Lonnie Johnson • Nothing But The Blues

 

 

 

Biography
by Bill Dahl
Blues guitar simply would not have developed in the manner that it did if not for the prolific brilliance of Lonnie Johnson. He was there to help define the instrument's future within the genre and the genre's future itself at the very beginning, his melodic conception so far advanced from most of his prewar peers as to inhabit a plane all his own. For more than 40 years, Johnson played blues, jazz, and ballads his way; he was a true blues originator whose influence hung heavy on a host of subsequent blues immortals.

Johnson's extreme versatility doubtless stemmed in great part from growing up in the musically diverse Crescent City. Violin caught his ear initially, but he eventually made the guitar his passion, developing a style so fluid and inexorably melodic that instrumental backing seemed superfluous. He signed up with OKeh Records in 1925 and commenced to recording at an astonishing pace -- between 1925 and 1932, he cut an estimated 130 waxings. The red-hot duets he recorded with white jazz guitarist Eddie Lang (masquerading as Blind Willie Dunn) in 1928-1929 were utterly groundbreaking in their ceaseless invention. Johnson also recorded pioneering jazz efforts in 1927 with no less than Louis Armstrong's Hot Five and Duke Ellington's orchestra.

After enduring the Depression and moving to Chicago, Johnson came back to recording life with Bluebird for a five-year stint beginning in 1939. Under the ubiquitous Lester Melrose's supervision, Johnson picked up right where he left off, selling quite a few copies of "He's a Jelly Roll Baker" for old Nipper. Johnson went with Cincinnati-based King Records in 1947 and promptly enjoyed one of the biggest hits of his uncommonly long career with the mellow ballad "Tomorrow Night," which topped the R&B charts for seven weeks in 1948. More hits followed posthaste: "Pleasing You (As Long as I Live)," "So Tired," and "Confused."

Time seemed to have passed Johnson by during the late '50s. He was toiling as a hotel janitor in Philadelphia when banjo player Elmer Snowden alerted Chris Albertson to his whereabouts. That rekindled a major comeback, Johnson cutting a series of albums for Prestige's Bluesville subsidiary during the early '60s and venturing to Europe under the auspices of Horst Lippmann and Fritz Rau's American Folk Blues Festival banner in 1963. Finally, in 1969, Johnson was hit by a car in Toronto and died a year later from the effects of the accident.

Johnson's influence was massive, touching everyone from Robert Johnson, whose seminal approach bore strong resemblance to that of his older namesake, to Elvis Presley and Jerry Lee Lewis, who each paid heartfelt tribute with versions of "Tomorrow Night" while at Sun.
https://www.allmusic.com/artist/lonnie-johnson-mn0000275401/biography

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Biografía
por Bill Dahl
La guitarra de blues simplemente no se habría desarrollado de la manera en que lo hizo si no fuera por la prolífica brillantez de Lonnie Johnson. Él ayudó a definir el futuro del instrumento dentro del género y el propio futuro del género desde el principio, con una concepción melódica tan avanzada con respecto a la mayoría de sus colegas de antes de la guerra que habitaba un plano propio. Durante más de 40 años, Johnson tocó blues, jazz y baladas a su manera; fue un auténtico iniciador del blues cuya influencia pesó mucho en una multitud de inmortales del blues posteriores.

Sin duda, la extrema versatilidad de Johnson se debió en gran parte a su infancia en la musicalmente diversa Crescent City. Al principio le atrajo el violín, pero acabó convirtiendo la guitarra en su pasión, desarrollando un estilo tan fluido e inexorablemente melódico que el acompañamiento instrumental parecía superfluo. En 1925 firmó un contrato con OKeh Records y comenzó a grabar a un ritmo asombroso: entre 1925 y 1932, se calcula que grabó 130 discos. Los dúos al rojo vivo que grabó con el guitarrista de jazz blanco Eddie Lang (disfrazado de Blind Willie Dunn) en 1928-1929 fueron totalmente innovadores por su incesante invención. Johnson también grabó trabajos pioneros de jazz en 1927 nada menos que con los Hot Five de Louis Armstrong y la orquesta de Duke Ellington.

Después de soportar la Depresión y mudarse a Chicago, Johnson volvió a la vida discográfica con Bluebird durante un periodo de cinco años a partir de 1939. Bajo la supervisión del omnipresente Lester Melrose, Johnson continuó justo donde lo había dejado, vendiendo bastantes copias de "He's a Jelly Roll Baker" para el viejo Nipper. En 1947, Johnson fichó por King Records, con sede en Cincinnati, y enseguida cosechó uno de los mayores éxitos de su inusualmente larga carrera con la melosa balada "Tomorrow Night", que encabezó las listas de R&B durante siete semanas en 1948. Le siguieron otros éxitos: "Pleasing You (As Long as I Live)", "So Tired" y "Confused".

El tiempo parecía haber pasado de largo para Johnson a finales de la década de 1950. Trabajaba como conserje en un hotel de Filadelfia cuando el intérprete de banjo Elmer Snowden alertó a Chris Albertson de su paradero. Johnson grabó una serie de álbumes para la filial Bluesville de Prestige a principios de los 60 y se aventuró a viajar a Europa bajo los auspicios del American Folk Blues Festival de Horst Lippmann y Fritz Rau en 1963. Finalmente, en 1969, Johnson fue atropellado por un coche en Toronto y murió un año después a causa de las secuelas del accidente.

La influencia de Johnson fue enorme y llegó a todo el mundo, desde Robert Johnson, cuyo enfoque seminal se parecía mucho al de su tocayo mayor, hasta Elvis Presley y Jerry Lee Lewis, que rindieron un sentido homenaje con versiones de "Tomorrow Night" mientras estaban en Sun.
https://www.allmusic.com/artist/lonnie-johnson-mn0000275401/biography

 

Clarence Gatemouth Brown • Gate's On The Heat

 

 

A true musician's musician, Clarence Gatemouth Brown mastered the guitar, fiddle, drums, viola, harmonica, piano, mandolin and bass. Gatemouth's smooth blend of Texas style swing with Jazz, Country and Cajun music has altered the definition of the Blues. His versatility singles him out as an architect of modern Blues sounds. Although primarily known as a rhythm & blues artist, Brown's music truly defied any simple description. Influenced by big bands and horn players, his work on the guitar and fiddle exhibited the music he grew up hearing along the Gulf Coast.

Brown was born in Vinton, Louisiana, and raised not far from the Gulf Coast in Orange, Texas. He learned guitar and fiddle from his father who played and sang the tunes of the region, including French traditional songs and even German polkas. He reminds us that: “Everybody played music in those days.”

He began working professionally as a drummer during World War II. After a stint in the U.S. Army, Gatemouth made his debut as a guitarist in 1947 by simply walking on stage at Don Robey’s famed Peacock Club in Houston and picking up an electric Gibson guitar that an ailing T-Bone Walker had put down mid-show. Gate so wowed the audience, playing his own “Gatemouth Boogie,” that within a few minutes he had been showered with $600 in tips - a large haul in those cash-strapped days.

Robey soon had Brown fronting a 23-piece orchestra on a tour across the South and Southwest. The manager then formed Peacock Records, the first successful post- war, black-owned record label, to take Gate’s sound to a national audience. Dozens of hits soon followed, including “Okie Dokie Stomp,” “Boogie Rambler,” and “Dirty Work at the Crossroads.” But he became frustrated by the limitations of the blues and began carving a new career by recording albums that featured jazz and country songs mixed in with the blues numbers.

After splitting with Robey, Brown moved to Nashville, where he hosted a television show and began adding country music to his repertoire, even recording with Roy Clark and appearing on Hee Haw. Heavy touring in the 1970s established new audiences in Europe, East Africa, and the Soviet Union, where Gate toured as a musical ambassador for the U.S. State Department. He recorded in his hometown of Bogalusa with Professor Longhair, for the 1974 Barclay session “Rock n’ Roll Gumbo.”

In recent years, he cut a string of four-star albums for such record labels as Rounder, Alligator, Verve, and Blue Thumb. For his last album, “Back to Bogalusa” (Blue Thumb 2001), the 77-year-old presents nearly an hour’s worth of music spread over 13 tracks. While Gate explored the sounds of the Lone Star State on his last release, the appropriately titled “American Music, Texas Style,” (1999) with “Back to Bogalusa,” he takes us back across the state line to his beloved Louisiana.

In September 2004, Brown announced he had been diagnosed with cancer. After consulting oncologists, he decided against undergoing treatment. He also suffered from emphysema and heart disease. By the end of the year, Brown's condition had worsened considerably, forcing him to travel with an oxygen tank. On Jan. 8, he surprised many of his friends and associates by joining Gregg Allman and Susan Tedeschi at Atlanta's Variety Playhouse for not one, but two, shows.

In April 2005, a defiant Brown announced that he would perform at the New Orleans Jazz and Heritage Festival. Despite continued doubts that he had the stamina to even attend the outdoor festival, Brown managed to get through a brief musical set. Some close to Brown were convinced that he would have been happy to die as he lived -- performing on stage.

Clarence Gatemouth Brown died in Sept. 2005, in Texas.

During his career, Brown scored six Grammy nominations, winning the best traditional blues recording prize for his 1982 album, “Alright Again.” He won eight W.C. Handy Blues Awards and was inducted into the Blues Foundation Hall of Fame. He's also a recipient of the Rhythm & Blues Foundation's prestigious Pioneer Award.

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Un verdadero músico, Clarence Gatemouth Brown domina la guitarra, el violín, la batería, la viola, la armónica, el piano, la mandolina y el bajo. La suave mezcla de Gatemouth de swing al estilo Texas con música Jazz, Country y Cajun ha alterado la definición del Blues. Su versatilidad lo distingue como arquitecto de los sonidos del Blues moderno. Aunque principalmente conocido como un artista de rhythm & blues, la música de Brown realmente desafió cualquier descripción simple. Influenciado por grandes bandas y trompetistas, su trabajo con la guitarra y el violín exhibió la música que escuchaba a lo largo de la costa del Golfo.

Brown nació en Vinton, Louisiana, y creció cerca de la costa del Golfo en Orange, Texas. Aprendió guitarra y violín de su padre que tocaba y cantaba las melodías de la región, incluyendo canciones tradicionales francesas e incluso polcas alemanas. Nos lo recuerda: "Todo el mundo tocaba música en aquellos días."

Comenzó a trabajar profesionalmente como baterista durante la Segunda Guerra Mundial. Después de una temporada en el Ejército de los Estados Unidos, Gatemouth hizo su debut como guitarrista en 1947 simplemente caminando sobre el escenario en el famoso Peacock Club de Don Robey en Houston y recogiendo una guitarra eléctrica Gibson que un enfermo T-Bone Walker había puesto a mitad del show. Gate sorprendió tanto al público, tocando su propio "Gatemouth Boogie", que en pocos minutos había sido bañado con $600 en propinas - un gran botín en esos días de poco dinero.

Robey pronto tuvo a Brown al frente de una orquesta de 23 músicos en una gira por el sur y el suroeste. El gerente formó entonces Peacock Records, el primer sello discográfico de propiedad de negros que tuvo éxito después de la guerra, para llevar el sonido de Gate a una audiencia nacional. Pronto le siguieron docenas de éxitos, incluyendo "Okie Dokie Stomp", "Boogie Rambler" y "Dirty Work at the Crossroads". Pero se frustró por las limitaciones del blues y comenzó a forjar una nueva carrera grabando álbumes que incluían canciones de jazz y country mezcladas con números de blues.

Después de separarse de Robey, Brown se mudó a Nashville, donde fue anfitrión de un programa de televisión y comenzó a añadir música country a su repertorio, incluso grabando con Roy Clark y apareciendo en Hee Haw. Las intensas giras de los años setenta establecieron nuevas audiencias en Europa, África Oriental y la Unión Soviética, donde Gate actuó como embajador musical del Departamento de Estado de Estados Unidos. Grabó en su ciudad natal de Bogalusa con el profesor Pelo Largo, para la sesión de Barclay de 1974 "Rock n' Roll Gumbo".

En los últimos años, cortó una serie de álbumes de cuatro estrellas para sellos discográficos como Rounder, Alligator, Verve y Blue Thumb. Para su último álbum, "Back to Bogalusa" (Blue Thumb 2001), este hombre de 77 años presenta casi una hora de música repartida en 13 temas. Mientras Gate exploraba los sonidos del Estado de la Estrella Solitaria en su último lanzamiento, el apropiadamente titulado "American Music, Texas Style," (1999) con "Back to Bogalusa," nos lleva de vuelta a través de la línea estatal hasta su amada Louisiana.

En septiembre de 2004, Brown anunció que le habían diagnosticado cáncer. Después de consultar a los oncólogos, decidió no someterse a tratamiento. También sufría de enfisema y enfermedades del corazón. Al final del año, la condición de Brown había empeorado considerablemente, lo que lo obligó a viajar con un tanque de oxígeno. El 8 de enero, sorprendió a muchos de sus amigos y asociados al unirse a Gregg Allman y Susan Tedeschi en Atlanta's Variety Playhouse para no uno, sino dos, shows.

En abril de 2005, un desafiante Brown anunció que actuaría en el Festival de Jazz y Patrimonio de Nueva Orleáns. A pesar de las continuas dudas de que tenía la resistencia necesaria para asistir al festival al aire libre, Brown consiguió superar un breve set musical. Algunos cercanos a Brown estaban convencidos de que habría estado feliz de morir mientras vivía, actuando en el escenario.

Clarence Gatemouth Brown murió en septiembre de 2005, en Texas.

Durante su carrera, Brown obtuvo seis nominaciones a los Grammy, ganando el premio a la mejor grabación de blues tradicional por su álbum de 1982, "Allright Again". Ganó ocho W.C. Handy Blues Awards y fue admitido en el Salón de la Fama de la Blues Foundation. También ha recibido el prestigioso premio Pioneer Award de la Rhythm & Blues Foundation. 

 

VA • Violin, Sing The Blues For Me African American Fiddlers 1926-1949

 

El violín tiene una significativa importancia en los comienzos del blues, esta antología intenta acercarnos a ese sonido primigenio, que por ser tal, todavía conlleva en muchos casos el corte rural o country del que provenía.

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The violin had a more prominent role in early blues than has often been supposed. Violins were far more apt to be played than guitars in the 19th century, and even when the blues began to be recorded in the 1920s, violins were still often used, although they weren't as apt to be featured on disc as the guitar and other instruments were. This 24-track compilation (with only one cut dating from after 1935) includes some fairly recognizable blues names like Peg Leg Howell, Howard Armstrong, Cow Cow Davenport, the Mississippi Sheiks, the Memphis Jug Band, Charley Patton (accompanying Henry Sims), and Big Joe Williams (a 1935 version of his signature tune "Baby Please Don't Go"), although many of the performers are far more obscure. The material tends toward the more good-timey and folky side of the rural blues tradition; the violins can get into a hoedown kick, as on Peg Leg Howell's "Beaver Slide Rag," or get into a rapid ragtime mode, as on Louie Bluie & Ted Bogan's "Ted's Stomp." Because of the chronological span and wide roster of artists represented, it's a good overview of violin-informed early blues, a subgenre that hasn't gotten a whole of attention. And check out Frank Stokes' "Right Now Blues" to get your head spun around when you hear a lyric that was repeated in Chuck Berry's classic "Reelin' and Rockin'."

~Review by Richie Unterberger

John Lee Hooker • On Vee- Jay 1955-1958

 

 

Biography
Born near Clarksdale, Mississippi to a sharecropping family, John Lee Hooker's earliest musical influence came from his stepfather, Will Moore. By the early 1940's Hooker had moved north to Detroit by way of Memphis and Cincinnati. Hooker found work as a janitor in the auto factories, and at night, like many other transplants from the rural Delta, he entertained friends and neighbors by playing at “house parties”. He was “discovered” by record storeowner Elmer Barbee who took him to Bernard Besman, who was a producer, record distributor and owner of Sensation Records, Besman leased some of his early Hooker recordings to Modern Records. Among Hooker's first recordings in 1948, “Boogie Chillen” became a number one jukebox hit for Modern and his first million seller. This was soon followed by an even bigger hit with “I'm In The Mood” and other classic recordings including “Crawling Kingsnake” and “Hobo Blues.” Another surge in his career took place with the release of more than 100 songs on Vee Jay Records during the 1950's and 1960's.

When the young bohemian audiences of the 1960's “discovered” Hooker along with other blues originators, he and various he and others made a brief return to folk blues. Young British artist such as the Animals, John Mayall, and the Yardbirds introduced Hooker's sound to the new and eager audiences whose admiration and influence helped build Hooker to superstar status in the mid - 60's England. By 1970 he had moved to California and worked on several projects with rock musicians, notably Van Morrison and Canned Heat. Canned Heat modeled their sound after Hooker's boggie and collaborated with him on several albums and tours.

During the late 1970's and much of the 1980's, Hooker toured the U.S. and Europe steadily but grew disenchanted with recording, through his appearance in the Blues Brothers movie resulted in a heightened profile. Then, in 1989, The Healer was released to critical acclaim and sales in excess of a million copies. Today the “The King Of The Boggie” is enjoying the most successful period of his extensive career. In the past ten years Hooker's influence has contributed to a booming interest in the blues and, notably, its acceptance by the music industry as a commercially viable entity.

Hooker's career has been a series a highlights and special events since the release of The Healer. In addition to recording his on albums Mr. Lucky, Boom Boom, Chill Out, and Don't Look Back for Pointblank / Virgin, he contributed to recordings by B.B. King, Branford Marsalis, Van Morrison, and Big Head Todd and the Monsters and portrayed the title role in Pete Townshend's 1989 epic, The Iron Man.

His influence on younger generations has been documented on television with features on Showtime and a special edition of the BBC's 'Late Show' as well as appearances on “The Tonight Show” and “Late Night With David Letterman” among many others. John Lee was invited to perform The Rolling Stones and guest Eric Clapton for their national television broadcast during The Stones' 1989 Steel Wheels tour. In 1990, many musical greats paid tribute to John Lee Hooker with a performance at Madison Square Garden. Joining him on some or all of these special occasions were artists such as Bonnie Raitt, Ry Cooder, Joe Cocker, Huey Newton, Carlos Santana, Robert Clay, Mick Fleetwood, Al Cooper, Johnny Winter, John Hammond, and the late Albert Collins and Willie Dixon.

Hooker's 1991 induction into the Rock n' Roll Hall Of Fame was fitting for the man who has influenced countless fans and musicians who have in turn influenced many more. Honors continued, with inductions into Los Angeles' Rock Walk, The Bammies Walk Of Fame in San Francisco, and, in 1997, a star in the Hollywood Walk Of Fame.

John Lee's style was always unique, even among other performers of the real deep blues, few of whom remain with us today. At the age of 80, John Lee Hooker received his third and fourth Grammy Awards, for Best Traditional Blues Recording “Don't Look Back” and for Best Pop Collaboration for the song “Don't Look Back” which Hooker recorded with his long time friend Van Morrison. This friendship and others are celebrated on Hooker's Pointblank / Virgin album, “The Best Of Friends.” The album also celebrated a return, exactly 50 years later, to Hooker's first hit, Boogie Chillen and served as a perfect bookend for Hooker's fifty years in the business.

The Boogie Man passed on June 21, 2001.
https://musicians.allaboutjazz.com/johnleehooker

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Biografía
Nacido cerca de Clarksdale, Mississippi, en el seno de una familia de aparceros, la primera influencia musical de John Lee Hooker vino de su padrastro, Will Moore. A principios de los años 40, Hooker se había trasladado al norte, a Detroit, pasando por Memphis y Cincinnati. Hooker encontró trabajo como conserje en las fábricas de automóviles, y por la noche, como muchos otros transplantes del Delta rural, entretenía a amigos y vecinos tocando en "fiestas en casa". Fue "descubierto" por el dueño de la tienda de discos Elmer Barbee, quien lo llevó a Bernard Besman, quien era productor, distribuidor de discos y dueño de Sensation Records, Besman alquiló algunas de sus primeras grabaciones de Hooker a Modern Records. Entre las primeras grabaciones de Hooker en 1948, "Boogie Chillen" se convirtió en el éxito número uno de la rocola de Modern y en su primer millón de ventas. A esto le siguió un éxito aún mayor con "I'm In The Mood" y otras grabaciones clásicas como "Crawling Kingsnake" y "Hobo Blues". Otra oleada en su carrera tuvo lugar con el lanzamiento de más de 100 canciones en Vee Jay Records durante los años 50 y 60.

Cuando el joven público bohemio de los 60 "descubrió" a Hooker junto con otros creadores de blues, él y varios otros hicieron un breve retorno al blues folk. Jóvenes artistas británicos como los Animals, John Mayall y los Yardbirds introdujeron el sonido de Hooker a las nuevas y ansiosas audiencias cuya admiración e influencia ayudaron a llevar a Hooker al estatus de superestrella a mediados de los 60 en Inglaterra. Para 1970 se había mudado a California y trabajó en varios proyectos con músicos de rock, especialmente Van Morrison y Canned Heat. Canned Heat modeló su sonido a partir del boggie de Hooker y colaboró con él en varios álbumes y giras.

A finales de los 70 y gran parte de los 80, Hooker realizó giras por los Estados Unidos y Europa de forma constante, pero se desilusionó con la grabación, ya que su aparición en la película de los Blues Brothers le dio un gran protagonismo. Luego, en 1989, The Healer se estrenó con gran éxito de crítica y ventas superiores al millón de copias. Hoy en día el "Rey del Boggie" está disfrutando del período más exitoso de su extensa carrera. En los últimos diez años, la influencia de Hooker ha contribuido a un creciente interés por el blues y, en particular, a su aceptación por la industria musical como una entidad comercialmente viable.

La carrera de Hooker ha sido una serie de acontecimientos destacados y especiales desde el lanzamiento de The Healer. Además de grabar sus álbumes Mr. Lucky, Boom Boom, Chill Out, y Don't Look Back for Pointblank / Virgin, contribuyó a las grabaciones de B.B. King, Branford Marsalis, Van Morrison, y Big Head Todd and the Monsters y representó el papel principal en la epopeya de 1989 de Pete Townshend, The Iron Man.

Su influencia en las generaciones más jóvenes ha sido documentada en la televisión con reportajes en Showtime y una edición especial del "Late Show" de la BBC, así como apariciones en "The Tonight Show" y "Late Night With David Letterman" entre muchos otros. John Lee fue invitado a interpretar a los Rolling Stones e invitado a Eric Clapton para su emisión en la televisión nacional durante la gira de los Steel Wheels de los Stones en 1989. En 1990, muchos grandes de la música rindieron homenaje a John Lee Hooker con una actuación en el Madison Square Garden. Junto a él en algunas o todas estas ocasiones especiales se encontraban artistas como Bonnie Raitt, Ry Cooder, Joe Cocker, Huey Newton, Carlos Santana, Robert Clay, Mick Fleetwood, Al Cooper, Johnny Winter, John Hammond, y los ya fallecidos Albert Collins y Willie Dixon.

La entrada de Hooker en el Salón de la Fama del Rock n' Roll en 1991 fue adecuada para el hombre que ha influido en innumerables fans y músicos que a su vez han influido en muchos más. Los honores continuaron, con las inducciones en el Rock Walk de Los Ángeles, el Walk Of Fame de los Bammies en San Francisco y, en 1997, una estrella en el Walk Of Fame de Hollywood.

El estilo de John Lee siempre fue único, incluso entre otros intérpretes del verdadero blues profundo, pocos de los cuales permanecen con nosotros hoy en día. A la edad de 80 años, John Lee Hooker recibió su tercer y cuarto premio Grammy, por la mejor grabación de blues tradicional "Don't Look Back" y por la mejor colaboración pop por la canción "Don't Look Back" que Hooker grabó con su viejo amigo Van Morrison. Esta amistad y otras se celebran en el álbum Pointblank / Virgin de Hooker, "The Best Of Friends". El álbum también celebraba el regreso, exactamente 50 años después, del primer éxito de Hooker, Boogie Chillen, y sirvió como un perfecto reposalibros para los 50 años de Hooker en el negocio.

The Boogie Man falleció el 21 de junio de 2001.
https://musicians.allaboutjazz.com/johnleehooker

 

 

In Search of the Blues

 

In this extraordinary reconstruction of the origins of the blues, historian Marybeth Hamilton demonstrates that the story as we know it is largely a myth. Following the trail of characters like Howard Odum, who combed Mississippi's back roads with a cylinder phonograph to record vagrants, John and Alan Lomax, who prowled Southern penitentiaries and unearthed the rough, melancholy vocals of Leadbelly, and James McKune, a recluse whose record collection came to define the primal sounds of the Delta blues, Hamilton reveals this musical form to be the culmination of a longstanding white fascination with the exotic mysteries of black music. By excavating the history of the Delta blues, Hamilton reveals the extent to which American culture has been shaped by white fantasies of racial difference.

 

Marybeth Hamilton (Autor)  

 

Elmore James • The Best of the Modern Years

Elmore James (27 de enero, 1918 – 24 de mayo de 1963) fue un guitarrista de blues estadounidense, considerado el padre de la bottleneck guitar o slide guitar.

Comenzó su carrera musical en Misisipi junto al armonicista Rice Miller (más conocido como Sonny Boy Williamson), con el que permaneció varios años hasta que consiguió su primer contrato de grabación en 1951. Fue entonces cuando se trasladó a Chicago, donde inició su andadura en solitario acompañado del grupo "The Broomdusters". Falleció el 24 de mayo de 1963 de un ataque al corazón.

Su estilo sin trabas y apasionado se distinguía por el sonido característico del slide blues, que puede apreciarse en canciones como "Dust my broom", "I Believe" o "It hurts me too". El sonido de James ha influenciado a músicos de blues y rock como Jeremy Spencer de Fleetwood Mac, Brian Jones de The Rolling Stones, Alan Wilson de Canned Heat, Stevie Ray Vaughan, Michael Bloomfield, Duane Allman o John Mayall. Es nombrado por los Beatles en la canción For You Blue del disco Let It Be.

Autor de una considerable cantidad de clásicos del blues, muchas de esa piezas fueron posteriormente versionadas por grandes del rock y del blues. “Dust my broom” fue grabado por Fleetwood Mac, “Bleeding Heart” por Jimi Hendrix, “Rollin´n´tumblin” por Canned Heat y Eric Clapton entre otros.

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Elmore James was an American blues slide guitarist and singer who recorded from 1951 until 1963. As with most blues artists of his era, James' recordings were issued as two-song record singles in the then-standard ten-inch 78 rpm and seven-inch 45 rpm formats. James recorded for several record companies, beginning with Trumpet Records in 1951. From 1952 to 1956, he recorded for the Bihari brothers, who issued singles on their Meteor, Flair, and Modern labels. From 1959 to 1963, he recorded for Fire Records. Along the way, James also recorded some songs which appeared on Chess Records and Chief Records, and as a sideman.

After his death in 1963, Elmore James' former companies began re-issuing a number of his singles on subsidiaries and leasing them out to other companies. These various labels also began releasing numerous compilation albums, often with significant overlap in song selection. With the advent of compact discs, this trend continued. However, some box sets have appeared that collect most or all of James' recordings for a particular label or time period.

Big Mama Thornton • Jail

Recorded live at Monroe State Prison, Monroe, Washington and Oregon State Reformatory, Eugene, Oregon.

Artist Biography

 Willie Mae Thornton, known popularly as “Big Mama,” was not only a successful singer/songwriter in her own time, but a major influential voice in the development of American popular music with her original version of “Hound Dog.”

She herself was influenced by the famous blues singers of the 1920s and 1930s like Bessie Smith, Memphis Minnie, and Ma Rainey. She was a popular performer famous for exuberant shows. “Her booming voice, sometimes 200-pound frame, and exuberant stage manner had audiences stomping their feet and shouting encouragement in R&B theaters from coast to coast from the early 1950s on,” according to the Encyclopedia of Pop Rock & Soul. She received no formal training, either for voice, or for the instruments she played, like the harmonica and the drums. She was a true musician and was able to watch others play and then try things out until she got them right.

Born December 11, 1926 in the country outside Montgomery, Alabama, Thornton was one of seven children of a minister. She began her music career singing alongside her mother in her father's church choir and also playing harmonica, an instrument she picked up at a very early age, in small shows around the countryside. When, in 1940, her mother died Thornton was forced to go out and work. Only 14 years old, she took a job scrubbing floors at a local saloon and it was there that she had her first opportunity to sing in public when the regular singer suddenly quit her job one night leaving the place with no entertainment. After her first successful attempt at singing in public, Thornton entered a small talent show in which she won first prize, and it was there that she came to the attention of Sammy Green. Green asked her to join his Hot Harlem Review and Thornton was soon after seen touring with the vaudeville troupe, dancing and singing across the South.

In 1948 she stopped touring and settled in Houston, Texas having signed a five-year contract with Don Robey to be his nightclub singer, singing with Louis Jordan's band. There she met such famous musicians as Junior Parker, Lightning Hopkins, Lowell Fulson, and Gatemouth Brown. They all helped influence her building style, and it was while living in Houston that Thornton released her first recording under the name Harlem Stars. Brought more firmly into the blues world by this release, she was signed onto the Peacock label, which had her heading to Los Angles to perform with Johnny Otis, the famous bandleader.

She toured with Johnny Otis's Rhythm and Blues Caravan throughout the early 1950s. In 1952 they went to New York to perform at the Apollo, it was while there that Big Mama got her nickname, given to her after the first performance because she was six feet tall, was rather large, and had an immense, earthy voice. The name stuck. At the same time she was touring she recorded around thirty songs of her own.

In 1953 she recorded “Hound Dog,” the song later made famous by Elvis Presley. Johnny Otis, asked Jerry Lieber and Mike Stoller to write a song specifically for Thornton and that song was “Hound Dog.” It quickly went up the R&B charts to number one and was the song that made Thornton a big star. Three years later Elvis Presley recorded the song and it became an enormous hit for him. Thornton, in the meantime, always thought she'd never received the credit she should have for the song. Although written by Lieber and Stoller, it was her additions to the song that made it the hit it is today but she received only one check for $500 for the song and never saw another penny that the popular song pulled in.

After the release of “Hound Dog” in 1952, Thornton went on tour with some of her old friends, first with Junior Parker and Johnny Ace from 1953 to 1954, and then with Gatemouth Brown in 1956. After her tours finished she moved to Los Angeles and started playing harmonica and drums in some of the local clubs as the popularity of blues began to decline. In 1961 Thornton was brought into the limelight again with her release of the song “Ball and Chain.”

Although she struggled a bit professionally during her life, Thornton was well received at such festivals as the Monterey Jazz Festival, the Newport Folk Festival, and the Ann Arbor Blues Festival. She also toured Europe with the American Folk Blues Festival in 1964. When she returned she signed a contract with the Arhoolie label in 1965, with whom she stayed until the 1980s. It was while with Arhoolie that she did some of her best work as “Big Mama Thornton in Europe,” (1966) and “Big Mama Thornton with the Chicago Blues Band.” (1967) Her fortunes received a boost when Janis Joplin recorded a cover of her song “Ball and Chain.” She continued to tour and would often headline blues festivals, she also began to record again and made two albums for Mercury Records.

In 1979 she took part in the San Francisco Blues Festival, despite poor health, and gave there what critics called the performance of a lifetime. To recognize her contributions to the blues music scene, Thornton was awarded the San Francisco Blues Festival Award. Thornton appeared on many television shows throughout her life, and in 1980 she was seen onstage at the Newport Jazz Festival in a program “Blues Is a Woman” alongside other veteran female singers.

Thornton was known to be a heavy drinker and her notorious hard living finally took its toll in the 1970s and the 1980s, but Thornton performed in her lively fashion almost to the end. Even after a serious car accident in 1981 for which she required major surgery, she performed at a cabaret in Pasadena, California though she was unable to walk or stand during the performance. She died on July 25, 1984 in a boarding house in Los Angeles, California of a heart attack and complications from cirrhosis of the liver.

After a lifetime of performing, Thornton was inducted into the Blue's Foundations Hall of Fame in 1984.

In the year 2000 Thornton was remembered in a dance show called “Sweet Willie Mae.” Andrea E. Woods, who was the choreographer of the show, wanted to celebrate the freedom she found in Thornton's music. Thornton was also part of an exhibit at the Woman's Museum in Dallas, her recording of “Hound Dog” playing continuously in a room dedicated to female musicians. Also, the Fund for Women Artists website has a page dedicated to The Big Mama Thornton Project. These are high honors for a woman who died penniless and alone, and ones that will most likely be repeated as more and more people discover a woman who helped make Blues and R&B the popular forms of music they are today.

Source: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/bigmamathornton

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Grabado en vivo en la Prisión Estatal de Monroe, en el Reformatorio Estatal de Monroe, Washington y Oregon, en Eugene, Oregon.

Biografía del artista

 Willie Mae Thornton, conocida popularmente como "Big Mama", no sólo fue una cantante y compositora de éxito en su época, sino también una voz influyente en el desarrollo de la música popular estadounidense con su versión original de "Hound Dog".

Ella misma fue influenciada por los famosos cantantes de blues de los años 20 y 30 como Bessie Smith, Memphis Minnie y Ma Rainey. Era una intérprete popular famosa por sus exuberantes espectáculos. "Su voz en auge, a veces de 200 libras de peso, y su exuberante manera de actuar en el escenario hicieron que el público pisoteara y gritara de costa a costa en los teatros de R&B desde principios de la década de 1950 en adelante", según la Enciclopedia del Pop Rock & Soul. No recibió ningún entrenamiento formal, ni para la voz, ni para los instrumentos que tocaba, como la armónica y la batería. Ella era una verdadera músico y era capaz de ver a otros tocar y luego probar cosas hasta que las hizo bien.

Nacido el 11 de diciembre de 1926 en las afueras de Montgomery, Alabama, Thornton fue uno de los siete hijos de un ministro. Comenzó su carrera musical cantando junto a su madre en el coro de la iglesia de su padre y también tocando la armónica, un instrumento que aprendió a una edad muy temprana, en pequeños espectáculos en el campo. Cuando, en 1940, su madre murió, Thornton se vio obligado a salir a trabajar. Con sólo 14 años de edad, aceptó un trabajo fregando pisos en un salón local y fue allí donde tuvo su primera oportunidad de cantar en público cuando la cantante habitual renunció repentinamente a su trabajo una noche, dejando el lugar sin ningún tipo de entretenimiento. Después de su primer intento exitoso de cantar en público, Thornton entró en un pequeño show de talentos en el que ganó el primer premio, y fue allí donde llamó la atención de Sammy Green. Green le pidió que se uniera a su Hot Harlem Review y Thornton fue visto de gira con la compañía de vodevil, bailando y cantando por todo el sur.

En 1948 dejó de viajar y se estableció en Houston, Texas, habiendo firmado un contrato de cinco años con Don Robey para ser su cantante de club nocturno, cantando con la banda de Louis Jordan. Allí conoció a músicos famosos como Junior Parker, Lightning Hopkins, Lowell Fulson y Gatemouth Brown. Todos ellos ayudaron a influenciar su estilo de construcción, y fue mientras vivía en Houston que Thornton lanzó su primera grabación bajo el nombre de Harlem Stars. Traída más firmemente al mundo del blues con este disco, fue fichada por el sello Peacock, que se dirigía a Los Ángeles para tocar con Johnny Otis, el famoso director de orquesta.

Viajó con Johnny Otis's Rhythm and Blues Caravan a principios de los años 50. En 1952 fueron a Nueva York para actuar en el Apollo, fue allí donde Big Mama recibió su apodo, que le fue dado después de la primera actuación porque medía 1,80 metros de altura, era bastante grande y tenía una voz inmensa y terrenal. El nombre se quedó. Al mismo tiempo que estaba de gira, grabó una treintena de canciones propias.

En 1953 grabó "Hound Dog", la canción que más tarde se hizo famosa por Elvis Presley. Johnny Otis, pidió a Jerry Lieber y Mike Stoller que escribieran una canción específica para Thornton y esa canción era "Hound Dog". Rápidamente subió en las listas de éxitos de R&B al número uno y fue la canción que convirtió a Thornton en una gran estrella. Tres años después, Elvis Presley grabó la canción y se convirtió en un gran éxito para él. Thornton, mientras tanto, siempre pensó que nunca había recibido el crédito que debería tener por la canción. Aunque fue escrita por Lieber y Stoller, fueron sus adiciones a la canción las que la convirtieron en el éxito que es hoy en día, pero sólo recibió un cheque de $500 por la canción y nunca vio otro centavo que la popular canción atrajo.

Después del lanzamiento de "Hound Dog" en 1952, Thornton se fue de gira con algunos de sus viejos amigos, primero con Junior Parker y Johnny Ace de 1953 a 1954, y luego con Gatemouth Brown en 1956. Después de terminar sus giras se mudó a Los Ángeles y comenzó a tocar la armónica y la batería en algunos de los clubes locales a medida que la popularidad del blues comenzaba a declinar. En 1961, Thornton volvió a estar en el candelero con el lanzamiento de la canción "Ball and Chain".

Aunque ella luchó un poco profesionalmente durante su vida, Thornton fue bien recibida en festivales como el Monterey Jazz Festival, el Newport Folk Festival, y el Ann Arbor Blues Festival. También realizó una gira por Europa con el American Folk Blues Festival en 1964. A su regreso firmó un contrato con el sello Arhoolie en 1965, con el que permaneció hasta los años ochenta. Fue mientras estaba con Arhoolie que hizo algunos de sus mejores trabajos como "Big Mama Thornton in Europe" (1966) y "Big Mama Thornton with the Chicago Blues Band" (Big Mama Thornton con la Chicago Blues Band). (1967) Su fortuna recibió un impulso cuando Janis Joplin grabó una versión de su canción "Ball and Chain". Continuó su gira y a menudo encabezaba los festivales de blues, también comenzó a grabar de nuevo y grabó dos discos para Mercury Records.

En 1979 participó en el Festival de Blues de San Francisco, a pesar de su mala salud, y allí dio lo que los críticos llamaron la actuación de su vida. Para reconocer sus contribuciones a la escena musical del blues, Thornton fue galardonada con el San Francisco Blues Festival Award. Thornton apareció en muchos programas de televisión a lo largo de su vida, y en 1980 fue vista en el escenario del Festival de Jazz de Newport en un programa "Blues Is a Woman" junto a otras cantantes femeninas veteranas.

Thornton era conocida por ser una bebedora empedernida y su notoria y dura vida finalmente se cobró su peaje en los años 70 y 80, pero Thornton actuó de manera muy animada casi hasta el final. Incluso después de un grave accidente automovilístico en 1981, en el que tuvo que someterse a una cirugía mayor, actuó en un cabaret en Pasadena, California, aunque no pudo caminar ni estar de pie durante la actuación. Murió el 25 de julio de 1984 en una pensión en Los Ángeles, California, de un ataque cardíaco y complicaciones de cirrosis hepática.

Después de toda una vida de actuación, Thornton fue admitido en el Salón de la Fama de Blue's Foundations en 1984.

En el año 2000 Thornton fue recordado en un espectáculo de danza llamado "Sweet Willie Mae". Andrea E. Woods, que fue la coreógrafa del espectáculo, quería celebrar la libertad que encontró en la música de Thornton. Thornton también formó parte de una exposición en el Museo de la Mujer de Dallas, su grabación de "Hound Dog" tocando continuamente en una sala dedicada a mujeres músicas. Además, el sitio web del Fondo para Mujeres Artistas tiene una página dedicada al Proyecto Big Mama Thornton. Estos son altos honores para una mujer que murió sin un centavo y sola, y que muy probablemente se repetirán a medida que más y más gente descubra a una mujer que ayudó a hacer del Blues y el R&B las formas populares de música que son hoy en día.

Fuente: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/bigmamathornton

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

Howlin Wolf • Mississippi Boy

 

 

Artist Biography by Cub Koda

In the history of the blues, there has never been anyone quite like the Howlin' Wolf. Six foot three and close to 300 pounds in his salad days, the Wolf was the primal force of the music spun out to its ultimate conclusion. A Robert Johnson may have possessed more lyrical insight, a Muddy Waters more dignity, and a B.B. King certainly more technical expertise, but no one could match him for the singular ability to rock the house down to the foundation while simultaneously scaring its patrons out of its wits.

He was born in West Point, MS, and named after the 21st President of the United States (Chester Arthur). His father was a farmer and Wolf took to it as well until his 18th birthday, when a chance meeting with Delta blues legend Charley Patton changed his life forever. Though he never came close to learning the subtleties of Patton's complex guitar technique, two of the major components of Wolf's style (Patton's inimitable growl of a voice and his propensity for entertaining) were learned first hand from the Delta blues master. The main source of Wolf's hard-driving, rhythmic style on harmonica came when Aleck "Rice" Miller (Sonny Boy Williamson) married his half-sister Mary and taught him the rudiments of the instrument. He first started playing in the early '30s as a strict Patton imitator, while others recall him at decade's end rocking the juke joints with a neck-rack harmonica and one of the first electric guitars anyone had ever seen. After a four-year stretch in the Army, he settled down as a farmer and weekend player in West Memphis, AR, and it was here that Wolf's career in music began in earnest.

By 1948, he had established himself within the community as a radio personality. As a means of advertising his own local appearances, Wolf had a 15-minute radio show on KWEM in West Memphis, interspersing his down-home blues with farm reports and like-minded advertising that he sold himself. But a change in Wolf's sound that would alter everything that came after was soon in coming because when listeners tuned in for Wolf's show, the sound was up-to-the-minute electric. Wolf had put his first band together, featuring the explosive guitar work of Willie Johnson, whose aggressive style not only perfectly suited Wolf's sound but aurally extended and amplified the violence and nastiness of it as well. In any discussion of Wolf's early success both live, over the airwaves, and on record, the importance of Willie Johnson cannot be overestimated.

Wolf finally started recording in 1951, when he caught the ear of Sam Phillips, who first heard him on his morning radio show. The music Wolf made in the Memphis Recording Service studio was full of passion and zest and Phillips simultaneously leased the results to the Bihari Brothers in Los Angeles and Leonard Chess in Chicago. Suddenly, Howlin' Wolf had two hits at the same time on the R&B charts with two record companies claiming to have him exclusively under contract. Chess finally won him over and as Wolf would proudly relate years later, "I had a 4,000 dollar car and 3,900 dollars in my pocket. I'm the onliest one drove out of the South like a gentleman." It was the winter of 1953 and Chicago would be his new home.

When Wolf entered the Chess studios the next year, the violent aggression of the Memphis sides was being replaced with a Chicago backbeat and, with very little fanfare, a new member in the band. Hubert Sumlin proved himself to be the Wolf's longest-running musical associate. He first appears as a rhythm guitarist on a 1954 session, and within a few years' time his style had fully matured to take over the role of lead guitarist in the band by early 1958. In what can only be described as an "angular attack," Sumlin played almost no chords behind Wolf, sometimes soloing right through his vocals, featuring wild skitterings up and down the fingerboard and biting single notes. If Willie Johnson was Wolf's second voice in his early recording career, then Hubert Sumlin would pick up the gauntlet and run with it right to the end of the howler's life.

By 1956, Wolf was in the R&B charts again, racking up hits with "Evil" and "Smokestack Lightnin'." He remained a top attraction both on the Chicago circuit and on the road. His records, while seldom showing up on the national charts, were still selling in decent numbers down South. But by 1960, Wolf was teamed up with Chess staff writer Willie Dixon, and for the next five years he would record almost nothing but songs written by Dixon. The magic combination of Wolf's voice, Sumlin's guitar, and Dixon's tunes sold a lot of records and brought the 50-year-old bluesman roaring into the next decade with a considerable flourish. The mid-'60s saw him touring Europe regularly with "Smokestack Lightnin'" becoming a hit in England some eight years after its American release. Certainly any list of Wolf's greatest sides would have to include "I Ain't Superstitious," "The Red Rooster," "Shake for Me," "Back Door Man," "Spoonful," and "Wang Dang Doodle," Dixon compositions all. While almost all of them would eventually become Chicago blues standards, their greatest cache occurred when rock bands the world over started mining the Chess catalog for all it was worth. One of these bands was the Rolling Stones, whose cover of "The Red Rooster" became a number-one record in England. At the height of the British Invasion, the Stones came to America in 1965 for an appearance on ABC-TV's rock music show, Shindig. Their main stipulation for appearing on the program was that Howlin' Wolf would be their special guest. With the Stones sitting worshipfully at his feet, the Wolf performed a storming version of "How Many More Years," being seen on his network-TV debut by an audience of a few million. Wolf never forgot the respect the Stones paid him, and he spoke of them highly right up to his final days.

Dixon and Wolf parted company by 1964 and Wolf was back in the studio doing his own songs. One of the classics to emerge from this period was "Killing Floor," featuring a modern backbeat and a incredibly catchy guitar riff from Sumlin. Catchy enough for Led Zeppelin to appropriate it for one of their early albums, cheerfully crediting it to themselves in much the same manner as they had done with numerous other blues standards. By the end of the decade, Wolf's material was being recorded by artists including the Doors, the Electric Flag, the Blues Project, Cream, and Jeff Beck. The result of all these covers brought Wolf the belated acclaim of a young, white audience. Chess' response to this was to bring him into the studio for a "psychedelic" album, truly the most dreadful of his career. His last big payday came when Chess sent him over to England in 1970 to capitalize on the then-current trend of London Session albums, recording with Eric Clapton on lead guitar and other British superstars. Wolf's health was not the best, but the session was miles above the earlier, ill-advised attempt to update Wolf's sound for a younger audience.

As the '70s moved on, the end of the trail started coming closer. By now Wolf was a very sick man; he had survived numerous heart attacks and was suffering kidney damage from an automobile accident that sent him flying through the car's windshield. His bandleader Eddie Shaw firmly rationed Wolf to a meager half-dozen songs per set. Occasionally some of the old fire would come blazing forth from some untapped wellspring, and his final live and studio recordings show that he could still tear the house apart when the spirit moved him. He entered the Veterans Administration Hospital in 1976 to be operated on, but never survived it, finally passing away on January 10th of that year.

But his passing did not go unrecognized. A life-size statue of him was erected shortly after in a Chicago park. Eddie Shaw kept his memory and music alive by keeping his band, the Wolf Gang, together for several years afterward. A child-education center in Chicago was named in his honor and in 1980 he was elected to the Blues Foundation Hall of Fame. In 1991, he was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame. A couple of years later, his face was on a United States postage stamp. Howlin' Wolf is now a permanent part of American history.

https://www.allmusic.com/artist/howlin-wolf-mn0000276085/biography

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Biografía del artista por Cub Koda
En la historia del blues, nunca ha habido nadie como el Lobo Aullador. Mide 1,95 metros y pesaba cerca de 300 libras en sus días de ensalada, el Lobo era la fuerza primordial de la música que se extendió hasta su conclusión final. Un Robert Johnson puede haber poseído más perspicacia lírica, un Muddy Waters más dignidad, y un B.B. King ciertamente más pericia técnica, pero nadie podría igualarlo por la singular habilidad de mecer la casa hasta los cimientos mientras que simultáneamente asusta a sus clientes.

Nació en West Point, MS, y recibió el nombre del 21º Presidente de los Estados Unidos (Chester Arthur). Su padre era agricultor y Wolf se dedicó a ello hasta que cumplió 18 años, cuando un encuentro casual con la leyenda del blues del Delta, Charley Patton, cambió su vida para siempre. Aunque nunca estuvo cerca de aprender las sutilezas de la compleja técnica de guitarra de Patton, dos de los componentes principales del estilo de Wolf (el inimitable gruñido de una voz de Patton y su propensión a entretenerse) fueron aprendidos de primera mano por el maestro del Delta blues. La fuente principal del estilo rítmico de Wolf en armónica vino cuando Aleck "Rice" Miller (Sonny Boy Williamson) se casó con su media hermana Mary y le enseñó los rudimentos del instrumento. Empezó a tocar a principios de los años 30 como un estricto imitador de Patton, mientras que otros lo recuerdan al final de la década tocando el juke con una armónica en el neck-rack y una de las primeras guitarras eléctricas que alguien había visto. Después de cuatro años en el Ejército, se estableció como granjero y jugador de fin de semana en Memphis Oeste, R.A., y fue aquí donde la carrera musical de Wolf comenzó en serio.

En 1948, se había establecido en la comunidad como una personalidad de la radio. Como medio para anunciar sus propias apariciones locales, Wolf tenía un programa de radio de 15 minutos en KWEM en West Memphis, intercalando su blues casero con informes de granjas y publicidad de ideas afines que él mismo vendía. Pero un cambio en el sonido de Wolf que alteraría todo lo que venía después pronto llegó porque cuando los oyentes sintonizaron el programa de Wolf, el sonido era eléctrico al minuto. Wolf había formado su primera banda, con el explosivo trabajo de guitarra de Willie Johnson, cuyo estilo agresivo no sólo se adaptaba perfectamente al sonido de Wolf, sino que también ampliaba y amplificaba la violencia y la maldad de la misma. En cualquier discusión sobre el éxito inicial de Wolf, tanto en vivo, a través de las ondas de radio y televisión, como en los registros, la importancia de Willie Johnson no puede ser sobreestimada.

Wolf finalmente comenzó a grabar en 1951, cuando captó la atención de Sam Phillips, quien lo escuchó por primera vez en su programa de radio matutino. La música que Wolf hizo en el estudio de Memphis Recording Service estaba llena de pasión y entusiasmo y Phillips alquiló simultáneamente los resultados a los Bihari Brothers en Los Ángeles y Leonard Chess en Chicago. De repente, Howlin' Wolf tuvo dos éxitos al mismo tiempo en las listas de éxitos de R&B con dos compañías discográficas que afirmaban tenerlo exclusivamente bajo contrato. El ajedrez finalmente lo convenció y como Wolf relataría orgullosamente años más tarde: "Tenía un coche de 4.000 dólares y 3.900 dólares en el bolsillo. Soy el único que ha salido del sur como un caballero". Era el invierno de 1953 y Chicago sería su nuevo hogar.

Cuando Wolf entró en los estudios de ajedrez al año siguiente, la violenta agresión de los equipos de Memphis fue reemplazada por un ritmo de Chicago y, con muy poca fanfarria, un nuevo miembro de la banda. Hubert Sumlin demostró ser el músico asociado más antiguo de Wolf. Aparece por primera vez como guitarrista rítmico en una sesión de 1954, y en pocos años su estilo había madurado completamente para asumir el papel de guitarrista principal en la banda a principios de 1958. En lo que sólo puede describirse como un "ataque angular", Sumlin no tocó casi ningún acorde detrás de Wolf, a veces en solitario a través de su voz, con movimientos salvajes hacia arriba y hacia abajo en el diapasón y mordiendo notas individuales. Si Willie Johnson era la segunda voz de Wolf en su temprana carrera discográfica, entonces Hubert Sumlin tomaría el guante y correría con él hasta el final de la vida del aullador.

En 1956, Wolf volvió a estar en las listas de éxitos de R&B, acumulando éxitos con "Evil" y "Smokestack Lightnin'". Se mantuvo como una de las principales atracciones tanto en el circuito de Chicago como en la carretera. Sus récords, aunque rara vez aparecían en las listas nacionales, seguían vendiéndose en números decentes en el sur. Pero en 1960, Wolf se asoció con el escritor de ajedrez Willie Dixon, y durante los siguientes cinco años no grabó casi nada más que canciones escritas por Dixon. La mágica combinación de la voz de Wolf, la guitarra de Sumlin, y las melodías de Dixon vendieron muchos discos y llevaron al bluesista de 50 años a la siguiente década con un florecimiento considerable. A mediados de los años 60, viajó regularmente por Europa con "Smokestack Lightnin'" y se convirtió en un éxito en Inglaterra ocho años después de su estreno en Estados Unidos. Ciertamente, cualquier lista de los mejores lados de Wolf tendría que incluir "I Ain't Superstitious," "The Red Rooster," "Shake for Me," "Back Door Man," "Spoonful," y "Wang Dang Doodle," todas las composiciones de Dixon. Mientras que casi todos ellos se convertirían eventualmente en los estándares del blues de Chicago, su mayor caché ocurrió cuando bandas de rock de todo el mundo empezaron a minar el catálogo de ajedrez por todo lo que valía la pena. Una de estas bandas fue Rolling Stones, cuya versión de "The Red Rooster" se convirtió en el disco número uno de Inglaterra. En el apogeo de la invasión británica, los Stones llegaron a Estados Unidos en 1965 para una aparición en el programa de música rock de ABC-TV, Shindig. Su principal estipulación para aparecer en el programa era que Howlin' Wolf sería su invitado especial. Con las Piedras sentadas a sus pies, el Lobo interpretó una versión impresionante de "Cuántos años más", que fue vista en su debut en la cadena de televisión por unos pocos millones de espectadores. Wolf nunca olvidó el respeto que los Stones le pagaban, y habló de ellos hasta sus últimos días.

Dixon y Wolf se separaron en 1964 y Wolf estaba de vuelta en el estudio haciendo sus propias canciones. Uno de los clásicos que surgió de este período fue "Killing Floor", con un ritmo moderno y un riff de guitarra increíblemente pegajoso de Sumlin. Lo suficientemente pegajoso como para que Led Zeppelin se lo apropiara para uno de sus primeros álbumes, atribuyéndoselo alegremente a ellos mismos de la misma manera que lo habían hecho con muchos otros estándares de blues. A finales de la década, el material de Wolf estaba siendo grabado por artistas como The Doors, The Electric Flag, The Blues Project, Cream y Jeff Beck. El resultado de todas estas portadas trajo a Wolf el aplauso tardío de un público joven y blanco. La respuesta de Chess a esto fue traerlo al estudio para un álbum "psicodélico", verdaderamente el más espantoso de su carrera. Su último gran día de pago fue cuando Chess lo envió a Inglaterra en 1970 para capitalizar la tendencia actual de los álbumes de London Session, grabando con Eric Clapton en guitarra solista y otras superestrellas británicas. La salud de Wolf no era la mejor, pero la sesión estaba muy por encima de la anterior y desacertada tentativa de actualizar el sonido de Wolf para un público más joven.

A medida que los años 70 avanzaban, el final del camino comenzó a acercarse. Por ahora Wolf era un hombre muy enfermo; había sobrevivido a numerosos ataques cardíacos y estaba sufriendo daño renal debido a un accidente automovilístico que lo hizo volar a través del parabrisas del auto. Su director de orquesta Eddie Shaw racionó firmemente a Wolf con media docena de canciones por set. Ocasionalmente, algo del viejo fuego salía ardiendo de un manantial sin explotar, y sus grabaciones finales en vivo y en estudio muestran que todavía podía destrozar la casa cuando el espíritu lo movía. Entró en el Hospital de la Administración de Veteranos en 1976 para ser operado, pero nunca sobrevivió y finalmente falleció el 10 de enero de ese año.

Pero su muerte no pasó desapercibida. Poco después se erigió una estatua de tamaño natural en un parque de Chicago. Eddie Shaw mantuvo viva su memoria y su música al mantener a su banda, la Wolf Gang, unida durante varios años después. Un centro de educación infantil en Chicago fue nombrado en su honor y en 1980 fue elegido para el Salón de la Fama de la Blues Foundation. En 1991, fue admitido en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Un par de años después, su cara estaba en un sello de correos de los Estados Unidos. Lobo Aullador es ahora parte permanente de la historia de Estados Unidos.

https://www.allmusic.com/artist/howlin-wolf-mn0000276085/biography

 

 

J.B. Lenoir • Down in Mississippi

Review by Richie Unterberger
Recorded in September 1966, shortly before his death the following spring, this session was Lenoir's most effective fusion of acoustic blues, African percussion, and contemporary, topical songwriting."Round and Round," "Voodoo Music," and "Feelin' Good" bring the African influence to the fore, while J.B. addresses tough issues like Vietnam and discrimination more directly than any other bluesman of the time on cuts like "Down In Mississippi," "Shot on Meredith," and "Vietnam Blues." Supervised by Willie Dixon, this recording also featured top Chicago blues drummer Fred Below.

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Reseña de Richie Unterberger
Grabado en septiembre de 1966, poco antes de su muerte en la primavera siguiente, esta sesión fue la fusión más efectiva de Lenoir de blues acústico, percusión africana y composición de canciones contemporáneas de actualidad. "Round and Round", "Voodoo Music" y "Feelin' Good" ponen de relieve la influencia africana, mientras que J.B. aborda temas difíciles como Vietnam y la discriminación más directamente que cualquier otro bluesman de la época en cortes como "Down In Mississippi", "Shot on Meredith" y "Vietnam Blues". Supervisado por Willie Dixon, esta grabación también contó con la participación del baterista de Chicago Fred Below.

 

Rick Estrin And The Nightcats • One Wrong Turn

 

Review by Hal Horowitz

The second Rick Estrin solo album to replace the Nightcats' longtime guitarist Little Charlie Baty with Kid Andersen (who again co-produces, records, and mixes, almost making him Estrin's equal for support responsibilities) shows a bit of a progression. It's still rooted in the good-time approach Estrin and Little Charlie adhered to for nine Alligator releases, but pushes more at the edges, toughening up the attack to include hints of surf, rock, jump blues, reggae, Booker T. & the MG's soul, and a terrific '50s-styled slow dance ballad in "Movin' Slow." As frontman, the sartorially sharp Estrin is difficult to beat. His sly fox-guarding-the-hen house vocals and dynamic harp work are flashy in all the right ways, and these songs are some of the best he has recorded which, with his extensive catalog, is quite a compliment. The title track is a typically swinging blues pushed by an Estrin harp solo even the great Little Walter would have been proud of. It's complemented by Andersen's tough rhythmic guitar fills and organ from Lorenzo Farrell, the band's somewhat hidden MVP who also handles bass duties. Estrin's humorous, show-stopping story songs are his calling card with this album's clever "(I Met Her on The) Blues Cruise" filling that slot and simultaneously letting him namecheck some of his fellow blues cruise musicians. But it's when he displays serious chops playing it straight on "Broke and Lonesome," a cutting Chicago blues with Andersen's biting guitar shifting tempos for the bridge, proving Estrin and his band aren't just about double entendres and flamboyant frontmen. He even hands vocals over to bandmate J. Hanson for the drummer's rocking and slightly mean-spirited "You Ain't the Boss of Me," but Estrin seems M.I.A. on the album's two instrumentals. That's odd, because the second of those, Andersen's closing "The Legend of Taco Cobbler," is, at nearly seven minutes, the disc's longest and arguably most ambitious track, shifting from surf to Tex-Mex, spaghetti Western, Memphis soul, and about three other genres (including a brief classical riff) throughout its many changes. As a producer, Andersen's intricate and detailed touch brings additional sounds, occasional overdubbing, and unexpected effects to bolster the mix (the album sounds particularly good with head phones). When an unaccompanied Estrin goes completely solo (harp, vocal, and foot stomps) on "Old News," you understand that in a pinch, he could carry a set without a band. But for this release he has one, and a pretty great one at that, making One Wrong Turn the right move at this stage of Rick Estrin's lengthy and productive career.

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Reseña de Hal Horowitz

El segundo álbum en solitario de Rick Estrin, que sustituye al antiguo guitarrista de los Nightcats, Little Charlie Baty, por Kid Andersen (que de nuevo coproduce, graba y mezcla, casi convirtiéndolo en el igual de Estrin para las responsabilidades de apoyo) muestra un poco de progresión. Sigue enraizado en el enfoque de los buenos tiempos al que Estrin y Little Charlie se adhirieron durante nueve lanzamientos de Alligator, pero empuja más a los bordes, endureciendo el ataque para incluir toques de surf, rock, jump blues, reggae, Booker T. y el alma de MG, y una estupenda balada de baile lento estilo años 50 en "Movin' Slow". Como líder, el sartorialmente agudo Estrin es difícil de superar. Su astuta voz de zorro guardián del gallinero y su dinámico trabajo de arpa son llamativos en todos los sentidos, y estas canciones son algunas de las mejores que ha grabado, lo cual, con su extenso catálogo, es todo un cumplido. El tema del título es un blues típicamente swinging empujado por un solo de arpa de Estrin del que incluso el gran Little Walter habría estado orgulloso. Se complementa con los duros rellenos de guitarra rítmica de Andersen y el órgano de Lorenzo Farrell, el MVP de la banda, algo oculto, que también se encarga del bajo. Las canciones de Estrin, con su humor y su historia de éxito, son su tarjeta de presentación, con este álbum "(I Met Her on The) Blues Cruise" llenando ese hueco y dejándole a la vez que nameche a algunos de sus compañeros músicos del crucero de blues. Pero es cuando se muestra serio tocando directamente en "Broke and Lonesome", un corte del blues de Chicago con la guitarra de Andersen cambiando los tempos para el puente, demostrando que Estrin y su banda no son sólo dobles sentidos y extravagantes testaferros. Incluso le entrega las voces a su compañero de banda J. Hanson para el rockero y ligeramente mezquino "You Ain't the Boss of Me", pero Estrin parece M.I.A. en los dos instrumentos del álbum. Es extraño, porque el segundo de ellos, el cierre de Andersen "The Legend of Taco Cobbler", es, con casi siete minutos, el tema más largo del disco y posiblemente el más ambicioso, pasando del surf al Tex-Mex, al spaghetti Western, al soul de Memphis y a otros tres géneros (incluyendo un breve riff clásico) a lo largo de sus muchos cambios. Como productor, el toque intrincado y detallado de Andersen aporta sonidos adicionales, sobregrabaciones ocasionales y efectos inesperados para reforzar la mezcla (el álbum suena especialmente bien con auriculares). Cuando un Estrin sin acompañamiento va completamente solo (arpa, voz y zapateado) en "Old News", entiendes que en un apuro, podría llevar un set sin una banda. Pero para este lanzamiento tiene uno, y uno bastante bueno, que hace que One Wrong Turn sea el movimiento correcto en esta etapa de la larga y productiva carrera de Rick Estrin.

rickestrin.com ...

Louisiana Red • Pretty Woman

Biography

Louisiana Red (born Iverson Minter) was a flamboyant guitarist, harmonica player, and vocalist. He lost his parents early in life through multiple tragedies; his mother died of pneumonia a week after his birth, and his father was lynched by the Klu Klux Klan when he was five.

Red began recording for Chess in 1949, then joined the Army. After his discharge, he played with John Lee Hooker in Detroit for almost two years in the late '50s, and continued through the '60s and '70s with recording sessions for Chess, Checker, Atlas, Glover, Roulette, L&R, and Tomato, among others.

Louisiana Red moved to Hanover, Germany in 1981, and maintained a busy recording and performing schedule through the subsequent decades into the new millennium, his 21st century releases including 2001's Driftin' on Earwig, 2002's A Different Shade of Red on Severn, 2004's Bad Case of the Blues on Mojo Tone, 2005's No Turn on Red on Hightone and Hot Sauce on Red Lightnin', and 2008's Back to the Black Bayou (recorded in Norway with producer/guitarist Little Victor) on Ruf. He died in Germany in 2012 when his thyroid imbalance brought on a stroke.

by Ron Wynn

https://www.allmusic.com/artist/louisiana-red-mn0000839476/biography

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Biografía

Louisiana Red (nacido Iverson Minter) era un guitarrista, armónica y vocalista extravagante. Perdió a sus padres a temprana edad a través de múltiples tragedias; su madre murió de neumonía una semana después de su nacimiento, y su padre fue linchado por el Klu Klux Klan cuando tenía cinco años.

Red comenzó a grabar para Chess en 1949, y luego se unió al ejército. Después de su baja, tocó con John Lee Hooker en Detroit durante casi dos años a finales de los 50, y continuó durante los 60 y 70 con sesiones de grabación para Chess, Checker, Atlas, Glover, Roulette, L&R, y Tomato, entre otros.

Louisiana Red se trasladó a Hannover (Alemania) en 1981 y mantuvo un apretado calendario de grabaciones y actuaciones durante los decenios siguientes en el nuevo milenio. Entre sus lanzamientos del siglo XXI cabe citar Driftin' on Earwig (2001), A Different Shade of Red (2002) en Severn, Bad Case of the Blues (2004) en Mojo Tone, No Turn on Red (2005) en Hightone y Hot Sauce (2008) en Red Lightnin', y Back to the Black Bayou (2008) (grabado en Noruega con el productor/guitarrista Little Victor) en Ruf. Murió en Alemania en 2012 cuando su desequilibrio tiroideo le provocó un derrame cerebral.

por Ron Wynn

https://www.allmusic.com/artist/louisiana-red-mn0000839476/biography

B.B. King • Confessin' The Blues

  

 

Biography

Born on a plantation in Itta Bena, Mississippi in 1925, Riley B. King would start from very humble beginnings. His family moved around the area, and the young Riley experienced early a life of constant motion. As a youngster he was a farm laborer, but drawn to music, he took up the guitar; he played on street corners, and would sometimes play in as many as four towns a night. In 1946, he hitchhiked to Memphis, to pursue his music career. Memphis was a large musical community where every style of music could be found, a good place for a young man who wanted to play the blues. Riley stayed with his cousin Bukka White, a celebrated bluesman in his own right, who was able to show him first hand the guitar foundations of the blues.

Playing an acoustic set of rural blues, he kicked around a lot of the clubs in Memphis, getting a break in 1948 when he performed on Sonny Boy Williamson's radio program on KWEM out of West Memphis. This led to steady engagements at the 16th St. Grill in West Memphis, and later to a ten-minute spot on black Memphis radio station WDIA. “King's Spot,” became so popular, it was expanded and became the “Sepia Swing Club.” Becoming a popular local disc jockey, Riley needed a professional sounding name. He was the Beale Street Blues Boy then Blues Boy King, and eventually B.B. King. This led to the studio recording of “Miss Martha King” for the local Bullet label, which didn’t cause much of a stir, but it did stimulate B.B. to pursue a recording contract.

He recorded a couple of singles for Bullet, and then signed with Modern’s RPM where he did “Three O’Clock Blues”, in 1951. This song proved to be a major hit, and he quickly followed that with “Please Love Me”, “You Upset Me Baby”, “Every Day”, (which would become his theme song), “Ten Long Years”, and “Sweet Little Angel”. These are available as “The RPM Hits 1951-1957” (Ace). These recordings rose to the tops of the R&B charts, and he went on the road to promote the songs, thus starting his life of incessant touring. This is how he developed his unique and signature style, every night, playing the blues. By 1955 he had a full time band, and hit the road, where he’s been ever since.

Riding the wave of popularity generated by the RPM records, he churned out a string of hits for their subsidiary Kent label, and stayed with them throughout the ‘50’s. This is the period where he made a name for himself, both in the record charts, and promoting the records by playing live. But by 1961, he had decided to change labels, looking to get a better deal than he was getting at RPM/Kent. He signed with ABC/Paramount records, which had just scored big by signing Ray Charles from Atlantic, they were aware of a bigger market, knew how to market B.B.’s music and were willing to pay for it. B.B. King received a $25,000 signing bonus. The overall environ was much more professional, and though they brought in first class arrangers and musicians, they pretty much gave B.B. a free reign, or so he thought.

There was in this period of the early ‘60’s a change of direction that took away from the blues essence he was known for and the record sales were not what everyone expected. Then producer/arranger Johnny Pate had the idea of recording B.B. on his home turf, a black nightspot, with his own band. The result was “Live at the Regal”, released in January 1965. It blew everyone away, and changed contemporary guitar forever. This album is responsible for the acceptance and adherence of a whole new generation, mostly white, to the blues. The guitar players alone who were influenced by it is staggering, and includes every blues and rock player from then on. It reestablished the way to play electric blues and made B.B. King “King of the Blues”!!

B.B. King has one of the world's most identifiable guitar styles, and his guitar Lucille is probably the most famous. Lucille is a Custom Shop Gibson ES-355. His first guitar back in his early days in Mississippi was a Stella acoustic. He borrowed from Django Reinhardt, Charlie Christian, Lonnie Johnson, of course T-Bone Walker and others, integrating his precise and complex vocal-like string bends and his left hand vibrato, both of which have become indispensable components of guitar vocabulary. Drawing heavily from the sweet single string T-bone style patterns, he plays with a short stinging attack, often in a cluster pattern. Starting with a five note signature, he follows with delicate phrases, sliding into notes, and allowing space for them to build. He listened a lot to jazz horn players, and it is portrayed in his use of dynamics, tension and tone, he is the undisputed master of an economical method of expression.

By 1968, B.B. was playing at the Newport Folk Festival and at Bill Graham's Fillmore West on bills with the hottest rock artists of the day, all which were huge fans. The Rolling Stones chose him to open their ’69 tour, thus gaining even broader exposure. He was able to capitalize on the Blues Revival at the time, but then again he was always around, and perennially on the road. In 1969 he was the premier act on the new ABC label Bluesway where he came out with “The Thrill is Gone”, which is his signature tune, and is his biggest hit to date. This opened up new venues and he was soon playing Las Vegas, in the same clubs where Sinatra played. By 1970 he was on the Tonight Show, and on the Ed Sullivan Show, the blues makes it to prime time America.

The 1970’s saw B.B.King sitting on top of the world, so then he decided to go back to his blues roots and did two excellent albums “Live at the Cook County Jail”, and “Completely Well/Live in Cook County Jail”. These showcase what he does best, playing in front of a live audience. Both for the ABC/MCA label where he continued to record for years to come.

He would go on to record many commercially successful albums, and of course stayed on the road performing around the world, known as the Ambassador of the Blues, as certainly no one has played the blues in so many places. MCA released a four cd box set “B.B.King, King of the Blues”, as a compilation of his recording history up to 1991. B.B. was inducted into the Blues Foundation Hall of Fame in 1984,the Rock and Roll Hall of Fame in 1987, and the Songwriters Hall of Fame in 1990.He received a Lifetime Achievement Grammy Award in 1987, and has received honorary doctorates from several colleges as Yale University in 1977; Berklee College of Music in 1982; Rhodes College of Memphis in 1990 and Mississippi Valley State University in 2002. In 1992, he received the National Award of Distinction from the University of Mississippi. There is also a star on the Hollywood Walk of Fame, and Presidential Medal of Honor.

In 1991, B.B. King's Blues Club opened on Beale Street in Memphis, and in 1994, a second club was launched in Los Angeles. A third club in New York City's Times Square opened in June 2000 and two clubs opened in Connecticut in January 2002. In 1996, the CD-Rom “On the Road with B.B. King: An Interactive Autobiography”, and his book “Blues All Around Me” (Avon Books) was published. “The Arrival of B.B. King” (Doubleday) by Charles Sawyer, a biography was published in 1980. Between 1951 and 1985 he listed an amazing 75 entries in Billboard’s R&B charts. There are multiple Grammy’s (over 15 last count) sitting on his shelf at home, and a wall full of Gold and Platinum Records representing millions in album sales. “Deuces Wild”, an all-star collection of duets, released in 1997, returned B.B. to the limelight. His 1998 album, “Blues on the Bayou”, was well received, and his annual B.B. King Blues Festival Tour is a top attraction. The1999 release of “Let the Good Times Roll—The Music of Louis Jordan” was a musical tribute to one of his heroes. B.B. teamed up with Eric Clapton on the multi-platinum release of “Riding with the King”, (Reprise 2000) which was Clapton’s tribute to him, an excellent record, a master and his pupil so many years later, so many roads traveled both still playing the blues.On the occasion of his 80th birthday in 2005, he recorded a star- studded duets album “80”(Geffen) as a testament to his will as an enduring musician.

B.B. King has released another gem of a album. “One Kind Favor” on Geffen Records.Recorded at The Village Recorder in Los Angeles, CA “OneKind Favor” is meant to sound like an album recorded in the50s. To get this sound producer T-Bone Burnett and King replicated the kind of blues band King had back in the day.Studio conditions of the time were reproduced. The result is a vintage sounding album filled with the songs that influenced King in his early days as an artist. Highly Recommended!

B.B. King was the most fortunate and unusual of bluesmen; a success on his own terms, and in his own time. He was the best known, most recognized bluesman on the planet. He stayed true to himself and his music, and made it on that.

B.B. King passed on May 15, 2015.

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Biografía

Nacido en una plantación en Itta Bena, Mississippi, en 1925, Riley B. King comenzaría desde un principio muy humilde. Su familia se trasladó por la zona, y el joven Riley experimentó a temprana edad una vida de constante movimiento. De joven era obrero agrícola, pero atraído por la música, tomó la guitarra; tocaba en las esquinas de las calles, y a veces tocaba en hasta cuatro pueblos por noche. En 1946, hizo autostop a Memphis, para continuar su carrera musical. Memphis era una gran comunidad musical donde se podían encontrar todos los estilos de música, un buen lugar para un joven que quería tocar blues. Riley se quedó con su primo Bukka White, un famoso bluesista por derecho propio, que pudo mostrarle de primera mano los fundamentos de la guitarra del blues.

Tocando un conjunto acústico de blues rural, dio una patada a muchos de los clubes de Memphis, consiguiendo un descanso en 1948 cuando actuó en el programa de radio de Sonny Boy Williamson en KWEM fuera de Memphis Oeste. Esto condujo a compromisos constantes en el 16th St. Grill en West Memphis, y más tarde a un anuncio de diez minutos en la estación de radio negra de Memphis WDIA. "King's Spot", se hizo tan popular, que se expandió y se convirtió en el "Sepia Swing Club". Convirtiéndose en un popular disc-jockey local, Riley necesitaba un nombre que sonara profesional. Era el Beale Street Blues Boy, luego el Blues Boy King, y finalmente el B.B. King. Esto llevó a la grabación en estudio de "Miss Martha King" para el sello local Bullet, que no causó mucho revuelo, pero sí estimuló a B.B. a buscar un contrato de grabación.

Grabó un par de sencillos para Bullet, y luego firmó con Modern's RPM donde hizo "Three O'Clock Blues", en 1951. Esta canción resultó ser un gran éxito, y rápidamente la siguió con "Please Love Me", "You Upset Me Meter Baby", "Every Day", (que se convertiría en su tema principal), "Ten Long Years", y "Sweet Little Angel". Están disponibles como "The RPM Hits 1951-1957" (Ace). Estas grabaciones llegaron a lo más alto de las listas de éxitos del R&B, y se puso en camino para promocionar las canciones, iniciando así su vida de incesante gira. Así fue como desarrolló su estilo único y característico, cada noche, tocando el blues. Para 1955 tenía una banda de tiempo completo, y se fue de viaje, donde ha estado desde entonces.

Aprovechando la ola de popularidad generada por los discos RPM, produjo una serie de éxitos para su subsidiaria Kent, y permaneció con ellos a lo largo de los años 50. Este es el período en el que se hizo un nombre, tanto en las listas de éxitos como en la promoción de los discos tocando en vivo. Pero para 1961, había decidido cambiar de discográfica, buscando conseguir un mejor precio que el que obtenía en RPM/Kent. Firmó con ABC/Paramount Records, que acababa de obtener una gran puntuación con Ray Charles de Atlantic, conocían un mercado más grande, sabían cómo comercializar la música de B.B. y estaban dispuestos a pagar por ella. B.B. King recibió un bono de 25.000 dólares por la firma. El ambiente en general era mucho más profesional, y aunque trajeron arreglistas y músicos de primera clase, le dieron a B.B. un reinado libre, o eso pensó.

Hubo en este período de principios de los'60 un cambio de dirección que le quitó la esencia del blues por el que era conocido y las ventas de discos no fueron lo que todo el mundo esperaba. Entonces el productor y arreglista Johnny Pate tuvo la idea de grabar a B.B. en su territorio natal, un local nocturno negro, con su propia banda. El resultado fue "Live at the Regal", publicado en enero de 1965. Voló por los aires a todo el mundo y cambió la guitarra contemporánea para siempre. Este álbum es responsable de la aceptación y adhesión de toda una nueva generación, en su mayoría blanca, al blues. Los guitarristas que fueron influenciados por ella son asombrosos, e incluye a todos los guitarristas de blues y rock a partir de entonces. Restableció la forma de tocar blues eléctrico e hizo que B.B. King "King of the Blues"!

B.B. King tiene uno de los estilos de guitarra más conocidos del mundo, y su guitarra Lucille es probablemente la más famosa. Lucille es una tienda personalizada Gibson ES-355. Su primera guitarra en sus primeros días en Mississippi fue una Stella acústica. Tomó prestado de Django Reinhardt, Charlie Christian, Lonnie Johnson, por supuesto T-Bone Walker y otros, integrando sus precisas y complejas curvas de cuerdas vocales y su vibrato de la mano izquierda, que se han convertido en componentes indispensables del vocabulario de la guitarra. Basándose en gran medida en los dulces patrones en forma de T-bone de una sola cuerda, juega con un ataque corto y punzante, a menudo en forma de racimo. Comenzando con una firma de cinco notas, sigue con frases delicadas, deslizándose en notas y dejando espacio para que se construyan. Escuchó mucho a los trompetistas de jazz, y se refleja en su uso de la dinámica, la tensión y el tono, es el maestro indiscutible de un método económico de expresión.

En 1968, B.B. tocaba en el Festival Folklórico de Newport y en Fillmore West de Bill Graham con los artistas de rock más populares del momento, todos los cuales eran grandes fans. Los Rolling Stones lo eligieron para abrir su gira del'69, ganando así una exposición aún más amplia. Fue capaz de sacar provecho del avivamiento del Blues en ese momento, pero luego siempre estaba alrededor, y perennemente en la carretera. En 1969 fue el primer acto del nuevo sello ABC Bluesway, donde salió con "The Thrill is Gone", que es su tema característico, y es su mayor éxito hasta la fecha. Esto abrió nuevos lugares y pronto tocó en Las Vegas, en los mismos clubes donde tocaba Sinatra. Para 1970 estaba en el Tonight Show, y en el Ed Sullivan Show, el blues llega al horario de máxima audiencia en Estados Unidos.

La década de 1970 vio a B.B.King sentado en la cima del mundo, así que decidió volver a sus raíces blues e hizo dos excelentes álbumes "Live at the Cook County Jail", y "Completely Well/Live in Cook County Jail". Éstas muestran lo que él hace mejor, tocando frente a un público en vivo. Tanto para el sello ABC/MCA donde continuó grabando en los próximos años.

Siguió grabando muchos discos de éxito comercial y, por supuesto, se quedó de gira por todo el mundo, conocido como el Embajador de los Blues, ya que ciertamente nadie ha tocado el blues en tantos lugares. MCA lanzó un set de cuatro cd's "B.B.King, King of the Blues", como una compilación de su historia discográfica hasta 1991. B.B. fue admitido en el Salón de la Fama de la Fundación Blues en 1984, en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1987, y en el Salón de la Fama de los Compositores de Canciones en 1990, recibió un premio Grammy en 1987, y ha recibido doctorados honoris causa de varias universidades como la Universidad de Yale en 1977, el Colegio de Música de Berklee en 1982, el Colegio de Música de Rhodes en Memphis en 1990 y la Universidad Estatal del Valle de Mississippi en 2002. En 1992, recibió el Premio Nacional de Distinción de la Universidad de Mississippi. También hay una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y una Medalla Presidencial de Honor.

En 1991, B.B. King's Blues Club abrió sus puertas en Beale Street en Memphis, y en 1994, se fundó un segundo club en Los Ángeles. Un tercer club en el Times Square de la ciudad de Nueva York abrió en junio de 2000 y dos clubes abrieron en Connecticut en enero de 2002. En 1996, el CD-Rom "On the Road with B.B. King: Una autobiografía interactiva", y su libro "Blues All Around Me" (Avon Books). "The Arrival of B.B. King" (Doubleday) de Charles Sawyer, se publicó una biografía en 1980. Entre 1951 y 1985 enumeró una sorprendente lista de 75 entradas en las listas de R&B de Billboard. Hay varios Grammy's (más de 15 en el último recuento) sentados en su estantería de casa, y una pared llena de discos de oro y platino que representan millones en ventas de álbumes. "Deuces Wild", una colección de dúos de estrellas, lanzada en 1997, volvió a poner a B.B. en el candelero. Su álbum de 1998, "Blues on the Bayou", fue bien recibido, y su gira anual B.B. King Blues Festival Tour es una de las principales atracciones. El lanzamiento en 1999 de "Let the Good Times Roll-The Music of Louis Jordan" fue un tributo musical a uno de sus héroes. B.B. se unió a Eric Clapton en el lanzamiento multi-platino de "Riding with the King", (Reprise 2000) que fue el tributo de Clapton a él, un excelente disco, un maestro y su alumno tantos años más tarde, tantos caminos recorridos por ambos aún tocando el blues, y con motivo de su 80 cumpleaños en 2005 grabó un álbum de dúos "80" (Geffen) como testimonio de su voluntad como músico perdurable.

B.B. King ha lanzado otra joya de un álbum. "Grabado en The Village Recorder en Los Angeles, CA "OneKind Favor" tiene la intención de sonar como un álbum grabado en la década de 1950. Para conseguir este sonido, el productor T-Bone Burnett y King replicaron el tipo de banda de blues que King tenía en su día, reproduciendo las condiciones del estudio de la época. El resultado es un álbum de sonido vintage lleno de las canciones que influenciaron a King en sus primeros días como artista. Altamente Recomendado!

B.B. King fue el más afortunado e inusual de los bluesmen; un éxito en sus propios términos, y en su propio tiempo. Era el bluesista más conocido y reconocido del planeta. Se mantuvo fiel a sí mismo y a su música, y lo hizo con ella.

B.B. King falleció el 15 de mayo de 2015.

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