Zoot Sims • New Beat Bossa Nova Vol 1+Vol 2

 

Biography by Scott Yanow
Throughout his career, Zoot Sims was famous for epitomizing the swinging musician, never playing an inappropriate phrase. He always sounded inspired, and although his style did not change much after the early 1950s, Zoot's enthusiasm and creativity never wavered.

Zoot's family was involved in vaudeville, and he played drums and clarinet as a youth. His older brother, Ray Sims, developed into a fine trombonist who sounded like Bill Harris. At age 13, Sims switched permanently to the tenor, and his initial inspiration was Lester Young, although he soon developed his own cool-toned sound. Sims was a professional by the age of 15, landing his first important job with Bobby Sherwood's Orchestra, and he joined Benny Goodman's big band for the first time in 1943; he would be one of BG's favorite tenormen for the next 30 years. He recorded with Joe Bushkin in 1944, and even at that early stage, his style was largely set.

After a period in the Army, Sims was with Goodman from 1946-1947. He gained his initial fame as one of Woody Herman's "Four Brothers" during his time with the Second Herd (1947-1949). Zoot had brief stints with Buddy Rich's short-lived big band, Artie Shaw, Goodman (1950), Chubby Jackson, and Elliot Lawrence. He toured and recorded with Stan Kenton (1953) and Gerry Mulligan (1954-1956). Sims was also a star soloist with Mulligan's Concert Jazz Band of the early '60s and visited the Soviet Union with Benny Goodman in 1962. A freelancer throughout most of his career, Sims often led his own combos or co-led bands with his friend Al Cohn; the two tenors had very similar sounds and styles. Zoot started doubling on soprano quite effectively in the '70s. Through the years, he appeared in countless situations, and always seemed to come out ahead. Fortunately, Zoot Sims recorded frequently, leading sessions for Prestige, Metronome, Vogue, Dawn, Storyville, Argo, ABC-Paramount, Riverside, United Artists, Pacific Jazz, Bethlehem, Colpix, Impulse, Groove Merchant, Famous Door, Choice, Sonet, and a wonderful series for Pablo.
https://www.allmusic.com/artist/zoot-sims-mn0000228087/biography

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Biografía de Scott Yanow
A lo largo de su carrera, Zoot Sims fue famoso por personificar al músico del swing, nunca tocando una frase inapropiada. Siempre sonaba inspirado, y aunque su estilo no cambió mucho después de los primeros años 50, el entusiasmo y la creatividad de Zoot nunca flaqueó.

La familia de Zoot se dedicaba al vodevil, y él tocaba la batería y el clarinete en su juventud. Su hermano mayor, Ray Sims, se convirtió en un fino trombonista que sonaba como Bill Harris. A los 13 años, Sims cambió permanentemente al tenor, y su inspiración inicial fue Lester Young, aunque pronto desarrolló su propio sonido de tono fresco. Sims era un profesional a los 15 años, consiguiendo su primer trabajo importante con la Orquesta de Bobby Sherwood, y se unió a la gran banda de Benny Goodman por primera vez en 1943; sería uno de los tenores favoritos de BG durante los siguientes 30 años. Grabó con Joe Bushkin en 1944, e incluso en esa primera etapa, su estilo estaba muy marcado.

Después de un período en el ejército, Sims estuvo con Goodman de 1946 a 1947. Ganó su fama inicial como uno de los "Cuatro Hermanos" de Woody Herman durante su estancia en la Segunda Manada (1947-1949). Zoot tuvo breves estancias en la corta vida de la gran banda de Buddy Rich, Artie Shaw, Goodman (1950), Chubby Jackson, y Elliot Lawrence. Hizo giras y grabó con Stan Kenton (1953) y Gerry Mulligan (1954-1956). Sims también fue un solista estrella de la Concert Jazz Band de Mulligan a principios de los años 60 y visitó la Unión Soviética con Benny Goodman en 1962. Trabajó por cuenta propia durante la mayor parte de su carrera, y a menudo dirigió sus propios combos o bandas codirigidas con su amigo Al Cohn; los dos tenores tenían sonidos y estilos muy similares. Zoot empezó a doblar a la soprano de forma bastante efectiva en los 70. A través de los años, apareció en innumerables situaciones, y siempre pareció salir adelante. Afortunadamente, Zoot Sims grabó con frecuencia, dirigiendo sesiones para Prestige, Metronome, Vogue, Dawn, Storyville, Argo, ABC-Paramount, Riverside, United Artists, Pacific Jazz, Bethlehem, Colpix, Impulse, Groove Merchant, Famous Door, Choice, Sonet, y una maravillosa serie para Pablo.
https://www.allmusic.com/artist/zoot-sims-mn0000228087/biography

 

 

zootsims.jazzgiants.net ...

 

Shirley Scott • Workin'and stompin'

Born in Philadelphia, Pennsylvania, Scott studied trumpet and piano in school. As a performer in the 1950s, she played the Hammond B-3 organ. Her recordings with Eddie "Lockjaw" Davis included the hit "In the Kitchen". Influenced by gospel and blues, she played soul jazz in the 1960s with Stanley Turrentine, who became her husband during the same decade; the couple divorced in 1971.

Although organ trios declined in popularity during the 1970s, they resurged in the 1980s and she recorded again. In the 1990s, she recorded as pianist in a trio and performed at venues in Philadelphia. She was also a jazz educator.

Scott won an $8 million settlement in 2000 against American Home Products, the manufacturers of the diet drug fen-phen. She died of heart failure in 2002.

On June 25, 2019, The New York Times Magazine listed Shirley Scott among hundreds of artists whose material was reportedly destroyed in the 2008 Universal fire.

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Nacida en Filadelfia, Pensilvania, Scott estudió trompeta y piano en la escuela. Como intérprete en la década de 1950, tocó el órgano de Hammond B-3. Sus grabaciones con Eddie "Lockjaw" Davis incluyeron el éxito "In the Kitchen". Influenciada por el gospel y el blues, tocó soul jazz en los años 60 con Stanley Turrentine, quien se convirtió en su marido durante la misma década; la pareja se divorció en 1971.

Aunque la popularidad de los tríos de órgano disminuyó durante la década de 1970, resurgieron en la década de 1980 y ella grabó de nuevo. En los años 90, grabó como pianista en un trío y actuó en lugares de Filadelfia. También fue educadora de jazz.

Scott ganó un acuerdo de $8 millones en el año 2000 contra American Home Products, los fabricantes del medicamento dietético fen-phen. Murió de insuficiencia cardíaca en 2002.

El 25 de junio de 2019, la revista The New York Times Magazine incluyó a Shirley Scott entre los cientos de artistas cuyo material fue destruido en el incendio de Universal de 2008.

 

 

 

B. B. & The Blues Shacks • Feelin' Fine Today

B.B. & The Blues Shacks today have developed into the most successful performers of traditional blues in Europe. Since its formation in 1989, the band from Hildesheim / Germany has established itself as one of the top acts within the blues scene, with countless club and festival appearances all over Europe. With their swinging and shuffling brand of blues from the 1940's and 1950's, together with their own compositions in this style, they are among the most authentic blues bands active today. Whether covering lesser-known classics of the era or performing their own songs, B.B. & The Blues Shacks always show their respect of their idols, such as T-Bone Walker or Sonny Boy Williamson.

But at the same time, the Shacks are very much up to date, incorporating contemporary topics and recent events in their own songs, telling their own stories of today. Although their own compositions sound like they could have been written in the 50's, the imaginative lyrics and creative musical ideas make them sound fresh. www.bluesshacks.com .

The band has gathered essential experience by backing up many touring American blues acts such as R.J. Mischo, Kid Ramos and Smokey Wilson, contributing to the further development of their own mature musical expression. Besides their musical prowess, B.B. & The Blues Shacks are an exciting visual live act with a repertoire that encompasses Delta Blues, Swing, Chicago Blues, and West Coast Jump Blues, all the way to 50's style Rock 'n' Roll. This is music for all lovers of charged-up blues shows without any hackneyed clichés! Back to the essentials of electric blues with B.B. & The Blues Shacks!

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B.B. & The Blues Shacks se han convertido hoy en los más exitosos intérpretes de blues tradicional en Europa. Desde su formación en 1989, la banda de Hildesheim / Alemania se ha establecido como uno de los mejores actos dentro de la escena del blues, con innumerables apariciones en clubes y festivales en toda Europa. Con su estilo de blues de los años 40 y 50, junto con sus propias composiciones en este estilo, se encuentran entre las bandas de blues más auténticas que existen hoy en día. Ya sea cubriendo clásicos menos conocidos de la época o interpretando sus propias canciones, B.B. & The Blues Shacks siempre muestran su respeto por sus ídolos, como T-Bone Walker o Sonny Boy Williamson.

Pero al mismo tiempo, los Shacks están muy al día, incorporando temas contemporáneos y acontecimientos recientes en sus propias canciones, contando sus propias historias de hoy. Aunque sus propias composiciones suenan como si hubieran sido escritas en los años 50, las letras imaginativas y las ideas musicales creativas las hacen sonar frescas. www.bluesshacks.com .

La banda ha reunido una experiencia esencial al apoyar a muchos actos de blues americano en gira como R.J. Mischo, Kid Ramos y Smokey Wilson, contribuyendo al desarrollo de su propia expresión musical madura. Además de su destreza musical, B.B. & The Blues Shacks son un emocionante acto visual en vivo con un repertorio que abarca el Delta Blues, Swing, Chicago Blues, y West Coast Jump Blues, hasta el estilo de los 50's Rock 'n' Roll. Esta es música para todos los amantes de los espectáculos de blues cargados sin ningún cliché trillado! ¡Volvemos a lo esencial del blues eléctrico con B.B. & The Blues Shacks! 

 

Stan Getz • Stan Getz And The Oscar Peterson Trio

 

Review

In that quintessential breakthrough year of modern jazz -- 1957 -- Norman Granz was fond of pairing the legendary drummerless trio of Oscar Peterson with several different stars from the Jazz at the Philharmonic concert series. In this case, Stan Getz is the nominee, and Granz could not have found a better match for the pianist alongside his peerless combo than the ripe, mature, and bebopping tenor saxophonist. It was a one-shot deal, the only official collaboration between Getz and Peterson, expanded on this edition of the Silver Collection series with tracks from the complete session, with no alternate takes or bonus tracks and recorded entirely in monaural. Unlike Art Tatum -- who could never really restrain his notions to always cut loose -- Peterson sounds relatively relaxed on this date, understanding that Getz was also not going to shred up every tune they played. With guitarist Herb Ellis and bassist Ray Brown, the quartet members not only have all the rhythmic cohesion they need without a formal timekeeper, but interact in a way that approaches telepathic or magical. In short, the quartet is in the zone like few groups ever achieve in a studio setting. They zip through a bop-based edition of "I Want to Be Happy," a hopped-up adaptation of "Sweet Georgia Brown" titled "Tour's End," and the flawless "Three Little Words" like they are child's play. The strong Kansas City cum Texas-style guitar of Ellis cannot be denied during "Bronx Blues," while Getz reins in the countrified air of the jam in a laid-back but downtown fashion. During the great song (penned by Ellis) "Detour Ahead," heard here in an instrumental, post-Billie Holiday version, the ensemble shows ultimate flexibility, heightened by the tenor saxophonist's touching yet firm grasp of the melody. Aside from the closer, "Blues for Herky," with a choppy guitar from Ellis and a New Orleans-type feel, the rest of the material consists of ballads or midtempo cool tunes. This is where Peterson is most surprising, toning down his act, interpreting the songs with the precision of a diamond cutter, and using his acute listening skills to the fullest. Those bedazzled by the utter virtuosity of the pianist should listen more closely to this recording to hear how his taste level is as elevated as the monster technique he possesses. While "I Was Doing All Right" approaches a lounge sound, the five-tune "Ballad Medley" displays Peterson at his best, especially on his feature, "How Long Has This Been Going On." On this great album for the times and all time, these wonderful musicians are on from the word go, providing 60 priceless minutes of music that any mainstream jazz lover can embrace.

https://www.allmusic.com/album/stan-getz-and-the-oscar-peterson-trio-mw0000191869

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Reseña

En ese año de gran avance del jazz moderno, 1957, Norman Granz se encargó de emparejar al legendario trío sin batería de Oscar Peterson con varias estrellas de la serie de conciertos de Jazz en la Filarmónica. En este caso, Stan Getz es el nominado, y Granz no podría haber encontrado una mejor pareja para el pianista junto a su incomparable combo que el maduro, maduro y bebopping saxofonista tenor. Fue un acuerdo de una sola vez, la única colaboración oficial entre Getz y Peterson, ampliada en esta edición de la serie Silver Collection con temas de la sesión completa, sin tomas alternas ni bonus tracks y grabada totalmente en monaural. A diferencia de Art Tatum, que nunca pudo restringir sus nociones para siempre soltarse, Peterson suena relativamente relajado en esta fecha, entendiendo que Getz tampoco iba a destrozar cada canción que tocara. Con el guitarrista Herb Ellis y el bajista Ray Brown, los miembros del cuarteto no sólo tienen toda la cohesión rítmica que necesitan sin un cronómetro formal, sino que interactúan de una manera que se acerca a lo telepático o mágico. En resumen, el cuarteto está en la zona como pocos grupos logran en un estudio. Pasan por una edición basada en el bop de "I Want to Be Happy", una esperanzadora adaptación de "Sweet Georgia Brown" titulada "Tour's End", y las impecables "Three Little Words" como si fueran un juego de niños. La fuerte guitarra de Ellis al estilo Kansas City cum Texas no se puede negar durante el "Bronx Blues", mientras Getz se encarga del aire campestre de la mermelada de una manera relajada pero céntrica. Durante la gran canción (escrita por Ellis) "Detour Ahead", que se escucha aquí en una versión instrumental post-Billie Holiday, el conjunto muestra una flexibilidad definitiva, realzada por el conmovedor pero firme agarre de la melodía por parte del saxofonista tenor. Aparte del cierre, "Blues para Herky", con una guitarra entrecortada de Ellis y una sensación tipo New Orleans, el resto del material consiste en baladas o melodías frescas de medio tiempo. Aquí es donde Peterson es más sorprendente, bajando el tono de su actuación, interpretando las canciones con la precisión de un cortador de diamantes, y usando sus agudas habilidades de escucha al máximo. Aquellos deslumbrados por el virtuosismo del pianista deberían escuchar más de cerca esta grabación para oír cómo su nivel de gusto es tan elevado como la monstruosa técnica que posee. Mientras "I Was Doing All Right" se acerca a un sonido de salón, la "Ballad Medley" de cinco tonos muestra a Peterson en su mejor momento, especialmente en su artículo "How Long Has This Been Going On". En este gran álbum para la época y para siempre, estos maravillosos músicos están en marcha desde el principio, proporcionando 60 minutos de música que no tienen precio y que cualquier amante del jazz puede abrazar.

https://www.allmusic.com/album/stan-getz-and-the-oscar-peterson-trio-mw0000191869

Lightnin' Hopkinsː His Life and Blues

 

 By the time of his death in 1982, Sam “Lightnin’” Hopkins was likely the most recorded blues artist in history. This brilliant new biography--the first book ever written about him--illuminates the many contradictions of the man and his myth.

Born in 1912 to a poor sharecropping family in the cotton country between Dallas and Houston, Hopkins left home when he was only eight years old with a guitar his brother had given him. He made his living however he could, sticking to the open road, playing the blues, and taking odd jobs when money was short. This biography delves into Hopkins’s early years, exploring the myths surrounding his meetings with Blind Lemon Jefferson and Texas Alexander, his time on a chain gang, his relationships with women, and his lifelong appetite for gambling and drinking.

Hopkins didn’t begin recording until 1946, when he was dubbed “Lightnin’” during his first session, and he soon joined Muddy Waters and John Lee Hooker on the national R & B charts. But by the time he was “rediscovered” by Mack McCormick and Sam Charters in 1959, his popularity had begun to wane. A second career emerged--now Lightnin’ was pitched to white audiences, not black ones, and he became immensely successful, singing about his country roots and injustices that informed the civil rights era with a searing emotive power.

More than a decade in the making, this biography is based on scores of interviews with Lightnin’s lover, friends, producers, accompanists, managers, and fans.

 

  Alan Govenar (Author)

 

Lennie Tristano & The Boyd Raeburn Orchestra ‎• New Sounds In The Forties

 

Sandy Nelson • Let There Be Drums

 

 Sandy Nelson es un batería estadounidense. Nelson, uno de los baterías de rock más conocidos de la década de 1960, tuvo varios solistas instrumentales Top 40 hits y fue un batería de sesión de muchos otros éxitos conocidos, y grabando más de 30 álbumes.

Canción "Teen Beat" de Nelson subió al # 4 en las listas en 1959. Posteriormente firmó con el sello imperial y colocó dos canciones más en el Top 40 hits, "Let There Be Drums", que llegó al # 3 en el Reino Unido, y "Drums Are My Beat". Los tres eran instrumentales (una hazaña rara vez, o nunca, se repite).

Sander L Nelson nació el 1 de diciembre de 1938 en Santa Mónica, California. Asistió a la escuela secundaria con Jan Berry, Dean Torrence (que en conjunto se convirtió en Jan y Dean), y Kim Fowley. Después de ganar respeto como batería de estudio, tocó en canciones tan conocidas como "To Know Him Is To Love Him" (Phil Teddy Bears de Spector, 1958), "alley-oop" (The Hollywood Argyles, 1960), "A Thousand Stars"(Kathy Young y los Innocents, 1960) y más.

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 Sandy Nelson is an American drummer. Nelson, one of the best known rock drummers of the 1960s, had several Top 40 instrumental soloists and was a session drummer on many other well-known hits, and recording over 30 albums.

Nelson's song "Teen Beat" rose to #4 on the charts in 1959. He later signed with the Imperial label and placed two more songs in the Top 40 hits, "Let There Be Drums", which reached #3 in the UK, and "Drums Are My Beat". All three were instrumental (a feat rarely, if ever, repeated).

Sander L Nelson was born on December 1, 1938 in Santa Monica, California. He attended high school with Jan Berry, Dean Torrence (who together became Jan and Dean), and Kim Fowley. After gaining respect as a studio drummer, he played in such well-known songs as "To Know Him Is To Love Him" (Spector's Phil Teddy Bears, 1958), "alley-oop" (The Hollywood Argyles, 1960), "A Thousand Stars" (Kathy Young and the Innocents, 1960) and more.

Don Randi • Feelin' Like Blues + Where Do We Go From Here

To the late, great jazz critic, Leonard Feather, pianist Don Randi was an astonishing performer. He is capable of swinging furiously, has a death- defying technique and manages to combine his frantic excursions with an element of passionate communication that gives them much more than technical value. And, during the last months of 1960 the 23-year old brought these gifts to Hollywood s small club, The Losers, and kept a packed audience in a constant state of musical excitement with his well- integrated trio. There was an appealingly gutty strength to his playing that everyone could feel, with a basic, strong, honest feeling for the blues, while his originals such as Feelin Like Blues, Blues for Miti or Take Six augured well for him as a composer.

Though he soon became one of the busiest keyboard players in the recording business, jazz was not and is not the only string to his multi- skilled bow. After gaining some popularity he also became a bandleader and arranger for Phil Spector; today he is recognized as being one of the original contributors of the famous Phil Spector Wall of Sound effect heard on hits of the 1960s and 70s. Despite a long career in popular music, Randi, as Feather s testimony and these recordings demonstrate, was a formidable jazz talent when he chose to exercise it.

Biography

Don Randi (born Donald Schwartz, 25 February 1937) is an American keyboard player, bandleader and songwriter. He has performed on numerous recordings, including many as a session musician and member of the Wrecking Crew, as well as releasing his own jazz records.

Born in New York City and raised in the Catskill Mountains, he received a training in classical music. After his father's death, he and his mother moved to Los Angeles in 1954, and the following year he started work at a record distribution company where he heard and became influenced by jazz musicians, particularly Horace Silver. Don is Jewish.

He began his career as a professional pianist and keyboard player in 1956, gradually establishing a reputation as a leading session musician. In the early 1960s, he was a major contributor, as musician and arranger, to record producer Phil Spector's Wall of Sound. He also played piano on "These Boots Are Made For Walkin'", and every album by Nancy Sinatra as well as being a member of her touring band for decades, and the Beach Boys' "Good Vibrations". He claims to have played on over three hundred hit records, working with musicians such as Linda Ronstadt, Quincy Jones, Cannonball Adderley, Herb Alpert, Sarah Vaughan, and Frank Zappa. He recorded albums of piano jazz under his own name and as the leader of a trio with Leroy Vinnegar and Mel Lewis.[2] These included Feelin' Like Blues (1960), Where Do We Go From Here (1962), Last Night (1963), Revolver Jazz (1966), and Love Theme From "Romeo And Juliet" (1968).

Randi also wrote film scores during the 1970s, including Bloody Mama (1970), Up in the Cellar (1970), J. W. Coop (1972), Stacey (1973), and Santee (1973).

In 1970 he opened The Baked Potato jazz club in Studio City, California, and formed his own group, Don Randi and Quest, as the house band. The band have subsequently recorded over 15 albums and were nominated for a Grammy in 1980 for the album New Baby.

In 2010 The Baked Potato was named Best Jazz Club in Los Angeles magazine.

In 2008, as a member of the Wrecking Crew, Randi was inducted into the Hollywood RockWalk.

His daughter is musician Leah Randi.

Press reviews

"A longtime fixture in the Los Angeles area, Don Randi is best known as the proprietor of the North Hollywood club Baked Potato and for his longtime leadership of a popular fusion/crossover group, Quest. Raised in the Catskill Mountains of New York, Don Randi had classical music lessons for 13 years. He moved to the Los Angeles area in 1954. He then became a busy studio musician, appearing on and writing for a countless number of motion picture and television soundtracks, commercials, and pop albums. Randi recorded as a leader for World Pacific, Verve, Palomar, Reprise, Capitol, Poppy, Sheffield Lab, and Headfirst. Don Randi has continued to appear at the Baked Potato with Quest on a fairly regular basis, including a May 2010 show marking the club's 40th anniversary."

Scott Yanow -All Music Guide

"Recorded when he was a busy and much in-demand jazz pianist, these two trio sessions catch Randi at the top of his game. Solid support from Hemel and Stone on the first seven tracks suggests this might have been a regular working group. Certainly Randi had a long-running gig at the time at the Losers Club in Hollywood where he played to packed houses every night. He had a natural penchant for the blues and the samples here confirm that; Feelin Like, Ja-Da, Blues For Miti and T.J.s Blues all being good examples. Piano, bass and drums lock in together seamlessly to swing through Fallout, the notes tumbling out easily from the keyboard as the trio hit a strong groove.

Although highly talented as a jazz pianist, composer and bandleader, Randi was always involved in classical music and the more adventurous pop sounds; he was soon working for Phil Spector and a contributor to the Wall of Sound that became so admired in the 1960/70s. Blues For Miti mixed hard swing, blues chords and a liberal injection of gospel music.

There are eight more sterling tracks on the Where Do We Go LP, which used the upmarket combination of Vinnegar and the up and coming Mel Lewis. The pianist is still on great form although the natural, free flow seems to be missing. I suspect Lewis is the culprit; he swings hard and his time is spot on but he sounds very stiff and almost rigid at times. However, Vinnegar is on good form and together they produce an excellent 40-odd minutes of modern piano trio jazz."

Derek Ansell -May, 2014

Jazz Journal

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Para el difunto y gran crítico de jazz, Leonard Feather, el pianista Don Randi era un intérprete sorprendente. Es capaz de balancearse furiosamente, tiene una técnica que desafía a la muerte y logra combinar sus frenéticas excursiones con un elemento de comunicación apasionada que les da mucho más que valor técnico. Y, durante los últimos meses de 1960, el joven de 23 años trajo estos regalos al pequeño club de Hollywood, The Losers, y mantuvo a un público repleto en un constante estado de excitación musical con su bien integrado trío. Su forma de tocar tenía una fuerza atractiva y cobarde que todo el mundo podía sentir, con un sentimiento básico, fuerte y honesto por el blues, mientras que sus originales como Feelin Like Blues, Blues for Miti o Take Six eran un buen augurio para él como compositor.

Aunque pronto se convirtió en uno de los teclistas más ocupados en el negocio de la grabación, el jazz no fue ni es la única cuerda de su arco multihabilidades. Después de ganar algo de popularidad, también se convirtió en director de banda y arreglista de Phil Spector; hoy en día se le reconoce como uno de los contribuyentes originales del famoso efecto de pared de sonido de Phil Spector que se escucha en los éxitos de los años 60 y 70. A pesar de una larga carrera en la música popular, Randi, como lo demuestra el testimonio de Feather y estas grabaciones, era un formidable talento del jazz cuando eligió ejercerlo.

Biografía

Don Randi (nacido Donald Schwartz, 25 de febrero de 1937) es un teclista, director de banda y compositor estadounidense. Ha participado en numerosas grabaciones, entre ellas muchas como músico de sesión y miembro del Wrecking Crew, así como en la publicación de sus propios discos de jazz.

Nacido en la ciudad de Nueva York y criado en las montañas Catskill, recibió una formación en música clásica[2]. Tras la muerte de su padre, él y su madre se trasladaron a Los Ángeles en 1954, y al año siguiente empezó a trabajar en una compañía de distribución de discos donde escuchó y se influenció por los músicos de jazz, en particular por Horace Silver.

Comenzó su carrera como pianista profesional y teclista en 1956, estableciendo gradualmente una reputación como músico de sesión líder. A principios de la década de 1960, fue uno de los principales colaboradores, como músico y arreglista, del productor discográfico Phil Spector's Wall of Sound. También tocó el piano en "These Boots Are Made For Walkin'", y en todos los álbumes de Nancy Sinatra, además de ser miembro de su banda de gira durante décadas, y en "Good Vibrations" de los Beach Boys[3]. Afirma haber tocado en más de trescientos discos de éxito, trabajando con músicos como Linda Ronstadt, Quincy Jones, Cannonball Adderley, Herb Alpert, Sarah Vaughan y Frank Zappa.3] Grabó discos de jazz en piano bajo su propio nombre y como líder de un trío con Leroy Vinnegar y Mel Lewis[2], entre ellos Feelin' Like Blues (1960), Where Do We Go From Here (1962), Last Night (1963), Revolver Jazz (1966) y Love Theme From "Romeo y Julieta" (1968).

Randi también escribió partituras para películas durante la década de 1970, incluyendo Bloody Mama (1970), Up in the Cellar (1970), J. W. Coop (1972), Stacey (1973), y Santee (1973).

En 1970 abrió el club de jazz The Baked Potato en Studio City, California, y formó su propio grupo, Don Randi and Quest, como la banda de la casa. Posteriormente, la banda ha grabado más de 15 álbumes y fue nominada a un Grammy en 1980 por el álbum New Baby.

En 2010 The Baked Potato fue nombrado Mejor Club de Jazz por la revista Los Angeles.

En 2008, como miembro del Wrecking Crew, Randi fue admitido en el Hollywood RockWalk.

Su hija es la músico Leah Randi.

Reseñas de prensa

"Don Randi, un veterano de la zona de Los Ángeles, es más conocido como el propietario del club Baked Potato de North Hollywood y por su larga trayectoria al frente de un popular grupo de fusión/cruzamiento, Quest. Criado en las Montañas Catskill de Nueva York, Don Randi recibió clases de música clásica durante 13 años. Se mudó al área de Los Ángeles en 1954. Luego se convirtió en un músico de estudio muy ocupado, apareciendo y escribiendo para un sinnúmero de bandas sonoras de películas y televisión, comerciales y álbumes pop. Randi grabó como líder para World Pacific, Verve, Palomar, Reprise, Capitol, Poppy, Sheffield Lab y Headfirst. Don Randi ha seguido apareciendo en el Baked Potato with Quest con bastante regularidad, incluyendo un show en mayo de 2010 que marca el 40 aniversario del club".

Scott Yanow - Guía de toda la música

"Grabadas cuando era un pianista de jazz muy ocupado y muy solicitado, estas dos sesiones de trío atrapan a Randi en su mejor momento. El sólido apoyo de Hemel y Stone en los primeros siete temas sugiere que este podría haber sido un grupo de trabajo regular. Ciertamente Randi tenía una larga trayectoria en el Club de los Perdedores en Hollywood, donde tocaba todas las noches en casas llenas. Tenía una afición natural por el blues y las muestras de aquí lo confirman; Feelin Like, Ja-Da, Blues For Miti y T.J.s Blues son todos buenos ejemplos. El piano, el bajo y la batería se unen a la perfección para moverse a través de Fallout, las notas salen fácilmente del teclado mientras el trío se mueve con fuerza.

Aunque tiene mucho talento como pianista de jazz, compositor y director de banda, Randi siempre estuvo involucrado en la música clásica y en los sonidos más aventureros del pop; pronto trabajó para Phil Spector y colaboró en el Wall of Sound que tanto se admiró en los años 60/70. Blues For Miti mezcló hard swing, acordes de blues y una inyección liberal de música gospel.

Hay ocho temas más de calidad en el LP Where Do We Go, en el que se utilizó la combinación de alta calidad de Vinnegar y la prometedora Mel Lewis. El pianista sigue en plena forma, aunque parece faltar el flujo natural y libre. Sospecho que Lewis es el culpable; se balancea con fuerza y su tiempo es puntual pero suena muy rígido y casi rígido a veces. Sin embargo, Vinnegar está en buena forma y juntos producen unos excelentes 40 y pico minutos de jazz de trío de piano moderno".

Derek Ansell -Mayo, 2014

Revista de Jazz

VA • Big Deal! Weinberger Funk Library UK 1975-1979

Killer funk compilation full of highlights from the music archives of Josef Weinberger Ltd. in London, pulled from the most famous library albums on labels like JW (Josef Weinberger/ Theme Music), IA (Impress) or PM (Programme Music). First selection of 16 lost tracks by Toni Campo, Midas Touch, Trevor Bastow, Sidney Dale or Vick Flick, oscillating between jazz-funk, soul music, proto techno and eastern-tinged disco, with open drum breaks, fat bass lines and plenty of horns/ wah wah/ organs/ vibes/ flutes/ electronic effects. Recorded from the master tapes, restored and mastered 2016 for 6-Page-Digipack-CD and limited vinyl LP, comparable to the best works of KPM, De Wolfe or Bosworth.

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Recopilación funk asesina llena de momentos culminantes de los archivos musicales de Josef Weinberger Ltd. en Londres, extraídos de los más famosos álbumes de biblioteca de sellos como JW (Josef Weinberger/Theme Music), IA (Impress) o PM (Programme Music). Primera selección de 16 temas perdidos de Toni Campo, Midas Touch, Trevor Bastow, Sidney Dale o Vick Flick, que oscilan entre el jazz-funk, la música soul, el proto techno y la música disco con tintes orientales, con breaks abiertos de batería, líneas de bajo gordas y un montón de trompetas/ wah wah/ órganos/ vibráfonos/ flautas/ efectos electrónicos. Grabado a partir de las cintas maestras, restaurado y masterizado en 2016 para 6-Page-Digipack-CD y LP de vinilo limitado, comparable a los mejores trabajos de KPM, De Wolfe o Bosworth.

 

 

Jimmy Smith • Go For Whatcha Know

 

 

 

Cal Tjader & Charlie Byrd • Tambu

 

Review by Richard S. Ginell

Still trying to stay in tune with the Seventies, Cal Tjader joins forces with another refugee from another time, guitarist Charlie Byrd, for an album of contemporary Brazilian-flavored jazz. The alliance is forged mostly on Byrd's terms, with bossa nova, samba and percussive displays from Brazil's interior dominating the grooves. This time, after proving very adaptable to previous experiments, Tjader seems to be out in the cold in these settings, and he lays out a lot more often than usual on this album. Byrd rides along in his gentle, prickly-toned manner on acoustic and electric guitars, and the rhythm section shifts personnel and instruments from track to track. Yet oddly enough, this is still a musically rich feast. Electric pianist Mike Wolff's "Samba de Oneida" is a marvelously propulsive samba, and "Tereza My Love," one of Antonio Carlos Jobim's most attractive sleepers, is given a lovely rendition. The title track, written by Airto Moreira, is given an authentic, rambunctious Airto-style treatment, very much up-to-date, but Cal doesn't sound totally comfortable with the rhythm on vibes, spending most of his time on timbales. Even though this isn't prime Tjader, the overall quality of the music makes it a winner.

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Reseña de Richard S. Ginell

Aún tratando de mantenerse en sintonía con los años setenta, Cal Tjader une fuerzas con otro refugiado de otro tiempo, el guitarrista Charlie Byrd, para un álbum de jazz contemporáneo con sabor brasileño. La alianza se forja principalmente en los términos de Byrd, con la bossa nova, la samba y la percusión del interior de Brasil dominando los ritmos. Esta vez, después de haber demostrado ser muy adaptable a experimentos anteriores, Tjader parece estar en el frío en estos escenarios, y se presenta mucho más a menudo de lo habitual en este álbum. Byrd se mueve en su manera suave y espinosa en guitarras acústicas y eléctricas, y la sección rítmica cambia el personal y los instrumentos de una pista a otra. Sin embargo, curiosamente, esta es una fiesta rica en música. La "Samba de Oneida" del pianista eléctrico Mike Wolff es una samba maravillosamente propulsora, y "Tereza My Love", uno de los durmientes más atractivos de Antonio Carlos Jobim, recibe una encantadora interpretación. El tema del título, escrito por Airto Moreira, recibe un auténtico y bullicioso tratamiento al estilo Airto, muy actual, pero Cal no se siente totalmente cómodo con el ritmo de las vibraciones, pasando la mayor parte de su tiempo en los timbales. Aunque no se trata de un Tjader de primera, la calidad general de la música lo convierte en un ganador.

Joe Henderson • In Japan

 

Biography by Scott Yanow
Joe Henderson is proof that jazz can sell without watering down the music; it just takes creative marketing. Although his sound and style were virtually unchanged from the mid-'60s, Joe Henderson's signing with Verve in 1992 was treated as a major news event by the label (even though he had already recorded many memorable sessions for other companies). His Verve recordings had easy-to-market themes (tributes to Billy Strayhorn, Miles Davis, and Antonio Carlos Jobim) and, as a result, he became a national celebrity and a constant poll winner while still sounding the same as when he was in obscurity in the 1970s.

The general feeling is that it couldn't have happened to a more deserving jazz musician. After studying at Kentucky State College and Wayne State University, Joe Henderson played locally in Detroit before spending time in the military (1960-1962). He played briefly with Jack McDuff and then gained recognition for his work with Kenny Dorham (1962-1963), a veteran bop trumpeter who championed him and helped Henderson get signed to Blue Note. Henderson appeared on many Blue Note sessions both as a leader and as a sideman, spent 1964-1966 with Horace Silver's Quintet, and during 1969-1970 was in Herbie Hancock's band. From the start, he had a very distinctive sound and style which, although influenced a bit by both Sonny Rollins and John Coltrane, also contained a lot of brand new phrases and ideas. Henderson had long been able to improvise in both inside and outside settings, from hard bop to freeform. In the 1970s, he recorded frequently for Milestone and lived in San Francisco, but was somewhat taken for granted. The second half of the 1980s found him continuing his freelancing and teaching while recording for Blue Note, but it was when he hooked up with Verve that he suddenly became famous. Virtually all of his recordings are currently in print on CD, including a massive collection of his neglected (but generally rewarding) Milestone dates. On June 30, 2001, Joe Henderson passed away due to heart failure after a long battle with emphysema.
https://www.allmusic.com/artist/joe-henderson-mn0000139804/biography

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Biografía de Scott Yanow
Joe Henderson es la prueba de que el jazz puede venderse sin diluir la música; sólo hace falta un marketing creativo. Aunque su sonido y su estilo no han cambiado prácticamente desde mediados de los años 60, el fichaje de Joe Henderson por Verve en 1992 fue tratado como un gran acontecimiento por la discográfica (a pesar de que ya había grabado muchas sesiones memorables para otras compañías). Sus grabaciones para Verve tenían temas fáciles de comercializar (homenajes a Billy Strayhorn, Miles Davis y Antonio Carlos Jobim) y, como resultado, se convirtió en una celebridad nacional y en un constante ganador de encuestas mientras seguía sonando igual que cuando estaba en la oscuridad en los años 70.

El sentimiento general es que no podría haberle ocurrido a un músico de jazz más meritorio. Tras estudiar en el Kentucky State College y en la Wayne State University, Joe Henderson tocó a nivel local en Detroit antes de pasar por el ejército (1960-1962). Tocó brevemente con Jack McDuff y luego ganó reconocimiento por su trabajo con Kenny Dorham (1962-1963), un veterano trompetista de bop que lo defendió y ayudó a Henderson a firmar con Blue Note. Henderson apareció en muchas sesiones de Blue Note como líder y como acompañante, pasó de 1964 a 1966 con el Quinteto de Horace Silver, y durante 1969-1970 estuvo en la banda de Herbie Hancock. Desde el principio, tenía un sonido y un estilo muy característicos que, aunque estaban un poco influenciados por Sonny Rollins y John Coltrane, también contenían muchas frases e ideas nuevas. Henderson llevaba mucho tiempo siendo capaz de improvisar tanto en ambientes interiores como exteriores, desde el hard bop hasta el freeform. En la década de 1970, grabó con frecuencia para Milestone y vivió en San Francisco, pero se le daba por descontado. En la segunda mitad de los años 80 continuó trabajando como freelance y dando clases mientras grababa para Blue Note, pero fue cuando se unió a Verve cuando se hizo famoso de repente. En la actualidad, casi todas sus grabaciones se encuentran en CD, incluida una enorme colección de sus olvidadas (pero generalmente gratificantes) fechas de Milestone. El 30 de junio de 2001, Joe Henderson falleció debido a un fallo cardíaco tras una larga batalla contra el enfisema.
https://www.allmusic.com/artist/joe-henderson-mn0000139804/biography

www.bluenote.com/joe-henderson ...
 

 Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Berry Lipman & His Orchestra ⁄ Rex Brown Company • Season Opening

Berry Lipman a.k.a. Friedel Berlipp (1921 — 2016) was since 1955 active as in-house composer and band leader for the record label EMI, working for Gitte, Chris Howland, Lale Andersen, Cliff Richard, Charles Aznavour, Dalida and many more.

In 1964 he switched as head producer over to Deutsche Vogue where he produced among others Petula Clark, Pat Boone, Billy Vaughn, Dionne Warwick and Jonny Teupen.

And in 1967 he finally became a freelance music producer and founded the Berry Lipman Orchester in there some great European musicians like Charly Antolini or Jiggs Whigham for example. Very successful with their mostly very easy Lounge-Pop sounds like The orchestra’s biggest hit THE GIRLS FROM PARAMARIBO composed by Berry Lipman. He also worked for Selected Sound, the Hamburg based German library company and on this album Berry Lipman shows his full spectrum between the typical easy female LALALA vocal stuff, really thrilling Library Music and some nice n’ groovy Disco tunes.

by whatiswrongwithgrooving

https://whatiswrongwithgrooving.com/2018/02/23/berry-lipman-his-orchestra-rex-brown-company-season-opening/

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Berry Lipman alias Friedel Berlipp (1921 - 2016) estuvo activo desde 1955 como compositor y líder de banda para el sello discográfico EMI, trabajando para Gitte, Chris Howland, Lale Andersen, Cliff Richard, Charles Aznavour, Dalida y muchos más.

En 1964 cambió como productor jefe a Deutsche Vogue donde produjo entre otros a Petula Clark, Pat Boone, Billy Vaughn, Dionne Warwick y Jonny Teupen.

Y en 1967 se convirtió finalmente en productor musical independiente y fundó la Berry Lipman Orchester en la que participaron grandes músicos europeos como Charly Antolini o Jiggs Whigham, por ejemplo. Muy exitosos con su Lounge-Pop, en su mayoría muy fácil, suena como el mayor éxito de la orquesta, THE GIRLS FROM PARAMARIBO, compuesto por Berry Lipman. También trabajó para Selected Sound, la compañía alemana de bibliotecas con sede en Hamburgo y en este álbum Berry Lipman muestra todo su espectro entre el típico material vocal femenino fácil de LALALA, realmente emocionante Library Music y algunas agradables y groovy melodías de Disco.

por whatiswrongwithgrooving

https://whatiswrongwithgrooving.com/2018/02/23/berry-lipman-his-orchestra-rex-brown-company-season-opening/

Bill Jennings & Jack McDuff • Glide On

To most readers Brother Jack is probably the more recognizable name on this double billing disc. Jennings was something of an obscurity even when these sessions were originally released, but not because of a lack of talent. His easy, blues-based style and clean touch on the strings contrast his anonymity and describe a musician who really wasn’t ever afforded his due. Fortunately the recordings gathered here allow a generous glimpse into the state of his art when he was at the height of his game. Having McDuff on the team definitely doesn’t hurt his closing score either.

The first half of the disc features a quartet with Marshall and Johnson rounding out the sound on bass and drums respectively. Marshall’s inclusion is a welcome surprise given the tendency of organ combos to eschew the presence of string bass and he lends his fingers the task of sculpting a flexible bottom end for the group while at the same time emancipating McDuff from the bass pedals. The four players dance nimbly across a loose program of originals and covers and the emphasis is always on forward motion. McDuff’s organ style was among the most dynamic on the instrument and he incorporated a thorough understanding of acoustics with a prodigious facility for effects. On these dates he manages to show off his consummate technique while still allowing Jennings the space to do the same. In the disc’s liners the guitarist admits an affection for the saxophone and his clipped phrasing on his strings bears this preference out at times mimicking staccato horn figures. Highlights of the session include the luminescent “Volare” and the noirish blues of the title track.

Session number two adds Jenning’s brother Al who sits in with the quartet on vibes, and on “Billin’ and Bluin’,” guitar. McDuff also switches instruments on this piece providing an uncommon chance to hear him behind the piano. His light touch at the acoustic keys blends smoothly with the Jennings brothers’ rustic chords and Johnson’s burlesque beat and stands in bold contrast to the burly bravado of his introduction to “Azure-Te.” Elongated and breezy, “Cole Slaw” offers little of the sour aftertaste referenced by its title and the five men use the tune’s plush contours to really stretch out. The R&B staple “Hey Miss Jones” scores the final point at the buzzer with a brisk pace and economical delivery. Jennings’ maybe be a forgotten footnote today, but after listening to this disc it’s easy to imagine that he had his moment in the limelight shortly after these sessions hit the record shops.

By DEREK TAYLOR

https://www.allaboutjazz.com/glide-on-bill-jennings-prestige-records-review-by-derek-taylor.php

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Para la mayoría de los lectores el hermano Jack es probablemente el nombre más reconocible en este disco de doble factura. Jennings era una especie de oscuridad incluso cuando estas sesiones fueron originalmente lanzadas, pero no por falta de talento. Su estilo fácil, basado en el blues y el toque limpio de las cuerdas contrasta con su anonimato y describe a un músico que realmente nunca se le dio su merecido. Afortunadamente las grabaciones reunidas aquí permiten un generoso vistazo al estado de su arte cuando estaba en la cima de su juego. Tener a McDuff en el equipo definitivamente tampoco perjudica su puntuación final.

La primera mitad del disco cuenta con un cuarteto en el que Marshall y Johnson completan el sonido del bajo y la batería respectivamente. La inclusión de Marshall es una grata sorpresa dada la tendencia de los combos de órganos a evitar la presencia del bajo de cuerda y presta sus dedos a la tarea de esculpir un extremo inferior flexible para el grupo mientras que al mismo tiempo emancipa a McDuff de los pedales del bajo. Los cuatro jugadores bailan ágilmente a través de un programa suelto de originales y portadas y el énfasis está siempre en el movimiento hacia adelante. El estilo de órgano de McDuff estaba entre los más dinámicos del instrumento e incorporó un profundo conocimiento de la acústica con una prodigiosa facilidad para los efectos. En estas fechas se las arregla para mostrar su consumada técnica mientras que aún le permite a Jennings el espacio para hacer lo mismo. En los forros del disco el guitarrista admite un afecto por el saxofón y su fraseo recortado en las cuerdas lleva esta preferencia a veces imitando las figuras de los cuernos de staccato. Lo más destacado de la sesión incluye el luminiscente "Volare" y los azules noirish de la pista del título.

La segunda sesión añade al hermano de Jenning, Al, que se sienta con el cuarteto en las vibras y en la guitarra "Billin' and Bluin'". McDuff también cambia de instrumento en esta pieza, lo que le da una oportunidad poco común de escucharlo detrás del piano. Su toque ligero en las teclas acústicas se mezcla suavemente con los acordes rústicos de los hermanos Jennings y el ritmo burlesco de Johnson y contrasta con la bravuconada de su introducción a "Azure-Te". Alargada y alegre, "Cole Slaw" ofrece poco del regusto agrio al que hace referencia su título y los cinco hombres utilizan los contornos de la melodía para estirarse de verdad. La grapa de R&B "Hey Miss Jones" marca el último punto en el timbre con un ritmo rápido y una entrega económica. Jennings puede ser una nota a pie de página olvidada hoy, pero después de escuchar este disco es fácil imaginar que tuvo su momento en el centro de atención poco después de que estas sesiones llegaran a las tiendas de discos.

Por DEREK TAYLOR

https://www.allaboutjazz.com/glide-on-bill-jennings-prestige-records-review-by-derek-taylor.php

 

 

 

J.R. Monterose • T.T.T

 

Biography
by Scott Yanow

J.R. Monterose (not to be confused with fellow tenor Jack Montrose) is most famous for a gig that he personally did not enjoy, playing with Charles Mingus in 1956 and recording on Mingus' breakthrough album Pithecanthropus Erectus. He grew up in Utica, NY, played in territory bands in the Midwest, and then moved to New York City in the early '50s. Monterose played with Buddy Rich (1952) and Claude Thornhill and recorded with (among others) Teddy Charles, Jon Eardley, and Eddie Bert. After leaving Mingus (whom he did not get along with), Monterose played with Kenny Dorham's Jazz Prophets and recorded a strong set for Blue Note as a leader. Although he performed into the 1980s (doubling on soprano in later years), Monterose never really became famous. In addition to his Blue Note date, he led sets for Jaro (a 1959 session later reissued by Xanadu), Studio 4 (which was reissued by V.S.O.P.), a very obscure 1969 outing for the Dutch label Heavy Soul Music (1969), and, during 1979-1981, albums for Progressive, Cadence, and two for Uptown.

https://www.allmusic.com/artist/jr-monterose-mn0000117136/biography

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Biografía
por Scott Yanow

J.R. Monterose (no hay que confundirlo con el tenor Jack Montrose) es más famoso por una actuación que no disfrutó personalmente, tocar con Charles Mingus en 1956 y grabar en el álbum pionero de Mingus, Pithecanthropus Erectus. Creció en Utica (Nueva York), tocó en bandas territoriales en el Medio Oeste y luego se trasladó a Nueva York a principios de los años 50. Monterose tocó con Buddy Rich (1952) y Claude Thornhill y grabó con (entre otros) Teddy Charles, Jon Eardley y Eddie Bert. Después de dejar a Mingus (con quien no se llevaba bien), Monterose tocó con los Jazz Prophets de Kenny Dorham y grabó un sólido conjunto para Blue Note como líder. Aunque actuó hasta la década de 1980 (doblando como soprano en años posteriores), Monterose nunca llegó a ser realmente famoso. Además de su fecha en Blue Note, dirigió conjuntos para Jaro (una sesión de 1959 que luego fue reeditada por Xanadu), Studio 4 (que fue reeditado por V.S.O.P.), una salida muy oscura de 1969 para el sello holandés Heavy Soul Music (1969), y, durante 1979-1981, álbumes para Progressive, Cadence, y dos para Uptown.

https://www.allmusic.com/artist/jr-monterose-mn0000117136/biography

Bob Thiele & Gabor Szabo • Light My Fire

 

Light My Fire is an album by Hungarian jazz guitarist Gábor Szabó and American record producer Bob Thiele featuring performances recorded in 1967 for the Impulse! label.

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Light My Fire es un álbum del guitarrista de jazz húngaro Gábor Szabó y del productor discográfico estadounidense Bob Thiele con actuaciones grabadas en 1967 para el sello Impulse!

 

 

The Hi-Fly Orchestra • Samboogaloo

The High-Fly Orchestra was founded in 2005 by Jerker Kluge and Florian Riedl. Though played by young musicians, who are influenced by all kinds of todays music, the intent was to create music that sounds as hip as the classic jazz records of the blue note era.

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La High-Fly Orchestra fue fundada en 2005 por Jerker Kluge y Florian Riedl. Aunque tocado por músicos jóvenes, que están influenciados por todo tipo de música de hoy, la intención era crear música que sonara tan moderna como los discos clásicos de jazz de la era de blue note.

Barney Kessel • Bluesology

 

Biography

One of the finest guitarists to emerge after the death of Charlie Christian, Barney Kessel was a reliable bop soloist throughout his career. He played with a big band fronted by Chico Marx (1943), was fortunate enough to appear in the classic jazz short Jammin' the Blues (1944), and then worked with the big bands of Charlie Barnet (1944-1945) and Artie Shaw (1945); he also recorded with Shaw's Gramercy Five. Kessel became a busy studio musician in Los Angeles, but was always in demand for jazz records. He toured with the Oscar Peterson Trio for one year (1952-1953) and then, starting in 1953, led an impressive series of records for Contemporary that lasted until 1961 (including several with Ray Brown and Shelly Manne in a trio accurately called the Poll Winners). After touring Europe with George Wein's Newport All-Stars (1968), Kessel lived in London for a time (1969-1970). In 1973, he began touring and recording with the Great Guitars, a group also including Herb Ellis and Charlie Byrd. A serious stroke in 1992 put Barney Kessel permanently out of action, but many of his records (which include dates for Onyx, Black Lion, Sonet, and Concord, in addition to many of the Contemporaries) are available, along with several video collections put out by Vestapol. Kessel was diagnosed with inoperable cancer in 2001, which eventually took his life in May of 2004. He was 80 years old. ~ Scott Yanow

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Biografía

Uno de los mejores guitarristas que surgieron después de la muerte de Charlie Christian, Barney Kessel fue un solista de bop fiable durante toda su carrera. Tocó con una gran banda liderada por Chico Marx (1943), tuvo la suerte de aparecer en el corto clásico de jazz Jammin' the Blues (1944), y luego trabajó con las grandes bandas de Charlie Barnet (1944-1945) y Artie Shaw (1945); también grabó con Shaw's Gramercy Five. Kessel se convirtió en un músico de estudio muy ocupado en Los Ángeles, pero siempre tuvo demanda de discos de jazz. Realizó una gira con el Oscar Peterson Trio durante un año (1952-1953) y luego, a partir de 1953, dirigió una impresionante serie de discos para Contemporary que duró hasta 1961 (incluidos varios con Ray Brown y Shelly Manne en un trío llamado precisamente los Poll Winners). Después de recorrer Europa con el Newport All-Stars de George Wein (1968), Kessel vivió en Londres durante un tiempo (1969-1970). En 1973, comenzó a hacer giras y grabaciones con los Great Guitars, un grupo que también incluía a Herb Ellis y Charlie Byrd. Un grave derrame cerebral en 1992 dejó a Barney Kessel permanentemente fuera de combate, pero muchos de sus discos (que incluyen fechas de Onyx, Black Lion, Sonet y Concord, además de muchos de los Contemporáneos) están disponibles, junto con varias colecciones de vídeo publicadas por Vestapol. A Kessel se le diagnosticó un cáncer inoperable en 2001, que finalmente le quitó la vida en mayo de 2004. Tenía 80 años de edad. ~ Scott Yanow

VA • Girl From Ipanema-The Antonio Carlos Jobim Songbook

 

Review
by Richard S. Ginell
The first of several tribute albums issued just after Antonio Carlos Jobim's death, this one generally sticks to his most famous songs as interpreted by several Brazilian and American artists from PolyGram's archives. Jobim himself appears on such obvious choices as the best-selling Stan Getz, João Gilberto, and Astrud Gilberto hit "The Girl from Ipanema," and with Astrud on "Agua de Beber" and "Dindi," and again with Elis Regina on an "Aguas de Marco" that nearly breaks up with laughter. The American contributions are a mixed bag; Sarah Vaughan's "Corcovado," for example, is rather inappropriately overwrought but Wes Montgomery's "Insensatez" is a beautiful recording, with Jobim's favored arranger, Claus Ogerman, in top wistful form. The other jazzers on the CD are Billy Eckstine, Ella Fitzgerald, Oscar Peterson, Shirley Horn, and Dizzy Gillespie, proving that Jobim's timelessly aching music attracted quite a diverse cross-section of admirers.
https://www.allmusic.com/album/the-girl-from-ipanema-the-antonio-carlos-jobim-songbook-mw0000172666

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Reseña
por Richard S. Ginell
El primero de varios álbumes de homenaje publicados justo después de la muerte de Antonio Carlos Jobim, se ciñe en general a sus canciones más famosas interpretadas por varios artistas brasileños y estadounidenses de los archivos de PolyGram. El propio Jobim aparece en opciones tan obvias como el éxito de Stan Getz, João Gilberto y Astrud Gilberto "The Girl from Ipanema", y con Astrud en "Agua de Beber" y "Dindi", y de nuevo con Elis Regina en un "Aguas de Marco" que casi se rompe de risa. Las contribuciones americanas son un conjunto mixto; "Corcovado" de Sarah Vaughan, por ejemplo, es más bien inapropiadamente exagerado, pero "Insensatez" de Wes Montgomery es una hermosa grabación, con el arreglista favorito de Jobim, Claus Ogerman, en la mejor forma melancólica. Los otros jazzistas que aparecen en el CD son Billy Eckstine, Ella Fitzgerald, Oscar Peterson, Shirley Horn y Dizzy Gillespie, lo que demuestra que la música intemporal de Jobim atrajo a una gran variedad de admiradores.
https://www.allmusic.com/album/the-girl-from-ipanema-the-antonio-carlos-jobim-songbook-mw0000172666

The Classical Jazz Quartet • Play Tchaikovsky

Review:

Jazz renditions of classical compositions go way back -- even before jazz, actually, when the procedure was called "ragging the classics." Tchaikovsky has been friendly territory for jazz players from the start with his great self-contained tunes. The Classical Jazz Quartet -- Kenny Barron on piano, Ron Carter on bass, Stefon Harris on vibraphone and marimba, and Lewis Nash on drums -- takes up where the Modern Jazz Quartet of the 1950s left off. This disc was originally released as The Nutcracker Suite; it now reappears as part of a series of CJQ discs, each devoted to a different composer. This entire disc is based on Tchaikovsky's The Nutcracker, whose famous tunes each serve as a basis for a variety of post-bop modern jazz improvisations. Tchaikovsky works as well for this purpose as would popular song melodies (for several of which his music has already served as the source, anyhow). A special pleasure is the vibraphone "Dance of the Mirlitons," (here titled "Mirlitonova"), in which Harris comes to the fore with a strong evocation of the style of Milt Jackson of the Modern Jazz Quartet. With the caveat for classical purists that this is a jazz disc rather than a jazz-flavored performance of Tchaikovsky, this is fusion music that anyone can enjoy at holiday time.

by James Manheim

https://www.allmusic.com/album/the-classical-jazz-quartet-play-tchaikovsky-mw0000016614

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Reseña:

Las interpretaciones de jazz de las composiciones clásicas se remontan a mucho tiempo atrás... incluso antes del jazz, en realidad, cuando el procedimiento se llamaba "ragging the classics". Tchaikovsky ha sido un territorio amigable para los jazzistas desde el principio con sus grandes melodías autónomas. El Cuarteto de Jazz Clásico -- Kenny Barron en el piano, Ron Carter en el bajo, Stefon Harris en el vibráfono y la marimba, y Lewis Nash en la batería -- continúa donde lo dejó el Cuarteto de Jazz Moderno de los años 50. Este disco fue originalmente lanzado como The Nutcracker Suite; ahora reaparece como parte de una serie de discos CJQ, cada uno dedicado a un compositor diferente. Todo este disco está basado en El Cascanueces de Tchaikovsky, cuyas famosas melodías sirven de base para una variedad de improvisaciones de jazz moderno post-bop. Tchaikovsky trabaja tan bien para este propósito como lo harían las melodías de canciones populares (para varias de las cuales su música ya ha servido como fuente, de todos modos). Un placer especial es el vibráfono "Dance of the Mirlitons", (aquí titulado "Mirlitonova"), en el que Harris se destaca con una fuerte evocación del estilo de Milt Jackson del Cuarteto de Jazz Moderno. Con la advertencia para los puristas clásicos de que este es un disco de jazz en lugar de una interpretación con sabor a jazz de Tchaikovsky, esta es la música de fusión que cualquiera puede disfrutar en tiempo de vacaciones.

por James Manheim

https://www.allmusic.com/album/the-classical-jazz-quartet-play-tchaikovsky-mw0000016614

Ray Bryant Trio • Potpourri

Artist Biography by Scott Yanow

Although he could always play bop, Ray Bryant's playing combined together older elements (including blues, boogie-woogie, gospel, and even stride) into a distinctive, soulful, and swinging style; no one played "After Hours" quite like him. The younger brother of bassist Tommy Bryant and the uncle of Kevin and Robin Eubanks (his sister is their mother), Bryant started his career playing with Tiny Grimes in the late '40s. He became the house pianist at The Blue Note in Philadelphia in 1953, where he backed classic jazz greats (including Charlie Parker, Miles Davis, and Lester Young) and made important contacts. He accompanied Carmen McRae (1956-1957), recorded with Coleman Hawkins and Roy Eldridge at the 1957 Newport Jazz Festival (taking a brilliant solo on an exciting version of "I Can't Believe That You're in Love with Me"), and played with Jo Jones' trio (1958). Bryant settled in New York in 1959; played with Sonny Rollins, Charlie Shavers, and Curtis Fuller; and soon had his own trio. He had a few funky commercial hits (including "Little Susie" and "Cubano Chant") that kept him working for decades. Bryant recorded often throughout his career (most notably for Epic, Prestige, Columbia, Sue, Cadet, Atlantic, Pablo, and Emarcy), and even his dates on electric piano in the '70s are generally rewarding. However, Bryant was heard at his best when playing the blues on unaccompanied acoustic piano. After a lengthy illness, Ray Bryant died in Queens, New York on June 2, 2011; he was 79 years old.

 

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Biografía del artista por Scott Yanow

Aunque siempre pudo tocar bop, Ray Bryant combinó elementos antiguos (incluyendo blues, boogie-woogie, gospel, e incluso stride) en un estilo distintivo, conmovedor y de swing; nadie tocó "After Hours" como él. Hermano menor del bajista Tommy Bryant y tío de Kevin y Robin Eubanks (su hermana es su madre), Bryant comenzó su carrera tocando con Tiny Grimes a finales de los años 40. En 1953 se convirtió en el pianista de casa de The Blue Note en Filadelfia, donde apoyó a los grandes del jazz clásico (incluyendo a Charlie Parker, Miles Davis y Lester Young) e hizo importantes contactos. Acompañó a Carmen McRae (1956-1957), grabó con Coleman Hawkins y Roy Eldridge en el Festival de Jazz de Newport en 1957 (haciendo un brillante solo en una emocionante versión de "I Can't Believe That You're in Love with Me"), y tocó con el trío de Jo Jones (1958). Bryant se estableció en Nueva York en 1959; tocó con Sonny Rollins, Charlie Shavers y Curtis Fuller; y pronto tuvo su propio trío. Tuvo algunos éxitos comerciales funky (incluyendo "Little Susie" y "Cubano Chant") que lo mantuvieron trabajando por décadas. Bryant grabó a menudo a lo largo de su carrera (sobre todo para Epic, Prestige, Columbia, Sue, Cadet, Atlantic, Pablo, y Emarcy), e incluso sus citas con el piano eléctrico en los años 70 son generalmente gratificantes. Sin embargo, Bryant fue escuchado en su mejor momento cuando tocaba el blues en un piano acústico sin acompañamiento. Después de una larga enfermedad, Ray Bryant falleció en Queens, Nueva York, el 2 de junio de 2011; tenía 79 años.

Chris Hazelton Trio • Peregrination

 

Some things in life are just meant to be.  The first time Chris Hazelton experienced a real Hammond B-3 organ, he knew instantly that it was the instrument he was destined to play.  At the request of his college professor, the then-underage aspiring musician snuck into a dark Kansas City jazz club called Bobby’s Hangout to hear the man behind the console, jazz organ master Everette DeVan.  After several weeks of coaxing, Mr. DeVan agreed to take Chris on a student, showing him the ins and outs of the complex machine. With a background in string bass and piano, Chris’ transfer to organ was a natural one.

From 2007 to 2009, Chris called the Big Apple home.  New York City provided an education that can only be found by living there.  The rhythm of the city and the constant presence of jazz royalty helped sharpen his playing into a potent combination of groove and artistry.  During his time there, Chris regularly performed at legendary Harlem jazz clubs such as Minton’s Playhouse, the Lenox Lounge, and Showman’s Jazz Lounge.  In 2009, Chris had the honor of studying with the world’s foremost authority in the jazz organ world, Dr. Lonnie Smith!

Upon returning to his native Kansas City, Chris has made a name for himself as one of the premier jazz organists in the midwest and recently made an appearance with the Kansas City Jazz Orchestra at the Kauffman Center for the Performing Arts

His flagship ensemble, Chris Hazelton’s Boogaloo 7, was assembled in 2013 and has since held a Friday night residency at Kansas City’s most happenin’ jazz spot, the Green Lady Lounge.  This seven piece unit focuses on funky, rhythmic soul-jazz that harkens back to the late 1960’s and early 1970’s, a time when Lou Donaldson, Jimmy McGriff, Charles Earland, Grant Green, Lonnie Smith, and a host of others packed dance floors and venues along the “Chitlin Circuit”.  The Boogaloo 7 has released two 45rpm 7-inch vinyl singles and two full-length LPs on Sunflower Soul Records, a label established by Hazelton in 2014 that produces soulful recordings with unashamedly old-school, analog vibe..

Since 2010, Chris has been the organist at “The Historic” Centennial United Methodist Church in the 18th & Vine Jazz District of Kansas City, MO – a church that was once home to Count Basie and Charlie Parker.  He is happily married to the love of his life, Erica, and together have a 2-year old daughter named Evelyn.

https://www.chrishazelton.com/about/

https://www.chrishazelton.com/

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Algunas cosas en la vida están destinadas a ser.  La primera vez que Chris Hazelton experimentó un verdadero órgano Hammond B-3, supo instantáneamente que era el instrumento que estaba destinado a tocar.  A petición de su profesor universitario, el entonces menor de edad aspirante a músico se coló en un oscuro club de jazz de Kansas City llamado Bobby's Hangout para escuchar al hombre detrás de la consola, el maestro de órgano de jazz Everette DeVan.  Después de varias semanas de persuasión, el Sr. DeVan aceptó llevar a Chris a un estudiante, mostrándole los entresijos de la compleja máquina. Con una formación en el bajo de cuerda y el piano, la transferencia de Chris al órgano fue natural.

De 2007 a 2009, Chris llamó a la Gran Manzana su hogar.  La ciudad de Nueva York proporcionó una educación que sólo se puede encontrar viviendo allí.  El ritmo de la ciudad y la constante presencia de la realeza del jazz ayudaron a afinar su forma de tocar en una potente combinación de ritmo y arte.  Durante su estancia allí, Chris actuó regularmente en los legendarios clubes de jazz de Harlem, como el Playhouse de Minton, el Lenox Lounge y el Showman's Jazz Lounge.  En 2009, Chris tuvo el honor de estudiar con la mayor autoridad mundial en el mundo del órgano de jazz, ¡el Dr. Lonnie Smith!

A su regreso a su Kansas City natal, Chris se ha hecho un nombre como uno de los principales organistas de jazz en el medio oeste y recientemente hizo una aparición con la Orquesta de Jazz de Kansas City en el Centro Kauffman para las Artes Escénicas

Su grupo estrella, Chris Hazelton's Boogaloo 7, se formó en 2013 y desde entonces ha realizado una residencia de viernes por la noche en el lugar de jazz más importante de Kansas City, el Green Lady Lounge.  Esta unidad de siete piezas se centra en el soul-jazz funky y rítmico que se remonta a finales de los años 60 y principios de los 70, una época en la que Lou Donaldson, Jimmy McGriff, Charles Earland, Grant Green, Lonnie Smith y muchos otros llenaron las pistas de baile y los locales del "Circuito Chitlin".  El Boogaloo 7 ha lanzado dos singles de vinilo de 45rpm 7 pulgadas y dos LPs completos en Sunflower Soul Records, un sello establecido por Hazelton en 2014 que produce grabaciones conmovedoras con una onda análoga desvergonzada de la vieja escuela...

Desde 2010, Chris ha sido el organista de la Iglesia Metodista Unida Centenaria "The Historic" en el 18º & Vine Jazz District de Kansas City, MO - una iglesia que una vez fue el hogar de Count Basie y Charlie Parker.  Está felizmente casado con el amor de su vida, Erica, y juntos tienen una hija de 2 años llamada Evelyn.

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