Chico Hamilton • Chico Hamilton Quintet In Hi Fi

 

 

Howard Rumsey's Lighthouse All-Stars • Saga Jazz - West Coast Jazz Live-The Lighthouse Concerts [Modern Series]

 

 

Howard Rumsey's Lighthouse All-Stars • Saga Jazz - West Coast Jazz Live-The Lighthouse Concerts [Modern Series] 

 

Don Randi • Feelin' Like Blues + Where Do We Go From Here

To the late, great jazz critic, Leonard Feather, pianist Don Randi was an astonishing performer. He is capable of swinging furiously, has a death- defying technique and manages to combine his frantic excursions with an element of passionate communication that gives them much more than technical value. And, during the last months of 1960 the 23-year old brought these gifts to Hollywood s small club, The Losers, and kept a packed audience in a constant state of musical excitement with his well- integrated trio. There was an appealingly gutty strength to his playing that everyone could feel, with a basic, strong, honest feeling for the blues, while his originals such as Feelin Like Blues, Blues for Miti or Take Six augured well for him as a composer.

Though he soon became one of the busiest keyboard players in the recording business, jazz was not and is not the only string to his multi- skilled bow. After gaining some popularity he also became a bandleader and arranger for Phil Spector; today he is recognized as being one of the original contributors of the famous Phil Spector Wall of Sound effect heard on hits of the 1960s and 70s. Despite a long career in popular music, Randi, as Feather s testimony and these recordings demonstrate, was a formidable jazz talent when he chose to exercise it.

Biography

Don Randi (born Donald Schwartz, 25 February 1937) is an American keyboard player, bandleader and songwriter. He has performed on numerous recordings, including many as a session musician and member of the Wrecking Crew, as well as releasing his own jazz records.

Born in New York City and raised in the Catskill Mountains, he received a training in classical music. After his father's death, he and his mother moved to Los Angeles in 1954, and the following year he started work at a record distribution company where he heard and became influenced by jazz musicians, particularly Horace Silver. Don is Jewish.

He began his career as a professional pianist and keyboard player in 1956, gradually establishing a reputation as a leading session musician. In the early 1960s, he was a major contributor, as musician and arranger, to record producer Phil Spector's Wall of Sound. He also played piano on "These Boots Are Made For Walkin'", and every album by Nancy Sinatra as well as being a member of her touring band for decades, and the Beach Boys' "Good Vibrations". He claims to have played on over three hundred hit records, working with musicians such as Linda Ronstadt, Quincy Jones, Cannonball Adderley, Herb Alpert, Sarah Vaughan, and Frank Zappa. He recorded albums of piano jazz under his own name and as the leader of a trio with Leroy Vinnegar and Mel Lewis.[2] These included Feelin' Like Blues (1960), Where Do We Go From Here (1962), Last Night (1963), Revolver Jazz (1966), and Love Theme From "Romeo And Juliet" (1968).

Randi also wrote film scores during the 1970s, including Bloody Mama (1970), Up in the Cellar (1970), J. W. Coop (1972), Stacey (1973), and Santee (1973).

In 1970 he opened The Baked Potato jazz club in Studio City, California, and formed his own group, Don Randi and Quest, as the house band. The band have subsequently recorded over 15 albums and were nominated for a Grammy in 1980 for the album New Baby.

In 2010 The Baked Potato was named Best Jazz Club in Los Angeles magazine.

In 2008, as a member of the Wrecking Crew, Randi was inducted into the Hollywood RockWalk.

His daughter is musician Leah Randi.

Press reviews

"A longtime fixture in the Los Angeles area, Don Randi is best known as the proprietor of the North Hollywood club Baked Potato and for his longtime leadership of a popular fusion/crossover group, Quest. Raised in the Catskill Mountains of New York, Don Randi had classical music lessons for 13 years. He moved to the Los Angeles area in 1954. He then became a busy studio musician, appearing on and writing for a countless number of motion picture and television soundtracks, commercials, and pop albums. Randi recorded as a leader for World Pacific, Verve, Palomar, Reprise, Capitol, Poppy, Sheffield Lab, and Headfirst. Don Randi has continued to appear at the Baked Potato with Quest on a fairly regular basis, including a May 2010 show marking the club's 40th anniversary."

Scott Yanow -All Music Guide

"Recorded when he was a busy and much in-demand jazz pianist, these two trio sessions catch Randi at the top of his game. Solid support from Hemel and Stone on the first seven tracks suggests this might have been a regular working group. Certainly Randi had a long-running gig at the time at the Losers Club in Hollywood where he played to packed houses every night. He had a natural penchant for the blues and the samples here confirm that; Feelin Like, Ja-Da, Blues For Miti and T.J.s Blues all being good examples. Piano, bass and drums lock in together seamlessly to swing through Fallout, the notes tumbling out easily from the keyboard as the trio hit a strong groove.

Although highly talented as a jazz pianist, composer and bandleader, Randi was always involved in classical music and the more adventurous pop sounds; he was soon working for Phil Spector and a contributor to the Wall of Sound that became so admired in the 1960/70s. Blues For Miti mixed hard swing, blues chords and a liberal injection of gospel music.

There are eight more sterling tracks on the Where Do We Go LP, which used the upmarket combination of Vinnegar and the up and coming Mel Lewis. The pianist is still on great form although the natural, free flow seems to be missing. I suspect Lewis is the culprit; he swings hard and his time is spot on but he sounds very stiff and almost rigid at times. However, Vinnegar is on good form and together they produce an excellent 40-odd minutes of modern piano trio jazz."

Derek Ansell -May, 2014

Jazz Journal

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Para el difunto y gran crítico de jazz, Leonard Feather, el pianista Don Randi era un intérprete sorprendente. Es capaz de balancearse furiosamente, tiene una técnica que desafía a la muerte y logra combinar sus frenéticas excursiones con un elemento de comunicación apasionada que les da mucho más que valor técnico. Y, durante los últimos meses de 1960, el joven de 23 años trajo estos regalos al pequeño club de Hollywood, The Losers, y mantuvo a un público repleto en un constante estado de excitación musical con su bien integrado trío. Su forma de tocar tenía una fuerza atractiva y cobarde que todo el mundo podía sentir, con un sentimiento básico, fuerte y honesto por el blues, mientras que sus originales como Feelin Like Blues, Blues for Miti o Take Six eran un buen augurio para él como compositor.

Aunque pronto se convirtió en uno de los teclistas más ocupados en el negocio de la grabación, el jazz no fue ni es la única cuerda de su arco multihabilidades. Después de ganar algo de popularidad, también se convirtió en director de banda y arreglista de Phil Spector; hoy en día se le reconoce como uno de los contribuyentes originales del famoso efecto de pared de sonido de Phil Spector que se escucha en los éxitos de los años 60 y 70. A pesar de una larga carrera en la música popular, Randi, como lo demuestra el testimonio de Feather y estas grabaciones, era un formidable talento del jazz cuando eligió ejercerlo.

Biografía

Don Randi (nacido Donald Schwartz, 25 de febrero de 1937) es un teclista, director de banda y compositor estadounidense. Ha participado en numerosas grabaciones, entre ellas muchas como músico de sesión y miembro del Wrecking Crew, así como en la publicación de sus propios discos de jazz.

Nacido en la ciudad de Nueva York y criado en las montañas Catskill, recibió una formación en música clásica[2]. Tras la muerte de su padre, él y su madre se trasladaron a Los Ángeles en 1954, y al año siguiente empezó a trabajar en una compañía de distribución de discos donde escuchó y se influenció por los músicos de jazz, en particular por Horace Silver.

Comenzó su carrera como pianista profesional y teclista en 1956, estableciendo gradualmente una reputación como músico de sesión líder. A principios de la década de 1960, fue uno de los principales colaboradores, como músico y arreglista, del productor discográfico Phil Spector's Wall of Sound. También tocó el piano en "These Boots Are Made For Walkin'", y en todos los álbumes de Nancy Sinatra, además de ser miembro de su banda de gira durante décadas, y en "Good Vibrations" de los Beach Boys[3]. Afirma haber tocado en más de trescientos discos de éxito, trabajando con músicos como Linda Ronstadt, Quincy Jones, Cannonball Adderley, Herb Alpert, Sarah Vaughan y Frank Zappa.3] Grabó discos de jazz en piano bajo su propio nombre y como líder de un trío con Leroy Vinnegar y Mel Lewis[2], entre ellos Feelin' Like Blues (1960), Where Do We Go From Here (1962), Last Night (1963), Revolver Jazz (1966) y Love Theme From "Romeo y Julieta" (1968).

Randi también escribió partituras para películas durante la década de 1970, incluyendo Bloody Mama (1970), Up in the Cellar (1970), J. W. Coop (1972), Stacey (1973), y Santee (1973).

En 1970 abrió el club de jazz The Baked Potato en Studio City, California, y formó su propio grupo, Don Randi and Quest, como la banda de la casa. Posteriormente, la banda ha grabado más de 15 álbumes y fue nominada a un Grammy en 1980 por el álbum New Baby.

En 2010 The Baked Potato fue nombrado Mejor Club de Jazz por la revista Los Angeles.

En 2008, como miembro del Wrecking Crew, Randi fue admitido en el Hollywood RockWalk.

Su hija es la músico Leah Randi.

Reseñas de prensa

"Don Randi, un veterano de la zona de Los Ángeles, es más conocido como el propietario del club Baked Potato de North Hollywood y por su larga trayectoria al frente de un popular grupo de fusión/cruzamiento, Quest. Criado en las Montañas Catskill de Nueva York, Don Randi recibió clases de música clásica durante 13 años. Se mudó al área de Los Ángeles en 1954. Luego se convirtió en un músico de estudio muy ocupado, apareciendo y escribiendo para un sinnúmero de bandas sonoras de películas y televisión, comerciales y álbumes pop. Randi grabó como líder para World Pacific, Verve, Palomar, Reprise, Capitol, Poppy, Sheffield Lab y Headfirst. Don Randi ha seguido apareciendo en el Baked Potato with Quest con bastante regularidad, incluyendo un show en mayo de 2010 que marca el 40 aniversario del club".

Scott Yanow - Guía de toda la música

"Grabadas cuando era un pianista de jazz muy ocupado y muy solicitado, estas dos sesiones de trío atrapan a Randi en su mejor momento. El sólido apoyo de Hemel y Stone en los primeros siete temas sugiere que este podría haber sido un grupo de trabajo regular. Ciertamente Randi tenía una larga trayectoria en el Club de los Perdedores en Hollywood, donde tocaba todas las noches en casas llenas. Tenía una afición natural por el blues y las muestras de aquí lo confirman; Feelin Like, Ja-Da, Blues For Miti y T.J.s Blues son todos buenos ejemplos. El piano, el bajo y la batería se unen a la perfección para moverse a través de Fallout, las notas salen fácilmente del teclado mientras el trío se mueve con fuerza.

Aunque tiene mucho talento como pianista de jazz, compositor y director de banda, Randi siempre estuvo involucrado en la música clásica y en los sonidos más aventureros del pop; pronto trabajó para Phil Spector y colaboró en el Wall of Sound que tanto se admiró en los años 60/70. Blues For Miti mezcló hard swing, acordes de blues y una inyección liberal de música gospel.

Hay ocho temas más de calidad en el LP Where Do We Go, en el que se utilizó la combinación de alta calidad de Vinnegar y la prometedora Mel Lewis. El pianista sigue en plena forma, aunque parece faltar el flujo natural y libre. Sospecho que Lewis es el culpable; se balancea con fuerza y su tiempo es puntual pero suena muy rígido y casi rígido a veces. Sin embargo, Vinnegar está en buena forma y juntos producen unos excelentes 40 y pico minutos de jazz de trío de piano moderno".

Derek Ansell -Mayo, 2014

Revista de Jazz

Gerry Mulligan • Johnny Mandel's Jazz Score From I Want To Live

Review from Jazz Journal (by Gordon Jack):

Johnny Mandel's score for I Want to Live is performed by an all-star septet led by Gerry Mulligan. In the film he is name-checked by Susan Hayward in the Oscar-winning role of Barbara Graham who was executed in San Quentin in 1955. Listening to "Night Watch" on the radio in the condemned cell she says "Gerry Mulligan... I know all his sides by heart." Mulligan was so impressed with the music that he commissioned the composer to adapt "Black Nightgown", "Barbara's Theme" and "Theme From I Want to Live" for his 1960 Concert Jazz Band. All the horns have a chance to shine on the catchy "Black Nightgown" which is introduced by Red Mitchell's simple but effective descending bass line. The dramatic "I Want to Live" is a perfect vehicle for the dark sonorities of Mulligan's baritone contrasted effectively here with the delicacy of Shank's flute. "Life's a Funny Thing" is notable for some inventive exchanges between Frank Rosolino and Mulligan which was one of their only meetings on record apart from Quincy Jones' score for the 1972 movie The Hot Rock.

https://jazzjournal.co.uk/2019/03/13/gerry-mulligan-i-want-to-live/

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Reseña de Jazz Journal (por Gordon Jack):

La partitura de Johnny Mandel para I Want to Live es interpretada por un septeto de estrellas liderado por Gerry Mulligan. En la pelicula es mencionado por Susan Hayward en el papel ganador del Oscar de Barbara Graham, quien fue ejecutada en San Quentin en 1955. Escuchando "Night Watch" en la radio en la celda de los condenados, ella dice "Gerry Mulligan... me se de memoria todos sus discos." Mulligan quedo tan impresionado con la musica que comisiono al compositor para adaptar "Black Nightgown", "Barbara's Theme" y "Theme From I Want to Live" para su Concert Jazz Band de 1960. Todos los metales tienen la oportunidad de brillar en el pegadizo "Black Nightgown", que es introducido por la simple pero efectiva linea de bajo descendente de Red Mitchell. El dramatico "I Want to Live" es el vehiculo perfecto para las sonoridades oscuras del baritono de Mulligan contrastadas efectivamente aqui con la delicadeza de la flauta de Shank. "Life's a Funny Thing" es notable por algunos intercambios inventivos entre Frank Rosolino y Mulligan, que fue uno de sus unicos encuentros en disco ademas de la partitura de Quincy Jones para la pelicula de 1972 The Hot Rock.

https://jazzjournal.co.uk/2019/03/13/gerry-mulligan-i-want-to-live/

No Strings Sextet - Mannie Klein's Sextet • Rare and Obscure Jazz Albums

 

Description from Fresh Sound Records / Blue Sounds:

Peter Matz (1928–2002) was an American musician, composer, arranger, and conductor. His illustrious musical career in film, theater, television, and studio recording spanned five decades, during which he collaborated with several renowned artists, including Marlene Dietrich, Anita Ellis, Noël Coward, and Barbra Streisand. In 1962, he conducted the orchestra for the Broadway show 'No Strings' and led the sextet from the production in this jazz-oriented rendition of the musical's songs. The combo performs the songs in a light and breezy style, enhancing the Richard Rodgers tunes with finesse. Matz's fresh and imaginative arrangements of Rodgers' superb 'No Strings' score are brought to life by six exceptionally talented wind players and two of the best rhythm musicians in the business. Qualities, which fully highlight the essentially lyrical nature of these songs.

Emmanuel Klein (1908–1994) was an American jazz trumpeter closely associated with the Swing Era. He was active throughout the 1930s, working as a studio musician and performing with bands such as Jimmy & Tommy Dorsey, Benny Goodman and others. In 1937, he moved to California and joined Frank Trumbauer's orchestra, quickly becoming one of the most sought-after trumpet players in Hollywood studios. In this album, he and a group of West Coast jazz musicians perform selections from the highly successful Rodgers and Hammerstein II musical 'The Sound of Music' with taste and imagination, resulting in an outstanding recording. The arrangements were crafted by Henry Beau and Bobby Hammack. For this session, Klein assembled a stellar line-up of musicians, including Bobby Hammack on piano, Ronnie Lang on saxophone, Al Hendrickson on guitar (alternating with Bobby Gibbons), Morty Corb on bass, and Frank Flynn (alternating with Irving Cottler) on drums and percussion.

https://www.freshsoundrecords.com/peter-matz-manny-klein-albums/57141-no-strings-the-sound-of-music-2-lp-on-1-cd.html

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Descripción de Fresh Sound Records / Blue Sounds:

Peter Matz (1928–2002) fue un músico, compositor, arreglista y director estadounidense. Su ilustre carrera musical en cine, teatro, televisión y grabación en estudio se extendió durante cinco décadas, durante las cuales colaboró con varios artistas de renombre, incluyendo a Marlene Dietrich, Anita Ellis, Noël Coward y Barbra Streisand. En 1962, dirigió la orquesta del espectáculo de Broadway 'No Strings' y lideró el sexteto de la producción en esta versión jazzística de las canciones del musical. El combo interpreta las canciones con un estilo ligero y animado, realzando las melodías de Richard Rodgers con fineza. Los frescos e imaginativos arreglos de Matz de la soberbia partitura de 'No Strings' de Rodgers cobran vida gracias a seis extraordinarios instrumentistas de viento y dos de los mejores músicos de ritmo del negocio. Cualidades que destacan plenamente la naturaleza esencialmente lírica de estas canciones.

Emmanuel Klein (1908–1994) fue un trompetista de jazz estadounidense estrechamente asociado con la Era del Swing. Estuvo activo durante la década de 1930, trabajando como músico de estudio y actuando con bandas como las de Jimmy y Tommy Dorsey, Benny Goodman y otras. En 1937, se trasladó a California y se unió a la orquesta de Frank Trumbauer, convirtiéndose rápidamente en uno de los trompetistas más solicitados en los estudios de Hollywood. En este álbum, él y un grupo de músicos de jazz de la Costa Oeste interpretan selecciones del altamente exitoso musical de Rodgers y Hammerstein II 'The Sound of Music' con gusto e imaginación, con un resultado excepcional. Los arreglos fueron elaborados por Henry Beau y Bobby Hammack. Para esta sesión, Klein reunió una formación estelar de músicos, incluyendo a Bobby Hammack al piano, Ronnie Lang al saxofón, Al Hendrickson a la guitarra (alternando con Bobby Gibbons), Morty Corb al bajo y Frank Flynn (alternando con Irving Cottler) a la batería y la percusión.

https://www.freshsoundrecords.com/peter-matz-manny-klein-albums/57141-no-strings-the-sound-of-music-2-lp-on-1-cd.html

 

 

www.freshsoundrecords ...

Chico Hamilton • Gong East!

 

Chet Baker Quartet • Featuring Russ Freeman

 

Review from AllMusic (by Lindsay Planer):
Chet Baker Quartet Featuring Russ Freeman (1998) is a perfect studio companion to the Mosaic Records set Complete Pacific Jazz Live Recordings of Chet Baker With Russ Freeman (1988). As was the custom for jazz platters of the time, both Baker and Freeman are joined by a different combo on each date. The luminaries include Bobby Whitlock (bass), Joe Mondragon (bass), Bobby White (bass), Larry Bunker (drums) and Shelly Manne (drums) from sessions held circa July and October of 1953. The 25 selections here provide copious evidence of Baker's uncanny artistry as he develops a dark, yet lyrical, interpretive approach. Immediately evident is the thoughtful synergy between Baker and the comparatively understated Freeman, whose comps help link the respective solos. In several notable instances, such as the nonchalant "Isn't It Romantic" or the limber syncopation of "Maid in Mexico," Freeman establishes the melody, rather than simply being relegated to the rhythm section. Additional diverse examples can be heard ranging from a sublime reading of "Imagination" to the upbeat and agile "All the Things You Are" -- which commences in progress. These tunes would seed Baker's back catalog of material, becoming staples during his 30-plus-year repertoire. One facet to Chet Baker Quartet Featuring Russ Freeman that will be of considerable interest to collectors and hardcore enthusiasts are both the 10" EP and the 12" LP takes of "Long Ago and Far Away," "No Ties," "The Thrill Is Gone," "Moon Love" and the 78 rpm and long-player version(s) of "Winter Wonderland." While these renderings have been previously issued, this CD marks the first time that they are presented on a single volume. Among other stellar (if not definitive) inclusions are Freeman's "Russ Job," "Bea's Flat" and the sole Baker vocal on "I Fall in Love Too Easily."
https://www.allmusic.com/album/chet-baker-quartet-featuring-russ-freeman-mw0000197173

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Reseña de AllMusic (por Lindsay Planer):
Chet Baker Quartet Featuring Russ Freeman (1998) es un compañero de estudio perfecto para el set de Mosaic Records Complete Pacific Jazz Live Recordings of Chet Baker With Russ Freeman (1988). Como era costumbre en los discos de jazz de la época, tanto Baker como Freeman están acompañados por un combo diferente en cada fecha. Las figuras destacadas incluyen a Bobby Whitlock (bajo), Joe Mondragon (bajo), Bobby White (bajo), Larry Bunker (batería) y Shelly Manne (batería), de sesiones realizadas aproximadamente en julio y octubre de 1953. Las 25 selecciones aquí presentadas ofrecen abundantes pruebas del extraordinario arte de Baker mientras desarrolla un enfoque interpretativo oscuro pero lírico. Es inmediatamente evidente la sintonía reflexiva entre Baker y el comparativamente discreto Freeman, cuyos comps ayudan a enlazar los respectivos solos. En varios casos notables, como el despreocupado "Isn't It Romantic" o la sincopación ágil de "Maid in Mexico," Freeman establece la melodía, en lugar de ser relegado simplemente a la sección rítmica. Se pueden escuchar ejemplos adicionales y diversos que van desde una sublime lectura de "Imagination" hasta el animado y ágil "All the Things You Are" -- que comienza en progreso. Estos temas sembrarían el catálogo posterior de Baker, convirtiéndose en pilares de su repertorio durante más de 30 años. Un aspecto de Chet Baker Quartet Featuring Russ Freeman que será de considerable interés para coleccionistas y entusiastas acérrimos son tanto las tomas de EP de 10" como las de LP de 12" de "Long Ago and Far Away," "No Ties," "The Thrill Is Gone," "Moon Love" y las versiones de 78 rpm y de larga duración de "Winter Wonderland." Si bien estas interpretaciones han sido publicadas anteriormente, este CD marca la primera vez que se presentan en un solo volumen. Entre otras inclusiones estelares (si no definitivas) se encuentran "Russ Job" y "Bea's Flat" de Freeman, y la única interpretación vocal de Baker en "I Fall in Love Too Easily."
https://www.allmusic.com/album/chet-baker-quartet-featuring-russ-freeman-mw0000197173

Marty Paich • Jazz For Relaxation

Bud Shank • Slippery When Wet [Original Motion Picture Soundtrack]

 

Gerry Mulligan • The After Life of the Party

 

Gerry Mulligan grew up in Philadelphia and first learned piano, which he played occasionally. While in his teens, he wrote arrangements for Johnny Warrington's radio band (1944) and played reed instruments professionally. After moving to New York in 1946, he joined Gene Krupa's big band as staff arranger, attracting attention with his Disc Jockey Jump (1947). He then became involved with the nascent cool-jazz movement in New York, taking part in the performances (1948) and recording sessions (1949-50) of Miles Davis' nonet and contributing scores to the big bands of Elliot Lawrence and Claude Thornhill. By this time, he was specializing in baritone saxophone and playing in groups with Kai Winding and others. He also wrote scores for Stan Kenton's band and recorded with his own tentet (1951), which was modeled on Davis's ensemble.

In 1952, Mulligan, then based in Los Angeles, formed his first “piano-less” quartet, with Chet Baker on trumpet. The group was instantaneously successful and brought Baker and Mulligan international acclaim. Mulligan led a new tentet and various versions of the quartet throughout the mid-1950s. He made a sensational appearance at the Salle Pleyel in Paris in 1954 and began dominating jazz opinion polls for his instrument. In 1960, he organized his own 13-piece concert jazz band with which he toured Europe in that year and Japan in 1964. After it disbanded, he became an active sideman, working often with Dave Brubeck (1968-72) and as a freelance arranger for other jazz groups. He formed a new 14-piece big band, the Age of Steam, in 1972, and was artist-in-residence at Miami University in 1974.

From 1974 to 1977, Mulligan led a sextet that included Dave Samuels, and during this period he worked regularly in New York and Italy. Around the same time he began playing soprano saxophone. He formed a 14-piece band in 1978 and toured with it into the following year. During the early 1980s, he made recordings as a leader in New York that involved experiments with a 20-piece big band (1980) and electronic instruments (1982-3), but in 1986 he returned to a more familiar format as the leader of a quintet with Scott Hamilton and Grady Tate.

Mulligan is among the most versatile figures in modern jazz. Although slow to develop as an instrumentalist, he has long been recognized as the most important baritone saxophonist in jazz since Harry Carney. Besides the cool idiom that he helped to create, he is equally at home in a big-band, bop, or even Dixieland context (playing clarinet in the latter), and his excellent recordings with musicians as varied as Johnny Hodges and Thelonious Monk show an unusual musical adaptability. Initially, however, Mulligan made his reputation as an arranger of band scores with intricate inner parts, careful balancing of timbres, low dynamics, and light swing, all of which features are present in his settings of Jeru, Godchild, and Venus de Milo for Davis' nonet. Later, he abstracted these qualities in his piano-less groups, where the low volume and absence of chordal underpinnings freed the wind players to improvise in delicate two-part counterpoint. Some of Mulligan's best playing may be heard in his recordings with Chet Baker, Bob Brookmeyer, and most notably Paul Desmond, with whom he shares an unusual talent for improvised countermelody.

https://musicians.allaboutjazz.com/gerrymulligan

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Gerry Mulligan creció en Filadelfia y aprendió piano por primera vez, que tocaba ocasionalmente. Mientras era adolescente, escribió arreglos para Johnny Warrington's radio band (1944) y tocó instrumentos de lengüeta profesionalmente. Después de mudarse a Nueva York en 1946, se unió a la big band de Gene Krupa como arreglista de personal, atrayendo la atención con su Disc Jockey Jump (1947). Luego se involucró con el naciente movimiento cool-jazz en Nueva York, participando en las actuaciones (1948) y sesiones de grabación (1949-50) de Miles Davis ' nonet y contribuyendo con partituras a las big bands de Elliot Lawrence y Claude Thornhill. En ese momento, se especializaba en saxofón barítono y tocaba en grupos con Kai Winding y otros. También escribió partituras para la banda de Stan Kenton y grabó con su propio tentet (1951), que se inspiró en el conjunto de Davis.

En 1952, Mulligan, entonces con sede en Los Ángeles, formó su primer cuarteto "sin piano", con Chet Baker a la trompeta. El grupo tuvo un éxito instantáneo y le dio a Baker y Mulligan reconocimiento internacional. Mulligan dirigió un nuevo tentet y varias versiones del cuarteto a mediados de la década de 1950. Hizo una aparición sensacional en la Salle Pleyel de París en 1954 y comenzó a dominar las encuestas de opinión sobre el jazz para su instrumento. En 1960, organizó su propia banda de jazz de concierto de 13 integrantes con la que realizó una gira por Europa en ese año y Japón en 1964. Después de su disolución, se convirtió en un acompañante activo, trabajando a menudo con Dave Brubeck (1968-72) y como arreglista independiente para otros grupos de jazz. Formó una nueva big band de 14 integrantes, the Age of Steam, en 1972, y fue artista residente en la Universidad de Miami en 1974.

De 1974 a 1977, Mulligan dirigió un sexteto que incluía a Dave Samuels, y durante este período trabajó regularmente en Nueva York e Italia. Casi al mismo tiempo comenzó a tocar el saxofón soprano. Formó una banda de 14 integrantes en 1978 y estuvo de gira con ella hasta el año siguiente. A principios de la década de 1980, realizó grabaciones como líder en Nueva York que involucraron experimentos con una big band de 20 integrantes (1980) e instrumentos electrónicos (1982-3), pero en 1986 regresó a un formato más familiar como líder de un quinteto con Scott Hamilton y Grady Tate.

Mulligan se encuentra entre las figuras más versátiles del jazz moderno. Aunque tardó en desarrollarse como instrumentista, durante mucho tiempo ha sido reconocido como el saxofonista barítono más importante del jazz desde Harry Carney. Además del lenguaje genial que ayudó a crear, se siente igualmente como en casa en un contexto de big band, bop o incluso Dixieland (tocando el clarinete en este último), y sus excelentes grabaciones con músicos tan variados como Johnny Hodges y Thelonious Monk muestran una adaptabilidad musical inusual. Inicialmente, sin embargo, Mulligan se ganó la reputación de arreglador de partituras de banda con intrincadas partes internas, cuidadoso equilibrio de timbres, baja dinámica y swing ligero, características todas presentes en sus composiciones de Jeru, Godchild y Venus de Milo para Davis' nonet. Más tarde, abstrajo estas cualidades en sus grupos sin piano, donde el bajo volumen y la ausencia de bases cordales liberaron a los músicos de viento para improvisar en un delicado contrapunto de dos partes. Algunas de las mejores interpretaciones de Mulligan se pueden escuchar en sus grabaciones con Chet Baker, Bob Brookmeyer y, sobre todo, Paul Desmond, con quien comparte un talento inusual para la contramelodia improvisada.
https://musicians.allaboutjazz.com/gerrymulligan

 

Jack Sheldon & his Exciting All-Star Big Band • Jack's Groove

 

Biography
Along with Lester Young in the '30s, Dizzy Gillespie in the '40s, and Zoot Sims in the '50s, Jack Sheldon is one of the Original Lions of the West Coast Sound. Jack's a premier improviser, is one of only a handful of trumpet players throughout jazz history who has developed his own distinctive "signature sound". It's an inimitable sound that comes from his heart and soul, what Miles Davis called "a voice".

As an integral part of the West Coast Scene of the 1950s, he played an important role in developing that era's bebop- inspired sound. His solid connection to that vibrant period in West coast Jazz surfaces with each impeccable solo.

Sheldon's collaborative list is indeed long and impressive: Dizzy Gillespie, Dexter Gordon, Curtis Counce, Shelly Manne, Art Pepper, Frank Sinatra, Benny Goodman, Stan Kenton, Mel Torme, Tony Bennett, Lena Horne, Peggy Lee, Sammy Davis Jr., Rosemary Clooney, Diane Schuur and many other greats.

Nominated five times for the Playboy International Artist Of The Year Award, Jack Sheldon continues to dazzle audiences with his prodigious chops and unerring sense of swing. Sheldon has been featured on innumerable soundtracks. It was his sensuous trumpet solo that immortalized Johnny Mandel's The Shadow of Your Smile from the Taylor-Burton film The Sandpiper. Today, his lyrical trumpet continues to garner the spotlight on soundtracks like Object of Beauty, The Super, White Men Can'tJump, For The Boys, Mr. Saturday Night, and his trumpet work is heard like a character in the Francis Ford Coppla film One From The Heart.

A sublime vocalist, Jack Sheldon has been ranked as one of the top jazz singers of the day. In addition to the many recordings show casing his trumpet, he's been a featured singer on soundtracks as well.

Jack Sheldon made his acting/comedy debut on The Steve Allen Show. His comedic skill was an immediate hit and he was soon given his own TV sitcom by CBS, Run Buddy Run. Over the years Sheldon has also appeared regularly on various television series including Dragnet, and Star Trek-The Next Generation. But his most powerful and popular TV stint was his tremendously successful 18 year association with Merv Griffin as featured soloist, resident comedian and musical director on The Merv Griffin Show.

In 2008 a feature documentray film opened, Trying to Get Good: The Jazz Odyssey of Jack Sheldon, celebrated with many notable music and film personalities in interviews and rare archival films with Jack playing with Benny Goodman, Chet Baker and with his own remarkable band.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jack-sheldon

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Biografía
Junto con Lester Young en los años 30, Dizzy Gillespie en los 40 y Zoot Sims en los 50, Jack Sheldon es uno de los Leones Originales del Sonido de la Costa Oeste. Jack es un improvisador de primera categoría, uno de los pocos trompetistas de la historia del jazz que ha desarrollado su propio "sonido característico". Es un sonido inimitable que le sale del corazón y del alma, lo que Miles Davis llamaba "una voz".

Como parte integrante de la West Coast Scene de los años 50, desempeñó un papel importante en el desarrollo del sonido bebop de aquella época. Su sólida conexión con ese vibrante periodo del jazz de la costa oeste aflora con cada impecable solo.

La lista de colaboradores de Sheldon es larga e impresionante: Dizzy Gillespie, Dexter Gordon, Curtis Counce, Shelly Manne, Art Pepper, Frank Sinatra, Benny Goodman, Stan Kenton, Mel Torme, Tony Bennett, Lena Horne, Peggy Lee, Sammy Davis Jr, Rosemary Clooney, Diane Schuur y muchos otros grandes.

Nominado cinco veces al premio Playboy International Artist Of The Year, Jack Sheldon sigue deslumbrando al público con sus prodigiosas habilidades y su infalible sentido del swing. Sheldon ha participado en innumerables bandas sonoras. Fue su sensual solo de trompeta el que inmortalizó The Shadow of Your Smile, de Johnny Mandel, en la película de Taylor-Burton The Sandpiper. Hoy en día, su trompeta lírica sigue acaparando la atención en bandas sonoras como Object of Beauty, The Super, White Men Can'tJump, For The Boys, Mr. Saturday Night, y su trabajo de trompeta se escucha como un personaje más en la película de Francis Ford Coppla One From The Heart.

Vocalista sublime, Jack Sheldon ha sido clasificado como uno de los mejores cantantes de jazz del momento. Además de las numerosas grabaciones en las que muestra su trompeta, también ha sido cantante en bandas sonoras.

Jack Sheldon debutó como actor y cómico en The Steve Allen Show. Su habilidad para la comedia fue un éxito inmediato y pronto la CBS le dio su propia serie de televisión, Run Buddy Run. A lo largo de los años, Sheldon también ha aparecido con regularidad en varias series de televisión, como Dragnet y Star Trek-The Next Generation. Pero su etapa televisiva más poderosa y popular fue su exitosa asociación con Merv Griffin durante 18 años como solista, cómico residente y director musical en The Merv Griffin Show.

En 2008 se estrenó un largometraje documental, Trying to Get Good: The Jazz Odyssey of Jack Sheldon, en el que se entrevista a numerosas personalidades de la música y el cine y se muestran películas de archivo de Jack tocando con Benny Goodman, Chet Baker y con su propia banda.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jack-sheldon

Bob Keene Septet & Lex Golden Jazz Octet • Solo for Seven - The Lex Golden Jazz Octet in Hi-Fi

 

Description from Fresh Sound Records / Jazz Hot (by Michel Laplace):
When clarinettist Bob Keene led an 18-piece orchestra in 1951 it was billed as one of the greatest bands since Artie Shaw's. Shaw gave it his stamp of approval and considered Keene to be a worthy successor. However, Keene's fame was fleeting and he's since faded into obscurity. But members of his septet heard here, such as Pepper Adams, Red Norvo and Shelly Manne, still register strongly in the collective memory. Standards from the likes of Kern, Loesser and Arlen are rearranged by Jack Montrose and provide us with 11 compact, highly melodic tracks delivered in cool jazz and swing style. The average length of each clocks in at 2.7 minutes. There's nothing long-winded about Bob Keene!

Prior to the recording of In Hi-Fi, trumpeter Lex Golden was all but unknown outside Los Angeles where he led dance bands in the city's nightspots. Golden peut swinguer ("Flip-Top"). Abe Most (1920-2002), Gene Cipriano (born 1929) and Lester Pinter form a saxophone section heavily influenced by Woody Herman's ("I Wished on the Moon"). Clarence E. Pete Carpenter (1914-1987) is a good trombonist and arranger ("Llama's Mama", "Mule Train", "Lot's O' Lex"). Cipriano and Pinter, both equally Lester Young-influenced, take solos in "Jeepers Creepers."
https://www.freshsoundrecords.com/bob-keene-lex-golden-albums/54012-solo-for-seven-the-lex-golden-jazz-octet-in-hi-fi-2-lp-on-1-cd.html

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Descripcion de Fresh Sound Records / Jazz Hot (por Michel Laplace):
Cuando el clarinetista Bob Keene dirigio una orquesta de 18 piezas en 1951, fue presentada como una de las mejores bandas desde la de Artie Shaw. Shaw le dio su sello de aprobacion y considero a Keene como un sucesor digno. Sin embargo, la fama de Keene fue efimera y desde entonces ha caido en el olvido. Pero los miembros de su septeto aqui escuchados, como Pepper Adams, Red Norvo y Shelly Manne, aun resuenan fuertemente en la memoria colectiva. Los standards de compositores como Kern, Loesser y Arlen son reorganizados por Jack Montrose y nos ofrecen 11 temas compactos y altamente melodicos entregados en estilo cool jazz y swing. La duracion media de cada uno ronda los 2.7 minutos. No hay nada prolijo en Bob Keene!

Antes de la grabacion de In Hi-Fi, el trompetista Lex Golden era practicamente desconocido fuera de Los Angeles, donde dirigia bandas de baile en los locales nocturnos de la ciudad. Golden sabe swingear ("Flip-Top"). Abe Most (1920-2002), Gene Cipriano (nacido en 1929) y Lester Pinter forman una seccion de saxofones muy influenciada por la de Woody Herman ("I Wished on the Moon"). Clarence E. Pete Carpenter (1914-1987) es un buen trombonista y arreglista ("Llama's Mama", "Mule Train", "Lot's O' Lex"). Cipriano y Pinter, ambos igualmente influenciados por Lester Young, intervienen en solitario en "Jeepers Creepers."
https://www.freshsoundrecords.com/bob-keene-lex-golden-albums/54012-solo-for-seven-the-lex-golden-jazz-octet-in-hi-fi-2-lp-on-1-cd.html

freshsoundrecords.com ...

Marty Paich • The Rock-Jazz Incident

 

Review

The title The Rock-Jazz Incident tends to suggest something strange or disastrous occurred during the recording of this album, which is hardly the case, though this set from arranger and bandleader Marty Paich ends up having only so much to do with either rock or jazz. On The Rock-Jazz Incident, Paich takes a handful of well-known pop tunes of the day (which in this case was 1966) along with a few originals and dresses them up with contemporary big-band arrangements, dominated by horns, keyboards, and a tight, well-mannered rhythm section. While Paich was a respected figure in West Coast jazz with an impressive résumé, these sessions have more of a middle-of-the-road feel, lacking the élan and sense of adventure of his best work; this often sounds more like a film or television score than anything else, through Paich and his accompanists deliver strong, muscular work on these 11 cuts and their take on numbers like "Call Me," "It's Not Unusual," "Promise Her Anything," and "Watermelon Man" is gently idiosyncratic and entertaining. The real oddity is a honking sax workout on "Yesterday" that makes Paul McCartney's tale of lost love sound like something Ace Cannon cut on his lunch hour, but most of the pop numbers survive the transition quite well, and originals like "The Proud Camel" and "Gotta Go" reveal just a bit more swing, and on these selections Paich gives his musicians a little more room to color the surroundings. Anyone expecting a meeting of the minds between rock and jazz is going to be awfully disappointed with this album, but Paich does turn in 29 minutes of intelligent, well-crafted pop music that nods to both genres without ever taking sides, and it's an amusing curiosity in his catalog.

by Mark Deming

https://www.allmusic.com/album/the-rock-jazz-incident-mw0002029546

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Reseña

El título The Rock-Jazz Incident tiende a sugerir que algo extraño o desastroso ocurrió durante la grabación de este álbum, lo cual no es el caso, aunque este conjunto del arreglista y director de la banda Marty Paich termina teniendo poco que ver con el rock o el jazz. En The Rock-Jazz Incident, Paich toma un puñado de canciones pop muy conocidas de la época (que en este caso fue 1966) junto con algunos originales y las viste con arreglos contemporáneos de big-band, dominados por trompetas, teclados y una sección rítmica ajustada y bien educada. Aunque Paich era una figura respetada en el jazz de la costa oeste con un currículum impresionante, estas sesiones tienen más bien un aire de medio camino, carente del ímpetu y el sentido de la aventura de su mejor trabajo; esto a menudo suena más como una partitura de cine o televisión que otra cosa, a través de Paich y sus acompañantes entregan un trabajo fuerte y musculoso en estos 11 cortes y su toma de números como "Call Me", "It's Not Unusual", "Promise Her Anything" y "Watermelon Man" es suavemente idiosincrásico y entretenido. La verdadera rareza es un entrenamiento de saxo en "Yesterday" que hace que el cuento de amor perdido de Paul McCartney suene como algo que Ace Cannon cortó en su hora de almuerzo, pero la mayoría de los números pop sobreviven bastante bien a la transición, y los originales como "The Proud Camel" y "Gotta Go" revelan un poco más de swing, y en estas selecciones Paich da a sus músicos un poco más de espacio para colorear el entorno. Cualquiera que espere un encuentro de las mentes entre el rock y el jazz va a estar muy decepcionado con este álbum, pero Paich sí que convierte en 29 minutos de música pop inteligente y bien hecha que asiente a ambos géneros sin tomar partido, y es una curiosidad divertida en su catálogo.

por Mark Deming
https://www.allmusic.com/album/the-rock-jazz-incident-mw0002029546

Paul Horn • The Jazz Collection

 

Brew Moore • West Coast Brew Quartet & Quintet Sessions 1955-1958

Review:

West Coast Brew: Quartet & Quintet Sessions 1955-1958 combines two of tenor saxophonist Brew Moore's early albums for the Fantasy label: 1956's The Brew Moore Quintet and 1958's Brew Moore. A journeyman musician with an itinerant's penchant for living gig to gig, Moore was a Lester Young acolyte and these dates find him in superb cool jazz form. Joining Moore here is a handful of lesser-known musicians, including pianist John Marabuto, trumpeter Dick Mills, tenor saxophonist Harold Wylie, and others. Interestingly, future Peanuts composer pianist Vince Guaraldi is featured on the latter dates in 1958. Although these dates are available in various reissues, it's nice to have them all collected on one disc, given that they all originate from a specific time and place in Moore's early career.

by Matt Collar

https://www.allmusic.com/album/west-coast-brew-quartet-quintet-sessions-1955-1958-mw0002406410

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Revisión:

West Coast Brew: Quartet & Quintet Sessions 1955-1958 combina dos de los primeros álbumes del saxofonista tenor Brew Moore para el sello Fantasy: El Quinteto Brew Moore de 1956 y Brew Moore de 1958. Un músico viajero con una inclinación itinerante por vivir de concierto en concierto, Moore fue un acólito de Lester Young y estas fechas lo encuentran en una magnífica forma de cool jazz. Junto a Moore hay un puñado de músicos menos conocidos, incluyendo el pianista John Marabuto, el trompetista Dick Mills, el saxofonista tenor Harold Wylie, y otros. Curiosamente, el futuro pianista compositor de Peanuts, Vince Guaraldi, aparece en estas últimas fechas en 1958. Aunque estas fechas están disponibles en varias reediciones, es bueno tenerlas todas reunidas en un solo disco, dado que todas ellas se originan en un momento y lugar específico en los comienzos de la carrera de Moore.

por Matt Collar

https://www.allmusic.com/album/west-coast-brew-quartet-quintet-sessions-1955-1958-mw0002406410

 

Fresh Sound Records ...

 

 

 

Colaborador / Contributor:  BOBpinBOB

Chico Hamilton • Gongs East

 

Lee Konitz & The Gerry Mulligan Quartet • Konitz Meets Mulligan

 

Chet Baker • The Chet Baker Quartet Recordings

 

Gus Mancuso • Rare and Obscure Jazz Albums Introducing Gus Mancuso

 

Review from AllMusic (by Alex Henderson):
Introducing Gus Mancuso, his first album as a leader, is an incredibly promising debut. The music is swinging, inspired bop, which was hardly unusual for 1956; the thing that makes this LP so unique is the fact that Mancuso's instrument is the baritone horn. Not to be confused with the baritone sax, the baritone horn has played an important role in marching bands but has seldom been used as a jazz instrument. But Mancuso doesn't let that stop him; he makes the baritone horn sound perfectly natural as a jazz instrument whether he is swinging enthusiastically on "Goody Goody" or being lyrical and romantic on "Ev'ry Time" and the Jimmy Dorsey ballad "I'm Glad There Is You." Introducing Gus Mancuso was recorded at two different 1956 sessions -- one in L.A., the other in the Bay Area. The L.A. session finds Mancuso leading a quartet with Gerald Wiggins on piano, Gene Wright on bass, and Bill Douglass on drums -- whereas in the Bay Area his sidemen include Tjader on drums, pianist Vince Guaraldi, tenor saxman Richie Kamuca, guitarist Eddie Duran, and bassist Gene Wright. A fine debut all-around. On Music From New Faces, Mancuso doesn't approach the Broadway material as theater music -- he interprets it, and songs like "The Boston Beguine" and "I'm in Love With Miss Logan" are transformed into instrumental hard bop. People who know these tunes from New Faces normally don't associate them with jazz, but Mancuso is imaginative enough to demonstrate that they can lend themselves to improvisatory bop makeovers. He has insightful, talented sidemen: Joe Romano on tenor sax, Pete Jolly on piano, Red Mitchell on bass, and Buddy Greve on drums. For many years, these performances were unavailable on CD.
https://www.freshsoundrecords.com/gus-mancuso-albums/54789-introducing-gus-mancuso-music-from-new-faces-2-lp-on-1-cd.html

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Resena de AllMusic (por Alex Henderson):
Introducing Gus Mancuso, su primer album como lider, es un debut increiblemente prometedor. La musica es bop swingante e inspirado, lo cual era comun en 1956; lo que hace a este LP tan unico es que el instrumento de Mancuso es el baritono de viento (baritone horn). No debe confundirse con el saxo baritono; el baritone horn ha tenido un papel importante en las bandas de marcha pero raramente se ha usado como instrumento de jazz. Mancuso no deja que eso lo detenga: hace que el instrumento suene perfectamente natural en el jazz, ya sea swingando con entusiasmo en "Goody Goody" o siendo lirico y romantico en "Ev'ry Time" y la balada de Jimmy Dorsey "I'm Glad There Is You." El album fue grabado en dos sesiones de 1956 -- una en Los Angeles, otra en la Bahia de San Francisco. La sesion de LA encuentra a Mancuso liderando un cuarteto con Gerald Wiggins en piano, Gene Wright en bajo y Bill Douglass en bateria -- mientras que en la Bay Area sus sidemen incluyen a Tjader en bateria, el pianista Vince Guaraldi, el saxofonista tenor Richie Kamuca, el guitarrista Eddie Duran y el bajista Gene Wright. Un debut de primera linea. En Music From New Faces, Mancuso no aborda el material de Broadway como musica teatral -- lo interpreta, y canciones como "The Boston Beguine" y "I'm in Love With Miss Logan" se transforman en hard bop instrumental. Quienes conocen estos temas de New Faces normalmente no los asocian con el jazz, pero Mancuso es suficientemente imaginativo para demostrar que pueden prestarse a reinterpretaciones bop improvisatorias. Cuenta con sidemen perspicaces y talentosos: Joe Romano en saxo tenor, Pete Jolly en piano, Red Mitchell en bajo y Buddy Greve en bateria. Durante muchos anos estas grabaciones no estuvieron disponibles en CD.
https://www.freshsoundrecords.com/gus-mancuso-albums/54789-introducing-gus-mancuso-music-from-new-faces-2-lp-on-1-cd.html

Heinie Beau ⁄ Milt Bernhart • Rare and Obscure Jazz Albums Moviesville Jazz the Sound of Bernhart

 

Review from Fresh Sound Records / Rare and Obscure Jazz Albums (liner notes by Jordi Pujol):
Heinie Beau (1911-1987) was not only a fine instrumentalist on clarinet, alto sax and flute, but also one of Hollywood's finest independent arrangers, working for Tommy Dorsey, Red Nichols, Axel Stordahl, Paul Weston, Peggy Lee, and others, as well as contributing to major TV, radio and motion picture scores. "Moviesville Jazz" is mood music in the jazz idiom, with each track loaded with excellent solos by top Hollywood studio musicians, held together by Beau's compositions and orchestrations. Milt Bernhart (1926-2004) came up through the bands of Boyd Raeburn, Buddy Franklin, Jimmy James, Teddy Powell and ultimately Stan Kenton. After leaving Kenton, he devoted himself entirely to Hollywood studio work. "The Sound of Bernhart" features five different groups playing mostly standards plus two originals, with arrangements by Calvin Jackson and Fred Katz, ranging from lusty jazz blowing to trombone paired with classically scored cellos. An out-and-out tour de force offering great variety, musical interest and wonderful changes of pace.
https://www.freshsoundrecords.com/heinie-beau-milt-bernhart-albums/54010-moviesville-jazz-the-sound-of-bernhart-2-lp-on-1-cd.html

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Reseña de Fresh Sound Records / Rare and Obscure Jazz Albums (notas de Jordi Pujol):
Heinie Beau (1911-1987) era no solo un fino instrumentista en clarinete, saxo alto y flauta, sino también uno de los mejores arreglistas independientes de Hollywood, trabajando para Tommy Dorsey, Red Nichols, Axel Stordahl, Paul Weston, Peggy Lee y otros, además de contribuir a programas de televisión, radio y cine. "Moviesville Jazz" es música de ambientación en el idioma jazzístico, con cada tema repleto de excelentes solos de los mejores músicos de estudio de Hollywood, cohesionados por las composiciones y orquestaciones de Beau. Milt Bernhart (1926-2004) creció musicalmente en las bandas de Boyd Raeburn, Buddy Franklin, Jimmy James, Teddy Powell y finalmente Stan Kenton. Tras dejar a Kenton, se dedicó por completo al trabajo de estudio en Hollywood. "The Sound of Bernhart" presenta cinco grupos distintos tocando principalmente standards más dos originales, con arreglos de Calvin Jackson y Fred Katz, que van desde el jazz más vivaz hasta el trombón acompañado de violonchelos con escritura de influencia clásica. Un álbum sin concesiones que ofrece gran variedad, interés musical y maravillosos cambios de registro.
https://www.freshsoundrecords.com/heinie-beau-milt-bernhart-albums/54010-moviesville-jazz-the-sound-of-bernhart-2-lp-on-1-cd.html