Larry Young Trio • Testifying

Biography:

 Larry Young, also known as Khalid Yasin, offered as radical an approach to organ in the '60s as Jimmy Smith had posed in the '50s. His free, swirling chords, surging lines, and rock-influenced improvisations were an alternative to the groove-centered, blues and soul jazz sound that had become the organ's dominant direction. He brought John Coltrane's late-'60s approach to the organ, generating waves of sound and greatly influencing any session he participated in during the '60s and '70s.

Born in Newark, New Jersey in 1940, Young studied piano rather than organ, though he later began playing organ in R&B bands in the '50s. He recorded in 1960 with Jimmy Forrest, and then did his first session for Blue Note as a leader. He played with and recorded with Grant Green in a hard bop vein in the mid-'60s, though he was beginning his experiments at that point. Young worked with Joe Henderson, Lee Morgan, Donald Byrd, and Tommy Turrentine and toured Europe in 1964. When Young went to Blue Note later that year, he was well on his way to becoming a major innovator. Coltrane's post-bop influence asserted itself more and more in Young's playing and composing, and his work grew much more cerebral and exploratory. His 1965 album Into Somethin' alerted everyone that he was heading a different way, and Unity, recorded the same year, remains his best-known album. He played with Coltrane, recorded with Woody Shaw and Elvin Jones, then joined Miles Davis' band in 1969. Young worked with John McLaughlin in 1970 and was in Tony Williams' Lifetime with McLaughlin and Jack Bruce among others in the early '70s. He only made a couple of other records, for Perception and Arista, both of them uneven but with some intriguing moments. (Neither label had the vaguest idea what Young was trying to do, nor how they could sell it.) Sadly, he died in 1978 at 38. He'd only made a handful of recordings, and his labels never knew what to make of his music. Mosaic issued a superb boxed set of Young's Blue Note recordings, The Complete Blue Note Recordings of Larry Young. A very early session, Testifying, on New Jazz, was reissued by Fantasy in a limited edition in 1992. Blue Note has also released an anthology package, The Art of Larry Young, available as well.

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Biografía:

 Larry Young, también conocido como Khalid Yasin, ofreció un enfoque tan radical del órgano en los años 60 como Jimmy Smith había posado en los 50. Sus acordes libres y arremolinados, sus líneas de surgimiento y sus improvisaciones influenciadas por el rock eran una alternativa al sonido centrado en el groove, el blues y el soul jazz que se había convertido en la dirección dominante del órgano. Trajo el enfoque de John Coltrane de finales de los 60 al órgano, generando ondas de sonido e influenciando enormemente cualquier sesión en la que participó durante los 60 y 70.

Nacido en Newark, Nueva Jersey en 1940, Young estudió piano en lugar de órgano, aunque más tarde comenzó a tocar el órgano en bandas de R&B en los años 50. Grabó en 1960 con Jimmy Forrest, y luego hizo su primera sesión para Blue Note como líder. A mediados de los 60 tocó y grabó con Grant Green en una vena de hard bop, aunque en ese momento comenzaba sus experimentos. Young trabajó con Joe Henderson, Lee Morgan, Donald Byrd y Tommy Turrentine y realizó una gira por Europa en 1964. Cuando Young fue a Blue Note más tarde ese año, estaba bien encaminado para convertirse en un gran innovador. La influencia post-bop de Coltrane se impuso cada vez más en la forma de tocar y componer de Young, y su obra se volvió mucho más cerebral y exploratoria. Su álbum Into Somethin' de 1965 alertó a todo el mundo de que iba por un camino diferente, y Unity, grabado ese mismo año, sigue siendo su álbum más conocido. Tocó con Coltrane, grabó con Woody Shaw y Elvin Jones, y luego se unió a la banda de Miles Davis en 1969. Young trabajó con John McLaughlin en 1970 y estuvo en el Lifetime de Tony Williams con McLaughlin y Jack Bruce entre otros a principios de los 70. Sólo hizo un par de discos más, para Perception y Arista, ambos desiguales pero con algunos momentos intrigantes. (Ninguno de los dos sellos tenía la más vaga idea de lo que Young estaba tratando de hacer, ni de cómo podían venderlo). Lamentablemente, murió en 1978 a los 38 años. Sólo había hecho un puñado de grabaciones, y sus sellos nunca supieron qué hacer con su música. Mosaic publicó un magnífico conjunto de grabaciones de Young's Blue Note, The Complete Blue Note Recordings of Larry Young. Una sesión muy temprana, Testificando, sobre el Nuevo Jazz, fue reeditada por Fantasy en una edición limitada en 1992. Blue Note también ha publicado un paquete de antología, The Art of Larry Young, disponible también.

VA • Blue Note Rare Grooves

 

Brother Jack McDuff, Candido, Donald Byrd, Elvin Jones, Jimmy McGriff, John Patton, Larry Young, Reuben Wilson, Richard ''Groove'' Holmes, Stanley Turrentine. 

Jimmy McGriff • Cherry

 

 

Biography by Steve Huey
One of the all-time giants of the Hammond B-3, Jimmy McGriff sometimes gets lost amid all the great soul-jazz organists from his hometown of Philadelphia. He was almost certainly the bluesiest of the major soul-jazz pioneers, and indeed, he often insisted that he was more of a blues musician than a jazz artist; nonetheless, he remained eclectic enough to blur the lines of classification. His sound -- deep, down-to-earth grooves drenched in blues and gospel feeling -- made him quite popular with R&B audiences, even more so than some of his peers; what was more, he was able to condense those charms into concise, funky, jukebox-ready singles that often did surprisingly well on the R&B charts. His rearrangement of Ray Charles' "I Got a Woman" was a Top Five R&B hit in 1962, and further hits like "All About My Girl," "Kiko," and "The Worm" followed over the course of the '60s. McGriff spent much of the '70s trying to keep pace with the fusion movement, switching to various electric keyboards and adopting an increasingly smooth, polished style. As the '80s dawned, McGriff gave up trying to sound contemporary and returned to his classic organ-trio sound; as luck would have it, vintage soul-jazz soon came back into vogue with a devoted cult of fans and critics, and McGriff was able to recover his creative vitality and take his place as one of the genre's elder statesmen.

James Harrell McGriff, Jr. was born April 3, 1936, in Philadelphia. His mother and father both played the piano, and he counted saxophonist Benny Golson and soul singer Harold Melvin among his cousins. First getting involved in music through his family's church, he received his first instrument, a drum set, at age eight; by his teen years, he had taken up acoustic bass and alto sax, and also learned vibes, piano, and drums by the time he finished high school. Bass remained his primary instrument for a while, although he was inspired to try his hand at the Hammond organ after seeing Richard "Groove" Holmes at a club in Camden, NJ. However, McGriff was drafted into the military after high school, and served in the Korean War as a military policeman. Upon returning to the United States, he decided to make law enforcement a career, and after completing the necessary training, he worked on the Philadelphia police force for two and a half years. Still, he never lost interest in music, and around 1955 he augmented his day job by working as a bass player behind vocalists like Carmen McRae and, most frequently, Big Maybelle, who had a regular gig at the local Pep's Showboat club.

With the Hammond organ rising in popularity around Philadelphia, jobs for bass players were scarce, and McGriff contacted Groove Holmes about learning the organ, this time in earnest. He bought his own Hammond B-3 in 1956, and spent the next six months practicing as hard as he could, either at Holmes' house or at Archie Shepp's house (where he stored the instrument). Skipping more and more work time to play gigs, he finally quit the police force, and enrolled at the local Combe College to study music. He later moved on to the prestigious Juilliard School of Music in New York, and also studied privately with Milt Buckner, Jimmy Smith, and Sonny Gatewood. McGriff's first recording was the single "Foxy Due," cut for the small White Marsh label in 1958; it featured a young saxophonist named Charles Earland, who subsequently learned the organ from McGriff and, like his mentor, went on to become one of the instrument's quintessential performers.

McGriff was performing in a small club in Trenton, NJ in 1962 when a talent scout from the small Jell label heard him and offered him a chance to record. McGriff's instrumental soul-jazz rearrangement of Ray Charles' classic "I've Got a Woman" was released as a single, and sold well enough for Juggy Murray's New York-based Sue label to pick it up for wider release. With better distribution and promotion behind it, "I've Got a Woman" hit the national charts and became a bona fide hit, climbing into the Top Five on the R&B charts and the Top 20 over on the pop side. Sue issued McGriff's debut album, naturally also titled I've Got a Woman, in 1963; it too was a hit, nearly making the pop Top 20, and it spun off two more charting singles in the McGriff originals "All About My Girl" (number 12 R&B, Top 50 pop) and "M.G. Blues." Sue released several more McGriff albums over the next two years, including the live At the Apollo, Jimmy McGriff at the Organ (which produced the chart single "Kiko"), the holiday hit Christmas With McGriff (actually his highest-charting album at number 15 pop), the charting Topkapi (a collection of soundtrack themes with orchestral backing), and another chart hit, Blues for Mister Jimmy, which proved to be his last on Sue.

In 1966, McGriff moved over to the Solid State label, where he hooked up with producer Sonny Lester, who would helm most of his records through the '70s. He debuted with Jimmy McGriff and the Big Band, which found him fronting an all-star swing orchestra featuring many Count Basie alumni (it was later reissued as A Tribute to Count Basie). McGriff recorded prolifically for Solid State over the remainder of the decade, including albums like A Bag Full of Soul (1966), A Bag Full of Blues (1967), and I've Got a New Woman (1968; mostly a look back at his Sue material). Most notably, though, McGriff scored another hit single with "The Worm," which made the R&B Top 30 and sent the LP of the same name rocketing into the R&B Top Ten in early 1969. In addition to his Solid State recordings, McGriff cut several albums for Blue Note over 1969-1971, most notably Electric Funk, an early foray into jazz-funk fusion that teamed him with arranger/electric pianist Horace Ott; a similar outing that featured pop/rock and R&B covers, Soul Sugar, was released on Capitol during the same period. Additionally, McGriff toured as part of Buddy Rich's band during the late '60s, and again from 1971-1972.

McGriff made Groove Merchant his primary label in 1971, and although he briefly quit the business in 1972 to start a horse farm in Connecticut, the lure of music proved too powerful to overcome. Early in the decade, he alternated between funky electric outings (usually with covers of contemporary rock and R&B hits) and more traditional, small-group organ-jazz settings. Notable albums included 1973's Giants of the Organ Come Together, a summit with mentor and longtime friend Groove Holmes; a duo album with bluesman Junior Parker; 1976's Mean Machine, a slicker jazz-funk LP that returned him to the R&B album chart's Top 50; and the 1977 follow-up Red Beans, which also sold respectably.

After 1977's Tailgunner (on LRC), McGriff's recorded output tailed off over the next few years. He resurfaced on the Milestone label in 1983, debuting with Countdown, a return to his classic, bluesy soul-jazz style that started to bring him back into the jazz spotlight. A series of strong albums followed during the '80s, including 1984's Skywalk, 1985's State of the Art, 1986's acclaimed The Starting Five, and 1988's Blue to the 'Bone (a near-Top Ten hit on the jazz LP charts); he also recorded a one-off session for Headfirst in 1990, You Ought to Think About Me, that made the jazz Top Ten. Additionally, McGriff co-led a group with saxophonist Hank Crawford during the late '80s, which released several albums, including 1990's popular On the Blue Side (number three on the jazz charts). He also returned to his roots in the church by playing on gospel singer Tramaine Hawkins' 1990 live album. McGriff and Crawford moved over to Telarc for a pair of albums over 1994-1995, Right Turn on Blue and Blues Groove. As soul-jazz returned to cult popularity in both America and the U.K., McGriff found himself playing higher-profile gigs and venues on both sides of the Atlantic. He returned to Milestone and resumed his solo career in 1996 with The Dream Team, which featured saxman David "Fathead" Newman and drummer Bernard "Pretty" Purdie, both of whom would become familiar faces on McGriff recordings in the years to come. Follow-ups included solid records like 1998's Straight Up, 2000's McGriff's House Party, 2001's Feelin' It, and 2002's McGriff Avenue, which looked back on some of his '60s hits.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-mcgriff-mn0000076658#biography

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Biografía de Steve Huey
Jimmy McGriff, uno de los gigantes de todos los tiempos del Hammond B-3, a veces se pierde entre todos los grandes organistas de soul-jazz de su ciudad natal de Filadelfia. Era casi con certeza el más blues de los principales pioneros del soul-jazz y, de hecho, a menudo insistía en que era más un músico de blues que un artista de jazz; sin embargo, se mantuvo lo suficientemente ecléctico como para difuminar las líneas de clasificación. Su sonido, ritmos profundos y realistas empapados de blues y sentimiento gospel, lo hizo bastante popular entre el público de R & B, incluso más que algunos de sus compañeros.; lo que es más, fue capaz de condensar esos encantos en sencillos concisos, funky y listos para tocadiscos que a menudo le fueron sorprendentemente bien en las listas de R&B. Su reorganización de "I Got a Woman" de Ray Charles fue un éxito entre los cinco primeros de R&B en 1962, y otros éxitos como "All About My Girl", "Kiko" y "The Worm" siguieron a lo largo de los años 60. McGriff pasó gran parte de los 70 tratando de seguir el ritmo del movimiento de fusión, cambiando a varios teclados eléctricos y adoptando un estilo cada vez más suave y pulido. Al amanecer de los 80, McGriff dejó de intentar sonar contemporáneo y volvió a su sonido clásico de trío de órgano; por suerte, el soul-jazz vintage pronto volvió a ponerse de moda con un culto devoto de fanáticos y críticos, y McGriff pudo recuperar su vitalidad creativa y ocupar su lugar como uno de los estadistas más veteranos del género.

James Harrell McGriff, Jr. nació el 3 de abril de 1936 en Filadelfia. Su madre y su padre tocaban el piano, y contaba con el saxofonista Benny Golson y el cantante de soul Harold Melvin entre sus primos. Primero se involucró en la música a través de la iglesia de su familia, recibió su primer instrumento, una batería, a los ocho años; en su adolescencia, había tomado el bajo acústico y el saxo alto, y también aprendió vibras, piano y batería cuando terminó la escuela secundaria. El bajo siguió siendo su instrumento principal durante un tiempo, aunque se inspiró para probar suerte con el órgano Hammond después de ver a Richard "Groove" Holmes en un club de Camden, Nueva Jersey. Sin embargo, McGriff fue reclutado en el ejército después de la secundaria y sirvió en la Guerra de Corea como policía militar. Al regresar a los Estados Unidos, decidió hacer de la aplicación de la ley una carrera y, después de completar la capacitación necesaria, trabajó en la fuerza policial de Filadelfia durante dos años y medio. Aún así, nunca perdió el interés por la música, y alrededor de 1955 aumentó su trabajo diario trabajando como bajista detrás de vocalistas como Carmen McRae y, con mayor frecuencia, Big Maybelle, quien tenía un concierto regular en el club local Pep's Showboat.

Con el órgano Hammond ganando popularidad en Filadelfia, los trabajos para bajistas eran escasos, y McGriff contactó a Groove Holmes para aprender el órgano, esta vez en serio. Compró su propio Hammond B-3 en 1956 y pasó los siguientes seis meses practicando tan duro como pudo, ya sea en la casa de Holmes o en la casa de Archie Shepp(donde guardaba el instrumento). Saltándose más y más tiempo de trabajo para tocar, finalmente renunció a la fuerza policial y se inscribió en el Combe College local para estudiar música. Más tarde se trasladó a la prestigiosa Juilliard School of Music de Nueva York, y también estudió en privado con Milt Buckner, Jimmy Smith y Sonny Gatewood. La primera grabación de McGriff fue el sencillo "Foxy Due", grabado para el pequeño sello White Marsh en 1958; presentaba a un joven saxofonista llamado Charles Earland, quien posteriormente aprendió el órgano de McGriff y, como su mentor, se convirtió en uno de los intérpretes por excelencia del instrumento.

McGriff estaba actuando en un pequeño club en Trenton, Nueva Jersey, en 1962, cuando un cazatalentos del pequeño sello Jell lo escuchó y le ofreció la oportunidad de grabar. La reorganización instrumental de soul-jazz de McGriff del clásico de Ray Charles "I've Got a Woman" se lanzó como sencillo y se vendió lo suficientemente bien como para que el sello Sue de Juggy Murray, con sede en Nueva York, lo recogiera para un lanzamiento más amplio. Con una mejor distribución y promoción detrás ,"I've Got a Woman" llegó a las listas nacionales y se convirtió en un éxito de buena fe, subiendo al Top Cinco en las listas de R&B y al Top 20 en el lado pop. Sue publicó el álbum debut de McGriff, naturalmente también titulado I've Got a Woman, en 1963; también fue un éxito, casi llegando al Top 20 del pop, y generó dos sencillos más en las listas de éxitos de McGriff originals "All About My Girl" (número 12 de R & B, Top 50 pop) y " M. G. Blues."Sue lanzó varios álbumes más de McGriff durante los siguientes dos años, incluidos live At the Apollo, Jimmy McGriff at the Organ (que produjo el sencillo "Kiko"), el éxito navideño Christmas With McGriff (en realidad, su álbum más alto en las listas en el número 15 pop), Topkapi (una colección de temas de la banda sonora con respaldo orquestal) y otro éxito en las listas, Blues for Mister Jimmy, que resultó ser el último con Sue.

En 1966, McGriff se mudó al sello Solid State, donde se conectó con el productor Sonny Lester, quien dirigiría la mayoría de sus discos durante los años 70. Debutó con Jimmy McGriff y la Big Band,que lo encontró al frente de una orquesta de swing de estrellas con muchos alumnos de Count Basie (más tarde se reeditó como tributo a Count Basie). McGriff grabó prolíficamente para Solid State durante el resto de la década, incluidos álbumes como A Bag Full of Soul (1966), A Bag Full of Blues (1967) y I've Got a New Woman (1968; principalmente una mirada retrospectiva a su material de Sue). Sin embargo, lo más notable es que McGriff obtuvo otro sencillo exitoso con "The Worm", que llegó al Top 30 de R&B y envió al LP del mismo nombre al Top Ten de R&B a principios de 1969. Además de sus grabaciones de Solid State, McGriff grabó varios álbumes para Blue Note entre 1969 y 1971, sobre todo Electric Funk, una incursión temprana en la fusión jazz-funk que lo unió con el arreglista/pianista eléctrico Horace Ott; una salida similar que incluía versiones de pop/rock y R&B, Soul Sugar, fue lanzada en Capitol durante el mismo período. Además, McGriff realizó una gira como parte de la banda de Buddy Rich a fines de los 60, y nuevamente entre 1971 y 1972.

McGriff convirtió a Groove Merchant en su sello principal en 1971, y aunque abandonó brevemente el negocio en 1972 para iniciar una granja de caballos en Connecticut, el atractivo de la música resultó demasiado poderoso para superarlo. A principios de la década, alternó entre salidas eléctricas funky (generalmente con versiones de éxitos de rock contemporáneo y R&B) y escenarios de jazz de órgano más tradicionales y de grupos pequeños. Álbumes notables incluyeron Giants of the Organ Come Together de 1973, a summit con su mentor y viejo amigo Groove Holmes; un álbum a dúo con el bluesman Junior Parker; Mean Machine de 1976, un LP de jazz-funk más pulido que lo devolvió al Top 50 de la lista de álbumes de R&B; y el seguimiento de 1977 Red Beans, que también se vendió respetablemente.

Después de Tailgunner de 1977 (en LRC), la producción grabada de McGriff disminuyó en los años siguientes. Resurgió en el sello Milestone en 1983, debutando con Countdown, un regreso a su estilo clásico de blues soul-jazz que comenzó a llevarlo de regreso al centro de atención del jazz. Una serie de álbumes fuertes siguieron durante los años 80, incluidos Skywalk de 1984, State of the Art de 1985, el aclamado The Starting Five de 1986 y Blue to the 'Bone de 1988 (un éxito cercano al Top Ten en las listas de LP de jazz); también grabó una sesión única para Headfirst en 1990, You Ought to Think About Me, que llegó al Top Ten del jazz. Además, McGriff codirigió un grupo con el saxofonista Hank Crawford a fines de los 80, que lanzó varios álbumes, incluido popular On the Blue Side de 1990 (número tres en las listas de jazz). También regresó a sus raíces en la iglesia tocando en el álbum en vivo de la cantante de gospel Tramaine Hawkins en 1990. McGriff y Crawford se mudaron a Telarc para un par de álbumes entre 1994 y 1995, Right Turn on Blue and Blues Groove. A medida que el soul-jazz volvió a la popularidad de culto tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido, McGriff se encontró tocando en conciertos y lugares de alto perfil a ambos lados del Atlántico. Regresó a Milestone y reanudó su carrera en solitario en 1996 con Dream Team, que contó con el saxofonista David "Fathead" Newman y el baterista Bernard "Pretty" Purdie, quienes se convertirían en caras conocidas en McGriff recordings en los años venideros. Los seguimientos incluyeron discos sólidos como Straight Up de 1998, Mcgriff's House Party de 2000, Feelin' It de 2001 y McGriff Avenue de 2002, que recordaba algunos de sus éxitos de los 60.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-mcgriff-mn0000076658#biography

Barney Kessel • Workin' Out!

Review by Scott Yanow

For this lesser-known effort by Barney Kessel (reissued on a 1998 CD), the guitarist is heard shortly after he decided to forego his career in the studios and try to make a living playing jazz full-time. He formed a quartet that also included three now-obscure players: Marvin Jenkins on piano and occasional flute, bassist Jerry Good, and drummer Stan Popper. Kessel plays well during a program that is highlighted by Jenkins' "Good Li'l Man," "When Johnny Comes Marching Home," Ahmad Jamal's "New Rhumba," and the guitarist's own "Pedal Point." Nothing all that unusual occurs, but the music is fine modern mainstream jazz from the early '60s.

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Revisión por Scott Yanow

Para este esfuerzo menos conocido de Barney Kessel (reeditado en un CD de 1998), el guitarrista se escucha poco después de que él decidió renunciar a su carrera en los estudios y tratar de ganarse la vida tocando jazz a tiempo completo. Formó un cuarteto que también incluía tres jugadores ahora oscuros: Marvin Jenkins en el piano y flauta ocasional, el bajista Jerry Good y el baterista Stan Popper. Kessel juega bien durante un programa destacado por "Good Li'l Man" de Jenkins, "Cuando Johnny Comes Marching Home", "New Rhumba" de Ahmad Jamal y "Pedal Point" del guitarrista. No ocurre nada tan inusual, pero la música es un buen jazz moderno de principios de los 60.

Zoot Sims • Zoot Suite

 

Review
by Thom Jurek
High Note finally issued this unreleased 1973 live date that puts leader Zoot Sims in the company of pianist Jimmy Rowles, bassist George Mraz and drummer Mousie Alexander. Most of the tunes are standards, but there is a rather rare Sims appearance on the soprano saxophone on "Rocking in Rhythm." The sound here is fine for a club performance though the players are a tad raw. That said, the performance, particularly that of Rowles, is swinging, hot, and blue.
https://www.allmusic.com/album/zoot-suite-mw0000564406

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Reseña
por Thom Jurek
High Note finalmente publicó esta fecha inédita en vivo de 1973 que pone al líder Zoot Sims en compañía del pianista Jimmy Rowles, el bajista George Mraz y el baterista Mousie Alexander. La mayoría de los temas son estándares, pero hay una rara aparición de Sims con el saxo soprano en "Rocking in Rhythm". El sonido está bien para una actuación de club, aunque los intérpretes son un poco crudos. Dicho esto, la interpretación, especialmente la de Rowles, es vibrante, ardiente y azul.
https://www.allmusic.com/album/zoot-suite-mw0000564406

 

zootsims.jazzgiants.net ...

Ad Van Den Hoed Kwartet • King's Clarinet

Dutch jazz musician and bandleader. Plays clarinet and saxophone.

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Músico holandés de jazz y director de banda. Toca el clarinete y el saxofón.
 

 

 

Grant Green • Iron City

By DOUGLAS PAYNE

Published: April 1, 1998

For guitarist Grant Green (1931-79), the years between 1965 and 1969 were lost in a battle with drugs. His graceful, easily identifiable single note phrases had caught many listeners' attention with a wide variety of excellent Blue Note dates between 1960 and 1965. Seemingly able to master any style, he never once diminished the force or appeal of his own personality. Leaving Blue Note, he recorded two albums for Verve in 1965 (one remains unreleased), then wasn't heard from again until 1969. But somewhere in 1967, he teamed with former Lou Donaldson rhythm-mates John Patton (organ) and Ben Dixon (drums) and recorded, Iron City, his best ever organ-trio record.

Presumably recorded for then-thriving Prestige Records, Iron City was first issued in 1972 on Cobblestone Records and again in 1978 on Muse. Now that 32Jazz has introduced it on CD, a new generation of jazz listeners can hear how forceful the guitarist could be in the right funk. Freed from the constraints of well-rehearsed Blue Note staidness, Green and company let loose here in a rip-roaring, mostly up-tempo program of solid winners.

Green's own "Iron City" is one of his catchiest funk pieces and Patton and Dixon are down, deep in the groove. This trio even swings Luis Bonfa's sticky-sweet, overplayed "Samba de Orfeu" so hard its titled "Samba de Orpheus." "Old Man Moses," (which Green first covered in 1962 on the excellent Feelin' the Spirit ), is the disc's centerpiece. Stating the theme, the trio works itself into "A Love Supreme" groove and responds with praiseworthy playing that shows how well good heads can work the feet.

Patton is especially muscular and memorable here and, overall, pulls off one the best performances of his career (acid-jazzers could find plenty of meaty samples here too). "High Heeled Sneakers" and "Work Song" are the standard soul-jazz warhorses - but each gets thorough, no-holds-barred workouts from Green and crew. The moody blue of "Motherless Child" (another return to Feelin' the Spirit ) is also sensitively - and intuitively - handled by the trio, but in a way that does not compromise toward sentimentality.

The disc's sound is pristine and really brings out Patton's pedalwork and Dixon's subtle technique more than the old records did. Iron City is, if not Green's best organ-trio record, surely his last "great" recorded performance. After returning to active recording in 1969, he resorted to mostly mindless vamps, rehashed pet licks and, too often, the company of associates and material well beneath his talent. Iron City suggests that only the best was to still to come.

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Por DOUGLAS PAYNE

Publicado: 1 de abril de 1998

Para el guitarrista Grant Green (1931-79), los años entre 1965 y 1969 se perdieron en una batalla contra las drogas. Sus elegantes y fácilmente identificables frases de una sola nota habían llamado la atención de muchos oyentes con una amplia variedad de excelentes fechas de Blue Note entre 1960 y 1965. Aparentemente capaz de dominar cualquier estilo, nunca disminuyó la fuerza o el atractivo de su propia personalidad. Dejando Blue Note, grabó dos álbumes para Verve en 1965 (uno permanece inédito), y luego no se supo de él hasta 1969. Pero en algún momento de 1967, se unió a sus antiguos compañeros de ritmo de Lou Donaldson John Patton (órgano) y Ben Dixon (batería) y grabó Iron City, su mejor disco de órgano y trío.

Presumiblemente grabada para los entonces prósperos Prestige Records, Iron City se publicó por primera vez en 1972 en Cobblestone Records y de nuevo en 1978 en Muse. Ahora que 32Jazz lo ha presentado en CD, una nueva generación de oyentes de jazz puede escuchar lo enérgico que puede ser el guitarrista en el funk adecuado. Liberados de las limitaciones de la bien ensayada seriedad de Blue Note, Green y compañía se dejaron llevar por un programa de ganadores sólidos, en su mayoría a ritmo acelerado.

La propia "Ciudad de Hierro" de Green es una de sus piezas de funk más pegadizas y Patton y Dixon están en el fondo de la onda. Este trío incluso sacude el pegajoso y dulce "Samba de Orfeu" de Luis Bonfa con tanta fuerza que se titula "Samba de Orpheus". "Old Man Moses," (que Green cubrió por primera vez en 1962 en el excelente Feelin' the Spirit), es la pieza central del disco. En cuanto al tema, el trío se trabaja a sí mismo en el ritmo de "A Love Supreme" y responde con una interpretación loable que demuestra lo bien que las buenas cabezas pueden hacer funcionar los pies.

Patton es especialmente musculoso y memorable aquí y, en general, consigue una de las mejores actuaciones de su carrera (los acid jazzers también pueden encontrar muchas muestras de carne aquí). Las "Zapatillas de tacón alto" y la "Canción de trabajo" son los caballos de guerra estándar de soul-jazz - pero cada uno recibe entrenamiento completo y sin restricciones de Green y la tripulación. El azul malhumorado de "Motherless Child" (otro regreso a Feelin' the Spirit) también es manejado sensible e intuitivamente por el trío, pero de una manera que no compromete el sentimentalismo.

El sonido del disco es prístino y realmente resalta el pedaleo de Patton y la técnica sutil de Dixon más de lo que lo hacían los viejos discos. Iron City es, si no el mejor disco de órgano y trío de Green, seguramente su última "gran" actuación registrada. Después de regresar a la grabación activa en 1969, recurrió en su mayoría a vampiros descerebrados, volvió a lamer mascotas y, con demasiada frecuencia, a la compañía de asociados y material muy por debajo de su talento. Iron City sugiere que sólo lo mejor estaba por venir.

George Shearing • Black Satin

 

Biography

George Shearing enjoys an international reputation as a pianist, arranger and composer. Equally at home on the concert stage as in jazz clubs, Shearing is recognized for inventive, orchestrated jazz. He has written over 300 compositions, including the classic “Lullaby of Birdland,” which has become a jazz standard.

Shearing was born in 1919 in the Battersea area of London. Congenitally blind, he was the youngest of nine children. His father delivered coal and his mother cleaned trains at night after caring for the children during the day. His only formal musical education consisted of four years of study at the Linden Lodge School for the Blind. While his talent won him a number of university scholarships, he was forced to refuse them in favor of a more financially productive pursuit…playing piano in a neighborhood pub for the handsome salary of $5 a week! Shearing joined an all-blind band in the 1930’s. At that time he developed a friendship with the noted jazz critic and author, Leonard Feather. Through this contact, he made his first appearance on BBC radio.

In 1947, Mr. Shearing moved to America, where he spent two years establishing his fame on this side of the Atlantic. The Shearing Sound commanded national attention when, in 1949, he gathered a quintet to record “September in the Rain” for MGM. The record was an overnight success and sold 900,000 copies. His U.S. reputation was permanently established when he was booked into Birdland, the legendary jazz spot in New York. Since then, he has become one of the country’s most popular performing and recording artist. In 1982 and 1983 he won Grammy Awards with recordings he made with Mel Torme. Mr. Shearing was the subject of an hour-long television documentary entitled “The Shearing Touch” presented on the Southbank Show with Melvyn Bragg on ITV in the UK. Three presidents have invited Mr. Shearing to play at the White House.. Ford, Carter and Reagan. He performed at the Royal Command Performance for Queen Elizabeth II and Prince Philip. He is a member of the Friars Club and the Lotos Club in New York and the Bohemian Club in San Francisco.

His awards and honors are many. In May 1975, he received an honorary degree of Doctor of Music from Westminster College in Salt Lake City. In May of 1994, Hamilton College in upstate New York awarded him another honorary doctorate in music. DePauw University in Greencastle, Indiana presented him with an honorary doctorate of music on June 1, 2002. He received the prestigious Horatio Alger Award for Distinguished Americans in 1978 and a community recreational facility in Battersea, south London, was named the George Shearing Centre in his honor. In May of 1993, he was presented with the British equivalent of the Grammy…the Ivor Novello Award for Lifetime Achievement. In June of 1996, Mr. Shearing was included in the Queen’s Birthday Honors List and on November 26, 1996 he was invested by Queen Elizabeth II at Buckingham Palace as an Officer of the Order of the British Empire for his “service to music and Anglo-US relations.” He was presented the first American Music Award by the National Arts Club, New York City, in March of 1998.

In 1999, his 80th birthday was celebrated in England where he played to a sold-out house at the Birmingham Symphony Hall. Also appearing with him were the BBC Big Band, the strings of the London Symphony, Dame Cleo Laine and John Dankworth. BBC Radio 2 presented a 2 1/2-hour “Salute to Shearing” in honor of his birthday. The following year another sold-out house at Carnegie Hall was treated to his birthday celebration featuring the George Shearing Quintet with Nancy Wilson, Dave Brubeck, Dr. Billy Taylor, the John Pizzarelli Trio, Tito Puente and Peter Schickele who brought a special greeting from PDQ Bach! Mr. Shearing’s biography, “Lullaby of Birdland,” published by Continuum, was released February 2005. In conjunction with the autobiography release Concord Records released a composite of Shearing recordings in a 2-CD set entitled “Lullabies of Birdland.: A Musical Autobiography” which was immediately followed up with “Hopeless Romantics” with Michael Feinstein. Concord then released the collectors set Mel Tormé & George Shearing The Concord Years. Mr. Shearing’s popularity continues to rise.

In November 2006, a letter arrived from the Prime Minister's office in London reading, in part, “The Prime Minister has asked me to inform you, in strict confidence, that .......he has it in mind, on the occasion of the forthcoming list of New Year Honours, to submit your name to The Queen with a recommendation that Her Majesty may be graciously pleased to approve that the honour of Knighthood be conferred upon you.” When the letter was read to him, George simply said, “I don't know why I'm getting this honor.....I've just been doing what I love to do.” And, when asked by the press how he felt about receiving the highest honor the Queen can give, he replied, “My mind keeps flashing back on my beginnings as pianist playing in a pub for the equivalent of $5.00 a week. What a journey it has been from that pub to Buckingham Palace. Receiving such an honor as a Knighthood might also show young people what can be achieved in life if one learns his craft and follows his dreams.”

So, the poor, blind kid from Battersea named George Shearing, the youngest of nine, whose father once delivered coal to the Palace, with four years of formal musical training but with a tremendous will to make good, traveled with his wife, Ellie, to London to claim his honor. On June 13, 2007 George was presented to Queen Elizabeth II in the Ballroom of Buckingham Palace. The Queen first touched him on each shoulder with the sword her father had used, then stepped down off the dais to put the medal around his neck, adjusted it, shook hands with him and talked to him for several minutes. He became Sir George Shearing “for his contribution to music”, as the Lord Chamberlain put it. Now, that's a fairy tale come true!

After the ceremony, Sir George and Lady Shearing hosted a luncheon for some of their closest friends including Dame Cleo Laine and Sir John Dankworth, the BBC personality and interviewer, Michael Parkinson (who championed George's receiving a Knighthood on his radio and television shows), and the actress Julia McKenzie.

The following week, Sir George's relatives came to lunch.....including his 97-year-old sister, Dolly. She was the life of the party....leading the Sing-Song between courses of the meal! And the celebratiions didn't stop there. The Shearings hosted a tea for the member of Parliament and former Home Secretary, David Blunkett, along with the Dean of Canterbury, The Very Reverend Robert Willis. Mr. Blunkett was also born blind and lived for ten years right next door to the Linden Lodge for the Blind.

And, the honors keep coming! Back in New York, on October 21, 2007, the Town Hall Foundation presented Sir George with its Annual Friend of the Arts Award “in recognition and appreciation of his babiding interest in the development, enrichment and support of the arts”. With this award also came a medal placque, bearing Sir George's name, being placed on the back of one the seats in the legendary Town Hall.

But, come July 1 every year, one can find the Shearings traveling from their New York City apartment up to the beautiful Berkshires near Tanglewood where, for the entire summer, they will attend concerts by the Boston Symphony, entertain their many friends (both in and out of the music profession), and, yes, listen to the crickets while sipping a glass of wine while simply enjoying life together.

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Biografía

George Shearing goza de una reputación internacional como pianista, arreglista y compositor. Igualmente en casa en el escenario de conciertos como en los clubes de jazz, Shearing es reconocido por su ingenioso jazz orquestado. Ha escrito más de 300 composiciones, incluido el clásico "Lullaby of Birdland", que se ha convertido en un estándar de jazz.

Shearing nació en 1919 en el área de Battersea de Londres. Congénitamente ciego, era el más joven de nueve hijos. Su padre entregó carbón y su madre limpió los trenes por la noche después de cuidar a los niños durante el día. Su única educación musical formal consistió en cuatro años de estudio en la Linden Lodge School for the Blind. Si bien su talento le valió una serie de becas universitarias, se vio obligado a rechazarlas a favor de una búsqueda más productiva económicamente ... ¡tocar el piano en un pub del vecindario por el atractivo salario de $ 5 por semana! Shearing se unió a una banda totalmente ciega en la década de 1930. En ese momento desarrolló una amistad con el notable crítico y autor de jazz, Leonard Feather. A través de este contacto, hizo su primera aparición en la radio de la BBC.

En 1947, el Sr. Shearing se mudó a América, donde pasó dos años estableciendo su fama en este lado del Atlántico. The Shearing Sound atrajo la atención nacional cuando, en 1949, reunió un quinteto para grabar "September in the Rain" para MGM. El récord fue un éxito de la noche a la mañana y vendió 900,000 copias. Su reputación en los Estados Unidos se estableció de forma permanente cuando fue contratado en Birdland, el legendario lugar de jazz en Nueva York. Desde entonces, se ha convertido en uno de los artistas de interpretación y grabación más populares del país. En 1982 y 1983 ganó los premios Grammy con grabaciones que hizo con Mel Torme. Shearing fue el tema de un documental de televisión de una hora titulado "The Shearing Touch" presentado en el Southbank Show con Melvyn Bragg en ITV en el Reino Unido. Tres presidentes invitaron al Sr. Shearing a jugar en la Casa Blanca. Ford, Carter y Reagan. Actuó en el Royal Command Performance para la Reina Isabel II y el Príncipe Felipe. Es miembro del Friars Club y del Lotos Club de Nueva York y del Bohemian Club de San Francisco.

Sus premios y honores son muchos. En mayo de 1975, recibió un título honorario de Doctor en Música de Westminster College en Salt Lake City. En mayo de 1994, el Hamilton College en el estado de Nueva York le otorgó otro doctorado honorario en música. La Universidad DePauw en Greencastle, Indiana, le otorgó un doctorado honorario en música el 1 de junio de 2002. Recibió el prestigioso Premio Horatio Alger para estadounidenses distinguidos en 1978 y una instalación recreativa comunitaria en Battersea, al sur de Londres, fue nombrado el Centro George Shearing en Su honor. En mayo de 1993, recibió el equivalente británico del Grammy ... el premio Ivor Novello por su trayectoria. En junio de 1996, el Sr. Shearing fue incluido en la Lista de Honores del Cumpleaños de la Reina y el 26 de noviembre de 1996 fue investido por la Reina Isabel II en el Palacio de Buckingham como Oficial de la Orden del Imperio Británico por su "servicio a la música y el anglo - Relaciones con los Estados Unidos ”. En marzo de 1998 recibió el primer American Music Award del National Arts Club de la ciudad de Nueva York.

En 1999, su 80 cumpleaños se celebró en Inglaterra, donde tocó en una casa con entradas agotadas en el Birmingham Symphony Hall. También aparecieron con él la BBC Big Band, las cuerdas de la Sinfónica de Londres, Dame Cleo Laine y John Dankworth. BBC Radio 2 presentó un "Salute to Shearing" de 2 1/2 horas en honor a su cumpleaños. Al año siguiente, otra casa con entradas agotadas en el Carnegie Hall recibió la celebración de su cumpleaños con el Quinteto George Shearing con Nancy Wilson, Dave Brubeck, el Dr. Billy Taylor, el John Pizzarelli Trio, Tito Puente y Peter Schickele, quienes recibieron un saludo especial de PDQ Bach! La biografía del Sr. Shearing, "Lullaby of Birdland", publicada por Continuum, se publicó en febrero de 2005. Junto con el lanzamiento de la autobiografía, Concord Records lanzó un compuesto de grabaciones de Shearing en un conjunto de 2 CD titulado "Lullabies of Birdland .: A Musical Autobiography "Que fue seguido inmediatamente por" Románticos sin esperanza "con Michael Feinstein. Concord luego lanzó el set de coleccionistas Mel Tormé y George Shearing The Concord Years. La popularidad del Sr. Shearing continúa aumentando.

En noviembre de 2006, llegó una carta de la oficina del Primer Ministro en Londres que decía, en parte, "El Primer Ministro me ha pedido que le informe, en estricta confidencialidad, que ....... lo tiene en mente, en el ocasión de la próxima lista de Honores de Año Nuevo, para enviar su nombre a La Reina con una recomendación de que Su Majestad pueda agradarle gentilmente aprobar que se le otorgue el honor de Caballero ”. Cuando le leyeron la carta, George simplemente dijo: "No sé por qué obtengo este honor ... Acabo de hacer lo que amo hacer". Y, cuando la prensa me preguntó cómo se sentía acerca de recibir el honor más alto de la Reina puede dar, él respondió: “Mi mente sigue recordando mis comienzos como pianista tocando en un pub por el equivalente a $ 5.00 por semana. Qué viaje ha sido desde ese pub hasta el Palacio de Buckingham. Recibir tal honor como Caballería también podría mostrar a los jóvenes lo que se puede lograr en la vida si uno aprende su oficio y sigue sus sueños ".

Entonces, el pobre niño ciego de Battersea llamado George Shearing, el más joven de nueve años, cuyo padre una vez entregó carbón al Palacio, con cuatro años de entrenamiento musical formal pero con una tremenda voluntad de hacer el bien, viajó con su esposa, Ellie, a Londres para reclamar su honor. El 13 de junio de 2007, George fue presentado a la reina Isabel II en el salón de baile del Palacio de Buckingham. La Reina primero lo tocó en cada hombro con la espada que su padre había usado, luego se bajó del estrado para poner la medalla alrededor de su cuello, la ajustó, le estrechó la mano y habló con él durante varios minutos. Se convirtió en Sir George Shearing "por su contribución a la música", como lo expresó Lord Chamberlain. Ahora, eso es un cuento de hadas hecho realidad!

Después de la ceremonia, Sir George y Lady Shearing organizaron un almuerzo para algunos de sus amigos más cercanos, incluidos Dame Cleo Laine y Sir John Dankworth, la personalidad y entrevistador de la BBC, Michael Parkinson (quien defendió que George recibiera un título de Caballero en sus programas de radio y televisión) y la actriz Julia McKenzie.

La semana siguiente, los familiares de Sir George vinieron a almorzar ... incluyendo a su hermana Dolly, de 97 años. Ella era la vida de la fiesta ... ¡guiando la canción de canto entre los platos de la comida! Y las celebraciones no se detuvieron allí. The Shearings organizó un té para el miembro del Parlamento y el ex Ministro del Interior, David Blunkett, junto con el Decano de Canterbury, The Very Reverend Robert Willis. El Sr. Blunkett también nació ciego y vivió durante diez años justo al lado de Linden Lodge for the Blind.

Y, los honores siguen llegando! De regreso en Nueva York, el 21 de octubre de 2007, la Town Hall Foundation le otorgó a Sir George su Premio Anual Amigo de las Artes "en reconocimiento y aprecio por su interés en el desarrollo, enriquecimiento y apoyo de las artes". Con este premio también vino una placa de medalla, con el nombre de Sir George, que se coloca en la parte posterior de uno de los asientos en el legendario Ayuntamiento.

Pero, el 1 de julio de cada año, uno puede encontrar a los Shearings viajando desde su apartamento de la ciudad de Nueva York hasta los hermosos Berkshires cerca de Tanglewood donde, durante todo el verano, asistirán a conciertos de la Sinfónica de Boston, entretendrán a sus muchos amigos (ambos en y fuera de la profesión de la música) y, sí, escuchen los grillos mientras beben una copa de vino mientras simplemente disfrutan de la vida juntos.

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Les McCann • Another Beginning

 

Biography

Les McCann reached the peak of his career at the 1969 Montreux Jazz Festival, recording "Compared to What" and "Cold Duck Time" for Atlantic (Swiss Movement) with Eddie Harris and Benny Bailey. Although he has done some worthwhile work since then, much of it has been anticlimactic.

McCann first gained some fame in 1956 when he won a talent contest in the Navy as a singer that resulted in an appearance on television on The Ed Sullivan Show. After being discharged, he formed a trio in Los Angeles. McCann turned down an invitation to join the Cannonball Adderley Quintet so he could work on his own music. He signed a contract with Pacific Jazz and in 1960 gained some fame with his albums Les McCann Plays the Truth and The Shout. His soulful, funk style on piano was influential and McCann's singing was largely secondary until the mid-'60s. He recorded many albums for Pacific Jazz during 1960-1964, mostly with his trio but also featuring Ben Webster, Richard "Groove" Holmes, Blue Mitchell, Stanley Turrentine, Joe Pass, the Jazz Crusaders, and the Gerald Wilson Orchestra.

McCann switched to Limelight during 1965-1967 and then signed with Atlantic in 1968. After the success of Swiss Movement, McCann emphasized his singing at the expense of his playing and he began to utilize electric keyboards, notably on 1972's Layers. His recordings became less interesting to traditional jazz fans from that point on, and after his Atlantic contract ran out in 1976, McCann appeared on records much less often. However, he stayed popular and a 1994 reunion tour with Eddie Harris was quite successful. A mid-'90s stroke put him out of action for a time and weakened his keyboard playing (his band began carrying an additional keyboardist) but Les McCann returned to a more active schedule during 1996 and was still a powerful singer. His comeback was solidified by 2002's Pump It Up, a guest-heavy celebration of funk and jazz released on ESC Records.

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Biografía

Les McCann alcanzó la cima de su carrera en el Festival de Jazz de Montreux de 1969, grabando "Compared to What" y "Cold Duck Time" para Atlantic (Swiss Movement) con Eddie Harris y Benny Bailey. Aunque desde entonces ha hecho algunos trabajos que valen la pena, muchos de ellos han sido anticlimáticos.

McCann ganó cierta fama en 1956 cuando ganó un concurso de talentos en la Marina como cantante que resultó en una aparición en televisión en el programa The Ed Sullivan Show. Después de ser dado de alta, formó un trío en Los Ángeles. McCann rechazó una invitación para unirse al Quinteto Cannonball Adderley para poder trabajar en su propia música. Firmó un contrato con Pacific Jazz y en 1960 ganó algo de fama con sus álbumes Les McCann Plays the Truth y The Shout. Su estilo soul y funk en el piano fue influyente y el canto de McCann fue en gran parte secundario hasta mediados de los años 60. Grabó muchos álbumes para Pacific Jazz durante 1960-1964, principalmente con su trío, pero también con Ben Webster, Richard "Groove" Holmes, Blue Mitchell, Stanley Turrentine, Joe Pass, los Jazz Crusaders y la Orquesta de Gerald Wilson.

McCann cambió a Limelight durante 1965-1967 y luego firmó con Atlantic en 1968. Después del éxito del Movimiento Suizo, McCann enfatizó su canto a expensas de su forma de tocar y comenzó a utilizar los teclados eléctricos, sobre todo en las Capas de 1972. Sus grabaciones se volvieron menos interesantes para los aficionados al jazz tradicional a partir de ese momento, y después de que su contrato con Atlantic se agotara en 1976, McCann apareció en discos con mucha menos frecuencia. Sin embargo, se mantuvo popular y una gira de reunión de 1994 con Eddie Harris fue bastante exitosa. Un derrame cerebral a mediados de los 90 lo dejó fuera de combate durante un tiempo y debilitó su capacidad de tocar el teclado (su banda comenzó a llevar un teclista adicional) pero Les McCann volvió a un horario más activo durante 1996 y seguía siendo un cantante poderoso. Su regreso se solidificó con Pump It Up de 2002, una celebración del funk y el jazz lanzada por ESC Records.

 

 

Big John Patton • Oh Baby

Review:

Patton's fourth album for Blue Note. Big John Patton with Grant Green on guitar and Harold Vick on tenor sax. With tunes like "Fat Judy" and "Good Juice," there is no worry about there being a groove. The addition of a trumpet (Blue Mitchell) means you have a horn section, and this tends to be a little much now and again. Although a little on the light side, thanks to Patton and Green, the groove does go down.

by Michael Erlewine

https://www.allmusic.com/album/oh-baby%21-mw0000766666

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Reseña:

El cuarto álbum de Patton para Blue Note. Big John Patton con Grant Green en la guitarra y Harold Vick en el saxo tenor. Con temas como "Fat Judy" y "Good Juice", no hay que preocuparse de que haya un ritmo. La adición de una trompeta (Blue Mitchell) significa que tienes una sección de trompetas, y esto tiende a ser un poco demasiado de vez en cuando. Aunque un poco en el lado de la luz, gracias a Patton y Green, el surco se reduce.

por Michael Erlewine

https://www.allmusic.com/album/oh-baby%21-mw0000766666

Steve Lacy • Soprano Sax

Soprano Sax (also released as Soprano Today) is the debut album by Steve Lacy which was released on the Prestige label in 1958. It features performances by Lacy, Wynton Kelly, Buell Neidlinger and Dennis Charles.

The Allmusic review by Bob Rusch awarded the album 4.5 stars stating "This was the first of three recordings soprano saxophonist Steve Lacy made for Prestige and this 11/1/57 session was his first as a leader...There was a controlled tension to this date, like everybody's trying to play, carefully, to a common goal. It's almost as if someone were present to make sure everybody stayed within obvious perimeters."

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Soprano Sax (también lanzado como Soprano Today) es el álbum debut de Steve Lacy, que fue lanzado en el sello Prestige en 1958. Presenta actuaciones de Lacy, Wynton Kelly, Buell Neidlinger y Dennis Charles.

La revisión de Allmusic por Bob Rusch le otorgó al álbum 4.5 estrellas diciendo "Esta fue la primera de las tres grabaciones que el saxofonista soprano Steve Lacy hizo para Prestige y esta sesión del 11/1/57 fue su primera como líder ... Hubo una tensión controlada para esta fecha, como todo el mundo intenta jugar, con cuidado, hacia un objetivo común. Es casi como si alguien estuviera presente para asegurarse de que todos permanecieran dentro de los perímetros obvios ".

 

 

Baden Powell • Apresentando Baden Powell e Seu Violão

 

Baden Powell de Aquino (1937-2000) was born in Varre-e-Sai in the state of Rio de Janeiro, Brazil. His father, a scouting enthusiast, named him after Lord Robert Baden-Powell. When he was three, his family relocated to a suburb in the city of Rio de Janeiro. The new surroundings proved profoundly influential. His house was a stop for popular musicians during his formative years. He soon started guitar lessons with Jayme Florence (”Meira”), a famous choro guitarist, in the 1940s. He proved a young virtuoso, having won many talent competitions before he was a teenager. At age fifteen, he was already playing professionally, accompanying singers and bands in various styles. As a youngster, he was fascinated by swing and jazz, but his main influences were firmly rooted in the Brazilian guitar canon.

He first achieved notoriety in 1959 by convincing singer/composer Billy Blanco to put lyrics to one of his compositions. The result was “Samba Triste,” which has been covered by many artists, including Stan Getz and Charlie Byrd on their seminal LP Jazz Samba.

In 1962, he met the poet/diplomat Vincius de Moraes and began a collaboration that yielded some true classics of 1960s Brazilian music. Although bossa nova was the prevailing sound of the times, Baden and Vinicius wanted to transcend the then-fashionable sound by blending Afro-Brazilian sacred and secular music with Rio-style samba. The most enduring result are their “Afro-Sambas,” released on LP in 1966. During the 1960s, Baden studied advanced harmony with Moacir Santos, released recordings on the Brazilian labels Elenco and Forma, as well as in the French label Barclay and the German label MPS/Saba. His 1966 Tristeza on Guitar is considered by many to be a high point in his career. In addition, he was the house guitarist for Elenco, and Elis Regina's TV show “O Fino da Bossa”.

In 1968, he partnered with poet Paulo Cesar Pinheiro and produced another series of Afro-Brazilian inspired music released in 1970 as Os Cantores da Lapinha.

He visited and toured Europe frequently in the 1960s, relocating permanently to France in 1968. In the 1970s, he released many recordings with different labels in Europe and Brazil. His star dimmed somewhat owing to health problems and changing tastes. He spent the 1980s in semi-retirement in France and Germany. Finally, in the 1990s he and his family moved back to Brazil, where he continued to record and perform. Public recognition of his work came around that time in Brazil. By the end of the 1990s he converted to evangelical Christianity, to which he credits overcoming his long addictions to alcohol and tobacco. Nevertheless, his health had greatly deteriorated after many years of abuse, and he died of pneumonia on the 26th of September, 2000, in Rio de Janeiro.

He is the father of pianist Philippe Baden Powell de Aquino and guitarist Louis Marcel Powell de Aquino.

Playing style
At age 19, Baden Powell decided to stop playing the electric guitar, preferring to concentrate on the classical guitar for the rest of his career. He did record a series of albums with a borrowed steel-string acoustic, but that is as far as he strayed from his main instrument in his adulthood.

An analysis of his repertoire reveals a wide range of interests. It spanned all the idioms of Brazilian popular music of the 20th century: samba, bossa nova, Afro-Bahian ritual music, frevo, choro, folkloric music from northeastern Brazil; even European and Japanese lullabies. Like most musicians growing up in the 1940s and 1950s, he was deeply influenced by jazz, especially Bebop and Swing. He covered Thelonious Monk's “'Round Midnight” on two recordings, and Jerome Kern's “All the Things you Are” on three occasions (including his first solo album).

This upbringing is reflected in his playing style, which shows a fusion of jazz harmonies and classical guitar technique, with a very Brazilian right hand (i.e. the one carrying the rhythm on the guitar). On solo pieces, he could recall Tárrega or play Bach pieces with ease. When playing in a group, he was able to accompany singers with quiet mastery, or let loose and play street samba in sloppy “party” style as if the guitar was another percussion instrument. Like Monk, he was fond of the minor second interval as a way to “bend” the tonality. However, because of his jazz background, he would rarely physically bend the string, preferring instead to play the minor second using an adjacent open string. Students of his style should note this preference for chord voicings that feature extensions on the open strings as a way of punctuating passages. Other idioms to watch for are the endless variations in rhythm played by the right hand; always within the proper 2/4 samba meter, as well as his tendency to put his “signature” in a fast descending scale with a (slower) ascending arpeggio in the relative key. Another common device that he used in his recordings consisted of his use of vocalise and scat singing, often in unison with the melody line.

He stated that his influences included his first teacher “Meira” (Jayme Florence, 1909-1982), along with master guitarists Dilermando Reis (1916-1977), and Garoto (Anibal Augusto Sardinha, 1915-1955). He also commented about being influenced by the work of Les Paul (Lester William Polfus, 1915-), Django Reinhardt (1910-1953) and Jacques Loussier (1934-).

Baden Powell is featured as accompanist on a handful of big band and samba recordings from the 1950's. He recorded his first solo album in 1959, but it was not released until 1961. His first and second albums feature a selection of jazz standards along with Brazilian hits of the time, plus some original compositions. In 1962, Baden rose to international attention by recording with flatist Herbie Mann and drummer Jimmy Pratt. By 1963, he was flying solo and fronting small ensembles in Brazil and France. The French labels Barclay and Festival released many of his recordings. In Germany, MPS/Saba released his work with producer Joachim Berendt. In Brazil, he recorded for Elenco, Forma and the Brazilian subsidiary of Philips Records. After a relative drought of new releases in the 1980's, Baden Powell returned to recording studios in Brazil for his final years. These late recordings showcase him playing solo guitar and singing in a relaxed, intimate style, with occasional flurries of his former energetic playing thrown in for good measure.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/baden-powell

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Baden Powell de Aquino (1937-2000) nació en Varre-e-Sai, en el estado de Río de Janeiro, Brasil. Su padre, un entusiasta del escultismo, le puso el nombre de Lord Robert Baden-Powell. Cuando tenía tres años, su familia se trasladó a un suburbio de la ciudad de Río de Janeiro. El nuevo entorno resultó ser profundamente influyente. Su casa fue una parada para músicos populares durante sus años de formación. Pronto empezó a tomar clases de guitarra con Jayme Florence ("Meira"), un famoso guitarrista de choro, en la década de 1940. Demostró ser un joven virtuoso, habiendo ganado muchos concursos de talentos antes de llegar a la adolescencia. A los quince años, ya tocaba profesionalmente, acompañando a cantantes y bandas de diversos estilos. De joven, le fascinaban el swing y el jazz, pero sus principales influencias estaban firmemente arraigadas en el canon de la guitarra brasileña.

Alcanzó notoriedad por primera vez en 1959 al convencer al cantante y compositor Billy Blanco para que pusiera letra a una de sus composiciones. El resultado fue "Samba Triste", que ha sido versionada por muchos artistas, entre ellos Stan Getz y Charlie Byrd en su fundamental LP Jazz Samba.

En 1962, conoció al poeta y diplomático Vincius de Moraes y comenzó una colaboración que dio lugar a algunos verdaderos clásicos de la música brasileña de los años sesenta. Aunque la bossa nova era el sonido predominante de la época, Baden y Vinicius querían trascender el sonido de moda de entonces mezclando la música sacra y secular afrobrasileña con la samba de estilo carioca. El resultado más duradero son sus "Afro-Sambas", publicadas en LP en 1966. Durante la década de 1960, Baden estudió armonía avanzada con Moacir Santos, y publicó grabaciones en los sellos brasileños Elenco y Forma, así como en el sello francés Barclay y el alemán MPS/Saba. Su disco "Tristeza en la guitarra", de 1966, es considerado por muchos como un punto álgido en su carrera. Además, fue el guitarrista de la casa de Elenco y del programa de televisión de Elis Regina "O Fino da Bossa".

En 1968, se asoció con el poeta Paulo Cesar Pinheiro y produjo otra serie de música de inspiración afrobrasileña, publicada en 1970 con el nombre de Os Cantores da Lapinha.

En la década de 1960 visitó y realizó frecuentes giras por Europa, y en 1968 se trasladó definitivamente a Francia. En la década de 1970, publicó muchas grabaciones con diferentes sellos en Europa y Brasil. Su estrella se debilitó un poco debido a problemas de salud y a la evolución de sus gustos. Pasó los años 80 semiretirado en Francia y Alemania. Finalmente, en la década de 1990 se trasladó con su familia a Brasil, donde siguió grabando y actuando. El reconocimiento público de su obra llegó en esa época en Brasil. A finales de los años 90 se convirtió al cristianismo evangélico, al que atribuye la superación de sus largas adicciones al alcohol y al tabaco. Sin embargo, su salud se había deteriorado mucho tras muchos años de abusos, y murió de neumonía el 26 de septiembre de 2000 en Río de Janeiro.

Es el padre del pianista Philippe Baden Powell de Aquino y del guitarrista Louis Marcel Powell de Aquino.

Estilo de interpretación
A los 19 años, Baden Powell decidió dejar de tocar la guitarra eléctrica, prefiriendo concentrarse en la guitarra clásica para el resto de su carrera. Grabó una serie de álbumes con una guitarra acústica de cuerdas de acero prestada, pero eso es lo máximo que se alejó de su instrumento principal en su edad adulta.

Un análisis de su repertorio revela una amplia gama de intereses. Abarcó todos los lenguajes de la música popular brasileña del siglo XX: samba, bossa nova, música ritual afrobahiana, frevo, choro, música folclórica del noreste de Brasil; incluso nanas europeas y japonesas. Como la mayoría de los músicos que crecieron en las décadas de 1940 y 1950, estuvo profundamente influenciado por el jazz, especialmente el Bebop y el Swing. Hizo una versión de "'Round Midnight" de Thelonious Monk en dos grabaciones, y de "All the Things you Are" de Jerome Kern en tres ocasiones (incluido su primer álbum en solitario).

Esta formación se refleja en su estilo de tocar, que muestra una fusión de armonías de jazz y técnica de guitarra clásica, con una mano derecha muy brasileña (es decir, la que lleva el ritmo en la guitarra). En los solos, podía recordar a Tárrega o tocar piezas de Bach con facilidad. Cuando tocaba en grupo, era capaz de acompañar a los cantantes con tranquila maestría, o de soltarse y tocar samba callejera en estilo de "fiesta" descuidada, como si la guitarra fuera otro instrumento de percusión. Al igual que Monk, le gustaba el intervalo de segunda menor como forma de "doblar" la tonalidad. Sin embargo, debido a su formación jazzística, rara vez doblaba físicamente la cuerda, prefiriendo en su lugar tocar la segunda menor utilizando una cuerda abierta adyacente. Los estudiantes de su estilo deben tener en cuenta esta preferencia por voicings de acordes que presentan extensiones en las cuerdas abiertas como una forma de puntuar los pasajes. Otros modismos a tener en cuenta son las interminables variaciones rítmicas de la mano derecha, siempre dentro del compás de samba de 2/4, así como su tendencia a poner su "firma" en una escala descendente rápida con un arpegio ascendente (más lento) en la tonalidad relativa. Otro recurso común que utilizaba en sus grabaciones consistía en el uso de vocalización y canto scat, a menudo al unísono con la línea melódica.

Declaró que entre sus influencias se encontraba su primer maestro "Meira" (Jayme Florence, 1909-1982), junto con los maestros de la guitarra Dilermando Reis (1916-1977), y Garoto (Anibal Augusto Sardinha, 1915-1955). También comentó que estaba influenciado por el trabajo de Les Paul (Lester William Polfus, 1915-), Django Reinhardt (1910-1953) y Jacques Loussier (1934-).

Baden Powell aparece como acompañante en un puñado de grabaciones de big band y samba de los años 50. Grabó su primer álbum en solitario en 1959, pero no se publicó hasta 1961. Su primer y segundo álbumes incluyen una selección de estándares de jazz junto con éxitos brasileños de la época, además de algunas composiciones originales. En 1962, Baden saltó a la fama internacional al grabar con el flautista Herbie Mann y el baterista Jimmy Pratt. En 1963, ya actuaba en solitario y dirigía pequeños conjuntos en Brasil y Francia. Los sellos franceses Barclay y Festival publicaron muchas de sus grabaciones. En Alemania, MPS/Saba publicó sus trabajos con el productor Joachim Berendt. En Brasil, grabó para Elenco, Forma y la filial brasileña de Philips Records. Tras una relativa sequía de nuevos lanzamientos en la década de 1980, Baden Powell volvió a los estudios de grabación de Brasil para sus últimos años. Estas últimas grabaciones lo muestran tocando la guitarra solista y cantando en un estilo relajado e íntimo, con ocasionales ráfagas de su antiguo toque enérgico.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/baden-powell

Jimmy Smith • Home Cookin [Japan edition]

Eric Alexander • The Real Thing

 

The saxophonist Eric Alexander has found an almost infallible formula that has led him to be one of the most outstanding saxophonists of his generation when it comes to the more classical jazz tradition. The recipe is summarized in the '4 Bs': blues, ballads, bosses and boppers.

With that alchemy well mixed in the choice of songs to play, Eric Alexander has achieved, once again, that his new album 'The real thing' has an attractive sound, where the best past of jazz is alive and present. And no, it doesn't sound old, quite the contrary; many of those jazzmen who call themselves modern would like it to sound like this musician and his band.

His band. One of the best things this saxophonist has achieved is to create a band, a stable formation that they have been playing together for many years. And that shows; the filling, the cleaning of the sound, the interpretative freedom, the swing that they distill. With him are his friend, teacher and mentor Harold Mabern, drummer Joe Farnsworth and double bassist John Webber, and on this album they have been joined by guitarist Pat Martino, another of the important names in Alexander's training and subsequent career.

The most bopper part of the album is in a formidable 'The Night Has A Thousand Eyes' and 'For George and Trane', where the saxophone gives free rein to its more coltrenian side; the look to the bossa is in the charming 'Little boat', a theme of Roberto Menescal; The blues is in the version of 'Summertime', with a great Pat Martino, and the ballads have their representation in 'Sleep Warm', and as Harold Marben was always a very muscular pianist for the end have left 'The Chief'.

Yes, if you like jazz well played, clean, nice, brilliant, then this is, by far, your record.
J.M.P.R.
http://www.distritojazz.com/discos-jazz/eric-alexander-the-real-thing

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El saxofonista Eric Alexander ha encontrado una fórmula casi infalible que le ha llevado a ser uno de los más destacados saxofonistas de su generación en los que se refiere al jazz de tradición más clásica. La receta se resume en las ‘4 Bs’: blues, baladas, bossas y boppers.

Con esa alquímica bien mezclada en la elección de los temas a tocar, Eric Alexander ha logrado, una vez más, que su nuevo disco ‘The real thing’ tenga un sonido atrayente, donde el mejor pasado del jazz esté vivo y presente. Y no, no suena a viejo, sino todo lo contrario; ya le gustaría a muchos de esos jazzman que se las dan de modernos sonar como suena este músico y su banda.

Su banda. Una de las mejores cosas que ha logrado este saxofonista ha sido crear una banda, una formación estable que llevan tocando juntos muchos años. Y eso se nota; el empaste, la limpieza del sonido, la libertad interpretativa, el swing que destilan. Con él están su amigo, profesor y mentor Harold Mabern, el baterista Joe Farnsworth y el contrabajista John Webber. Y en este disco se les ha unido en tres temas el guitarrista Pat Martino, otro de los nombres importantes en la formación y posterior trayectoria profesional de Alexander.

La parte más bopper del disco está en un formidable del ‘The Night Has A Thousand Eyes’ y en ‘For George and Trane’, donde el saxo da rienda suelta a su lado más coltreniano; la mirada a la bossa está en el encantador ‘Little boat’, un tema de Roberto Menescal; el blues se encuentra en la versión del ‘Summertime’, con un estupendo Pat Martino, y las baladas tienen su representación en ‘Sleep Warm’; y como Harold Marben siempre fue un pianista muy musculado para el final han dejado ‘The Chief’.

Sí, si te gusta el jazz bien tocado, limpio, agradable, brillante, entonces este es, de lejos, tu disco.
J.M.P.R.
http://www.distritojazz.com/discos-jazz/eric-alexander-the-real-thing


www.ericalexanderjazz.com ...

'Papa' John DeFrancesco • Jumpin

 Artist Biography by Scott Yanow

The father of Joey DeFrancesco, "Papa John" had his career revived when his son's success helped bring about the renaissance of the Hammond organ. John's father had played reeds with various swing bands, including the Dorsey Brothers. John DeFrancesco began playing trumpet when he was six and did not start playing organ until his wife bought him an organ for his 23rd birthday. After a few months of nearly nonstop practicing, he was ready to perform in clubs. In 1967 DeFrancesco moved to Philadelphia and soon he was part of the Philadelphia jazz scene. However, in 1979 when Joey turned eight and started playing professionally, John temporarily gave up his career in order to supervise his son. Another son, Johnny DeFrancesco, developed into a fine guitarist. In the 1990s, John DeFrancesco returned to a more active playing career, recording two strong sets for Muse (Doodlin' and Comin' Home -- both of which feature Joey on trumpet) and gaining a national reputation of his own. "Papa John" plays organ in an infectious hard bop style not that different from his son. In the 21st century he signed first to Highnote and then its sister imprint Savant, where he issued a string of fine recordings including Hip Cake Walk in 2001, Jumpin' in 2003, Walking Uptown in 2004, and Desert Heat in 2006. After a five-year recording hiatus, Papa John returned with A Philadelphia Story in a classic B-3 trio setting with John Jr. on guitar and drummer Glenn Ferracone, with guest appearances from Joey and tenor man Joe Fortunato.

https://www.allmusic.com/artist/papa-john-defrancesco-mn0000009657/biographys.

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 Biografía del artista por Scott Yanow

El padre de Joey DeFrancesco, "Papa John", revivió su carrera cuando el éxito de su hijo contribuyó al renacimiento del órgano Hammond. El padre de John había tocado la caña con varias bandas de swing, incluyendo los Dorsey Brothers. John DeFrancesco comenzó a tocar la trompeta cuando tenía seis años y no empezó a tocar el órgano hasta que su esposa le compró un órgano para su cumpleaños número 23. Después de unos meses de practicar casi sin parar, estaba listo para actuar en los clubes. En 1967 DeFrancesco se mudó a Filadelfia y pronto fue parte de la escena de jazz de Filadelfia. Sin embargo, en 1979, cuando Joey cumplió ocho años y comenzó a jugar profesionalmente, John dejó temporalmente su carrera para supervisar a su hijo. Otro hijo, Johnny DeFrancesco, se convirtió en un buen guitarrista. En la década de 1990, John DeFrancesco regresó a una carrera más activa, grabando dos sets fuertes para Muse (Doodlin' y Comin' Home -- ambos con Joey en la trompeta) y ganando una reputación nacional propia. "Papa John" toca el órgano en un contagioso estilo hard bop no muy diferente al de su hijo. En el siglo XXI firmó primero con Highnote y luego con su sello hermano Savant, donde emitió una serie de excelentes grabaciones incluyendo Hip Cake Walk en 2001, Jumpin' en 2003, Walking Uptown en 2004 y Desert Heat en 2006. Después de cinco años de pausa en la grabación, Papa John regresó con A Philadelphia Story en un clásico trío B-3 con John Jr. a la guitarra y el baterista Glenn Ferracone, con las apariciones de Joey y el tenor Joe Fortunato como invitados.

https://www.allmusic.com/artist/papa-john-defrancesco-mn0000009657/biography

Zoot Sims & Bob Brookmeyer • Stretching Out & Kansas City Sound

Bob Brookmeyer’s early environment was in the jazz bedrock of his native Kansas City. As a player, he has been one of the most expressive and emotional of all modern trombonists… His specialty being the one with valves rather than a slide. But despite his style not being limited to any school or attitude, he have always been very conscious of the foundations of jazz—with a heavy emphasis on the wonderful, rolling swing that was so much a part of the Basie organization.

His ideas evolved from his own experiences. “I’m not afraid of being called regressive,” he said. “Music can be like love and painting. Just because a song and spirit have been around for awhile doesn’t mean it’s diminished in value.” On these two great 1958 sessions, Brookmeyer and friends revisit some old, swinging Kansas City sounds along with pleasant new tunes. Over-all, there is a wonderful rhythm and feeling replete with good solos that make for very rewarding listening.

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El entorno inicial de Bob Brookmeyer estaba en la base del jazz de su ciudad natal, Kansas City. Como músico, ha sido uno de los trombonistas más expresivos y emocionales de todos los modernos... Su especialidad es el que tiene válvulas en lugar de diapositivas. Pero a pesar de que su estilo no se limita a ninguna escuela o actitud, siempre ha sido muy consciente de los fundamentos del jazz, con un gran énfasis en el maravilloso y rodante swing que fue parte de la organización Basie.

Sus ideas evolucionaron a partir de sus propias experiencias. "No tengo miedo de que me llamen regresivo", dijo. "La música puede ser como el amor y la pintura. El hecho de que una canción y un espíritu hayan existido durante un tiempo no significa que su valor haya disminuido." En estas dos grandes sesiones de 1958, Brookmeyer y sus amigos repasan algunos viejos sonidos de Kansas City junto con nuevas y agradables melodías. En general, hay un ritmo maravilloso y un sentimiento repleto de buenos solos que son muy gratificantes.