Albums of the Year by Billboard, and 1990s On the Other Hand was a top-ten jazz album. All three releases reached the number-one position in radio airplay.

Camilo’s list of compositions, recordings and other achievements throughout the '90s is vast. His composition Caribe was recorded by pianists Katia and Marielle Lebeque, and by the legendary Dizzy Gillespie, in 1991. His Rhapsody for Two Pianos and Orchestra, commissioned by the Philharmonia Orchestra, premiered a year later at the Royal Festival Hall. In 1993, Gavin and Billboard magazines picked his Rendezvous as one of the top jazz albums of the year.

Camilo performed a series of piano recitals in 1996 as part of Copenhagen’s Cultural Capital of Europe celebration, and also debuted at the Kennedy Center for the Performing Arts in Washington, DC, and Carnegie Hall in New York. That same year, he performed in Israel, Spain, Mexico, Dominican Republic and Switzerland, where he debuted at Zurich’s prestigious Tonhalle concert hall as part of the Jazz Piano Masters series.

He served as co-artistic director in 1998 for the first Latin-Caribbean Music Festival at the Kennedy Center, which featured performances by his trio and big band, as well as the world premiere of his Piano Concerto with the National Symphony Orchestra conducted by Leonard Slatkin. The following year, he toured with Cuban jazz pianist Chucho Valdes, and debuted with the Cleveland Symphony Orchestra.

In addition to compiling an extensive discography and maintaining a rigorous performance schedule, Camilo has composed and recorded a number of Spanish film scores over the years, and holds honorary degrees from his alma mater, Universidad Autonoma de Santo Domingo, and UTESA University of Santiago, Dominican Republic (he’s the youngest person to ever receive the distinction from the latter school). In 1992, he was named a Knight of the Heraldic Order of Christopher Columbus by the Dominican Government.

At the turn of the millennium, his 2000 Verve release, Spain, with guitarist Tomatito, won Best Latin Jazz Album in the first-ever Latin Grammy Awards. Camilo also performed in a trio concert in 2000 presented by the New Jersey Chamber Society with special guest Paquito D'Rivera.

In 2001, Camilo appeared on the soundtrack CD for the acclaimed Latin jazz film Calle 54, directed by the Oscar-winning Spaniard Fernando Trueba. In addition to his activities as a composer and pianist, Camilo lectured and performed at many universities and colleges throughout Europe and the United States”including New York University, Berklee School of Music, MIT, William Paterson College (in New Jersey) and Puerto Rico Conservatory.

In November 2001, he was awarded the Silver Cross of the Order of Duarte, Sanchez & Mella from the president of the Dominican Republic, the highest honor that the government can give.

2002 marked a special year for Camilo with two albums: Classical and Jazz. In February, Decca released his Concerto for Piano & Orchestra, Suite for Piano, Strings and Harp & Caribe, to celebrate his guest appearance with the NSO conducted by Leonard Slatkin at the Kennedy Center for the Performing Arts in Washington, D.C.

In March 2002, Telarc released Triangulo, Camilo’s Grammy Award nominee trio recording, which features bass guitarist Anthony Jackson and drummer Horacio “El Negro” Hernandez.

August 2003 marked the Telarc release of his latest album Live at the Blue Note, featuring Horacio “El Negro” Hernandez on drums and Charles Flores on acoustic bass. This two-CD set captures the quintessential Camilo “sound” live for the first time and was awarded a GRAMMY for Best Latin Jazz Album.

https://www.allmusic.com/artist/michel-camilo-mn0000889856/biography

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Biografía del artista

El pianista y compositor Michel Camilo nació en Santo Domingo, República Dominicana, en 1954. Fascinado por la música desde la infancia, compuso su primera canción a la edad de cinco años, y luego estudió durante 13 años en el Conservatorio Nacional. A los 16 años, se convirtió en miembro de la Orquesta Sinfónica Nacional.

Buscando ampliar sus horizontes musicales, se trasladó en 1979 a Nueva York, donde continuó sus estudios en la Mannes and Juilliard School of Music. Su composición Why Not? fue grabada por Paquito D'Rivera como tema principal de uno de sus discos, y The Manhattan Transfer ganó un premio Grammy por su versión vocal en 1983. Sus dos primeros álbumes se titulaban Why Not? y Suntan/In Trio.

Camilo hizo su debut en el Carnegie Hall con su trío en 1985. Desde entonces, se ha convertido en una figura prominente que actúa regularmente en los Estados Unidos, el Caribe, Japón y Europa. En diciembre de 1987 debutó como director de orquesta clásica cuando la Orquesta Sinfónica Nacional de la República Dominicana lo invitó a dirigir un recital con las obras de Rimsky-Korsakoff, Beethoven, Dvorak y la propia composición de Camilo, The Goodwill Games Theme, que ganó un premio Emmy. Ese año, se convirtió en el director musical del Festival de Jazz de Heineken en su República Dominicana natal, cargo que ocupó hasta 1992.

Noviembre de 1988 marcó su debut en un importante sello discográfico con el lanzamiento de su autodenominado álbum, Michel Camilo (Sony). El álbum se convirtió en un éxito instantáneo y ocupó el primer lugar en la lista de los álbumes de jazz durante diez semanas consecutivas. Su siguiente disco, On Fire, fue votado por Billboard como uno de los tres mejores álbumes de jazz del año, y On the Other Hand fue uno de los diez mejores álbumes de jazz de la década de 1990. Los tres lanzamientos alcanzaron la posición número uno en la emisión de radio.

La lista de composiciones, grabaciones y otros logros de Camilo a lo largo de los años 90 es muy amplia. Su composición Caribe fue grabada por las pianistas Katia y Marielle Lebeque, y por el legendario Dizzy Gillespie, en 1991. Su Rapsodia para dos pianos y orquesta, encargada por la Philharmonia Orchestra, se estrenó un año más tarde en el Royal Festival Hall. En 1993, las revistas Gavin y Billboard eligieron su Rendezvous como uno de los mejores álbumes de jazz del año.

Camilo interpretó una serie de recitales de piano en 1996 como parte de la celebración de la Capital Cultural de Europa en Copenhague, y también debutó en el Kennedy Center for the Performing Arts en Washington, DC, y en el Carnegie Hall en Nueva York. Ese mismo año se presentó en Israel, España, México, República Dominicana y Suiza, donde debutó en la prestigiosa sala de conciertos Tonhalle de Zurich como parte de la serie Jazz Piano Masters.

Se desempeñó como co-director artístico en 1998 para el primer Festival de Música Latino-Caribeña en el Kennedy Center, que incluyó presentaciones de su trío y big band, así como el estreno mundial de su Concierto para Piano con la Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por Leonard Slatkin. Al año siguiente, realizó una gira con el pianista cubano de jazz Chucho Valdés, y debutó con la Orquesta Sinfónica de Cleveland.

Además de compilar una extensa discografía y mantener un riguroso programa de actuaciones, Camilo ha compuesto y grabado varias partituras de películas españolas a lo largo de los años, y cuenta con títulos honoríficos de su alma mater, la Universidad Autónoma de Santo Domingo, y la Universidad UTESA de Santiago, República Dominicana (es la persona más joven que ha recibido la distinción de esta última escuela). En 1992, fue nombrado Caballero de la Orden Heráldica de Cristóbal Colón por el Gobierno Dominicano.

En el cambio de milenio, su disco Verve 2000, España, con el guitarrista Tomatito, ganó el premio al Mejor Álbum de Jazz Latino en los primeros premios Grammy Latinos de la historia. Camilo también actuó en un concierto de trío en el año 2000 presentado por la New Jersey Chamber Society con el invitado especial Paquito D'Rivera.

En 2001, Camilo apareció en el CD de la banda sonora de la aclamada película de jazz latino Calle 54, dirigida por el español Fernando Trueba, ganador de un Oscar. Además de sus actividades como compositor y pianista, Camilo dio conferencias y actuó en muchas universidades y colegios de toda Europa y Estados Unidos States"incluyendo la Universidad de Nueva York, la Escuela de Música de Berklee, el MIT, el William Paterson College (en Nueva Jersey) y el Conservatorio de Puerto Rico.

En noviembre de 2001, el presidente de la República Dominicana le otorgó la Cruz de Plata de la Orden de Duarte, Sánchez y Mella, el más alto honor que el gobierno puede otorgar.

El 2002 marcó un año especial para Camilo con dos álbumes: Clásica y Jazz. En febrero, Decca lanzó su Concierto para Piano y Orquesta, Suite para Piano, Cuerdas y Arpa y Caribe, para celebrar su aparición como invitado con la NSO dirigida por Leonard Slatkin en el Kennedy Center for the Performing Arts en Washington, D.C.

En marzo de 2002, Telarc lanzó Triángulo, la grabación del trío nominado al premio Grammy de Camilo, que incluye al bajista Anthony Jackson y al baterista Horacio "El Negro" Hernández.

En agosto de 2003, Telarc lanzó su último álbum Live at the Blue Note, con Horacio "El Negro" Hernández a la batería y Charles Flores al bajo acústico. Este set de dos CDs captura por primera vez en vivo el "sonido" de Camilo por excelencia y fue premiado con un GRAMMY al Mejor Álbum de Jazz Latino.

https://www.allmusic.com/artist/michel-camilo-mn0000889856/biography

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

www.michelcamilo.com ...

Freddie Hubbard • Here To Stay

 

Album Review
This album has certainly had a sad history. It was left in the Blue note vaults for fourteen years. Then it was reissued in a double-vinyl set with Hub Cap, a coupling that doesn't reveal either session in the best light.Then a decade later, it finally was released as a single album. And that brings us to the present version, on which occasion the devout Bob Blumenthal seems to say in his liner notes (well, he hedges around the fact) that this is just fine, but he'd might rather listen to other Hubbard Blue Notes. That leaves the impression that perhaps Blue Note was right for keeping this in the vaults for so long.

Here's an attempt to redeem "Here to Stay," perhaps one of Hubbard's finest ever, and surely misunderstood as well as undervalued. The case for this album's value can be built simply. Forget the original track sequence. Begin with Hubbard's cover of "Body and Soul," a completely remarkable ballad performance marked for the maturity of the individual interpretation the young trumpeter (who was 24 years old in 1962) brings. Hubbard is thinking hard—harder than most trumpeters double his age have thought—about the lyrics, holding a lot of passion in reserve while maintaining a determined, probing tone. I think only the classic Coleman Hawkins' original recording outclasses Hubbard's reading.

While Hubbard recorded with drummer Philly Joe Jones on a number of sessions, I think their chemistry was never as intensely pitched as on this session, particularly on the opening "Philly Mignon," written by Hubbard for the fiery drummer. This is one of Philly Joe Jones' supreme moments in the studio, and this CD deserves top-drawer billing for that alone. If you listened to "Body and Soul" first, then skip to "Philly Mignon," where you'll drop the cliche of the young Hubbard as all brassy confidence with brio to the brim, and instead hear a mature musical intelligence at work that is as questioning and questing, as conflicted as Lee Morgan's.

Another indication of Hubbard's well-seasoned taste on this session is revealed in using two of Cal Massey's most memorable compositions, "Father and Son" and "Assunta." Listen to the solos by Hubbard and Shorter on "Assunta" and ask yourself if they haven't slipped to a new phase of their growth, apart from Blakey's band at this juncture, that's more darkly introspective.

I hope the album title is true of the recording's fate.
By Norman Weinstein
September 20, 2006
https://www.allaboutjazz.com/here-to-stay-freddie-hubbard-blue-note-records-review-by-norman-weinstein

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Reseña del álbum
Este álbum ha tenido ciertamente una triste historia. Estuvo en las bóvedas de Blue Note durante catorce años. Luego se reeditó en un doble vinilo con Hub Cap, un acoplamiento que no revela ninguna de las dos sesiones de la mejor manera.Luego, una década más tarde, finalmente fue lanzado como un solo álbum. Y eso nos lleva a la presente versión, en la que el devoto Bob Blumenthal parece decir en sus notas de presentación (bueno, lo evita) que está bien, pero que preferiría escuchar otras Blue Notes de Hubbard. Esto deja la impresión de que tal vez Blue Note hizo bien en mantener esto en las bóvedas durante tanto tiempo.

Aquí hay un intento de redimir "Here to Stay", tal vez uno de los mejores discos de Hubbard de todos los tiempos, y seguramente incomprendido además de infravalorado. El caso del valor de este álbum se puede construir de forma sencilla. Olvídese de la secuencia de pistas original. Comienza con la versión de Hubbard de "Body and Soul", una interpretación de balada completamente notable marcada por la madurez de la interpretación individual que aporta el joven trompetista (que tenía 24 años en 1962). Hubbard piensa mucho -más de lo que la mayoría de los trompetistas del doble de su edad han pensado- en la letra, reservando mucha pasión mientras mantiene un tono resuelto y probador. Creo que sólo la clásica grabación original de Coleman Hawkins supera la lectura de Hubbard.

Aunque Hubbard grabó con el baterista Philly Joe Jones en varias sesiones, creo que su química nunca fue tan intensa como en esta sesión, particularmente en la apertura "Philly Mignon", escrita por Hubbard para el fogoso baterista. Este es uno de los momentos supremos de Philly Joe Jones en el estudio, y este CD merece ser considerado de primera categoría sólo por eso. Si escuchas primero "Body and Soul", salta a "Philly Mignon", donde dejarás de lado el cliché del joven Hubbard como todo confianza descarada con brío hasta el borde, y en su lugar escucharás una inteligencia musical madura en el trabajo que es tan cuestionadora y buscadora, tan conflictiva como la de Lee Morgan.

Otro indicio del buen gusto de Hubbard en esta sesión se revela al utilizar dos de las composiciones más memorables de Cal Massey, "Father and Son" y "Assunta". Escuche los solos de Hubbard y Shorter en "Assunta" y pregúntese si no se han deslizado a una nueva fase de su crecimiento, aparte de la banda de Blakey en esta coyuntura, que es más oscuramente introspectiva.

Espero que el título del álbum sea fiel al destino de la grabación.
Por Norman Weinstein
20 de septiembre de 2006
https://www.allaboutjazz.com/here-to-stay-freddie-hubbard-blue-note-records-review-by-norman-weinstein

Joe Locke • Lay Down My Heart

 Artist Biography by Matt Collar

Percussionist Joe Locke is a highly-regarded performer and composer, known for his expressive, swinging style on both the vibraphone and drums. Emerging in the late '80s, Locke initially established himself as a reliable hard-bop player working alongside Eddie Henderson, Freddy Cole, Eric Alexander, and others. He also showcased his deep sense of the jazz tradition with albums like 1994's Longing, and 1999's Mutual Appreciation Society with pianist David Hazeltine. Beginning the '00s, Locke gained further plaudits issuing more ambitious works like 2003's Four Walls of Freedom, a six movement suite based on the writings of monk Thomas Merton, and his 2005 Milt Jackson-tribute Rev-elation. A five-time recipient of the Jazz Journalists Association's "Mallet Instrumentalist of the Year" Award, Locke was also inducted into the Music Hall of Fame of his hometown of Rochester, New York in 2016.

Born in Palo Alto, California in 1959, Locke was still a child when he moved with his family to Rochester, New York. It was there that he first started playing piano and drums around age eight, before taking up the vibraphone at age thirteen. Encouraged by his father, a music teacher, Locke initially played in rock bands. However, by his teens he had discovered jazz, and was soon imbibing the work of his idols Bobby Hutcherson and Milt Jackson. After high school, he honed his skills at the Eastman School of Music where he gained valuable tutoring from noted educators like John Beck, Gordon Stout, and Ted Moore.

In 1981, he moved to New York City, where he eventually found work playing or recording as a sideman for luminaries like Kenny Barron, Freddy Cole, Marvin "Smitty" Smith, Jerry Gonzalez, and others. He also began flexing his compositional skills, supplying the score for the independent film/documentary El Salvador: Another Vietnam. As a leader, Locke debuted with 1990's Present Tense on the Danish SteepleChase label. More albums followed for the label including 1994's But Beautiful with pianist Kenny Barron, 1994's Longing, and 1996's Inner Space.

Also during this period, he toured Japan with Eddie Henderson and recorded with artists like Grover Washington, Jr., Dianne Reeves, George Cables, Barbara Dennerlein, and the Mingus Big Band, among others. He then moved to Milestone/Fantasy's roster with 1995's Moment to Moment: The Music of Henry Mancini. His subsequent Milestone dates included 1997's Sound Tracks (which concentrated on songs from famous films) and 1998's Slander (And Other Love Songs). In 1999, he paired with pianist David Hazeltine, bassist Essiet Essiet, and drummer Billy Drummond for Mutual Appreciation Society.

In the 2000's, he formed a fruitful relationship with John Priestley's Sirocco Jazz Ltd. label, issuing albums like Beauty Burning with pianist Frank Kimbrough and drummer Jeff "Tain" Watts, and 2001's Storytelling with vocalist Mark Ledford and keyboardist/co-producer Henry Hey. His Storytelling band was also on board for 2002's State of Soul. A year later, he issued the sophisticated Four Walls of Freedom, a six movement suite based on the writings of monk Thomas Merton. Locke then joined pianist Mike LeDonne, bassist Bob Cranshaw, and drummer Mickey Roker for the 2005 Milt Jackson-tribute Rev-elation on Sharp Nine Records. Over the next several years, Locke stayed busy, pairing with longtime associate pianist Geoff Keezer, for 2006's Live in Seattle, and issuing the 2007 quartet dates Sticks and Stones, and 2008's Force of Four which featured a guest appearance by saxophonist Wayne Escoffery.

For the Love of You arrived in 2010, and featured Keezer, along with bassist George Mraz, and drummer Clarence Penn. The atmospheric session Via appeared in 2011, and found Locke collaborating with Keezer, and multi-reed player Tim Garland. Keezer was also on board for 2012's Signing on Motéma Music, as were drummer Terreon Gully, and bassist Mike Pope. More efforts followed for the label including 2013's Lay Down My Heart: Blues & Ballads, Vol. 1 , 2015's Love is a Pendulum. In 2018, Locke returned with Subtle Disguise, a nuanced album featuring contributions by saxophonist David Binney, guitarist Raul Midón, and others. Along with originals, the album included covers of Bob Dylan's "Who Killed Davey Moore?," and Blind Willie Johnson's "Motherless Children."

https://www.allmusic.com/artist/joe-locke-mn0000117125/biography

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 Biografía del artista por Matt Collar

El percusionista Joe Locke es un intérprete y compositor de gran prestigio, conocido por su estilo expresivo y swinging tanto en el vibráfono como en la batería. Emergiendo a finales de los 80, Locke se estableció inicialmente como un jugador de hard-bop confiable trabajando junto a Eddie Henderson, Freddy Cole, Eric Alexander y otros. También mostró su profundo sentido de la tradición del jazz con álbumes como Longing de 1994 y Mutual Appreciation Society de 1999 con el pianista David Hazeltine. A partir de los años'00, Locke obtuvo más elogios emitiendo obras más ambiciosas como Four Walls of Freedom de 2003, una suite de seis movimientos basada en los escritos del monje Thomas Merton, y su Rev-elección de contribuciones de Milt Jackson de 2005. Cinco veces galardonado con el premio "Instrumentista de mazo del año" de la Asociación de Periodistas de Jazz, Locke también fue admitido en el Music Hall of Fame de su ciudad natal de Rochester, Nueva York, en 2016.

Nacido en Palo Alto, California en 1959, Locke era todavía un niño cuando se mudó con su familia a Rochester, Nueva York. Fue allí donde comenzó a tocar el piano y la batería alrededor de los ocho años, antes de empezar a tocar el vibráfono a los trece años. Animado por su padre, profesor de música, Locke tocó inicialmente en bandas de rock. Sin embargo, en su adolescencia ya había descubierto el jazz, y pronto estaba imbuido del trabajo de sus ídolos Bobby Hutcherson y Milt Jackson. Después de la escuela secundaria, perfeccionó sus habilidades en la Escuela de Música Eastman, donde obtuvo valiosas tutorías de reconocidos educadores como John Beck, Gordon Stout y Ted Moore.

En 1981, se mudó a la ciudad de Nueva York, donde eventualmente encontró trabajo tocando o grabando como sideman para luminarias como Kenny Barron, Freddy Cole, Marvin "Smitty" Smith, Jerry Gonzalez, y otros. También comenzó a flexionar sus habilidades compositivas, suministrando la banda sonora para la película/documental independiente El Salvador: Otro Vietnam. Como líder, Locke debutó con el Present Tense de 1990 en el sello danés SteepleChase. Más álbumes siguieron para el sello, incluyendo But Beautiful, de 1994, con el pianista Kenny Barron, Longing, de 1994, y Inner Space, de 1996.

También durante este período, realizó una gira por Japón con Eddie Henderson y grabó con artistas como Grover Washington, Jr., Dianne Reeves, George Cables, Barbara Dennerlein, y la Mingus Big Band, entre otros. Luego se trasladó a la lista de Milestone/Fantasy con Moment to Moment de 1995: La música de Henry Mancini. Sus fechas posteriores incluyen las bandas sonoras de 1997 (que se concentraron en canciones de películas famosas) y las calumnias de 1998 (y otras canciones de amor). En 1999, hizo pareja con el pianista David Hazeltine, el bajista Essiet Essiet y el baterista Billy Drummond para Mutual Appreciation Society.

En los años 2000, formó una fructífera relación con el sello Sirocco Jazz Ltd. de John Priestley, editando álbumes como Beauty Burning con el pianista Frank Kimbrough y el baterista Jeff "Tain" Watts, y Storytelling con el vocalista Mark Ledford y el tecladista y coproductor Henry Hey, y con su banda Storytelling, que también participó en el State of Soul de 2002. Un año después, publicó los sofisticados Cuatro Muros de Libertad, una suite de seis movimientos basada en los escritos del monje Thomas Merton. Locke se unió al pianista Mike LeDonne, al bajista Bob Cranshaw y al baterista Mickey Roker en la Rev-elección de Milt Jackson 2005 en Sharp Nine Records. Durante los años siguientes, Locke se mantuvo ocupado, trabajando con el pianista asociado Geoff Keezer, para el Live in Seattle de 2006, y emitiendo el cuarteto de 2007 Sticks and Stones, y el Force of Four de 2008, que contó con la participación como invitado del saxofonista Wayne Escoffery.

For the Love of You llegó en 2010, y contó con Keezer, junto con el bajista George Mraz, y el baterista Clarence Penn. La sesión atmosférica Via apareció en 2011, y encontró a Locke colaborando con Keezer, y al jugador de multicascos Tim Garland. Keezer también estuvo a bordo para el Signing on Motéma Music de 2012, al igual que el baterista Terreon Gully y el bajista Mike Pope. Siguieron más esfuerzos para el sello, incluyendo el de 2013, Lay Down My Heart: Blues & Ballads, Vol. 1, El amor de 2015 es un péndulo. En 2018, Locke regresó con Subtle Disguise, un álbum matizado con contribuciones del saxofonista David Binney, el guitarrista Raúl Midón y otros. Junto con los originales, el álbum incluía versiones de "Who Killed Davey Moore? de Bob Dylan" y "Motherless Children" de Blind Willie Johnson.

https://www.allmusic.com/artist/joe-locke-mn0000117125/biography

Sarah Vaughan • Sarah Sings Soulfully

 

 

Review by Scott Yanow

Sarah Vaughan's final Roulette session before going back to Mercury was one of her best. Some of the tunes (such as "A Taste of Honey," "What Kind of Fool Am I" and "The Good Life") do not look all that promising, but Vaughan was near the peak of her powers during this era. Plus her renditions of "I Guess I'll Hang My Tears Out to Dry," "Sermonette," "Gravy Waltz," "Moanin'," "'Round Midnight" and "Midnight Sun" are classics. Assisted by a sextet arranged by Gerald Wilson and including organist Ernie Freeman, trumpeter Carmell Jones, and the tenor of Teddy Edwards, Vaughan is brilliant throughout this highly enjoyable LP.

https://www.allmusic.com/album/sarah-sings-soulfully-mw0000617724

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Reseña de Scott Yanow

La última sesión de Roulette de Sarah Vaughan antes de volver a Mercury fue una de las mejores. Algunas de las melodías (como "A Taste of Honey", "What Kind of Fool Am I" y "The Good Life") no parecen muy prometedoras, pero Vaughan estaba cerca de la cima de sus poderes durante esta época. Además sus interpretaciones de "Supongo que colgaré mis lágrimas para secarlas", "Sermoneta", "Vals de la salsa", "Gemidos", "Medianoche redonda" y "Sol de medianoche" son clásicos. Asistido por un sexteto arreglado por Gerald Wilson y que incluye al organista Ernie Freeman, al trompetista Carmell Jones y al tenor de Teddy Edwards, Vaughan es brillante a lo largo de este altamente disfrutable LP.

https://www.allmusic.com/album/sarah-sings-soulfully-mw0000617724


 

 

Oscar Moore • Presenting Oscar Moore with Leroy Vinegar

 

Biography by Scott Yanow
An excellent guitarist influenced after 1939 by Charlie Christian, Oscar Moore was an invaluable part of the Nat King Cole Trio during 1937-1947, appearing on virtually all of Cole's records during the period. He also recorded with Lionel Hampton, Art Tatum (1941), the Capitol Jazzmen, and Lester Young. Unfortunately, Moore's post-Cole career was not that successful. He played with his brother Johnny Moore in the Three Blazers from 1947 to the mid-'50s (the group declined in popularity after pianist/singer Charles Brown left) and he recorded three records for Verve and Tampa during 1953-1954, but then was largely outside of music with the exception of a 1965 Cole tribute album.
https://www.allmusic.com/artist/oscar-moore-mn0000489027/biography

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Biografía de Scott Yanow
Excelente guitarrista influenciado después de 1939 por Charlie Christian, Oscar Moore fue una parte inestimable del Nat King Cole Trio durante 1937-1947, apareciendo en prácticamente todos los discos de Cole durante el período. También grabó con Lionel Hampton, Art Tatum (1941), los Capitol Jazzmen y Lester Young. Desgraciadamente, la carrera de Moore después de Cole no tuvo tanto éxito. Tocó con su hermano Johnny Moore en los Three Blazers desde 1947 hasta mediados de los años 50 (el grupo decayó en popularidad tras la marcha del pianista/cantante Charles Brown) y grabó tres discos para Verve y Tampa durante 1953-1954, pero luego se mantuvo en gran medida al margen de la música con la excepción de un álbum de homenaje a Cole de 1965.
https://www.allmusic.com/artist/oscar-moore-mn0000489027/biography

Ercüment Vural & Önder Focan ‎Project • Kırmızıya Çalıyor│Like Red

 

 

focanjazz.com ...


Colaborador / Contributor:  Michel

Bobby Broom • Song and Dance

 Chicago based guitarist Bobby Broom's Shining Hour encompasses nearly an hour of "Sweet and Lovely" trio jazz, showcasing seven memorable tunes from the Great American Songbook complemented by pair of three-steps, Fats Waller's "Jitterbug Waltz" and the Patti Page evergreen, "Tennessee Waltz."

Besides the songs mentioned above, Broom's working trio (bassist Dennis Carroll, drummer Makaya McCraven) wend their way through "My Ideal," "Just One of Those Things," "Sweet Georgia Brown," "Oh, Lady Be Good" and "The Heather on the Hill," a song Broom first encountered and learned to love during his decade-long association with the great saxophonist Sonny Rollins. Broom's spare, lyrical style is perfectly suited to these enduring themes, and his colleagues are no less compatible, wresting the utmost warmth and charm from every number. "My Shining Hour" is especially likeable, opening with the verse and proceeding at a slower pace than usual with Broom uncloaking every nuance of its inherent musicality. Carroll and McCraven solo perceptively on that one, as they do elsewhere.

For sheer loveliness, however, it's hard to top "Heather," from Alan Jay Lerner and Frederick Loewe's wonderful score for the Broadway musical Brigadoon. Broom and the trio linger lovingly over that one, leaving no subtlety overpassed. "Jitterbug Waltz," on the other hand, is pure fun, as Waller envisioned it, while "Tennessee Waltz" is a paragon of heavy-hearted sentimentality. "Sweet and Lovely" also includes the verse, leading to one of the more instantly recognizable melodies in the popular music canon. It's taken at a genteel gallop, as are "Lady Be Good" and "My Ideal." "One of Those Things" is a tad faster-paced, but not enough to cause any palpitations. In fact, aside from "Georgia Brown" and "Jitterbug Waltz," there's nothing conspicuously zesty on the menu.

Broom, who was born and raised in New York City and made the move to Chicago more than thirty years ago, has a special fondness for the Songbook's enduring repertoire but hadn't until now recorded an album devoted primarily to that music. "I grew up in Manhattan kind of drinking the water and breathing the air a generation or so removed from the time of Tin Pan Alley," he says, "so maybe through osmosis I benefited from that." Whatever the reason, Broom and his trio affirm on My Shining Hour that Tin Pan Alley is an ideal locale for their singular approach to music-making.

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Shining Hour, guitarrista de Bobby Broom, radicado en Chicago, abarca casi una hora de "Sweet and Lovely" trio jazz, mostrando siete melodías memorables del Great American Songbook complementado por un par de tres pasos, "Jitterbug Waltz" de Fats Waller y Patti Page " Tennessee Vals ".

Además de las canciones mencionadas anteriormente, el trío de trabajo de Broom (el bajista Dennis Carroll, el baterista Makaya McCraven) se abrieron paso a través de "My Ideal", "Just One of That Things", "Sweet Georgia Brown", "Oh, Lady Be Good" y " The Heather on the Hill, "una canción que Broom se encontró por primera vez y aprendió a amar durante su asociación de una década con el gran saxofonista Sonny Rollins. El estilo lírico de repuesto de Broom se adapta perfectamente a estos temas perdurables, y sus colegas no son menos compatibles, obteniendo la máxima calidez y encanto de cada número. "My Shining Hour" es especialmente agradable, se abre con el verso y avanza a un ritmo más lento de lo habitual, con Broom desenmascarando cada matiz de su inherente musicalidad. Carroll y McCraven solo perceptivamente en eso, como lo hacen en otros lugares.

Sin embargo, por pura belleza, es difícil superar a "Heather", de Alan Jay Lerner y la maravillosa puntuación de Frederick Loewe para el musical de Broadway Brigadoon. Broom y el trío permanecen amorosamente sobre eso, sin dejar de lado la sutileza. "Jitterbug Waltz", por otro lado, es pura diversión, como lo imaginó Waller, mientras que "Tennessee Waltz" es un parangón de sentimientos pesados. "Sweet and Lovely" también incluye el verso, que lleva a una de las melodías más reconocibles al instante en el popular canon de música. Se toma a un galope gentil, como lo son "Lady Be Good" y "My Ideal". "Una de esas cosas" es un poco más rápido, pero no lo suficiente como para causar palpitaciones. De hecho, aparte de "Georgia Brown" y "Jitterbug Waltz", no hay nada llamativo en el menú.

Broom, quien nació y creció en la ciudad de Nueva York y se mudó a Chicago hace más de treinta años, tiene una especial afición por el repertorio perdurable del Songbook, pero hasta ahora no había grabado un álbum dedicado principalmente a esa música. "Crecí en Manhattan como si bebiéramos el agua y respiráramos el aire una generación más o menos desde la época del Tin Pan Alley", dice, "así que tal vez a través de la ósmosis me beneficié de eso". Cualquiera sea la razón, Broom y su trío afirman en My Shining Hour que Tin Pan Alley es un lugar ideal para su singular enfoque en la creación de música.

 

www.bobbybroom.com ...

 

The Fireballs • Exotic Guitars From The Clovis Vaults

 

 

Hailing from Raton, New Mexico in the late 50's, the Fireballs were New Mexico's first Rock & Roll recording band to become internationally known.

The group was christened the FIREBALLS® after their standing ovation performance of "Great Balls of Fire" at the Raton High School PTA talent contest in New Mexico, USA...January 1958. By the year's end they had auditioned for the late Norman Petty at his already internationally famous recording studio at 1313 W. 7th Street, Clovis, New Mexico, where it stands today - a monumental contribution to the birth of early Southwest style Rock & Roll.
    
Arriving on a Sunday afternoon for their audition, Petty acknowledged his interest in their basic style, simplicity, and feel in which the group performed their original guitar instrumentals and vocals penned by members George Tomsco and Chuck Tharp.

Buddy Holly and the Crickets were scheduled for night time recording sessions Monday and Tuesday, so Petty logged the first Fireballs session for Wednesday night.

Rehersal at Dick Clark's American Bandstand show January 1959 found their first record released on KAPP records. "Fireball", a guitar instrumental; and "I Don't Know", a vocal by Chuck Tharp. "Fireball" was the Billboard 'pick' which resulted in the first airplay and sales.

Petty soon negotiated a contract for the group with a new aggressive British based label in the US, TOP RANK records. As a result more chart instrumental singles and albums followed: "Torquay", "Bulldog", and "Vaquero" which led to two appearances on Dick Clark's American Bandstand shows. January 4, 1960 featured them performing "Bulldog", and on June 23, 1961 they performed "Quite A Party". They later appeared on Clark's Saturday Night show, as well as various other national and regional shows.

WARWICK records released additional singles which included "Quite A Party", and an album.

Little did the Fireballs know by now that their guitar instrumental music was one of the foundational influences of the Surf music culture that was starting to make big waves.

Coupled with a new vocalist, Jimmy Gilmer, the Fireballs savored success in a new dimension. "Sugar Shack" on DOT records was a #1 hit and the largest selling single of the year. More vocal singles and albums followed. It was a very unique transition in the music business for an 'instrumental guitar band' to become 'vocal' and retain prestige in both fields.

Besides their own recordings, Petty recruited the Fireballs as studio musicians for other recording artist projects. Among many, folk singer Carolyn Hester and Arthur Alexander. It was during this time that Petty orchestrated the group through the task of musically enhancing the Buddy Holly 'apartment tapes' which surfaced after Holly's death.

The late 60's found the Fireballs on ATCO records with more chart singles and albums. Gilmer's gutsy lead vocal along with the backup vocals from the Fireballs sang their way to another top 10 tune with "Bottle Of Wine" followed closely by "Come On React", of which albums were released under each of the titles.

Their Current recordings of traditional 50's/60's style guitar instrumentals, vocals, and their own brand of country-rock music reflect trace influences of Mexican and 'western' music dominant in the Southwest prior to the start of their recording career.

Fireballs recordings and songs are heard in the soundtracks of the following films: Forrest Gump , Mermaids , Congo , Dogfight , From Dusk Till Dawn , Box Of Moonlight , The Real Blonde, with others being negotiated for upcoming films.

July 28, 1989 the Fireballs were inducted into the Norman Petty Studio Walk Of Fame by Vi Petty, and headlined the show that evening at the Petty's Main Street Theatre in Clovis, New Mexico.  Three original members performed : Chuck Tharp- vocal & guitar ,  Eric Budd - drums and George Tomsco - lead guitar . Standing in for original bass player (Stan Lark) was Fireball's historian Jerry MacNeish on bass.

The Fireballs performed at the Nebraska Music Hall Of Fame induction ceremonies in Lincoln, Nebraska in 2000.

On August 29, 2001, The Fireballs were inducted into the West Texas Rock & Roll Walk Of Fame in Lubbock, TX. Members present were George Tomsco, Stan Lark, Eric Budd, Chuck Tharp & Jimmy Gilmer - all performed together at the Texas Tech Stadium that evening.

In recognition of their appearance on American Bandstand performance 45 years previous, The State Of New Mexico declared January 20, 2005 "The Fireballs Day".
 
Stan Lark retired from the band in 2016, after being the group's bassist for 58 years.

The lead guitar stylings of George Tomsco are still enjoyed today with his
performances with backup bands, and the occasional show with Jimmy Gilmer.


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Procedentes de Ratón, Nuevo México, a finales de los años 50, los Fireballs fueron la primera banda de Rock & Roll de Nuevo México que se dio a conocer internacionalmente.

El grupo fue bautizado como los FIREBALLS® después de su interpretación de "Great Balls of Fire" en el concurso de talentos de la Asociación de Padres de Alumnos de la escuela secundaria de Ratón en Nuevo México, Estados Unidos... enero de 1958. A finales de año habían hecho una audición para el difunto Norman Petty en su ya internacionalmente famoso estudio de grabación en el 1313 W. 7th Street, Clovis, Nuevo México, donde se encuentra hoy en día - una contribución monumental al nacimiento del primer estilo de Rock & Roll del suroeste.
    
Al llegar un domingo por la tarde para su audición, Petty reconoció su interés por el estilo básico, la sencillez y el sentimiento con el que el grupo interpretaba sus instrumentales de guitarra originales y las voces escritas por los miembros George Tomsco y Chuck Tharp.

Buddy Holly and the Crickets tenían programadas sesiones de grabación nocturnas el lunes y el martes, así que Petty registró la primera sesión de Fireballs para la noche del miércoles.

En enero de 1959, en el programa American Bandstand de Dick Clark, se publicó su primer disco en KAPP Records. "Fireball", un instrumental de guitarra; y "I Don't Know", una voz de Chuck Tharp. "Fireball" fue la "elección" de Billboard, lo que dio lugar a las primeras emisiones y ventas.

Petty pronto negoció un contrato para el grupo con un nuevo y agresivo sello británico en los Estados Unidos, TOP RANK records. Como resultado, siguieron más singles y álbumes en las listas de éxitos: "Torquay", "Bulldog" y "Vaquero", que les llevó a aparecer en dos ocasiones en el programa American Bandstand de Dick Clark. El 4 de enero de 1960 interpretaron "Bulldog" y el 23 de junio de 1961 "Quite A Party". Más tarde aparecieron en el programa Saturday Night de Clark, así como en otros programas nacionales y regionales.

WARWICK records lanzó otros singles que incluían "Quite A Party", y un álbum.

Poco sabían ya los Fireballs que su música instrumental de guitarra era una de las influencias fundacionales de la cultura musical del surf que estaba empezando a hacer grandes olas.

Junto con un nuevo vocalista, Jimmy Gilmer, los Fireballs saborearon el éxito en una nueva dimensión. "Sugar Shack", en DOT records, fue un éxito número 1 y el single más vendido del año. Le siguieron más singles y álbumes vocales. Fue una transición muy singular en el negocio de la música que una "banda instrumental de guitarra" se convirtiera en "vocal" y conservara el prestigio en ambos campos.

Además de sus propias grabaciones, Petty reclutó a los Fireballs como músicos de estudio para otros proyectos de artistas. Entre ellos, la cantante folk Carolyn Hester y Arthur Alexander. Fue durante esta época cuando Petty orquestó al grupo en la tarea de mejorar musicalmente las "cintas de apartamento" de Buddy Holly que salieron a la luz tras la muerte de éste.

A finales de los años 60, los Fireballs se unieron a ATCO Records con más singles y álbumes en las listas de éxitos. La valiente voz principal de Gilmer, junto con los coros de los Fireballs, se abrieron camino hacia otro top 10 con "Bottle Of Wine", seguido de cerca por "Come On React", de los cuales se publicaron álbumes con cada uno de los títulos.

Sus grabaciones actuales de instrumentales de guitarra de estilo tradicional de los años 50/60, voces y su propia marca de música country-rock reflejan las influencias de la música mexicana y del "oeste" dominante en el suroeste antes del comienzo de su carrera discográfica.

Las grabaciones y canciones de Fireballs se escuchan en las bandas sonoras de las siguientes películas Forrest Gump , Mermaids , Congo , Dogfight , From Dusk Till Dawn , Box Of Moonlight , The Real Blonde, y se están negociando otras para próximas películas.

El 28 de julio de 1989, los Fireballs fueron incluidos en el Paseo de la Fama del Estudio Norman Petty por Vi Petty, y encabezaron el espectáculo esa noche en el Petty's Main Street Theatre en Clovis, Nuevo México.  Tres miembros originales actuaron: Chuck Tharp - voz y guitarra, Eric Budd - batería y George Tomsco - guitarra principal. En lugar del bajista original (Stan Lark) estuvo el historiador de los Fireballs Jerry MacNeish en el bajo.

Los Fireballs actuaron en las ceremonias de inducción del Salón de la Fama de la Música de Nebraska en Lincoln, Nebraska, en 2000.

El 29 de agosto de 2001, The Fireballs fueron incluidos en el West Texas Rock & Roll Walk Of Fame en Lubbock, TX. Los miembros presentes fueron George Tomsco, Stan Lark, Eric Budd, Chuck Tharp y Jimmy Gilmer - todos ellos actuaron juntos en el Texas Tech Stadium esa noche.
En reconocimiento a su actuación en American Bandstand 45 años antes, el Estado de Nuevo México declaró el 20 de enero de 2005 "Día de los Fireballs".
 
Stan Lark se retiró de la banda en 2016, después de ser el bajista del grupo durante 58 años.

El estilo de la guitarra principal de George Tomsco se sigue disfrutando hoy en día con sus
actuaciones con bandas de acompañamiento, y algún que otro concierto con Jimmy Gilmer.


www.fireballs-original.com ...


 

Johnny Colon & Orchestra • Boogaloo Blues

 

Johnny Colon is an American salsa musician, leader of the Johnny Colon Orchestra and founder of the East Harlem Music School, also known as a major contributor to the boogaloo sound of the 1960s.

Colon was born in New York City to parents of Puerto Rican heritage. He wrote most of the Orchestra's tunes, sings, plays percussion, piano and trombone, and first found success in the world of salsa with his 1967 debut album, Boogaloo Blues.[1][2] The record was produced by George Goldner and sold around three million copies worldwide.[3] He released five albums over the period 1967-72, and in 1968 founded the East Harlem Music School.[2] His 2008 album "Keeping It Real" features the American pop songbook.

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Johnny Colón es un músico de salsa estadounidense, líder de la Orquesta Johnny Colón y fundador de la Escuela de Música de East Harlem, también conocido como uno de los principales contribuyentes al sonido del boogaloo de los años 60.

Colón nació en la ciudad de Nueva York de padres de origen puertorriqueño. Escribió la mayor parte de las melodías de la Orquesta, canta, toca percusión, piano y trombón, y encontró por primera vez el éxito en el mundo de la salsa con su álbum debut de 1967, Boogaloo Blues. El disco fue producido por George Goldner y vendió alrededor de tres millones de copias en todo el mundo Publicó cinco álbumes en el período 1967-72, y en 1968 fundó la Escuela de Música del Este de Harlem Su álbum de 2008, Keeping It Real, presenta el cancionero pop estadounidense.

Dengue Fever • In The Ley Lines

 

Artist Biography:

Dengue Fever is a six-member band from Los Angeles who combine Cambodian pop music and lyrics with psychedelic rock.

The band was formed in 2001 by Ethan Holtzman and his brother Zac after Ethan was inspired by a trip to Cambodia. As Ethan and Zac were searching for a vocalist to sing in Khmer, lead singer Chhom Nimol was discovered in a nightclub in the Little Phnom Penh area of Long Beach. She was already a well-known karaoke singer in Cambodia, but decided to move to the United States after visiting her sister, and thought it was a good chance to make more money to send to her family back home. Zac is a vocalist and guitarist, formerly with Dieselhed, while Ethan plays the Farfisa organ. Rounding out the band are bassist Senon Williams (who played in Radar Bros until January 2009), drummer Paul Smith, and David Ralicke on brass.

Their self-titled debut album was released in 2003. All lyrics on the earlier albums are sung in Khmer, while the third album introduces some songs in English. Many of the songs are covers of 1960s Cambodian rock tunes by such artists as Sinn Sisamouth, Pan Ron, and Ros Serey Sothea, but some are originals, first written in English by the Holtzmans before being translated.

In 2005, the band toured Cambodia during the Bon Om Thook water festival, to critical acclaim. The documentary film Sleepwalking Through the Mekong documents the band's touring in Phnom Penh and other major Cambodian cities. There, singer Chhom Nimol, whose family included renowned singers from the 1970s onward, reconnected with the Cambodian fanbase, many of whom remembered the heyday of Cambodian rock from that era. The trip was a transforming experience for the rest of the band as they performed with master musicians and recorded new songs along the way, providing the band with new material. The film also reveals aspects of modern Cambodia, as the band crosses a cultural chasm with the same spirit as Cambodia's original rock pioneers.

Also in 2005, their second album, Escape from Dragon House, was released, containing more original songs. Escape from Dragon House was one of Amazon.com's Top 100 Editor's Picks of 2005. It was re-released on limited edition colored vinyl on August 26, 2008.

In June 2008, Real World Records released Venus On Earth in all territories outside of the U.S. and Canada. Peter Gabriel, founder of their new label, said of the deal, "We have Dengue Fever coming out on Real World Records (outside of the USA) - it’s really cool stuff, with the small Cambodian singer and big American guys behind! They’re California based but have taken 60’s Cambodian pop as their main source of inspiration and it’s done with a lot of style. It’s spirited, impassioned stuff." Venus On Earth was selected as one of the best world music records of 2008 by the iTunes Store.

Dengue Fever has entered into partnerships with a number of charitable organizations to support causes in Cambodia. They are involved with the wildlife and forest conservation organization Wildlife Alliance, and have donated recordings for charity records with the Sweet Relief Fund, a charity that aims to provide financial assistance to musicians dealing with illness, disability, or age-related issues. The group also compiled a collection of Cambodian rock music from the pre-Khmer Rouge era, entitled "Electric Cambodia", in 2010. All proceeds from this album were dedicated to Cambodian Living Arts.

Dengue Fever were winners of the 8th annual Independent Music Awards for best World Fusion Album.

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Biografía del artista:

Dengue Fever es una banda de seis miembros de Los Ángeles que combina la música y las letras del pop camboyano con el rock psicodélico.

La banda se formó en 2001 por Ethan Holtzman y su hermano Zac después de que Ethan se inspirara en un viaje a Camboya. Mientras Ethan y Zac buscaban un vocalista para cantar en Khmer, el cantante principal Chhom Nimol fue descubierto en un club nocturno en el área de Little Phnom Penh en Long Beach. Ya era una conocida cantante de karaoke en Camboya, pero decidió mudarse a los Estados Unidos después de visitar a su hermana, y pensó que era una buena oportunidad para ganar más dinero para enviar a su familia en su país. Zac es vocalista y guitarrista, anteriormente en Dieselhed, mientras que Ethan toca el órgano Farfisa. Completan la banda el bajista Senon Williams (que tocó en Radar Bros hasta enero de 2009), el baterista Paul Smith y David Ralicke en los metales.

Su álbum de debut autotitulado fue lanzado en 2003. Todas las letras de los primeros álbumes están cantadas en jemer, mientras que el tercer álbum introduce algunas canciones en inglés. Muchas de las canciones son versiones de canciones de rock camboyano de los años 60 de artistas como Sinn Sisamouth, Pan Ron y Ros Serey Sothea, pero algunas son originales, escritas primero en inglés por los Holtzmans antes de ser traducidas.

En 2005, la banda realizó una gira por Camboya durante el festival del agua Bon Om Thook, que fue aclamada por la crítica. El documental Sleepwalking Through the Mekong (Caminando dormido por el Mekong) documenta la gira de la banda por Phnom Penh y otras grandes ciudades camboyanas. Allí, el cantante Chhom Nimol, en cuya familia había cantantes de renombre a partir de los años setenta, volvió a conectar con la base de fans camboyanos, muchos de los cuales recordaban el apogeo del rock camboyano de esa época. El viaje fue una experiencia transformadora para el resto de la banda, ya que actuaron con músicos maestros y grabaron nuevas canciones a lo largo del camino, proporcionando a la banda nuevo material. La película también revela aspectos de la Camboya moderna, ya que la banda atraviesa un abismo cultural con el mismo espíritu que los pioneros del rock original de Camboya.

También en 2005 se publicó su segundo álbum, Escape de la Casa del Dragón, que contiene más canciones originales. Escape from Dragon House fue uno de los 100 mejores álbumes de Amazon.com de 2005. Fue relanzado en una edición limitada de vinilo a color el 26 de agosto de 2008.

En junio de 2008, Real World Records lanzó Venus en la Tierra en todos los territorios fuera de los Estados Unidos y Canadá. Peter Gabriel, fundador de su nuevo sello, dijo sobre el acuerdo: "Tenemos la fiebre del dengue que sale en Real World Records (fuera de los EE.UU.) - es un material realmente genial, con el pequeño cantante camboyano y los grandes tipos americanos detrás! Tienen su sede en California, pero han tomado el pop camboyano de los 60 como su principal fuente de inspiración y lo han hecho con mucho estilo. Es un material enérgico y apasionado." Venus On Earth fue seleccionado como uno de los mejores discos de música del mundo de 2008 por la iTunes Store.

La fiebre del dengue se ha asociado con varias organizaciones de beneficencia para apoyar causas en Camboya. Participan en la organización de conservación de la vida silvestre y los bosques Wildlife Alliance, y han donado grabaciones para discos de beneficencia al Sweet Relief Fund, una organización benéfica que tiene por objeto prestar asistencia financiera a los músicos que se ocupan de enfermedades, discapacidades o cuestiones relacionadas con la edad. El grupo también compiló en 2010 una colección de música rock camboyana de la época anterior a los jemeres rojos, titulada "Camboya eléctrica". Todos los ingresos de este álbum se dedicaron a las artes vivas camboyanas.

Dengue Fever fueron los ganadores de los octavos premios anuales de música independiente al mejor álbum de fusión del mundo.