Review from AllMusic (by Thom Jurek): With the possible exception of Grover Washington's Feels So Good, no other album captured the spirit of jazz in 1975 like Bobby Hutcherson's Montara. Recorded in his hometown of L.A., Montara is the very sound of groove jazz coming out of fusion, and Latin jazz's tough salsa rhythms coming home to roost in something more warm and effluvial that would meet the populace where it was changing and mellowing out rather than making it sit up and take notice. That said, Montara is, like the Washington record, a masterpiece of the genre even though it isn't celebrated in the same way. Featuring a stellar cast of musicians -- among them Willie Bobo, Blue Mitchell, Bobby Matos, Ernie Watts, Harvey Mason, Plas Johnson, Fred Jackson, Larry Nash, and Chuck Domanico -- Montara is a portrait of Hutcherson's complex gift of subtlety and virtuosity. Whether it's the funky Weather Report dance of "Camel Rise," with Nash's electric piano and the horns weaving around one another in a soulful samba melody, the sweet soulful groove of the title track, where Hutcherson's solo lilts to the point of actually singing, the killer Cuban salsa of "La Malanga," done in complete minor-key frenzy (all the while without losing the easy, slippery grace of soul-jazz), the shimmering echoplexed electric piano and vibes interplay on "Love Song," or the steaming, burning gasoline orgy of Hutcherson's read of Santana's "Oye Como Va," with a killer flute line by Watts winding its way through a knotty bassline and multi-part percussion, the effect is the same: blissed-out moving and grooving for a summer day. Hutcherson's chameleon-like ability to shape-shift is truly remarkable as a sideman and especially as a leader. He never overplays, his charts are tight, and he always creates a band vibe. Almost all of his solo recordings reflect the strengths of the ensemble rather than his strengths as a soloist. Montara is one of the great feel-good jazz albums of the 1970s, one of the great Latin jazz albums of the 1970s, and one of the great groove jazz records. Seek it out without hesitation. https://www.allmusic.com/album/montara-mw0000036961
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Reseña de AllMusic (por Thom Jurek): Con la posible excepción de Feels So Good de Grover Washington, ningún otro álbum capturó el espíritu del jazz en 1975 como el Montara de Bobby Hutcherson. Grabado en su ciudad natal de Los Ángeles, Montara es el sonido mismo del groove jazz saliendo de la fusión, y los duros ritmos de salsa del jazz latino volviendo a casa para anidar en algo más cálido y efluente que se encontraría con el público donde se estaba transformando y relajando, en lugar de obligarlo a prestar atención. Dicho esto, Montara es, como el disco de Washington, una obra maestra del género aunque no sea celebrada de la misma manera. Con un elenco estelar de músicos — entre ellos Willie Bobo, Blue Mitchell, Bobby Matos, Ernie Watts, Harvey Mason, Plas Johnson, Fred Jackson, Larry Nash y Chuck Domanico — Montara es un retrato del complejo don de sutileza y virtuosismo de Hutcherson. Ya sea la danza funky al estilo Weather Report de "Camel Rise", con el piano eléctrico de Nash y los vientos entretejidos en una melodía de samba llena de alma, el dulce y anímico groove del tema titular, donde el solo de Hutcherson se inclina hasta el punto de realmente cantar, la asesina salsa cubana de "La Malanga", ejecutada en una frenética tonalidad menor (sin perder en ningún momento la gracia fácil y resbaladiza del soul-jazz), el interplay reluciente de piano eléctrico con echoplex y vibráfono en "Love Song", o la orgia de gasolina ardiente y humeante de la lectura de Hutcherson de "Oye Como Va" de Santana, con una línea de flauta asesina de Watts serpenteando a través de una línea de bajo intrincada y percusión de múltiples partes, el efecto es el mismo: un éxtasis de movimiento y groove para un día de verano. La capacidad camaleónica de Hutcherson para transformarse es verdaderamente notable tanto como sideman como especialmente como líder. Nunca toca de más, sus arreglos son ajustados y siempre crea un ambiente de banda. Casi todas sus grabaciones en solitario reflejan las fortalezas del ensemble más que las suyas como solista. Montara es uno de los grandes discos de jazz de buen rollo de los años 70, uno de los grandes discos de jazz latino de los años 70, y uno de los grandes discos de groove jazz. Búscalo sin vacilar. https://www.allmusic.com/album/montara-mw0000036961
Description from Dusty Groove / Fresh Sound Records: An obscure session from Plas Johnson — recording here away from Capitol, under another name, quite possibly for contractual reasons! Regardless of the name above the title, this is a wonderfully evocative set of midnight-blue instrumentals shrouded in cigarette smoke and illuminated by the light of flickering neon sign. The album's got the gentle groove of Plas' best records of the time — deep deep tenor sax solos, recorded in a moody, echoey, late night setting — all augmented by small combo instrumentation that includes vibes by Emil Richards, bass by Jimmy Bond, and organ by Bert Kendrix. https://www.freshsoundrecords.com/plas-johnson-albums/474-the-warm-sound-of-plas-johson-tenor-sax-vol-1-midnight-blues.html
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Descripción de Dusty Groove / Fresh Sound Records: Una sesión poco conocida de Plas Johnson — grabada aquí alejado de Capitol, bajo otro nombre, muy posiblemente por razones contractuales. Independientemente del nombre en la portada, este es un conjunto maravillosamente evocador de instrumentales de azul medianoche, envueltos en humo de cigarrillos e iluminados por la luz de un letrero de neón parpadeante. El álbum tiene el groove suave de los mejores discos de Plas de la época — solos de saxofón tenor muy profundos, grabados en un ambiente sombrío, con eco, de madrugada — todo complementado por una instrumentación de pequeño combo que incluye vibráfono de Emil Richards, bajo de Jimmy Bond y órgano de Bert Kendrix. https://www.freshsoundrecords.com/plas-johnson-albums/474-the-warm-sound-of-plas-johson-tenor-sax-vol-1-midnight-blues.html
Description from Dusty Groove / Fresh Sound Records: An obscure session from Plas Johnson — recording here away from Capitol, under another name, quite possibly for contractual reasons! Regardless of the name above the title, this is a wonderfully evocative set of midnight-blue instrumentals shrouded in cigarette smoke and illuminated by the light of flickering neon sign. The album's got the gentle groove of Plas' best records of the time — deep deep tenor sax solos, recorded in a moody, echoey, late night setting — all augmented by small combo instrumentation that includes vibes by Emil Richards, bass by Jimmy Bond, and organ by Bert Kendrix. https://www.freshsoundrecords.com/plas-johnson-albums/475-the-warm-sound-of-plas-johnson-tenor-sax-vol-2-the-madison-avenue-strut.html
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Descripción de Dusty Groove / Fresh Sound Records: Una sesión poco conocida de Plas Johnson — grabada aquí alejado de Capitol, bajo otro nombre, muy posiblemente por razones contractuales. Independientemente del nombre en la portada, este es un conjunto maravillosamente evocador de instrumentales de azul medianoche, envueltos en humo de cigarrillos e iluminados por la luz de un letrero de neón parpadeante. El álbum tiene el groove suave de los mejores discos de Plas de la época — solos de saxofón tenor muy profundos, grabados en un ambiente sombrío, con eco, de madrugada — todo complementado por una instrumentación de pequeño combo que incluye vibráfono de Emil Richards, bajo de Jimmy Bond y órgano de Bert Kendrix. https://www.freshsoundrecords.com/plas-johnson-albums/475-the-warm-sound-of-plas-johnson-tenor-sax-vol-2-the-madison-avenue-strut.html
Plas Johnson's playing has a place on almost every American's mental hard drive, even if you don't know his name (he was the piccolo player on Bobby Day's "Rockin' Robin," the tenor sax on The Pink Panther and The Odd Couple themes, etc.). Red Holloway has a higher profile in the jazz world, but like Johnson, chose to confine himself mostly to Los Angeles. Together, in their seventies, they journeyed out to Rudy Van Gelder's studio in New Jersey to match wits on another Bob Porter-produced soul-jazz cooker, effortlessly suggesting tenor battles of the past. They are a most compatible duo, with Johnson displaying a slightly lighter, more overt rhythm & blues tinge, and their sure-footed note selection makes them a pleasure to hear. The battle royal reaches a peak on Arnett Cobb's fortuitously titled "Go Red Go," fading on one ecstatic, repeated, unison, A flat note. There are also solo ballad tracks for each player, where Holloway reaches deep down into warm, majestic Illinois Jacquet/Gene Ammons territory in "Serenade in Blue" and Johnson opens up his lower-register timbre on "Cry Me a River." The rhythm section virtually defines this idiom, with down-home veterans like guitarist Melvin Sparks (who offers killer obbligatos in "Pass the Gravy"), Hammond organist Gene Ludwig, and drummer Kenny Washington keeping the pot boiling. Also, the 24-bit sound that Van Gelder was getting in 2001 projects everything with an oomph and clarity that is astounding even for this master engineer.
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La forma de tocar de Plas Johnson ocupa un lugar en el disco duro mental de casi todos los estadounidenses, aunque no se conozca su nombre (fue el flautín de "Rockin' Robin" de Bobby Day, el saxo tenor de los temas de La Pantera Rosa y La extraña pareja, etc.). Red Holloway tiene un perfil más alto en el mundo del jazz, pero al igual que Johnson, optó por limitarse principalmente a Los Ángeles. Juntos, a sus setenta años, viajaron al estudio de Rudy Van Gelder en Nueva Jersey para coincidir en otra cocina de soul-jazz producida por Bob Porter, sugiriendo sin esfuerzo las batallas de tenores del pasado. Son un dúo muy compatible, con Johnson mostrando un tinte ligeramente más ligero y más evidente de rhythm & blues, y su segura selección de notas hace que sea un placer escucharlos. La batalla real alcanza su punto álgido en "Go Red Go", de Arnett Cobb, titulada fortuitamente, y que se desvanece con una nota de La bemol, repetida y extática. También hay temas de baladas en solitario para cada intérprete, en los que Holloway se adentra en el cálido y majestuoso territorio de Illinois Jacquet/Gene Ammons en "Serenade in Blue" y Johnson abre su timbre de registro inferior en "Cry Me a River". La sección rítmica prácticamente define este lenguaje, con veteranos como el guitarrista Melvin Sparks (que ofrece obbligatos asesinos en "Pass the Gravy"), el organista Hammond Gene Ludwig y el baterista Kenny Washington manteniendo la olla en ebullición. Además, el sonido de 24 bits que Van Gelder conseguía en 2001 lo proyecta todo con una oomph y una claridad que resulta asombrosa incluso para este maestro de la ingeniería.
One of the most accomplished figures in modern music, crossing jazz,
R&B, film music, and pop over a seven-decade career entailing 27
Grammy awards.
Biography by Mark Deming
In a career spanning over seven decades, Quincy Jones has earned his
reputation as a renaissance man of American music. Since entering the
industry as an arranger in the early 1950s, he has distinguished himself
as a bandleader, solo artist, sideman, songwriter, producer, film
composer, and record label executive. A quick look at a few of the
artists he's worked with -- Miles Davis, Frank Sinatra, Count Basie,
Lesley Gore, Michael Jackson, Peggy Lee, Ray Charles, Paul Simon, and
Aretha Franklin -- reveals the remarkable diversity of his career. He
has been nominated for a record 80 Grammy awards, and has won 27 in
categories including Best Instrumental Jazz Performance for "Walking in
Space" (1969), Producer of the Year (1981), and Album of the Year for
Jackson's Thriller (1983) and his own Back on the Block (1990). Outside
recording studios, he has produced major motion pictures, helped create
television series, and written books, including Q: The Autobiography of
Quincy Jones (2001). An inductee into the Rock and Roll Hall of Fame
(2013), he has continued producing and recording, contributing the song
"Keep Reachin'" for the documentary Quincy: A Life Beyond Measure
(2018).
Quincy Delight Jones, Jr. was born in Chicago, Illinois on March 14,
1933. While still a youngster, his family moved to Seattle, Washington
and he soon developed an interest in music. In his early teens, Jones
began learning the trumpet and started singing with a local gospel
group. By the time he graduated from high school in 1950, Jones had
displayed enough promise to win a scholarship to Boston-based music
school Schillinger House (which later became known as the Berklee School
of Music). After a year at Schillinger, Jones relocated to New York
City, where he found work as an arranger, writing charts for Count
Basie, Cannonball Adderley, Tommy Dorsey, and Dinah Washington, among
others. In 1953, Jones scored his first big break as a performer when he
was added to the brass section of Lionel Hampton's orchestra alongside
jazz legends Art Farmer and Clifford Brown. Three years later, Dizzy
Gillespie tapped Jones to play in his band, and later in 1956, when
Gillespie was invited to put together a big band of outstanding
international musicians, Diz chose Quincy to lead the ensemble. Jones
also released his first album under his own name that year, a set for
ABC-Paramount titled This Is How I Feel About Jazz.
In 1957, Jones moved to Paris in order to study with Nadia Boulanger, an
expatriate American composer with a stellar track record in educating
composers and bandleaders. During his sojourn in France, Jones took a
job with the French record label Barclay, where he produced and arranged
sessions for Jacques Brel and Charles Aznavour, and traveling American
artists like Billy Eckstine and Sarah Vaughan. Jones' work for Barclay
impressed the management at Mercury Records, an American label
affiliated with the French imprint, and in 1961 he was named a
vice-president of Mercury, the first time an African-American had been
hired as an upper-level executive by a major U.S. recording company.
Jones scored one of his first major pop successes when he produced and
arranged "It's My Party" for teenage vocalist Lesley Gore, which marked
his first significant step away from jazz into the larger world of
popular music. (Jones also freelanced for other labels on the side,
including arranging a number of memorable Atlantic sides for Ray
Charles.) In 1963, Jones began exploring what would become a fruitful
medium when he composed his first film score for Sidney Lumet's
controversial drama The Pawnbroker; he would go on to write music for 33
feature films.
In 1964 work with Count Basie led him to arrange and conduct sessions
for Frank Sinatra's album It Might as Well Be Swing, in collaboration
with Basie and his orchestra; he also worked with Sinatra and Basie
again as an arranger for the award-winning Sinatra at the Sands set, and
would produce and arrange one of Sinatra's last albums, L.A. Is My
Lady, in 1984.
While Jones maintained a busy schedule as a composer, producer, and
arranger throughout the '60s, he also re-emerged as a recording artist
in 1969 with the album Walking in Space, which found him recasting his
big-band influences within the framework of the budding fusion movement
and the influences of contemporary rock, pop, and R&B sounds. The
album was a commercial and critical success -- the title song won a
Grammy award for Best Instrumental Jazz Performance, Large Group or
Soloist with Large Group -- and kickstarted Jones' career as a recording
artist. At the same time, he began working more closely with
contemporary pop artists, producing sessions for Aretha Franklin and
arranging strings for Paul Simon's There Goes Rhymin' Simon. While Jones
continued to work with jazz artists, many hard-and-fast jazz fans
accused him of turning his back on the genre, though Jones always
contended his greatest allegiance was to African-American musical
culture rather than any specific style. (Jones did, however, make one
major jazz gesture in 1991 when he persuaded Miles Davis to revisit the
classic Gil Evans arrangements from Miles Ahead, Sketches of Spain, and
Porgy and Bess for that year's Montreux Jazz Festival; Jones coordinated
the concert and led the orchestra, and it proved to be one of the last
major events for the ailing Davis, who passed on a few months later.)
In 1974, Jones suffered a life-threatening brain aneurysm, and while he
made a full recovery, he also made a decision to cut back on his
schedule to spend more time with his family. While Jones may have had
fewer projects on his plate in the late '70s and early '80s, they tended
to be higher profile. He produced major chart hits for the Brothers
Johnson and Rufus & Chaka Khan, and his own albums grew into
all-star productions in which Jones orchestrated top players and singers
in elaborate pop-R&B confections on sets like Body Heat,
Sounds...And Stuff Like That!!, and The Dude, the last of which resulted
in a Grammy for Producer of the Year. Jones' biggest mainstream
success, however, came with his work with Michael Jackson. Jones
produced his breakout solo album, Off the Wall, in 1979, and in 1982
they teamed up again for Thriller, which went on to become the
biggest-selling album of all time. Jones was also on hand for Thriller's
follow-up, 1987's Bad, and the celebrated USA for Africa session which
produced the benefit single "We Are the World" (written by Jackson and
Lionel Richie), and he produced a rare album in which Jackson narrated
the story of the film E.T.: The Extra-Terrestrial. Jones' own Back on
the Block, released in 1989, hit the pop Top Ten and led to five more
Grammy awards, most prominently Album of the Year.
Having risen to the heights of the recording industry, Jones moved from
scoring films to producing them in 1985. His first screen project was
the screen adaptation of Alice Walker's novel The Color Purple, directed
by Steven Spielberg. In 1991 he moved into television production with
the situation comedy The Fresh Prince of Bel Air, which gave Will Smith
his first starring role. Jones' production company also launched several
other successful shows, including In the House and Mad TV. He produced a
massive concert to help commemorate the 1993 inauguration of president
Bill Clinton, and at the 1995 Academy Awards won the Jean Hersholt
Humanitarian Award. In 1996 Jones performed at the Montreux Jazz
Festival to celebrate his 50th anniversary in the music business. The
concert was captured on video and released as a DVD.
Jones spent the rest of the '90s and first decade of the new century
concentrating on his music publishing business, completing Q: The
Autobiography of Quincy Jones, and being an "unofficial" cultural
ambassador for the United States. In 2004 he helped to launch the We Are
the Future (WAF) project, benefiting children in conflict-inhibited
situations all over the globe. In 2010, Jones released Q: Soul Bossa
Nostra, his first album in 15 years. As with many of his previous solo
albums, the set featured appearances by popular vocalists like Amy
Winehouse and Usher. Three years later, he was inducted into the Rock
& Roll Hall of Fame as a recipient of the Ahmet Ertegun Award. He
continued working with artists including Emily Bear, Nikki Yanofsky, and
Terrace Martin, and released the Chaka Khan collaboration "Keep
Reachin'," recorded for Quincy: A Life Beyond Measure, a 2018
documentary about his illustrious career.
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Una de las figuras más destacadas de la música moderna, cruzando el
jazz, el R&B, la música cinematográfica y el pop a lo largo de una
carrera de siete décadas con 27 premios Grammy.
Biografía de Mark Deming
En una carrera que abarca más de siete décadas, Quincy Jones se ha
ganado su reputación como un hombre renacentista de la música
estadounidense. Desde que entró en la industria como arreglista a
principios de la década de 1950, se ha distinguido como líder de banda,
artista solista, sideman, compositor, productor, compositor de películas
y ejecutivo de sello discográfico. Un vistazo rápido a algunos de los
artistas con los que ha trabajado - Miles Davis, Frank Sinatra, Count
Basie, Lesley Gore, Michael Jackson, Peggy Lee, Ray Charles, Paul Simon y
Aretha Franklin - revela la notable diversidad de su carrera. Ha sido
nominado para un récord de 80 premios Grammy, y ha ganado 27 en
categorías incluyendo Mejor Interpretación Instrumental de Jazz por
"Walking in Space" (1969), Productor del Año (1981), y Álbum del Año por
Thriller de Jackson (1983) y su propio Back on the Block (1990). Fuera
de los estudios de grabación, ha producido importantes películas,
ayudado a crear series de televisión y escrito libros, incluyendo Q: The
Autobiography of Quincy Jones (2001). Inducido en el Salón de la Fama
del Rock and Roll (2013), ha seguido produciendo y grabando,
contribuyendo con la canción "Keep Reachin'" para el documental Quincy:
Una vida sin medida (2018).
Quincy Delight Jones, Jr. nació en Chicago, Illinois el 14 de marzo de
1933. Cuando aún era joven, su familia se mudó a Seattle, Washington y
pronto desarrolló un interés por la música. A principios de su
adolescencia, Jones comenzó a aprender a tocar la trompeta y a cantar
con un grupo local de gospel. Para cuando se graduó de la escuela
secundaria en 1950, Jones había mostrado suficiente promesa como para
ganar una beca para la escuela de música Schillinger House (que más
tarde se conoció como la Escuela de Música de Berklee) con sede en
Boston. Después de un año en Schillinger, Jones se mudó a la ciudad de
Nueva York, donde encontró trabajo como arreglista, escribiendo cartas
para Count Basie, Cannonball Adderley, Tommy Dorsey y Dinah Washington,
entre otros. En 1953, Jones consiguió su primera gran oportunidad como
intérprete cuando se incorporó a la sección de metales de la orquesta de
Lionel Hampton junto a las leyendas del jazz Art Farmer y Clifford
Brown. Tres años más tarde, Dizzy Gillespie le pidió a Jones que tocara
en su banda, y más tarde, en 1956, cuando Gillespie fue invitado a
formar una gran banda de destacados músicos internacionales, Diz eligió a
Quincy para dirigir el conjunto. Jones también lanzó su primer álbum
bajo su propio nombre ese año, un set para ABC-Paramount titulado This
Is How I Feel About Jazz.
En 1957, Jones se mudó a París para estudiar con Nadia Boulanger, una
compositora estadounidense expatriada con una trayectoria estelar en la
formación de compositores y directores de orquesta. Durante su estancia
en Francia, Jones trabajó en el sello discográfico francés Barclay,
donde produjo y arregló sesiones para Jacques Brel y Charles Aznavour,
así como para artistas estadounidenses itinerantes como Billy Eckstine y
Sarah Vaughan. El trabajo de Jones para Barclay impresionó a la
dirección de Mercury Records, un sello estadounidense afiliado a la
imprenta francesa, y en 1961 fue nombrado vicepresidente de Mercury, la
primera vez que un afroamericano había sido contratado como ejecutivo de
alto nivel por una importante compañía discográfica estadounidense.
Jones obtuvo uno de sus primeros éxitos pop cuando produjo y arregló
"It's My Party" para la vocalista adolescente Lesley Gore, lo que marcó
su primer paso significativo para alejarse del jazz y entrar en el mundo
más amplio de la música popular. (Jones también trabajó como freelance
para otros sellos, incluyendo el arreglo de varios lados memorables del
Atlántico para Ray Charles). En 1963, Jones comenzó a explorar lo que se
convertiría en un medio fructífero cuando compuso su primera banda
sonora para el polémico drama de Sidney Lumet, The Pawnbroker; luego
escribió música para 33 largometrajes.
En 1964, el trabajo con Count Basie lo llevó a organizar y dirigir las
sesiones del álbum de Frank Sinatra It Might as well be Swing, en
colaboración con Basie y su orquesta; también trabajó con Sinatra y
Basie de nuevo como arreglador del galardonado Sinatra at the Sands set,
y produjo y arregló uno de los últimos álbumes de Sinatra, L.A. Is My
Lady, en 1984.
Si bien Jones mantuvo una apretada agenda como compositor, productor y
arreglista a lo largo de los años 60, también resurgió como artista de
grabación en 1969 con el álbum Walking in Space, que lo encontró
refundiendo sus influencias de big-band dentro del marco del incipiente
movimiento de fusión y las influencias de los sonidos contemporáneos del
rock, el pop y el R&B. El álbum fue un éxito comercial y de crítica
-- la canción del título ganó un premio Grammy por Mejor Interpretación
Instrumental de Jazz, Grupo Grande o Solista con Grupo Grande -- y dio
inicio a la carrera de Jones como artista de grabación. Al mismo tiempo,
comenzó a trabajar más estrechamente con artistas pop contemporáneos,
produciendo sesiones para Aretha Franklin y arreglando cuerdas para
There Goes Rhymin' Simon de Paul Simon. Mientras Jones seguía trabajando
con artistas de jazz, muchos fanáticos del jazz le acusaban de darle la
espalda al género, aunque Jones siempre sostuvo que su mayor lealtad
era a la cultura musical afroamericana más que a un estilo específico.
(Jones, sin embargo, hizo un gran gesto de jazz en 1991 cuando persuadió
a Miles Davis para que revisara los arreglos clásicos de Gil Evans de
Miles Ahead, Sketches of Spain, y Porgy and Bess para el Festival de
Jazz de Montreux de ese año; Jones coordinó el concierto y dirigió la
orquesta, y resultó ser uno de los últimos eventos importantes para el
enfermo Davis, que falleció unos meses después).
En 1974, Jones sufrió un aneurisma cerebral que puso en peligro su vida,
y aunque se recuperó completamente, también tomó la decisión de reducir
su horario para pasar más tiempo con su familia. Si bien Jones pudo
haber tenido menos proyectos en su haber a finales de los'70 y
principios de los'80, tendían a tener un perfil más alto. Produjo
grandes éxitos para los hermanos Johnson y Rufus & Chaka Khan, y sus
propios álbumes se convirtieron en producciones estelares en las que
Jones orquestó a los mejores músicos y cantantes en elaboradas
confecciones pop-R&B en sets como Body Heat, Sounds....And Stuff
Like That! y The Dude, el último de los cuales dio como resultado un
Grammy al Productor del Año. El mayor éxito de Jones, sin embargo, vino
con su trabajo con Michael Jackson. Jones produjo su álbum en solitario,
Off the Wall, en 1979, y en 1982 se unieron de nuevo para Thriller, que
se convirtió en el álbum más vendido de todos los tiempos. Jones
también estuvo presente en el seguimiento de Thriller, Bad de 1987, y en
la célebre sesión de USA for Africa que produjo el single benéfico "We
Are the World" (escrito por Jackson y Lionel Richie), y produjo un álbum
raro en el que Jackson narraba la historia de la película E.T.: The
Extra-Terrestrial. El propio Back on the Block de Jones, publicado en
1989, alcanzó el Top Ten de pop y fue galardonado con cinco premios
Grammy más, siendo el más destacado el Álbum del Año.
Habiendo llegado a la cima de la industria discográfica, Jones pasó de
la banda sonora a la producción de películas en 1985. Su primer proyecto
en la pantalla fue la adaptación de la novela de Alice Walker The Color
Purple, dirigida por Steven Spielberg. En 1991 pasó a la producción
televisiva con la comedia de situación The Fresh Prince of Bel Air, que
le dio a Will Smith su primer papel protagonista. La compañía de
producción de Jones también lanzó varios otros programas exitosos,
incluyendo In the House y Mad TV. Produjo un concierto masivo para
ayudar a conmemorar la toma de posesión del presidente Bill Clinton en
1993, y en los Premios de la Academia de 1995 ganó el Premio Humanitario
Jean Hersholt. En 1996 Jones actuó en el Festival de Jazz de Montreux
para celebrar su 50 aniversario en el negocio de la música. El concierto
fue grabado en video y publicado en DVD.
Jones pasó el resto de los años 90 y la primera década del nuevo siglo
concentrándose en su negocio de publicación de música, completando Q:
The Autobiography of Quincy Jones, y siendo un embajador cultural "no
oficial" para Estados Unidos. En 2004 ayudó a lanzar el proyecto We Are
the Future (WAF), que beneficia a los niños en situaciones de conflicto
en todo el mundo. En 2010, Jones lanzó Q: Soul Bossa Nostra, su primer
álbum en 15 años. Al igual que muchos de sus álbumes anteriores en
solitario, el conjunto contó con la participación de cantantes populares
como Amy Winehouse y Usher. Tres años más tarde, fue admitido en el
Salón de la Fama del Rock & Roll como ganador del Premio Ahmet
Ertegun. Continuó trabajando con artistas como Emily Bear, Nikki
Yanofsky y Terrace Martin, y publicó la colaboración de Chaka Khan "Keep
Reachin'", grabada para Quincy: A Life Beyond Measure, un documental de
2018 sobre su ilustre carrera.
FSM presents one of the most quintessentially “cool” soundtracks ever: Lalo Schifrin’s score for the classic urban crime drama, Bullitt (1968). The film stars Steve McQueen as San Francisco police detective Frank Bullitt, caught up with protecting a Chicago mobster from vengeful Mafia hit-men while dealing with an ambitious, sleazy politician portrayed by Robert Vaughn. With its riveting story, realistic settings, taut screenplay and quasi-documentary cinematography, it brought a new depth to McQueen’s portrayal of tough characters (this one on the right side of the law). An essential part of the film’s success was its economical, nervous jazz score; the Argentinean-born, classically trained Schifrin was then at the height of the fame generated by his iconic Mission: Impossible television theme. The film is judiciously spotted, with relatively little “action” music (the famous car chase is unscored) but several atmospheric and evocative source cues. Schifrin himself described it as “very simple” and “completely based on the blues.” Shortly after recording the film soundtrack, Schifrin led a separate recording for a Warner Bros. Records album. Jazz greats featured in those sessions include Bud Shank (flute), Ray Brown (bass), Howard Roberts (guitar) and Larry Bunker (drums). FSM presents the first U.S. release of that album on this CD, newly mixed by Mike Matessino from the original 1" eight-track master tape. The CD also includes the never-before-released complete film soundtrack itself, recorded at the Warner Bros. scoring stage in Burbank by legendary engineer Dan Wallin. These tracks have been newly mixed and mastered from ½” three-track tape stored at the studio. While some score passages and cues are virtually identical to the record album, many of the film soundtrack’s softer, moodier cues were not chosen for the LP—or had certain passages rewritten. And some were dropped from the film itself, so have never been heard before by the public—until now. The booklet includes a perceptive, in-depth essay on the film and its score by John Bender and detailed track-by-track commentary by Alexander Kaplan. Bullitt is an essential purchase for any “cool” soundtrack collection (or collector), and adds one more title to FSM’s expanding catalog of scores by a living legend of film music. https://www.filmscoremonthly.com/cds/detail.cfm/CDID/439/Bullitt/
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FSM presenta una de las bandas sonoras más «cool» de la historia: La banda sonora de Lalo Schifrin para el clásico del crimen urbano Bullitt (1968). La película está protagonizada por Steve McQueen en el papel del detective de la policía de San Francisco Frank Bullitt, que se ve obligado a proteger a un mafioso de Chicago de los vengativos asesinos a sueldo de la Mafia, al tiempo que trata con un ambicioso y sórdido político interpretado por Robert Vaughn. Con una historia fascinante, escenarios realistas, un guión tenso y una fotografía casi documental, la película aportó una nueva profundidad al retrato de McQueen de personajes duros (en este caso en el lado correcto de la ley). Una parte esencial del éxito de la película fue su económica y nerviosa partitura de jazz; Schifrin, nacido en Argentina y de formación clásica, estaba entonces en la cima de la fama generada por su icónico tema para televisión de Mission: Imposible. La película cuenta con una música de acción relativamente escasa (la famosa persecución en coche no tiene banda sonora), pero sí con varios temas atmosféricos y evocadores. El propio Schifrin la describió como «muy sencilla» y «completamente basada en el blues». Poco después de grabar la banda sonora de la película, Schifrin dirigió otra grabación para un álbum de Warner Bros. Records. Entre los grandes del jazz que participaron en esas sesiones figuran Bud Shank (flauta), Ray Brown (bajo), Howard Roberts (guitarra) y Larry Bunker (batería). FSM presenta la primera edición estadounidense de ese álbum en este CD, recién mezclado por Mike Matessino a partir de la cinta original de ocho pistas de 1». El CD también incluye la inédita banda sonora completa de la película, grabada en el estudio de grabación de Warner Bros. en Burbank por el legendario ingeniero Dan Wallin. Estas pistas se han mezclado y masterizado a partir de una cinta de tres pistas de ½» almacenada en el estudio. Aunque algunos pasajes de la partitura son prácticamente idénticos a los del disco, muchos de los pasajes más suaves y melancólicos de la banda sonora de la película no se eligieron para el LP, o algunos pasajes se reescribieron. Y algunos se eliminaron de la propia película, por lo que nunca habían sido escuchados por el público, hasta ahora. El libreto incluye un perspicaz y profundo ensayo sobre la película y su partitura, escrito por John Bender, y un detallado comentario pista por pista, escrito por Alexander Kaplan. Bullitt es una compra esencial para cualquier colección (o coleccionista) de bandas sonoras «cool», y añade un título más al creciente catálogo de FSM de partituras de una leyenda viva de la música de cine. https://www.filmscoremonthly.com/cds/detail.cfm/CDID/439/Bullitt/
Plas
was born in Donaldsonville, Louisiana, about sixty miles north of New
Orleans. As teens, Plas and brother Ray formed a band, the Johnson
Brothers Combo, that played in and around New Orleans for a number of
years. Plas left New Orleans in 1951 to go on the road with the Chartes
Brown Blues Band. The road, a stint in the Army and a permanent move to
California followed. Plas attended the Westlake School of Music in Los
Angeles for a year and a half, when his studies were derailed by an
overloaded schedule of record dates. He was brought to the attention of
Johnny Otis, who immediately added him to his blues aggregation. Johnny
then introduced Plas to Dave Cavanaugh, who held an influential A&R
position at Capitol Records, where he soon became a regular session
sideman and soloist during Capitol's halcyon years.
Plas has been
one of the most well-known and sought-after musicians around the
California studio scene. He joined "The Merv Griffin Show" band, led by
Mort Lindsey, in 1970, where he remained for the next fifteen years,
joining an all-star line-up which also included such prominent
instrumentalists as Ray Brown, Herb Ellis, Jake Hanna, Benny Powell,
Jack Sheldon, Kai Winding and others.
Plas' recent recordings
include his own albums, "Hot, Blue & Saxy," "Evening Delight" and
"Christmas in Hollywood," and "Keep That Groove Going!" on Milestone,
with Red Holloway. You may also find him around town occasionally with
his own group, at jazz festivals around the world, and in the recording
studios. Plas Johnson combines some of the best elements of jazz and
blues and is admired and emulated by sax players worldwide. https://www.jazzmusicarchives.com/artist/plas-johnson
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Plas
nació en Donaldsonville, Luisiana, a unos sesenta kilómetros al norte
de Nueva Orleans. En su adolescencia, Plas y su hermano Ray formaron una
banda, el Johnson Brothers Combo, que tocó en Nueva Orleans y sus
alrededores durante varios años. Plas dejó Nueva Orleans en 1951 para
salir de gira con la Chartes Brown Blues Band. La carretera, una
temporada en el ejército y un traslado permanente a California le
siguieron. Plas asistió a la Westlake School of Music de Los Ángeles
durante un año y medio, cuando sus estudios se vieron desbaratados por
una agenda sobrecargada de fechas de grabación. Se le llamó la atención
de Johnny Otis, que lo incorporó inmediatamente a su grupo de blues. A
continuación, Johnny presentó a Plas a Dave Cavanaugh, que ocupaba un
influyente puesto de A&R en Capitol Records, donde pronto se
convirtió en un acompañante y solista de sesión habitual durante los
años de bonanza de Capitol.
Plas ha sido uno de los músicos más
conocidos y solicitados en la escena de los estudios de California. Se
unió a la banda "The Merv Griffin Show", dirigida por Mort Lindsey, en
1970, donde permaneció durante los siguientes quince años, uniéndose a
una formación de estrellas que también incluía a destacados
instrumentistas como Ray Brown, Herb Ellis, Jake Hanna, Benny Powell,
Jack Sheldon, Kai Winding y otros.
Las grabaciones recientes de
Plas incluyen sus propios álbumes, "Hot, Blue & Saxy", "Evening
Delight" y "Christmas in Hollywood", y "Keep That Groove Going!" en
Milestone, con Red Holloway. También se le puede encontrar por la ciudad
ocasionalmente con su propio grupo, en festivales de jazz de todo el
mundo y en los estudios de grabación. Plas Johnson combina algunos de
los mejores elementos del jazz y el blues y es admirado y emulado por
saxofonistas de todo el mundo. https://www.jazzmusicarchives.com/artist/plas-johnson
Biography by Richard S. Ginell From time to time, Gerald Wilson seemed like one of Los Angeles' better-kept secrets, an unusually skillful, imaginative, and charismatic bandleader who hadn't received his due outside the West Coast. His arrangements were distinctive, often complex voicings and harmonies, rooted in swing and bop, yet always forward-looking and energetic in tone. He liked to play around with structures, which contributed to the restless quality in much of his music, and being a bullfight aficionado, he was one of the first arrangers to make use of Spanish influences. He was consistently able to attract top-rank musicians to his bands, who played with immaculate precision and brio for the flamboyantly gesticulating maestro.
Upon moving from Memphis to Detroit with his family in 1932, Wilson studied music in high school and played with the Plantation Music Orchestra before undergoing the formative experience of his life, working with the Jimmie Lunceford band from 1939 to 1942. Replacing Sy Oliver as arranger, conductor, and trumpet soloist, Wilson learned his craft in the Lunceford band, after which he took off for Los Angeles to play with the bands of Les Hite, Benny Carter, and Willie Smith. Wilson organized his first big band in 1944, which sported an intriguing blend of swing and bop and featured musicians like Melba Liston and Snooky Young. But it only lasted three years, and after playing for Count Basie and Dizzy Gillespie in 1947 and 1948, Wilson quit the music business for a while to try his hand in the grocery trade. After a tentative return as a bandleader in 1952, it took a while for him to gradually ease his way back into jazz full-time; he even made appearances as a TV actor.
In 1961, after experimenting with a workshop band for four years, Wilson formed a new orchestra that made a string of successful albums for the Pacific Jazz label throughout the '60s, featuring soloists like Harold Land, Teddy Edwards, Bud Shank, Jack Wilson, and Joe Pass. One tune that he wrote for the Moment of Truth album, "Viva Tirado" (later reprised on Live and Swinging) became a surprise hit single for the Latin rock group El Chicano in 1970. He scored films and TV programs, worked as an arranger for recordings by singers such as Al Hibbler, Bobby Darin, and Johnny Hartman, contributed arrangements to the Duke Ellington band, and wrote music for the Los Angeles Philharmonic. He also started a series of hugely entertaining and informative classes in jazz history at California State University, Northridge (then San Fernando Valley State College) in 1970, moving them to UCLA in 1992, and had his own radio program on L.A.'s KBCA-FM from 1969 to 1976.
Wilson continued to lead big bands off and on through the '80s and '90s, as well as running the orchestra for Redd Foxx's NBC shows and serving as one of the Los Angeles jazz scene's more revered elder statesmen. In 1995, he commemorated more than half a century as a leader by releasing State Street Sweet, a vigorous tribute to the durability of his work, and scoring a solid hit at the Playboy Jazz Festival. In 1996, Wilson's life's work was archived by the Library of Congress, and in 1997 he completed Theme for Monterey, a piece commissioned by the Monterey Jazz Festival. In 2003 he recorded New York, New Sound, his debut for Mack Avenue Records, which went on receive a Grammy nomination in the Best Large Jazz Ensemble category. Several albums for Mack Avenue followed with In My Time in 2005, Monterey Moods in 2007, and Detroit in 2009. In 2011, Wilson released his fifth Mack Avenue album, the classical-themed Legacy. However, his health began to decline with his advancing years, and, after contracting pneumonia, Gerald Wilson died at his Los Angeles home in September 2014 at age 96. https://www.allmusic.com/artist/gerald-wilson-mn0000946171/biography
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Biografía de Richard S. Ginell De vez en cuando, Gerald Wilson parecía uno de los secretos mejor guardados de Los Ángeles, un director de banda inusualmente hábil, imaginativo y carismático que no había recibido su merecido fuera de la Costa Oeste. Sus arreglos eran inconfundibles, a menudo con votaciones y armonías complejas, arraigados en el swing y el bop, pero siempre con visión de futuro y un tono enérgico. Le gustaba jugar con las estructuras, lo que contribuía a la calidad inquieta de gran parte de su música, y siendo un aficionado a los toros, fue uno de los primeros arreglistas en hacer uso de las influencias españolas. Siempre conseguía atraer a músicos de primera fila a sus bandas, que tocaban con una precisión y un brío inmaculados para el flamante maestro.
Tras mudarse de Memphis a Detroit con su familia en 1932, Wilson estudió música en el instituto y tocó con la Plantation Music Orchestra antes de vivir la experiencia formativa de su vida, trabajando con la banda de Jimmie Lunceford de 1939 a 1942. Sustituyendo a Sy Oliver como arreglista, director y trompeta solista, Wilson aprendió su oficio en la banda de Lunceford, tras lo cual se marchó a Los Ángeles para tocar con las bandas de Les Hite, Benny Carter y Willie Smith. Wilson organizó su primera big band en 1944, que presentaba una intrigante mezcla de swing y bop y contaba con músicos como Melba Liston y Snooky Young. Pero sólo duró tres años, y después de tocar para Count Basie y Dizzy Gillespie en 1947 y 1948, Wilson dejó el negocio de la música por un tiempo para probar suerte en el comercio de comestibles. Tras un tímido regreso como director de banda en 1952, tardó un tiempo en volver gradualmente al jazz a tiempo completo; incluso hizo apariciones como actor de televisión.
En 1961, después de experimentar con una banda de taller durante cuatro años, Wilson formó una nueva orquesta que realizó una serie de exitosos álbumes para el sello Pacific Jazz a lo largo de los años 60, con solistas como Harold Land, Teddy Edwards, Bud Shank, Jack Wilson y Joe Pass. Uno de los temas que escribió para el álbum Moment of Truth, "Viva Tirado" (que luego se repitió en Live and Swinging), se convirtió en un éxito sorpresa para el grupo de rock latino El Chicano en 1970. Compuso películas y programas de televisión, trabajó como arreglista para grabaciones de cantantes como Al Hibbler, Bobby Darin y Johnny Hartman, contribuyó con arreglos a la banda de Duke Ellington y escribió música para la Filarmónica de Los Ángeles. También inició una serie de clases enormemente entretenidas e informativas sobre la historia del jazz en la Universidad Estatal de California, Northridge (entonces San Fernando Valley State College) en 1970, trasladándolas a la UCLA en 1992, y tuvo su propio programa de radio en la KBCA-FM de Los Ángeles de 1969 a 1976.
Wilson continuó dirigiendo grandes bandas durante los años 80 y 90, además de dirigir la orquesta de los programas de Redd Foxx en la NBC y ser uno de los hombres mayores más venerados de la escena del jazz de Los Ángeles. En 1995, conmemoró más de medio siglo como líder publicando State Street Sweet, un vigoroso homenaje a la durabilidad de su obra, y consiguiendo un sólido éxito en el Playboy Jazz Festival. En 1996, la Biblioteca del Congreso archivó la obra de toda una vida de Wilson, y en 1997 completó Theme for Monterey, una pieza encargada por el Festival de Jazz de Monterey. En 2003 grabó New York, New Sound, su debut para Mack Avenue Records, que recibió una nominación al Grammy en la categoría de mejor conjunto de jazz. Le siguieron varios álbumes para Mack Avenue con In My Time en 2005, Monterey Moods en 2007 y Detroit en 2009. En 2011, Wilson publicó su quinto álbum para Mack Avenue, el de temática clásica Legacy. Sin embargo, su salud empezó a decaer con el paso de los años y, tras contraer una neumonía, Gerald Wilson falleció en su casa de Los Ángeles en septiembre de 2014 a la edad de 96 años. https://www.allmusic.com/artist/gerald-wilson-mn0000946171/biography
A fantastic double-disc collection - 60 tracks of prime 1950s West Coast Rock 'n' Roll. Featuring Eddie Cochran, Skeets McDonald, Scott Engel, The Rio Rockers, Chris Clay, Tommy Sands, Ron Hargrave, Pat Cupp, Jerry Reed, Leroy Van Dyke, Johnny Otis Show, Kimball Coburn, Buck Owens, Kip Tyler, Huelyn Duvall, Chan Romero, Wanda Jackson, Glen Glenn, Kid Thomas, Gene Vincent, Lew Williams, Jackie Lee Cochran, Johnny & Jonie, Alis Lesley, Dorsey Burnette, Ricky Nelson, Bob Luman, Don Cole, Bobby Milano, The Champs and many others. https://www.raucousrecords.com/three-months-to-kill-west-coast-rock-n-roll-2cd.html
Biography by Scott Yanow A fine middle-register trumpeter whose style seemed to practically define "cool jazz," Shorty Rogers was actually more significant for his arranging, both in jazz and in the movie studios. After gaining early experience with Will Bradley and Red Norvo and serving in the military, Rogers rose to fame as a member of Woody Herman's First and Second Herds (1945-1946 and 1947-1949), and somehow he managed to bring some swing to the Stan Kenton Innovations Orchestra (1950-1951), clearly enjoying writing for the stratospheric flights of Maynard Ferguson. After that association ran its course, Rogers settled in Los Angeles where he led his Giants (which ranged from a quintet to a nonet and a big band) on a series of rewarding West Coast jazz-styled recordings and wrote for the studios, helping greatly to bring jazz into the movies; his scores for The Wild One and The Man With the Golden Arm are particularly memorable. After 1962, Rogers stuck almost exclusively to writing for television and films, but in 1982 he began a comeback in jazz. Rogers reorganized and headed the Lighthouse All-Stars and, although his own playing was not quite as strong as previously, he remained a welcome presence both in clubs and recordings. https://www.allmusic.com/artist/shorty-rogers-mn0000028646#biography
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Biografía de Scott Yanow Excelente trompetista de registro medio cuyo estilo parecía definir prácticamente el «cool jazz», Shorty Rogers fue en realidad más importante por sus arreglos, tanto en el jazz como en los estudios de cine. Tras adquirir una temprana experiencia con Will Bradley y Red Norvo y servir en el ejército, Rogers saltó a la fama como miembro de la Primera y Segunda Manadas de Woody Herman (1945-1946 y 1947-1949), y de alguna manera consiguió aportar algo de swing a la Stan Kenton Innovations Orchestra (1950-1951), disfrutando claramente escribiendo para los vuelos estratosféricos de Maynard Ferguson. Después de que esa asociación siguiera su curso, Rogers se instaló en Los Ángeles, donde dirigió a sus Giants (que iban desde un quinteto a un noneto y una big band) en una serie de grabaciones gratificantes con estilo de jazz de la Costa Oeste y escribió para los estudios, ayudando en gran medida a llevar el jazz al cine; sus partituras para The Wild One y The Man With the Golden Arm son particularmente memorables. Después de 1962, Rogers se dedicó casi exclusivamente a escribir para la televisión y el cine, pero en 1982 inició un regreso al jazz. Rogers reorganizó y dirigió el Lighthouse All-Stars y, aunque su forma de tocar ya no era tan fuerte como antes, siguió siendo una presencia bienvenida tanto en los clubes como en las grabaciones. https://www.allmusic.com/artist/shorty-rogers-mn0000028646#biography
Review by Stephen Thomas Erlewine Live at the Lighthouse captured the Three Sounds at their jazziest, but Coldwater Flat, the first studio session pianist Gene Harris and bassist Andrew Simpkins recorded with new drummer Donald Bailey, takes a different path. For this date, the group decided to emphasize its pop side, recording the record with the lush Oliver Nelson Orchestra and choosing to cover such pop hits as "The Look of Love" and "Last Train to Clarksville." The closing number, "Star Trek," is actually an original by Harris, unrelated to the TV show. One of the primary attractions of the Three Sounds' sound was its simplicity and their ability to find so much variation within the trio format. That magic is somewhat lost with the orchestra, which tends to overwhelm the trio. More than anything, that is what prevents Coldwater Flat from ranking among the group's finest efforts, but the glossy production has its appealing moments as well, and the record does function well as pleasant background music, even if it veers too close to easy listening to be true jazz. https://www.allmusic.com/album/coldwater-flat-mw0000874259
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Reseña por Stephen Thomas Erlewine Live at the Lighthouse capturó a los Three Sounds en su momento más jazzístico, pero Coldwater Flat, la primera sesión de estudio que el pianista Gene Harris y el bajista Andrew Simpkins grabaron con el nuevo batería Donald Bailey, toma un camino diferente. Para esta fecha, el grupo decidió enfatizar su lado pop, grabando el disco con la exuberante Oliver Nelson Orchestra y eligiendo versionar éxitos pop como "The Look of Love" y "Last Train to Clarksville." El número final, "Star Trek", es en realidad un original de Harris, sin relación con la serie de televisión. Uno de los principales atractivos del sonido de los Three Sounds era su sencillez y su capacidad para encontrar tantas variaciones dentro del formato de trío. Esa magia se pierde un poco con la orquesta, que tiende a abrumar al trío. Más que nada, eso es lo que impide que Coldwater Flat figure entre los mejores trabajos del grupo, pero la lustrosa producción también tiene sus momentos atractivos, y el disco funciona bien como agradable música de fondo, aunque se acerque demasiado a la escucha fácil para ser verdadero jazz. https://www.allmusic.com/album/coldwater-flat-mw0000874259
Biography by Scott Yanow One of the finest guitarists to emerge after the death of Charlie Christian, Barney Kessel was a reliable bop soloist throughout his career. He played with a big band fronted by Chico Marx (1943), was fortunate enough to appear in the classic jazz short Jammin' the Blues (1944), and then worked with the big bands of Charlie Barnet (1944-1945) and Artie Shaw (1945); he also recorded with Shaw's Gramercy Five. Kessel became a busy studio musician in Los Angeles, but was always in demand for jazz records. He toured with the Oscar Peterson Trio for one year (1952-1953) and then, starting in 1953, led an impressive series of records for Contemporary that lasted until 1961 (including several with Ray Brown and Shelly Manne in a trio accurately called the Poll Winners). After touring Europe with George Wein's Newport All-Stars (1968), Kessel lived in London for a time (1969-1970). In 1973, he began touring and recording with the Great Guitars, a group also including Herb Ellis and Charlie Byrd. A serious stroke in 1992 put Barney Kessel permanently out of action, but many of his records (which include dates for Onyx, Black Lion, Sonet, and Concord, in addition to many of the Contemporaries) are available, along with several video collections put out by Vestapol. Kessel was diagnosed with inoperable cancer in 2001, which eventually took his life in May of 2004. He was 80 years old. https://www.allmusic.com/artist/barney-kessel-mn0000784527#biography
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Biografía de Scott Yanow Uno de los mejores guitarristas que surgieron después de la muerte de Charlie Christian, Barney Kessel fue un solista confiable de bop a lo largo de su carrera. Tocó con una big band liderada por Chico Marx (1943), tuvo la suerte de aparecer en el clásico corto de jazz Jammin' the Blues (1944) y luego trabajó con las big bands de Charlie Barnet (1944-1945) y Artie Shaw (1945); también grabó con Gramercy Five de Shaw. Kessel se convirtió en un músico de estudio ocupado en Los Ángeles, pero siempre tuvo demanda de discos de jazz. Estuvo de gira con el Trío Oscar Peterson durante un año (1952-1953) y luego, a partir de 1953, dirigió una impresionante serie de discos contemporáneos que duraron hasta 1961 (incluidos varios con Ray Brown y Shelly Manne en un trío llamado con precisión the Poll Winners). Después de recorrer Europa con Newport All-Stars de George Wein (1968) , Kessel vivió en Londres durante un tiempo (1969-1970). En 1973, comenzó a hacer giras y grabar con The Great Guitars, un grupo que también incluía a Herb Ellis y Charlie Byrd. Un derrame cerebral grave en 1992 dejó a Barney Kessel permanentemente fuera de acción, pero muchos de sus discos (que incluyen fechas de Onyx, Black Lion, Sonet y Concord, además de muchos de los Contemporáneos) están disponibles, junto con varias colecciones de videos publicadas por Vestapol. Kessel fue diagnosticado con cáncer inoperable en 2001, que finalmente le quitó la vida en mayo de 2004. Tenía 80 años. https://www.allmusic.com/artist/barney-kessel-mn0000784527#biography
Review by Ken Dryden This two-CD set compiles two of the earliest recordings made by Herb Ellis and Ray Brown for Concord in the mid-'70s. The first disc, originally issued as After You've Gone, featuring keyboardist George Duke, tenor saxophonist Plas Johnson, trumpeter Sweets Edison, and drummer Jake Hanna, was recorded at the 1974 Concord Jazz Festival. Duke is the wild card on this performance, because during this time frame he was typically recording and touring with rocker Frank Zappa or leading his own heavily funk recording dates; though he switches back and forth between electric and acoustic piano, he fits in rather well. Edison's poignant muted solo in "Mood Indigo," Brown's blistering blues "Fatty McSlatty," and a raucous treatment of the famous "Meet the Flintstones" television theme are all memorable, but the intricate duet by Ellis and Brown of "Detour Ahead" seems to hush the crowd with its brilliance. Disc two was first released as Hot Tracks and dates from a 1975 studio session. Mike Melvoin takes over on keyboards; otherwise, the personnel is identical. The music relies more on original compositions by the participants, with the music being enjoyable but not quite as strong as the first CD in this set. The best tracks include the understated treatment of the timeless standard "But Beautiful" and a sassy take of Johnny Hodges' "Squatty Roo." https://www.allmusic.com/album/in-the-pocket-after-youve-gone-hot-tracks-mw0000225489
From note one, this band is swinging and In the Pocket! Amongst the first dozen recordings issued by the then-fledgling Concord Jazz label, these two inspired sextet sessions – co-led by Herb Ellis and Ray Brown – virtually defined the early Concord Jazz sound. Disc One – After You’ve Gone – captured this amalgamation of all-star jazzmen an unbridled jam, live at the Concord Jazz Festival. Disc Two – Hot Tracks, with Mike Melvoin replacing George Duke in the lineup – documents the hard-swinging stalwarts jamming in an encore session in the recording studio. These two Concord Jazz classics are a must for anyone who likes fun-loving, swinging jazz. https://concord.com/concord-albums/herb-ellis-the-ray-brown-sextet-in-the-pocket/
"…a kind of competitive swagger that is seldom captured on record…things happen that have to be played a half dozen times to be believed." – Phil Elwood, San Francisco Examiner
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Reseña de Ken Dryden Este conjunto de dos CD recopila dos de las primeras grabaciones realizadas por Herb Ellis y Ray Brown para Concord a mediados de los 70. El primer disco, publicado originalmente como After You've Gone, con el tecladista George Duke, el saxofonista tenor Plas Johnson, el trompetista Sweets Edison y el baterista Jake Hanna, se grabó en el Festival de Jazz de Concord de 1974. Duke es el comodín en esta actuación, porque durante este período de tiempo normalmente estaba grabando y de gira con el rockero Frank Zappa o liderando sus propias fechas de grabación fuertemente funk.; aunque alterna entre piano eléctrico y acústico, encaja bastante bien. El conmovedor solo silenciado de Edison en "Mood Indigo", el blues abrasador de Brown "Fatty McSlatty" y un tratamiento estridente del famoso tema televisivo "Meet the Flintstones" son memorables, pero el intrincado dueto de Ellis y Brown de "Detour Ahead" parece silenciar a la multitud con su brillantez. El segundo disco se lanzó por primera vez como Hot Tracks y data de una sesión de estudio de 1975. Mike Melvoin se hace cargo de los teclados; de lo contrario, el personal es idéntico. La música se basa más en composiciones originales de los participantes, y la música es agradable pero no tan fuerte como el primer CD de este set. Las mejores pistas incluyen el tratamiento discreto del estándar atemporal "But Beautiful" y una versión atrevida de "Squatty Roo" de Johnny Hodges." https://www.allmusic.com/album/in-the-pocket-after-youve-gone-hot-tracks-mw0000225489
¡Desde la nota uno, esta banda se balancea y está en el bolsillo! Entre la primera docena de grabaciones emitidas por el entonces incipiente sello Concord Jazz, estas dos inspiradas sesiones de sexteto, codirigidas por Herb Ellis y Ray Brown, prácticamente definieron el sonido temprano del Jazz de Concord. El disco Uno, After You've Gone, capturó esta amalgama de jazzistas de estrellas en una jam desenfrenada, en vivo en el Concord Jazz Festival. El disco Dos, Hot Tracks, con Mike Melvoin reemplazando a George Duke en la alineación, documenta a los incondicionales del swing duro tocando en una sesión encore en el estudio de grabación. Estos dos clásicos del jazz de Concord son imprescindibles para cualquier persona a la que le guste el jazz oscilante y amante de la diversión. https://concord.com/concord-albums/herb-ellis-the-ray-brown-sextet-in-the-pocket/
"a una especie de fanfarronería competitiva que rara vez se captura en los registros happen suceden cosas que hay que tocar media docena de veces para creerlas."- Phil Elwood, Examinador de San Francisco
