Bukka White • Memphis Hot Shots

 

Booker T. Washington White, conocido en el blues como Bukka White (Aberdeen, Misisipi, 12 de noviembre de 1906 - Memphis, Tennessee, 26 de febrero de 1977) fue un pianista, guitarrista y cantante de blues.

Es uno de los primeros grandes creadores del Blues del Delta y, muy joven, coincidió con Charlie Patton, su principal influencia. Fichado por la discográfica Victor. grabó su primer disco en 1930, con un estilo de guitarra muy influido por la música hillbilly y el slack key hawaiano. La reputación que obtuvo le permitió vivir muy holgadamente de la música en lo sucesivo. En 1937 se traslada a Chicago para realizar varias sesiones de grabación, incluido su clásico "Shake'em on down", que fue un gran éxito comercial.

Condenado varios años por una pelea, Alan Lomax lo encontró en la penitenciaria de Parchman Farm y le grabó varios temas autobiográficos. Después, ya libre, regresó a Chicago, tocando con Washboard Sam, grabando en 1940 el que, para la mayoría de los autores, sería su obra maestra. Tras servir al ejército en Europa durante la Segunda Guerra Mundial, White se instaló en Memphis (1944) y abandonó la música en público, trabajando de chatarrero. Años más tarde, su obra se convierte en objeto de culto para las generaciones de la explosión folk, recuperada por Bob Dylan y Buffy Sainte Marie. En los años 1960, unos guitarristas jóvenes investigaron su paradero y consiguieron localizarlo, relanzando su carrera, ya en grandes escenarios, especialmente en el American Folk & Blues Festival, donde tocó con Son House, Sonny Terry, Brownie McGhee y Hound Dog Taylor, entre otros, grabando un buen número de nuevos discos.

 

Booker T. Washington "Bukka" White (November 12, 1909 – February 26, 1977) was an American Delta blues guitarist and singer. "Bukka" is a phonetic spelling of White's given name, first used by his second (1937) record label (Vocalion).

Born between Aberdeen and Houston, Mississippi, White was a first cousin of B.B. King's mother (White's mother and King's grandmother were sisters). White himself is remembered as a player of National steel guitars. He also played, but was less adept at, the piano.

White started his career playing the fiddle at square dances. He claims to have met Charlie Patton early on, although some doubt has been cast upon this; Regardless, Patton was a large influence on White. White typically played slide guitar, in an open tuning. He was one of the few, along with Skip James, to use a crossnote tuning in E minor, which he may have learned, as James did, from Henry Stuckey.

He first recorded for Victor Records in 1930. His recordings for Victor, like those of many other bluesmen, fluctuated between country blues and gospel numbers. Victor published his photograph in 1930. His gospel songs were done in the style of Blind Willie Johnson, with a female singer accentuating the last phrase of each line.

Nine years later, while serving time for assault, he recorded for folklorist John Lomax. The few songs he recorded around this time became his most well-known: "Shake 'Em On Down," and "Po' Boy."

Bob Dylan covered his song "Fixin' to Die Blues", which aided a "rediscovery" of White in 1963 by guitarist John Fahey and Ed Denson, which propelled him onto the folk revival scene of the 1960s. White had recorded the song simply because his other songs had not particularly impressed the Victor record producer. It was a studio composition of which White had thought little until it re-emerged thirty years later.

White was at one time managed by experienced blues manager Arne Brogger. Fahey and Denson found White easily enough: Fahey wrote a letter to "Bukka White (Old Blues Singer), c/o General Delivery, Aberdeen, Mississippi." Fahey had assumed, given White's song, "Aberdeen, Mississippi", that White still lived there, or nearby. The postcard was forwarded to Memphis, Tennessee, where White worked in a tank factory. Fahey and Denson soon traveled to meet White, and White and Fahey remained friends through the remainder of White's life. He recorded a new album for Denson and Fahey's Takoma Records, whilst Denson became his manager.

White was, later in life, also friends with fellow musician Furry Lewis. The two recorded, mostly in Lewis' Memphis apartment, an album together, Furry Lewis, Bukka White & Friends: Party! At Home.

"Parchman Farm Blues" was about the Mississippi State Penitentiary

One of his most famous songs, "Parchman Farm Blues", about the Mississippi State Penitentiary (also known as Parchman Farm) in Sunflower County, Mississippi, was released on Harry Smith's fourth volume of the Anthology of American Folk Music, Vol. 4. His 1937 version of the oft-recorded song,[7] "Shake 'Em On Down," is considered definitive, and became a hit while White was serving time in Parchman.

White died in February 1977 from cancer, at the age of 67, in Memphis, Tennessee. In 1990 he was posthumously inducted into the Blues Hall of Fame (along with Blind Blake and Lonnie Johnson). On November 21, 2011, The Recording Academy announced that "Fixin' to Die Blues" was to be added to its 2012 list of Grammy Hall of Fame Award recipients.

Arbee Stidham • There's Always Tomorrow

 

 

Biography
by Ron Wynn
An exciting and expressive jazz-influenced blues vocalist, Arbee Stidham also plays alto sax, guitar and harmonica. His father Luddie Stidham worked in Jimme Lunceford's orchestra, while his uncle was a leader of the Memphis Jug Band. Stidham formed the Southern Syncopators and played various clubs in his native Arkansas in the '30s. He appeared on Little Rock radio station KARK and his band backed Bessie Smith on a Southern tour in 1930 and 1931. Stidham frequently performed in Little Rock and Memphis until he moved to Chicago in the '40s. Stidham recorded with Lucky Millinder's Orchestra for Victor in the '40s for Victor. He did his own sessions for Victor, Sittin' In, Checker, Abco, Prestige/Bluesville, Mainstream, and Folkways in the '50s and '60s, and appeared in the film The Bluesman in 1973. Stidham also made many festival and club appearances nationwide and internationally. He did occasional blues lectures at Cleveland State University in the '70s.
https://www.allmusic.com/artist/arbee-stidham-mn0000928363/biography

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Biografía
por Ron Wynn
Arbee Stidham es un vocalista de blues con influencia del jazz, emocionante y expresivo, que también toca el saxo alto, la guitarra y la armónica. Su padre Luddie Stidham trabajó en la orquesta de Jimme Lunceford, mientras que su tío fue líder de la Memphis Jug Band. Stidham formó los Southern Syncopators y tocó en varios clubes de su Arkansas natal en los años 30. Apareció en la emisora de radio KARK de Little Rock y su banda acompañó a Bessie Smith en una gira por el sur en 1930 y 1931. Stidham actuó con frecuencia en Little Rock y Memphis hasta que se trasladó a Chicago en los años 40. Stidham grabó con la Orquesta de Lucky Millinder para Victor en los años 40 para Victor. Realizó sus propias sesiones para Victor, Sittin' In, Checker, Abco, Prestige/Bluesville, Mainstream y Folkways en los años 50 y 60, y apareció en la película The Bluesman en 1973. Stidham también hizo muchas apariciones en festivales y clubes a nivel nacional e internacional. En los años 70 dio conferencias ocasionales sobre el blues en la Universidad Estatal de Cleveland.
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Colaborador / Contributor:  Pierre

Jimmy Dawkins • Born In Poverty

 

 

 

Biography by Bill Dahl
Chicago guitarist Jimmy Dawkins would have preferred to leave his longtime nickname "Fast Fingers" behind. It was always something of a stylistic misnomer anyway; Dawkins' West Side-styled guitar slashed and surged, but seldom burned with incendiary speed. Dawkins' blues were generally of the brooding, introspective variety -- he didn't engage in flashy pyrotechnics or outrageous showmanship.

It took a long time for Dawkins to progress from West Side fixture to nationally known recording artist. He rode a Greyhound bus out of Mississippi in 1955, dressing warmly to ward off the Windy City's infamous chill factor. Only trouble was, he arrived on a sweltering July day! Harpist Billy Boy Arnold offered the newcomer encouragement, and he eventually carved out a niche on the competitive West Side scene (his peers included Magic Sam and Luther Allison).

Sam introduced Dawkins to Delmark Records boss Bob Koester. Fast Fingers, Dawkins' 1969 debut LP for Delmark -- which remained his best album -- was a taut, uncompromising piece of work that won the Grand Prix du Disque de Jazz from the Hot Club of France in 1971 as the year's top album. Andrew "Big Voice" Odom shared the singing and Otis Rush the second guitar duties on Dawkins' 1971 encore, All for Business. But after his Delmark LP Blisterstring, Dawkins' subsequent recordings lacked intensity until 1991's oddly titled Kant Sheck Dees Bluze for Chicago's Earwig Records. After that, Dawkins waxed discs for Ichiban and Fedora, and continued to tour extensively until health problems slowed him down. Jimmy Dawkins passed away April 10, 2013.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-dawkins-mn0000352524#biography

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Biografía de Bill Dahl
El guitarrista de Chicago Jimmy Dawkins habría preferido dejar atrás su apodo de "dedos rápidos". De todos modos, siempre fue una denominación errónea desde el punto de vista estilístico; la guitarra de Dawkins, al estilo del West Side, cortaba y arremetía, pero rara vez ardía con una velocidad incendiaria. El blues de Dawkins solía ser melancólico e introspectivo, sin pirotecnias llamativas ni espectáculos escandalosos.

Dawkins tardó mucho tiempo en pasar de ser un fijo del West Side a un artista de fama nacional. Salió de Mississippi en 1955 en un autobús Greyhound, bien abrigado para protegerse del frío de la Ciudad del Viento. El único problema fue que llegó en un sofocante día de julio. El arpista Billy Boy Arnold animó al recién llegado, que acabó haciéndose un hueco en la competitiva escena del West Side (entre sus colegas se encontraban Magic Sam y Luther Allison).

Sam presentó a Dawkins al jefe de Delmark Records, Bob Koester. Fast Fingers, el primer LP de Dawkins para Delmark en 1969 -que sigue siendo su mejor álbum- fue una obra tensa y sin concesiones que ganó el Grand Prix du Disque de Jazz del Hot Club de Francia en 1971 como mejor álbum del año. Andrew "Big Voice" Odom compartió la voz y Otis Rush la segunda guitarra en el bis de Dawkins de 1971, All for Business. Pero después de su LP Blisterstring de Delmark, las siguientes grabaciones de Dawkins carecieron de intensidad hasta el extraño título de 1991, Kant Sheck Dees Bluze, para Earwig Records de Chicago. Después de eso, Dawkins grabó discos para Ichiban y Fedora, y continuó realizando numerosas giras hasta que los problemas de salud le ralentizaron. Jimmy Dawkins falleció el 10 de abril de 2013.
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Reverend Gary Davis (Blind Gary Davis) • A Little More Faith

Biography by Bruce Eder

In his prime of life, which is to say the late '20s, the Reverend Gary Davis was one of the two most renowned practitioners of the East Coast school of ragtime guitar; 35 years later, despite two decades spent playing on the streets of Harlem in New York, he was still one of the giants in his field, playing before thousands of people at a time, and an inspiration to dozens of modern guitarist/singers including Bob Dylan, Taj Mahal, and Donovan; and Jorma Kaukonen, David Bromberg, and Ry Cooder, who studied with Davis.

Davis was partially blind at birth, and lost what little sight he had before he was an adult. He was self-taught on the guitar, beginning at age six, and by the time he was in his 20s he had one of the most advanced guitar techniques of anyone in blues; his only peers among ragtime-based players were Blind Arthur Blake, Blind Lemon Jefferson, and Blind Willie Johnson. Davis himself was a major influence on Blind Boy Fuller.

Davis' influences included gospel, marches, ragtime, jazz, and minstrel hokum, and he integrated them into a style that was his own. In 1911, when Davis was a still teenager, the family moved to Greenville, SC, and he fell under the influence of such local guitar virtuosi as Willie Walker, Sam Brooks, and Baby Brooks. Davis moved to Durham in the mid-'20s, by which time he was a full-time street musician. He was celebrated not only for the diversity of styles that his playing embraced, but also for his skills with the guitar, which were already virtually unmatched in the blues field.

Davis went into the recording studio for the first time in the '30s with the backing of a local businessman. Davis cut a mixture of blues and spirituals for the American Record Company label, but there was never an equitable agreement about payment for the recordings, and following these sessions, it was 19 years before he entered the studio again. During that period, he went through many changes. Like many other street buskers, Davis always interspersed gospel songs amid his blues and ragtime numbers, to make it harder for the police to interrupt him. He began taking the gospel material more seriously, and in 1937 he became an ordained minister. After that, he usually refused to perform any blues.

Davis moved to New York in the early '40s and began preaching and playing on street corners in Harlem. He recorded again at the end of the 1940s, with a pair of gospel songs, but it wasn't until the mid-'50s that a real following for his work began developing anew. His music, all of it now of a spiritual nature, began showing up on labels such as Stinson, Folkways, and Riverside, where he recorded seven songs in early 1956. Davis was "rediscovered" by the folk revival movement, and after some initial reticence, he agreed to perform as part of the budding folk music revival, appearing at the Newport Folk Festival, where his raspy voiced sung sermons; most notably his transcendent "Samson and Delilah (If I Had My Way)" -- a song most closely associated with Blind Willie Johnson -- and "Twelve Gates to the City," which were highlights of the proceedings for several years. He also recorded a live album for the Vanguard label at one such concert, as well as appearing on several Newport live anthology collections. He was also the subject of two television documentaries, one in 1967 and one in 1970.

Davis became one of the most popular players on the folk revival and blues revival scenes, playing before large and enthusiastic audiences; most of the songs that he performed were spirituals, but they weren't that far removed from the blues that he'd recorded in the 1930s, and his guitar technique was intact. Davis' skills as a player, on the jumbo Gibson acoustic models that he favored, were undiminished, and he was a startling figure to hear, picking and strumming complicated rhythms and counter-melodies. Davis became a teacher during this period, and his students included some very prominent white guitar players, including David Bromberg and the Jefferson Airplane's Jorma Kaukonen (who later recorded Davis' "I'll Be Alright" on his acclaimed solo album Quah!).

The Reverend Gary Davis left behind a fairly large body of modern (i.e. post-World War II) recordings, well into the 1960s, taking the revival of his career in his stride as a way of carrying the message of the gospel to a new generation. He even recorded anew some of his blues and ragtime standards in the studio, for the benefit of his students.

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Biografía de Bruce Eder

En la flor de la vida, es decir, a finales de los años 20, el reverendo Gary Davis fue uno de los dos practicantes más renombrados de la escuela de guitarra ragtime de la Costa Este; 35 años más tarde, a pesar de las dos décadas que pasó tocando en las calles de Harlem en Nueva York, seguía siendo uno de los gigantes en su campo, tocando ante miles de personas a la vez, y una inspiración para docenas de guitarristas/cantantes modernos como Bob Dylan, Taj Mahal y Donovan; y Jorma Kaukonen, David Bromberg y Ry Cooder, que estudiaron con Davis.

Davis era parcialmente ciego de nacimiento y perdió la poca visión que tenía antes de ser adulto. Fue autodidacta en la guitarra, a partir de los seis años, y para cuando tenía veintitantos años ya tenía una de las técnicas de guitarra más avanzadas de todo el mundo en el blues; sus únicos compañeros entre los músicos de ragtime eran Blind Arthur Blake, Blind Lemon Jefferson, y Blind Willie Johnson. El mismo Davis fue una gran influencia en Blind Boy Fuller.

Las influencias de Davis incluyeron gospel, marchas, ragtime, jazz, y minstrel hokum, y los integró en un estilo que era el suyo propio. En 1911, cuando Davis era todavía un adolescente, la familia se mudó a Greenville, SC, y cayó bajo la influencia de virtuosos locales de la guitarra como Willie Walker, Sam Brooks y Baby Brooks. Davis se mudó a Durham a mediados de los años 20, cuando ya era músico callejero a tiempo completo. Fue celebrado no sólo por la diversidad de estilos que abrazaba, sino también por sus habilidades con la guitarra, que ya eran prácticamente inigualables en el campo del blues.

Davis entró al estudio de grabación por primera vez en los años 30 con el apoyo de un empresario local. Davis cortó una mezcla de blues y spirituals para el sello American Record Company, pero nunca hubo un acuerdo equitativo sobre el pago por las grabaciones, y después de estas sesiones, pasaron 19 años antes de que él entrara de nuevo al estudio. Durante ese período, pasó por muchos cambios. Como muchos otros músicos callejeros, Davis siempre intercalaba canciones gospel entre sus números de blues y ragtime, para hacer más difícil que la policía lo interrumpiera. Comenzó a tomar más en serio el material evangélico, y en 1937 se convirtió en ministro ordenado. Después de eso, por lo general se negaba a tocar blues.

Davis se mudó a Nueva York a principios de los años 40 y comenzó a predicar y a tocar en las esquinas de Harlem. Volvió a grabar a finales de la década de 1940, con un par de canciones gospel, pero no fue hasta mediados de los años 50 que un verdadero seguidor de su trabajo comenzó a desarrollarse de nuevo. Su música, toda de naturaleza espiritual, comenzó a aparecer en sellos como Stinson, Folkways y Riverside, donde grabó siete canciones a principios de 1956. Davis fue "redescubierto" por el movimiento de renacimiento folclórico, y después de algunas reticencias iniciales, aceptó actuar como parte del renacimiento de la música folclórica en ciernes, apareciendo en el Festival Folclórico de Newport, donde sus sermones cantados con voz ronca; más notablemente su trascendente "Samson and Delilah (If I Had My Way)" - una canción que está más estrechamente asociada con Blind Willie Johnson - y "Twelve Gates to the City", que fueron los puntos culminantes de las actuaciones durante varios años. También grabó un álbum en vivo para el sello Vanguard en uno de esos conciertos, además de aparecer en varias colecciones de antologías en vivo de Newport. También fue objeto de dos documentales televisivos, uno en 1967 y otro en 1970.

Davis se convirtió en uno de los intérpretes más populares en las escenas de renacimiento del folk y del blues, tocando ante un público grande y entusiasta; la mayoría de las canciones que interpretaba eran espirituales, pero no estaban tan alejadas del blues que había grabado en la década de 1930, y su técnica de guitarra estaba intacta. Las habilidades de Davis como jugador, en los modelos acústicos gigantescos de Gibson que él prefería, no se vieron mermadas, y fue una figura sorprendente para escuchar, escogiendo y rasgueando ritmos complicados y contra-melodías. Davis se convirtió en profesor durante este período, y entre sus alumnos había algunos guitarristas blancos muy prominentes, como David Bromberg y Jorma Kaukonen de Jefferson Airplane (que más tarde grabó "I'll Be Alright" de Davis en su aclamado álbum en solitario Quah!)

El reverendo Gary Davis dejó un cuerpo bastante grande de grabaciones modernas (es decir, después de la Segunda Guerra Mundial), hasta bien entrada la década de 1960, tomando el renacimiento de su carrera en su camino como una forma de llevar el mensaje del evangelio a una nueva generación. Incluso grabó de nuevo algunos de sus estándares de blues y ragtime en el estudio, para el beneficio de sus estudiantes.

Sonny Rhodes • Blue Diamond

  

Artist Biography by Richard Skelly

Blues guitarist, singer, and songwriter Sonny Rhodes is such a talented songwriter, so full of musical ideas, that he's destined to inherit the to seats left open by the untimely passing of blues greats like Albert King and Albert Collins.

Born November 3, 1940 in Smithville, TX, he was the sixth and last child of Le Roy and Julia Smith, who were sharecroppers. Rhodes began playing seriously when he was 12, although he got his first guitar when he was eight as a Christmas present. Rhodes began performing around Smithville and nearby Austin in the late '50s, while still in his teens. Rhodes listened to a lot of T-Bone Walker when he was young, and it shows in his playing today. Other guitarists he credits as being influences include Pee Wee Crayton and B.B. King. Rhodes' first band, Clarence Smith & the Daylighters, played the Austin area blues clubs before Rhodes decided to join the Navy after graduating from high school.

In the Navy, he moved west to California, where he worked for a while as a radio man and closed-circuit Navy ship disc jockey, telling off-color jokes in between the country and blues records he would spin for the entertainment of the sailors.

Rhodes recorded a single for Domino Records in Austin, "I'll Never Let You Go When Something Is Wrong," in 1958, and also learned to play bass. He played bass behind Freddie King and his friend Albert Collins. After his stint in the Navy, Rhodes returned to California while in his mid-twenties, and lived in Fresno for a few years before hooking up a deal with Galaxy Records in Oakland. In 1966, he recorded a single, "I Don't Love You No More" b/w "All Night Long I Play the Blues." He recorded another single for Galaxy in 1967 and then in 1978, out of total frustration with the San Francisco Bay Area record companies, he recorded "Cigarette Blues" b/w "Bloodstone Beat" on his own label. Rhodes toured Europe in 1976, and that opened a whole new European market to him, and he was recorded by several European labels, but without much success. His European recordings include I Don't Want My Blues Colored Bright and a live album, In Europe. In desperation again, Rhodes went into the studio again to record an album in 1985, Just Blues, on his own Rhodesway label.

Fortunately, things have been on track for Rhodes since the late '80s, when he began recording first for the Ichiban label and later for Kingsnake. His albums for Ichiban include Disciple of the Blues (1991) and Living Too Close to the Edge (1992).

More recently, Rhodes has gotten better distribution of his albums with the Sanford, Florida-based Kingsnake label. Aside from his self-produced 1985 release Just Blues (now available on compact disc through Evidence Music), his best albums include the ones he's recorded for Kingsnake, for these are the records that have gotten Rhodes and his various backup bands out on the road together throughout the U.S., Canada, and Europe. They include The Blues Is My Best Friend, and his 1995 release, Out of Control. On these albums we hear Rhodes, the fully developed songwriter, and not surprisingly, both releases drew high marks from blues critics.

Note: Sonny passed away on 14 December 2021.

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Biografía del artista por Richard Skelly

El guitarrista, cantante y compositor de blues Sonny Rhodes es un compositor tan talentoso, tan lleno de ideas musicales, que está destinado a heredar los asientos dejados abiertos por el inoportuno paso de grandes del blues como Albert King y Albert Collins.

Nacido el 3 de noviembre de 1940 en Smithville, TX, fue el sexto y último hijo de Le Roy y Julia Smith, que eran aparceros. Rhodes empezó a tocar en serio a los 12 años, aunque recibió su primera guitarra a los 8 años como regalo de Navidad. Rhodes comenzó a tocar en Smithville y en la cercana Austin a finales de los 50, cuando aún era un adolescente. Rhodes escuchó mucho a T-Bone Walker cuando era joven, y eso se nota en su forma de tocar hoy en día. Otros guitarristas a los que atribuye influencias son Pee Wee Crayton y B.B. King. La primera banda de Rhodes, Clarence Smith & the Daylighters, tocaba en los clubes de blues de la zona de Austin antes de que Rhodes decidiera unirse a la Marina tras graduarse en el instituto.

En la Marina, se mudó al oeste a California, donde trabajó durante un tiempo como locutor de radio y disc-jockey de circuito cerrado de la Marina, contando chistes a todo color entre el país y los discos de blues que hacía girar para el entretenimiento de los marineros.

Rhodes grabó un sencillo para Domino Records en Austin, "I'll Never Let You Go When Something Is Wrong", en 1958, y también aprendió a tocar el bajo. Tocaba el bajo detrás de Freddie King y su amigo Albert Collins. Después de su estancia en la Marina, Rhodes regresó a California a mediados de sus veinte años, y vivió en Fresno durante unos años antes de cerrar un acuerdo con Galaxy Records en Oakland. En 1966, grabó un single, "I Don't Love You No More" b/n "All Night Long I Play the Blues". Grabó otro single para Galaxy en 1967 y luego en 1978, por la total frustración de las compañías discográficas de la bahía de San Francisco, grabó "Cigarette Blues" b/n "Bloodstone Beat" en su propio sello. Rhodes realizó una gira por Europa en 1976, lo que le abrió todo un nuevo mercado europeo, y fue grabado por varios sellos europeos, pero sin mucho éxito. Sus grabaciones europeas incluyen "I Don't Want My Blues Colored Bright" y un álbum en vivo, "In Europe". Desesperado otra vez, Rhodes fue al estudio de nuevo para grabar un álbum en 1985, Just Blues, en su propio sello Rhodesway.

Afortunadamente, las cosas han estado en marcha para Rhodes desde finales de los 80, cuando empezó a grabar primero para el sello Ichiban y después para Kingsnake. Sus álbumes para Ichiban incluyen Disciple of the Blues (1991) y Living Too Close to the Edge (1992).

Más recientemente, Rhodes ha conseguido una mejor distribución de sus álbumes con el sello Kingsnake, con sede en Sanford, Florida. Aparte de su auto-producido lanzamiento de 1985 Just Blues (ahora disponible en disco compacto a través de Evidence Music), sus mejores álbumes incluyen los que ha grabado para Kingsnake, ya que estos son los discos que han llevado a Rhodes y a sus varias bandas de respaldo a salir a la carretera juntos a través de los EE.UU., Canadá y Europa. Incluyen The Blues Is My Best Friend, y su lanzamiento en 1995, Out of Control. En estos álbumes escuchamos a Rhodes, el compositor completamente desarrollado, y no es sorprendente que ambos lanzamientos hayan recibido altas calificaciones de los críticos de blues. 

Nota: Sonny falleció el 14 de diciembre de 2021.

Cant Be Satisfied The Life and Times of Muddy Waters

 

First recorded at his house in Stovall, Mississippi, in 1941 as part of a Library of Congress field project to record authentic country blues artists, Muddy Waters was inspired by the experience to move to Chicago and work as a professional musician. This biography chronicles the life and music of the bluesman who went electric in the late 1940s and inspired a generation of rock and blues bands who changed the shape of popular music.

 

Lonnie Johnson • Blues By Lonnie Johnson

  

Artist Biography
Lonnie Johnson was the “governor” of blues guitar in the 1920’s. His playing combined incredibly fast melodic runs with evocative blues licks. His playing was the forerunner of jazz and rock guitar. Lonnie Johnson’s playing is highly challenging, provocative and exciting. His recordings from the 1920s were highly influential among bluesmen and widely imitated. His incredible skill on the fingerboard also made him popular among jazz players. Lonnie recorded countless solo records as well as accompanying Texas Alexander, Louis Armstrong, Duke Ellington and Eddie Lang. Though he did not possess a country blues background, the New Orleans-born guitarist exemplified a high caliber of musicianship while retaining a strong feeling for the blues. His fluid single note lines and advanced flat-picking technique served as a model for early jazz guitarists and a host of Delta bluesmen.

Born and raised in New Orleans, by his late teens, Lonnie played in his father's family band at banquets and weddings, performing on guitar and violin alongside his brother James “Steady Roll” Johnson. Johnson eventually played jobs with jazz trumpeter Punch Miller in New Orleans' Storyville district. He also played blues on violin at the Iroquois Theatre and Pineri's in the French Quarter. Though folk blues songsters were not the most popular form of entertainment in the cultural world of New Orleans, Johnson no doubt absorbed their influence, (he worked the Storyville district from 1910-1917)

In 1917 Johnson traveled to England to perform with a revue show. In 1920 Johnson traveled to St. Louis and, for the next two years, performed with Missouri-born trumpeter Charlie Creath's Jazz-O-Maniacs on riverboat steamer SS St. Paul, and on the SS Capitol with the band of Kentucky-born pianist Fate Marable. Johnson also spent a considerable amount of time in St. Louis, Texas, New York, and Chicago while performing in theaters and on riverboats, strongly influencing the musicians based in each of these areas.

In 1924 Johnson toured with the comedy act of Clenn & Jenkins and performed with his brother James, at Katy's Red Club in East St. Louis. He subsequently worked the TOBA circuit, and by 1925 won a talent contest at the Booker T. Washington Theatre sponsored by Okeh Records; as part of the prize he received a recording contract with the company. In November 1925, just prior to his own session for Okeh, he made his recording debut with Creath's Jazz-O-Maniacs, playing violin and singing on “Won't Don't Blues.” Two days later, he recorded his first session for Okeh, accompanied by violinist De Louise Searcy and pianist John Arnold, turning out two numbers “Mr. Johnson's Blues” and the hit “Falling Rain Blues.” Also at the Okeh studios he recorded with Searcy and his brother James, a session in which members of the trio each alternated between playing piano, guitar and violin. As a house musician for Okeh, 1925-1929, Johnson cut sessions with a host of artists as well as numerous recordings under his own name. In August 1927 he took part in several New York sessions for Okeh which debuted blues singer Alger “Texas” Alexander--a country-bred Texas blues vocalist who sang in a style shaped from field hollers and the chants of prison work gangs.

In October 1927, Johnson recorded with pianist John Erby, cutting “6/88 Glide,” an originally unreleased number that has, in recent years, received critical attention among jazz scholars. Composed in thirty-two bar form, demonstrates the versatility that enabled [Johnson] to play blues, jazz, or pop with equal skill. Recorded at a time when the guitar was still considered a novelty instrument, the recording illustrated Johnson's growing contributions in the sophisticated development of jazz guitar.

Two months later, in December 1927, Johnson appeared as a guest artist with Louis Armstrong's Hot Five. Paired with banjoist Johnny St. Cyr, Johnson cut four sides with the band including Lil Hardin's “Hotter Than That” and Kid Ory's “Savoy Blues.”

Johnson's growing musical reputation also led to a guest recording appearance with the Duke Ellington Orchestra in October 1928. Playing steel-bodied guitar on one of Ellington's “jungle-style” numbers, “The Mooche,” he was featured in a duet with popular cabaret singer Baby Cox.

In October of the same month, he made another guest studio appearance with the seven-member-nucleus of the Mckinney Cotton Pickers. Under the direction of arranger and multi-instrumentalist Don Redman, the band recorded under the pseudonym the Chocolate Dandies, cutting four numbers including “Stardust” and Redman's composition “Puducah.” On the latter number Johnson takes two twelve bar solos--his fluid single lines and two-string figures briskly rising above the background horn accompaniment. Not long afterward, Johnson joined pianist Clarence Williams in backing Texas-born blues singer Victoria Spivey on a number of bawdy and sexually suggestive numbers like “Furniture Man Blues.”

In 1929 Johnson once again appeared as a guest recording artist with Louis Armstrong in an expanded orchestral setting. On Armstrong's rendition Spencer Williams' “Mahogany Hall Stomp,” a composition dedicated to one of New Orleans' most notorious nightspots.

Also in 1929 Johnson teamed-up with Philadelphia-born guitarist Eddie Lang to record some of the most celebrated musical duets of the twenties. Breaking the racial barriers of the period, the two guitarists-- performing as a duo and with Lang's Gin Bottle Four--formed a studio collaboration which brought forth mutual respect between the artistsThe two guitarists turned out dozens of titles including “Hot Fingers,” “Two Tone Stomp,” and “Handful of Riffs.” On “Bullfog Moan” Johnson's twelve string guitar produced haunting bends and created a dynamic interplay with Langs' open-string figures and well-executed bass lines. It is unclear whether it was Johnson or Lang who first used a flat-pick to intensify his single-string guitar solos. It is clear, however, that Johnson introduced the flat-picking technique to other urban guitarists, and Lang did the same for jazz. Johnson's style reached both the Delta bluesmen and urban players who would adapt and develop his one string-solos into modern electric blues style.

After touring with Bessie Smith and her “Midnight Steppers” in 1929, he moved to Chicago. Recording For Okeh's New York studio, he turned out sides accompanied by musicians such as stride pianist James P. Johnson. In 1932 Johnson left the Okeh label and settled in Cleveland, playing intermittently with the band of vocalist and singer Putney Dandridge. During his seven year stay in Cleveland, he often played on radio programs broadcasted over WJAY and WHM.

In 1937 Johnson made recordings with pianist Roosevelt Sykes and performed with Warren “Baby” Dodds at the Three Deuces in Chicago. After the Three Deuces job, Johnson formed his own trio--two guitars and a bass--and booked shows at the Plantation, The Gate, and the Boulevard Lounge. In 1937 and 1938 he recorded for Decca and, in 1939, joined the talented line-up of Lester Melrose' Blue Bird label. For the next five years, Johnson emerged as one of Blue Bird's best selling artists, recording thirty-four sides that included the hits “He's a Jelly Roll Baker” and “In Love Again.” By the mid-1940s he took up electric guitar, transforming his earlier sound.

In the late 1940s Johnson took up residence in Cincinnati and after joining Syd Nathan's Cincinnati-based King label, scored his biggest hit with “To-morrow Night” in 1948. A ballad, “Tomorrow Night,” with its triplet piano accompaniment lush background singers, bore little resemblance to the majority of Johnson's blues and jazz material. Though a hit record kept his name in the limelight, over the next few years Johnson still had to take occasional work outside music.

In 1952 Johnson embarked on a eleven-month-tour of England. Back in America he stayed briefly in Cincinnati before moving to Philadelphia. By the time Samuel Charters' The Country Blues was published in 1959, Johnson had fallen into obscurity, and was believed to be living in Cincinnati. That same year, Danish-born jazz critic and disc jockey Chris Albertson rediscovered Johnson in Philadelphia. During his radio show, Albertson made an inquiry concerning the whereabouts of the legendary guitarist. Shortly afterward, he received a call from a man who informed him that he worked as a janitor with Johnson at the Benjamin Franklin Hotel in Philadelphia. Albertson then recorded Johnson in an informal session at his apartment and sent the demo to Bob Weinstock of the Prestige label. Backed by a quartet, including saxophone, Johnson cut the Prestige LP “Blues by Lonnie Johnson.” Evoking a sense of humor about the vagaries of his career, Johnson commented, in the album's liner notes, “I've been dead four of five times. But I always come back.” The day following the session he went back to his janitorial job at the Ben Franklin.

In 1960 and 1961, Johnson performed at the Town Hall concerts in New York City, and in 1963 traveled to Europe with the American Folk Blues Festival, an all-star tour which included Muddy Waters, Sonny Boy Williamson, Big Joe Williams, and former musical associate Victoria Spivey (with whom Johnson had been reunited on a job in New York City two years previous). In Europe he recorded with pianist Otis Spann in Denmark and with the Fontana label in Bremen, Germany.

By 1965 Johnson took up residence in Toronto, Canada, and within the next year opened his own nightclub, The Home of the Blues Club. Throughout the decade he recorded and played local clubs in Canada as well as embarking on several regional tours. While he was window shopping on a Toronto street in 1969, a car jumped the curb and hit Johnson. This accident, followed by several strokes, forced him to limit his musical activities. Not long after his last live appearance with bluesman Buddy Guy at Toronto's Massey Hall, he died of a stroke on June 16, 1970 at the age of eighty-one.

An inspirational figure to both blues and jazzmen, Johnson left an indelible mark on modern American music. In the span of forty years, he made nearly five hundred recordings. His impact on the blues was reflected in the sentiments of B.B. King who stated, in Blues Guitar: “I was able to go and see one of my idols, Lonnie Johnson, and I was able to shake his hand and thank him. Because he was one of the people that made me want to play.” Perhaps Johnson's finest tribute, however, came from Duke Ellington who stated his memoir, Music Is My Mistress, “[Johnson] must have must have been a good man, because he spoke only good about other people, and I never heard anyone speak anything but good of him. God bless Lonnie Johnson.”
Bio by John Cohassey
Source: John Cohassey
https://musicians.allaboutjazz.com/lonniejohnson

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Biografía del artista
Lonnie Johnson fue el "gobernador" de la guitarra blues en los años 20. Su interpretación combinaba carreras melódicas increíblemente rápidas con evocadoras lamidas de blues. Su interpretación fue el precursor del jazz y de la guitarra rock. El juego de Lonnie Johnson es muy desafiante, provocativo y emocionante. Sus grabaciones de la década de 1920 fueron muy influyentes entre los bluesmen y fueron ampliamente imitadas. Su increíble habilidad en el diapasón también lo hizo popular entre los músicos de jazz. Lonnie grabó innumerables discos en solitario y acompañó a Texas Alexander, Louis Armstrong, Duke Ellington y Eddie Lang. Aunque no poseía una formación de blues country, el guitarrista nacido en Nueva Orleáns ejemplificó un alto nivel de musicalidad al mismo tiempo que conservaba un fuerte sentimiento por el blues. Sus líneas fluidas de una sola nota y su técnica avanzada de selección de notas planas sirvieron de modelo para los primeros guitarristas de jazz y para una multitud de bluesmen del Delta.

Nacido y criado en Nueva Orleans, a finales de su adolescencia, Lonnie tocó en la banda familiar de su padre en banquetes y bodas, tocando la guitarra y el violín junto a su hermano James "Steady Roll" Johnson. Johnson finalmente trabajó con el trompetista de jazz Punch Miller en el distrito de Storyville en Nueva Orleans. También tocó blues con violín en el Teatro Iroquois y en Pineri's en el Barrio Francés. Aunque los cantantes de folk blues no eran la forma más popular de entretenimiento en el mundo cultural de Nueva Orleans, Johnson sin duda absorbió su influencia, (trabajó en el distrito de Storyville de 1910-1917).

En 1917 Johnson viajó a Inglaterra para actuar con un espectáculo de la revista. En 1920 Johnson viajó a St. Louis y, durante los dos años siguientes, tocó con el trompetista Charlie Creath's Jazz-O-Maniacs en el barco de vapor SS St. Paul, y en el Capitolio de las SS con la banda del pianista Fate Marable, nacido en Kentucky. Johnson también pasó una considerable cantidad de tiempo en St. Louis, Texas, Nueva York y Chicago mientras tocaba en teatros y en barcos fluviales, influenciando fuertemente a los músicos basados en cada una de estas áreas.

En 1924 Johnson hizo una gira con el acto de comedia de Clenn & Jenkins y actuó con su hermano James, en el Club Rojo de Katy en East St. Posteriormente trabajó en el circuito TOBA, y en 1925 ganó un concurso de talentos en el Booker T. Washington Theatre patrocinado por Okeh Records; como parte del premio recibió un contrato de grabación con la compañía. En noviembre de 1925, justo antes de su propia sesión para Okeh, hizo su debut discográfico con Creath's Jazz-O-Maniacs, tocando el violín y cantando en "Won't Don't Blues". Dos días después, grabó su primera sesión para Okeh, acompañado por el violinista De Louise Searcy y el pianista John Arnold, produciendo dos números "Mr. Johnson's Blues" y el éxito "Falling Rain Blues". También en los estudios Okeh grabó con Searcy y su hermano James, una sesión en la que los miembros del trío alternaban entre piano, guitarra y violín. Como músico de casa para Okeh, 1925-1929, Johnson cortó sesiones con una gran cantidad de artistas, así como numerosas grabaciones bajo su propio nombre. En agosto de 1927 participó en varias sesiones en Nueva York para Okeh, en las que debutó el cantante de blues Alger "Texas" Alexander, un cantante de blues de raza Texas que cantaba en un estilo formado por los gritos del campo y los cánticos de las bandas de presos.

En octubre de 1927, Johnson grabó con el pianista John Erby, cortando "6/88 Glide", un número originalmente inédito que, en los últimos años, ha recibido la atención de la crítica entre los estudiosos del jazz. Compuesto en forma de treinta y dos compases, demuestra la versatilidad que permitió a[Johnson] tocar blues, jazz o pop con la misma habilidad. Grabado en una época en la que la guitarra todavía se consideraba un instrumento novedoso, la grabación ilustraba las crecientes contribuciones de Johnson en el desarrollo sofisticado de la guitarra de jazz.

Dos meses después, en diciembre de 1927, Johnson apareció como artista invitado con Hot Five de Louis Armstrong. Junto con el banjoist Johnny St. Cyr, Johnson cortó cuatro lados con la banda incluyendo "Hotter Than That" de Lil Hardin y "Savoy Blues" de Kid Ory.

La creciente reputación musical de Johnson también llevó a la aparición de una grabación como invitado con la Duke Ellington Orchestra en octubre de 1928. Tocando la guitarra con cuerpo de acero en uno de los números de "estilo selva" de Ellington, "The Mooche", fue presentado en un dúo con la popular cantante de cabaret Baby Cox.

En octubre del mismo mes, hizo otra aparición como invitado en el estudio con los siete miembros-núcleo de los Mckinney Cotton Pickers. Bajo la dirección del arreglista y multi-instrumentista Don Redman, la banda grabó bajo el seudónimo de Chocolate Dandies, cortando cuatro números incluyendo "Stardust" y la composición de Redman "Puducah". En este último número Johnson toma dos solos de doce compases - sus líneas fluidas y figuras de dos cuerdas que se elevan enérgicamente por encima del acompañamiento de la trompa de fondo. Poco después, Johnson se unió al pianista Clarence Williams para apoyar a la cantante de blues nacida en Texas Victoria Spivey en una serie de números obscenos y sexualmente sugerentes como "Furniture Man Blues".

En 1929 Johnson apareció de nuevo como artista invitado con Louis Armstrong en un escenario orquestal ampliado. En la interpretación de Armstrong, el "Mahogany Hall Stomp" de Spencer Williams, una composición dedicada a uno de los lugares nocturnos más famosos de Nueva Orleans.

También en 1929 Johnson se asoció con el guitarrista Eddie Lang, nacido en Filadelfia, para grabar algunos de los dúos musicales más famosos de los años veinte. Rompiendo las barreras raciales de la época, los dos guitarristas - actuando en dúo y con Lang's Gin Bottle Four - formaron un estudio de colaboración que trajo el respeto mutuo entre los artistasLos dos guitarristas produjeron docenas de títulos incluyendo "Hot Fingers", "Two Tone Stomp" y "Handful of Riffs". En "Bullfog Moan", la guitarra de doce cuerdas de Johnson produjo curvas inquietantes y creó una interacción dinámica con las figuras de cuerdas abiertas y las líneas de bajo bien ejecutadas de Langs. No está claro si fue Johnson o Lang quien usó por primera vez una púa plana para intensificar sus solos de guitarra de una sola cuerda. Está claro, sin embargo, que Johnson introdujo la técnica de selección plana a otros guitarristas urbanos, y Lang hizo lo mismo con el jazz. El estilo de Johnson llegó tanto a los bluesistas de Delta como a los jugadores urbanos que adaptarían y desarrollarían sus solos de una sola cuerda en un estilo moderno de blues eléctrico.

Después de una gira con Bessie Smith y sus "Midnight Steppers" en 1929, se mudó a Chicago. Grabando para el estudio neoyorquino de Okeh, se presentó acompañado por músicos como el pianista James P. Johnson. En 1932 Johnson dejó el sello Okeh y se estableció en Cleveland, tocando intermitentemente con la banda del vocalista y cantante Putney Dandridge. Durante su estancia de siete años en Cleveland, a menudo tocaba en programas de radio transmitidos por WJAY y WHM.

En 1937 Johnson grabó con el pianista Roosevelt Sykes y tocó con Warren "Baby" Dodds en los Tres Deuces de Chicago. Después del trabajo de los Tres Deuces, Johnson formó su propio trío -dos guitarras y un bajo- y contrató espectáculos en la Plantation, The Gate y Boulevard Lounge. En 1937 y 1938 grabó para Decca y, en 1939, se unió a la talentosa formación del sello Blue Bird de Lester Melrose. Durante los siguientes cinco años, Johnson se convirtió en uno de los artistas más vendidos de Blue Bird, grabando treinta y cuatro temas que incluían los éxitos "He's a Jelly Roll Baker" y "In Love Again". A mediados de la década de 1940 tomó la guitarra eléctrica, transformando su sonido anterior.

A finales de la década de 1940, Johnson se instaló en Cincinnati y, tras unirse al sello King de Syd Nathan, con sede en Cincinnati, obtuvo su mayor éxito con "To-morrow Night" en 1948. Una balada, "Tomorrow Night", con su acompañamiento de tresillos de piano y exuberantes cantantes de fondo, se parecía poco a la mayoría del material de blues y jazz de Johnson. Aunque un disco de éxito mantuvo su nombre en el candelero, durante los años siguientes Johnson tuvo que trabajar ocasionalmente fuera de la música.

En 1952 Johnson se embarcó en una gira de once meses por Inglaterra. De vuelta en Estados Unidos se quedó brevemente en Cincinnati antes de mudarse a Filadelfia. Cuando se publicó The Country Blues de Samuel Charters en 1959, Johnson había caído en la oscuridad y se creía que vivía en Cincinnati. Ese mismo año, el crítico de jazz y disc-jockey Chris Albertson, nacido en Dinamarca, redescubrió a Johnson en Filadelfia. Durante su programa de radio, Albertson hizo una investigación sobre el paradero del legendario guitarrista. Poco después, recibió una llamada de un hombre que le informó que trabajaba como conserje con Johnson en el Hotel Benjamin Franklin de Filadelfia. Albertson luego grabó a Johnson en una sesión informal en su apartamento y envió la maqueta a Bob Weinstock del sello Prestige. Respaldado por un cuarteto, incluyendo saxofón, Johnson grabó el Prestige LP "Blues by Lonnie Johnson". Evocando un sentido del humor sobre los caprichos de su carrera, Johnson comentó, en las notas del disco, "He estado muerto cuatro o cinco veces. Pero siempre vuelvo". Al día siguiente de la sesión volvió a su trabajo de conserje en el Ben Franklin.

En 1960 y 1961, Johnson actuó en los conciertos del Ayuntamiento de la ciudad de Nueva York, y en 1963 viajó a Europa con el American Folk Blues Festival, una gira de estrellas que incluyó a Muddy Waters, Sonny Boy Williamson, Big Joe Williams, y la antigua asociada musical Victoria Spivey (con quien Johnson se había reunido para trabajar en la ciudad de Nueva York dos años antes). En Europa grabó con el pianista Otis Spann en Dinamarca y con el sello Fontana en Bremen, Alemania.

En 1965 Johnson estableció su residencia en Toronto, Canadá, y al año siguiente abrió su propio club nocturno, The Home of the Blues Club. A lo largo de la década grabó y tocó en clubes locales en Canadá, además de embarcarse en varias giras regionales. Mientras estaba mirando escaparates en una calle de Toronto en 1969, un coche saltó la acera y golpeó a Johnson. Este accidente, seguido de varios golpes, le obligó a limitar sus actividades musicales. Poco después de su última aparición en vivo con el bluesista Buddy Guy en el Massey Hall de Toronto, murió de un derrame cerebral el 16 de junio de 1970 a la edad de ochenta y un años.

Una figura inspiradora tanto para el blues como para el jazz, Johnson dejó una huella imborrable en la música moderna estadounidense. En el lapso de cuarenta años, hizo casi quinientas grabaciones. Su impacto en el blues se reflejó en los sentimientos de B.B. King, quien declaró, en Blues Guitar: "Pude ir a ver a uno de mis ídolos, Lonnie Johnson, y pude estrecharle la mano y darle las gracias. Porque él fue una de las personas que me hizo querer jugar". Tal vez el mejor tributo de Johnson, sin embargo, vino de Duke Ellington, quien declaró que sus memorias, Music Is My Mistress (La música es mi amante), "[Johnson] debe haber sido un buen hombre, porque sólo hablaba bien de otras personas, y nunca escuché a nadie hablar nada más que bien de él". Dios bendiga a Lonnie Johnson".
Biografía de John Cohassey
Fuente: John Cohassey
https://musicians.allaboutjazz.com/lonniejohnson

 

Beverly Guitar Watkins • Back in Business

Beverly "Guitar" Watkins (nacida en 1940, en Atlanta, Georgia) es una guitarrista americana de blues. Sandra Pointer-Jones escribe: "Beverly Watkins es un experta en la guitarra pirotécnica, su manera de tocar la guitarra se ha convertido en cuentos alegóricos dentro de la comunidad blues". George Varga, escuchando de su CD debut, señaló que "canta y toca con aplomo y entusiasmo suficiente como para que los músicos no tengan en cuenta la edad que tiene y se empleen con toda su energía”.

Cuando tenía aproximadamente 12 años, su familia se mudó a Commerce, Georgia. Comenzó a tocar música en el colegio, y luego en la escuela secundaria tocaba el bajo en una banda llamada Billy West Stone and the Down Beats. Aproximadamente en 1959, su primer año de escuela secundaria, fue presentada a Piano Red, que tenía un programa de radio diario en la WAOK, y posteriormente se unió a Piano Red and the Houserockers, con quienes actuó en varias ciudades del área de Atlanta y a continuación, en clubes de Atlanta como el salón Magnolia y el Casino, antes de comenzar la gira por el sureste, principalmente en las universidades. Con el tiempo, el grupo cambió su nombre por Piano Red and the Houserockers y entonces comenzó a viajar a nivel nacional.

El grupo tuvo dos singles de gran éxito: "Dr. Feelgood" y " Right String But The Wrong Yo-Yo ". Después de la grabación "Dr. Feelgood", el grupo fue conocido también como Piano Red & The Interns, Dr. Feelgood & The Interns, y Dr. Feelgood, The Interns and The Nurse. En el grupo también estaba Roy Lee Johnson (autor de "Mr. Moonlight", más tarde grabada por The Beatles).

Después de la desintegración de la banda, aproximadamente el 1965, Watkins tocó con Eddie Tigner and the Ink Spots, Joseph Smith and the Fendales, y luego con Redding and the Houserockers hasta finales de 1980. Posteriormente se fue a Atlanta, deambulando en el Underground Atlanta.

Watkins, no sólo tiene una carrera musical larga y continua, sino que también ha trabajado con artistas como James Brown, BB King y Ray Charles, y ha sido bien conocida dentro de la comunidad de blues durante muchos años. Sin embargo, al igual que le ocurrió a muchos artistas de música con raíces, tanto blancos como negros, le resultó difícil ser reconocida en la radio y alcanzó renombre al final de su carrera, después de que la llegada de Internet hiciera posible que los músicos que no están respaldados por los principales sellos discográficos lleguen a ser escuchados por un público más amplio. Así que Watkins fue re-descubierta por Music Maker Relief Foundation, de Tim Duffy, quien la incluyó en sus shows, y en 1998 fue parte del Tour de la Banda AllStars "Women of the Blues 'Hot Mamas'" junto a Koko Taylor y Rory Block. Su Cd debut de 1999 Back in Business, la devolvió a la escena musical y obtuvo una nominación al premio WC Handy en 2000.

Watkins ha estado actuando a nivel internacional (por ejemplo, el escenario principal en el Festival de blues de Ottawa en 2004) y también en su ciudad natal de Atlanta. Quedó un tiempo apartada de los escenarios por una cirugía en 2005, de la que se recuperó. Realizó una actuación en el “2008 Cognac Blue Festival”.

 

Nota: Beverly falleció 1 de octubre de 2019 (edad 80 años), en Atlanta, Georgia, Estados Unidos. 

Beverly "Guitar" Watkins (born c. 1939, Atlanta, Georgia) is an American black female blues guitarist. Sandra Pointer-Jones writes, "Beverly Watkins is a pyrotechnic guitar maven whose searing, ballistic attacks on the guitar have become allegorical tales within the blues community." George Varga, reviewing her debut CD, observed that Watkins “sings and plays with enough poise and verve to make musicians half her age or younger consider alternative means of employment.”

When Watkins was approximately 12 years old, her family moved to Commerce, Georgia. She began playing music as a schoolchild, and then in high-school played bass for a band called Billy West Stone and the Down Beats. In approximately 1959, her junior year of high school, she was introduced to Piano Red, who had a daily radio show on WAOK, and she subsequently joined Piano Red and the Meter-tones, who played in a number of towns in the Atlanta area, and then Atlanta clubs such as the Magnolia Ballroom and the Casino, before starting to tour throughout the southeast, primarily at colleges. About the time the group renamed itself Piano Red and the Houserockers, they started touring nationally.

The group had two successful singles: "Dr. Feelgood" and "Right String But The Wrong Yo-Yo". After recording "Dr. Feelgood" the group was known variously as Piano Red & The Interns, Dr. Feelgood & The Interns, and Dr. Feelgood, The Interns, and The Nurse. The group also included Roy Lee Johnson (composer of "Mr. Moonlight", later recorded by The Beatles).

After the breakup of the band in approximately 1965, Watkins played with Eddie Tigner and the Ink Spots, Joseph Smith and the Fendales, and then with Leroy Redding and the Houserockers until the late 1980s. Subsequently she has been based in Atlanta, a well-known fixture at the Underground Atlanta.

Watkins, who not only had a long and continuous musical career, but worked with artists like James Brown, B.B. King and Ray Charles, was well known for years within the blues community. However, like many roots musicians, she found it difficult to crack the airwaves and would achieve recognition much later in her career, after the advent of the Internet made it possible for musicians not backed by major labels to be heard by a wider audience. She was re-discovered by Music Maker Relief Foundation founder Tim Duffy, who started booking her in package shows, and in 1998, with Koko Taylor and Rory Block, was part of the all-star Women of the Blues “Hot Mamas” tour. Her 1999 CD debut, Back in Business, earned a W. C. Handy Award nomination in 2000.

Watkins was playing internationally (for example, the Main Stage at the Ottawa Blues Fest in 2004) as well as in her hometown Atlanta until temporarily sidelined by surgery in 2005, but is recovered and taking bookings. She performed a set at the 2008 Cognac Blue Festival.

 

Note: Beverly passed away on October 1, 2019 (at age 80), in Atlanta, Georgia, United States.

 

Big Bill Broonzy • An Evening With Big Bill Broonzy

 

 

Biography by Uncle Dave Lewis
Big Bill Broonzy was born William Lee Conley Broonzy in the tiny town of Scott, Mississippi, just across the river from Arkansas. During his childhood, Broonzy's family -- itinerant sharecroppers and the descendants of ex-slaves -- moved to Pine Bluff to work the fields there. Broonzy learned to play a cigar box fiddle from his uncle, and as a teenager, he played violin in local churches, at community dances, and in a country string band. During World War I, Broonzy enlisted in the U.S. Army, and in 1920, he moved to Chicago and worked in the factories for several years. In 1924, he met Papa Charlie Jackson, a New Orleans native and pioneer blues recording artist for Paramount. Jackson took Broonzy under his wing, taught him guitar, and used him as an accompanist. Broonzy's entire first session at Paramount in 1926 was rejected, but he returned in November 1927 and succeeded in getting his first record, House Rent Stomp, onto Paramount wax. As one of his early records came out with the garbled moniker of Big Bill Broomsley, he decided to shorten his recording name to Big Bill, and this served as his handle on records until after the second World War. Among aliases used for Big Bill on his early releases were Big Bill Johnson, Sammy Sampson, and Slim Hunter.

In 1930, the Hokum Boys broke up, and Georgia Tom Dorsey decided to keep the act going by bringing in Big Bill and guitarist Frank Brasswell to replace Tampa Red, billing themselves as "the Famous Hokum Boys." With Georgia Tom and Brasswell, Broonzy hit his stride and penned his first great blues original, "I Can't Be Satisfied." This was a hit and helped make his name with record companies. Although only half-a-dozen blues artists made any records during 1932, the worst year in the 20th century for the record business, one of them was Big Bill, who made 20 issued sides that year.

Through Georgia Tom and Tampa Red, Big Bill met Memphis Minnie and toured as her second guitarist in the early '30s, but apparently did not record with her. When he did resume recording in March 1934, it was for Bluebird's newly established Chicago studio under the direction of Lester Melrose. Melrose liked Broonzy's style, and before long, Big Bill would begin working as Melrose's unofficial second-in-command, auditioning artists, matching numbers to performers, booking sessions, and providing backup support to other musicians. He played on literally hundreds of records for Bluebird in the late '30s and into the '40s, including those made by his half-brother, Washboard Sam, Peter Chatman (aka Memphis Slim), John Lee "Sonny Boy" Williamson, and others. With Melrose, Broonzy helped develop the "Bluebird beat," connoting a type of popular blues record that incorporated trap drums and upright string bass. This was the precursor of the "Maxwell Street sound" or "postwar Chicago blues," and helped to redefine the music in a format that would prove popular in the cities. Ironically, while Broonzy was doing all this work for Melrose at Bluebird, his own recordings as singer were primarily made for ARC, and later Columbia's subsidiary Okeh. This was his greatest period, and during this time Broonzy wrote and recorded such songs as "Key to the Highway," "W.P.A. Blues," "All by Myself," and "Unemployment Stomp." For other artists, Broonzy wrote songs such as "Diggin' My Potatoes." All told, Big Bill Broonzy had a hand in creating more than 100 original songs.

When promoter John Hammond sought a traditional blues singer to perform at one of his Spirituals to Swing concerts held at Carnegie Hall in New York City, he was looking for Robert Johnson to foot the bill. Hammond learned that Johnson had recently died, and as a result, Big Bill got the nod to appear at Carnegie Hall on February 5, 1939. This appearance was very well received, and earned Broonzy a role in George Seldes' 1939 film Swingin' the Dream alongside Louis Armstrong and Benny Goodman. In the early '40s, Big Bill appeared at the Café Society, the Village Vanguard, and the Apollo Theater, in addition to touring with Lil Greenwood, all of which kept Big Bill busy during the AFM recording ban. By the mid- to late '40s, the operation in Chicago with Melrose had finally begun to wind down, just as electric blues started to heat up. Big Bill continued to record for labels ranging from majors Columbia and Mercury to fly-by-nights such as Hub and RPM. In 1949, Broonzy decided to take some time off from music and got a job working as a janitor at the Iowa State University of Science & Technology in Ames.

In 1951, Broonzy was sought out by DJ and writer Studs Terkel and appeared in the latter's concert series I Come for to Sing. Suddenly, Broonzy started to get a lot of press attention, and by September of that year, he was in Paris recording for French Vogue. On this occasion, Broonzy was finally able to wax his tune "Black, Brown and White," a song about race relations that had been in his book for years, but every record company he had ever sung it for had turned it down. In Europe, Broonzy proved incredibly popular, more so than at any time in the United States. Two separate documentary films were made on his life, in France and Belgium, respectively, and from 1951 until ill health finally put him out of the running in the fall of 1957, Broonzy nearly doubled his own 1927-1949 output in terms of new recordings.

Broonzy updated his act by adding traditional folk songs to his set, along the lines of what Josh White and Leadbelly had done in then-recent times. While this was met with scrutiny by blues purists, Broonzy was always about popularizing blues, and he was the main pioneer in the entrepreneurial spirit as it applied to the field. His songwriting, producing, and work as a go-between with Lester Melrose is exactly the sort of thing that Willie Dixon would do with Chess in the '50s. This was the part of his career that Broonzy himself valued most highly, and his latter-day fame and popularity were a just reward for a life spent working on behalf of his given discipline and fellow musicians. It would be a short reward, though; just about the time the autobiography he had written with Yannick Bruynoghe, Big Bill Blues, appeared in 1955, he learned he had throat cancer. Big Bill Broonzy died at age 65 in August, 1958, and left a recorded legacy which at the time, in sheer size and depth, well exceeded that of any blues artist born on his side of the year 1900.
https://www.allmusic.com/artist/mn0000757873#biography

 

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Biografía del tío Dave Lewis
Big Bill Broonzy nació William Lee Conley Broonzy en la pequeña ciudad de Scott, Mississippi, al otro lado del río desde Arkansas. Durante su infancia, la familia de Broonzy , aparceros itinerantes y descendientes de ex esclavos, se mudó a Pine Bluff para trabajar los campos allí. Broonzy aprendió a tocar el violín de caja de cigarros de su tío y, cuando era adolescente, tocaba el violín en iglesias locales, en bailes comunitarios y en una banda de cuerdas country. Durante la Primera Guerra Mundial, Broonzy se alistó en el Ejército de los EE. UU. y, en 1920, se mudó a Chicago y trabajó en las fábricas durante varios años. En 1924, conoció a Papa Charlie Jackson, nativo de Nueva Orleans y pionero de la grabación de blues para Paramount. Jackson tomó a Broonzy bajo su protección, le enseñó guitarra y lo usó como acompañante. Toda la primera sesión de Broonzy en Paramount en 1926 fue rechazada, pero regresó en noviembre de 1927 y logró que su primer disco, House Rent Stomp, llegara a Paramount wax. Cuando uno de sus primeros discos salió con el apodo confuso de Big Bill Broomsley, decidió acortar su nombre de grabación a Big Bill, y esto sirvió como su nombre en los discos hasta después de la Segunda Guerra Mundial. Entre los alias utilizados para Big Bill en sus primeros lanzamientos se encontraban Big Bill Johnson, Sammy Sampson y Slim Hunter.

En 1930, los Hokum Boys se separaron, y Georgia Tom Dorsey decidió mantener el acto en marcha trayendo a Big Bill y al guitarrista Frank Brasswell para reemplazar a Tampa Red, presentándose a sí mismos como "los Famosos Hokum Boys."Con Georgia Tom y Brasswell, Broonzy dio un gran paso y escribió su primer gran blues original:' No puedo estar Satisfecho."Este fue un éxito y ayudó a hacerse un nombre con las compañías discográficas. Aunque solo media docena de artistas de blues grabaron discos durante 1932, el peor año del siglo XX para el negocio discográfico, uno de ellos fue Big Bill, quien hizo 20 lados emitidos ese año.

A través de Georgia Tom y Tampa Red, Big Bill conoció a Memphis Minnie y realizó una gira como su segundo guitarrista a principios de los 30, pero aparentemente no grabó con ella. Cuando reanudó la grabación en marzo de 1934, fue para el recién establecido estudio de Chicago de Bluebird bajo la dirección de Lester Melrose. A Melrose le gustaba el estilo de Broonzy y, en poco tiempo, Big Bill comenzaría a trabajar como segundo al mando no oficial de Melrose, audicionando artistas, haciendo coincidir números con artistas, reservando sesiones y brindando apoyo de respaldo a otros músicos. Tocó literalmente en cientos de discos para Bluebird a fines de los 30 y hasta los 40, incluidos los de su medio hermano, Washboard Sam, Peter Chatman (también conocido como Memphis Slim), John Lee "Sonny Boy" Williamson y otros. Con Melrose, Broonzy ayudó a desarrollar el "Bluebird beat", connotando un tipo de disco de blues popular que incorporaba tambores trap y contrabajo vertical. Este fue el precursor del" sonido Maxwell Street "o" blues de Chicago de la posguerra", y ayudó a redefinir la música en un formato que resultaría popular en las ciudades. Irónicamente, mientras Broonzy hacía todo este trabajo para Melrose en Bluebird, sus propias grabaciones como cantante se hicieron principalmente para ARC, y más tarde para Okeh, subsidiaria de Columbia. Este fue su mejor período, y durante este tiempo Broonzy escribió y grabó canciones como "Key to the Highway", "WPA Blues", "All by Myself" y "Unemployment Stomp". Para otros artistas, Broonzy escribió canciones como "Diggin' My Potatoes."En total, Big Bill Broonzy participó en la creación de más de 100 canciones originales.

Cuando el promotor John Hammond buscó a un cantante de blues tradicional para que actuara en uno de sus conciertos Spirituals to Swing celebrados en el Carnegie Hall de la ciudad de Nueva York, buscaba a Robert Johnson para que pagara la factura. Hammond se enteró de que Johnson había muerto recientemente y, como resultado, Big Bill recibió el visto bueno para presentarse en el Carnegie Hall el 5 de febrero de 1939. Esta aparición fue muy bien recibida y le valió a Broonzy un papel en la película de George Seldes de 1939 Swingin ' the Dream junto a Louis Armstrong y Benny Goodman. A principios de los 40, Big Bill apareció en Café Society, Village Vanguard y Apollo Theatre, además de hacer giras con Lil Greenwood, todo lo cual mantuvo ocupado a Big Bill durante la prohibición de la grabación de AFM. A mediados y finales de los 40, la operación en Chicago con Melrose finalmente había comenzado a disminuir, justo cuando el blues eléctrico comenzó a calentarse. Big Bill continuó grabando para sellos que iban desde las grandes Columbia y Mercury hasta fly-by-nights como Hub y RPM. En 1949, Broonzy decidió tomarse un tiempo libre de la música y consiguió un trabajo como conserje en la Universidad Estatal de Ciencia y Tecnología de Iowa en Ames.

En 1951, Broonzy fue buscado por el DJ y escritor Studs Terkel y apareció en la serie de conciertos de este último I Come for to Sing. De repente, Broonzy comenzó a llamar mucho la atención de la prensa y, en septiembre de ese año, estaba en París grabando para Vogue francés. En esta ocasión, Broonzy finalmente pudo encerar su melodía "Black, Brown and White", una canción sobre las relaciones raciales que había estado en su libro durante años, pero que todas las compañías discográficas para las que la había cantado la habían rechazado. En Europa, Broonzy resultó increíblemente popular, más que en cualquier otro momento en los Estados Unidos. Se hicieron dos documentales separados sobre su vida, en Francia y Bélgica, respectivamente, y desde 1951 hasta que la mala salud finalmente lo dejó fuera de la carrera en el otoño de 1957, Broonzy casi duplicó su propia producción de 1927-1949 en términos de nuevas grabaciones.

Broonzy actualizó su actuación agregando canciones folclóricas tradicionales a su set, en la línea de lo que Josh White y Leadbelly habían hecho en los últimos tiempos. Si bien esto fue recibido con escrutinio por los puristas del blues, Broonzy siempre trató de popularizar el blues, y fue el principal pionero en el espíritu empresarial aplicado al campo. Su composición, producción y trabajo como intermediario con Lester Melrose es exactamente el tipo de cosas que Willie Dixon haría con el Ajedrez en los años 50. Esta fue la parte de su carrera que el propio Broonzy valoró más, y su fama y popularidad de los últimos días fueron una recompensa justa por una vida dedicada a trabajar en nombre de su disciplina dada y de sus compañeros músicos. Sin embargo, sería una recompensa corta; justo cuando apareció la autobiografía que había escrito con Yannick Bruynoghe, Big Bill Blues, en 1955, se enteró de que tenía cáncer de garganta. Big Bill Broonzy murió a los 65 años en agosto de 1958 y dejó un legado grabado que en ese momento, en tamaño y profundidad, superaba con creces el de cualquier artista de blues nacido de su lado en el año 1900.
https://www.allmusic.com/artist/mn0000757873#biography

T-Bone Walker • 1942-1947 / 1950-1956

 

Little Milton • Sings Big Blues

 

Artist Biography by Steve Huey

He may not be a household name, but die-hard blues fans know Little Milton as a superb all-around electric bluesman -- a soulful singer, an evocative guitarist, an accomplished songwriter, and a skillful bandleader. He's often compared to the legendary B.B. King -- as well as Bobby "Blue" Bland -- for the way his signature style combines soul, blues, and R&B, a mixture that helped make him one of the biggest-selling bluesmen of the '60s (even if he's not as well-remembered as King). As time progressed, his music grew more and more orchestrated, with strings and horns galore. He maintained a steadily active recording career all the way from his 1953 debut on Sam Phillips' legendary Sun label, with his stunning longevity including notable stints at Chess (where he found his greatest commercial success), Stax, and Malaco.

James Milton Campbell was born September 7, 1934, in the small Delta town of Inverness, MS, and grew up in Greenville. (He would later legally drop the "James" after learning of a half-brother with the same name.) His father Big Milton, a farmer, was a local blues musician, and Milton also grew up listening to the Grand Ole Opry radio program. At age 12, he began playing the guitar and saved up money from odd jobs to buy his own instrument from a mail-order catalog. By 15, he was performing for pay in local clubs and bars, influenced chiefly by T-Bone Walker but also by proto-rock & roll jump blues shouters. He made a substantial impression on other area musicians, even getting a chance to back Sonny Boy Williamson II, and caught the attention of R&B great Ike Turner, who was doubling as a talent scout for Sam Phillips at Sun. Turner introduced the still-teenaged Little Milton to Phillips, who signed him to a contract in 1953. With Turner's band backing him, Milton's Sun sides tried a little bit of everything -- he hadn't developed a signature style as of yet, but he did have a boundless youthful energy that made these early recordings some of his most exciting and rewarding. Unfortunately, none of them were hits, and Milton's association with Sun was over by the end of 1954. He set about forming his own band, which waxed one single for the small Meteor label in 1957, before picking up and moving to St. Louis in 1958.

In St. Louis, Milton befriended DJ Bob Lyons, who helped him record a demo in a bid to land a deal on Mercury. The label passed, and the two set up their own label, christened Bobbin. Little Milton's Bobbin singles finally started to attract some more widespread attention, particularly "I'm a Lonely Man," which sold 60,000 copies despite being the very first release on a small label. As head of A&R, Milton brought artists like Albert King and Fontella Bass into the Bobbin fold, and with such a high roster caliber, the label soon struck a distribution arrangement with the legendary Chess Records. Milton himself switched over to the Chess subsidiary Checker in 1961, and it was there that he would settle on his trademark soul-inflected, B.B. King-influenced style. Initially a moderate success, Milton had his big breakthrough with 1965's "We're Gonna Make It," which hit number one on the R&B charts thanks to its resonance with the civil rights movement. "We're Gonna Make It" kicked off a successful string of R&B chart singles that occasionally reached the Top Ten, highlighted by "Who's Cheating Who?," "Grits Ain't Groceries," "If Walls Could Talk," "Baby I Love You," and "Feel So Bad," among others.

The death of Leonard Chess in 1969 threw his label into disarray, and Little Milton eventually left Checker in 1971 and signed with the Memphis-based soul label Stax (also the home of his former protégé Albert King). At Stax, Milton began expanding his studio sound, adding bigger horn and string sections and spotlighting his soulful vocals more than traditional blues. Further hits followed in songs like "Annie Mae's Cafe," "Little Bluebird," "That's What Love Will Make You Do," and "Walkin' the Back Streets and Cryin'," but generally not with the same magnitude of old. Stax went bankrupt in 1975, upon which point Little Milton moved to the TK/Glades label, which was better known for its funk and disco acts. His recordings there were full-blown crossover affairs, which made "Friend of Mine" a minor success, but that label soon went out of business as well. Milton spent some time in limbo; he recorded one album for MCA in 1983 called Age Ain't Nothin' But a Number, and the following year found a home with Malaco, which sustained the careers of quite a few old-school Southern soul and blues artists. During his tenure at Malaco, Milton debuted the song that would become his latter-day anthem, the bar band staple "The Blues Is Alright," which was also widely popular with European blues fans. Milton recorded frequently and steadily for Malaco, issuing 13 albums under their aegis by the end of the millennium. In 1988, he won the W.C. Handy Award for Blues Entertainer of the Year, and was also inducted into the Blues Hall of Fame.

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Biografía del artista por Steve Huey

Puede que no sea un nombre muy conocido, pero los fanáticos del blues conocen al pequeño Milton como un magnífico bluesista eléctrico, un cantante lleno de sentimiento, un guitarrista evocador, un compositor consumado y un hábil director de banda. A menudo se le compara con el legendario B.B. King - así como con Bobby "Blue" Bland - por la forma en que su estilo característico combina el soul, el blues y el R&B, una mezcla que ayudó a convertirlo en uno de los bluesmen más vendidos de los años 60 (aunque no sea tan recordado como King). Con el paso del tiempo, su música creció más y más orquestada, con cuerdas y trompetas en abundancia. Mantuvo una carrera discográfica constantemente activa desde su debut en 1953 con el legendario sello Sun de Sam Phillips, con una longevidad asombrosa que incluyó periodos notables en Chess (donde encontró su mayor éxito comercial), Stax y Malaco.

James Milton Campbell nació el 7 de septiembre de 1934 en la pequeña ciudad del Delta de Inverness, MS, y creció en Greenville. (Más tarde dejaría legalmente el "James" después de enterarse de un medio hermano con el mismo nombre). Su padre Big Milton, un granjero, era un músico de blues local, y Milton también creció escuchando el programa de radio Grand Ole Opry. A los 12 años, empezó a tocar la guitarra y ahorró dinero de trabajos ocasionales para comprar su propio instrumento de un catálogo de venta por correo. A los 15 años, actuaba de forma remunerada en clubes y bares locales, influenciado principalmente por T-Bone Walker pero también por gritones de proto-rock & roll jump blues. Causó una gran impresión en otros músicos de la zona, incluso tuvo la oportunidad de apoyar a Sonny Boy Williamson II, y llamó la atención del gran Ike Turner del R&B, que estaba haciendo de cazatalentos para Sam Phillips en el Sun. Turner presentó a Phillips al todavía adolescente Little Milton, quien le firmó un contrato en 1953. Con el apoyo de la banda de Turner, los equipos de Milton en el Sun probaron un poco de todo - todavía no había desarrollado un estilo propio, pero tenía una energía juvenil sin límites que hizo de estas primeras grabaciones unas de las más emocionantes y gratificantes. Desafortunadamente, ninguna de ellas fue un éxito, y la asociación de Milton con Sun terminó a finales de 1954. Empezó a formar su propia banda, que grabó un single para la pequeña discográfica Meteor en 1957, antes de recogerlo y mudarse a St. Louis en 1958.

En St. Louis, Milton se hizo amigo del DJ Bob Lyons, quien le ayudó a grabar una demo en un intento de conseguir un trato en Mercury. El sello pasó, y los dos crearon su propio sello, bautizado como Bobbin. Los sencillos de Bobbin de Little Milton finalmente comenzaron a atraer una mayor atención, en particular "I'm a Lonely Man", que vendió 60.000 copias a pesar de ser el primer lanzamiento en un sello pequeño. Como director de A&R, Milton incorporó a artistas como Albert King y Fontella Bass al grupo Bobbin, y con una lista de tan alto calibre, el sello pronto llegó a un acuerdo de distribución con la legendaria Chess Records. El propio Milton se pasó a la filial de Chess, Checker, en 1961, y fue allí donde se asentó en su estilo característico de influencia soul, B.B. King. Inicialmente un éxito moderado, Milton tuvo su gran avance con "We're Gonna Make It" de 1965, que alcanzó el número uno en las listas de R&B gracias a su resonancia con el movimiento de derechos civiles. "We're Gonna Make It" dio inicio a una exitosa serie de sencillos de las listas de R&B que ocasionalmente llegaron al Top Ten, destacando "Who's Cheating Who?", "Grits Ain't Groceries", "If Walls Could Talk", "Baby I Love You" y "Feel So Bad", entre otros.

La muerte de Leonard Chess en 1969 desbarató su sello, y el pequeño Milton dejó finalmente Checker en 1971 y firmó con el sello de soul Stax, con sede en Memphis (también el hogar de su antiguo protegido Albert King). En Stax, Milton comenzó a expandir su sonido de estudio, añadiendo secciones de cuerdas y trompetas más grandes y destacando su voz soul más que el blues tradicional. Siguieron otros éxitos en canciones como "Annie Mae's Cafe", "Little Bluebird", "That's What Love Will Make You Do" y "Walkin' the Back Streets and Cryin'", pero generalmente no con la misma magnitud de antaño. Stax quebró en 1975, momento en el que Little Milton pasó a la discográfica TK/Glades, más conocida por sus actuaciones de funk y disco. Sus grabaciones allí fueron un auténtico crossover, lo que hizo de "Friend of Mine" un éxito menor, pero esa discográfica pronto quebró también. Milton pasó algún tiempo en el limbo; grabó un álbum para MCA en 1983 llamado Age Ain't Nothin' But a Number, y al año siguiente encontró un hogar con Malaco, que sostuvo las carreras de bastantes artistas de soul y blues de la vieja escuela sureña. Durante su estancia en Malaco, Milton debutó con la canción que se convertiría en su himno de los últimos días, la banda de bar "The Blues Is Alright", que también fue muy popular entre los fans europeos del blues. Milton grabó con frecuencia y de forma constante para Malaco, publicando 13 álbumes bajo su égida a finales del milenio. En 1988,  ganó el premio W.C. Handy al Artista de Blues del Año, y también fue admitido en el Salón de la Fama del Blues.