Al Cohn • The Brothers!

  

Review
by Scott Yanow
Lester Young's influence on younger tenor players was at its height in the early-to-mid-'50s. This enjoyable session matches together the three tenors of Al Cohn, Bill Perkins and Richie Kamuca but good luck telling them apart! Backed by pianist Hank Jones, either Barry Galbraith or Jimmy Raney (who used the pseudonym on this date of Sam Beethoven) on guitar, bassist John Beal and drummer Chuck Flores, the tenors play concise versions of originals by Cohn, Perkins, Nat Pierce, Bill Potts and Bob Brookmeyer in addition to the lone standard "Blue Skies." The music is fun and swinging if not all that original or distinctive. [The disc was issued by Mosaic in 2006 with the addition of four bonus tracks.]
https://www.allmusic.com/album/the-brothers%21-mw0000699291

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Reseña
por Scott Yanow
La influencia de Lester Young en los tenores más jóvenes estaba en su apogeo a principios y mediados de los 50. Esta agradable sesión reúne a los tres tenores Al Cohn, Bill Perkins y Richie Kamuca, ¡pero buena suerte para distinguirlos! Respaldados por el pianista Hank Jones, Barry Galbraith o Jimmy Raney (que utilizó el seudónimo en esta fecha de Sam Beethoven) a la guitarra, el bajista John Beal y el batería Chuck Flores, los tenores tocan versiones concisas de originales de Cohn, Perkins, Nat Pierce, Bill Potts y Bob Brookmeyer, además del único estándar "Blue Skies". La música es divertida y con mucho swing, aunque no sea tan original o distintiva. [El disco fue publicado por Mosaic en 2006 con la adición de cuatro temas extra].
https://www.allmusic.com/album/the-brothers%21-mw0000699291

Wayne Shorter • Juju

 

 

Biography by Richard S. Ginell
Wayne Shorter was one of jazz's leading figures in the late 20th and early 21st centuries as both a composer and saxophonist. Though indebted to John Coltrane, with whom he practiced in the mid-'50s, Shorter developed his own voice and style on the tenor horn, retaining the tough tone quality and intensity and, in later years, adding elements of funk. On soprano, Shorter was almost another player entirely, his lovely tone attuned more to lyrical thoughts, his choice of notes more spare. As a composer, he wrote complex, long-limbed tunes, many of which are now standards. On his '60s albums for Blue Note, most notably Juju and Night Dreamer, the composer and the saxophone stylist meet. He co-founded Weather Report in 1970 and through 1986 released Grammy-winning albums. He issued jazz-funk recordings for Columbia and Verve in the late '80s and early '90s, including Joy Ryder and High Life. On 2002's Footprints Live!, and 2003's Alegria, Shorter showcased a new acoustic quartet dedicated to performing his compositions. As he entered his eighties, Shorter focused on impressively complex projects, including 2018's Emanon, a graphic novel combined with four-part studio suite and 2021's opera based on Greek myths titled Iphigenia.

Shorter started playing the clarinet at 16 but switched to tenor sax before entering New York University in 1952. After graduating with a BME in 1956, he played with Horace Silver for a short time until he was drafted into the Army for two years. Once out of the service, he joined Maynard Ferguson's band, meeting Ferguson's pianist Joe Zawinul in the process. The following year (1959), Shorter joined Art Blakey's Jazz Messengers, where he remained until 1963, eventually becoming the band's music director. During the Blakey period, Shorter also made his debut on record as a leader, cutting several albums for Chicago's Vee-Jay label. After a few prior attempts to hire him away from Blakey, Miles Davis finally convinced Shorter to join his quintet in September 1964.

Staying with Davis until 1970, Shorter became one of the band's most prolific composer, contributing tunes like "E.S.P.," "Pinocchio," "Nefertiti," "Sanctuary," "Footprints," "Fall," and the signature description of Davis, "Prince of Darkness." While playing through Davis' transition from loose, post-bop acoustic jazz into electronic jazz-rock, Shorter also took up the soprano in late 1968, an instrument that turned out to be more suited to riding above the new electronic timbres than the tenor. As a prolific solo artist for Blue Note during this period, Shorter expanded his palette from hard bop almost into the atonal avant-garde, with fascinating excursions into jazz-rock territory toward the turn of the decade.

In November 1970, Shorter teamed up with old cohort Joe Zawinul and Miroslav Vitous to form Weather Report where, after a fierce start, Shorter's playing grew mellower and more consciously melodic in order to fit into Zawinul's concepts. By now he was playing mostly on soprano, though the tenor would re-emerge toward the end of the group's run. Shorter's solo career was mostly put on hold during the Weather Report days, though 1975's Native Dancer was an attractive side trip into Brazilian-American tropicalismo made in tandem with Milton Nascimento. Shorter also revisited the past in the late '70s by touring with Freddie Hubbard and ex-Davis sidemen Herbie Hancock, Ron Carter, and Tony Williams as V.S.O.P.

Shorter finally left Weather Report in 1985. Still committed to electronics and fusion, his recorded compositions from the period feature welcoming rhythms and harmonically complex arrangements. After three Columbia albums between 1986 and 1988 -- Atlantis, Phantom Navigator, and Joy Ryder -- and a tour with Santana (represented by the 2005 album Montreux 1988), he lapsed into silence, emerging again in 1992 with Wallace Roney and the V.S.O.P. rhythm section in the "A Tribute to Miles" band. In 1994, now on Verve, Shorter released High Life, an engaging electric collaboration with keyboardist Rachel Z.

He continued playing concerts with a wide range of groups and appeared on a number of recordings as a guest including the Rolling Stones' Bridges to Babylon in 1997 and Herbie Hancock's Gershwin's World in 1998. In 2001, he was back with Hancock for Future 2 Future and on Marcus Miller's M². Footprints Live! was released in 2002 under his own name with a new band that included pianist Danilo Pérez, bassist John Patitucci, and drummer Brian Blade, followed by Alegria in 2003 and Beyond the Sound Barrier in 2005.

Though absent from recording, Shorter continued to tour regularly with the same quartet after 2005. They re-emerged to record again in February of 2013 with a live outing from their 2011 tour. Without a Net, his first recording for Blue Note in 43 years, was issued in February of 2013 as a precursor to his 80th birthday. Just after that release, the Wayne Shorter Quartet performed four of the leader's compositions with the Orpheus Chamber Orchestra at Carnegie Hall in New York City. Shorter immediately brought the quartet and orchestra into the studio to record those same four pieces: "Pegasus," "Prometheus Unbound," "Lotus," and "The Three Marias," as a unified suite. The title of this four-composition orchestral suite is also Shorter’s title character for the graphic novel Emanon, or "no name" spelled backward. Each of the four movements has a corresponding theme in a graphic novel penned by Shorter and Monica Sly and illustrated by Randy DeBurke. It draws inspiration from the concept of a multiverse (where numerous universes co-exist simultaneously) and features a character named Emanon, an action-hero proxy of Shorter, a comic book aficionado since he was a boy. The story alludes to dystopian oppression and was clearly informed by the saxophonist's Buddhist studies. All told, the music -- performed by the quartet with and without the chamber orchestra -- was recorded live in London as well as in the studio, creating a triple album accompanied by the 84-page graphic novel. Emanon was issued in September of 2018, just after Shorter's 85th birthday. His next project proved just as ambitious, writing an opera based around the myth of Iphigenia, a Greek princess. Shorter co-created the work with librettist esperanza spalding and set designer Frank Gehry. The work merged jazz and classical themes and premiered in New York at the end of 2021. The following year Candid released Live at the Detroit Jazz Festival. Recorded at the 2017 event, it featured Shorter in a one-off quartet setting that included drummer Terri Lyne Carrington, bassist/vocalist esperanza spalding, and Argentine pianist Leo Genovese. It proved to be the last music issued during his lifetime, as he passed away in March of 2023 at the age of 89.

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Biografía de Richard S. Ginell
Wayne Shorter fue una de las figuras más destacadas del jazz de finales del siglo XX y principios del XXI como compositor y saxofonista. Aunque deudor de John Coltrane, con quien practicó a mediados de los años 50, Shorter desarrolló su propia voz y estilo en la trompa tenor, conservando la calidad e intensidad del tono duro y, en años posteriores, añadiendo elementos de funk. En la soprano, Shorter era casi otro intérprete, con un timbre encantador más acorde con los pensamientos líricos y una elección de notas más sobria. Como compositor, escribía melodías complejas y de largo aliento, muchas de las cuales se han convertido en estándares. En sus álbumes de los años 60 para Blue Note, entre los que destacan Juju y Night Dreamer, el compositor y el saxofonista se encuentran. Fue cofundador de Weather Report en 1970 y hasta 1986 publicó álbumes ganadores del Grammy. Publicó grabaciones de jazz-funk para Columbia y Verve a finales de los 80 y principios de los 90, entre ellas Joy Ryder y High Life. En Footprints Live!, de 2002, y Alegria, de 2003, Shorter presentó un nuevo cuarteto acústico dedicado a interpretar sus composiciones. Al entrar en la década de los ochenta, Shorter se centró en proyectos impresionantemente complejos, como Emanon, de 2018, una novela gráfica combinada con una suite de estudio en cuatro partes, y la ópera de 2021 basada en los mitos griegos titulada Ifigenia.

Shorter empezó a tocar el clarinete a los 16 años, pero cambió al saxo tenor antes de ingresar en la Universidad de Nueva York en 1952. Tras licenciarse en 1956, tocó con Horace Silver durante un breve periodo hasta que fue reclutado por el ejército durante dos años. Una vez fuera del servicio, se unió a la banda de Maynard Ferguson, conociendo en el proceso al pianista de Ferguson, Joe Zawinul. Al año siguiente (1959), Shorter se unió a los Jazz Messengers de Art Blakey, donde permaneció hasta 1963, llegando a convertirse en el director musical de la banda. Durante el periodo de Blakey, Shorter también debutó en el mundo discográfico como líder, grabando varios álbumes para el sello Vee-Jay de Chicago. Tras varios intentos previos de contratarle lejos de Blakey, Miles Davis convenció finalmente a Shorter para que se uniera a su quinteto en septiembre de 1964.

Permaneciendo con Davis hasta 1970, Shorter se convirtió en uno de los compositores más prolíficos de la banda, contribuyendo con temas como "E.S.P.", "Pinocchio", "Nefertiti", "Sanctuary", "Footprints", "Fall" y la descripción característica de Davis, "Prince of Darkness". Durante la transición de Davis del jazz acústico post-bop al jazz-rock electrónico, Shorter también tocó la soprano a finales de 1968, un instrumento que resultó ser más adecuado que el tenor para navegar por encima de los nuevos timbres electrónicos. Como prolífico solista para Blue Note durante este periodo, Shorter amplió su paleta desde el hard bop casi hasta la vanguardia atonal, con fascinantes incursiones en el territorio del jazz-rock hacia el final de la década.

En noviembre de 1970, Shorter se unió a su viejo amigo Joe Zawinul y a Miroslav Vitous para formar Weather Report, donde, tras un feroz comienzo, la forma de tocar de Shorter se hizo más suave y más conscientemente melódica para encajar en los conceptos de Zawinul. Para entonces tocaba sobre todo como soprano, aunque el tenor resurgiría hacia el final de la carrera del grupo. La carrera en solitario de Shorter quedó en suspenso durante la época de Weather Report, aunque Native Dancer, de 1975, fue un atractivo viaje paralelo al tropicalismo brasileño-estadounidense realizado en colaboración con Milton Nascimento. Shorter también revisitó el pasado a finales de los 70 haciendo giras con Freddie Hubbard y los ex-compañeros de Davis Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams como V.S.O.P.

Shorter abandonó finalmente Weather Report en 1985. Aún comprometido con la electrónica y la fusión, sus composiciones grabadas de la época presentan ritmos acogedores y arreglos armónicamente complejos. Después de tres álbumes de Columbia entre 1986 y 1988 -- Atlantis, Phantom Navigator y Joy Ryder -- y una gira con Santana (representada por el álbum de 2005 Montreux 1988), se sumió en el silencio, emergiendo de nuevo en 1992 con Wallace Roney y la sección rítmica de V.S.O.P. en la banda "A Tribute to Miles". En 1994, ahora en Verve, Shorter publicó High Life, una atractiva colaboración eléctrica con la teclista Rachel Z.

Siguió dando conciertos con una amplia gama de grupos y apareció en varias grabaciones como invitado, entre ellas Bridges to Babylon, de los Rolling Stones, en 1997, y Gershwin's World, de Herbie Hancock, en 1998. En 2001, volvió con Hancock para Future 2 Future y en M² de Marcus Miller. Footprints Live! se publicó en 2002 bajo su propio nombre con una nueva banda que incluía al pianista Danilo Pérez, el bajista John Patitucci y el batería Brian Blade, seguido de Alegria en 2003 y Beyond the Sound Barrier en 2005.

Aunque ausente de las grabaciones, Shorter siguió girando regularmente con el mismo cuarteto después de 2005. Volvieron a grabar en febrero de 2013 con una grabación en directo de su gira de 2011. Without a Net, su primera grabación para Blue Note en 43 años, se publicó en febrero de 2013 como antesala de su 80 cumpleaños. Justo después de ese lanzamiento, el Wayne Shorter Quartet interpretó cuatro de las composiciones del líder con la Orpheus Chamber Orchestra en el Carnegie Hall de Nueva York. Shorter llevó inmediatamente al cuarteto y a la orquesta al estudio para grabar esas mismas cuatro piezas: "Pegasus", "Prometheus Unbound", "Lotus" y "The Three Marias", como una suite unificada. El título de esta suite orquestal de cuatro composiciones es también el título del personaje de Shorter para la novela gráfica Emanon, o "sin nombre" deletreado al revés. Cada uno de los cuatro movimientos tiene su correspondiente tema en una novela gráfica escrita por Shorter y Monica Sly e ilustrada por Randy DeBurke. Se inspira en el concepto de multiverso (donde coexisten simultáneamente numerosos universos) y presenta a un personaje llamado Emanon, un héroe de acción apoderado de Shorter, aficionado a los cómics desde niño. La historia alude a la opresión distópica y está claramente inspirada en los estudios budistas del saxofonista. En total, la música -interpretada por el cuarteto con y sin la orquesta de cámara- se grabó en directo en Londres, así como en el estudio, creando un álbum triple acompañado de la novela gráfica de 84 páginas. Emanon se publicó en septiembre de 2018, justo después del 85 cumpleaños de Shorter. Su siguiente proyecto resultó igual de ambicioso: escribir una ópera basada en el mito de Ifigenia, una princesa griega. Shorter co-creó la obra con la libretista Esperanza Spalding y el escenógrafo Frank Gehry. La obra fusionaba temas de jazz y clásicos y se estrenó en Nueva York a finales de 2021. Al año siguiente, Candid publicó Live at the Detroit Jazz Festival. Grabado en el evento de 2017, presentaba a Shorter en un cuarteto único que incluía a la baterista Terri Lyne Carrington, la bajista/vocalista Esperanza Spalding y el pianista argentino Leo Genovese. Fue el último disco que Shorter publicó en vida, ya que falleció en marzo de 2023 a la edad de 89 años.

wayneshorter.com ...

Maceo Parker • Mo'Roots

Review by Rob Bowman

The second Roots installment, Mo' Roots was cut minus Pullen and Collins, leaning a little more toward the instrumental soul side. Three fine originals in conjunction with covers of Ray Charles, Marvin Gaye, Otis Redding, Horace Silver, and Lionel Hampton.

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TraducciónAutomática:

Revisión por Rob Bowman

La segunda entrega de Roots, Mo 'Roots fue cortada menos Pullen y Collins, inclinándose un poco más hacia el lado instrumental del alma. Tres originales excelentes junto con las portadas de Ray Charles, Marvin Gaye, Otis Redding, Horace Silver y Lionel Hampton.

Steve Lacy • Soprano Sax

Soprano Sax (also released as Soprano Today) is the debut album by Steve Lacy which was released on the Prestige label in 1958. It features performances by Lacy, Wynton Kelly, Buell Neidlinger and Dennis Charles.

The Allmusic review by Bob Rusch awarded the album 4.5 stars stating "This was the first of three recordings soprano saxophonist Steve Lacy made for Prestige and this 11/1/57 session was his first as a leader...There was a controlled tension to this date, like everybody's trying to play, carefully, to a common goal. It's almost as if someone were present to make sure everybody stayed within obvious perimeters."

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Soprano Sax (también lanzado como Soprano Today) es el álbum debut de Steve Lacy, que fue lanzado en el sello Prestige en 1958. Presenta actuaciones de Lacy, Wynton Kelly, Buell Neidlinger y Dennis Charles.

La revisión de Allmusic por Bob Rusch le otorgó al álbum 4.5 estrellas diciendo "Esta fue la primera de las tres grabaciones que el saxofonista soprano Steve Lacy hizo para Prestige y esta sesión del 11/1/57 fue su primera como líder ... Hubo una tensión controlada para esta fecha, como todo el mundo intenta jugar, con cuidado, hacia un objetivo común. Es casi como si alguien estuviera presente para asegurarse de que todos permanecieran dentro de los perímetros obvios ".

 

 

Eric Alexander • The Real Thing

 

The saxophonist Eric Alexander has found an almost infallible formula that has led him to be one of the most outstanding saxophonists of his generation when it comes to the more classical jazz tradition. The recipe is summarized in the '4 Bs': blues, ballads, bosses and boppers.

With that alchemy well mixed in the choice of songs to play, Eric Alexander has achieved, once again, that his new album 'The real thing' has an attractive sound, where the best past of jazz is alive and present. And no, it doesn't sound old, quite the contrary; many of those jazzmen who call themselves modern would like it to sound like this musician and his band.

His band. One of the best things this saxophonist has achieved is to create a band, a stable formation that they have been playing together for many years. And that shows; the filling, the cleaning of the sound, the interpretative freedom, the swing that they distill. With him are his friend, teacher and mentor Harold Mabern, drummer Joe Farnsworth and double bassist John Webber, and on this album they have been joined by guitarist Pat Martino, another of the important names in Alexander's training and subsequent career.

The most bopper part of the album is in a formidable 'The Night Has A Thousand Eyes' and 'For George and Trane', where the saxophone gives free rein to its more coltrenian side; the look to the bossa is in the charming 'Little boat', a theme of Roberto Menescal; The blues is in the version of 'Summertime', with a great Pat Martino, and the ballads have their representation in 'Sleep Warm', and as Harold Marben was always a very muscular pianist for the end have left 'The Chief'.

Yes, if you like jazz well played, clean, nice, brilliant, then this is, by far, your record.
J.M.P.R.
http://www.distritojazz.com/discos-jazz/eric-alexander-the-real-thing

Translated with www.DeepL.com/Translator

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El saxofonista Eric Alexander ha encontrado una fórmula casi infalible que le ha llevado a ser uno de los más destacados saxofonistas de su generación en los que se refiere al jazz de tradición más clásica. La receta se resume en las ‘4 Bs’: blues, baladas, bossas y boppers.

Con esa alquímica bien mezclada en la elección de los temas a tocar, Eric Alexander ha logrado, una vez más, que su nuevo disco ‘The real thing’ tenga un sonido atrayente, donde el mejor pasado del jazz esté vivo y presente. Y no, no suena a viejo, sino todo lo contrario; ya le gustaría a muchos de esos jazzman que se las dan de modernos sonar como suena este músico y su banda.

Su banda. Una de las mejores cosas que ha logrado este saxofonista ha sido crear una banda, una formación estable que llevan tocando juntos muchos años. Y eso se nota; el empaste, la limpieza del sonido, la libertad interpretativa, el swing que destilan. Con él están su amigo, profesor y mentor Harold Mabern, el baterista Joe Farnsworth y el contrabajista John Webber. Y en este disco se les ha unido en tres temas el guitarrista Pat Martino, otro de los nombres importantes en la formación y posterior trayectoria profesional de Alexander.

La parte más bopper del disco está en un formidable del ‘The Night Has A Thousand Eyes’ y en ‘For George and Trane’, donde el saxo da rienda suelta a su lado más coltreniano; la mirada a la bossa está en el encantador ‘Little boat’, un tema de Roberto Menescal; el blues se encuentra en la versión del ‘Summertime’, con un estupendo Pat Martino, y las baladas tienen su representación en ‘Sleep Warm’; y como Harold Marben siempre fue un pianista muy musculado para el final han dejado ‘The Chief’.

Sí, si te gusta el jazz bien tocado, limpio, agradable, brillante, entonces este es, de lejos, tu disco.
J.M.P.R.
http://www.distritojazz.com/discos-jazz/eric-alexander-the-real-thing


www.ericalexanderjazz.com ...

Zoot Sims & Bob Brookmeyer • Stretching Out & Kansas City Sound

Bob Brookmeyer’s early environment was in the jazz bedrock of his native Kansas City. As a player, he has been one of the most expressive and emotional of all modern trombonists… His specialty being the one with valves rather than a slide. But despite his style not being limited to any school or attitude, he have always been very conscious of the foundations of jazz—with a heavy emphasis on the wonderful, rolling swing that was so much a part of the Basie organization.

His ideas evolved from his own experiences. “I’m not afraid of being called regressive,” he said. “Music can be like love and painting. Just because a song and spirit have been around for awhile doesn’t mean it’s diminished in value.” On these two great 1958 sessions, Brookmeyer and friends revisit some old, swinging Kansas City sounds along with pleasant new tunes. Over-all, there is a wonderful rhythm and feeling replete with good solos that make for very rewarding listening.

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El entorno inicial de Bob Brookmeyer estaba en la base del jazz de su ciudad natal, Kansas City. Como músico, ha sido uno de los trombonistas más expresivos y emocionales de todos los modernos... Su especialidad es el que tiene válvulas en lugar de diapositivas. Pero a pesar de que su estilo no se limita a ninguna escuela o actitud, siempre ha sido muy consciente de los fundamentos del jazz, con un gran énfasis en el maravilloso y rodante swing que fue parte de la organización Basie.

Sus ideas evolucionaron a partir de sus propias experiencias. "No tengo miedo de que me llamen regresivo", dijo. "La música puede ser como el amor y la pintura. El hecho de que una canción y un espíritu hayan existido durante un tiempo no significa que su valor haya disminuido." En estas dos grandes sesiones de 1958, Brookmeyer y sus amigos repasan algunos viejos sonidos de Kansas City junto con nuevas y agradables melodías. En general, hay un ritmo maravilloso y un sentimiento repleto de buenos solos que son muy gratificantes.

Willis Jackson • The Gator Horn

Review by Scott Yanow

Virtually all of tenor saxophonist Willis "Gator" Jackson's albums for Muse in the 1970s (and fortunately, there are many of them) are well worth picking up. Jackson's basic tenor always contained plenty of soul, the potential of exploding, and an attractive warm sound. For this fine set, Gator alternates between romps (some of which are funky) and ballads ("You've Changed" and "This Is Always"). Excellent support is contributed by organist Carl Wilson, guitarist Boogaloo Joe Jones, bassist Dud Bascomb, drummer Yusef Ali, and Buddy Caldwell on conga.

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Revisión por Scott Yanow

Prácticamente todos los álbumes del saxofonista tenor Willis "Gator" Jackson para Muse en la década de 1970 (y, afortunadamente, hay muchos de ellos) bien valen la pena. El tenor básico de Jackson siempre contenía un montón de alma, el potencial de explosión y un sonido cálido y atractivo. Para este conjunto fino, Gator alterna entre romps (algunos de los cuales son funky) y baladas ("Has cambiado" y "Esto es siempre"). El organista Carl Wilson, el guitarrista Boogaloo Joe Jones, el bajista Dud Bascomb, el baterista Yusef Ali y Buddy Caldwell en la conga aportan un excelente apoyo.

Stan Getz • Stan Getz And The Cool Sounds

 

 Stan "The Sound" Getz was born on February 2nd 1927 in Philadelphia, and was later in his life to become one of the most popular jazz names of all times. Influenced greatly in his early days by Lester Young, he became himself a major influence on many musicians later in his career, when after forming his own style, he earned a reputation as "One of the all-time great tenor saxophonists".

The young Stan was interested in music from a very early age onwards, although he didn't really play himself until the age of twelve, when he became the proud owner of a harmonica. After playing the bass for a while in the high school band, Stan's interest in music began to grow, and it wasn't long before he had convinced his father to buy him an alto saxophone. From then on it was love at first sight, and after taking lessons and trying out the different kinds of saxophones, Stan Getz decided at the age of thirteen that the tenor was his instrument, the "sound" was born!.

At the age of sixteen, after trying himself out in a number of local bands, his first big opportunity arrived, and after auditioning with Jack Teagardens band, he was in! The year was 1943 and many of Teagardens musicians had been drafted into the military, so the young Stan Getz was given the chance to play real music in a real band. From then on he had the chance to play in a variety of major swing big bands, and after gaining valuable experience with Teagarden, joined Stan Kenton's big band in 1944, and then went on to play with Jimmy Dorsey in early 1945.

A great step forward in his career came in 1945, when after joining Benny Goodman's band he was given the opportunity to solo on a few recordings. After staying with Goodman until early 1946, he had his recording debut as a leader, recording 4 titles in July of the same year. From that time on his reputation and fame grew and after playing with "Woody Herman's Second Herd" (together with Zoot Sims, Herbie Steward and Serge

Chaloff) on the original version of "Four Brothers", Stan Getz had really arrived. At the age of 21 he then became a star in the jazz world after soloing on the recording of "Early Autumn" with Woody Herman, and after leaving Herman's band, he was (with the exception of some tours with Jazz at the Philharmonic) a bandleader for the rest of his career.

In the 1950's, Stan was associated with a kind of jazz known as "cool jazz", (basically meaning, he played bebop) and became during this decade one of the most popular jazz musicians, playing amongst others with Lionel Hampton, Harry "Sweets" Edison, Jimmy Raney, Jimmy Rowles, and Oscar Peterson and after discovering Horace Silver in 1950,he used him in his quartet for some time . Despite some drug problems his popularity continued to grow, and he was a frequent "poll winner" in the fifties. After spending 1958-1960 in Europe (mainly in Denmark), Getz returned to the U.S.A. for his recordings of the "Focus" album, and then played his part in 1962 in the popularising of bossa nova (a mixture of jazz and samba).. With the recording of "Jazz Samba", together with Charlie Byrd he then had a big hit with "Desafinado". In 1963 after working with Gary Farlands big band, Luiz Bonfa and Laurindo Almeida, he recorded with Antonio Carlos Jobim and Joaco Gilberto, the mega hit, "The Girl from Ipanema" (that reached the top of the charts in 1964).

Beginning in 1964 Getz returned from the bossa-nova to a more "straight ahead" style with his quartet. After Chick Corea joined in 1967 and Gary Burton's vibes were featured, (instead of piano) Getz became known by some as "The Godfather of Jazz". In 1969, after struggling with drugs and the law again, he left the U.S.A. to live in Malaga, Spain and stopped performing for two years. After returning to music in 1971, some of the highlights of the 70s were, "Dynasty", with organist Eddie Louiss (1971), "Captain Marvel" with Chick Corea (1972), "The Peacocks", with Jimmy Rowles (1975). Throughout the rest of the decade and right through the 1980's he carried on recording and performing, playing with many name musicians including Lou Levy, Mitchell Forman, Jim McNeely and Kenny Baron, and his last recording in 1991, "People Time", features some excellent duets with Baron. Stan Getz made more then 300 recordings in his nearly 60 year long career and became known as "The Sound" due to his style of playing with a rich and pure tone. He will be remembered as one of the all-time great tenor saxophonists.

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Stan "The Sound" Getz nació el 2 de febrero de 1927 en Filadelfia, y más tarde en su vida se convirtió en uno de los nombres más populares del jazz de todos los tiempos. Influenciado en gran medida en sus primeros días por Lester Young, se convirtió en una gran influencia para muchos músicos más tarde en su carrera, cuando después de formar su propio estilo, se ganó la reputación de "Uno de los grandes saxofonistas tenores de todos los tiempos".

El joven Stan se interesó por la música desde una edad muy temprana, aunque no se tocó a sí mismo hasta los doce años, cuando se convirtió en el orgulloso propietario de una armónica. Después de tocar el bajo durante un tiempo en la banda de la escuela secundaria, el interés de Stan por la música comenzó a crecer, y no pasó mucho tiempo antes de que convenciera a su padre de que le comprara un saxofón alto. A partir de entonces fue amor a primera vista, y después de tomar lecciones y probar los diferentes tipos de saxofones, Stan Getz decidió a la edad de trece años que el tenor era su instrumento, ¡el "sonido" había nacido!

A los dieciséis años, después de probarse a sí mismo en varias bandas locales, llegó su primera gran oportunidad, y después de audicionar con la banda de Jack Teagardens, ¡estaba dentro! Era el año 1943 y muchos de los músicos de Teagardens habían sido reclutados en el ejército, así que al joven Stan Getz se le dio la oportunidad de tocar música de verdad en una banda de verdad. A partir de entonces tuvo la oportunidad de tocar en una variedad de grandes bandas de swing, y después de ganar una valiosa experiencia con Teagarden, se unió a la gran banda de Stan Kenton en 1944, y luego pasó a tocar con Jimmy Dorsey a principios de 1945.

Un gran paso adelante en su carrera llegó en 1945, cuando después de unirse a la banda de Benny Goodman se le dio la oportunidad de tocar en solitario en algunas grabaciones. Después de permanecer con Goodman hasta principios de 1946, tuvo su debut discográfico como líder, grabando 4 títulos en julio del mismo año. A partir de entonces su reputación y fama creció y después de tocar con "Woody Herman's Second Herd" (junto con Zoot Sims, Herbie Steward y Serge

Chaloff) en la versión original de "Four Brothers", Stan Getz había llegado realmente. A la edad de 21 años se convirtió en una estrella en el mundo del jazz después de hacer un solo en la grabación de "Early Autumn" con Woody Herman, y después de dejar la banda de Herman, fue (con la excepción de algunas giras con Jazz en la Filarmónica) un líder de la banda por el resto de su carrera.

En los años 50, Stan se asoció con un tipo de jazz conocido como "cool jazz", (básicamente significa que tocaba bebop) y se convirtió durante esta década en uno de los músicos de jazz más populares, tocando entre otros con Lionel Hampton, Harry "Sweets" Edison, Jimmy Raney, Jimmy Rowles, y Oscar Peterson y después de descubrir a Horace Silver en 1950, lo utilizó en su cuarteto durante algún tiempo. A pesar de algunos problemas con las drogas, su popularidad siguió creciendo, y fue un frecuente "ganador de encuestas" en los años cincuenta. Después de pasar de 1958 a 1960 en Europa (principalmente en Dinamarca), Getz regresó a Estados Unidos para grabar el álbum "Focus", y en 1962 participó en la divulgación de la bossa nova (mezcla de jazz y samba). Con la grabación de "Jazz Samba", junto con Charlie Byrd tuvo un gran éxito con "Desafinado". En 1963, después de trabajar con la big band de Gary Farlands, Luiz Bonfa y Laurindo Almeida, grabó con Antonio Carlos Jobim y Joaco Gilberto, el mega hit "The Girl from Ipanema" (que llegó al tope de las listas en 1964).

A partir de 1964 Getz volvió de la bossa-nova a un estilo más "recto" con su cuarteto. Después de que Chick Corea se uniera en 1967 y se presentara el vibráfono de Gary Burton, (en lugar de piano) Getz llegó a ser conocido por algunos como "El Padrino del Jazz". En 1969, después de luchar de nuevo contra las drogas y la ley, dejó los Estados Unidos para vivir en Málaga, España, y dejó de actuar durante dos años. Después de volver a la música en 1971, algunos de los puntos culminantes de los años 70 fueron, "Dinastía", con el organista Eddie Louiss (1971), "Capitán Maravilla" con Chick Corea (1972), "Los Pavos Reales", con Jimmy Rowles (1975). A lo largo del resto de la década y a la derecha Durante los años 80 continuó grabando y actuando, tocando con muchos músicos de renombre, incluyendo Lou Levy, Mitchell Forman, Jim McNeely y Kenny Baron, y su última grabación en 1991, "People Time", presenta algunos excelentes duetos con Baron. Stan Getz hizo más de 300 grabaciones en sus casi 60 años de carrera y se le conoció como "The Sound" debido a su estilo de tocar con un tono rico y puro. Será recordado como uno de los grandes saxofonistas tenores de todos los tiempos.

Al Cohn • The Natural Seven

 

Seven Review
by Scott Yanow
Some but not all of the material on this out-of-print LP has since been reissued on CD on a Bluebird set shared by Freddie Green and Al Cohn. Although originally associated with Woody Herman and cool jazz, Cohn always felt equally comfortable playing with swing-styled players. His "Natural Seven" looks toward the Kansas City Seven and includes two members of Count Basie's band (trumpeter Joe Newman and guitarist Freddie Green) among the personnel (which also has trombonist Frank Rehak, Basie soundalike pianist Nat Pierce, bassist Milt Hinton and drummer Osie Johnson). Although the music includes a few Basie-associated songs, Cohn also contributed several of his own swinging originals; Osie Johnson's vocal on "Osie's Blues" is surprisingly effective.
https://www.allmusic.com/album/the-natural-seven-mw0000413536

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Reseña de Seven
por Scott Yanow
Parte del material de este LP agotado, pero no todo, ha sido reeditado en CD en un set de Bluebird compartido por Freddie Green y Al Cohn. Aunque originalmente se asoció con Woody Herman y el cool jazz, Cohn siempre se sintió igualmente cómodo tocando con músicos de estilo swing. Su "Natural Seven" mira hacia los Kansas City Seven e incluye a dos miembros de la banda de Count Basie (el trompetista Joe Newman y el guitarrista Freddie Green) entre el personal (que también cuenta con el trombonista Frank Rehak, el pianista afín a Basie Nat Pierce, el bajista Milt Hinton y el batería Osie Johnson). Aunque la música incluye algunas canciones asociadas a Basie, Cohn también contribuyó con varios de sus propios originales de swing; la voz de Osie Johnson en "Osie's Blues" es sorprendentemente efectiva.
https://www.allmusic.com/album/the-natural-seven-mw0000413536

Gene Ammons • Up Tight

Artist Biography

Gene Ammons, who had a huge and immediately recognizable tone on tenor, was a very flexible player who could play bebop with the best (always battling his friend Sonny Stitt to a tie) yet was an influence on the R&B world. Some of his ballad renditions became hits and, despite two unfortunate interruptions in his career, Ammons remained a popular attraction for 25 years.

Son of the great boogie-woogie pianist Albert Ammons, Gene Ammons (who was nicknamed "Jug") left Chicago at age 18 to work with King Kolax's band. He originally came to fame as a key soloist with Billy Eckstine's orchestra during 1944-1947, trading off with Dexter Gordon on the famous Eckstine record Blowing the Blues Away. Other than a notable stint with Woody Herman's Third Herd in 1949 and an attempt at co-leading a two tenor group in the early '50s with Sonny Stitt, Ammons worked as a single throughout his career, recording frequently (most notably for Prestige) in settings ranging from quartets and organ combos to all-star jam sessions. Drug problems kept him in prison during much of 1958-1960 and, due to a particularly stiff sentence, 1962-1969. When Ammons returned to the scene in 1969, he opened up his style a bit, including some of the emotional cries of the avant-garde while utilizing funky rhythm sections, but he was still able to battle Sonny Stitt on his own terms. Ironically the last song that he ever recorded (just a short time before he was diagnosed with terminal cancer) was "Goodbye."

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Biografía del artista

Gene Ammons, que tenía un tono enorme e inmediatamente reconocible en el tenor, era un jugador muy flexible que podía tocar el bebop con los mejores (siempre luchando contra su amigo Sonny Stitt con un empate) y, sin embargo, era una influencia en el mundo del R&B. Algunas de sus interpretaciones de baladas se convirtieron en éxitos y, a pesar de dos desafortunadas interrupciones en su carrera, Ammons siguió siendo una atracción popular durante 25 años.

Hijo del gran pianista de boogie-woogie Albert Ammons, Gene Ammons (apodado "Jug") dejó Chicago a los 18 años para trabajar con la banda de King Kolax. Originalmente llegó a la fama como solista clave con la orquesta de Billy Eckstine durante 1944-1947, intercambiando con Dexter Gordon en el famoso disco de Eckstine Blowing the Blues Away. Aparte de una notable temporada con Woody Herman's Third Herd en 1949 y un intento de co-liderar un grupo de dos tenor a principios de los'50 con Sonny Stitt, Ammons trabajó como single a lo largo de su carrera, grabando frecuentemente (más notablemente para Prestige) en escenarios que iban desde cuartetos y combos de órgano hasta jam sessions de estrellas. Los problemas de drogas lo mantuvieron en prisión durante gran parte de 1958-1960 y, debido a una sentencia particularmente dura, de 1962-1969. Cuando Ammons regresó a la escena en 1969, abrió un poco su estilo, incluyendo algunos de los gritos emocionales de la vanguardia mientras utilizaba secciones rítmicas funky, pero aún así fue capaz de luchar contra Sonny Stitt en sus propios términos. Irónicamente, la última canción que grabó (poco antes de que le diagnosticaran un cáncer terminal) fue "Goodbye".

 

 

 

Leo Wright Combo • Modern Jazz Studio, Nr 4

 

Biography:
In 1968 MPS Records assembled four alto saxophonists who, together, represented the spectrum of 1960s post-bop alto sax. Alto Summit featured Lee Konitz with his angular, abstract lines that stretched the boundaries of jazz, Phil Woods, feet firmly planted in the bop tradition, Norwood “Pony” Poindexter, the often overlooked reedman who never lost bop’s blues roots, and Leo Wright, in whose playing can be heard the full spectrum: bop, hard bop, Texas blues, and third stream, along with a healthy dose of Latin and African flavors.

Leo Nash Wright was born on December 14, 1933 in Wichita Falls, Texas. He took up the saxophone in the early 1940s under the tutelage of his father Mel, who taught him, “Don’t forget what came before.” He was influenced early on by blues greats Louis Jordan and fellow Texan Eddie “Cleanhead” Vinson. As Wright told one reporter, “People in the South know the blues.” His first alto idol, however, was Johnny Hodges whom Wright called the “father of the alto saxophone.”

It was also inevitable that a young altoist in the fifties would fall under the spell of Charlie Parker. “Whatever Bird was doing, in all his music,” Wright said of his predecessor, “he retained the idea of the blues.” Wright could never have imagined that just a few years out of college he would play Bird’s former role as the foil to Dizzy Gillespie.

Drafted into the army in 1956, Wright began what would eventually be a long relationship with Europe. While stationed in Stuttgart, Germany, he played in a variety of bands that included Eddie Harris, Cedar Walton, Don Ellis, and Houston Person—young musicians, like Wright, ready to break onto the American jazz scene when they returned.

After a brief stint with Charles Mingus, which included an appearance at the 1959 Newport Festival, Wright joined company with Dizzy Gillespie, in whose band he would play for the next three years. Whatever he might have learned in college, Wright attended finishing school during his three years with Diz. “Dizzy is a giant,” Wright said at the time. “And when you’re working with the giants, you’ve got to improve. . . . You’ve got to learn discipline, get down to business. I’m still in school.”

It was at the University of Dizzy that Wright’s playing gained its full range. The expanding world musical consciousness of his leader and their globe spanning travels added to Wright’s bop and blues vocabulary the musical idioms of Latin America, the Near East, and Africa.

During the first few years of the 1960s, Wright’s talents were much in demand in the recording studio. His alto and flute can be heard on recording dates led by Kenny Burrell, Tadd Dameron, Jack McDuff, Dave Pike, Luis Bonfá, John Lewis, Lalo Schifrin, and Jimmy Witherspoon, and Blue Mitchell. This list alone suggests the range he had developed by this time, making Wright equally comfortable blowing bop changes, Latin grooves, or unadulterated blues.

This range can also be heard on the Atlantic recordings he made under his own name from this period. On Blues Shout (1960) Wright relies on standards for half of the tracks but his readings are anything but conventional. He infects the head of “Night in Tunisia,” a song he was playing regularly at this time in Dizzy’s quintet, with a bluesy hard bop groove.

By the time his career hit full stride, Wright’s flute had become as much a vehicle for his blues and Latin inflected bop as his alto. Though he resented having to major in flute at San Francisco State because they did not offer a sax major, it was Wright’s flute playing that first caught Dizzy’s attention. One of the most poignant moments on Blues Shout comes on “Indian Summer” when the old melody played on flute gains a depth of feeling accompanied only by the counterpoint of Art Davis’ bass.

On his follow-up recording Suddenly the Blues (1962), Wright pairs himself with guitarist Kenny Burrell for a more easily swinging feel. As Wright said of his playing at this time, his aim was “to express myself with simplicity and directness, minus clutter and pretense.” On Soul Talk (1963), Wright digs deeper into soul and blues territory with a quartet of Burrell, Gloria Coleman on organ, and drummer Frankie Dunlop. The organ quartet proved a comfortable home for Wright’s talents here and on other sessions led by Coleman and, most notably, on “Brother” Jack McDuff’s album Screamin’ (1962).

Having moved on from Gillespie’s bands by this point, Wright turned his sights to Europe, arriving there at the end of 1963 for a six month sojourn in Scandinavia. He played throughout Europe for the next year before arriving in Berlin to headline in a variety of clubs, including Jazzgalerie where he replaced Eric Dolphy after his unexpected death in a Berlin Hospital.

Wright lived in Berlin until 1981 when he moved to Vienna, Austria, making Europe his home base for the remainder of his life. During this time he performed and recorded almost exclusively in Europe and predominantly with European musicians and fellow American expatriates such as Kenny Clarke and Art Farmer.

Some of his most noteworthy work came with the Sender Frei Berlin (Radio Free Berlin) band. He also played with the Berlin Dream Band that made noteworthy recordings with guest artists Don Ellis, Oliver Nelson, and Stan Kenton. A rare stateside appearance resulted in I Left My Heart in San Francisco (1978), a collaboration with pianist Red Garland.

Sidelined by a stroke from 1979 to 1986, Wright enjoyed a brief comeback, playing frequently with his wife, Austrian jazz singer Elly Wright. His final concert took place in November 1990 with Jimmy Witherspoon. On January 4, 1991, Wright suffered a fatal heart attack and was later buried in Vienna. His autobiography, God is My Booking Agent, was published later that year.

When one puts Wright next to the dominant altoists of the 1960s, Ornette Coleman and Eric Dolphy, it would be easy to unfairly dismiss his playing as stuck in the past. Throughout his career, Wright remembered his father’s dictum to never forget what came before. His feet firmly planted in the bop and a blues tradition, Wright was able to blend divergent directions in jazz on his expressive palette. World beats, abstract expressionism, sixties soul—all became avenues for Wright to color what he heard in Johnny Hodges and Charlie Parker. Along with the American expatriates, Wright spread the gospel of jazz to sustain a scene abroad that continues to make Europe a destination for American jazz musicians.
https://musicians.allaboutjazz.com/leowright

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Biografía:
En 1968 MPS Records reunió a cuatro saxofonistas altos que, juntos, representaban el espectro del saxo alto post-bop de los años 60. Alto Summit presentó a Lee Konitz con sus líneas angulosas y abstractas que se extendían hasta los límites del jazz, Phil Woods, con los pies firmemente plantados en la tradición del bop, Norwood "Pony" Poindexter, el reedman a menudo pasado por alto que nunca perdió las raíces del blues del bop, y Leo Wright, en cuya interpretación se puede escuchar todo el espectro: bop, hard bop, Texas blues y tercera corriente, junto con una saludable dosis de sabores latinos y africanos.

Leo Nash Wright nació el 14 de diciembre de 1933 en Wichita Falls, Texas. Tomó el saxofón a principios de la década de 1940 bajo la tutela de su padre Mel, quien le enseñó, "No olvides lo que vino antes". Fue influenciado desde el principio por los grandes del blues Louis Jordan y su compañero tejano Eddie "Cleanhead" Vinson. Como Wright le dijo a un reportero, "La gente en el Sur conoce el blues". Su primer ídolo alto, sin embargo, fue Johnny Hodges a quien Wright llamó "el padre del saxofón alto".

También era inevitable que un joven altoista de los cincuenta cayera bajo el hechizo de Charlie Parker. "Sea lo que sea que Bird hacía, en toda su música," dijo Wright de su predecesor, "mantuvo la idea del blues." Wright nunca podría haber imaginado que a los pocos años de la universidad interpretaría el antiguo papel de Bird como el florete de Dizzy Gillespie.

Reclutado en el ejército en 1956, Wright comenzó lo que eventualmente sería una larga relación con Europa. Mientras estaba destinado en Stuttgart, Alemania, tocó en una variedad de bandas que incluían a Eddie Harris, Cedar Walton, Don Ellis, y Houston Person - músicos jóvenes, como Wright, listos para irrumpir en la escena del jazz americano cuando volvieran.

Después de un breve periodo con Charles Mingus, que incluyó una aparición en el Festival de Newport de 1959, Wright se unió a la compañía de Dizzy Gillespie, en cuya banda tocaría durante los tres años siguientes. Independientemente de lo que aprendiera en la universidad, Wright asistió a la escuela de acabado durante sus tres años con Diz. "Dizzy es un gigante", dijo Wright en ese momento. "Y cuando trabajas con los gigantes, tienes que mejorar. . . . Tienes que aprender disciplina, ir al grano. Yo todavía estoy en la escuela".

Fue en la Universidad de Dizzy donde el toque de Wright adquirió toda su amplitud. La expansión de la conciencia musical mundial de su líder y sus viajes por todo el mundo añadieron al vocabulario del bop y el blues de Wright los modismos musicales de América Latina, Oriente Próximo y África.

Durante los primeros años de la década de 1960, los talentos de Wright fueron muy solicitados en el estudio de grabación. Su contralto y su flauta se pueden escuchar en las fechas de grabación dirigidas por Kenny Burrell, Tadd Dameron, Jack McDuff, Dave Pike, Luis Bonfá, John Lewis, Lalo Schifrin, y Jimmy Witherspoon, y Blue Mitchell. Esta lista por sí sola sugiere el rango que había desarrollado hasta ese momento, haciendo que Wright se sintiera igual de cómodo con los cambios de bop, los surcos latinos, o el blues no adulterado.

Esta gama también se puede escuchar en las grabaciones del Atlántico que hizo con su propio nombre de este período. En Blues Shout (1960) Wright se basa en estándares para la mitad de las pistas pero sus lecturas son cualquier cosa menos convencionales. Infecta la cabeza de "Night in Tunisia", una canción que tocaba regularmente en ese momento en el quinteto de Dizzy, con un ritmo de hard bop bluesy.

Para cuando su carrera dio un gran paso, la flauta de Wright se había convertido tanto en un vehículo para su blues y bop latino como su alto. Aunque le molestaba tener que estudiar flauta en la Universidad Estatal de San Francisco porque no ofrecían un saxofón, fue la flauta de Wright la que primero llamó la atención de Dizzy. Uno de los momentos más conmovedores de Blues Shout llega en el "Indian Summer" cuando la vieja melodía tocada en la flauta gana profundidad de sentimiento acompañada sólo por el contrapunto del bajo de Art Davis.

En su siguiente grabación "Suddenly the Blues" (1962), Wright se empareja con el guitarrista Kenny Burrell para que le resulte más fácil bailar. Como Wright dijo de su forma de tocar en ese momento, su objetivo era "expresarme con sencillez y franqueza, sin desorden ni pretensiones". En Soul Talk (1963), Wright profundiza en el territorio del soul y el blues con un cuarteto de Burrell, Gloria Coleman en el órgano y el baterista Frankie Dunlop. El cuarteto de órgano demostró ser un cómodo hogar para los talentos de Wright aquí y en otras sesiones dirigidas por Coleman y, más notablemente, en el álbum Screamin' (1962) del "Hermano" Jack McDuff.

Habiendo dejado las bandas de Gillespie a estas alturas, Wright se dirigió a Europa, llegando allí a finales de 1963 para una estancia de seis meses en Escandinavia. Tocó por toda Europa durante el año siguiente antes de llegar a Berlín para encabezar una variedad de clubes, incluyendo la Jazzgalerie donde reemplazó a Eric Dolphy después de su inesperada muerte en un hospital de Berlín.

Wright vivió en Berlín hasta 1981, cuando se mudó a Viena, Austria, haciendo de Europa su base de operaciones para el resto de su vida. Durante este tiempo actuó y grabó casi exclusivamente en Europa y predominantemente con músicos europeos y compañeros americanos expatriados como Kenny Clarke y Art Farmer.

Algunos de sus trabajos más destacados fueron con la banda Sender Frei Berlin (Radio Free Berlin). También tocó con la Berlin Dream Band que realizó grabaciones notables con los artistas invitados Don Ellis, Oliver Nelson y Stan Kenton. Una rara aparición en los Estados Unidos dio lugar a I Left My Heart in San Francisco (1978), una colaboración con el pianista Red Garland.

Dejado de lado por un derrame cerebral de 1979 a 1986, Wright disfrutó de un breve regreso, tocando frecuentemente con su esposa, la cantante de jazz austriaca Elly Wright. Su último concierto tuvo lugar en noviembre de 1990 con Jimmy Witherspoon. El 4 de enero de 1991, Wright sufrió un ataque cardíaco fatal y fue enterrado en Viena. Su autobiografía, God is My Booking Agent, se publicó a finales de ese año.

Cuando uno pone a Wright al lado de los altoistas dominantes de los 60, Ornette Coleman y Eric Dolphy, sería fácil descartar injustamente su interpretación como si estuviera atascado en el pasado. A lo largo de su carrera, Wright recordó el dictado de su padre de no olvidar nunca lo que vino antes. Con los pies firmemente plantados en el bop y en la tradición del blues, Wright fue capaz de mezclar direcciones divergentes en el jazz en su expresiva paleta. Latidos del mundo, expresionismo abstracto, soul de los sesenta... todo se convirtió en una vía para que Wright coloreara lo que escuchaba en Johnny Hodges y Charlie Parker. Junto con los expatriados americanos, Wright difundió el gospel del jazz para sostener una escena en el extranjero que sigue haciendo de Europa un destino para los músicos de jazz americanos.
https://musicians.allaboutjazz.com/leowright

Scott Hamilton • At Pizzaexpress Live In London

 

Marking 40 years since his first appearance at PizzaExpress Live in London, the revered US saxophonist Scott Hamilton is to release a new live album, the first release on the newly formed PizzaExpress label PX Records.Having appeared at the club in Dean Street, Soho, across six different decades, Hamilton is very much part of the fabric of PizzaExpress Live and this new live album, which features Scott"s UK- based quartet of John Pearce (piano), Dave Green (bass) and Steve Brown (drums), captures a 9-track set featuring an array of classic standards including The More I See You, The Girl From Ipanema and Pure Imagination.

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Cuando se cumplen 40 años de su primera aparición en el PizzaExpress Live de Londres, el venerado saxofonista estadounidense Scott Hamilton publica un nuevo álbum en directo, el primero del nuevo sello PizzaExpress Records. Tras haber actuado en el club de Dean Street, en el Soho, a lo largo de seis décadas diferentes, Hamilton forma parte del entramado de PizzaExpress Live y este nuevo álbum en directo, en el que participa el cuarteto de Scott con base en el Reino Unido, formado por John Pearce (piano), Dave Green (bajo) y Steve Brown (batería), recoge un conjunto de 9 pistas con una serie de clásicos como The More I See You, The Girl From Ipanema y Pure Imagination.


 

www.scotthamiltonsax.com ...

 

Johnny Hodges & Wild Bill Davis • Blue Rabbit

 

One of altoist Johnny Hodges' many solo records in the 60's away from Duke Ellington's Orchestra, this out-of-print LP features him in two separate but similar settings. The great saxophonist is joined by either Wild Bill Davis or (on four of the nine songs) the obscure organist Ray Jackson, either Kenny Burrell or Mundell Lowe on guitar, Wendell Marshall, Jack Lesberg or Richard Davis on bass, and Bobby Donaldson or Osie Johnson on drums. The music is fairly typical for a Hodges date, with four Ellington standards, some blues and some basic originals. In a few spots, the organists really do a good job of filling in for the Ellington Orchestra. Tasty and swinging music. ~ Scott Yanow, AMG.

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Uno de los muchos discos en solitario del altoista Johnny Hodges en los años 60, lejos de la Orquesta de Duke Ellington, este LP agotado lo presenta en dos escenarios separados pero similares. Al gran saxofonista se le unen Wild Bill Davis o (en cuatro de las nueve canciones) el oscuro organista Ray Jackson, Kenny Burrell o Mundell Lowe en la guitarra, Wendell Marshall, Jack Lesberg o Richard Davis en el bajo, y Bobby Donaldson u Osie Johnson en la batería. La música es bastante típica para una cita de Hodges, con cuatro estándares de Ellington, algo de blues y algunos originales básicos. En unos pocos puntos, los organistas hacen un buen trabajo reemplazando a la Orquesta de Ellington. Música sabrosa y swing. ~ Scott Yanow, AMG.

Jr. Walker and The All Stars • Shotgun

Autry DeWalt Mixon, Jr. (14 de junio de 1931 - 23 de noviembre de 1995), conocido con el nombre artístico de Junior Walker, era un músico estadounidense. Su grupo, Junior Walker & the All Stars, fue firmado por el sello Motown en la década de 1960, y se convirtió en uno de los actos emblemáticos del sello.

Autry DeWalt Mixon, Jr. (June 14, 1931 – November 23, 1995), known by the stage name Junior Walker, was an American musician. His group, Junior Walker & the All Stars, were signed to the Motown label in the 1960s, and became one of the label's signature acts.

Complete bio

Scott Hamilton • Ballads for Audiophiles

Saxophonist Scott Hamiton, pianist Paolo Birro, bassist Aldo Zunino and Alfred Kramer, drums, combine on an audiophile ballads program that includes such timeless favorites as "Moon River," "The Shadow Of Your Smile," "All or Nothing At All", "This Is All I Ask", "The Gypsy" and more.

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El saxofonista Scott Hamiton, el pianista Paolo Birro, el bajista Aldo Zunino y Alfred Kramer, batería, se combinan en un programa de baladas audiófilas que incluye favoritos eternos como "Moon River", "La sombra de tu sonrisa", "Todo o nada", "Esto es todo lo que pido", "El gitano" y más. 

 

www.scotthamiltonsax.com ...

 

Houston Person With Ron Carter • Just Between Friends

Review:

Immediately, Houston Person's saxophone and Ron Carter's bass meld so fluidly and effortlessly -- and create such a complete picture -- that it's easy to forget that they are the only two musicians playing. Drums are not missed, nor are piano, horns, or anything else: Person and Carter's communication skills here, as on their previous outings together, are never in doubt; they're "always" in perfect sync. They take on the standards here, and though most of these ten tracks have been recorded to death by other jazz artists, the duo's approach is original and honest enough that the songs sound fresh. "Lover Man (Oh Where Can You Be?)" is smooth, soft, and sexy; Irving Berlin's "Always" swings even if it never quite reaches swing tempo; and "Blueberry Hill" is playful and sweet. "Meditation," an Antonio Carlos Jobim tune, proves that bossa nova requires only the most minimal of instrumentation in order for its free-swaying tropical lilt to feel whole. The opening "How Deep Is the Ocean," another Berlin classic, sets the mood by establishing that melody and rhythm are never far apart -- neither musician is in any great hurry here and never eager to dominate or go outside of the songs' stated bounds. It's a collaboration in the truest sense, one in which emotion and the integrity of the material and arrangements trounce showboating.

https://www.allmusic.com/album/just-between-friends-mw0000785256

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Revisión:

Inmediatamente, el saxofón de Houston Person y el bajo de Ron Carter se funden tan fluidamente y sin esfuerzo - y crean un cuadro tan completo - que es fácil olvidar que son los únicos dos músicos que tocan. No se echa de menos la batería, ni el piano, ni las trompetas, ni nada más: las habilidades de comunicación de Person y Carter aquí, como en sus anteriores salidas juntos, nunca se ponen en duda; están "siempre" en perfecta sincronía. Ellos asumen los estándares aquí, y aunque la mayoría de estos diez temas han sido grabados hasta la muerte por otros artistas de jazz, el enfoque del dúo es original y lo suficientemente honesto como para que las canciones suenen frescas. "Lover Man (Oh Where Can You Be?)" es suave, delicado y sexy; "Always" de Irving Berlin se balancea incluso si nunca alcanza el tempo del swing; y "Blueberry Hill" es juguetona y dulce. "Meditación", una melodía de Antonio Carlos Jobim, demuestra que la bossa nova requiere sólo el más mínimo de instrumentación para que su libre giro tropical se sienta completo. La apertura "How Deep Is the Ocean", otro clásico de Berlín, establece el ambiente al establecer que la melodía y el ritmo nunca están muy separados - ningún músico tiene mucha prisa aquí y nunca está ansioso por dominar o salirse de los límites establecidos de las canciones. Es una colaboración en el sentido más verdadero, una en la que la emoción y la integridad del material y los arreglos triunfan.

https://www.allmusic.com/album/just-between-friends-mw0000785256

Willis Jackson with Brother Jack McDuff • Together Again

Review:

On the five tracks of Together Again!, recorded with three separate lineups in 1959-1960, the Willis Jackson-Jack McDuff-speared combo offers respectable early soul-jazz, if not too different from many other Prestige-overseen sessions of the early '60s. They show their bop chops to good advantage on "Three Little Words" and "Tu' Gether"; take a slightly bluesier groove on "Glad 'a See Ya'"; and slow way down for a make-out mood on the cover of Rodgers & Hammerstein's "It Might as Well Be Spring." It's the slow-walkin'-tempoed "This'll Get to Ya," though, that gives them their greatest chance to stretch out, lasting ten minutes, and adding Buck Clarke on conga to the standard sax-organ-guitar-bass-drums lineup. All of the tracks are included on the 2003 Prestige CD reissue that's also titled Together Again!, which is a little more complicated than the standard expanded CD reissue; it combines all the tracks from Together Again! and the Jackson-McDuff-helmed sequel, Together Again, Again, though the songs are sequenced in the order in which they were recorded, not the order in which they were presented on the original LPs.

by Richie Unterberger

https://www.allmusic.com/album/together-again%21-mw0000875752

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Reseña:

En los cinco temas de Together Again!, grabados con tres alineaciones separadas en 1959-1960, el combo de Willis Jackson-Jack McDuff ofrece un respetable soul-jazz temprano, si no demasiado diferente de muchas otras sesiones de Prestige de principios de los 60. Muestran sus chuletas de bop con buena ventaja en "Three Little Words" y "Tu' Gether"; toman un ritmo un poco más blues en "Glad 'a See Ya'"; y van más despacio para un ambiente de besuqueo en la portada de "It Might as Well Be Spring" de Rodgers & Hammerstein. Pero es el ritmo lento de "This'll Get to Ya" lo que les da la oportunidad de estirarse, durando diez minutos, y añadiendo a Buck Clarke en la conga a la alineación estándar de saxo, órgano, guitarra, bajo y batería. Todos los temas están incluidos en la reedición del CD de Prestige de 2003 que también se titula Together Again!, que es un poco más complicado que la reedición estándar de CD ampliado; combina todos los temas de Together Again! y la secuela de Jackson-McDuff-helmed, Together Again, Again, aunque las canciones están secuenciadas en el orden en que se grabaron, no en el orden en que se presentaron en los LP originales.

por Richie Unterberger

https://www.allmusic.com/album/together-again%21-mw0000875752

Together Again! is an album by saxophonist Willis Jackson with
organist Jack McDuff which was recorded in 1959 and 1960 and
released on the Prestige label in 1965.

Joe Houston • Limbo

Biography

He was born in Bastrop, a suburb of Austin, Texas, and studied trumpet in school, changing to saxophone later. As a teen he began emulating a touring band by buying a red suit with white pants. One night in 1941 a saxophone player did not show for a gig with the band and Houston took his place. Between 1943 and 1946, Houston toured with King Kolax's band through Kansas City and Chicago and throughout the Mid-West.

After World War II Houston returned to Texas, and recorded with the pianist Amos Milburn and singer Big Joe Turner. Initially playing alto sax, he switched to tenor in the wake of such "honking" saxophonists as Big Jay McNeely and Paul Williams. Turner got Houston his first recording contract on Freedom Records in 1949. Houston moved to Baton Rouge, Louisiana and played with Betty Roche and Wynonie Harris.

Eventually, Houston formed his own band The Rockets, and moved to Los Angeles in 1952. He scored his only two chart hit singles in 1952 with "Worry, Worry, Worry", and "Hard Time Baby" both of which peaked at #10 on Billboard's R&B singles chart. He recorded for many record labels, including Modern and Crown, and contributed vocals as well as saxophone on some of his records.

Houston was based in Los Angeles throughout most of his career. He toured and recorded with his band the Defrosterz, started by the bassist Mark St. John, who acted as his bassist and manager almost 20 years, plus the keyboardist Mike Malone. They toured North America and recorded throughout the 1990s and 2000s. The band was signed to the Shattered Records label.

Houston's musical career ended after he suffered a stroke in 2006. Joe returned to the stage in July 2008 and performed at The Long Beach lobster Festival. He continued to entertain until 2012 due to his health. He died on December 28, 2015 in Long Beach, California, following a some health issues.

https://en.wikipedia.org/wiki/Joe_Houston

From http://www.rockabilly.nl/references/messages/joe_houston.htm

August 2011

Born Joseph Abraham Houston, 11 July 1926, Bastrop, Texas

Died 28 December 2015, Long Beach, California

R&B saxophonist Joe Houston was a honker. "Honking" is described in the following terms by Wikipedia : "The honkers were known for their raucous stage antics and expressive, exhibitionist style of playing. They overblew their saxophones and often hit on the same note over and over, much like a black southern preacher, until their audiences were mesmerized." The style began in 1942 with Illinois Jacquet's solo on Lionel Hampton's "Flying Home" (a # 3 R&B hit in 1943). Other well-known honkers from the 1940s and 1950s were Big Jay McNeely, Hal Singer, Lynn Hope, Wild Bill Moore, Red Prysock, Chuck Higgins and Freddie Mitchell. Belittled by jazz fans ("honking is pure and simple grandstanding aimed at audiences with a limited capacity to discriminate"), these guys, as they walked the bars, fell to their knees, lay on their backs, or led their audiences outside to the street, pied-piper fashion. Honking was predominantly a Los Angeles phenomenon.

Houston studied trumpet in school, but soon switched to the sax. At the age of seventeen, Joe got a steady gig playing alto sax in King Kolax's big band out of Chicago. In 1947 he switched to the tenor sax and spent the next year touring variously with Amos Milburn, Wynonie Harris, Savannah Churchill and Betty Roche. By 1949 he settled in Baton Rouge, Louisiana (with his new wife, pianist Marian McKinley) and put together a local club band for Big Joe Turner. Their stint together led to Joe Houston accompanying Turner to a recording session in Houston, Texas, for the Freedom label, and while there he recorded a few sides under his own name (resulting in two singles), as a bandleader, not a saxophonist.

Not until late 1950 or early 1951 did Houston put himself front and centre as a honking tenor sax man. Until the frantic "Blow Joe Blow" (1951), recorded for the Macy label, he was strictly a blues player. That disc set the pattern for most of his subsequent recordings. Subtlety went out the window and Joe just let loose in the studio, usually choosing a climactic note and wringing the hell out of it. "Blow Joe Blow" wasn't a hit, but Jules Bihari got wind of it in Los Angeles, purchased the master and reissued it on Modern 830 in August 1951. This was soon followed by four other Modern singles, recorded at Joe's house in Baton Rouge with portable equipment, but in 1952 (the year in which Houston relocated to Los Angeles) there were also releases on Imperial, Combo and Mercury. The latter label had purchased an earlier vocal blues, "Worry, Worry, Worry", from the Sphinx label in Atlanta,Georgia, and this became Houston's only chart entry, peaking at # 10 on the R&B charts in February 1952.

But the song for which Joe Houston is best remembered is not that hit, but "All Night Long", recorded for the Money label in 1954. It was based on a Rusty Bryant record, but the two versions bear little resemblance to each other. When Bryant was recorded live in 1953 at the Carolyn Club in Columbus, Ohio, his biggest crowd-pleaser was Jimmy Forrest's "Night Train", which led the audience into a vocal chant of "Let it roll, let it roll, all night long", from Lucky Millinder's 1944 hit "Let It Roll". It was originally issued on Carolyn 333 in 1953 (as "Nite Train"), then purchased by Dot and reissued as "All Nite Long" (Dot 15134) in February 1954. Houston heard Bryant's version, but gave it his own interpretation, incorporating a riff from Hal Singer's "Cornbread" and avoiding "Night Train" altogether. Joe's "All Night Long" was and is one of the most exciting honking records ever made and was a huge territorial seller on the West Coast. Though Houston had sold the tape to John Dolphin's Money Records, the recording later showed up on LP's on Modern and Combo, in 1956 and 1957 respectively.

Houston didn't have to change his style to adjust to rock 'n' roll. In the early days of the Big Beat, when a TV or movie producer wanted to portray a rock n roll atmosphere, we usually got to see a scene from a nightclub where a hard blowing, honking and screaming sax player was inevitably heard. So what Joe was playing was rock n roll avant la lettre. All that had to be adjusted were the song titles. And when rock n roll waned in popularity, Joe recorded "twist" and "surf" albums for the Bihari brothers' Crown label that didn't sound very different from what he was doing a decade before. Houston remained active musically, but recorded only sporadically after 1963. Gradually he began to slow down, emphasizing his blues vocal talents, but he would still close most of his shows with "All Night Long" (although not on his back). He was forced to retire from performing after suffering a stroke in 2005. Recently his health took another downward turn and he has remained secluded for the last year or so.

Houston is a discographer's nightmare. He avoided contracts and recorded for whoever would pay cash up front. For that reason, his material came out on over a dozen labels, often at the same time, and he was not averse to recording essentially the same tune under different titles for different companies. Some of Joe's recordings were released by one company, then reissued by another, sometimes under a new title. Add to this the fact that the Biharis (Modern, RPM, Crown) haphazardly slapped albums together without regard to whether the track listings matched the music inside and the confusion is complete.

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Biografía

Nació en Bastrop, un suburbio de Austin, Texas, y estudió trompeta en la escuela, cambiando a saxofón más tarde. Cuando era un adolescente, comenzó a emular una banda de gira comprando un traje rojo con pantalones blancos. Una noche en 1941, un saxofonista no se presentó para un concierto con la banda y Houston tomó su lugar. Entre 1943 y 1946, Houston realizó una gira con la banda de King Kolax por Kansas City y Chicago y por todo el Medio Oeste.

Después de la Segunda Guerra Mundial, Houston regresó a Texas y grabó con el pianista Amos Milburn y el cantante Big Joe Turner. Inicialmente, tocando saxo alto, cambió a tenor como consecuencia de saxofonistas tan grandes como Big Jay McNeely y Paul Williams. Turner consiguió en Houston su primer contrato de grabación en Freedom Records en 1949. Houston se mudó a Baton Rouge, Louisiana, y jugó con Betty Roche y Wynonie Harris.

Finalmente, Houston formó su propia banda The Rockets, y se mudó a Los Ángeles en 1952. Obtuvo sus dos únicos singles de éxitos en 1952 con "Worry, Worry, Worry" y "Hard Time Baby", los cuales alcanzaron el puesto # 10. en la lista de singles de R&B de Billboard. Grabó para muchos sellos discográficos, incluyendo Modern and Crown, y contribuyó con voces y saxofones en algunos de sus discos.

Houston residió en Los Ángeles durante la mayor parte de su carrera. Realizó una gira y grabó con su banda The Defrosterz, iniciada por el bajista Mark St. John, quien actuó como su bajista y manager durante casi 20 años, más el tecladista Mike Malone. Hicieron una gira por América del Norte y grabaron durante los años 90 y 2000. La banda firmó con el sello Shattered Records.

La carrera musical de Houston terminó después de sufrir un derrame cerebral en 2006. Joe regresó al escenario en julio de 2008 y actuó en el Festival de la langosta de Long Beach. Continuó entreteniendo hasta 2012 debido a su salud. Murió el 28 de diciembre de 2015 en Long Beach, California, debido a algunos problemas de salud.

https://en.wikipedia.org/wiki/Joe_Houston

De http://www.rockabilly.nl/references/messages/joe_houston.htm

Agosto 2011

Nacido Joseph Abraham Houston, 11 de julio de 1926, Bastrop, Texas.

Falleció el 28 de diciembre de 2015 en Long Beach, California

El saxofonista de R&B Joe Houston fue un honker. "Honking" se describe en los siguientes términos en Wikipedia: "Los honkers eran conocidos por sus ruidosas travesuras en el escenario y su expresivo estilo de juego exhibicionista. Exageraban sus saxofones y solían tocar la misma nota una y otra vez, como un sur negro. Predicador, hasta que sus audiencias quedaron hipnotizadas ". El estilo comenzó en 1942 con el solo de Illinois Jacquet en "Flying Home" de Lionel Hampton (un # 3 hit de R&B en 1943). Otros conocidos honkers de la década de 1940 y 1950 fueron Big Jay McNeely, Hal Singer, Lynn Hope, Wild Bill Moore, Red Prysock, Chuck Higgins y Freddie Mitchell. Despreciados por los fanáticos del jazz ("tocar la bocina es pura y sencillamente grandiosa, dirigida a audiencias con una capacidad limitada para discriminar"), estos muchachos, mientras caminaban por los bares, se arrodillaron, se tumbaron de espaldas o llevaron a sus audiencias fuera de la La calle, la moda de pied-piper. Honking era predominantemente un fenómeno de Los Ángeles.

Houston estudió trompeta en la escuela, pero pronto cambió al saxofón. A la edad de diecisiete años, Joe consiguió un concierto estable tocando saxo alto en la gran banda de King Kolax en Chicago. En 1947 cambió al saxo tenor y pasó el año siguiente de gira con Amos Milburn, Wynonie Harris, Savannah Churchill y Betty Roche. En 1949 se estableció en Baton Rouge, Louisiana (con su nueva esposa, la pianista Marian McKinley) y formó una banda de club local para Big Joe Turner. Su paso juntos llevó a Joe Houston a acompañar a Turner a una sesión de grabación en Houston, Texas, para el sello Freedom, y mientras estuvo allí grabó algunos lados con su propio nombre (resultando en dos singles), como líder de banda, no como saxofonista.

Hasta finales de 1950 o principios de 1951, Houston se puso al frente y al centro como un hombre de saxo tenor. Hasta el frenético "Blow Joe Blow" (1951), grabado para el sello Macy, era estrictamente un jugador de blues. Ese disco estableció el patrón para la mayoría de sus grabaciones posteriores. La sutileza salió por la ventana y Joe simplemente se soltó en el estudio, generalmente escogiendo una nota culminante y escupiéndole el infierno. "Blow Joe Blow" no fue un éxito, pero Jules Bihari se enteró de ello en Los Ángeles, compró el maestro y lo reeditó en Modern 830 en agosto de 1951. A esto le siguieron otros cuatro sencillos modernos, grabados en la casa de Joe en Baton Rouge con equipo portátil, pero en 1952 (el año en que Houston se mudó a Los Ángeles) también hubo lanzamientos en Imperial, Combo y Mercury. La última etiqueta había comprado un blues vocal anterior, "Worry, Worry, Worry", de la etiqueta Sphinx en Atlanta, Georgia, y se convirtió en la única entrada de las listas de Houston, alcanzando el puesto número 10 en las listas de R&B en febrero de 1952.

Pero la canción para la que mejor se recuerda a Joe Houston no es ese éxito, sino "All Night Long", grabada para el sello Money en 1954. Se basó en un disco de Rusty Bryant, pero las dos versiones se parecen poco entre sí. Cuando Bryant fue grabado en vivo en 1953 en el Carolyn Club en Columbus, Ohio, su mayor público fue el "Night Train" de Jimmy Forrest, que llevó al público a un canto vocal de "Let it roll, let it roll". ", del éxito de Lucky Millinder en 1944" Let It Roll ". Originalmente se emitió en Carolyn 333 en 1953 (como "Nite Train"), luego fue comprada por Dot y reeditada como "All Nite Long" (Dot 15134) en febrero de 1954. Houston escuchó la versión de Bryant, pero le dio su propia interpretación, incorporando un riff de "Cornbread" de Hal Singer y evitando el "Night Train" por completo. "All Night Long" de Joe fue y es uno de los registros de excitación más emocionantes que se haya hecho y fue un gran vendedor territorial en la costa oeste. Aunque Houston había vendido la cinta a Money Records de John Dolphin, la grabación más tarde apareció en LP en Modern and Combo, en 1956 y 1957, respectivamente.

Houston no tuvo que cambiar su estilo para adaptarse al rock 'n' roll. En los primeros días de Big Beat, cuando un productor de cine o televisión quería representar una atmósfera de rock and roll, solíamos ver una escena de un club nocturno en el que inevitablemente se escuchaba a un saxofonista. Así que lo que Joe estaba tocando era rock n roll avant la lettre. Todo lo que había que ajustar eran los títulos de las canciones. Y cuando el rock n roll disminuyó en popularidad, Joe grabó los álbumes "twist" y "surf" para el sello Crown de los hermanos Bihari que no sonaban muy diferentes de lo que estaba haciendo una década antes. Houston se mantuvo activo musicalmente, pero grabó solo esporádicamente después de 1963. Poco a poco comenzó a disminuir la velocidad, enfatizando sus talentos vocales de blues, pero todavía cerraría la mayoría de sus programas con "All Night Long" (aunque no en su espalda). Se vio obligado a retirarse de su desempeño después de sufrir un derrame cerebral en 2005. Recientemente, su salud dio un giro hacia abajo y se ha mantenido aislado durante el último año.

Houston es la pesadilla de un discógrafo. Evitó los contratos y grabó para quien pagaría en efectivo por adelantado. Por esa razón, su material salió en más de una docena de etiquetas, a menudo al mismo tiempo, y no era reacio a grabar esencialmente la misma melodía bajo diferentes títulos para diferentes compañías. Algunas de las grabaciones de Joe fueron lanzadas por una compañía, luego reeditadas por otra, a veces bajo un nuevo título. Agregue a esto el hecho de que Biharis (Modern, RPM, Crown) aleatoriamente juntaron álbumes sin importar si las listas de canciones coincidían con la música interior y la confusión está completa.