Al Gafa • Leblon Beach

 

Alexander "Al" Gafa (born April 9, 1941, New York City) is an American jazz guitarist.
Gafa worked extensively as a session musician for recordings in the mid and late 1960s in New York. In jazz he worked in that decade with Kai Winding, Michel Legrand, Sam Donahue, Duke Pearson, and Carmen McRae. He worked with McRae until 1971, then played in the 1970s with Dizzy Gillespie, Mike Longo, and Yusef Lateef. Gafa put together his own small groups in the decade; his sidemen included Kenny Barron, Ben Brown, Al Foster, Steve LaSpina, Andy LaVerne, Dave Shapiro, and Richard Wyands. He worked with Johnny Hartman from 1978 to 1982 and in the early 1980s with Susannah McCorkle and Joe Albany, Sammy Davis Jr., Sylvia Syms, Morgana King, Shirley Horn.
https://en.wikipedia.org/wiki/Al_Gafa

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Alexander "Al" Gafa (nacido el 9 de abril de 1941 en Nueva York) es un guitarrista de jazz estadounidense.
Gafa trabajó mucho como músico de sesión para grabaciones a mediados y finales de los años 60 en Nueva York. En el ámbito del jazz, trabajó en esa década con Kai Winding, Michel Legrand, Sam Donahue, Duke Pearson y Carmen McRae. Trabajó con McRae hasta 1971, y luego tocó en los años 70 con Dizzy Gillespie, Mike Longo y Yusef Lateef. Gafa formó sus propios grupos pequeños en esa década; entre sus acompañantes estaban Kenny Barron, Ben Brown, Al Foster, Steve LaSpina, Andy LaVerne, Dave Shapiro y Richard Wyands. Trabajó con Johnny Hartman de 1978 a 1982 y a principios de los años 80 con Susannah McCorkle y Joe Albany, Sammy Davis Jr, Sylvia Syms, Morgana King, Shirley Horn.
https://en.wikipedia.org/wiki/Al_Gafa

Chet Baker-Jim Hall-Hubert Laws • Studio Trieste

 

Larry Carlton • The Warner Albums

 

Biography by Richard Skelly
A hugely successful guitarist and composer, Larry Carlton emerged from the Los Angeles studio scene of the late '60s, eventually becoming a popular contemporary jazz artist in his own right. Noted for his lithe technique, sweet-toned, blues-inflected sound, and distinctive use of volume pedals, Carlton first came to prominence as a member of crossover jazz and R&B outfit the Crusaders. From there, he developed into an in-demand session player, recording on up to 500 albums a year and appearing on over 100 gold albums. His studio credits from the '70s and early '80s include work with musicians and groups like Steely Dan, Joni Mitchell, Michael Jackson, Sammy Davis, Jr., Herb Alpert, Quincy Jones, Bobby Bland, Dolly Parton, Linda Ronstadt, and literally dozens of others. Although he recorded a number of LPs under his own name as early as 1968, he didn't land a major-label contract until 1978, when he signed with Warner Bros. and began a long stretch of releasing his own albums. Along the way he also expanded into film and television work, and picked up his first of four Grammy Awards for his work on the Hill Street Blues theme. With over 30 of his own albums and a regular touring schedule, Carlton remains a well-respected, highly sought-after performer.

A native of Torrance, California, Carlton began taking guitar lessons when he was six. His first professional gig was at a supper club in 1962. After hearing Joe Pass on the radio, he was inspired to play jazz and blues. Wes Montgomery and Barney Kessel became important influences soon after he discovered the jazz guitar stylings of Pass. B.B. King and other blues guitarists had an impact on Carlton's style as well. He honed his guitar-playing skills in the clubs and studios of greater Los Angeles while he attended a local junior college and Long Beach State College for a year until the Vietnam War ended. Carlton toured with the Fifth Dimension in 1968 and began doing studio sessions in 1970. His early session work included studio dates with pop musicians like Vikki Carr, Andy Williams, and the Partridge Family.

In 1971, he was asked to join the Crusaders shortly after they'd decided to drop the word "Jazz" from their name, and he remained with the group until 1976. In between tours with the Crusaders, he also did studio session work for hundreds of recordings in every genre. But it was while he with the Crusaders that he developed his signature, highly rhythmic, often bluesy style. Carlton delivered his self-titled debut for Warner Bros. in 1978, shortly after he was recognized for his groundbreaking guitar playing on Steely Dan's Royal Scam album. (Carlton contributed the memorable guitar solo on "Kid Charlemagne.'')

He released four more albums for Warner Bros., Strikes Twice (1980), Sleepwalk (1981), Eight Times Up (1982), and the Grammy-nominated Friends (1983), before parting ways with the label. Also during this period, he branched out into writing for TV and films, composing music for Against All Odds, Who's the Boss, and the theme for Hill Street Blues. The latter won a Grammy Award in 1981 for Best Pop Instrumental Performance. He continued studio session work and toured in between, emerging again in 1986 on MCA Records with an all-acoustic album, Discovery, which contained an instrumental remake of Michael McDonald's hit "Minute by Minute." The single won a Grammy Award for Best Pop Instrumental Performance in 1987. Carlton's live album Last Nite, released in 1987, got him a Grammy nomination for Best Jazz Instrumental Performance.

While working on his next album for MCA, On Solid Ground, Carlton was the victim of random gun violence, and was shot in the throat by gun-wielding juveniles outside Room 335, his private studio near Burbank, California. The bullet shattered his vocal cords and caused significant nerve trauma, but through intensive therapy and a positive frame of mind, Carlton completed work on On Solid Ground in 1989. He formed Helping Innocent People (HIP), a nonprofit group to aid victims of random gun violence.

Despite the tragedy foisted on him in the late '80s after he was shot, with a long period of hospitalization and rehabilitation, Carlton continued his active recording and performing schedule over the next two decades, beginning with a number of albums during the '90s on the GRP label: 1992's Kid Gloves; 1993's Renegade Gentleman; 1995's Larry & Lee (with Lee Ritenour); and 1996's The Gift. Carlton also released the 1995 holiday collection Christmas at My House on MCA. And in 1997 he replaced Lee Ritenour in the popular contemporary jazz outfit Fourplay, first appearing on the group's 4 album in 1998.

The 2000s found Carlton as active as ever, recording live and in the studio as both leader and collaborator for a variety of labels. Two albums on Warner Bros. began the decade, Fingerprints -- including guest appearances by Michael McDonald, Vince Gill, Kirk Whalum, and Vinnie Colaiuta -- in 2000, and Deep Into It in 2001. A popular concert draw in Japan, Carlton could be heard as a collaborator on two live recordings from that island country during the decade, Live in Osaka (with Steve Lukather), issued in 2001 on the Favored Nations label, and Live in Tokyo (with Robben Ford) on 335 Records in 2007.

Meanwhile, his albums as a leader continued, with Sapphire Blue and Fire Wire released by Bluebird/RCA in 2004 and 2005, respectively, and The Jazz King -- with Carlton leading an all-star band performing music he composed on commission to celebrate the 80th birthday and ascension to the throne of Thailand’s King Bhumibol Adulyadej -- issued by Sony BMG in 2008. In 2009 Carlton appeared as guest guitarist on selected dates during Steely Dan's U.S. summer tour. Take Your Pick (with Tak Matsumoto) appeared in 2010.

In 2011, he paid homage to Philly soul pioneers Kenny Gamble and Leon Huff with Larry Carlton Plays the Sound of Philadelphia. Also that year, he played on vocalist Michele Pillar's holiday album I Hear Angels Calling. Four Hands & a Heart, Vol. 1 appeared in 2012, followed by the holiday-themed Four Hands & a Heart Christmas in 2014. Over the next several years, Carlton remained busy touring, and he recorded with Paul Brown, Fourplay, and the SWR Big Band. In 2018, he joined actor/comedian/musician Harry Shearer on the Derek Smalls album Smalls Change (Meditations Upon Ageing).
https://www.allmusic.com/artist/larry-carlton-mn0000102399

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Biografía de Richard Skelly
Larry Carlton, guitarrista y compositor de gran éxito, surgió de la escena de estudio de Los Ángeles a fines de los 60 y eventualmente se convirtió en un popular artista de jazz contemporáneo por derecho propio. Conocido por su técnica ágil, su sonido de tonos dulces, inflexiones de blues y su distintivo uso de pedales de volumen, Carlton saltó a la fama por primera vez como miembro del equipo crossover de jazz y R&B The Crusaders. A partir de ahí, se convirtió en un músico de sesión muy solicitado, grabando en hasta 500 álbumes al año y apareciendo en más de 100 álbumes de oro. Sus créditos de estudio de los años 70 y principios de los 80 incluyen trabajos con músicos y grupos como Steely Dan, Joni Mitchell, Michael Jackson, Sammy Davis, Jr., Herb Alpert, Quincy Jones, Bobby Bland, Dolly Parton, Linda Ronstadt y literalmente docenas de otros. Aunque grabó varios LP con su propio nombre ya en 1968, no consiguió un contrato con un sello importante hasta 1978, cuando firmó con Warner Bros. y comenzó un largo período de lanzamiento de sus propios álbumes. En el camino, también se expandió al cine y la televisión, y obtuvo el primero de sus cuatro premios Grammy por su trabajo en el tema Hill Street Blues. Con más de 30 de sus propios álbumes y un horario regular de giras, Carlton sigue siendo un artista respetado y muy solicitado.

Nacido en Torrance, California, Carlton comenzó a tomar lecciones de guitarra cuando tenía seis años. Su primer concierto profesional fue en un club nocturno en 1962. Después de escuchar a Joe Pass en la radio, se inspiró para tocar jazz y blues. Wes Montgomery y Barney Kessel se convirtieron en influencias importantes poco después de que descubriera los estilos de guitarra de jazz de Pass. BB King y otros guitarristas de blues también tuvieron un impacto en el estilo de Carlton. Perfeccionó sus habilidades para tocar la guitarra en los clubes y estudios del gran Los Ángeles mientras asistía a una universidad local y a Long Beach State College durante un año hasta que terminó la Guerra de Vietnam. Carlton realizó una gira con The Fifth Dimension en 1968 y comenzó a hacer sesiones de estudio en 1970. Sus primeros trabajos de sesión incluyeron citas de estudio con músicos pop como Vikki Carr, Andy Williams y the Partridge Family.

En 1971, se le pidió que se uniera a los Crusaders poco después de que decidieran eliminar la palabra "Jazz" de su nombre, y permaneció con el grupo hasta 1976. Entre giras con The Crusaders, también realizó sesiones de estudio para cientos de grabaciones en todos los géneros. Pero fue mientras estaba con The Crusaders cuando desarrolló su estilo característico, altamente rítmico, a menudo blues. Carlton hizo su debut homónimo para Warner Bros.en 1978, poco después de que fuera reconocido por su innovadora interpretación de la guitarra en el álbum Royal Scam de Steely Dan. (Carlton contribuyó con el memorable solo de guitarra en " Kid Charlemagne.'')

Lanzó cuatro álbumes más para Warner Bros., Strikes Twice (1980), Sleepwalk (1981), Eight Times Up (1982) y Friends (1983), nominada al Grammy, antes de separarse del sello. También durante este período, se diversificó escribiendo para televisión y películas, componiendo música para Against All Odds, Who's the Boss y el tema de Hill Street Blues. Este último ganó un Premio Grammy en 1981 a la Mejor Interpretación Instrumental Pop. Continuó trabajando en sesiones de estudio y realizó giras intermedias, emergiendo nuevamente en 1986 en MCA Records con un álbum totalmente acústico, Discovery, que contenía una nueva versión instrumental del éxito de Michael McDonald "Minute by Minute."El sencillo ganó un Premio Grammy a la Mejor Interpretación Instrumental Pop en 1987. El álbum en vivo de Carlton Last Nite, lanzado en 1987, le valió una nominación al Grammy a la Mejor Interpretación Instrumental de Jazz.

Mientras trabajaba en su próximo álbum para MCA, On Solid Ground, Carlton fue víctima de violencia con armas de fuego al azar y recibió un disparo en la garganta por parte de jóvenes armados fuera de la habitación 335, su estudio privado cerca de Burbank, California. La bala destrozó sus cuerdas vocales y le causó un trauma nervioso significativo, pero a través de una terapia intensiva y un estado mental positivo, Carlton completó el trabajo en On Solid Ground en 1989. Formó Helping Innocent People( HIP), un grupo sin fines de lucro para ayudar a las víctimas de violencia armada aleatoria.

A pesar de la tragedia que se le impuso a fines de los 80 después de recibir un disparo, con un largo período de hospitalización y rehabilitación, Carlton continuó con su agenda activa de grabaciones y presentaciones durante las siguientes dos décadas, comenzando con varios álbumes durante los 90 en el sello GRP: Kid Gloves de 1992; Renegade Gentleman de 1993; Larry & Lee de 1995 (con Lee Ritenour); y The Gift de 1996. Carlton también lanzó la colección navideña de 1995 Christmas at My House en MCA. Y en 1997 reemplazó a Lee Ritenour en el popular grupo de jazz contemporáneo Fourplay, apareciendo por primera vez en el álbum 4 del grupo en 1998.

La década de 2000 encontró a Carlton tan activo como siempre, grabando en vivo y en el estudio como líder y colaborador de una variedad de sellos. Dos álbumes en Warner Bros. comenzaron la década, Fingerprints, incluidas las apariciones especiales de Michael McDonald, Vince Gill, Kirk Whalum y Vinnie Colaiuta, en 2000, y Deep Into It en 2001. Un concierto popular en Japón, Carlton se pudo escuchar como colaborador en dos grabaciones en vivo de ese país insular durante la década, Live in Osaka( con Steve Lukather), publicado en 2001 en el sello Favored Nations, y Live in Tokyo (con Robben Ford) en 335 Records en 2007.

Mientras tanto, sus álbumes como líder continuaron, con Sapphire Blue y Fire Wire lanzados por Bluebird/RCA en 2004 y 2005, respectivamente , y The Jazz King, con Carlton liderando una banda de estrellas interpretando música que compuso por encargo para celebrar el 80 cumpleaños y la ascensión al trono del rey Bhumibol Adulyadej de Tailandia, emitida por Sony BMG en 2008. En 2009, Carlton apareció como guitarrista invitado en fechas seleccionadas durante la gira de verano de Steely Dan en Estados Unidos. Take Your Pick (con Tak Matsumoto) apareció en 2010.

En 2011, rindió homenaje a los pioneros del soul de Filadelfia Kenny Gamble y Leon Huff con Larry Carlton Plays the Sound of Philadelphia. También ese año, tocó en el álbum navideño de la vocalista Michele Pillar, I Hear Angels Calling. Cuatro manos y un Corazón, Vol. 1 apareció en 2012, seguido de Four Hands & a Heart Christmas, con temática navideña, en 2014. Durante los siguientes años, Carlton permaneció ocupado de gira y grabó con Paul Brown, Fourplay y SWR Big Band. En el 2018, se unió al actor, comediante y músico Harry Shearer en el álbum de Derek Smalls, Smalls Change (Meditaciones sobre el envejecimiento).
https://www.allmusic.com/artist/larry-carlton-mn0000102399

www.larrycarlton ...


Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Al Di Meola • Anthology

 

Biography by Matt Collar
An acclaimed fusion guitarist, Al Di Meola first rose to prominence in the 1970s as a fiery jazz-rock pioneer before embracing a globally expansive mix of sounds. A key member of Chick Corea's landmark fusion band Return to Forever, Di Meola established his reputation on many of the group's classic dates before coming into his own on albums like 1977's Elegant Gypsy and 1980's Splendido Hotel. Along with tours in his all-star guitar trio with John McLaughlin and Paco de Lucia, Di Meola has collaborated on projects with luminaries like Stanley Clarke, Larry Coryell, Paul Simon, Luciano Pavarotti, Gonzalo Rubalcaba, Charlie Haden, and others. He has continued to expand his sound on albums like 1990's World Sinfonia, 2011's Pursuit of Radical Rhapsody, and 2018's Opus, balancing his fusion roots with forays into Argentinian tango and Spanish flamenco, as well as Middle Eastern, North African, and Afro-Cuban traditions.

Born in 1954 in Jersey City, New Jersey, Di Meola started playing guitar at a young age, inspired by bands like the Ventures and the Beatles. A diligent student, he progressed quickly and by his teens was already a gifted player. It was during high school that he discovered jazz, listening to artists like Kenny Burrell and Tal Farlow. However, it was his exposure to innovative fusion guitarist Larry Coryell that sparked him to blend jazz, blues, rock, and more. In 1972, he enrolled at Boston's Berklee College of Music, where he joined a quartet featuring keyboardist Barry Miles. A tape of the group eventually landed in the hands of keyboardist Chick Corea, who quickly offered Di Meola a chance to replace outgoing guitarist Bill Connors in his fledgling fusion ensemble Return to Forever. Di Meola left school prior to finishing his degree and hit the road with the group, which then included bassist Stanley Clarke, and drummer Lenny White. It was with Di Meola that Return to Forever achieved their greatest commercial success, releasing albums like 1974's Where Have I Known Before, 1975's Grammy-winning No Mystery, and 1976's Romantic Warrior, all-of-which cracked the U.S. Top 40.

After Return to Forever disbanded, Di Meola (then only 22 years old) embarked on a solo career, starting with 1976's Land of the Midnight Sun. In many ways a continuation of his work with Return to Forever, the album included contributions by Corea and White, as well as drummer Steve Gadd, bassists Jaco Pastorius and Stanley Clarke, Barry Miles, and others. A string of successful albums followed and some remain the finest jazz fusion recordings of the era, including 1977's gold-certified Elegant Gypsy, 1978's Casino, and 1980's Splendido Hotel, all of which found Di Meola further expanding his fusion skills and incorporating elements of Spanish, Latin, and world influences.

More genre-crossing followed in the '80s as Di Meola united with fellow guitarists Mahavishnu Orchestra's John McLaughlin and classical star Paco de Lucía for 1980's Friday Night in San Francisco. De Lucia was also on board for Di Meola's fifth solo album, 1982's Electric Rendezvous, which also featured keyboardists Jan Hammer and Philippe Saisse, Steve Gadd, and others. A similarly star-studded affair, Scenario, arrived in 1983 and found Di Meola playing with Genesis' Phil Collins, Yes drummer Bill Bruford, bassist Tony Levin, and keyboardist Hammer. Still more explorations followed in 1985 as Di Meola embraced Brazilian sounds, pairing with percussionist Airto Moreira for Soaring Through a Dream and the duo album Cielo e Terra.

Throughout the '80s and '90s, Di Meola earned yearly top honors in Guitar Player magazine polls. He also found himself in-demand as a collaborator and showcase performer, playing on albums by Paul Simon, Stanley Jordan, and Stomu Yamashta, among others. Into the '90s Di Meola shifted almost entirely away from fusion, concentrating more on acoustic-based music that found him incorporating yet more global traditions. Tango rhythms especially played a role in his sound, as on 1990's World Sinfonia, Di Meola Plays Piazzolla, and 1993's Heart of the Immigrants. There were also further all-star dates, as he joined Stanley Clarke and Jean-Luc Ponty for 1995's Rite of Strings and reunited with McLaughlin and de Lucia for 1996's The Guitar Trio. Two years later, he released the synth-heavy The Infinite Desire, which featured guest spots from Herbie Hancock and Peter Erskine. He rounded out the decade with 1999's Winter Nights, his first-ever holiday-themed album.

During the 2000s, Di Meola continued this eclectic approach with releases like 2003's Revisited, 2006's Consequence of Chaos, and 2007's Diabolic Inventions and Seduction for Solo Guitar, Vol. 1: Music of Astor Piazzolla. The following year, he paired with flutist Eszter Horgas for the concert album He and Carmen. In 2011, Di Meola delivered the Latin-infused studio album Pursuit of Radical Rhapsody, featuring bassist Charlie Haden and Cuban pianist Gonzalo Rubalcaba. 2013's All Your Life: A Tribute to the Beatles Recorded at Abbey Road Studios, London found the guitarist reworking songs from the Lennon/McCartney songbook.

The lushly textured fusion effort Elysium followed in 2015. Two years later, Di Meola delivered the concert album Morocco Fantasia, recorded live at the Mawazine Festival in Rabat, Morocco. Along with Di Meola's band, the show featured guest appearances by Moroccan musicians oud player Said Chraibi, violinist Abdellah Meri, and percussionist Tarik Ben Ali. In 2018, he delivered Opus, which featured contributions from Cuban-born pianist Kemuel Roig. Across the Universe, Di Meola's second exploration of the music of the Beatles, arrived in 2020.
https://www.allmusic.com/artist/al-di-meola-mn0000600228/biography

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Biografía de Matt Collar

Aclamado guitarrista de fusión, Al Di Meola se hizo famoso en la década de 1970 como pionero del jazz-rock antes de adoptar una mezcla de sonidos que se expandió a nivel mundial. Miembro clave de la histórica banda de fusión de Chick Corea, Return to Forever, Di Meola estableció su reputación en muchas de las fechas clásicas del grupo antes de hacerse famoso en álbumes como Elegant Gypsy de 1977 y Splendido Hotel de 1980. Además de las giras en su trío de guitarras de estrellas con John McLaughlin y Paco de Lucía, Di Meola ha colaborado en proyectos con luminarias como Stanley Clarke, Larry Coryell, Paul Simon, Luciano Pavarotti, Gonzalo Rubalcaba, Charlie Haden y otros. Ha continuado expandiendo su sonido en álbumes como World Sinfonia de 1990, Pursuit of Radical Rhapsody de 2011 y Opus de 2018, equilibrando sus raíces de fusión con incursiones en el tango argentino y el flamenco español, así como en las tradiciones de Oriente Medio, el norte de África y la cultura afrocubana.

Nacido en 1954 en Jersey City, Nueva Jersey, Di Meola comenzó a tocar la guitarra a una edad temprana, inspirado por bandas como los Ventures y los Beatles. Un estudiante diligente, progresó rápidamente y en su adolescencia ya era un jugador dotado. Fue durante la escuela secundaria que descubrió el jazz, escuchando a artistas como Kenny Burrell y Tal Farlow. Sin embargo, fue su exposición al innovador guitarrista de fusión Larry Coryell lo que lo impulsó a mezclar el jazz, el blues, el rock y más. En 1972, se matriculó en el Berklee College of Music de Boston, donde se unió a un cuarteto con el teclista Barry Miles. Una cinta del grupo acabó en manos del teclista Chick Corea, quien rápidamente ofreció a Di Meola la oportunidad de sustituir al guitarrista saliente Bill Connors en su incipiente conjunto de fusión Return to Forever. Di Meola dejó la escuela antes de terminar su carrera y se fue con el grupo, que entonces incluía al bajista Stanley Clarke y al baterista Lenny White. Fue con Di Meola que Return to Forever alcanzó su mayor éxito comercial, lanzando álbumes como Where Have I Known Before de 1974, No Mystery de 1975, ganador de un Grammy, y Romantic Warrior de 1976, todos los cuales entraron en el Top 40 de los Estados Unidos.

Tras la disolución de Return to Forever, Di Meola (entonces con sólo 22 años) se embarcó en una carrera en solitario, comenzando con la Tierra del Sol de Medianoche de 1976. En muchos sentidos una continuación de su trabajo con Return to Forever, el álbum incluía contribuciones de Corea y White, así como del baterista Steve Gadd, los bajistas Jaco Pastorius y Stanley Clarke, Barry Miles, y otros. Siguieron una serie de álbumes exitosos y algunos siguen siendo las mejores grabaciones de fusión de jazz de la época, como Elegant Gypsy de 1977, Casino de 1978 y Splendido Hotel de 1980, todos los cuales encontraron a Di Meola expandiendo aún más sus habilidades de fusión e incorporando elementos de influencias españolas, latinas y mundiales.

En los años 80, Di Meola se unió a John McLaughlin de la Mahavishnu Orchestra y a la estrella de la música clásica Paco de Lucía en la noche de los viernes de los 80 en San Francisco. De Lucía también participó en el quinto álbum en solitario de Di Meola, Electric Rendezvous de 1982, que también contó con la participación de los teclistas Jan Hammer y Philippe Saisse, Steve Gadd y otros. Un asunto similar lleno de estrellas, Scenario, llegó en 1983 y encontró a Di Meola tocando con Phil Collins de Génesis, el baterista de Yes Bill Bruford, el bajista Tony Levin y el teclista Hammer. Aún más exploraciones siguieron en 1985 cuando Di Meola abrazó los sonidos brasileños, emparejándose con el percusionista Airto Moreira para Soaring Through a Dream y el álbum en dúo Cielo e Terra.

A lo largo de los 80 y 90, Di Meola ganó anualmente los máximos honores en las encuestas de la revista Guitar Player. También se encontró muy solicitado como colaborador e intérprete de escaparate, tocando en álbumes de Paul Simon, Stanley Jordan y Stomu Yamashta, entre otros. En los años 90, Di Meola se alejó casi por completo de la fusión, concentrándose más en la música de base acústica que le encontró incorporando aún más tradiciones globales. Los ritmos de tango jugaron un papel especial en su sonido, como en la Sinfonía Mundial de 1990, Di Meola interpreta a Piazzolla, y el Corazón de los Inmigrantes de 1993. También hubo otras fechas estelares, como se unió a Stanley Clarke y Jean-Luc Ponty para Rite of Strings de 1995 y se reunió con McLaughlin y de Lucía para The Guitar Trio de 1996. Dos años más tarde, lanzó el sintetizador The Infinite Desire, que contó con la participación de Herbie Hancock y Peter Erskine. Completó la década con Winter Nights de 1999, su primer álbum de temática festiva.

Durante la década de 2000, Di Meola continuó con este enfoque ecléctico con lanzamientos como Revisited de 2003, Consequence of Chaos de 2006 y Diabolic Inventions and Seduction for Solo Guitar, Vol. 1: Music of Astor Piazzolla de 2007. Al año siguiente, se emparejó con el flautista Eszter Horgas para el álbum de concierto He and Carmen. En 2011, Di Meola entregó el álbum de estudio de inspiración latina Pursuit of Radical Rhapsody, con el bajista Charlie Haden y el pianista cubano Gonzalo Rubalcaba. 2013 es All Your Life: A Tribute to the Beatles, grabado en los estudios Abbey Road de Londres, encontró al guitarrista reelaborando canciones del cancionero de Lennon/McCartney.

El esfuerzo de fusión de exuberante textura Elysium siguió en 2015. Dos años más tarde, Di Meola entregó el álbum de concierto Morocco Fantasia, grabado en vivo en el Festival Mawazine de Rabat, Marruecos. Junto con la banda de Di Meola, el espectáculo contó con la participación de los músicos marroquíes Said Chraibi, el violinista Abdellah Meri y el percusionista Tarik Ben Ali. En 2018, entregó el Opus, que contó con las contribuciones del pianista de origen cubano Kemuel Roig. A través del Universo, la segunda exploración de Di Meola de la música de los Beatles, llegó en 2020.
https://www.allmusic.com/artist/al-di-meola-mn0000600228/biography

aldimeola.com ...

 

The Cook Trio • Moonlight

Acoustic Gypsy Jazz in the style of legendary guitarist, Django Reinhardt. Enter the nattily dressed Cook brothers, natives of these parts, who, Frankenstein-like, raise Reinhardt back to life through their acoustic guitar trio. Formed in April 2005, the Cook Trio consists of Ian and Jason Cook and Kyle Jones, who were brought together by their common love of Reinhardt's passionate music and anarchic spirit.

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Jazz gitano acústico al estilo del legendario guitarrista Django Reinhardt. Entra en el grupo de los hermanos Cook, nativos de esta zona, que, al igual que Frankenstein, devuelven a Reinhardt a la vida a través de su trío de guitarra acústica. Formado en abril de 2005, el Trío Cook está formado por Ian y Jason Cook y Kyle Jones, que se unieron por su amor común a la música apasionada y el espíritu anárquico de Reinhardt.

www.facebook.com/cooktrio ...

Al Caiola • Guitar Woodwinds & Bongos

Biography by Stephen Thomas Erlewine

Guitarist Al Caiola initially made his reputation as a session musician, playing on records made by Percy Faith and Andre Kostelanetz, among others. Caiola was the conductor and arranger for United Artists Records in the late '40s and early '50s. After leaving UA, he signed with RCA, where he released a number of singles in the '50s. In the early '60s, he went back to United Artists, which is where he scored his first hit with the theme to the film The Magnificent Seven. The single peaked at 35 in early 1961 and it was quickly followed by the theme to the television series Bonanza, which climbed to number 19. For the rest of the '60s, Caiola released a number of easy listening instrumental albums and also hosted a television show, which was only aired for a short while. Caiola continued to record throughout subsequent decades; he died in Allendale, New Jersey in 2016 at the age of 96.

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Biografía de Stephen Thomas Erlewine

El guitarrista Al Caiola inicialmente hizo su reputación como músico de sesión, tocando en discos hechos por Percy Faith y Andre Kostelanetz, entre otros. Caiola fue la directora y arreglista de United Artists Records a finales de los años 40 y principios de los 50. Después de dejar UA, firmó con RCA, donde lanzó una serie de singles en los años 50. A principios de los años 60, regresó a United Artists, que es donde anotó su primer éxito con el tema de la película The Magnificent Seven. El single alcanzó su punto máximo en 35 a principios de 1961 y fue seguido rápidamente por el tema de la serie de televisión Bonanza, que llegó al número 19. Durante el resto de los años 60, Caiola lanzó una serie de álbumes instrumentales fáciles de escuchar y también presentó una televisión. Espectáculo, que solo se emitió por un corto tiempo. Caiola continuó grabando a lo largo de décadas posteriores; murió en Allendale, Nueva Jersey en 2016 a la edad de 96 años.

Adrien Moignard • Adrien Moignard Trio & Guests

 

 
French gypsy jazz guitarist, born 29 April 1985.

Colaborador / Contributor:  Mich58

 

Bucky Pizzarelli & Frank Vignola • Don't Blame Me

 

Bucky says, "This is the best record I've ever recorded". Coffee, doughnuts and a lot of music books is all Bucky and Frank need to create great music together. This was recorded in NYC (DB Plus) in Sept 2006 by the great grammy award winning engineer, Gene Paul (Les1 Son) and is sure to become a classic both musically and sonically. From inside album.

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Bucky dice: "Este es el mejor disco que he grabado nunca". Café, donuts y un montón de libros de música es todo lo que Bucky y Frank necesitan para crear buena música juntos. Fue grabado en NYC (DB Plus) en septiembre de 2006 por el gran ingeniero ganador de un Grammy, Gene Paul (Les1 Son) y seguro que se convertirá en un clásico tanto musical como sonoro. Del interior del álbum.

www.frankvignola.com ...
 

Grant Green • Green Street

Review by Michael G. Nastos
As a trio, this edition of guitarist Grant Green's many ensembles has to rank with the best he had ever fronted. Recorded on April Fool's Day of 1961, the band and music are no joke, as bassist Ben Tucker and drummer Dave Bailey understand in the most innate sense how to support Green, lay back when needed, or strut their own stuff when called upon. Still emerging as an individualist, Green takes further steps ahead, without a pianist, saxophonist, or most importantly an organist. His willpower drives this music forward in a refined approach that definitely marks him as a distinctive, immediately recognizable player. It is also a session done in a period when Green was reeling in popular demand, as this remarkably is one of six recordings he cut for Blue Note as a leader in 1961, not to mention other projects as a sideman. To say his star was rising would be an understatement. The lean meatiness of this group allows all three musicians to play with little hesitation, no wasted notes, and plenty of soul. Another aspect of this studio date is the stereo separation of Green's guitar in one speaker, perhaps not prevalent in modern recordings, but very much in use then. Check out the atypical (for Green) ballad "'Round About Midnight," as the guitarist trims back embellishments to play this famous melody straight, with a slight vibrato, occasional trills, and a shuffled bridge. The trio cops an attitude similar to Dizzy Gillespie for the introduction to "Alone Together," with clipped melody notes and a bass filler from Tucker. Three of Green's originals stamp his personal mark on rising original soulful post-bop sounds, as "No. 1 Green Street" has basic B-flat, easy-grooving tenets similar to his previously recorded tune "Miss Ann's Tempo." Two interesting key changes and chord accents identify the outstanding "Grant's Dimensions" beyond its core bop bridge and jam configuration not the least of which contains a hefty bass solo from the criminally underrated Tucker and Bailey trading fours. "Green with Envy" should be familiar to fans of Horace Silver, as it is almost identically based on the changes of "Nica's Dream," a neat adaptation full of stop-starts and stretched-out improvising over ten minutes. (The alternate take of this one on the expanded CD reissue is a full two minutes shorter.) If this is not a definitive jazz guitar trio, they have not yet been born, and Green Street stands as one of Grant Green's best recordings of many he produced in the ten prolific years he was with the Blue Note label.

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Reseña de Michael G. Nastos
Como trío, esta edición de los muchos conjuntos del guitarrista Grant Green tiene que clasificarse entre los mejores que jamás haya liderado. Grabada el Día de los Inocentes de 1961, la banda y la música no son una broma, ya que el bajista Ben Tucker y el baterista Dave Bailey entienden en el sentido más innato cómo apoyar a Green, recostarse cuando es necesario o pavonearse cuando se les pide. Aún emergiendo como un individualista, Green da más pasos adelante, sin un pianista, saxofonista o, lo que es más importante, un organista. Su fuerza de voluntad impulsa esta música hacia adelante en un enfoque refinado que definitivamente lo marca como un intérprete distintivo e inmediatamente reconocible. También es una sesión realizada en un período en el que Green estaba ganando demanda popular, ya que esta es notablemente una de las seis grabaciones que grabó para Blue Note como líder en 1961, sin mencionar otros proyectos como acompañante. Decir que su estrella estaba en ascenso sería quedarse corto. La magra carnosidad de este grupo permite a los tres músicos tocar con poca vacilación, sin desperdiciar notas y con mucha alma. Otro aspecto de esta fecha de estudio es la separación estéreo de la guitarra de Green en un altavoz, quizás no frecuente en las grabaciones modernas, pero muy en uso entonces. Echa un vistazo a la balada atípica (para Green) "'Round About Midnight", mientras el guitarrista recorta adornos para tocar esta famosa melodía directamente, con un ligero vibrato, trinos ocasionales y un puente arrastrado. El trío adopta una actitud similar a Dizzy Gillespie para la introducción de "Alone Together", con notas de melodía recortadas y un relleno de bajo de Tucker. Tres de los originales de Green dejan su huella personal en el aumento de los sonidos conmovedores originales post-bop, ya que "No. 1 Green Street" tiene principios básicos de Si bemol y fácil de ranurar similares a su melodía grabada anteriormente " Miss Ann's Tempo."Dos interesantes cambios de tonalidad y acentos de acordes identifican las sobresalientes' Grant's Dimensions ' más allá de su puente bop central y la configuración de jam, entre las cuales no menos importante contiene un fuerte solo de bajo de los criminalmente subestimados Tucker y Bailey trading fours. "Green with Envy" debería ser familiar para los fanáticos de Horace Silver, ya que se basa casi idénticamente en los cambios de "Nica's Dream", una adaptación ordenada llena de paradas y arranques e improvisación prolongada durante diez minutos. (La toma alternativa de esta en la reedición ampliada del CD es dos minutos más corta.) Si este no es un trío definitivo de guitarras de jazz, aún no han nacido, y Green Street se erige como una de las mejores grabaciones de Grant Green de las muchas que produjo en los diez prolíficos años que estuvo con el sello Blue Note.

 

Dave Stryker • Groove Street

 

Biography
Whether you’ve heard guitarist Dave Stryker fronting his own group (with 25 CD’s as a leader to date), or as a featured sideman with Stanley Turrentine, Jack McDuff, and many others, you know why Gary Giddins in the Village Voice calls him “one of the most distinctive guitarists to come along in recent years.” He was recently voted once again one of the Top Guitarists in the 2014 Downbeat Critics and Readers polls for the 7th time. His most recent CD “Eight Track” was also picked as one of the Top Albums of 2014 in the Downbeat Readers Poll.

Dave Stryker grew up in Omaha, Nebraska and moved to New York City in 1980. After establishing himself in the local music scene, he joined organist Jack McDuff’s group for two years 1984-85. When McDuff wasn’t on the road (literally traveling by van all over the country) they worked a steady four-night a week gig at Dude’s Lounge in Harlem. His first break, this turned out to be an invaluable experience, paying his dues night after night with the soulful jazz organist. It was at Dude’s Lounge that Stryker met tenor saxophonist Stanley Turrentine, who would occasionally sit in. After leaving McDuff, Turrentine asked Stryker to join his quintet. From 1986-1995 he played with the legendary saxophonist at all the major festivals, concert halls, and clubs throughout the world. He is featured on two Turrentine CD’s (Stanley recorded Stryker’s tune “Sidesteppin”). With Turrentine, Stryker was able to play with such jazz greats as Dizzy Gillespie and Freddie Hubbard. The ten years playing alongside the tenor legend helped Stryker realize the importance of having his own sound. Dave continued to work with Stanley and was with him during his final week at the Blue Note in NYC, when he passed in Sept. 2000.

Early on Stryker realized that as much as he loved playing standards and the jazz repertoire he had to have something of his own to give to the music. He feels that his writing combined with his playing is what shapes his musical expression. He has recorded and published over 130 of his own compositions. Eighteen of those compositions (from the first five SteepleChase CD’s) are compiled in the book : The Music of Dave Stryker (SteepleChase Music) which can be ordered on this website. Some of the other artists who have recorded his music are: Stanley Turrentine, Kevin Mahogany, Victor Lewis, and Steve Slagle. Dave continues to perform with The Dave Stryker Organ Trio, his Blue to the Bone Band, and The Stryker / Slagle Band. Recent gigs for The Stryker / Slagle Band have included a recent week at Dizzy’s Club Coca Cola at Jazz at Lincoln Center, the Monterey Jazz Festival, The Blue Note in Las Vegas, The Jazz Bakery in LA, and a 2003 tour of Japan.

Sideman work has included vocalist Kevin Mahogany’s group, with Dave writing and arranging music for Kevin’s Telarc release Pride and Joy and Another Time, Another Place on Warner Bros and tours of Europe, Japan, Brazil, Poland and Carnegie Hall. He also has worked with Blue Note saxophonist Javon Jackson and pianist Eliane Elias. He has appeared on over 50 CD’s as a sideman. As a producer, Stryker compiled the CD The Guitar Artistry of Billy Rogers which is the only existing record of the brilliant jazz playing of the late underground legend who was his friend, former teacher and member of the Crusaders. He has also produced “A Tribute to Grant Green” on Evidence Music.

Dave is the Adjunct Professor of Jazz guitar at Jacobs School of Music at Indiana University, and at the John J. Cali School of Music at Montclair State University. He is passing along his experience by teaching both privately The Aebersold Summer Jazz Workshop, The Litchfield Jazz Camp, and the Jazzhouse Kids Workshop in Montclair NJ.
https://musicians.allaboutjazz.com/davestryker

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Biografía
Tanto si has escuchado al guitarrista Dave Stryker al frente de su propio grupo (con 25 CD's como líder hasta la fecha), como si es un destacado acompañante de Stanley Turrentine, Jack McDuff y muchos otros, sabes por qué Gary Giddins en el Village Voice lo llama "uno de los guitarristas más distintivos de los últimos años". Recientemente fue votado una vez más como uno de los mejores guitarristas en las encuestas de Downbeat Critics and Readers de 2014 por séptima vez. Su más reciente CD "Eight Track" también fue elegido como uno de los mejores álbumes de 2014 en la encuesta de Downbeat Readers.

Dave Stryker creció en Omaha, Nebraska y se mudó a la ciudad de Nueva York en 1980. Después de establecerse en la escena musical local, se unió al grupo del organista Jack McDuff durante dos años 1984-85. Cuando McDuff no estaba en la carretera (literalmente viajando en furgoneta por todo el país) trabajaban en un concierto estable de cuatro noches a la semana en el Dude's Lounge de Harlem. Su primer descanso, resultó ser una experiencia invaluable, pagando sus cuotas noche tras noche con el conmovedor organista de jazz. Fue en Dude's Lounge donde Stryker conoció al saxofonista tenor Stanley Turrentine, que ocasionalmente se sentaba en él. Después de dejar a McDuff, Turrentine le pidió a Stryker que se uniera a su quinteto. De 1986 a 1995 tocó con el legendario saxofonista en los principales festivales, salas de conciertos y clubes de todo el mundo. Aparece en dos CD de Turrentine (Stanley grabó la canción de Stryker "Sidesteppin"). Con Turrentine, Stryker pudo tocar con grandes del jazz como Dizzy Gillespie y Freddie Hubbard. Los diez años tocando junto a la leyenda del tenor ayudaron a Stryker a darse cuenta de la importancia de tener su propio sonido. Dave siguió trabajando con Stanley y estuvo con él durante su última semana en el Blue Note de Nueva York, cuando falleció en septiembre de 2000.

Desde el principio Stryker se dio cuenta de que por mucho que le gustara tocar los estándares y el repertorio de jazz, tenía que tener algo propio que aportar a la música. Siente que su escritura combinada con su forma de tocar es lo que da forma a su expresión musical. Ha grabado y publicado más de 130 de sus propias composiciones. Dieciocho de esas composiciones (de los primeros cinco CD de SteepleChase) están compiladas en el libro: The Music of Dave Stryker (SteepleChase Music) que puede ser ordenado en este sitio web. Algunos de los otros artistas que han grabado su música son: Stanley Turrentine, Kevin Mahogany, Victor Lewis, y Steve Slagle. Dave sigue tocando con The Dave Stryker Organ Trio, su Blue to the Bone Band, y The Stryker / Slagle Band. Entre los últimos conciertos de The Stryker / Slagle Band se incluyen una semana reciente en el Dizzy's Club Coca Cola at Jazz en el Lincoln Center, el Festival de Jazz de Monterrey, The Blue Note en Las Vegas, The Jazz Bakery en Los Ángeles, y una gira por Japón en 2003.

El trabajo de Sideman ha incluido al grupo del vocalista Kevin Mahogany, con Dave escribiendo y arreglando la música para el lanzamiento de Kevin's Telarc Pride and Joy y Another Time, Another Place on Warner Bros y giras por Europa, Japón, Brasil, Polonia y Carnegie Hall. También ha trabajado con el saxofonista de Blue Note Javon Jackson y la pianista Eliane Elias. Ha aparecido en más de 50 CD como sideman. Como productor, Stryker compiló el CD The Guitar Artistry of Billy Rogers, que es el único disco existente de la brillante interpretación de jazz de la difunta leyenda del underground que fue su amigo, antiguo maestro y miembro de los Cruzados. También ha producido "A Tribute to Grant Green" en Evidence Music.

Dave es profesor adjunto de guitarra de jazz en la Escuela de Música Jacobs de la Universidad de Indiana y en la Escuela de Música John J. Cali de la Universidad Estatal de Montclair. Está transmitiendo su experiencia enseñando en forma privada en el Taller de Jazz de Verano Aebersold, el Campamento de Jazz de Litchfield, y el Taller para Niños de Jazzhouse en Montclair NJ.
https://musicians.allaboutjazz.com/davestryker


 

www.davestryker.com
 

Sal Salvador • Frivolous Sal

 

 

Kenny Burrell • Listen To The Dawn

 

 

Review by Ron Wynn
Sharp trio set. Burrell is backed by excellent bass/drums duo of Rufus Reid and Ben Riley, both of whom are Burrell's playing equals. The results are uniformly solid, sometimes more emphatic than others. Burrell is still playing in a relaxed, easy groove, but occasionally increases the energy level. https://www.allmusic.com/album/listen-to-the-dawn-mw0000079933

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Review by Ron Wynn
Sharp trio set. Burrell is backed by excellent bass/drums duo of Rufus Reid and Ben Riley, both of whom are Burrell's playing equals. The results are uniformly solid, sometimes more emphatic than others. Burrell is still playing in a relaxed, easy groove, but occasionally increases the energy level. https://www.allmusic.com/album/listen-to-the-dawn-mw0000079933

Cal Tjader & Charlie Byrd • Tambu

 

Review by Richard S. Ginell

Still trying to stay in tune with the Seventies, Cal Tjader joins forces with another refugee from another time, guitarist Charlie Byrd, for an album of contemporary Brazilian-flavored jazz. The alliance is forged mostly on Byrd's terms, with bossa nova, samba and percussive displays from Brazil's interior dominating the grooves. This time, after proving very adaptable to previous experiments, Tjader seems to be out in the cold in these settings, and he lays out a lot more often than usual on this album. Byrd rides along in his gentle, prickly-toned manner on acoustic and electric guitars, and the rhythm section shifts personnel and instruments from track to track. Yet oddly enough, this is still a musically rich feast. Electric pianist Mike Wolff's "Samba de Oneida" is a marvelously propulsive samba, and "Tereza My Love," one of Antonio Carlos Jobim's most attractive sleepers, is given a lovely rendition. The title track, written by Airto Moreira, is given an authentic, rambunctious Airto-style treatment, very much up-to-date, but Cal doesn't sound totally comfortable with the rhythm on vibes, spending most of his time on timbales. Even though this isn't prime Tjader, the overall quality of the music makes it a winner.

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Reseña de Richard S. Ginell

Aún tratando de mantenerse en sintonía con los años setenta, Cal Tjader une fuerzas con otro refugiado de otro tiempo, el guitarrista Charlie Byrd, para un álbum de jazz contemporáneo con sabor brasileño. La alianza se forja principalmente en los términos de Byrd, con la bossa nova, la samba y la percusión del interior de Brasil dominando los ritmos. Esta vez, después de haber demostrado ser muy adaptable a experimentos anteriores, Tjader parece estar en el frío en estos escenarios, y se presenta mucho más a menudo de lo habitual en este álbum. Byrd se mueve en su manera suave y espinosa en guitarras acústicas y eléctricas, y la sección rítmica cambia el personal y los instrumentos de una pista a otra. Sin embargo, curiosamente, esta es una fiesta rica en música. La "Samba de Oneida" del pianista eléctrico Mike Wolff es una samba maravillosamente propulsora, y "Tereza My Love", uno de los durmientes más atractivos de Antonio Carlos Jobim, recibe una encantadora interpretación. El tema del título, escrito por Airto Moreira, recibe un auténtico y bullicioso tratamiento al estilo Airto, muy actual, pero Cal no se siente totalmente cómodo con el ritmo de las vibraciones, pasando la mayor parte de su tiempo en los timbales. Aunque no se trata de un Tjader de primera, la calidad general de la música lo convierte en un ganador.

Bob Thiele & Gabor Szabo • Light My Fire

 

Light My Fire is an album by Hungarian jazz guitarist Gábor Szabó and American record producer Bob Thiele featuring performances recorded in 1967 for the Impulse! label.

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Light My Fire es un álbum del guitarrista de jazz húngaro Gábor Szabó y del productor discográfico estadounidense Bob Thiele con actuaciones grabadas en 1967 para el sello Impulse!

 

 

Barney Kessel • Bluesology

 

Biography

One of the finest guitarists to emerge after the death of Charlie Christian, Barney Kessel was a reliable bop soloist throughout his career. He played with a big band fronted by Chico Marx (1943), was fortunate enough to appear in the classic jazz short Jammin' the Blues (1944), and then worked with the big bands of Charlie Barnet (1944-1945) and Artie Shaw (1945); he also recorded with Shaw's Gramercy Five. Kessel became a busy studio musician in Los Angeles, but was always in demand for jazz records. He toured with the Oscar Peterson Trio for one year (1952-1953) and then, starting in 1953, led an impressive series of records for Contemporary that lasted until 1961 (including several with Ray Brown and Shelly Manne in a trio accurately called the Poll Winners). After touring Europe with George Wein's Newport All-Stars (1968), Kessel lived in London for a time (1969-1970). In 1973, he began touring and recording with the Great Guitars, a group also including Herb Ellis and Charlie Byrd. A serious stroke in 1992 put Barney Kessel permanently out of action, but many of his records (which include dates for Onyx, Black Lion, Sonet, and Concord, in addition to many of the Contemporaries) are available, along with several video collections put out by Vestapol. Kessel was diagnosed with inoperable cancer in 2001, which eventually took his life in May of 2004. He was 80 years old. ~ Scott Yanow

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Biografía

Uno de los mejores guitarristas que surgieron después de la muerte de Charlie Christian, Barney Kessel fue un solista de bop fiable durante toda su carrera. Tocó con una gran banda liderada por Chico Marx (1943), tuvo la suerte de aparecer en el corto clásico de jazz Jammin' the Blues (1944), y luego trabajó con las grandes bandas de Charlie Barnet (1944-1945) y Artie Shaw (1945); también grabó con Shaw's Gramercy Five. Kessel se convirtió en un músico de estudio muy ocupado en Los Ángeles, pero siempre tuvo demanda de discos de jazz. Realizó una gira con el Oscar Peterson Trio durante un año (1952-1953) y luego, a partir de 1953, dirigió una impresionante serie de discos para Contemporary que duró hasta 1961 (incluidos varios con Ray Brown y Shelly Manne en un trío llamado precisamente los Poll Winners). Después de recorrer Europa con el Newport All-Stars de George Wein (1968), Kessel vivió en Londres durante un tiempo (1969-1970). En 1973, comenzó a hacer giras y grabaciones con los Great Guitars, un grupo que también incluía a Herb Ellis y Charlie Byrd. Un grave derrame cerebral en 1992 dejó a Barney Kessel permanentemente fuera de combate, pero muchos de sus discos (que incluyen fechas de Onyx, Black Lion, Sonet y Concord, además de muchos de los Contemporáneos) están disponibles, junto con varias colecciones de vídeo publicadas por Vestapol. A Kessel se le diagnosticó un cáncer inoperable en 2001, que finalmente le quitó la vida en mayo de 2004. Tenía 80 años de edad. ~ Scott Yanow

Paulo Morello • Sambop

 

 

German jazz guitarist , composer and music producer.


paulomorello.com ...

Ulf Meyer & Martin Wind feat. Alex Riel • Kinnings

 

This record was recorded in Hamburg in Oct. 2002. The band is comprised of four top European musicians - three Germans and one Dane. Half of the tunes are original compositions, the rest are older jazz standards ("Do You Know What it Means to Miss New Orleans" and Duke Ellington's "Ain't Got Nothing But the Blues"), and newer jazz standards ("Groove Merchant"), also including some latin inspiration ("O Grande Amor"). Guitarist Ulf Meyer has a fine, flowing feel, sometimes reminiscent of Pat Metheny. Alex Riel, from Denmark, is one of the best and most famous drummers in Europe today. The four musicians on this CD are highly compatible, making the music sound effortless and relaxed.
https://www.storyvillerecords.com/products/kinnings-1018374

 

Meyer came into contact early on with the Scandinavian way of playing jazz with folk elements; the melodic has a big influence on his guitar style. With the guitarist Christoph Oeding he performed as a duo for a long time; He also gave concerts with him at the Jazz Baltica Festival in 1994 and released the joint album Early in 2006 . He has released a number of recordings with his own instrumental compositions. In a duo with bassist Martin Wind , he released the albums The Baltic (1994), Live im Orpheus (2012)and Liquorice & Beer (2018), and in a trio with Alex Riel Kinnings (2003) and Feels Like Home (2005). He also performs in a duo with bassist Lars Hansen. As a studio musician, he was also active for various CD library productions (SEL / Selected Sound / EMI). As a film composer, he wrote songs and film music for Rote Rosen , Die Rote Zora and other cinema and television films. He can also be heard on albums by Manfred Maurenbrecher and Hannes Wader. second.wiki

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Este disco se grabó en Hamburgo en octubre de 2002. La banda está formada por cuatro músicos europeos de primera fila: tres alemanes y un danés. La mitad de los temas son composiciones originales, el resto son antiguos estándares de jazz ("Do You Know What it Means to Miss New Orleans" y "Ain't Got Nothing But the Blues" de Duke Ellington), y nuevos estándares de jazz ("Groove Merchant"), incluyendo también alguna inspiración latina ("O Grande Amor"). El guitarrista Ulf Meyer tiene un toque fino y fluido, que a veces recuerda a Pat Metheny. El danés Alex Riel es uno de los mejores y más famosos bateristas de Europa en la actualidad. Los cuatro músicos de este CD son altamente compatibles, haciendo que la música suene sin esfuerzo y relajada.
https://www.storyvillerecords.com/products/kinnings-1018374

 

Meyer entró en contacto con la forma escandinava de tocar jazz con elementos folclóricos desde el principio; lo melódico tiene una gran influencia en su estilo de guitarra. Con el guitarrista Christoph Oeding actuó en dúo durante mucho tiempo; También dio conciertos con él en el Jazz Baltica Festival en 1994 y lanzó el álbum conjunto Early en 2006. Ha editado una serie de grabaciones con sus propias composiciones instrumentales. En dúo con el bajista Martin Wind, lanzó los álbumes The Baltic (1994), Live im Orpheus (2012) y Liquorice & Beer (2018), y en trío con Alex Riel Kinnings (2003) y Feels Like Home (2005). También aparece en un dúo con el bajista Lars Hansen. Como músico de estudio, también trabajó para varias producciones de biblioteca de CD (SEL / Selected Sound / EMI). Como compositor de películas, escribió canciones y música para películas para Rote Rosen, Die Rote Zora y otras películas de cine y televisión. También se le puede escuchar en álbumes de Manfred Maurenbrecher y Hannes Wader. wikipedia.org & Michel.


www.storyvillerecords.com ...


www.martinwind.com ...

The Black Market Trust • The Black Market Trust

 

The Black Market trust is an American Gypsy-Jazz group consisting of lead guitarist Jeff Radaich, rhythm guitarist Chris Irwin, and bassist Brian Netzley. Their sound is characterized by a hybrid of both new school pop and old world jazz. Combining a Brill-Building-sensibility to songwriting with flashy guitar and an incredible swinging rhythm section, the BMT makes jazz for people who hate jazz.

 

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The Black Market trust es un grupo estadounidense de Gypsy-Jazz formado por el guitarrista principal Jeff Radaich, el guitarrista rítmico Chris Irwin y el bajista Brian Netzley. Su sonido se caracteriza por ser un híbrido entre el pop de la nueva escuela y el jazz del viejo mundo. Combinando una sensibilidad brillante a la hora de componer canciones con una guitarra llamativa y una increíble sección rítmica oscilante, los BMT hacen jazz para la gente que odia el jazz.

www.theblackmarkettrust.com ...

Barney Kessel • Music to Listen to Barney Kessel By

 

Review from AllMusic (by Rovi Staff):
Featured is Kessel's guitar with five woodwinds and a rhythm section. 12 songs were recorded with Buddy Collette (fl), Andre Previn (p), Shelly Manne (d), Jimmy Rowles (p), Red Mitchell (b), Buddy Clark (b), and others.
[https://www.allmusic.com/album/music-to-listen-to-barney-kessel-by-mw0000093893](https://www.allmusic.com/album/music-to-listen-to-barney-kessel-by-mw0000093893)

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Resena de AllMusic (por Rovi Staff):
La guitarra de Kessel es la protagonista, acompanada por cinco instrumentos de viento y una seccion ritmica. Los 12 temas fueron grabados con Buddy Collette (flauta), Andre Previn (piano), Shelly Manne (bateria), Jimmy Rowles (piano), Red Mitchell (contrabajo), Buddy Clark (contrabajo) y otros.

Zoot Sims & Bucky Pizzarelli • Elegiac

 

Review by Scott Yanow
This generally interesting but only adequately recorded set, which was issued for the first time on this 1996 CD, features duets played by Zoot Sims (doubling on tenor and soprano) and guitarist Bucky Pizzarelli. The pair mostly sticks to swinging standards, other than Neal Hefti's "Fred" and Rod McKuen's "Jean," and there are some strong moments (particularly on "Lester Leaps In," "Limehouse Blues" and "Softly As In a Morning Sunrise"), but one does miss the bass and drums after awhile.
https://www.allmusic.com/album/elegiac-mw0000083647

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Reseña de Scott Yanow
Este conjunto generalmente interesante pero solo adecuadamente grabado, que se publicó por primera vez en este CD de 1996, presenta duetos interpretados por Zoot Sims (doblando tenor y soprano) y el guitarrista Bucky Pizzarelli. La pareja se apega principalmente a los estándares del swing, aparte de "Fred" de Neal Hefti y "Jean" de Rod McKuen, y hay algunos momentos fuertes (particularmente en "Lester Leaps In", "Limehouse Blues" y "Softly As In a Morning Sunrise"), pero uno extraña el bajo y la batería después de un tiempo.
https://www.allmusic.com/album/elegiac-mw0000083647