Joe Beck • Get Me

 

 

Review from All About Jazz (by Jack Bowers): Recorded live at Anna's Jazz Island in Berkeley in 2006, Get Me Joe Beck was Joe Beck's final recording. Bowers emphasizes Beck's ability to make the guitar sing through carefully shaped chords, single-note lines and subtle improvisation. The trio with Peter Barshay on bass and David Rokeach on drums had never played together before these sessions, yet their interaction is consistently responsive and musical. The program combines familiar standards with Brazilian repertoire, while Beck's brief spoken introductions add humor and personality to the performance.

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Reseña de All About Jazz (por Jack Bowers): Grabado en vivo en Anna's Jazz Island de Berkeley en 2006, Get Me Joe Beck fue la ultima grabacion de Joe Beck. Bowers destaca su capacidad para hacer cantar a la guitarra mediante acordes cuidadosamente construidos, lineas de una sola nota e improvisaciones sutiles. El trio formado por Peter Barshay en contrabajo y David Rokeach en bateria no habia tocado anteriormente como conjunto, pero su interaccion resulta constantemente fluida y musical. El programa combina standards conocidos con repertorio brasileno, mientras que las breves introducciones habladas de Beck aportan humor y personalidad a la actuacion. 

 

Wes Montgomery Trio • Guitar On The Go

 

Review by Scott Yanow

The final Riverside release of Wes Montgomery material (before the important label went completely bankrupt) was similar to his debut four years earlier: a trio with organist Melvin Rhyne and an obscure drummer (this time George Brown). In general, the music swings hard (particularly the two versions of "The Way You Look Tonight"), and is a worthy if not essential addition to Wes Montgomery's discography. He would have a few straight-ahead dates for Verve, but this release was really the end of an era.

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Reseña de Scott Yanow

La versión final de Riverside del material de Wes Montgomery (antes de que el importante sello quebrara completamente) fue similar a su debut cuatro años antes: un trío con el organista Melvin Rhyne y un baterista oscuro (esta vez George Brown). En general, la música se mueve con fuerza (particularmente las dos versiones de "The Way You Look Tonight"), y es una adición digna, si no esencial, a la discografía de Wes Montgomery. Tendría algunas fechas para Verve, pero este lanzamiento fue realmente el final de una era.

John Abercrombie • Cat 'n' Mouse

 

 

Review by AllMusic
Aided by an all-star band, John Abercombie makes it clear on CAT 'N' MOUSE exactly why he continues to be regarded as one of jazz's most creative and progressive guitarists. He's possessed not only of fearsome chops, but a finely honed textural sensibility that enables him to move from the slinky lines and feathery tones of the opening cut "A Nice Idea" to the forward-looking experimentalism of "Convolution" and post-bop firestorm of "Stop and Go" without missing a beat. Yoemanlike work is done as well by violinist Mark Feldman, whose purity of tone is matched only by his ceaseless originality and succinct phrasing. On the album's numerous contemplative tunes, it's a pleasure to hear Abercombie and Feldman's lines cris-crossing, creating spontaneous tone poems that bear beauty and invention in equal measure.
https://www.allmusic.com/album/cat-n-mouse-mw0000218573

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Reseña de AllMusic
Ayudado por una banda de estrellas, John Abercombie deja claro en CAT 'N' MOUSE exactamente por qué sigue siendo considerado como uno de los guitarristas más creativos y progresivos del jazz. No sólo posee una técnica temible, sino también una sensibilidad textural muy afinada que le permite pasar de las líneas suaves y los tonos plumosos del primer corte, "A Nice Idea", al experimentalismo con visión de futuro de "Convolution" y a la tormenta post-bop de "Stop and Go" sin perder el ritmo. El violinista Mark Feldman, cuya pureza de tono sólo se ve igualada por su incesante originalidad y su fraseo sucinto, también realiza un gran trabajo. En las numerosas melodías contemplativas del álbum, es un placer escuchar cómo las líneas de Abercombie y Feldman se entrecruzan, creando poemas tonales espontáneos que contienen belleza e invención a partes iguales.
https://www.allmusic.com/album/cat-n-mouse-mw0000218573

www.ecmrecords.com/john-abercrombie ...
www.johnabercrombiejazzfund.org ...
www.abercrombiefilm.com ...

Grant Green • Grant's First Stand

Artist Biography by Michael Erlewine

A severely underrated player during his lifetime, Grant Green is one of the great unsung heroes of jazz guitar. He combined an extensive foundation in R&B with a mastery of bebop and simplicity that put expressiveness ahead of technical expertise. Green was a superb blues interpreter, and while his later material was predominantly blues and R&B, he was also a wondrous ballad and standards soloist. He was a particular admirer of Charlie Parker, and his phrasing often reflected it.

Grant Green was born in St. Louis in 1935 (although many records during his lifetime incorrectly listed 1931). He learned his instrument in grade school from his guitar-playing father, and was playing professionally by the age of thirteen with a gospel group. He worked gigs in his home town and in East St. Louis, Illinois -- playing in the '50s with Jimmy Forrest, Harry Edison, and Lou Donaldson -- until he moved to New York in 1960 at the suggestion of Donaldson. Green told Dan Morgenstern in a Down Beat interview: "The first thing I learned to play was boogie-woogie. Then I had to do a lot of rock & roll. It's all blues, anyhow."

During the early '60s, both his fluid, tasteful playing in organ/guitar/drum combos and his other dates for Blue Note established Green as a star, though he seldom got the critical respect given other players. He collaborated with many organists, among them Brother Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face Willette, Gloria Coleman, Big John Patton, and Larry Young. He was off the scene for a bit in the mid-'60s, but came back strong in the late '60s and '70s. Green played with Stanley Turrentine, Dave Bailey, Yusef Lateef, Joe Henderson, Hank Mobley, Herbie Hancock, McCoy Tyner, and Elvin Jones.

Sadly, drug problems interrupted his career in the '60s, and undoubtedly contributed to the illness he suffered in the late '70s. Green was hospitalized in 1978 and died a year later. Despite some rather uneven LPs near the end of his career, the great body of his work represents marvelous soul-jazz, bebop, and blues.

Although he mentions Charlie Christian and Jimmy Raney as influences, Green always claimed he listened to horn players (Charlie Parker and Miles Davis) and not other guitar players, and it shows. No other player has this kind of single-note linearity (he avoids chordal playing). There is very little of the intellectual element in Green's playing, and his technique is always at the service of his music. And it is music, plain and simple, that makes Green unique.

Green's playing is immediately recognizable -- perhaps more than any other guitarist. Green has been almost systematically ignored by jazz buffs with a bent to the cool side, and he has only recently begun to be appreciated for his incredible musicality. Perhaps no guitarist has ever handled standards and ballads with the brilliance of Grant Green. Mosaic, the nation's premier jazz reissue label, issued a wonderful collection The Complete Blue Note Recordings with Sonny Clark, featuring prime early '60s Green albums plus unissued tracks. Some of the finest examples of Green's work can be found there.

https://www.allmusic.com/artist/grant-green-mn0000738855/biography

Artist Biography

Green was born on June 6, 1931 in St. Louis, Missouri. He first performed in a professional setting at the age of 13. His early influences were Charlie Christian and Charlie Parker; however, he played extensive R & B gigs in his home town and in East Saint Louis, IL while developing his jazz chops. His first recordings in St. Louis were with tenor saxophonist Jimmy Forrest for the Delmark label. Lou Donaldson discovered green playing in a bar in St. Louis. After touring together with Donaldson, Green arrived in New York around 1959-60. In a Down Beat interview from the early 60's, Green said “The first thing I learned to play was boogie-woogie. Then I had to do a lot of rock and roll. It's all blues, anyhow.”

Lou Donaldson introduced Green to Alfred Lion of Blue Note Records. Lion was so impressed that, rather than testing Green as a sideman, as was the usual Blue Note practice, he arranged for him to record as a bandleader first. This recording relationship was to last, with a few exceptions, throughout the 'sixties. From 1961 to 1965 Green made more Blue Note LPs as leader and sideman than anyone else. Green was named best new star in the Down Beat critics' poll, 1962. As a result, his influence spread wider than New York. Green's first session as a leader did not meet the approval of Lion and was shelved, not to be released until 2002 as First Session. Green's first issued album as a leader was Grant's First Stand. This was followed in the same year by two more Blue Note releases: Green Street and Grantstand. He often provided support to many of other great musicians on Blue Note. These included saxophonists Hank Mobley, Ike Quebec, Stanley Turrentine and Harold Vick, as well as organists Larry Young and Big John Patton.

Sunday Mornin' , The Latin Bit and Feelin' the Spirit are all loose concept albums, each taking a musical theme or style: Gospel, Latin and spirituals respectively. Green always carried off his more commercial dates with artistic success during this period. Idle Moments (1963), featuring Joe Henderson and Bobby Hutcherson, and Solid (1964) are acclaimed as two of Green's best recordings. Many of Green's Blue Note recordings, including a series of sessions with pianist Sonny Clark were not released during his lifetime. In 1966 Green left Blue Note and recorded for several other labels, including Verve. From 1967 to 1969 Grant was inactive due to personal problems. In 1969 Green, having relocated to Detroit, returned with a new funk-influenced band. His recordings from this period include the commercially successful Green is Beautiful and Live at the Lighthouse. Grant left Blue Note again in 1974 and once again recorded sporadically for different labels.

Green spent much of 1978 in hospital and, against the advice of doctors, went back on the road. While in New York to play an engagement at George Benson's Breezin' Lounge, Green collapsed in his car of a heart attack on January 31, 1979. He was buried in his hometown of St. Louis, Missouri, and was survived by six children.

https://musicians.allaboutjazz.com/grantgreen

 

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Biografía del artista por Michael Erlewine

Un jugador severamente subestimado durante su vida, Grant Green es uno de los grandes héroes anónimos de la guitarra de jazz. Combinó una amplia base en R&B con un dominio del bebop y la simplicidad que puso la expresividad por encima de la experiencia técnica. Green fue un magnífico intérprete de blues, y aunque su material posterior fue predominantemente blues y R&B, también fue un maravilloso solista de balada y estándares. Era un admirador particular de Charlie Parker, y su fraseo a menudo lo reflejaba.

Grant Green nació en St. Louis en 1935 (aunque muchos registros durante su vida mencionan incorrectamente 1931). Aprendió su instrumento en la escuela primaria de su padre guitarrista, y tocaba profesionalmente a la edad de trece años con un grupo de gospel. Trabajó en conciertos en su ciudad natal y en East St. Louis, Illinois -- tocando en los años 50 con Jimmy Forrest, Harry Edison y Lou Donaldson -- hasta que se mudó a Nueva York en 1960 por sugerencia de Donaldson. Green le dijo a Dan Morgenstern en una entrevista con Down Beat: "Lo primero que aprendí a tocar fue el boogie-boogie. Entonces tuve que hacer mucho rock & roll. Todo es blues, de todos modos."

A principios de los años 60, tanto su fluida y sabrosa interpretación en combos de órgano/guitarra/batería como sus otras fechas para Blue Note establecieron a Green como una estrella, aunque rara vez obtuvo el respeto de la crítica dado a otros músicos. Colaboró con muchos organistas, entre ellos Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face Willette, Gloria Coleman, Big John Patton y Larry Young. Estuvo fuera de escena por un tiempo a mediados de los 60, pero regresó con fuerza a finales de los 60 y 70. Green tocó con Stanley Turrentine, Dave Bailey, Yusef Lateef, Joe Henderson, Hank Mobley, Herbie Hancock, McCoy Tyner y Elvin Jones.

Lamentablemente, los problemas de drogas interrumpieron su carrera en los años 60, y sin duda contribuyeron a la enfermedad que sufrió a finales de los 70. Green fue hospitalizado en 1978 y murió un año después. A pesar de algunos LPs bastante desiguales cerca del final de su carrera, el gran cuerpo de su obra representa un maravilloso soul-jazz, bebop y blues.

Aunque menciona a Charlie Christian y Jimmy Raney como influencias, Green siempre dijo que escuchaba a los trompetistas (Charlie Parker y Miles Davis) y no a otros guitarristas, y se nota. Ningún otro jugador tiene este tipo de linealidad de nota única (evita tocar los acordes). Hay muy poco del elemento intelectual en el toque de Green, y su técnica está siempre al servicio de su música. Y es la música, simple y llanamente, lo que hace que Green sea único.

El toque de Green es inmediatamente reconocible, quizás más que cualquier otro guitarrista. El verde ha sido casi sistemáticamente ignorado por los aficionados al jazz con una inclinación hacia el lado frío, y sólo recientemente ha empezado a ser apreciado por su increíble musicalidad. Quizás ningún guitarrista ha manejado nunca los estándares y baladas con la brillantez de Grant Green. Mosaic, el sello de reedición de jazz más importante del país, publicó una maravillosa colección The Complete Blue Note Recordings con Sonny Clark, que incluye álbumes de los primeros años de la década de los'60, además de temas no publicados. Algunos de los mejores ejemplos del trabajo de Green se pueden encontrar allí.

https://www.allmusic.com/artist/grant-green-mn0000738855/biography

Biografía del artista

Green nació el 6 de junio de 1931 en St. Louis, Missouri. Se presentó por primera vez en un ambiente profesional a la edad de 13. Sus primeras influencias fueron Charlie Christian y Charlie Parker; sin embargo, tocó en extensos conciertos de R & B en su ciudad natal y en East Saint Louis, IL, mientras desarrollaba sus habilidades de jazz. Sus primeras grabaciones en St. Louis fueron con el saxofonista tenor Jimmy Forrest para el sello Delmark. Lou Donaldson descubrió el verde jugando en un bar de St. Louis. Después de viajar con Donaldson, Green llegó a Nueva York alrededor de 1959-60. En una entrevista de Down Beat de principios de los 60, Green dijo: "Lo primero que aprendí a tocar fue el boogie-woogie. Luego tuve que hacer mucho rock and roll. Todo es blues, de todos modos."

Lou Donaldson presentó a Green a Alfred Lion de Blue Note Records. Lion quedó tan impresionado que, en lugar de probar a Green como sideman, como era la práctica habitual de Blue Note, se las arregló para que grabara primero como líder de banda. Esta relación de grabación iba a durar, con algunas excepciones, a lo largo de los años sesenta. De 1961 a 1965 Green hizo más LPs de Blue Note como líder y sideman que cualquier otro. Green fue nombrada mejor nueva estrella en la encuesta de los críticos de Down Beat de 1962. Como resultado, su influencia se extendió más allá de Nueva York. La primera sesión de Green como líder no contó con la aprobación del León y fue archivada, por lo que no fue lanzada hasta 2002 como Primera Sesión. El primer álbum que publicó Green como líder fue "Grant's First Stand". Esto fue seguido en el mismo año por otras dos versiones de Blue Note: Green Street y Grantstand. A menudo proporcionó apoyo a muchos otros grandes músicos en Blue Note. Entre ellos se encontraban los saxofonistas Hank Mobley, Ike Quebec, Stanley Turrentine y Harold Vick, así como los organistas Larry Young y Big John Patton.

The Latin Bit y Feelin' the Spirit son álbumes de concepto sueltos, cada uno con un tema o estilo musical: Evangelio, latín y espirituales respectivamente. Green siempre se llevó sus citas más comerciales con éxito artístico durante este periodo. Idle Moments (1963), con Joe Henderson y Bobby Hutcherson, y Solid (1964) son aclamados como dos de las mejores grabaciones de Green. Muchas de las grabaciones de Blue Note de Green, incluyendo una serie de sesiones con el pianista Sonny Clark no fueron lanzadas durante su vida. En 1966 Green dejó Blue Note y grabó para varios otros sellos, entre ellos Verve. De 1967 a 1969 Grant estuvo inactivo debido a problemas personales. En 1969 Green, después de haberse mudado a Detroit, regresó con una nueva banda influenciada por la música funk. Sus grabaciones de este período incluyen el comercialmente exitoso Green is Beautiful y Live at the Lighthouse. Grant dejó Blue Note de nuevo en 1974 y grabó esporádicamente para diferentes sellos.

Green pasó gran parte de 1978 en el hospital y, en contra de los consejos de los médicos, volvió a la carretera. Mientras estaba en Nueva York para tocar en el Breezin' Lounge de George Benson, Green se desplomó en su coche de un ataque al corazón el 31 de enero de 1979. Fue enterrado en su ciudad natal de St. Louis, Missouri, y le sobrevivieron seis hijos.

https://musicians.allaboutjazz.com/grantgreen

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

 

Al Di Meola • Casino

Review by Daniel Gioffre

Following up the superb Elegant Gypsy was no mean feat, but Al di Meola gave it his best shot with the similarly styled Casino, released in 1978. Featuring a core band of Steve Gadd, Anthony Jackson, and Barry Miles (whom di Meola came up with before the guitarist was invited to join Return to Forever), the playing is sharp and fiery, matching the youthful intensity of the leader. Di Meola is a good composer in the fusion idiom, and the four original compositions on Casino, although clearly bearing the mark of Chick Corea's influence, are strong. His "Fantasia Suite for Two Guitars," featuring di Meola accompanying himself via multi-tracking, is beautiful and dramatic, and hints at the guitarist's later all-acoustic works such as Friday Night in San Francisco. "Dark Eye Tango" opens with a slow theme before turning into an uptempo vehicle for di Meola's darting Les Paul. In fact, it is the leader's solos that frequently prevent the Latin grooves and rhythms found on Casino from sounding stale and a bit dated. His trademark staccato phrasing and high-velocity improvisations are what is noticed upon first listen, but di Meola does have an excellent sense of phrasing that is undeniably present. Contrary to popular opinion, he knows how to use his technique to good effect. Casino is not as strong as either Elegant Gypsy or Romantic Warrior, but is nevertheless well worth picking up for fans either of di Meola himself or of the entire 1970s fusion scene.

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Traducción Automática:
Reseña por Daniel Gioffre

Seguir al magnífico Elegant Gypsy no fue poca cosa, pero Al di Meola dio lo mejor de sí con el Casino de estilo similar, lanzado en 1978. Con una banda central de Steve Gadd, Anthony Jackson y Barry Miles (a quien se le ocurrió a di Meola antes de que el guitarrista fuera invitado a unirse a Return to Forever), la interpretación es aguda y ardiente, a juego con la intensidad juvenil del líder. Di Meola es un buen compositor en el idioma de la fusión, y las cuatro composiciones originales de Casino, aunque claramente llevan la marca de la influencia de Chick Corea, son fuertes. Su "Suite Fantasia para Dos Guitarras", con Di Meola acompañándose a sí mismo a través de múltiples pistas, es hermosa y dramática, y alude a los trabajos posteriores totalmente acústicos del guitarrista, como Friday Night in San Francisco. "Dark Eye Tango" comienza con un tema lento antes de convertirse en un vehículo uptempo para la Les Paul de Di Meola. De hecho, son los solos del líder los que con frecuencia evitan que los ritmos y ritmos latinos que se encuentran en Casino suenen rancios y un poco anticuados. Su característico fraseo entrecortado e improvisaciones de alta velocidad son lo que se nota en la primera escucha, pero di Meola tiene un excelente sentido del fraseo que está innegablemente presente. Contrariamente a la opinión popular, él sabe cómo usar su técnica con buenos resultados. Casino no es tan fuerte como Elegant Gypsy o Romantic Warrior, pero vale la pena elegirlo para los fanáticos del propio di Meola o de toda la escena de fusión de la década de 1970.

 

 

 

 

aldimeola.com ...

Jon Delaney • I'll See You in My Dreams

 

An album born of innumerable gigs played by the rhythm section of Melbourne band La Mauvaise Réputation, this record brings together guitarist Jon Delaney's latest original compositions and some solo guitar performances in a new trio format. The recording is a tribute to the close friendship of three musicians through decades, hundreds of performances, sound checks, set breaks, car trips and, occasionally, rehearsals.

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Álbum nacido de innumerables actuaciones de la sección rítmica del grupo de Melbourne La Mauvaise Réputation, este disco reúne las últimas composiciones originales del guitarrista Jon Delaney y algunas interpretaciones de guitarra solista en un nuevo formato de trío. La grabación es un homenaje a la estrecha amistad de tres músicos a lo largo de décadas, cientos de actuaciones, pruebas de sonido, descansos en el set, viajes en coche y, ocasionalmente, ensayos.



https://jondelaney.com/

The Al Casey Quartet • The Al Casey Quartet

 

 Artist Biography

Renowned for his long collaboration with Fats Waller, Al Casey towers alongside the finest acoustic guitarists of the swing era, boasting a subtly powerful presence that flourished in intimate musical contexts. Born September 15, 1915, in Louisville, KY, Casey was a child prodigy who first adopted the violin, briefly moving to the ukulele before zeroing in on the guitar, which he studied at New York City's DeWitt Clinton High School. He joined Waller while in his mid-teens, recommended to the legendary pianist by his uncles, who met Waller while on tour with their gospel group the Southern Singers. Waller insisted Casey remain in school and earn his diploma before he could join the group full-time, but the guitarist was a fixture of recording sessions from the early '30s onward, and even joined Waller on tour during extended holiday breaks. Casey remained with the group until Waller's 1943 death, appearing on more than 200 classic swing sides; the famous blues number "Buck Jumpin'" took shape after Casey appeared late to a gig, prompting Waller to single him out on-stage and invite him to play a solo. The result was so electrifying that it was later captured in the studio.

Casey also recorded with trumpeter Louis Armstrong, singer Billie Holiday, vibist Lionel Hampton, and pianist Teddy Wilson, even joining the latter's short-lived big band in 1939. After Waller's passing, he played with pianist Clarence Profit's trio before assembling his own trio, which headlined New York's Onyx Club for close to a year before moving to the Down Beat. Around this time Casey moved to the electric guitar, and in both 1944 and 1945 he was named the instrument's top player in Esquire magazine's annual jazz poll; he spent much of the decade to follow as a gun-for-hire, capped off by a four-year collaboration with R&B saxophonist King Curtis initiated in 1957. Casey briefly retired from music in 1961, working in a Xerox copy shop before returning to performing, recording sessions in support of singer Helen Humes and pianist Jay McShann. After another extended period of retirement, he resurfaced in 1981 with the Harlem Jazz and Blues Band, which remained his primary vehicle for the next two decades; in 1994, he also cut his first headlining date, signing to the Jazzpoint label for A Tribute to "Fats". After a long battle with colon cancer, Casey died on September 11, 2005, just days short of his 90th birthday.

by Jason Ankeny

https://www.allmusic.com/artist/al-casey-mn0000240632/biography

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 Biografía del artista

Reconocido por su larga colaboración con Fats Waller, Al Casey se alza junto a los mejores guitarristas acústicos de la era del swing, presumiendo de una presencia sutilmente poderosa que floreció en contextos musicales íntimos. Nacido el 15 de septiembre de 1915 en Louisville, KY, Casey fue un niño prodigio que primero adoptó el violín, pasando brevemente al ukelele antes de concentrarse en la guitarra, que estudió en la escuela secundaria DeWitt Clinton de la ciudad de Nueva York. Se unió a Waller cuando era un adolescente, recomendado al legendario pianista por sus tíos, que lo conocieron durante una gira con su grupo de gospel Southern Singers. Waller insistió en que Casey permaneciera en la escuela y obtuviera su diploma antes de poder unirse al grupo a tiempo completo, pero el guitarrista era un fijo en las sesiones de grabación desde principios de los años 30 en adelante, e incluso se unió a Waller en las giras durante las largas vacaciones. Casey permaneció con el grupo hasta la muerte de Waller en 1943, apareciendo en más de 200 swing side clásicos; el famoso número de blues "Buck Jumpin'" tomó forma después de que Casey apareciera tarde en un concierto, lo que hizo que Waller lo escogiera en el escenario y lo invitara a tocar un solo. El resultado fue tan electrizante que fue capturado más tarde en el estudio.

Casey también grabó con el trompetista Louis Armstrong, la cantante Billie Holiday, el vibrafonista Lionel Hampton, y el pianista Teddy Wilson, incluso se unió a la efímera big band de este último en 1939. Tras el fallecimiento de Waller, tocó con el trío del pianista Clarence Profit antes de formar su propio trío, que encabezó el Onyx Club de Nueva York durante casi un año antes de pasar al Down Beat. Por esta época Casey se pasó a la guitarra eléctrica, y tanto en 1944 como en 1945 fue nombrado el mejor intérprete del instrumento en la encuesta anual de jazz de la revista Esquire; pasó la mayor parte de la década siguiente como un pistolero a sueldo, rematada por una colaboración de cuatro años con el saxofonista de R&B King Curtis iniciada en 1957. Casey se retiró brevemente de la música en 1961, trabajando en una copistería de Xerox antes de volver a actuar, grabando sesiones de apoyo a la cantante Helen Humes y al pianista Jay McShann. Tras otro largo período de retiro, volvió a aparecer en 1981 con la Harlem Jazz and Blues Band, que siguió siendo su principal vehículo durante los dos decenios siguientes; en 1994, también cortó su primera cita con los titulares, firmando con el sello Jazzpoint para A Tribute to "Fats". Después de una larga batalla contra el cáncer de colon, Casey murió el 11 de septiembre de 2005, a pocos días de cumplir 90 años.

por Jason Ankeny

https://www.allmusic.com/artist/al-casey-mn0000240632/biography...

Many thanks to Chris

George Benson - Earl Klugh • Collaboration

  

Review
by Richard S. Ginell
George Benson rebels against the machine and comes out with an all-instrumental album, his first in 11 years and also his first full teaming with onetime protégé, acoustic guitarist Earl Klugh. Klugh sounds much more mature and forthcoming here than he did as a teenager in Benson's CTI days. Yet Benson still blows him away with his effortless swing, endless invention (within the constraints of the carefully controlled arrangements, however) and totally assured placement of the notes. "Mimosa" has some especially fluid work by Benson, with Klugh serving as an effective foil. The backing is mostly an electronic wash, though underpinned by solid funk support from former Benson bandmembers Harvey Mason and Paulinho Da Costa. The biggest hang-up are the so-so tunes, which both guitarists gratefully transcend whenever they solo. While Collaboration disappointed many guitar fans back in 1987 who were hoping for a more energetic session, time has underlined and strengthened its musical virtues.
https://www.allmusic.com/album/collaboration-mw0000191509

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Reseña
por Richard S. Ginell
George Benson se rebela contra la máquina y sale con un álbum totalmente instrumental, su primero en 11 años y también su primer equipo completo con su antiguo protegido, el guitarrista acústico Earl Klugh. Klugh suena aquí mucho más maduro y comunicativo que cuando era un adolescente en los días de CTI de Benson. Sin embargo, Benson sigue dejándole boquiabierto con su swing sin esfuerzo, su invención sin fin (dentro de las limitaciones de los arreglos cuidadosamente controlados, sin embargo) y la colocación totalmente segura de las notas. "Mimosa" tiene un trabajo especialmente fluido por parte de Benson, con Klugh sirviendo como un papel eficaz. El acompañamiento es principalmente un lavado electrónico, aunque apuntalado por el sólido apoyo funk de los antiguos miembros de la banda de Benson, Harvey Mason y Paulinho Da Costa. El mayor inconveniente son las melodías, que ambos guitarristas superan con gratitud cada vez que tocan en solitario. Aunque Collaboration decepcionó a muchos fans de la guitarra en 1987 que esperaban una sesión más enérgica, el tiempo ha subrayado y reforzado sus virtudes musicales.
https://www.allmusic.com/album/collaboration-mw0000191509

Martin Taylor • Portraits

 

Review by Ken Dryden
Taylor's fifth release for Linn combines solo recordings along with a few duets with Nashville legend Chet Atkins and a pair of overdubbed duets. Taylor's fluid, unaccompanied playing makes him the most obvious heir to the legacy of Joe Pass. All of Martin Taylor's recordings for the Scottish label Linn are strongly recommended.
https://www.allmusic.com/album/portraits-mw0000080456


  Artist Biography by Ken Dryden
Since the death of Joe Pass in 1994, Martin Taylor has become one of the most highly regarded guitarists in jazz. He was given his first guitar by his father, Buck Taylor. Although he was inspired at first by Django Reinhardt, it was piano players like Art Tatum that drew his attention and helped him practice to develop his phenomenal solo technique. In the late '70s, Stéphane Grappelli invited him to play in a series of concerts in France. The violinist was so impressed that he used Taylor often on tours and a variety of recording dates. Beginning in 1990, Taylor began recording a number of acclaimed CDs for the U.K. label Linn, and also did an excellent duet date with David Grisman for the mandolin player's Acoustic Disc label. 1991's Change of Heart, the following year's Artistry, and 1995's Portraits, are all representative of Taylor's strongest material from this prolific period.

In 2000, he released his debut on an American label, Columbia, entitled Kiss and Tell, while Stepping Stones on Linn followed that same fall. Next, in June 2002, Taylor was awarded an MBE for his services to jazz. Later that year, his first recording for the Sony imprint P3 Records, Solo, was voted Best Album by the International Guitar Foundation. The rest of the decade saw Taylor issue a number of key additions to his canon: the fan-instigated, 2003 collaboration with Steve Howe entitled Masterpiece Guitars, the 2005 electric guitar-fueled Gypsy Journey, and the acclaimed 2008 album Double Standards. While Double Standards saw Taylor successfully deliver an album of guitar duets by overdubbing one guitar part onto another, his next run of albums were much more collaborative affairs. Two 2012 albums -- One for the Road and First Time Together! -- in turn saw him work with the English clarinetist Alan Barnes, and the U.S. guitarist Frank Vignola. 2013 brought a further meeting of technically gifted players when Taylor received equal billing on The Colonel & The Governor, an album of duets with the similarly revered guitarist Tommy Emmanuel.
https://www.allmusic.com/artist/martin-taylor-mn0000311742/biography

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Reseña de Ken Dryden
El quinto lanzamiento de Taylor para Linn combina grabaciones en solitario junto con algunos duetos con la leyenda de Nashville Chet Atkins y un par de duetos sobreduplicados. La interpretación fluida y sin acompañamiento de Taylor lo convierte en el heredero más obvio del legado de Joe Pass. Todas las grabaciones de Martin Taylor para el sello escocés Linn son muy recomendables.
https://www.allmusic.com/album/portraits-mw0000080456


  Biografía del artista por Ken Dryden
Desde la muerte de Joe Pass en 1994, Martin Taylor se ha convertido en uno de los guitarristas más respetados del jazz. Su padre, Buck Taylor, le regaló su primera guitarra. Aunque al principio se inspiró en Django Reinhardt, fueron pianistas como Art Tatum los que le llamaron la atención y le ayudaron a practicar para desarrollar su fenomenal técnica de solista. A finales de los 70, Stéphane Grappelli le invitó a tocar en una serie de conciertos en Francia. El violinista quedó tan impresionado que usó a Taylor a menudo en giras y en diversas fechas de grabación. A partir de 1990, Taylor comenzó a grabar varios CDs aclamados para el sello británico Linn, y también hizo una excelente cita a dúo con David Grisman para el sello Acoustic Disc del mandolinista. Change of Heart de 1991, Artistry del año siguiente y Portraits de 1995, son todos representativos del material más fuerte de Taylor de este prolífico período.

En 2000, lanzó su debut en un sello americano, Columbia, titulado Kiss and Tell, mientras que Stepping Stones en Linn siguió ese mismo otoño. Luego, en junio de 2002, Taylor fue premiado con un MBE por sus servicios al jazz. Más tarde ese año, su primera grabación para el sello Sony P3 Records, Solo, fue votada como Mejor Álbum por la International Guitar Foundation. El resto de la década vio a Taylor emitir una serie de adiciones clave a su canon: la colaboración de 2003 con Steve Howe, instigada por los fans, titulada Masterpiece Guitars, el 2005 Gypsy Journey, alimentado por una guitarra eléctrica, y el aclamado álbum de 2008 Double Standards. Mientras que Double Standards vio a Taylor entregar con éxito un álbum de dúos de guitarras mediante la sobregrabación de una parte de la guitarra sobre otra, su siguiente serie de álbumes fueron asuntos mucho más colaborativos. Dos álbumes de 2012: One for the Road y First Time Together! -- a su vez lo vieron trabajar con el clarinetista inglés Alan Barnes, y el guitarrista estadounidense Frank Vignola. El 2013 trajo una nueva reunión de jugadores técnicamente dotados cuando Taylor recibió igual facturación en The Colonel & The Governor, un álbum de duetos con el igualmente venerado guitarrista Tommy Emmanuel.
https://www.allmusic.com/artist/martin-taylor-mn0000311742/biography


martintaylor.com ...


Colaborador / Contributor:  Michel

Accordi Disaccordi • Bouncing Vibes

Accordi Disaccordi is a very active Italian project both on the national and international scenes.

The band, a trio formed in 2012, is composed by the two founders Alessandro Di Virgilio and Dario Berlucchi on guitars and Elia Lasorsa on doublebass. They’re based on a gipsy jazz repertoire, presenting typical national and international classics from the best 1930s’ music in a modern vein.   

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Accordi Disaccordi es un proyecto italiano muy activo tanto a nivel nacional como internacional.
La banda, un trío formado en 2012, está compuesta por los dos fundadores Alessandro Di Virgilio y Darío Berlucchi a las guitarras y Elia Lasorsa al contrabajo. Se basan en un repertorio de jazz gitano, presentando clásicos típicos nacionales e internacionales de la mejor música de los años 30 en un estilo moderno.    

 

 

 

 

www.accordidisaccordi.com ...

Charlie Byrd • Forever Cool Samba And Bossa Nova

 

 

Artist Biography by Richard S. Ginell

Tasteful, low-key, and ingratiatingly melodic, Charlie Byrd had two notable accomplishments to his credit -- applying acoustic classical guitar techniques to jazz and popular music and helping to introduce Brazilian music to mass North American audiences. Born into a musical family, Byrd experienced his first brush with greatness while a teenager in France during World War II, playing with his idol Django Reinhardt. After some postwar gigs with Sol Yaged, Joe Marsala and Freddie Slack, Byrd temporarily abandoned jazz to study classical guitar with Sophocles Papas in 1950 and Andrés Segovia in 1954. However he re-emerged later in the decade gigging around the Washington D.C. area in jazz settings, often splitting his sets into distinct jazz and classical segments. He started recording for Savoy as a leader in 1957, and also recorded with the Woody Herman Band in 1958-59. A tour of South America under the aegis of the U.S. State Department in 1961, proved to be a revelation, for it was in Brazil that Byrd discovered the emerging bossa nova movement. Once back in D.C., he played some bossa nova tapes to Stan Getz, who then convinced Verve's Creed Taylor to record an album of Brazilian music with himself and Byrd. That album, Jazz Samba, became a pop hit in 1962 on the strength of the single "Desafinado" and launched the bossa nova wave in North America. Thanks to the bossa nova, several albums for Riverside followed, including the defining Bossa Nova Pelos Passaros, and he was able to land a major contract with Columbia, though the records from that association often consisted of watered-down easy listening pop. In 1973, he formed the group Great Guitars with Herb Ellis and Barney Kessel and also that year, wrote an instruction manual for the guitar that has become widely used. From 1974 onward, Byrd recorded for the Concord Jazz label in a variety of settings, including sessions with Laurindo Almeida and Bud Shank. He died December 2, 1999 after a long bout with cancer.

https://www.allmusic.com/artist/charlie-byrd-mn0000204968/biography

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Biografía del artista por Richard S. Ginell

De buen gusto, discreto y melódico, Charlie Byrd tuvo dos logros notables en su haber: aplicar técnicas de guitarra clásica acústica al jazz y a la música popular y ayudar a introducir la música brasileña al público norteamericano masivo. Nacido en el seno de una familia musical, Byrd experimentó su primer contacto con la grandeza mientras era un adolescente en Francia durante la Segunda Guerra Mundial, jugando con su ídolo Django Reinhardt. Después de algunos conciertos de posguerra con Sol Yaged, Joe Marsala y Freddie Slack, Byrd abandonó temporalmente el jazz para estudiar guitarra clásica con Sophocles Papas en 1950 y Andrés Segovia en 1954. Sin embargo, resurgió más tarde en la década tocando en el área de Washington D.C. en escenarios de jazz, a menudo dividiendo sus sets en distintos segmentos de jazz y clásicos. Comenzó a grabar para Savoy como líder en 1957, y también grabó con la Woody Herman Band en 1958-59. Una gira por Sudamérica bajo la égida del Departamento de Estado de Estados Unidos en 1961, resultó ser una revelación, pues fue en Brasil donde Byrd descubrió el emergente movimiento bossa nova. Una vez de vuelta en D.C., tocó algunas cintas de bossa nova a Stan Getz, quien luego convenció a Verve's Creed Taylor para que grabara un álbum de música brasileña con él y Byrd. Ese álbum, Jazz Samba, se convirtió en un éxito pop en 1962 con la fuerza del sencillo "Desafinado" y lanzó la ola de bossa nova en Norteamérica. Gracias a la bossa nova, le siguieron varios álbumes para Riverside, incluyendo el definitorio Bossa Nova Pelos Passaros, y pudo conseguir un importante contrato con Columbia, aunque los discos de esa asociación a menudo consistían en pop de fácil escucha diluido. En 1973, formó el grupo Great Guitars con Herb Ellis y Barney Kessel y también ese año, escribió un manual de instrucciones para la guitarra que ha llegado a ser ampliamente utilizado. A partir de 1974, Byrd grabó para el sello Concord Jazz en diversos escenarios, incluyendo sesiones con Laurindo Almeida y Bud Shank. Murió el 2 de diciembre de 1999 después de una larga lucha contra el cáncer.

https://www.allmusic.com/artist/charlie-byrd-mn0000204968/biography

 

 

Frank Vignola • Standards

 

Biography
An extremely versatile jazz guitarist, Frank Vignola has demonstrated that he is capable of playing everything from fusion and commercial pop-jazz to hard bop, post-bop, and swing. The native New Yorker has a wide variety of influences; everyone from Wes Montgomery, Joe Pass, and Pat Metheny to Django Reinhardt and Charlie Christian has affected his playing in some way. For Vignola, different influences have asserted themselves at different times -- the Reinhardt or Christian influence might be especially prominent in a swing environment, whereas he has sometimes sounded more Metheny-ish in fusion or pop-jazz/NAC settings. And he might be mindful of Montgomery or Pass on a hard bop or post-bop project. Born on suburban Long Island on December 30, 1965, Vignola was raised in the New York area. The Italian-American started playing the guitar at the age of five and grew up admiring a variety of guitarists. Far from a jazz snob, Vignola never listened to jazz exclusively and was also a major fan of rock, R&B, and pop. The guitarists that he admired ranged from jazz musicians to rock icons like Eric Clapton and Eddie Van Halen. As a young adult, Vignola studied at the Cultural Arts Center of Long Island and went on to enjoy a lot of sideman gigs in the 1980s. The New Yorker was 27 when, in 1993, he signed with Concord Jazz and recorded his first Concord session as a leader, Appel Direct. Several more Concord releases followed in the 1990s, and the early 2000s found Vignola recording for Nagel-Heyer as well as Acoustic Disc. ~ Alex Henderson

 

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Biografía
Un guitarrista de jazz extremadamente versátil, Frank Vignola ha demostrado que es capaz de tocar todo, desde la fusión y el pop-jazz comercial hasta el hard bop, el post-bop y el swing. El neoyorquino tiene una gran variedad de influencias; todos, desde Wes Montgomery, Joe Pass y Pat Metheny hasta Django Reinhardt y Charlie Christian, han afectado a su forma de tocar de alguna manera. En el caso de Vignola, las diferentes influencias se han impuesto en diferentes momentos: la influencia de Reinhardt o Christian podría ser especialmente prominente en un entorno de swing, mientras que a veces ha sonado más a Metheny en entornos de fusión o pop-jazz/NAC. Y puede tener presente a Montgomery o Pass en un proyecto de hard bop o post-bop. Nacido en los suburbios de Long Island el 30 de diciembre de 1965, Vignola se crió en la zona de Nueva York. Este italoamericano empezó a tocar la guitarra a los cinco años y creció admirando a diversos guitarristas. Lejos de ser un snob del jazz, Vignola nunca escuchó exclusivamente jazz y también era un gran fan del rock, el R&B y el pop. Los guitarristas que admiraba iban desde músicos de jazz hasta iconos del rock como Eric Clapton y Eddie Van Halen. De joven, Vignola estudió en el Centro de Artes Culturales de Long Island y llegó a disfrutar de muchas actuaciones como músico secundario en la década de 1980. El neoyorquino tenía 27 años cuando, en 1993, firmó con Concord Jazz y grabó su primera sesión de Concord como líder, Appel Direct. En la década de los noventa se publicaron varios discos más de Concord, y a principios de la década de 2000 Vignola grabó para Nagel-Heyer y Acoustic Disc. ~ Alex Henderson

 

www.frankvignola.com ...

Joe Pass • Whitestone

 

 

John Patitucci Electric Guitar Quartet • Brooklyn

 

Bassist John Patitucci has few peers when it comes to doubling on the acoustic upright and electric variations of his instrument. However, he utilizes only a Yamaha electric semi-hollow six-string on his latest release, Brooklyn, an homage to his hometown. Still, the album, recorded by his Electric Guitar Quartet, with guitarists Adam Rogers and Steve Cardenas, presents an overabundance of six-stringed instruments, especially during the lower points of an 11-song roller coaster.

The disc gets off to an adventurous start. On Patitucci’s evocative medley “IN9-1881/The Search,” drummer Brian Blade’s bomb-drops set the stage for his bandmates’ interweaving lines. Rogers was half of a twin-guitar lineup with David Gilmore in the underrated 1990s fusion band Lost Tribe. His interplay with Cardenas sizzles on Patitucci’s surprisingly bluesy, Allman Brothers-influenced funk vehicle “Band of Brothers.

In contrast, a cover of Malian vocalist Oumou Sangare’s “Dugu Kamalemba” spins in place more than it entrances. Versions of Thelonious Monk standards “Trinkle Tinkle” and “Ugly Beauty” serve as vehicles for Patitucci’s admittedly jaw-dropping solos but sound empty compared to the original versions by their unorthodox piano-playing composer. Ditto Wes Montgomery’s “The Thumb,” a novelty piece to display its transposition from guitar to bass, and a curious cover of the classic spiritual “Go Down Moses.”

Some of Patitucci’s own compositions sound more focused. On “JLR,” he and Blade form a stomping cushion for the guitarists. And the bassist’s intro solo on “Do You?” borrows the form of the jazz standard “I’ve Got Rhythm” to approximate a Charlie Parker saxophone solo (shades of Jaco Pastorius on Bird’s “Donna Lee”). But other originals — the impressionistic “Bells of Coutance,” the balladic “Tesori” — contribute to the album’s scattered feel during a session that might have been better served live.
Bill Meredith
https://www.jazziz.com/john-patitucci-electric-guitar-quartet/

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El bajista John Patitucci tiene pocos pares cuando se trata de duplicar las variaciones acústicas verticales y eléctricas de su instrumento. Sin embargo, utiliza solo una Yamaha eléctrica semihueca de seis cuerdas en su último lanzamiento, Brooklyn, un homenaje a su ciudad natal. Aún así, el álbum, grabado por su Cuarteto de Guitarras Eléctricas, con los guitarristas Adam Rogers y Steve Cárdenas, presenta una sobreabundancia de instrumentos de seis cuerdas, especialmente durante los puntos más bajos de una montaña rusa de 11 canciones.

El disco tiene un comienzo aventurero. En el evocador popurrí de Patitucci "IN9-1881 / The Search", los lanzamientos de bombas del baterista Brian Blade prepararon el escenario para las líneas entrelazadas de sus compañeros de banda. Rogers era la mitad de una formación de guitarras gemelas con David Gilmore en la subestimada banda de fusión Lost Tribe de la década de 1990. Su interacción con Cárdenas chisporrotea en el vehículo funk sorprendentemente blues e influenciado por Allman Brothers de Patitucci "Band of Brothers.

En contraste, una versión de "Dugu Kamalemba" del vocalista maliense Oumou Sangare gira en su lugar más de lo que entra. Las versiones de los estándares de Thelonious Monk "Trinkle Tinkle" y "Ugly Beauty" sirven como vehículos para los solos asombrosos de Patitucci, pero suenan vacíos en comparación con las versiones originales de su compositor poco ortodoxo para tocar el piano. Lo mismo ocurre con "The Thumb" de Wes Montgomery, una pieza novedosa para mostrar su transposición de la guitarra al bajo, y una curiosa versión del clásico espiritual " Go Down Moses.”

Algunas de las composiciones propias de Patitucci suenan más enfocadas. En "JLR", él y Blade forman un cojín para los guitarristas. Y el solo de introducción del bajista en " Do You?"toma prestada la forma del estándar de jazz "I've Got Rhythm" para aproximarse a un solo de saxofón de Charlie Parker (tonos de Jaco Pastorius en "Donna Lee"de Bird). Pero otros originales, las impresionistas "Bells of Coutance", la balada "Tesori", contribuyen a la sensación dispersa del álbum durante una sesión que podría haberse servido mejor en vivo.
Bill Meredith
https://www.jazziz.com/john-patitucci-electric-guitar-quartet/


johnpatitucci.com ...
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Michel & Tony Petrucciani • Conversation

Review by Ken Dryden

Michel Petrucciani always excelled in front of a live audience, and this 1992 concert with his father Tony accompanying him on guitar is no exception, though it's a shame it wasn't released until 2001, some two years after the pianist's death. An adventurous exploration of "Summertime" serves as a strong opener, followed by the playful waltz "Sometime Ago." The complex introduction to "All the Things You Are" and well disguised path into "My Funny Valentine" are by themselves worth the price of the CD. Michel gets a bit heavy-handed during parts of "Someday My Prince Will Come," overwhelming his partner's soft chords. There are solo features, too: Tony Petrucciani tackles Django Reinhardt's lovely ballad "Nuages" with finesse; while Michel is no doubt inspired by Bill Evans' many recordings of Miles Davis' "Nardis," he finds his own path during a dramatic improvisation. The sign off by the duo includes a rapid-fire take of "Billie's Bounce" and a gently swinging version of "Satin Doll." Recommended.

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Revisión por Ken Dryden

Michel Petrucciani siempre se destacó frente a una audiencia en vivo, y este concierto de 1992 con su padre Tony que lo acompaña en la guitarra no es una excepción, aunque es una pena que no se lanzara hasta 2001, unos dos años después de la muerte del pianista. Una exploración aventurera de "Summertime" sirve como un abridor fuerte, seguido por el juguetón vals "Sometime Ago". La compleja introducción de "Todas las cosas que eres" y el camino bien disfrazado de "My Funny Valentine" valen el precio del CD. Michel se pone un poco pesado durante partes de "Algún día llegará mi príncipe", abrumando los suaves acordes de su compañero. También hay características en solitario: Tony Petrucciani aborda la encantadora balada "Nuages" de Django Reinhardt con delicadeza; mientras que Michel está sin duda inspirado por las muchas grabaciones de Bill Evans de "Nardis" de Miles Davis, encuentra su propio camino durante una improvisación dramática. La señal del dúo incluye una toma rápida de "Billie's Bounce" y una versión suave de "Satin Doll". Recomendado. 

 

Al Di Meola • Acoustic Anthology

  

Review
by Michael G. Nastos
Although die-hard fans might not agree, others may contend that Al di Meola's acoustic guitar work is superior to his electric repertoire. You could cite a heightened sensitivity, an emphasis toward his classical and flamenco influences, and in many instances a calming of his pyrotechnics, allowing one to hear his voice more clearly. The acoustic tracks from his first two solo releases for Columbia Records are here, as well as his collaborations with John McLaughlin and Paco de Lucia and the extended string-enhanced Chick Corea composition "Isfahan." He does play fast, but with more earthiness. This is a worthwhile collection for those being introduced to di Meola, as well as those who are weary of his speed-demon flashiness, which is often a detriment to his obvious musicality.
https://www.allmusic.com/album/acoustic-anthology-mw0000645992

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Reseña
por Michael G. Nastos
Aunque los fans más acérrimos no estén de acuerdo, otros pueden afirmar que el trabajo de Al di Meola con la guitarra acústica es superior a su repertorio eléctrico. Se podría citar una mayor sensibilidad, un énfasis hacia sus influencias clásicas y flamencas y, en muchos casos, un apaciguamiento de su pirotecnia, lo que permite escuchar su voz con mayor claridad. Los temas acústicos de sus dos primeros lanzamientos en solitario para Columbia Records están aquí, así como sus colaboraciones con John McLaughlin y Paco de Lucía y la composición ampliada con cuerdas de Chick Corea "Isfahan". Toca rápido, pero con más terrenalidad. Esta es una colección que vale la pena para aquellos que se están introduciendo en di Meola, así como para aquellos que están cansados de su velocidad-demonio, que a menudo es un detrimento de su evidente musicalidad.
https://www.allmusic.com/album/acoustic-anthology-mw0000645992

aldimeola.com ...

 

Bireli Lagrene • Live in Marciac

 

 

Review by Scott Yanow
As a young teenager, guitarist Bireli Lagrene was a remarkable soundalike of Django Reinhardt. As he neared age 20, he largely tossed away his role model and delved into fusion and rock. By the time of this 1994 concert, Live in Marciac (a trio outing with bassist Chris Minh Doky and drummer André Ceccarelli), Lagrene had returned to straight-ahead jazz but (except for an occasional hint) he no longer did Reinhardt impressions, even on "Nuages." Lagrene actually comes closer to Barney Kessel in spots, although he mostly sounds fairly original. The well-played performance includes such numbers as "Softly as in a Morning Sunrise" (which is over ten-and-a-half-minutes long), "Donna Lee," "Blues Walk" and "I Got Rhythm." An excellent example of Lagrene's playing of the mid-'90s.
https://www.allmusic.com/album/live-in-marciac-mw0000603925

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Reseña de Scott Yanow
Cuando era un joven adolescente, el guitarrista Bireli Lagrene era un notable parecido a Django Reinhardt. Cuando se acercaba a los 20 años, abandonó su modelo a seguir y se adentró en la fusión y el rock. En este concierto de 1994, Live in Marciac (una salida en trío con el bajista Chris Minh Doky y el batería André Ceccarelli), Lagrene había vuelto al jazz directo pero (salvo alguna pista ocasional) ya no hacía impresiones de Reinhardt, ni siquiera en "Nuages". Lagrene se acerca más a Barney Kessel en las manchas, aunque en su mayoría suena bastante original. La actuación bien tocada incluye números como "Suavemente como en un amanecer" (que dura más de diez minutos y medio), "Donna Lee", "Paseo del Blues" y "Tengo ritmo". Un excelente ejemplo de la forma de tocar de Lagrene a mediados de los 90.
https://www.allmusic.com/album/live-in-marciac-mw0000603925

bireli-lagrene.fr ...

Johnny Smith • The Complete Roost Small Group Sessions 1952-1964

 

"Virtually every jazz-oriented cut in the Mosaic set, Johnny's complex but listenable single-note improvisations are legendary in the annals of guitar lore.” - Wolf Marshall, Vintage Guitar Magazine


Review by Ken Dryden
Johnny Smith is an exquisite jazz guitarist known mostly to fellow musicians and serious jazz fans. This beautifully packaged and expertly annotated eight-CD limited-edition boxed set from Mosaic includes his complete small-group recordings for Roost, most of which have languished out of print for decades. Smith's unique voicings on his instrument set him apart from other players, yet he maintains a lush, crystal-clear tone no matter the tempo or setting. Smith draws from a wide range of sources within the 22 featured sessions, ranging from show tunes and standards ("My Funny Valentine," "Yesterdays," "'I'll Remember April," and "Body and Soul") to jazz compositions by Duke Ellington, George Shearing, John Lewis, and Bud Powell, along with a number of his superb originals, which have been unjustly overlooked. The best-known material comes from the three 1952 sessions which made up Moonlight in Vermont, featuring Smith with either Stan Getz or Zoot Sims, and a meeting with some of New York's busiest session musicians (Hank Jones, George Duvivier, and Ed Shaughnessey). Especially rewarding is the first of two solo efforts by Smith, which draws from the vast Jimmy Van Heusen songbook. The guitarist is never disappointing, even on the few dates which fall outside of jazz. Pick up this valuable boxed set right away before you have to resort to paying an exorbitant price through an auction.
https://www.allmusic.com/album/the-complete-roost-johnny-smith-small-group-sessions-mw0001255900

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"Prácticamente todos los cortes orientados al jazz del set Mosaic, las complejas pero escuchables improvisaciones de una sola nota de Johnny son legendarias en los anales de la tradición guitarrística". - Wolf Marshall, Vintage Guitar Magazine


Reseña de Ken Dryden
Johnny Smith es un exquisito guitarrista de jazz conocido sobre todo por sus colegas músicos y por los aficionados serios al jazz. Esta edición limitada de ocho CD de Mosaic, bellamente empaquetada y expertamente anotada, incluye sus grabaciones completas en pequeño grupo para Roost, la mayoría de las cuales han languidecido agotadas durante décadas. Los singulares voicings de Smith en su instrumento le distinguen de otros intérpretes, aunque mantiene un tono exuberante y cristalino sin importar el tempo o el entorno. Smith recurre a una amplia gama de fuentes en las 22 sesiones que se incluyen, desde melodías de espectáculos y estándares ("My Funny Valentine", "Yesterdays", "'I'll Remember April" y "Body and Soul") hasta composiciones de jazz de Duke Ellington, George Shearing, John Lewis y Bud Powell, junto con una serie de sus magníficos originales, que han sido injustamente pasados por alto. El material más conocido procede de las tres sesiones de 1952 que constituyeron Moonlight in Vermont, en las que Smith colaboró con Stan Getz o Zoot Sims y se reunió con algunos de los músicos de sesión más activos de Nueva York (Hank Jones, George Duvivier y Ed Shaughnessey). Especialmente gratificante es el primero de los dos trabajos en solitario de Smith, que bebe del vasto cancionero de Jimmy Van Heusen. El guitarrista nunca decepciona, ni siquiera en las pocas citas que se salen del jazz. Consiga esta valiosa caja antes de que tenga que pagar un precio desorbitado en una subasta.
https://www.allmusic.com/album/the-complete-roost-johnny-smith-small-group-sessions-mw0001255900
    

Egberto Gismonti with Jan Garbarek • Sol Do Meio Dia

 

Review
by Stephen Cook
After his 1976 debut on ECM, the stunning Danca Das Cabecas with percussionist Naná Vasconcelos, Gismonti returned the following year with this impressive combo outing. Actually, the album consists of a mix of solo pieces and cuts with various partners, in both duo and trio formats. He penned all the material and shines throughout. The guest do the same, with special mention going to guitarist Ralph Towner, percussionist Colin Walcott, tenor saxophonist Jan Garbarek, and Vasconcelos. Highly recommended.
D:\JORGE\Varios\Varios\Música\Egberto Gismonti with Jan Garbarek • Sol Do Meio Dia

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Revisión
por Stephen Cook
Después de su debut en 1976 en ECM, el impresionante Danca Das Cabecas con la percusionista Naná Vasconcelos, Gismonti volvió al año siguiente con este impresionante combo. En realidad, el álbum consiste en una mezcla de piezas en solitario y cortes con varios compañeros, tanto en formato de dúo como de trío. Él es el autor de todo el material y brilla en todo momento. Los invitados hacen lo mismo, con mención especial para el guitarrista Ralph Towner, el percusionista Colin Walcott, el saxofonista tenor Jan Garbarek y Vasconcelos. Muy recomendable.
D:\NJORGE\NVarios\NMúsica\NEgberto Gismonti con Jan Garbarek - Sol Do Meio Dia

Joe Pass • Songs For Ellen

 

 

Review from AllMusic (by Ken Dryden): This posthumous CD is novel because it features Joe Pass exclusively on acoustic guitar, and it is obvious that he enjoyed every minute of these sessions. "The Shadow of Your Smile" is no longer easy listening fodder, as Pass turns it into a miniature master class in swing. "Star Eyes" is accented by the soft squeaks of Pass' fingers gently weaving their intricate magic. Most of the works of Joe Pass tended to be improvised blues, so the title track is an exception -- a simple yet elegant ballad written for his wife. "Blues for Angel" highlights his matchless mastery of slow blues. The boppish blues "Satellite Village" is a perfect closer. The good news is that there are several more unreleased sessions by Joe Pass that will follow this superb collection.

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Resena de AllMusic (por Ken Dryden): Este CD postumo es particular porque presenta a Joe Pass exclusivamente con guitarra acustica, y es evidente que disfruto cada momento de estas sesiones. "The Shadow of Your Smile" deja de ser una pieza de facil escucha, ya que Pass la convierte en una pequena leccion magistral de swing. "Star Eyes" esta marcada por los suaves chirridos de los dedos de Pass mientras teje delicadamente su intrincada magia. La mayor parte de las obras de Joe Pass tendian a ser blues improvisados, por lo que el tema que da titulo al album es una excepcion: una balada simple y elegante escrita para su esposa. "Blues for Angel" destaca su incomparable dominio del blues lento. El blues bop "Satellite Village" es un cierre perfecto. La buena noticia es que hay varias sesiones ineditas mas de Joe Pass que seguiran a esta excelente coleccion.