Two CD set containing the complete recordings of Herbie Mann with Chick
Corea, consisting of the three complete albums Monday Night at the
Village Gate, Standing Ovation at Newport and Latin Mann: Afro to Bossa
to Blues (all recorded in 1965), plus all seven of the tracks from the
album The Roar of the Greasepaint the Smell of the Crowd in which both
musicians are present.
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Juego de dos CDs que contiene las grabaciones completas de Herbie Mann con Chick Corea, consistentes en los tres álbumes completos Monday Night at the Village Gate, Standing Ovation at Newport y Latin Mann: Afro to Bossa to Blues (todos ellos grabados en 1965), más los siete temas del álbum The Roar of the Greasepaint the Smell of the Crowd en los que están presentes ambos músicos.
A distinctive, girlish voice and crisp, impeccable delivery, plus an irrepressible sense of playful swing, made Blossom Dearie one of the most enjoyable singers of the vocal era. Her warmth and sparkle ensured that she'd never treat standards as the well-worn songs they often appeared in less capable hands. And though her reputation was made on record with a string of excellent albums for Verve during the '50s, she remained a draw with Manhattan cabaret audiences long into the new millennium.
Actually born with the name Blossom Dearie in the New York Catskills, she began playing piano at an early age and studied classical music before making the switch to jazz while in high school. After graduation, she moved to New York and began appearing with vocal groups like the Blue Flames (attached to Woody Herman) and the Blue Reys (with Alvino Rey). She also played cocktail piano around the city, and moved to Paris in 1952 to form her own group, the Blue Stars of France. Dearie also appeared in a nightclub act with Annie Ross, and made a short, uncredited appearance on King Pleasure's vocalese classic, "Moody's Mood for Love." She recorded an obscure album of piano solos, and in 1954, the Blue Stars hit the national charts with a French version of "Lullaby of Birdland."
After hearing Dearie perform in Paris in 1956, Norman Granz signed her to Verve and she returned to America by the end of the year. Her eponymous debut for Verve featured a set of standards that slanted traditional pop back to its roots in Tin Pan Alley, Broadway, and cabaret. Her focus on intimate readings of standards ("Deed I Do," "Thou Swell") and the relaxed trio setting (bassist Ray Brown and drummer Jo Jones, plus Dearie on piano) drew nods to her cabaret background.
My Gentleman Friend
On her next few records, Dearie stuck to her focus on standards and small groups, though her gift for songwriting emerged as well with songs like "Blossom's Blues." She performed in solo settings at supper clubs all over New York, and appeared on the more cultured of the late-'50s New York talk shows. Her husband, flutist Bobby Jaspar, made several appearances on her records, notably 1959's My Gentleman Friend. After a recording break in the early '60s, Blossom Dearie signed to Capitol for one album (1964's May I Come In?), but then recorded sparingly during the rest of the decade.
Finally, in the early '70s, she formed her own Daffodil Records label and began releasing her own work, including 1974's Blossom Dearie Sings and 1976's My New Celebrity Is You. She also performed at Carnegie Hall with Anita O'Day and Joe Williams, billed as the Jazz Singers. She continued to perform and record during the 1980s through to the early 2000s, centered mostly in New York but also a regular attraction in London as well. She retired from playing live in 2006 due to health concerns and died quietly in her Greenwich Village apartment on February 7, 2009.
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Biografía del artista por John Bush
Blossom Dearie, una voz distintiva y juvenil con una transmisión impecable e impecable, más un sentido irreprimible de swing juguetón, hizo de Blossom Dearie una de las cantantes más agradables de la era vocal. Su calidez y brillo le aseguraron que nunca trataría los estándares como las canciones gastadas que a menudo aparecían en manos menos capaces. Y aunque su reputación se hizo oficial con una serie de excelentes álbumes para Verve durante los años 50, siguió siendo una atracción para el público del cabaret de Manhattan hasta el nuevo milenio.
Nacida en realidad con el nombre de Blossom Dearie en los New York Catskills, comenzó a tocar el piano a temprana edad y estudió música clásica antes de cambiar al jazz cuando estaba en la escuela secundaria. Después de graduarse, se mudó a Nueva York y comenzó a aparecer con grupos vocales como Blue Flames (asociada a Woody Herman) y Blue Reys (con Alvino Rey). También tocó el piano de cóctel en la ciudad y se mudó a París en 1952 para formar su propio grupo, las Estrellas Azules de Francia. Dearie también apareció en un acto de club nocturno con Annie Ross, e hizo una breve aparición sin acreditar en el clásico vocalese de King Pleasure, "Moody's Mood for Love". Grabó un oscuro álbum de solos para piano, y en 1954, las Estrellas Azules llegaron a las listas nacionales con una versión francesa de "Canción de cuna de Birdland".
Después de escuchar a Dearie actuar en París en 1956, Norman Granz la contrató en Verve y regresó a Estados Unidos a finales de año. Su debut homónimo para Verve presentó un conjunto de estándares que desviaron el pop tradicional hasta sus raíces en Tin Pan Alley, Broadway y cabaret. Su enfoque en las lecturas íntimas de los estándares ("Deed I Do", "Thou Swell") y el ambiente relajado del trío (el bajista Ray Brown y el baterista Jo Jones, además de Dearie en el piano) atrajeron su fondo de cabaret.
Mi amigo caballero
En sus próximos discos, Dearie se concentró en los grupos pequeños y en los estándares, aunque su don para la composición de canciones también surgió con canciones como "Blossom's Blues". Actuó como solista en clubes de cenas en todo Nueva York, y apareció en los programas de entrevistas de Nueva York a finales de los cincuenta. Su esposo, el flautista Bobby Jaspar, hizo varias apariciones en sus discos, especialmente en 1959's My Gentleman Friend. Después de una pausa en la grabación a principios de los años 60, Blossom Dearie firmó con Capitol para un álbum (¿Puedo entrar en 1964?), Pero luego grabó con moderación durante el resto de la década.
Finalmente, a principios de la década de los 70, formó su propio sello Daffodil Records y comenzó a lanzar su propio trabajo, incluyendo Blossom Dearie Sings de 1974 y My New Celebrity Is You de 1976. También actuó en el Carnegie Hall con Anita O'Day y Joe Williams, catalogados como los Jazz Singers. Continuó tocando y grabando desde la década de 1980 hasta principios de la década de 2000, centrada principalmente en Nueva York, pero también en una atracción habitual en Londres. Se retiró de tocar en vivo en 2006 debido a problemas de salud y murió en silencio en su apartamento de Greenwich Village el 7 de febrero de 2009.
Blossom Dearie, Ed Thigpen, Kenny Burrell, Ray Brown.
This is a typically excellent recording from the husband-wife team of tenor saxophonist Stanley Turrentine and organist Shirley Scott. With assistance from guitarist Kenny Burrell, bassist Bob Cranshaw, and drummer Otis Finch, Turrentine (who always had the skill of playing melodies fairly straight but with his own brand of soul) and Scott dig into "Love Letters," Lloyd Price's "Trouble," "Something Happens to Me," a couple of basic originals, and "Goin' Home." The Turrentine-Scott team never made an unworthy disc; all are easily recommended, including this one.
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Revisión por Scott Yanow
Esta es una grabación típicamente excelente del equipo de marido y esposa del saxofonista tenor Stanley Turrentine y la organista Shirley Scott. Con la ayuda del guitarrista Kenny Burrell, el bajista Bob Cranshaw, y el baterista Otis Finch, Turrentine (quien siempre tuvo la habilidad de tocar melodías bastante claras pero con su propia marca de soul) y Scott se suman a "Love Letters," Lloyd Price's "Trouble, "" Algo me pasa ", un par de originales básicos y" Goin 'Home ". El equipo de Turrentine-Scott nunca hizo un disco indigno; Todos son fácilmente recomendables, incluido este.
Pianist and composer Ramsey Lewis has been a major figure in
contemporary jazz since the late '50s, playing music with a warm, open
personality that's allowed him to cross over to the pop and R&B
charts.Lewis was born in Chicago, Illinois on May 27, 1935, and was
introduced to music by his father, who directed the choir at a local
church and enjoyed the music of Duke Ellington and Art Tatum.Lewis
began studying the piano when he was four years old, and was soon
accompanying the choir at Sunday services.At the age of 15, he joined a
jazz combo called the Cleffs, who played at parties and dances.Lewis
was interested in a leaner, more bebop-oriented sound, and when the
group splintered after several members joined the military, he formed
the Ramsey Lewis Trio with two other former Cleffs, bassist Eldee Young
and percussionist Redd Holt.The trio became a fixture on the Chicago
jazz scene, and they were signed to a deal with Chess Records, releasing
their first album, Ramsey Lewis & His Gentlemen of Jazz, in 1956.
Lewis and his trio continued to record and tour steadily over the years,
building a sizable audience among jazz fans, but their career received a
serious boost in 1965, when they recorded a swinging version of Dobie
Gray's hit "The In Crowd" at a gig in Washington, D.C.Chess released
the track as a single, and it became a sizable pop hit, earning Lewis
his first gold record, as well as a Grammy Award for Best Jazz
Performance.As Lewis' star rose, he returned to the pop charts in 1966
with versions of "Hang on Sloopy" and "Wade in the Water."Meanwhile,
Young and Holt left Lewis' trio to form their own group, Young-Holt
Unlimited, and the pianist hired a new rhythm section, Cleveland Eaton
on bass and Maurice White on drums.
In 1970, White resigned to form his own group, and Morris Jennings
signed on as the trio's new percussionist.Lewis continued to record for
Chess until 1972, when he moved to Columbia Records, and as his music
developed a more contemporary groove, White's group, Earth, Wind &
Fire (also on Columbia), was beginning to enjoy considerable success on
the R&B charts.White produced Lewis' 1974 album, Sun Goddess, in
which he experimented with electronic keyboards for the first time, and
several members of EWF played on the sessions; it became a major
crossover hit and took Lewis to the upper ranks of the smooth
jazz/fusion scene.Lewis would record R&B-influenced material
through the '70s, but continued to explore his roots in more traditional
jazz sounds as well as Latin rhythms. In 1983, he went into the studio
with Eldee Young and Redd Holt for the album Reunion; in 1984, he
collaborated with Nancy Wilson on The Two of Us; in 1988, he recorded
with London's Philharmonia Orchestra for the album A Classic Encounter,
and in 1989, Lewis and Dr. Billy Taylor cut a set of piano duets, We
Meet Again.
In 1992, Lewis signed with the successful jazz label GRP Records, and in
1995, he launched the side project Urban Knights, in which he
collaborated with a handful of successful crossover jazz stars,
including Grover Washington, Jr., Earl Klugh, and Dave Koz.In 1997,
Lewis added disc jockey to his résumé, hosting a popular show on
Chicago's WNUA-FM that ran until 2009; the show went into syndication in
2006 under the name Legends of Jazz with Ramsey Lewis, and is still on
the air.In 2005, Lewis looked back on his roots in gospel music with
the album With One Voice, which earned him the Stellar Gospel Music
Award for Best Gospel Instrumental Album.In 2007, he was commissioned
to write a jazz ballet for the Joffrey Ballet Company, and "To Know
Her..."debuted at Highland Park, Illinois' Ravina Music Festival, where
Lewis is artistic director of the festival's jazz series, and helped
found their Jazz Mentor Program.
Lewis has also written several pieces for string ensemble and orchestra
that have premiered at Ravina; highlights were featured on the 2009
album Songs from the Heart: Ramsey Plays Ramsey, his first release from
Concord Records.In addition to his work as a performer, composer,
educator, and disc jockey, Lewis has received five honorary doctorate
degrees, won the National Endowment for the Arts' Jazz Master Award in
2007, and is one of the few noted jazz artists to carry the Olympic
Torch, having briefly escorted the flame as it passed through Chicago en
route to the 2002 Winter Games.In 2011, he delivered Taking Another
Look, a reworking of his classic 1974 electric jazz-funk album Sun
Goddess.The album was reissued in a deluxe package with bonus tracks in
2015.Two years later, Lewis was a featured guest on pianist Alan
Storeygard's trio album New Directions.
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Biografía
Pianist and composer Ramsey Lewis ha sido la mayor figura en el jazz
contemporáneo de los 50 ', la música de la música con el calentamiento,
la posibilidad de abrir la puerta a través de que el punto de
intersección hacia el pop y los R & B., Que se estrenó en Chicago,
Illinois el 27 de mayo de 1935, y fue introducida a la música por su
padre, quien dirigió el choir a la iglesia local y disfrutó de la música
de Duke Ellington y Tatu.Lewis inició el piano cuando era cuatro años,
y estaba pronto acompañando el choir at Sunday services.En la edad de
15, he unido el jazz combo llamado los Cleffs, que jugó en partidos y
danzas.Y en el caso de que el grupo se filtró después de varios
miembros se unió al ejército, se formó el Ramsey Lewis Trio con otros
dos viejos Cleffs, bassist Eldee Young y percussionist Redd Holt.En el
año 1956, Ramsey Lewis y su grupo de jazz, en 1956, se convirtieron en
el primer álbum, Ramsey Lewis y su Gentlemen de Jazz.
En el año 1965, cuando se registró la swinging version de Dobie Gray, el
éxito "The In Crowd" en el gigantes de la banda, en Washington, DC
Chess liberado el track a a single, y se convirtió en el pop pop pop,
earning Lewis su primer oro de registro, así como el Premio Grammy para
el mejor Jazz Performance.En el año 1966 con las versiones de "Hang on
Sloopy" y "Wade in the Water.", Y el pianist hired a new rhythm
section, Cleveland Eaton on bass y Maurice White on drums.
En 1970, White resigned a formar su propio grupo, y Morris Jennings
firmado en el trio's new percussionist.En el caso de que se trate de
una película de la saga de la saga de la saga de la saga de la saga, .
"White Chain Lewis '1974 álbum, Sun Goddess, in que he experimentado con
las teclas electrónicas para el primer equipo, y varios miembros de EWF
jugado en las sesiones; que se convirtió en el mayor crossover hit y
tomó Lewis a las ranas ranas del jazz / fusión de la música.En el caso
de que se produzca un error en el registro de R & B-sustan material a
través de los 70, pero continúe explorando su raíz en más tradicional
jazz de los sonidos así como Latin rhythms. En 1983, he estado en el
estudio con Eldee Young y Redd Holt para el álbum Reunion; en 1984,
había colaborado con Nancy Wilson en los dos de nosotros; y en el año
1989, Lewis y el Dr. Billy Taylor cortaron el set del piano duets, We
Meet Again.
En 1992, Lewis firmó con el éxito de la película de jazz Recordset, y en
1995, he lanzado el lado del proyecto Urban Knights, en el que he
colaborado con el handful de exitoso crossover jazz estrellas,
incluyendo Grover Washington, Jr., Earl Klugh, y Dave Koz.En 1997,
Lewis agregó disc jockey a su résumé, hospedaje el popular show en
Chicago's WNUA-FM que ran hasta 2009; , que se estrenará en el mes de
septiembre.En el año 2005, Lewis miró sobre su raíz en la música de la
música con el álbum con una voz, que fue el himno de la música de la
música de la música.En el año 2007, se le pidió a escribir el jazz
ballet para la Joffrey Ballet Company, y "To Know Her ..."debuted at
Highland Park, Illinois 'Ravina Music Festival, donde Lewis es director
artístico del festival de las series de jazz, su Jazz Mentor Program.
Lewis también ha escrito varias piezas para la cadena de conjuntos y
orquestaciones que han premiered at Ravina; , que se estrenará en el
2009 álbum de canciones del Heart: Ramsey Plays Ramsey, su primera
versión de Concord Records.En el año 2007, el Premio de la Academia de
los Premios Musicales en el 2007, es uno de los músicos de jazz, el
Olympic Torch, que tiene briefly escorted la llama que pasa a través de
Chicago en la ruta a los Juegos de invierno de invierno.En el 2011, he
emprendido otra cara, la reworking de su clásico 1974 jazz jazz-funk
álbum Sun Goddess.El álbum fue reestablecido en el paquete de lujo con
las canciones de las primas en el 2015.Dos años, Lewis fue un famoso
huésped en el pianist Alan Storeygard's trío álbum New Directions.
The only studio meeting between Stan Getz and Bill Evans took place over two days in 1964, with the aggressive drummer Elvin Jones and either Richard Davis or Ron Carter on bass. It is peculiar that Verve shelved the results for over a decade before issuing any of the music, though it may have been felt that Getz and Evans hadn't had enough time to achieve the desired chemistry, though there are memorable moments. The punchy take of "My Heart Stood Still," the elegant interpretation of "Grandfather's Waltz," and the lush setting of the show tune "Melinda" all came from the first day's session, with Davis on bass. (Evidently he was unavailable the following day, so Carter replaced him.) Evans' driving, challenging "Funkallero" is the obvious highlight from day two, though the gorgeous "But Beautiful" and the breezy setting of "Night and Day" are also enjoyable. Only the brief version of "Carpetbagger's Theme," which seems badly out of place and suggestive of the label's interference with the session, is a bit of a disappointment. Obviously neither Getz nor Evans liked the tune, as they go through the motions in a very brief performance. [Some reissues add three unissued alternate takes, though additional material from the sessions was included in the box set The Complete Bill Evans on Verve.]
La única reunión de estudio entre Stan Getz y Bill Evans tuvo lugar durante dos días en 1964, con el agresivo baterista Elvin Jones y Richard Davis o Ron Carter al bajo. Es curioso que Verve archivara los resultados durante más de una década antes de publicar la música, aunque puede que se pensara que Getz y Evans no habían tenido tiempo suficiente para lograr la química deseada, aunque hay momentos memorables. La contundente toma de "My Heart Stood Still", la elegante interpretación de "Grandfather's Waltz", y la exuberante puesta en escena de la melodía del espectáculo "Melinda", todo vino de la sesión del primer día, con Davis en el bajo. (Evidentemente no estaba disponible al día siguiente, así que Carter lo reemplazó.) La conducción de Evans, desafiando a "Funkallero" es el obvio punto culminante del segundo día, aunque el magnífico "But Beautiful" y el ambiente ventoso de "Night and Day" también son agradables. Sólo la breve versión de "Carpetbagger's Theme", que parece muy fuera de lugar y sugiere la interferencia de la etiqueta en la sesión, es un poco decepcionante. Obviamente ni a Getz ni a Evans les gustó la melodía, ya que se mueven en una actuación muy breve. [Algunas reediciones añaden tres tomas alternas no emitidas, aunque el material adicional de las sesiones se incluyó en el set de la caja The Complete Bill Evans on Verve.]
An Oscar- and Emmy-nominated film and television composer, classical composer, and acclaimed jazz pianist, Lalo Schifrin emerged as a big-band leader in the mid-'50s, collaborating with the likes of Dizzy Gillespie and Xavier Cugat before beginning to score films in the mid-'60s. His iconic theme to TV's Mission: Impossible was first broadcast in 1966. Following in the footsteps of John Barry and Monty Norman's "James Bond Theme," its orchestral jazz instrumentation (including prevalent flutes, brass, piano, bongos, and jazz drums) and adrenalized staccato, syncopated rhythms helped to define spy music for decades to follow. Much like contemporaries Michel Legrand, Henry Mancini, and André Previn, while he wrote in a variety of styles, Schifrin remained best known for his jazz-inflected scores. They also included crime films like 1968's Bullitt, which set an urban scene with a large jazz ensemble that included electric guitar and electric bass, and the Dirty Harry franchise (1971-1988). Though more varied, the Dirty Harry scores maintained an antsy jazz M.O. while updating the production palette over time to include more keyboards, strings, and rock-styled drums. After his Mission: Impossible theme was repurposed for a big-screen reboot in the mid-'90s, Schifrin combined jazz, rock, and lush orchestral tracks in his lively soundtracks for the Rush Hour action franchise in the late '90s and 2000s. Over 50 years after its introduction, his Mission: Impossible theme was still featured heavily in Lorne Balfe's music for the blockbuster sixth entry in the film series, 2018's Mission: Impossible - Fallout.
Born Boris Claudio Schifrin in Buenos Aires in 1932, Schifrin grew up with a father who played violin with the Teatro Colón Orchestra. When Lalo was six years old, his dad arranged for him to begin studying piano with Enrique Barenboim, father of celebrated pianist/conductor Daniel Barenboim. As a teenager, he studied piano with the former head of the Kiev Conservatory, Andreas Karalis, and harmony with composer Juan Carlos Paz. After winning a scholarship to the Paris Conservatory in the early '50s, he studied with French composers Charles Koechlin and Olivier Messiaen. In his off hours, he played in Parisian jazz clubs, and in 1955, he represented Argentina in the Paris International Jazz Festival. After returning to Buenos Aires, he started his own 16-piece, Basie-style jazz band, the first of its kind in Argentina, and found work as a pianist and arranger. His status as a bandleader helped him meet Dizzy Gillespie in 1956, and Schifrin offered to write a suite for Gillespie. He completed the five-movement Gillespiana in 1958, the same year he became an arranger for Xavier Cugat. In 1960, Schifrin moved to New York City and joined Gillespie's quintet, which recorded Gillespiana to much acclaim. He became Gillespie's musical director until 1962, contributing another suite, The New Continent, before leaving the position to concentrate on his writing. Schifrin accepted his first film-scoring assignment in the U.S. in 1963 (Rhino!) and moved to Hollywood, soon finding a niche composing for both TV and the silver screen. In the meantime, he composed works marked by his jazz-classical fusion style, including the 1963 ballet Jazz Faust and 1965's Jazz Suite on the Mass Texts.
After establishing himself on episodes of television series such as The Alfred Hitchcock Hour and The Man from U.N.C.L.E., Schifrin joined the music department of the spy series Mission: Impossible. It premiered on CBS in 1966 and featured his catchy 5/4 instrumental "Theme from Mission: Impossible," a track that would live on in TV-music collections for decades to come. He followed it a year later with his theme to Mannix, around the same time he was becoming known for his jazzy scores to high-profile crime films such as Cool Hand Luke (1967) and Bullitt (1968). He earned his first Academy Award nomination for Cool Hand Luke and his second a year later for the D.H. Lawrence drama The Fox. Schifrin composed the music for the Don Siegel-directed Coogan's Bluff, starring Clint Eastwood, in 1968. He reunited with the pair on 1971's Dirty Harry and went on to write music for four of the five remaining films in the series, which extended through the '80s (1976's The Enforcer was composed by Jerry Fielding). During that time span, he also wrote scores for films as diverse as the 1976 war film Voyage of the Damned (his third Oscar nomination), Disney's The Cat from Outer Space from 1978, and the 1979 horror classic The Amityville Horror (his fourth Oscar nomination). He received two more Academy Award nominations in the '80s, for The Competition (1980) and The Sting II (1983).
While he continued to write frequently for movies and TV, Schifrin returned some of his focus to classical works during the '90s, a decade that saw the release of the first three in a series of orchestral jazz albums called Jazz Meets the Symphony. He also arranged much of the music for the first three of the Three Tenors concerts. In 1996, his Mission: Impossible theme reached another generation when it was repurposed for a series of films starring Tom Cruise. U2's Adam Clayton and Larry Mullen, Jr. produced a dance version of the theme that reached the Top Ten of the singles charts in the U.S. and U.K. Still writing original material for film, beginning in 1998, Schifrin provided playful orchestral scores for the first three entries in the Rush Hour series, starring Jackie Chan.
Schifrin stayed active in Hollywood in his seventies, scoring films such as the crime film After the Sunset and the horror movie Abominable (directed by his son, Ryan Schifrin), in addition to Rush Hour 3 in the 2000s. The third, fourth, and fifth Mission: Impossible films saw release during the 2010s, as did the Schifrin-scored romantic comedy Love Story (2011) and basketball bio-pic Sweetwater (2016).
Lalo
Schifrin (Boris Claudio Schifrin, Buenos Aires, 21 de junio de 1932) es un
pianista, compositor, arreglista y director de orquesta argentino, nacído en
una familia judía. Es conocido por haber compuesto múltiples bandas sonoras de
películas y series de televisión, especialmente el tema principal de Misión
imposible. A lo largo de su carrera recibió cuatro Premios Grammy, un Premio
Cable ACE, seis nominaciones del Premio de la Academia y cuatro al Premio Emmy.
Posee una estrella en el Paseo de la fama de Hollywood.
El
compositor argentino fue encargado de recibir el Premio Óscar en noviembre de
2018, como reconocimiento a su exitosa trayectoria profesional, anunció la
Academia de Hollywood en una nota de prensa.1
Índice
Animado
por su padre, violinista sinfónico, Lalo comenzó a tocar el piano a los 6 años.
Cursó su secundario en el Colegio Nacional de Buenos Aires. En 1952, entró a
estudiar en el Conservatoire de Paris y participó de la vida jazzística
nocturna parisina (a la que era muy aficionado entonces el escritor argentino
Julio Cortázar).
Tras
regresar a Buenos Aires, Schifrin formó una big band. En 1956 conoció al
trompetista Dizzy Gillespie, que venía acompañado de Quincy Jones; ambos
compartieron un encuentro fortuito en el que improvisaron junto a Schifrin y su
joven amigo Astor Piazzolla.
Gillespie
luego le encargó que escribiera para él. El trabajo fue una suite de cinco
movimientos, titulada Gillespiana, que terminó en 1958.
Ese año se
convirtió en el arreglista del músico español Xavier Cugat.
En 1960 se
trasladó a Nueva York y se unió al quinteto de Gillespie que, tras grabar
"Gillespiana", obtuvo un gran éxito. Schifrin se convirtió en el
director musical de Gillespie hasta 1962.
A partir
de ese año se centró en su carrera como compositor y director, casi siempre con
una orientación de jazz latino y de bossa nova; aceptó, además, en 1963 su
primera colaboración con el mundo del cine. Schifrin se traslada a Hollywood,
consiguiendo grandes éxitos con sus temas para series como Misión Imposible
(1966), Mannix (1967), y Starsky y Hutch (1975-76).
También
compuso la música de la película de culto de George Lucas THX 1138 (1971).
Durante la década de los setenta, escribió la música para películas como The
Cincinnati Kid, Bullitt, Cool Hand Luke, Harry el sucio y Enter the Dragon.
Como
músico de jazz, escribió la suite Jazz Mass en 1965, y se aproximó al jazz-funk
con su disco de 1975 Black Widow. En 1985 recibió el Premio Konex - Diploma al
Mérito como uno de los mejores jazzistas de la Argentina. Continuó con su
trabajo para el cine a lo largo de la década de los noventa.
Grabó,
además, una serie de discos de jazz orquestal llamados Jazz Meets the Symphony,
y se convirtió en el principal arreglista de Los Tres Tenores, lo que
suscitaría su actual interés por la música clásica.
En 2016 la
Cinemateca Francesa le rindió tributo con la edición de The Sound Of Lalo
Schifrin, una caja de cinco CD. Además, fue el invitado especial de la tercera
edición del Festival de Cine y Música de Películas de La Baule, con un
concierto en su honor. "Yo tengo un don. No sé quién me lo dio, pero tengo
mucha suerte: a veces, veo una imagen y ya me imagino la música" dijo
Schifrin en un reportaje.
El 17 y 18
de enero de 2020 se realizan en su homenaje dos conciertos denominados Tributo
a Lalo Schifrin en el Symphony Space de Nueva York, promovidos por la Afro
Latin Jazz Orchestra (ALJO) de Arturo O'Farrill. En el programa se incluyen su
Suite Gillespiana, obras de Emilio Solla, Pablo Aslan, Guillermo Klein, Sofía
Rei, Richard Nant y Horacio Salgán y se estrena Lalo cura la locura de Gabriel
Senanes, composición encomendada por la ALJO, con dirección del propio
compositor. https://es.wikipedia.org/wiki/Lalo_Schifrin
During the 1960s, no one combined virtually equal elements of jazz, Latin music, pop, soul, and funk as well as Henry "Pucho" Brown. Pucho and his band (which included at various times such notable musicians as saxophonist Harold Alexander and drummers Bill Curtis and Neal Creque) never achieved the widespread recognition afforded other Latin jazz performers, though the Latin Soul Brothers grooved at least as hard. On recordings and in concert, Pucho -- who is not Latino, but African American -- consciously bridged the gap between the popular Latin sounds of the era from Machito, Tito Puente, Mongo Santamaria, and Cal Tjader to the funky, soul-jazz sounds of Gene Harris, Stanley Turrentine, and Jack McDuff. He sought to integrate these musics at every turn, beginning with their debut, 1966's Tough!, that included covers of tunes by Herbie Hancock, the Beatles, Johnny Mandel, John Barry, and Burt Bacharach, inserting whatever arrangement got them in jukeboxes and played on dancefloors. Between 1967 and 1972, Pucho & His Latin Soul Brothers issued eight more albums and a slew of 45 rpm singles. Perhaps their most notable long-player was 1969's Jungle Fire that featured "Got Myself a Good Man," which has been sampled by everyone from the Chemical Brothers and Beastie Boys to J Dilla. While the band did quite well with record sales and touring appearances, the shift in popular music during the early '70s dictated a change in fortunes. After 1972's Super Freak, the band called it a day -- at least in the studio. Various incarnations still toured sporadically in the early '80s. In the early '90s, with the acid jazz and electronic music explosions occurring in Great Britain, DJs rediscovered Pucho & His Latin Soul Brothers' catalog, and brought them over for club appearances. In 1995, the band's recordings were being reissued en masse, and the band released Rip a Dip and Jungle Strut, their first two albums in 23 years. Suddenly, Pucho and company were in demand again and toured Europe and Asia. They continued recording with the acclaimed The Hideout in 2004. Pucho toured almost constantly for the next decade before slowing down as he neared his eighties, but he still performs selectively.
As a Harlem teenager, Henry "Pucho" Brown cultivated a simultaneous deep and abiding passion for jazz, rhythm & blues, and mambo. In the late '50s, he served for several years in the band of pianist Joe Panama. When the band split in 1959, Pucho formed his own outfit. Even before he'd cemented his reputation on record, his band attracted notice from top Latin jazzmen.
Pucho began recording in 1963 and really hit his stride between 1966 and 1970, when he cut over nine albums for Prestige. On these, he helped pioneer a style termed Latin boogaloo, which mixed jazz, New York-style Latin music, R&B/soul, and the sort of funk that was just emerging from James Brown and other performers. Pucho wasn't afraid to mix up his material on his LPs, which placed originals by Brown and the Latin Soul Brothers next to covers of tunes by Herbie Hancock, the Temptations, the Beatles, Duke Ellington, and John Barry. When his brand of Latin soul/jazz fusion started to fall from commercial grace in the early '70s, Pucho disbanded the Latin Soul Brothers. In the early '90s, however, his back catalog began to generate interest in Britain, where he was a hit with the acid jazz crowd, and where several albums were reissued by the Ace label. Happily, he made a return to Latin-soul-jazz-funk with his 1995 comeback effort, Rip a Dip and Jungle Strut, and toured almost incessantly behind them as well as playing live sets by DJs Gilles Peterson, A Guy Called Gerald, and Kirk Degiorgio. Two more albums followed in 1997, Mucho Pucho and Groovin' High, as the group continued touring across Europe and Asia. In 1999 they dropped Caliente con Soul! for Ubiquity's Cu-Bop imprint and followed it with How'm I Doin'? for Minnesota's Cannonball label, which featured guest spots by trombonist Fred Wesley, flutist Dave Valentin, saxophonist Eric Alexander, and trumpeter Lew Soloff. After a series of residencies and club gigs in various major American cities, Pucho & His Latin Soul Brothers cut The Hideout -- titled for an infamous West Harlem club the band played in a lot during the '60s. Produced by Todd Barkan and recorded by Katherine Miller, the set included killer covers of tunes by Stevie Wonder, Les Baxter, Bebo Valdez, and Clyde Stubblefield, among others. Pucho's band continue to tour, but stopped recording.
Durante los años 60, nadie combinó elementos virtualmente iguales de jazz, música latina, pop, soul y funk como Henry "Pucho" Brown. Pucho y su banda (que incluía en varias ocasiones a músicos tan notables como el saxofonista Harold Alexander y los bateristas Bill Curtis y Neal Creque) nunca alcanzaron el amplio reconocimiento que se le dio a otros intérpretes de jazz latino, aunque los Latin Soul Brothers se movieron al menos con la misma fuerza. En grabaciones y en conciertos, Pucho - que no es latino, sino afroamericano - conscientemente tendió un puente entre los populares sonidos latinos de la época, desde Machito, Tito Puente, Mongo Santamaría, y Cal Tjader hasta los sonidos funky, soul-jazz de Gene Harris, Stanley Turrentine, y Jack McDuff. Intentó integrar estas músicas en cada momento, empezando por su debut, 1966's Tough!, que incluía versiones de canciones de Herbie Hancock, los Beatles, Johnny Mandel, John Barry, y Burt Bacharach, insertando cualquier arreglo que les llegara en las rocolas y tocando en las pistas de baile. Entre 1967 y 1972, Pucho & His Latin Soul Brothers publicaron ocho álbumes más y un montón de singles a 45 rpm. Quizás su álbum más notable fue Jungle Fire de 1969, con "Got Myself a Good Man", que ha sido sampleado por todos, desde los Chemical Brothers y los Beastie Boys hasta J Dilla. Mientras que la banda lo hizo bastante bien con las ventas de discos y las apariciones en giras, el cambio en la música popular a principios de los 70 dictó un cambio de fortuna. Después de Super Freak de 1972, la banda se retiró, al menos en el estudio. Varias encarnaciones aún hacían giras esporádicas a principios de los 80. A principios de los 90, con las explosiones del acid jazz y la música electrónica en Gran Bretaña, los DJs redescubrieron el catálogo de Pucho & His Latin Soul Brothers, y los trajeron a los clubes. En 1995, las grabaciones de la banda se reeditaron en masa, y la banda lanzó Rip a Dip y Jungle Strut, sus dos primeros álbumes en 23 años. De repente, Pucho y compañía volvieron a ser demandados y realizaron una gira por Europa y Asia. Siguieron grabando con el aclamado The Hideout en 2004. Pucho realizó giras casi constantes durante la década siguiente antes de disminuir la velocidad al acercarse a los ochenta años, pero sigue actuando de forma selectiva.
En su adolescencia en Harlem, Henry "Pucho" Brown cultivó una profunda y duradera pasión simultánea por el jazz, el rhythm & blues y el mambo. A finales de los años 50, sirvió durante varios años en la banda del pianista Joe Panama. Cuando la banda se separó en 1959, Pucho formó su propio grupo. Incluso antes de que hubiera consolidado su reputación en el disco, su banda atrajo la atención de los mejores jazzistas latinos.
Pucho comenzó a grabar en 1963 y realmente dio su gran paso entre 1966 y 1970, cuando cortó más de nueve álbumes para Prestige. En ellos, ayudó a crear un estilo llamado boogaloo latino, que mezclaba jazz, música latina de Nueva York, R&B/soul, y el tipo de funk que acababa de surgir de James Brown y otros intérpretes. Pucho no tuvo miedo de mezclar su material en sus LPs, que colocaban originales de Brown y los Latin Soul Brothers junto a covers de temas de Herbie Hancock, los Temptations, los Beatles, Duke Ellington y John Barry. Cuando su marca de fusión de soul/jazz latino empezó a caer en desgracia comercial a principios de los 70, Pucho disolvió los Latin Soul Brothers. Sin embargo, a principios de los 90, su catálogo comenzó a generar interés en Gran Bretaña, donde fue un éxito entre la gente del acid jazz, y donde varios álbumes fueron reeditados por el sello Ace. Afortunadamente, regresó al Latin-soul-jazz-funk con su esfuerzo de regreso en 1995, Rip a Dip y Jungle Strut, y realizó giras casi incesantes detrás de ellos, además de tocar los sets en vivo de los DJs Gilles Peterson, A Guy Called Gerald y Kirk Degiorgio. En 1997 siguieron dos álbumes más, Mucho Pucho y Groovin' High, mientras el grupo seguía de gira por Europa y Asia. En 1999 dejaron Caliente con Soul! para el sello Cu-Bop de Ubiquity y lo siguieron con How'm I Doin'? para el sello Cannonball de Minnesota, en el que aparecieron como invitados el trombonista Fred Wesley, el flautista Dave Valentin, el saxofonista Eric Alexander y el trompetista Lew Soloff. Después de una serie de residencias y conciertos en clubes en varias ciudades importantes de América, Pucho & His Latin Soul Brothers cortaron The Hideout - titulado para un infame club de West Harlem en el que la banda tocó mucho durante los años 60. Producida por Todd Barkan y grabada por Katherine Miller, el conjunto incluyó covers asesinos de canciones de Stevie Wonder, Les Baxter, Bebo Valdez, y Clyde Stubblefield, entre otros. La banda de Pucho sigue de gira, pero dejó de grabar.
On two of the songs included on Tequila, "Tequila" and "The Thumb," Wes Montgomery had an opportunity to jam a bit while backed just by bassist Ron Carter, drummer Grady Tate and the congas of Ray Barretto. The other six selections utilize a string section arranged by Claus Ogerman but, even with a throwaway version of "What the World Needs Now Is Love," there are memorable renditions of "Bumpin' on Sunset" and "Insensatez" that uplift this album quite a bit beyond the guitarist's later A&M recordings.
Artist Biography
Born in Indianapolis, Indiana, United States (where he also died of a heart attack in 1968), Montgomery came from a musical family, in which his brothers, Monk (string bass and electric bass) and Buddy (vibraphone, and piano), were jazz performers. Although Wes was not skilled at reading music, he could learn complex melodies and riffs by ear. Montgomery started learning guitar in his late teens, listening to and learning recordings of his idol, the guitarist Charlie Christian.
Along with the use of octaves (playing the same note on two strings one octave apart) for which he is widely known, Montgomery was also an excellent “single-line” or “single-note” player, and was very influential in the use of block chords in his solos. His playing on the jazz standard “Lover Man” is an example of his single-note, octave and block chord soloing. (”Lover Man” appears on the Fantasy album THE MONTGOMERY BROTHERS.)
Instead of using a guitar pick, Montgomery plucked the strings with the fleshy part of his thumb, using downstrokes for single notes and a combination of upstrokes and downstrokes for chords and octaves. This technique enabled him to get a mellow, expressive tone from his guitar. George Benson, in the liner notes of the Ultimate Wes Montgomery album, wrote that “Wes had a corn on his thumb, which gave his sound that point. He would get one sound for the soft parts, and then that point by using the corn. That's why no one will ever match Wes. And his thumb was double- jointed. He could bend it all the way back to touch his wrist, which he would do to shock people.”
He generally played a Gibson L-5CES guitar. In his later years he played one of two guitars that Gibson custom made for him. In his early years, Montgomery had a tube amp, often a Fender. In his later years he played a Standel.
Montgomery toured with vibraphonist Lionel Hampton's orchestra from July 1948 to January 1950, and can be heard on recordings from this period. Montgomery then returned to Indianapolis and did not record again until December 1957 (save for one session in 1955), when he took part in a session that included his brothers Monk and Buddy, as well as trumpeter Freddie Hubbard, who made his recording debut with Montgomery. Most of the recordings made by Montgomery and his brothers from 1957-1959 were released on the Pacific Jazz label.
From 1959 Montgomery was signed to the Riverside Records label, and remained there until late 1963, just before the company went bankrupt. The recordings made during this period are widely considered by fans and jazz historians to be Montgomery's best and most influential. Two sessions in January 1960 yielded The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, which was recorded as a quartet with pianist Tommy Flanagan, bassist Percy Heath and drummer Albert “Tootie” Heath. The album featured one of Montgomery's most well-known compositions, “Four on Six.”
Almost all of Montgomery's output on Riverside featured the guitarist in a small group setting, usually a quartet or quintet, playing a mixture of hard- swinging uptempo jazz numbers and quiet ballads. In 1964 Montgomery moved to Verve Records for two years. His stay at Verve yielded a number of albums where he was featured with an orchestra, and during this period Montgomery's music started to shift in to the territory of pop music. One notable exception is 1965's Smokin' at the Half Note, which showcased two memorable appearances at the famous New York City club with the Wynton Kelly Trio. Wes continued to play outstanding live jazz guitar, as evidenced by surviving audio and video recordings from his 1965 tour of Europe.
As a considered founder of the Smooth Jazz school the album “Bumpin'” (1965) represents a model from which many modern recording are derived. In it, a full orchestral type of scoring goes beyond the artist's own ability to riff creating a wholistic concept of music and of Jazz. Longer clips from all of the tracks tracks on “Bumpin'” and other Wes Montgomery albums are found on Verve Records website.
By the time Montgomery released his first album for A&M Records, he had seemingly totally abandoned the straightforward jazz of his earlier career for the more lucrative pop market. The three albums released during his A&M period (1967-68) feature orchestral renditions of famous pop songs (”Scarborough Fair,” “I Say a Little Prayer for You,” “Eleanor Rigby,” etc.) with Montgomery reciting the melody with his guitar. While these records were the most commercially successful of his career, they are now poorly regarded by some fans and critics.
Montgomery's home town of Indianapolis has named a park in his honor.
Many jazz and rock guitarists today list Montgomery among their influences including: Carlos Santana, Jimi Hendrix, Pat Martino, Lee Ritenour, Pat Metheny, George Benson, Pete Smyser, Chris Standring, Eric Johnson, Yoshiaki Miyanoue and Joe Satriani.
By some accounts, Montgomery has been the most influential jazz guitarist of all time, whose style has transcended into other forms of music, including Rock 'n' Roll, Soul, and Rhythm and Blues.[citation needed] Many songwriters and composers have written musical tributes to him, including Stevie Wonder and Eric Johnson.
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En dos de las canciones incluidas en Tequila, "Tequila" y "The Thumb", Wes Montgomery tuvo la oportunidad de improvisar un poco con el apoyo del bajista Ron Carter, el baterista Grady Tate y las congas de Ray Barretto. Las otras seis selecciones utilizan una sección de cuerdas arreglada por Claus Ogerman pero, incluso con una versión desechable de "What the World Needs Now Is Love", hay memorables versiones de "Bumpin' on Sunset" e "Insensatez" que elevan este álbum bastante más allá de las posteriores grabaciones A&M del guitarrista.
Biografía del artista
Nacido en Indianápolis, Indiana (Estados Unidos) (donde también murió de un ataque cardíaco en 1968), Montgomery provenía de una familia musical, en la que sus hermanos, Monk (contrabajo de cuerda y bajo eléctrico) y Buddy (vibráfono y piano), eran intérpretes de jazz. Aunque Wes no era hábil en la lectura de música, podía aprender melodías complejas y riffs de oído. Montgomery comenzó a aprender guitarra en su adolescencia, escuchando y aprendiendo grabaciones de su ídolo, el guitarrista Charlie Christian.
Además del uso de las octavas (tocar la misma nota en dos cuerdas con una octava de separación) por el que es ampliamente conocido, Montgomery también fue un excelente intérprete de "una sola línea" o "una sola nota", y fue muy influyente en el uso de acordes de bloque en sus solos. Su interpretación en el estándar de jazz "Lover Man" es un ejemplo de su solista de una sola nota, octava y bloque de acordes. ("Lover Man" aparece en el álbum de fantasía THE MONTGOMERY BROTHERS.)
En lugar de usar una púa de guitarra, Montgomery pulsó las cuerdas con la parte carnosa de su pulgar, usando golpes bajos para las notas simples y una combinación de golpes ascendentes y descendentes para los acordes y las octavas. Esta técnica le permitió obtener un tono suave y expresivo de su guitarra. George Benson, en las notas del disco Ultimate Wes Montgomery, escribió que "Wes tenía un grano en el pulgar, lo que le daba ese punto de sonido. Obtenía un sonido para las partes suaves, y luego ese punto usando el maíz. Es por eso que nadie nunca igualará a Wes. Y su pulgar tenía doble articulación. Podía doblarlo completamente hacia atrás para tocar su muñeca, lo que hacía para sorprender a la gente."
Generalmente tocaba una guitarra Gibson L-5CES. En sus últimos años tocó una de las dos guitarras que Gibson hizo para él. En sus primeros años, Montgomery tenía un amplificador de tubo, a menudo un Fender. En sus últimos años tocaba una Standel.
Montgomery hizo una gira con la orquesta del vibrafonista Lionel Hampton desde julio de 1948 hasta enero de 1950, y se puede escuchar en las grabaciones de este período. Posteriormente, Montgomery regresó a Indianápolis y no volvió a grabar hasta diciembre de 1957 (salvo una sesión en 1955), cuando participó en una sesión que incluía a sus hermanos Monk y Buddy, así como al trompetista Freddie Hubbard, que hizo su debut discográfico con Montgomery. La mayoría de las grabaciones realizadas por Montgomery y sus hermanos de 1957 a 1959 fueron publicadas en el sello Pacific Jazz.
A partir de 1959 Montgomery firmó con el sello Riverside Records, y permaneció allí hasta finales de 1963, justo antes de que la compañía quebrara. Las grabaciones realizadas durante este período son consideradas por los aficionados e historiadores del jazz como las mejores y más influyentes de Montgomery. Dos sesiones en enero de 1960 dieron como resultado The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, que fue grabado como cuarteto con el pianista Tommy Flanagan, el bajista Percy Heath y el baterista Albert "Tootie" Heath. El álbum presentaba una de las composiciones más conocidas de Montgomery, "Four on Six".
Casi toda la producción de Montgomery en Riverside presentaba al guitarrista en un pequeño grupo, normalmente un cuarteto o quinteto, tocando una mezcla de números de jazz uptempo hard swing y baladas tranquilas. En 1964 Montgomery se mudó a Verve Records por dos años. Su estancia en Verve dio lugar a una serie de álbumes en los que se presentó con una orquesta, y durante este período la música de Montgomery comenzó a moverse en el territorio de la música pop. Una excepción notable es Smokin' at the Half Note de 1965, que mostró dos memorables apariciones en el famoso club de la ciudad de Nueva York con el Wynton Kelly Trio. Wes siguió tocando una excelente guitarra de jazz en vivo, como lo demuestran las grabaciones de audio y video de su gira por Europa en 1965.
Como considerado fundador de la escuela de Smooth Jazz, el álbum "Bumpin'" (1965) representa un modelo del que se derivan muchas grabaciones modernas. En él, un tipo de partitura orquestal completa va más allá de la propia capacidad del artista para hacer riffs creando un concepto integral de la música y del Jazz. Los clips más largos de todas las pistas de "Bumpin'" y otros álbumes de Wes Montgomery se encuentran en el sitio web de Verve Records.
Cuando Montgomery lanzó su primer álbum para A&M Records, parecía haber abandonado por completo el jazz sencillo de su carrera anterior para dedicarse al mercado del pop más lucrativo. Los tres álbumes publicados durante su período A&M (1967-68) presentan interpretaciones orquestales de famosas canciones pop ("Scarborough Fair", "I Say a Little Prayer for You", "Eleanor Rigby", etc.) con Montgomery recitando la melodía con su guitarra. Aunque estos discos fueron los más exitosos comercialmente de su carrera, ahora son mal vistos por algunos fans y críticos.
La ciudad natal de Montgomery, Indianápolis, ha nombrado un parque en su honor.
Muchos guitarristas de jazz y rock hoy en día incluyen a Montgomery entre sus influencias: Carlos Santana, Jimi Hendrix, Pat Martino, Lee Ritenour, Pat Metheny, George Benson, Pete Smyser, Chris Standring, Eric Johnson, Yoshiaki Miyanoue y Joe Satriani.
Según algunos relatos, Montgomery ha sido el guitarrista de jazz más influyente de todos los tiempos, cuyo estilo ha trascendido a otras formas de música, incluyendo el Rock 'n' Roll, Soul y Rhythm and Blues. Muchos compositores y compositores le han escrito homenajes musicales, incluyendo Stevie Wonder y Eric Johnson.
Traducción realizada con la versión gratuita del traductor www.DeepL.com/Translator
A French-born virtuoso guitarist, Stephane Wrembel is a disciple of the Django Reinhardt gypsy style, but one who pushes the tradition across genres, incorporating elements of modern jazz, blues, flamenco, classical, and rock. Wrembel emerged to widespread fame in the 2000s, issuing albums like 2006's Barbes-Brooklyn and 2012's Origins. He came to wider recognition after catching the attention of director Woody Allen, who included his music in his films, including the 2011 Oscar-winning Midnight in Paris. Wrembel has collaborated on varied projects with luminaries like David Grisman, Mark O'Connor, Jean-Michel Pilc, and others. He is also the founder of N.Y.C.'s annual Django A Gogo Festival and has released a number of inventive albums including 2017's The Django Experiment I and II. In 2019, he again showcased his passion for Reinhardt on Django L'Impressionniste.
Born in 1974 in Paris, Wrembel grew up in Fontainebleau where he started playing classical piano at age four. A gifted performer, he was soon taking home accolades, winning awards in the Lucien Wurmser competition and at the National Conservatory of Aubervilliers. It wasn't until his teens that he picked up the guitar, inspired by Pink Floyd, Genesis, Led Zeppelin, and other progressive rock bands. It was also around this time that he discovered the music of jazz guitar legend and famed Fontainebleau resident Django Reinhardt. He quickly developed a passion for Reinhardt's style and began seeking out teachers; he studied with masters like Angelo Debarre and Serge Krief. He also spent time immersing himself in Romani culture -- playing weddings, parties, and informal jams sessions -- to better understand the music. He enrolled at the American School of Modern Music in Paris where he further developed his skills, studying composition, arranging, jazz improvisation, and classical music.
He eventually earned a scholarship to the Berklee College of Music in Boston where he graduated summa cum laude in 2002. That same year, he released his debut solo album, Introducing Stephane Wrembel. From there, he relocated to New York City where he further established his reputation as a master of the Reinhardt guitar tradition, peppering his music with genre-bending elements of modern jazz, classical, rock, flamenco, and more. In 2005, he paired with mandolin player David Grisman for Gypsy Rumble. A year later, he released another expansive effort, Barbes-Brooklyn, which included his original song "Big Brother," later included in Woody Allen's acclaimed 2008 film Vicky Cristina Barcelona. Terre Des Hommes, Wrembel's fourth album, arrived in 2009.
In 2011, Wrembel released Origins, which featured the song "Bistro Fada." The track gained wider attention after Woody Allen included it as the theme to his Oscar-winning film Midnight in Paris. That year, Wrembel performed the song live at the Oscars ceremony with Hans Zimmer and his orchestra. Three years later, the guitarist returned with Dreamers of Dreams, featuring his group with bassist Dave Speranza, guitarist Roy Williams, and drummer Nick Anderson. Two concert albums followed in 2015: Live in India and Live in Rochester.
Since 2005, Wrembel has helmed the Django A Gogo Festival to celebrate the music of Reinhardt and the ongoing evolution of gypsy jazz. As part of the festival, Wrembel has released a number of albums, including 2017's The Django Experiment I and The Django Experiment II. Showcasing songs by Reinhardt and other gypsy jazz composers, the albums were recorded live in-studio with Wrembel leading his group featuring saxophonist/clarinetist Nick Driscoll, guitarist Thor Jensen, bassist Ari Folman-Cohen, and drummer Nick Anderson. Two more Django Experiment volumes arrived in 2018 and 2019, respectively. Also in 2019, he produced the debut album from Simba Baumgartner, Reinhardt's great-grandson. He also released his own Django L'Impressionniste, which found him playing rare solo pieces recorded by Reinhardt between 1937 and 1950. Django Experiment V arrived in 2020 and featured violinist Daisy Castro.
Un virtuoso guitarrista de origen francés, Stéphane Wrembel es un discípulo del estilo gitano de Django Reinhardt, pero que lleva la tradición a través de los géneros, incorporando elementos del jazz moderno, el blues, el flamenco, la música clásica y el rock. Wrembel alcanzó una gran fama en la década de 2000, publicando álbumes como Barbes-Brooklyn de 2006 y Origins de 2012. Llegó a un reconocimiento más amplio después de llamar la atención del director Woody Allen, que incluyó su música en sus películas, incluyendo la ganadora del Oscar 2011 Midnight in Paris. Wrembel ha colaborado en diversos proyectos con luminarias como David Grisman, Mark O'Connor, Jean-Michel Pilc, y otros. También es el fundador del festival anual Django A Gogo de N.Y.C. y ha lanzado varios álbumes ingeniosos, incluyendo The Django Experiment I y II de 2017. En 2019, volvió a mostrar su pasión por Reinhardt en Django L'Impressionniste.
Nacido en 1974 en París, Wrembel creció en Fontainebleau donde empezó a tocar el piano clásico a los cuatro años. Como intérprete de gran talento, pronto se llevó a casa los elogios, ganando premios en el concurso Lucien Wurmser y en el Conservatorio Nacional de Aubervilliers. No fue hasta su adolescencia que tomó la guitarra, inspirado por Pink Floyd, Genesis, Led Zeppelin, y otras bandas de rock progresivo. También fue por esta época que descubrió la música de la leyenda de la guitarra de jazz y el famoso residente de Fontainebleau Django Reinhardt. Rápidamente desarrolló una pasión por el estilo de Reinhardt y comenzó a buscar profesores; estudió con maestros como Angelo Debarre y Serge Krief. También pasó un tiempo sumergiéndose en la cultura romaní, tocando en bodas, fiestas y sesiones informales de jams, para entender mejor la música. Se matriculó en la Escuela Americana de Música Moderna en París, donde desarrolló sus habilidades, estudiando composición, arreglos, improvisación de jazz y música clásica.
Finalmente obtuvo una beca para el Berklee College of Music de Boston, donde se graduó summa cum laude en 2002. Ese mismo año, lanzó su álbum debut en solitario, Introducing Stephane Wrembel. Desde allí, se trasladó a la ciudad de Nueva York donde estableció su reputación como maestro de la tradición de la guitarra Reinhardt, salpicando su música con elementos de género de jazz moderno, clásico, rock, flamenco, y más. En 2005, se emparejó con el mandolinista David Grisman para Gypsy Rumble. Un año más tarde, lanzó otro esfuerzo de expansión, Barbes-Brooklyn, que incluyó su canción original "Big Brother", más tarde incluida en la aclamada película de Woody Allen en 2008, Vicky Cristina Barcelona. Terre Des Hommes, el cuarto álbum de Wrembel, llegó en 2009.
En 2011, Wrembel lanzó "Origins", que incluía la canción "Bistro Fada". La canción ganó más atención después de que Woody Allen la incluyera como tema de su película Midnight in Paris, ganadora de un Oscar. Ese año, Wrembel interpretó la canción en vivo en la ceremonia de los Oscars con Hans Zimmer y su orquesta. Tres años más tarde, el guitarrista volvió con Dreamers of Dreams, presentando su grupo con el bajista Dave Speranza, el guitarrista Roy Williams y el baterista Nick Anderson. Siguieron dos álbumes de concierto en 2015: Live in India y Live in Rochester.
Desde 2005, Wrembel ha dirigido el Festival Django A Gogo para celebrar la música de Reinhardt y la continua evolución del jazz gitano. Como parte del festival, Wrembel ha publicado varios álbumes, entre ellos The Django Experiment I y The Django Experiment II de 2017. Con canciones de Reinhardt y otros compositores de jazz gitano, los álbumes se grabaron en directo en el estudio con Wrembel al frente de su grupo con el saxofonista/clarinetista Nick Driscoll, el guitarrista Thor Jensen, el bajista Ari Folman-Cohen y el batería Nick Anderson. Otros dos volúmenes de Django Experiment llegaron en 2018 y 2019, respectivamente. También en 2019, produjo el álbum debut de Simba Baumgartner, bisnieto de Reinhardt. También publicó su propio Django L'Impressionniste, que lo encontró tocando raras piezas solistas grabadas por Reinhardt entre 1937 y 1950. El Django Experiment V llegó en 2020 y contó con la violinista Daisy Castro.
Dorothy Ashby (born August 6, 1932 in Detroit, Michigan, died April 13,
1986 in Santa Monica, California) was a Hebrew jazz harpist and
composer.
"She was able to play incredible bebop on her instrument." There had
been jazz harpists prior to Ashby, like Adele Girard, but no one else
had adapted the harp to jazz so successfully nor had integrated into
such a broad array of musical styles. Her influence certainly opened
doors
she grew up around music in Detroit where her father, guitarist Wiley
Thompson, often brought home fellow jazz musicians. Even as a young
girl, Dorothy would provide support and background to their music by
playing the piano. While in high school she played a number of
instruments (including the saxophone and string bass) before coming upon
the harp.
in Detroit she studied piano and music education. After she graduated,
she began playing the piano in the jazz scene in Detroit, though by 1952
she had made the harp her main instrument. perceived as an instrument
of classical music and also somewhat ethereal in sound Ashby overcame
their initial resistance and built up support for the harp as a jazz
instrument by organizing free shows and playing at dances and weddings
with her trio. She recorded with Ed Thigpen, Richard Davis, Jimmy Cobb,
Frank Wess and others in the late 1950s and early 1960s. During the
1960s, she also had her own radio show in Detroit.
Ashby's trio, including her husband John Ashby on drums, regularly
toured the country, recording albums for several different record
labels. . In 1962's annual polls the best jazz performers included
Ashby. Extending her range of interests and talents, she also worked
with her husband on a theater company, the Ashby Players, which her
husband founded in Detroit, and for which Dorothy often wrote the
scores.
Dorothy was called upon for a number of studio sessions playing for such
popular recording artists as Stevie Wonder , Dionne Warwick, Diana
Ross, Earth, Wind & Fire, and Barry Manilow. Her harp playing is
featured in the song "Come Live With Me' which is on the soundtrack for
the 1967 movie, Valley of the Dolls , playing the harp on the song "If
It's Magic" on Stevie Wonder's 1976 album Songs in the Key of Life.
Her albums include The Jazz Harpist, In a Minor Groove, Hip Harp,
Fantastic Jazz Harp of Dorothy Ashby with (Junior Mance), Django/Misty,
Concerto De Aranjuez, Afro Harping, Dorothy's Harp, The Rubaiyat of
Dorothy Ashby, and Music for Beautiful People is a reissue of hip harp
or in a minor groove , I dont remember which . Between 1956-1970, she
recorded 10 albums for such labels as Savoy, Cadet, Prestige, New Jazz,
Argo, Jazzland and Atlantic. On her "Rubaiyat" album, Ashby played the
Japanese musical instrument, the koto, demonstrating her talents
successfully "
Dorothy Ashby (nacida el 6 de agosto de 1932 en Detroit, Michigan,
fallecida el 13 de abril de 1986 en Santa Mónica, California) era
arpista y compositora de jazz hebreo.
"Ella fue capaz de tocar el increíble bebop con su instrumento." Había
habido arpistas de jazz antes de Ashby, como Adele Girard, pero nadie
más había adaptado el arpa al jazz con tanto éxito ni se había integrado
en una gama tan amplia de estilos musicales. Su influencia ciertamente
abrió las puertas
se crió alrededor de la música en Detroit, donde su padre, el
guitarrista Wiley Thompson, a menudo traía a casa a sus compañeros
músicos de jazz. Ya de niña, Dorothy les daba apoyo y apoyo a su música
tocando el piano. Mientras estaba en la escuela secundaria tocó varios
instrumentos (incluyendo el saxofón y el bajo de cuerdas) antes de tocar
el arpa.
en Detroit estudió piano y educación musical. Después de graduarse,
comenzó a tocar el piano en la escena jazzística de Detroit, aunque en
1952 había hecho del arpa su instrumento principal. Percibida como un
instrumento de música clásica y también algo etérea en el sonido, Ashby
superó su resistencia inicial y construyó un apoyo para el arpa como
instrumento de jazz organizando espectáculos libres y tocando en bailes y
bodas con su trío. Grabó con Ed Thigpen, Richard Davis, Jimmy Cobb,
Frank Wess y otros a finales de los años 50 y principios de los 60.
Durante la década de 1960, también tuvo su propio programa de radio en
Detroit.
El trío de Ashby, incluyendo a su esposo John Ashby en la batería, viajó
regularmente por el país, grabando álbumes para varios sellos
discográficos diferentes. . En las encuestas anuales de 1962, los
mejores intérpretes de jazz incluían a Ashby. Extendiendo su gama de
intereses y talentos, también trabajó con su esposo en una compañía de
teatro, los Ashby Players, que su esposo fundó en Detroit, y para la
cual Dorothy escribió las partituras con frecuencia.
Dorothy fue convocada para varias sesiones de estudio tocando para
artistas tan populares como Stevie Wonder , Dionne Warwick, Diana Ross,
Earth, Wind & Fire, y Barry Manilow. Su arpa aparece en la canción
"Come Live With Me" que está en la banda sonora de la película de 1967,
Valley of the Dolls, tocando el arpa en la canción "If It's Magic" del
álbum de Stevie Wonder de 1976, Songs in the Key of Life.
Sus álbumes incluyen The Jazz Harpist, In a Minor Groove, Hip Harp,
Fantastic Jazz Harp of Dorothy Ashby with (Junior Mance), Django/Misty,
Concerto De Aranjuez, Afro Harping, Dorothy's Harp, The Rubaiyat of
Dorothy Ashby, and Music for Beautiful People is a reissue of hip harp
or in a minor groove, I dont remember which . Entre 1956-1970, grabó 10
álbumes para sellos como Savoy, Cadet, Prestige, New Jazz, Argo,
Jazzland y Atlantic. En su álbum "Rubaiyat", Ashby tocó el instrumento
musical japonés, el koto, demostrando sus talentos con éxito.
Dorothy Ashby (born August 6, 1932 in Detroit, Michigan, died April 13,
1986 in Santa Monica, California) was a Hebrew jazz harpist and
composer.
"She was able to play incredible bebop on her instrument." There had
been jazz harpists prior to Ashby, like Adele Girard, but no one else
had adapted the harp to jazz so successfully nor had integrated into
such a broad array of musical styles. Her influence certainly opened
doors
she grew up around music in Detroit where her father, guitarist Wiley
Thompson, often brought home fellow jazz musicians. Even as a young
girl, Dorothy would provide support and background to their music by
playing the piano. While in high school she played a number of
instruments (including the saxophone and string bass) before coming upon
the harp.
in Detroit she studied piano and music education. After she graduated,
she began playing the piano in the jazz scene in Detroit, though by 1952
she had made the harp her main instrument. perceived as an instrument
of classical music and also somewhat ethereal in sound Ashby overcame
their initial resistance and built up support for the harp as a jazz
instrument by organizing free shows and playing at dances and weddings
with her trio. She recorded with Ed Thigpen, Richard Davis, Jimmy Cobb,
Frank Wess and others in the late 1950s and early 1960s. During the
1960s, she also had her own radio show in Detroit.
Ashby's trio, including her husband John Ashby on drums, regularly
toured the country, recording albums for several different record
labels. . In 1962's annual polls the best jazz performers included
Ashby. Extending her range of interests and talents, she also worked
with her husband on a theater company, the Ashby Players, which her
husband founded in Detroit, and for which Dorothy often wrote the
scores.
Dorothy was called upon for a number of studio sessions playing for such
popular recording artists as Stevie Wonder , Dionne Warwick, Diana
Ross, Earth, Wind & Fire, and Barry Manilow. Her harp playing is
featured in the song "Come Live With Me' which is on the soundtrack for
the 1967 movie, Valley of the Dolls , playing the harp on the song "If
It's Magic" on Stevie Wonder's 1976 album Songs in the Key of Life.
Her albums include The Jazz Harpist, In a Minor Groove, Hip Harp,
Fantastic Jazz Harp of Dorothy Ashby with (Junior Mance), Django/Misty,
Concerto De Aranjuez, Afro Harping, Dorothy's Harp, The Rubaiyat of
Dorothy Ashby, and Music for Beautiful People is a reissue of hip harp
or in a minor groove , I dont remember which . Between 1956-1970, she
recorded 10 albums for such labels as Savoy, Cadet, Prestige, New Jazz,
Argo, Jazzland and Atlantic. On her "Rubaiyat" album, Ashby played the
Japanese musical instrument, the koto, demonstrating her talents
successfully "
Dorothy Ashby (nacida el 6 de agosto de 1932 en Detroit, Michigan,
fallecida el 13 de abril de 1986 en Santa Mónica, California) era
arpista y compositora de jazz hebreo.
"Ella fue capaz de tocar el increíble bebop con su instrumento." Había
habido arpistas de jazz antes de Ashby, como Adele Girard, pero nadie
más había adaptado el arpa al jazz con tanto éxito ni se había integrado
en una gama tan amplia de estilos musicales. Su influencia ciertamente
abrió las puertas
se crió alrededor de la música en Detroit, donde su padre, el
guitarrista Wiley Thompson, a menudo traía a casa a sus compañeros
músicos de jazz. Ya de niña, Dorothy les daba apoyo y apoyo a su música
tocando el piano. Mientras estaba en la escuela secundaria tocó varios
instrumentos (incluyendo el saxofón y el bajo de cuerdas) antes de tocar
el arpa.
en Detroit estudió piano y educación musical. Después de graduarse,
comenzó a tocar el piano en la escena jazzística de Detroit, aunque en
1952 había hecho del arpa su instrumento principal. Percibida como un
instrumento de música clásica y también algo etérea en el sonido, Ashby
superó su resistencia inicial y construyó un apoyo para el arpa como
instrumento de jazz organizando espectáculos libres y tocando en bailes y
bodas con su trío. Grabó con Ed Thigpen, Richard Davis, Jimmy Cobb,
Frank Wess y otros a finales de los años 50 y principios de los 60.
Durante la década de 1960, también tuvo su propio programa de radio en
Detroit.
El trío de Ashby, incluyendo a su esposo John Ashby en la batería, viajó
regularmente por el país, grabando álbumes para varios sellos
discográficos diferentes. . En las encuestas anuales de 1962, los
mejores intérpretes de jazz incluían a Ashby. Extendiendo su gama de
intereses y talentos, también trabajó con su esposo en una compañía de
teatro, los Ashby Players, que su esposo fundó en Detroit, y para la
cual Dorothy escribió las partituras con frecuencia.
Dorothy fue convocada para varias sesiones de estudio tocando para
artistas tan populares como Stevie Wonder , Dionne Warwick, Diana Ross,
Earth, Wind & Fire, y Barry Manilow. Su arpa aparece en la canción
"Come Live With Me" que está en la banda sonora de la película de 1967,
Valley of the Dolls, tocando el arpa en la canción "If It's Magic" del
álbum de Stevie Wonder de 1976, Songs in the Key of Life.
Sus álbumes incluyen The Jazz Harpist, In a Minor Groove, Hip Harp,
Fantastic Jazz Harp of Dorothy Ashby with (Junior Mance), Django/Misty,
Concerto De Aranjuez, Afro Harping, Dorothy's Harp, The Rubaiyat of
Dorothy Ashby, and Music for Beautiful People is a reissue of hip harp
or in a minor groove, I dont remember which . Entre 1956-1970, grabó 10
álbumes para sellos como Savoy, Cadet, Prestige, New Jazz, Argo,
Jazzland y Atlantic. En su álbum "Rubaiyat", Ashby tocó el instrumento
musical japonés, el koto, demostrando sus talentos con éxito.
