Ron Carter • In Memory Of Jim

 

 

Larry Coryell-Victor Bailey-Lenny White • Traffic

 

 

Chesky Records is pleased to announce the September 26 release of Traffic, CBW’s highly anticipated follow-up to their 2005 debut, Electric. The power trio/supergroup features the godfather of fusion guitar Larry Coryell, former Weather Report bassist Victor Bailey and veteran Return to Forever drummer Lenny White.

Traffic continues the CBW tradition of blending virtuosic original compositions with immaculately conceived interpretations of jazz and classic rock standards. Original songs on Traffic include go-for-the-throat throwdowns like “Judith Loves Jazz,” “Door #3” and “Overruled,” while covers of Thelonious Monk’s “Misterioso” and Jimi Hendrix’s “Manic Depression” are also featured.

Though Coryell & Co. have been acclaimed for their raw, in-your-face sound, they also know how to apply finesse when necessary. Traffic even finds CBW unplugging for gentle acoustic respites like “Jake’s Lullaby” and “Joyce’s Favorite.” “It’s not only a detour from the rest of the program, but I think it’s a needed one in the first decade of the 21st century,” Coryell says of the featured acoustic numbers. “I just don’t think we can go all the way through with loud rockin’ stuff, so we offer a few detours on this record.”

Other sonic highlights include a rare documented instance of Coryell playing slide on “Misterioso” and Bailey’s two-handed tapping technique on several tracks throughout the album. Recorded in St. Peter’s Episcopal Church in New York, Traffic uncompromisingly captures the immediacy of uncompressed live music in a sonically rich environment; CBW just let the tape roll and channeled the spirit of the moment. “Monk told me one thing that I will never forget,” Coryell recalls.” He said, ‘Wrong is right, baby!’ And on this record, we all took his advice. We all made mistakes with authority and it sounds good.”

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Chesky Records se complace en anunciar el lanzamiento el 26 de septiembre de Traffic, el muy esperado seguimiento de CBW de su debut en 2005, Electric. El poderoso trío / supergrupo presenta al padrino de la guitarra fusión Larry Coryell, al ex bajista de Weather Report Victor Bailey y al veterano baterista de Return to Forever, Lenny White.

Traffic continúa la tradición de CBW de mezclar composiciones originales virtuosas con interpretaciones impecablemente concebidas de estándares de jazz y rock clásico. Las canciones originales de Traffic incluyen versiones descaradas como "Judith Loves Jazz", " Door #3 "y " Overruled", mientras que también se incluyen versiones de "Misterioso" de Thelonious Monk y "Manic Depression" de Jimi Hendrix.

Aunque Coryell & Co. han sido aclamados por su sonido crudo y directo a la cara, también saben cómo aplicar delicadeza cuando es necesario. Traffic incluso encuentra CBW desconectándose para suaves respiros acústicos como "Jake's Lullaby" y " Joyce's Favorite."No es solo un desvío del resto del programa, sino que creo que es necesario en la primera década del siglo XXI", dice Coryell sobre los números acústicos presentados. "Simplemente no creo que podamos llegar hasta el final con cosas ruidosas de rock, así que ofrecemos algunos desvíos en este disco.”

Otros aspectos destacados de sonic incluyen una rara instancia documentada de Coryell tocando slide en "Misterioso" y la técnica de tapping a dos manos de Bailey en varias pistas a lo largo del álbum. Grabado en la Iglesia Episcopal de San Pedro en Nueva York, Traffic captura sin concesiones la inmediatez de la música en vivo sin comprimir en un entorno sonoramente rico; CBW simplemente dejó rodar la cinta y canalizó el espíritu del momento. "Monk me dijo una cosa que nunca olvidaré", recuerda Coryell."Él dijo:' ¡Lo incorrecto es correcto, bebé! Y en este disco, todos seguimos su consejo. Todos cometemos errores con autoridad y suena bien.”

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Herbie Mann • Memphis Underground

 

Biography by Scott Yanow

Herbie Mann played a wide variety of music throughout his career. He became quite popular in the 1960s, but in the '70s became so immersed in pop and various types of world music that he seemed lost to jazz. However, Mann never lost his ability to improvise creatively as his later recordings attest.

Herbie Mann began on clarinet when he was nine but was soon also playing flute and tenor. After serving in the Army, he was with Mat Mathews' Quintet (1953-1954) and then started working and recording as a leader. During 1954-1958 Mann stuck mostly to playing bop, sometimes collaborating with such players as Phil Woods, Buddy Collette, Sam Most, Bobby Jaspar, and Charlie Rouse. He doubled on cool-toned tenor and was one of the few jazz musicians in the '50s who recorded on bass clarinet; he also recorded a full album in 1957 (for Savoy) of unaccompanied flute.

After spending time playing and writing music for television, Mann formed his Afro-Jazz Sextet, in 1959, a group using several percussionists, vibes (either Johnny Rae, Hagood Hardy, or Dave Pike) and the leader's flute. He toured Africa (1960) and Brazil (1961), had a hit with "Comin' Home Baby," and recorded with Bill Evans. The most popular jazz flutist during the era, Mann explored bossa nova (even recording in Brazil in 1962), incorporated music from many cultures (plus current pop tunes) into his repertoire, and had among his sidemen such top young musicians as Willie Bobo, Chick Corea (1965), Attila Zoller, and Roy Ayers; at the 1972 Newport Festival his sextet included David Newman and Sonny Sharrock. By then Mann had been a producer at Embroyo (a subsidiary of Atlantic) for three years and was frequently stretching his music outside of jazz. As the '70s advanced, Mann became much more involved in rock, pop, reggae, and even disco. After leaving Atlantic at the end of the '70s, Mann had his own label for awhile and gradually came back to jazz. He recorded for Chesky, made a record with Dave Valentin, and in the '90s founded the Kokopelli label on which before breaking away in 1996, he was free to pursue his wide range of musical interests. Through the years, he recorded as a leader for Bethlehem, Prestige, Epic, Riverside, Savoy, Mode, New Jazz, Chesky, Kokopelli, and most significantly Atlantic. He passed away on July 1, 2003, following an extended battle with prostate cancer. His last record was 2004's posthumously released Beyond Brooklyn for Telarc.

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Biografía de Scott Yanow

Herbie Mann tocó una gran variedad de música a lo largo de su carrera. Se hizo muy popular en la década de 1960, pero en la década de los 70 se sumergió tanto en el pop como en varios tipos de músicas del mundo que parecía perdido en el jazz. Sin embargo, Mann nunca perdió su capacidad de improvisar creativamente como lo atestiguan sus últimas grabaciones.

Herbie Mann comenzó a tocar el clarinete cuando tenía nueve años, pero pronto también tocaba flauta y tenor. Después de servir en el Ejército, estuvo con Mat Mathews 'Quintet (1953-1954) y luego comenzó a trabajar y grabar como líder. Durante 1954-1958, Mann se dedicó principalmente a jugar bop, a veces colaborando con jugadores como Phil Woods, Buddy Collette, Sam Most, Bobby Jaspar y Charlie Rouse. Se dobló con un tenor de tono frío y fue uno de los pocos músicos de jazz en los años 50 que grabaron en el clarinete bajo; también grabó un álbum completo en 1957 (para Savoy) de flauta no acompañada.

Después de pasar el tiempo tocando y escribiendo música para la televisión, Mann formó su Sexteto Afro-Jazz, en 1959, un grupo que utiliza varios percusionistas, vibraciones (ya sea Johnny Rae, Hagood Hardy o Dave Pike) y la flauta del líder. Realizó una gira por África (1960) y Brasil (1961), tuvo un éxito con "Comin 'Home Baby" y grabó con Bill Evans. El flautista de jazz más popular durante la era, Mann exploró la bossa nova (incluso grabando en Brasil en 1962), incorporó música de muchas culturas (más las melodías pop actuales) en su repertorio, y tuvo entre sus dirigentes a músicos jóvenes tan importantes como Willie Bobo. Chick Corea (1965), Attila Zoller y Roy Ayers; en el Festival de Newport de 1972, su sexteto incluía a David Newman y Sonny Sharrock. Para entonces, Mann había sido productor en Embroyo (una subsidiaria de Atlantic) durante tres años y frecuentemente estaba extendiendo su música fuera del jazz. A medida que avanzaban los años 70, Mann se involucró mucho más en el rock, el pop, el reggae e incluso la discoteca. Después de dejar Atlantic a finales de los años 70, Mann tuvo su propio sello por un tiempo y gradualmente volvió al jazz. Grabó para Chesky, grabó un disco con Dave Valentin, y en los años 90 fundó el sello Kokopelli, en el cual, antes de separarse en 1996, tenía libertad para dedicarse a su amplia gama de intereses musicales. A través de los años, grabó como líder para Belén, Prestige, Epic, Riverside, Savoy, Mode, New Jazz, Chesky, Kokopelli y, lo más importante, Atlantic. Falleció el 1 de julio de 2003, luego de una prolongada batalla contra el cáncer de próstata. Su último disco fue 2004, lanzado póstumamente Beyond Brooklyn para Telarc.

Larry Coryell - Emily Remler • Vegas '85 [Live WGBH Broadcast].rar

 

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Gary Burton • Duster

Born in 1943 and raised in Indiana, Gary Burton taught himself to play the vibraphone and, at the age of 17, made his recording debut in Nashville, Tennessee, with guitarists Hank Garland and Chet Atkins. Two years later, Burton left his studies at Berklee College of Music to join George Shearing and subsequently Stan Getz, with whom he worked from 1964-1966.

As a member of Getz's quartet, Burton won Down Beat magazine's Talent Deserving of Wider Recognition award in 1965. By the time he left Getz to form his own quartet in 1967, Burton had also recorded three albums under his name for RCA. Borrowing rhythms and sonorities from rock music, while maintaining jazz's emphasis on improvisation and harmonic complexity, Burton's first quartet attracted large audiences from both sides of the jazz-rock spectrum. Such albums as Duster and Lofty Fake Anagram established Burton and his band as progenitors of the jazz fusion phenomenon. Burton's burgeoning popularity was quickly validated by Down Beat magazine, which awarded him its Jazzman of the Year award in 1968. During his subsequent association with the label (1973-1988) the Burton Quartet expanded to include the young Pat Metheny on guitar, and the band began to explore a repertoire of modern compositions. In the '70s, Burton also began to focus on more intimate contexts for his music. His 1971 album Alone at Last, a solo vibraphone concert recorded at the 1971 Montreux Jazz Festival, was honored with a Grammy Award. Burton also turned to the rarely heard duo format, recording with bassist Steve Swallow, guitarist Ralph Towner, and most notably with pianist Chick Corea, thus cementing a long personal and professional relationship that has garnered an additional two Grammy Awards.

Also in the '70s, Burton began his career with Berklee College of Music in Boston. Burton began as a teacher of percussion and improvisation classes at Berklee in 1971. In 1985 he was named Dean of Curriculum. In 1989, he received an honorary doctorate of music from the college, and in 1996, he was appointed Executive Vice President.

Burton began recording for GRP records in the '80s and '90s. In 1990, he paired up again with his former protege Metheny for Reunion, which landed him the top spot on Billboard magazine's jazz chart. Burton is now recording for Concord Records. Departure (Gary Burton & Friends) was released in 1997 by Concord Records as well as Native Sense, a new duet collaboration with Chick Corea, which garnered a Grammy Award in 1998. Also in 1997, Burton recorded his second collection of tango music, Astor Piazzolla Reunion, featuring the top tango musicians of Argentina, followed by Libertango in 2000, another collection of Piazzolla music. His 1998 Concord release, Like Minds, an all-star hit featuring his frequent collaborators Chick Corea, Pat Metheny, Roy Haynes, and Dave Holland, was honored with a Grammy win, Burton's fifth. Gary's vibraphone tribute CD, For Hamp, Red, Bags and Cal, was released in March 2001 on Concord and garnered Gary's 12th Grammy nomination. His most recent release in 2002 is a unique project with Makoto Ozone, his pianist collaborator of the past twenty years. In Virtuosi the pair explore the improvisational possibilities of classical themes including works by Brahms, Scarlatti, Ravel, Barber and others. In an unusual move, the Recording Academy nominated Virtuosi in the classical category of the Grammy awards, a unique honor for Gary.

For the immediate future, Gary is going to be concentrating on performing with the NEXT GENERATIONS band. His most recent recording NEXT GENERATIONS was released in March of 2005 on Concord.

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Nacido en 1943 y criado en Indiana, Gary Burton aprendió por sí mismo a tocar el vibráfono y, a los 17 años, hizo su debut discográfico en Nashville, Tennessee, con los guitarristas Hank Garland y Chet Atkins. Dos años más tarde, Burton dejó sus estudios en el Berklee College of Music para unirse a George Shearing y posteriormente a Stan Getz, con quien trabajó de 1964 a 1966.

Como miembro del cuarteto de Getz, Burton ganó en 1965 el premio Talent Mering of Wider Recognition de la revista Down Beat. Cuando dejó Getz para formar su propio cuarteto en 1967, Burton también había grabado tres álbumes a su nombre para la RCA. Tomando prestados ritmos y sonoridades de la música rock, mientras mantenía el énfasis del jazz en la improvisación y la complejidad armónica, el primer cuarteto de Burton atrajo a grandes audiencias de ambos lados del espectro del jazz-rock. Álbumes como Duster y Lofty Fake Anagram establecieron a Burton y su banda como progenitores del fenómeno de fusión del jazz. La creciente popularidad de Burton fue rápidamente validada por la revista Down Beat, que le otorgó su premio de "Jazzman del año" en 1968. Durante su posterior asociación con el sello (1973-1988) el Cuarteto Burton se amplió para incluir al joven Pat Metheny en la guitarra, y la banda comenzó a explorar un repertorio de composiciones modernas. En los años 70, Burton también comenzó a centrarse en contextos más íntimos para su música. Su álbum Alone at Last de 1971, un concierto de vibráfono en solitario grabado en el Festival de Jazz de Montreux de 1971, fue galardonado con un premio Grammy. Burton también recurrió al formato de dúo, raramente escuchado, y grabó con el bajista Steve Swallow, el guitarrista Ralph Towner y, sobre todo, con el pianista Chick Corea, cimentando así una larga relación personal y profesional que le ha valido otros dos premios Grammy.

También en los años 70, Burton comenzó su carrera en el Berklee College of Music de Boston. Burton comenzó como profesor de percusión y clases de improvisación en Berklee en 1971. En 1985 fue nombrado Decano de Currículum. En 1989, recibió un doctorado honorario en música del colegio y en 1996 fue nombrado Vicepresidente Ejecutivo.

Burton comenzó a grabar para GRP Records en los años 80 y 90. En 1990, volvió a formar pareja con su antiguo protegido Metheny para Reunion, lo que le permitió alcanzar el primer puesto de la lista de éxitos de jazz de la revista Billboard. Burton está grabando ahora para Concord Records. Departure (Gary Burton & Friends) fue lanzado en 1997 por Concord Records, así como Native Sense, una nueva colaboración en dúo con Chick Corea, que obtuvo un premio Grammy en 1998. También en 1997, Burton grabó su segunda colección de música de tango, Astor Piazzolla Reunion, con los mejores músicos de tango de Argentina, seguida de Libertango en 2000, otra colección de música de Piazzolla. Su lanzamiento en 1998 de Concord, Like Minds, un éxito estelar con sus frecuentes colaboradores Chick Corea, Pat Metheny, Roy Haynes, y Dave Holland, fue honrado con un Grammy, el quinto de Burton. El CD tributo al vibráfono de Gary, For Hamp, Red, Bags and Cal, fue lanzado en marzo de 2001 en Concord y obtuvo la 12ª nominación de Gary al Grammy. Su más reciente lanzamiento en 2002 es un proyecto único con Makoto Ozone, su pianista colaborador de los últimos veinte años. En Virtuosi la pareja explora las posibilidades de improvisación de temas clásicos, incluyendo obras de Brahms, Scarlatti, Ravel, Barber y otros. En un movimiento inusual, la Academia de la Grabación nominó a Virtuosi en la categoría clásica de los premios Grammy, un honor único para Gary.

En el futuro inmediato, Gary se concentrará en actuar con la banda NEXT GENERATIONS. Su más reciente grabación NEXT GENERATIONS fue lanzada en marzo de 2005 en Concord.

Larry Coryell, Badi Assad & John Abercrombie • Three Guitars

 

Review
by Ken Dryden
It's rare for three guitarists of this caliber to be assembled for a recording date. John Abercrombie claimed that he hadn't touched his acoustic guitar for three years prior to receiving an invitation to make this recording, though he was obviously ready when the tape rolled. Larry Coryell has made a number of acoustic recordings prior to this disc. Badi Assad's three previous CDs for Chesky have all merited high praise.

Assad contributed five compositions to the session, though the stunning opener, "Seu Jorge e Dona Ica," is hard to beat. She initially accompanies her fellow guitarists on a percussive instrument called a kalimba, which sounds like it originates from Africa. This six-minute work has several distinctive sections, including a bit of her mouth percussion. Her "After the Rain" showcases the intricate interplay between the three guitarists. The moody, march-like "Metamorphosis" also proves compelling, while her switch to copper flute with an interspersing vocal transforms the piece into borderline avant-garde.

Assad's body percussion introduces Abercrombie's challenging "Descending Grace," a piece full of surprising twists. His "Ralph's Piano Waltz" is every bit as difficult, but the players seem to tackle it effortlessly.

Coryell also brought several of his pieces to the sessions. "New Lute Prelude" was inspired by the late Brazilian guitarist Laurindo Almeida, it serves as a brief introduction to the much more laid-back "New Lute Interlude." He also composed two duets to play with Assad. The wild "No Flight Tonight" features her vocals and incredible mouth and body percussion as the sole accompaniment for Coryell. They also walk a musical tightrope together in his "Exercise in Fourths" without any slips. Highly recommended.
https://www.allmusic.com/album/three-guitars-mw0000040676

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Reseña
por Ken Dryden
Es raro que tres guitarristas de este calibre se reúnan para una cita de grabación. John Abercrombie afirmó que no había tocado su guitarra acústica durante tres años antes de recibir una invitación para hacer esta grabación, aunque obviamente estaba listo cuando rodó la cinta. Larry Coryell ha realizado varias grabaciones acústicas antes de este disco. Los tres CD anteriores de Badi Assad para Chesky han merecido grandes elogios.

Assad contribuyó con cinco composiciones a la sesión, aunque la impresionante primera, "Seu Jorge e Dona Ica", es difícil de superar. Inicialmente acompaña a sus compañeros guitarristas con un instrumento de percusión llamado kalimba, que suena como originario de África. Esta obra de seis minutos tiene varias secciones distintivas, incluyendo un poco de su percusión bucal. After the Rain" muestra la intrincada interacción entre los tres guitarristas. La "Metamorfosis", de carácter melancólico, también resulta convincente, mientras que su cambio a la flauta de cobre, con una voz intercalada, transforma la pieza y la sitúa al borde de la vanguardia.

La percusión corporal de Assad introduce la desafiante "Descending Grace" de Abercrombie, una pieza llena de giros sorprendentes. Su "Ralph's Piano Waltz" es igual de difícil, pero los músicos parecen abordarla sin esfuerzo.

Coryell también aportó varias de sus piezas a las sesiones. "New Lute Prelude", inspirada en el fallecido guitarrista brasileño Laurindo Almeida, sirve de breve introducción a la mucho más relajada "New Lute Interlude". También compuso dos duetos para tocar con Assad. El salvaje "No Flight Tonight" presenta su voz y una increíble percusión bucal y corporal como único acompañamiento para Coryell. También caminan juntos por la cuerda floja musical en su "Exercise in Fourths" sin ningún desliz. Muy recomendable.
https://www.allmusic.com/album/three-guitars-mw0000040676

Randy Brecker • Score

 

Review by Steve Loewy
Randy Brecker's debut album features the trumpeter leading two distinct all-star small groups, each with younger brother Michael (who was only 19 when this was recorded) on tenor sax, Larry Coryell on guitar, and Hal Galper on piano. The tunes alternate between jazz-rock (a style the Brecker Brothers were later to successfully exploit) and modern mainstream jazz. There are the customary fades, popular at the time, and a light, though constant, beat throughout that makes the music both accessible and even danceable, an impressive feat considering that virtually all the tunes are originals. The Brecker Brothers exhibit a command of their horns and a maturity that was to serve them well for many years. The recording has weathered the years well, in part because even the fusion pieces never lose their focus, nor do they compromise artistry for popular fads. "The Weasel Goes Out to Lunch" is a cute, though very short, take on the childhood theme, with the remaining tracks fine examples of late-'60s popular jazz. With well-constructed arrangements, strong soloing, and catchy melodies, Brecker knew he was onto something, and this album was the first of several successful ventures.
https://www.allmusic.com/album/score-mw0000097519

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Reseña de Steve Loewy
El álbum de debut de Randy Brecker presenta al trompetista al frente de dos pequeños grupos distintos, cada uno con su hermano menor Michael (que sólo tenía 19 años cuando se grabó) al saxo tenor, Larry Coryell a la guitarra y Hal Galper al piano. Las melodías alternan entre el jazz-rock (un estilo que los hermanos Brecker explotarían con éxito más adelante) y el jazz moderno convencional. Hay los habituales fundidos, populares en la época, y un ritmo ligero, aunque constante, que hace que la música sea accesible e incluso bailable, una hazaña impresionante teniendo en cuenta que prácticamente todos los temas son originales. Los hermanos Brecker demuestran un dominio de sus instrumentos de viento y una madurez que les servirá durante muchos años. La grabación ha aguantado bien el paso de los años, en parte porque incluso las piezas de fusión nunca pierden su enfoque, ni comprometen el arte por las modas populares. "The Weasel Goes Out to Lunch" es una bonita, aunque muy corta, versión del tema de la infancia, y el resto de las canciones son buenos ejemplos del jazz popular de finales de los 60. Con unos arreglos bien construidos, unos solos potentes y unas melodías pegadizas, Brecker sabía que tenía algo entre manos, y este álbum fue la primera de varias aventuras exitosas.
https://www.allmusic.com/album/score-mw0000097519


randybrecker.com ...

Herbie Mann • Mellow

Not a high water mark in Herbie Mann's recorded output, Mellow was released by Atlantic Records after dropping him from their roster.  Made up primarily of outtakes from mid- to late-'70s recording sessions, the album sounds like the hodgepodge it is.  Highlights include a take on Milton Nascimento's "Cinnamon Flower" and a lengthy version of Mann's classic "Memphis Underground," recorded at the 1977 Montreux Jazz Festival with guests Sonny Fortune, David Newman and the Brecker Brothers.  The low point arrives with the opening track, a cover of Bob Marley's "Bend Down Low" left over from the Reggae sessions, in which Mann actually sings the lead vocal. - AMG

Biography

The world according to flutist and composer Herbie Mann was a utopian musical paradise where jazz is made up of of Afro-Cuban, Middle-Eastern, R&B, and nearly every other kind of music. In the 1960s, he discovered Brazil's bossa-nova; in the 1970s, he even found disco rhythms in jazz.

Unlike most of his contemporaries in jazz, when Mann began playing flute in 1940s he had no forefathers to learn from, no pioneers of jazz flute to idolize. He was forced to look elsewhere—both inside and outside of jazz—to develop his approach to jazz and the flute. Among numerous musical influences, Mann was particularly drawn to rhythms and melodies from South America and the Caribbean.

Herbie Mann was born Herbert Jay Solomon in Brooklyn, New York, on April 16, 1930. Early in his childhood, Mann was so enthralled with rhythm that he wanted to be a drummer. Instead, a cousin of his mother convinced him to play the clarinet.

In 1948, Mann began serving four years in the army and while stationed in Trieste, Italy, he began playing saxophone in the military band. After his discharge from the service, he saw a jazz scene overflowing with sax players and he fell back on his second instrument, the flute. When the Dutch accordionist, Mat Matthews, told him he was looking for a jazz flute player for the first album by the then unknown Carmen McRae, Herbie immediately jumped at the opportunity and spent days “woodshedding” before going into the studio. With this opportunity he was able to distinguish himself from other players as a jazz flutist, of which there were few.

In 1954, Mann released his first album for Bethlehem Records, “Herbie Mann Plays.” Although at that time he was jamming with bebop innovators like bassist Milt Hinton, drummers Art Blakey and Kenny Clarke, and pianist Tommy Flanagan, Mann was never truly comfortable playing straight-ahead bebop. As he began to bring non-jazz elements into his sound, Mann's flute playing began to sound tougher and more aggressive.

Three years later, Mann made the first of three albums for Verve Records, titled “The Magic Flute of Herbie Mann.” The album featured, “The Evolution of Mann” which became an instant hit on the radio thanks to New York disc jockey, “Symphony Sid” Torin. Mann then formed an Afro-Cuban band with percussionists like Rudy Collins, Ray Mantilla, and Carlos “Patato” Valdez, all from Cuba's legendary Machito Orchestra. Because Mann was able to pay the percussionists more money than what they were making with the other Latin orchestras, a rift was created between Mann and many of the other Latin bandleaders. Eventually, Mann's interest in Afro-Cuban jazz led him to the music's source—Africa. In 1959, the U.S. State Department funded a trip for Mann to visit Africa, after they heard his version of “African Suite.”

After his trip to Africa, Mann moved to Atlantic Records, releasing “Common Ground (1960),” which embraced a wider sense of the African musical diaspora. Mann's band included musicians from Puerto Rico, Nigeria, and beyond. This added rhythmic element boosted Herbie's popularity and the list of Latin percussionists who played with him in the late 50's and 60's reads like a Who's Who of the genre: Candido, Ray Barretto, Olatunji, Potato Valdes, Willie Bobo and others. Audiences around the world loved this sound.

Mann recorded a live album at New York City's Village Gate jazz club in 1961, the set featured “Comin' Home Baby” which became Mann's first major crossover hit. The immense popularity of At the Village Gate made Mann a true superstar.

Not content to rest on his laurels, Mann forged ahead into new territory. Inspired by the classic Brazilian film Black Orpheus, Mann convinced his manager Monte Kay to book him a tour to Brazil, although he was hardly known there. Mann returned to the U.S. transformed by the music he had heard in Brazil, intent on making a Brazilian jazz album. Although guitarist Charlie Byrd and saxophonist Stan Getz had already made a smash hit in 1962 with their Brazilian jazz album, “Jazz Samba,” Mann was unimpressed. His response, also released in 1962, was “Do The Bossa Nova,” featuring more of the real deal: Brazilian musicians like Sergio Mendes, guitarist Baden Powell, and pianist and arranger Antonio Carlos Jobim.

After the bossa-nova craze ran its course, Mann ventured off into Middle Eastern music, which resulted in the 1966 album, “Impressions of the Middle East.” Two years later, Mann delved deeper into yet another genre: rhythm & blues. While in London, he heard Willie Mitchell's Hi Records hit, “Mercy” and as he had done with his exploration of Afro-Cuban music, Mann went straight to the source: Memphis, Tennesee.

After absorbing Memphis' Stax and Hi records sounds, Mann came out with the soul-jazz album “Memphis Underground;” it became his best-selling disc ever. The radio-friendly music and the explosive R&B solo work from guitarist Sonny Sharrock on the disc again infuriated jazz critics.

After the breakthrough success with “Memphis Underground,” Mann continued to explore R&B and its distant cousin, disco. In 1969, Atlantic allowed Mann to start his own label, Embryo. Mann released the sexually-charged album Push Push, in 1971, generating a significant amount of controversy over the suggestive album cover—a nude Mann posing seductively with flute in hand.

Throughout the 1970s, Mann created more distance between himself and the jazz establishment by recording reggae, disco, British rock, and Japanese music albums. By the time he recorded “Discotheque,” he hardly had a jazz core audience. Throughout the 1980s, Mann remained in obscurity when it came to jazz. However, towards the end of this ten-year period, he formed a group, Jasil Brazz, and once again reestablished his musical footing in the fertile sounds of his beloved Brazil. He produced two records, “Jasil Brazz,” and “Opalescence,” featuring Brazilian guitarists Romero Lubambo and Ricardo Silveira. Throughout the label “shifts”, he retained his rights to these recordings and in l992 formed his own label, Kokopelli Music. He launched the label with the release of “Deep Pocket,” an all star, soul/jazz recording featuring Les McCann, Cornell Dupree, David Newman and Chuck Rainey.

Two years later, Herbie went into a partnership and Kokopelli Music was expanded to Kokopelli Records. This year and a half venture produced nearly a dozen recordings including Herbie's “Peace Pieces,” a tribute to the music of Bill Evans, featuring guitarist Bruce Dunlap, Eddie Gomez and Randy Brecker.

Herbie released two albums on the Lightyear label from his l995 weeklong celebration of his 65th birthday. The recordings, “Celebration,” and “America Brasil,” feature many of his longtime friends and musical partners from his past, including David “Fathead” Newman, Dave Valentin, Ron Carter, Billy Taylor, Tito Puente, Randy Brecker, Claudio Roditi and others.

By 1997, he was diagnosed with inoperable prostate cancer, and the disease finally took his life on July 1, 2003.

Herbie Mann's career does not lend itself to easy characterization. At the same time, though, his recorded work speaks volumes about his ability to merge widely-varying forms into a coherent and appealing style that was accessible to the average listener. Mann could also be described as one of the first “world” musicians; his sensitivity for non-Western musical forms, evidenced by his ability to integrate them into work that could be easily appreciated by a largely Western audience while still retaining the essential characteristics of its origin, has few parallels among the other musicians of his generation.

Source: James Nadal

 

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No es una marca de agua alta en la producción grabada de Herbie Mann, Mellow fue lanzado por Atlantic Records después de sacarlo de su lista.  Compuesto principalmente por tomas de sesiones de grabación de mediados y finales de los 70, el álbum suena como la mezcolanza que es.  Entre los aspectos más destacados se incluyen una versión de "Cinnamon Flower" de Milton Nascimento y una larga versión del clásico de Mann "Memphis Underground", grabado en el Festival de Jazz de Montreux en 1977 con invitados como Sonny Fortune, David Newman y los Brecker Brothers.  El punto bajo llega con el tema de apertura, una versión de "Bend Down Low" de Bob Marley que sobró de las sesiones de Reggae, en la que Mann canta la voz principal. - AMG

Biografía

El mundo, según el flautista y compositor Herbie Mann, era un paraíso musical utópico donde el jazz se compone de música afrocubana, de Oriente Medio, de R&B y de casi cualquier otro tipo de música. En la década de 1960, descubrió la bossa-nova de Brasil; en la década de 1970, incluso encontró ritmos de discoteca en el jazz.

A diferencia de la mayoría de sus contemporáneos del jazz, cuando Mann comenzó a tocar la flauta en la década de 1940 no tenía antepasados de los que aprender, ni pioneros de la flauta de jazz a los que idolatrar. Se vio obligado a buscar en otros lugares, tanto dentro como fuera del jazz, para desarrollar su enfoque del jazz y la flauta. Entre las numerosas influencias musicales, Mann se sintió particularmente atraído por los ritmos y melodías de América del Sur y el Caribe.

Herbie Mann nació Herbert Jay Solomon en Brooklyn, Nueva York, el 16 de abril de 1930. A principios de su infancia, Mann estaba tan cautivado por el ritmo que quería ser un baterista. En cambio, un primo de su madre lo convenció de que tocara el clarinete.

En 1948, Mann comenzó a servir cuatro años en el ejército y mientras estaba destinado en Trieste, Italia, comenzó a tocar el saxofón en la banda militar. Después de su baja del servicio, vio una escena de jazz rebosante de saxofonistas y se echó atrás con su segundo instrumento, la flauta. Cuando el acordeonista holandés, Mat Matthews, le dijo que buscaba un flautista de jazz para el primer álbum de la entonces desconocida Carmen McRae, Herbie aprovechó inmediatamente la oportunidad y pasó días "woodshedding" antes de entrar en el estudio. Con esta oportunidad pudo distinguirse de otros músicos como flautista de jazz, que eran pocos.

En 1954, Mann lanzó su primer álbum para Bethlehem Records, "Herbie Mann Plays". Aunque en ese momento estaba tocando con innovadores del bebop como el bajista Milt Hinton, los bateristas Art Blakey y Kenny Clarke, y el pianista Tommy Flanagan, Mann nunca se sintió realmente cómodo tocando bebop de frente. A medida que empezó a introducir elementos de no jazz en su sonido, la flauta de Mann empezó a sonar más dura y agresiva.

Tres años después, Mann hizo el primero de tres álbumes para Verve Records, titulado "La flauta mágica de Herbie Mann". El álbum presentó "The Evolution of Mann", que se convirtió en un éxito instantáneo en la radio gracias al disc jockey neoyorquino "Symphony Sid" Torin. Mann formó entonces una banda afrocubana con percusionistas como Rudy Collins, Ray Mantilla y Carlos "Patato" Valdez, todos de la legendaria Orquesta Machito de Cuba. Debido a que Mann pudo pagar a los percusionistas más dinero del que ganaban con las otras orquestas latinas, se creó una brecha entre Mann y muchos de los otros directores de orquesta latinos. Con el tiempo, el interés de Mann en el jazz afrocubano le llevó a la fuente de la música: África. En 1959, el Departamento de Estado de los Estados Unidos financió un viaje para que Mann visitara África, después de haber escuchado su versión de "African Suite".

Después de su viaje a África, Mann se trasladó a Atlantic Records y publicó "Common Ground (1960)", que abarcaba un sentido más amplio de la diáspora musical africana. La banda de Mann incluía músicos de Puerto Rico, Nigeria y otros países. Este elemento rítmico añadido aumentó la popularidad de Herbie y la lista de percusionistas latinos que tocaron con él a finales de los años 50 y 60 se lee como un Who's Who del género: Candido, Ray Barretto, Olatunji, Potato Valdes, Willie Bobo y otros. El público de todo el mundo amaba este sonido.

Mann grabó un álbum en vivo en el club de jazz Village Gate de la ciudad de Nueva York en 1961, el conjunto incluía "Comin' Home Baby" que se convirtió en el primer gran éxito de Mann. La inmensa popularidad de "At the Village Gate" hizo de Mann una verdadera superestrella.

No contento con dormirse en sus laureles, Mann se forjó en un nuevo territorio. Inspirado por el clásico brasileño Black Orpheus, Mann convenció a su manager Monte Kay para que le reservara un viaje a Brasil, aunque apenas era conocido allí. Mann regresó a los EE.UU. transformado por la música que había escuchado en Brasil, con la intención de hacer un álbum de jazz brasileño. Aunque el guitarrista Charlie Byrd y el saxofonista Stan Getz ya habían conseguido un gran éxito en 1962 con su álbum de jazz brasileño, "Jazz Samba", Mann no quedó impresionado. Su respuesta, también publicada en 1962, fue "Do The Bossa Nova", con más de lo real: músicos brasileños como Sergio Mendes, el guitarrista Baden Powell, y el pianista y arreglista Antonio Carlos Jobim.

Después de que la locura de la bossa-nova siguiera su curso, Mann se aventuró en la música de Oriente Medio, lo que dio lugar al álbum de 1966, "Impressions of the Middle East". Dos años más tarde, Mann profundizó en otro género: el rhythm & blues. Mientras estaba en Londres, escuchó el éxito de Willie Mitchell en Hi Records, "Mercy" y como había hecho con su exploración de la música afrocubana, Mann fue directamente a la fuente: Memphis, Tennesee.

Después de absorber los sonidos de Stax y Hi Records de Memphis, Mann sacó el álbum de soul-jazz "Memphis Underground"; se convirtió en el disco más vendido de su vida. La música apta para la radio y el explosivo trabajo en solitario de R&B del guitarrista Sonny Sharrock en el disco enfurecieron de nuevo a los críticos de jazz.

Tras el gran éxito de "Memphis Underground", Mann siguió explorando el R&B y su primo lejano, el disco. En 1969, Atlantic permitió a Mann crear su propio sello, Embryo. Mann lanzó el álbum sexualmente cargado Push Push, en 1971, generando una importante controversia sobre la sugerente portada del álbum: una Mann desnuda posando seductoramente con la flauta en la mano.

A lo largo de la década de 1970, Mann creó más distancia entre él y el establecimiento del jazz al grabar álbumes de reggae, disco, rock británico y música japonesa. Cuando grabó "Discoteca", apenas tenía un público de jazz. A lo largo de los años 80, Mann permaneció en el olvido en lo que se refiere al jazz. Sin embargo, hacia el final de este período de diez años, formó un grupo, Jasil Brazz, y una vez más restableció su base musical en los fértiles sonidos de su amado Brasil. Produjo dos discos, "Jasil Brazz" y "Opalescence", con los guitarristas brasileños Romero Lubambo y Ricardo Silveira. Durante los "cambios" del sello, conservó los derechos de estas grabaciones y en 1992 formó su propio sello, Kokopelli Music. Lanzó el sello con el lanzamiento de "Deep Pocket", una grabación de soul/jazz con Les McCann, Cornell Dupree, David Newman y Chuck Rainey.

Dos años más tarde, Herbie se asoció con Kokopelli Music y se expandió a Kokopelli Records. Este año y medio la empresa produjo casi una docena de grabaciones, incluyendo "Peace Pieces" de Herbie, un tributo a la música de Bill Evans, con el guitarrista Bruce Dunlap, Eddie Gómez y Randy Brecker.

Herbie lanzó dos álbumes con el sello Lightyear en la semana de celebración de su 65 cumpleaños en 1995. Las grabaciones, "Celebration" y "America Brasil", presentan a muchos de sus viejos amigos y compañeros musicales de su pasado, incluyendo a David "Fathead" Newman, Dave Valentin, Ron Carter, Billy Taylor, Tito Puente, Randy Brecker, Claudio Roditi y otros.

En 1997 se le diagnosticó un cáncer de próstata inoperable, y la enfermedad finalmente le quitó la vida el 1 de julio de 2003.

La carrera de Herbie Mann no se presta a una fácil caracterización. Sin embargo, al mismo tiempo, su trabajo grabado dice mucho sobre su capacidad de fusionar formas muy variadas en un estilo coherente y atractivo que era accesible para el oyente medio. Mann también podría describirse como uno de los primeros músicos "mundiales"; su sensibilidad por las formas musicales no occidentales, que se pone de manifiesto en su capacidad para integrarlas en una obra que podía ser fácilmente apreciada por un público mayoritariamente occidental, conservando al mismo tiempo las características esenciales de su origen, tiene pocos paralelismos con los demás músicos de su generación.

Fuente: James Nadal

Royce Campbell • 6 x 6

 

Review by Michael P. Gladstone (All About Jazz):
These sessions appeared on Campbell's own Paddlewheel Records, which was a subsidiary of the Japanese King label. They were released in the United States on Evidence. At that time, Royce Campbell was approached regarding a new project that would team the guitarist with five leading jazz plectrists of his choice. The resulting album, 6 X 6, featuring Campbell in performance with John Abercrombie, Larry Coryell, Pat Martino, Bucky Pizzarelli and Dave Stryker, was released in 1994 in Japan and later in Europe to critical praise. One decade later, the album is finally being made available in the US, retitled Six By Six. Each of the guest guitarists is given two tracks apiece with, essentially, their own bassist and drummer, and Royce Campbell is the second guitarist on each of the selections, providing rhythm and the opportunity to trade fours with the respective players.
https://www.allaboutjazz.com/six-by-six-royce-campbell-moon-cycle-review-by-michael-p-gladstone

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Reseña de Michael P. Gladstone (All About Jazz) - Traducción:
Estas sesiones aparecieron en el sello propio de Campbell, Paddlewheel Records, que era una subsidiaria del sello japonés King. Fueron lanzadas en los Estados Unidos por Evidence. En ese momento, Royce Campbell fue contactado con respecto a un nuevo proyecto que uniría al guitarrista con cinco destacados plectristas de jazz de su elección. El álbum resultante, 6 X 6, con Campbell en actuación con John Abercrombie, Larry Coryell, Pat Martino, Bucky Pizzarelli y Dave Stryker, fue lanzado en 1994 en Japón y posteriormente en Europa con elogios de la crítica. Una década después, el álbum finalmente está siendo puesto a disposición en los EE. UU., retitulado Six By Six. A cada uno de los guitarristas invitados se le dan dos pistas cada uno con, esencialmente, su propio bajista y baterista, y Royce Campbell es el segundo guitarrista en cada una de las selecciones, proporcionando ritmo y la oportunidad de intercambiar cuartos con los respectivos músicos.
https://www.allaboutjazz.com/six-by-six-royce-campbell-moon-cycle-review-by-michael-p-gladstone

Herbie Mann • Memphis two-step

Biography

The world according to flutist and composer Herbie Mann was a utopian musical paradise where jazz is made up of of Afro-Cuban, Middle-Eastern, R&B, and nearly every other kind of music. In the 1960s, he discovered Brazil's bossa-nova; in the 1970s, he even found disco rhythms in jazz.

Unlike most of his contemporaries in jazz, when Mann began playing flute in 1940s he had no forefathers to learn from, no pioneers of jazz flute to idolize. He was forced to look elsewhere—both inside and outside of jazz—to develop his approach to jazz and the flute. Among numerous musical influences, Mann was particularly drawn to rhythms and melodies from South America and the Caribbean.

Herbie Mann was born Herbert Jay Solomon in Brooklyn, New York, on April 16, 1930. Early in his childhood, Mann was so enthralled with rhythm that he wanted to be a drummer. Instead, a cousin of his mother convinced him to play the clarinet.

In 1948, Mann began serving four years in the army and while stationed in Trieste, Italy, he began playing saxophone in the military band. After his discharge from the service, he saw a jazz scene overflowing with sax players and he fell back on his second instrument, the flute. When the Dutch accordionist, Mat Matthews, told him he was looking for a jazz flute player for the first album by the then unknown Carmen McRae, Herbie immediately jumped at the opportunity and spent days “woodshedding” before going into the studio. With this opportunity he was able to distinguish himself from other players as a jazz flutist, of which there were few.

In 1954, Mann released his first album for Bethlehem Records, “Herbie Mann Plays.” Although at that time he was jamming with bebop innovators like bassist Milt Hinton, drummers Art Blakey and Kenny Clarke, and pianist Tommy Flanagan, Mann was never truly comfortable playing straight-ahead bebop. As he began to bring non-jazz elements into his sound, Mann's flute playing began to sound tougher and more aggressive.

Three years later, Mann made the first of three albums for Verve Records, titled “The Magic Flute of Herbie Mann.” The album featured, “The Evolution of Mann” which became an instant hit on the radio thanks to New York disc jockey, “Symphony Sid” Torin. Mann then formed an Afro-Cuban band with percussionists like Rudy Collins, Ray Mantilla, and Carlos “Patato” Valdez, all from Cuba's legendary Machito Orchestra. Because Mann was able to pay the percussionists more money than what they were making with the other Latin orchestras, a rift was created between Mann and many of the other Latin bandleaders. Eventually, Mann's interest in Afro-Cuban jazz led him to the music's source—Africa. In 1959, the U.S. State Department funded a trip for Mann to visit Africa, after they heard his version of “African Suite.”

After his trip to Africa, Mann moved to Atlantic Records, releasing “Common Ground (1960),” which embraced a wider sense of the African musical diaspora. Mann's band included musicians from Puerto Rico, Nigeria, and beyond. This added rhythmic element boosted Herbie's popularity and the list of Latin percussionists who played with him in the late 50's and 60's reads like a Who's Who of the genre: Candido, Ray Barretto, Olatunji, Potato Valdes, Willie Bobo and others. Audiences around the world loved this sound.

Mann recorded a live album at New York City's Village Gate jazz club in 1961, the set featured “Comin' Home Baby” which became Mann's first major crossover hit. The immense popularity of At the Village Gate made Mann a true superstar.

Not content to rest on his laurels, Mann forged ahead into new territory. Inspired by the classic Brazilian film Black Orpheus, Mann convinced his manager Monte Kay to book him a tour to Brazil, although he was hardly known there. Mann returned to the U.S. transformed by the music he had heard in Brazil, intent on making a Brazilian jazz album. Although guitarist Charlie Byrd and saxophonist Stan Getz had already made a smash hit in 1962 with their Brazilian jazz album, “Jazz Samba,” Mann was unimpressed. His response, also released in 1962, was “Do The Bossa Nova,” featuring more of the real deal: Brazilian musicians like Sergio Mendes, guitarist Baden Powell, and pianist and arranger Antonio Carlos Jobim.

After the bossa-nova craze ran its course, Mann ventured off into Middle Eastern music, which resulted in the 1966 album, “Impressions of the Middle East.” Two years later, Mann delved deeper into yet another genre: rhythm & blues. While in London, he heard Willie Mitchell's Hi Records hit, “Mercy” and as he had done with his exploration of Afro-Cuban music, Mann went straight to the source: Memphis, Tennesee.

After absorbing Memphis' Stax and Hi records sounds, Mann came out with the soul-jazz album “Memphis Underground;” it became his best-selling disc ever. The radio-friendly music and the explosive R&B solo work from guitarist Sonny Sharrock on the disc again infuriated jazz critics.

After the breakthrough success with “Memphis Underground,” Mann continued to explore R&B and its distant cousin, disco. In 1969, Atlantic allowed Mann to start his own label, Embryo. Mann released the sexually-charged album Push Push, in 1971, generating a significant amount of controversy over the suggestive album cover—a nude Mann posing seductively with flute in hand.

Throughout the 1970s, Mann created more distance between himself and the jazz establishment by recording reggae, disco, British rock, and Japanese music albums. By the time he recorded “Discotheque,” he hardly had a jazz core audience. Throughout the 1980s, Mann remained in obscurity when it came to jazz. However, towards the end of this ten-year period, he formed a group, Jasil Brazz, and once again reestablished his musical footing in the fertile sounds of his beloved Brazil. He produced two records, “Jasil Brazz,” and “Opalescence,” featuring Brazilian guitarists Romero Lubambo and Ricardo Silveira. Throughout the label “shifts”, he retained his rights to these recordings and in l992 formed his own label, Kokopelli Music. He launched the label with the release of “Deep Pocket,” an all star, soul/jazz recording featuring Les McCann, Cornell Dupree, David Newman and Chuck Rainey.

Two years later, Herbie went into a partnership and Kokopelli Music was expanded to Kokopelli Records. This year and a half venture produced nearly a dozen recordings including Herbie's “Peace Pieces,” a tribute to the music of Bill Evans, featuring guitarist Bruce Dunlap, Eddie Gomez and Randy Brecker.

Herbie released two albums on the Lightyear label from his l995 weeklong celebration of his 65th birthday. The recordings, “Celebration,” and “America Brasil,” feature many of his longtime friends and musical partners from his past, including David “Fathead” Newman, Dave Valentin, Ron Carter, Billy Taylor, Tito Puente, Randy Brecker, Claudio Roditi and others.

By 1997, he was diagnosed with inoperable prostate cancer, and the disease finally took his life on July 1, 2003.

Herbie Mann's career does not lend itself to easy characterization. At the same time, though, his recorded work speaks volumes about his ability to merge widely-varying forms into a coherent and appealing style that was accessible to the average listener. Mann could also be described as one of the first “world” musicians; his sensitivity for non-Western musical forms, evidenced by his ability to integrate them into work that could be easily appreciated by a largely Western audience while still retaining the essential characteristics of its origin, has few parallels among the other musicians of his generation.

Source: James Nadal

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Biografía

El mundo, según el flautista y compositor Herbie Mann, era un paraíso musical utópico donde el jazz se compone de música afrocubana, de Oriente Medio, de R&B y de casi cualquier otro tipo de música. En la década de 1960, descubrió la bossa-nova de Brasil; en la década de 1970, incluso encontró ritmos de discoteca en el jazz.

A diferencia de la mayoría de sus contemporáneos del jazz, cuando Mann comenzó a tocar la flauta en la década de 1940 no tenía antepasados de los que aprender, ni pioneros de la flauta de jazz a los que idolatrar. Se vio obligado a buscar en otros lugares, tanto dentro como fuera del jazz, para desarrollar su enfoque del jazz y la flauta. Entre las numerosas influencias musicales, Mann se sintió particularmente atraído por los ritmos y melodías de América del Sur y el Caribe.

Herbie Mann nació Herbert Jay Solomon en Brooklyn, Nueva York, el 16 de abril de 1930. A principios de su infancia, Mann estaba tan cautivado por el ritmo que quería ser un baterista. En cambio, un primo de su madre lo convenció de que tocara el clarinete.

En 1948, Mann comenzó a servir cuatro años en el ejército y mientras estaba destinado en Trieste, Italia, comenzó a tocar el saxofón en la banda militar. Después de su baja del servicio, vio una escena de jazz rebosante de saxofonistas y se echó atrás con su segundo instrumento, la flauta. Cuando el acordeonista holandés, Mat Matthews, le dijo que buscaba un flautista de jazz para el primer álbum de la entonces desconocida Carmen McRae, Herbie aprovechó inmediatamente la oportunidad y pasó días "woodshedding" antes de entrar en el estudio. Con esta oportunidad pudo distinguirse de otros músicos como flautista de jazz, que eran pocos.

En 1954, Mann lanzó su primer álbum para Bethlehem Records, "Herbie Mann Plays". Aunque en ese momento estaba tocando con innovadores del bebop como el bajista Milt Hinton, los bateristas Art Blakey y Kenny Clarke, y el pianista Tommy Flanagan, Mann nunca se sintió realmente cómodo tocando bebop de frente. A medida que empezó a introducir elementos de no jazz en su sonido, la flauta de Mann empezó a sonar más dura y agresiva.

Tres años después, Mann hizo el primero de tres álbumes para Verve Records, titulado "La flauta mágica de Herbie Mann". El álbum presentó "The Evolution of Mann", que se convirtió en un éxito instantáneo en la radio gracias al disc jockey neoyorquino "Symphony Sid" Torin. Mann formó entonces una banda afrocubana con percusionistas como Rudy Collins, Ray Mantilla y Carlos "Patato" Valdez, todos de la legendaria Orquesta Machito de Cuba. Debido a que Mann pudo pagar a los percusionistas más dinero del que ganaban con las otras orquestas latinas, se creó una brecha entre Mann y muchos de los otros directores de orquesta latinos. Con el tiempo, el interés de Mann en el jazz afrocubano le llevó a la fuente de la música: África. En 1959, el Departamento de Estado de los Estados Unidos financió un viaje para que Mann visitara África, después de haber escuchado su versión de "African Suite".

Después de su viaje a África, Mann se trasladó a Atlantic Records y publicó "Common Ground (1960)", que abarcaba un sentido más amplio de la diáspora musical africana. La banda de Mann incluía músicos de Puerto Rico, Nigeria y otros países. Este elemento rítmico añadido aumentó la popularidad de Herbie y la lista de percusionistas latinos que tocaron con él a finales de los años 50 y 60 se lee como un Who's Who del género: Candido, Ray Barretto, Olatunji, Potato Valdes, Willie Bobo y otros. El público de todo el mundo amaba este sonido.

Mann grabó un álbum en vivo en el club de jazz Village Gate de la ciudad de Nueva York en 1961, el conjunto incluía "Comin' Home Baby" que se convirtió en el primer gran éxito de Mann. La inmensa popularidad de "At the Village Gate" hizo de Mann una verdadera superestrella.

No contento con dormirse en sus laureles, Mann se forjó en un nuevo territorio. Inspirado por el clásico brasileño Black Orpheus, Mann convenció a su manager Monte Kay para que le reservara un viaje a Brasil, aunque apenas era conocido allí. Mann regresó a los EE.UU. transformado por la música que había escuchado en Brasil, con la intención de hacer un álbum de jazz brasileño. Aunque el guitarrista Charlie Byrd y el saxofonista Stan Getz ya habían conseguido un gran éxito en 1962 con su álbum de jazz brasileño, "Jazz Samba", Mann no quedó impresionado. Su respuesta, también publicada en 1962, fue "Do The Bossa Nova", con más de lo real: músicos brasileños como Sergio Mendes, el guitarrista Baden Powell, y el pianista y arreglista Antonio Carlos Jobim.

Después de que la locura de la bossa-nova siguiera su curso, Mann se aventuró en la música de Oriente Medio, lo que dio lugar al álbum de 1966, "Impressions of the Middle East". Dos años más tarde, Mann profundizó en otro género: el rhythm & blues. Mientras estaba en Londres, escuchó el éxito de Willie Mitchell en Hi Records, "Mercy" y como había hecho con su exploración de la música afrocubana, Mann fue directamente a la fuente: Memphis, Tennesee.

Después de absorber los sonidos de Stax y Hi Records de Memphis, Mann sacó el álbum de soul-jazz "Memphis Underground"; se convirtió en el disco más vendido de su vida. La música apta para la radio y el explosivo trabajo en solitario de R&B del guitarrista Sonny Sharrock en el disco enfurecieron de nuevo a los críticos de jazz.

Tras el gran éxito de "Memphis Underground", Mann siguió explorando el R&B y su primo lejano, el disco. En 1969, Atlantic permitió a Mann crear su propio sello, Embryo. Mann lanzó el álbum sexualmente cargado Push Push, en 1971, generando una importante controversia sobre la sugerente portada del álbum: una Mann desnuda posando seductoramente con la flauta en la mano.

A lo largo de la década de 1970, Mann creó más distancia entre él y el establecimiento del jazz al grabar álbumes de reggae, disco, rock británico y música japonesa. Cuando grabó "Discoteca", apenas tenía un público de jazz. A lo largo de los años 80, Mann permaneció en el olvido en lo que se refiere al jazz. Sin embargo, hacia el final de este período de diez años, formó un grupo, Jasil Brazz, y una vez más restableció su base musical en los fértiles sonidos de su amado Brasil. Produjo dos discos, "Jasil Brazz" y "Opalescence", con los guitarristas brasileños Romero Lubambo y Ricardo Silveira. Durante los "cambios" del sello, conservó los derechos de estas grabaciones y en 1992 formó su propio sello, Kokopelli Music. Lanzó el sello con el lanzamiento de "Deep Pocket", una grabación de soul/jazz con Les McCann, Cornell Dupree, David Newman y Chuck Rainey.

Dos años más tarde, Herbie se asoció con Kokopelli Music y se expandió a Kokopelli Records. Este año y medio la empresa produjo casi una docena de grabaciones, incluyendo "Peace Pieces" de Herbie, un tributo a la música de Bill Evans, con el guitarrista Bruce Dunlap, Eddie Gómez y Randy Brecker.

Herbie lanzó dos álbumes con el sello Lightyear en la semana de celebración de su 65 cumpleaños en 1995. Las grabaciones, "Celebration" y "America Brasil", presentan a muchos de sus viejos amigos y compañeros musicales de su pasado, incluyendo a David "Fathead" Newman, Dave Valentin, Ron Carter, Billy Taylor, Tito Puente, Randy Brecker, Claudio Roditi y otros.

En 1997 se le diagnosticó un cáncer de próstata inoperable, y la enfermedad finalmente le quitó la vida el 1 de julio de 2003.

La carrera de Herbie Mann no se presta a una fácil caracterización. Sin embargo, al mismo tiempo, su trabajo grabado dice mucho sobre su capacidad de fusionar formas muy variadas en un estilo coherente y atractivo que era accesible para el oyente medio. Mann también podría describirse como uno de los primeros músicos "mundiales"; su sensibilidad por las formas musicales no occidentales, que se pone de manifiesto en su capacidad para integrarlas en una obra que podía ser fácilmente apreciada por un público mayoritariamente occidental, conservando al mismo tiempo las características esenciales de su origen, tiene pocos paralelismos con los demás músicos de su generación.

Fuente: James Nadal

Larry Coryell • Shining Hour

 

Charles Mingus • Something Like a Bird

 

The Larry Coryell Organ Trio • Impressions

 

https://larrycoryell.net/

 

VA • The Most Relaxing Jazz Guitar Music in the Universe

 

Kenny Burrel, Grant Green, Sal Salvador, Mundell Lowe, Jimmy Ponder, Pat Martino, Charlie Byrd, Larry Coryell, Joe Puma, Tal Farlow ...

Larry Coryell • New York 1974

 

larrycoryell.net ...

Chet Baker-Wolfgang Lackerschmid • Artists Favor

 

www.chetbaker.net ...
www.lackerschmid.de ...

VA • Beatles In Jazz, A Jazz Tribute To The Beatles

 

 

Gary Burton • Reunion

 

 

Biography by Scott Yanow
One of the two great vibraphonists to emerge in the 1960s (along with Bobby Hutcherson), Gary Burton's remarkable four-mallet technique (best displayed on an unaccompanied version of "No More Blues" from 1971) can make him sound like two or three players at once. He has recorded in a wide variety of settings and always sounds distinctive. Self-taught on vibes, Burton made his recording debut with country guitarist Hank Garland when he was 17. From there, he started recording regularly for RCA in 1961, beginning with his debut, New Vibe Man in Town.

Despite his burgeoning solo career, he continued work as a sideman, touring with George Shearing's quintet in 1963. He also gained some fame while with Stan Getz's pianoless quartet during 1964-1966, and then put together his own groups. In 1967, with guitarist Larry Coryell, he led one of the early "fusion" bands, releasing albums like A Genuine Tong Funeral, Duster, and Gary Burton Quartet in Concert. Coryell would later be succeeded by Sam Brown, Mick Goodrick, John Scofield, Jerry Hahn, and Pat Metheny.

During the '70s, Burton continued to release a steady stream of albums including the impressive solo session Alone at Last, Ring with Eberhard Weber, and the quintet date Dreams So Real: Music of Carla Bley. He also collaborated often during the '70s, touring and recording duet sets with Chick Corea such as 1972's Crystal Silence for ECM. There were similarly influential dates with Ralph Towner, Steve Swallow, Paul Bley, Keith Jarrett, and others. Among his sidemen in the late '70s and '80s were Makoto Ozone, Tiger Okoshi, and Tommy Smith. Very active as an educator at Berklee upon joining its faculty in 1971, Burton remained a prominent performer over the next few decades, releasing albums like 1982's Lyric Suite for Sextet, 1986's Whiz Kids, and 1988's Times Like These for GRP.

Moving into the '90s, Burton stuck with GRP, issuing albums like the Paul Bley duo date Right Time, Right Place, 1993's It's Another Day with vocalist Rebecca Parris, and 1995's Face to Face. He then shifted to Concord for a bevy of well-regarded efforts, including 1997's Departure and 1998's Like Minds. Two years later, Libertango, his tribute to tango master Astor Piazzolla, arrived. The very personal album For Hamp, Red, Bags, and Cal was issued in 2001, and in 2002 he explored classical music with the duet album Virtuosi, recorded with pianist Makoto Ozone.

The year 2004 found Burton back on familiar ground with the release of Generations, a bop-influenced album featuring a quartet of younger musicians. Burton paired with the same group for 2005's Next Generation. In 2009, Burton released Quartet Live featuring guitarist Metheny and bassist Swallow on Concord. In 2012, he released Hot House, another duet recording with Corea. In August of 2013, the vibraphonist released Guided Tour by the New Gary Burton Quartet on Mack Avenue Records. His new bandmates included drummer Antonio Sanchez, bassist Scott Colley, and guitarist Julian Lage. Two years later, he joined Metheny, Jan Garbarek, Paul McCandless, the SWR Big Band, and others in a concert marking bassist Eberhard Weber's 75th birthday. It was released as Hommage à Eberhard Weber on ECM. After a 50-plus-year career, Burton retired from performing in 2017, following a farewell tour with pianist Ozone.
https://www.allmusic.com/artist/gary-burton-mn0000738182#biography

 

gary-burton ...

 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Kazumi Watanabe • ONE for ALL

 

Biography
by Matt Collar
A technically adept guitarist with a dynamic, highly inventive, jazz fusion-based sound, Kazumi Watanabe is one of Japan's most prolific and recognizable instrumentalists. Although primarily focused on jazz, Watanabe has left his mark on such varied genres as hard rock, electronic pop, and ambient classical music. Since debuting in the '70s, the early prodigy has built an impressive body of work with numerous solo projects and collaborations with such luminaries as Ryuichi Sakamoto, Mike Mainieri, Bill Bruford, and many more.

Born in Tokyo in 1953, Watanabe became interested in music at a young age, starting out on the piano at age seven. However, by age 12 he had picked up a guitar, inspired by the twangy electric surf rock of the Ventures and, later, the warm and soulful jazz of Wes Montgomery. Although naturally gifted and largely hailed as a prodigy, he did study for a time with Sadanori Nakamure at the Yamaha Music School in Tokyo. At age 17, Watanabe made his recorded debut with 1971's Infinite, a sprawling set of edgy modal jazz.

He then signed with Columbia and delivered a handful of highly regarded efforts including 1974's Endless Way, 1977's Lonesome Cat, and 1977's Olive's Step, all of which found him embracing a bold crossover jazz and rock sound. His 1978 album, Mermaid Boulevard, further solidified his fusion star status with an all-star lineup featuring Lee Ritenour, Ernie Watts, Patrice Rushen, Harvey Mason, and others. He also toured often during this period, appearing with many of Japan's top performers including Sadao Watanabe, Isao Suzuki, Masaru Imada, and others.

Watanabe closed out the '70s with formation of the landmark fusion and pop outfit Kylyn alongside legendary keyboardist Ryuichi Sakamoto. Together, they released such well-received efforts as Kylyn and Kylyn Live. The guitarist also contributed to Sakamoto's 1978 solo debut, Thousand Knives, and toured with the keyboardist's electronic outfit Yellow Magic Orchestra. The pair's work together was compiled for 1978's Tokyo Joe, which was re-released outside of Japan in the early '80s.

The '80s continued to prove a fruitful period for the guitarist, who issued the hugely successful fusion effort To Chi Ka in 1980, featuring vibraphonist Mike Mainieri, pianist Kenny Kirkland, bassists Marcus Miller and Tony Levin, drummer Peter Erskine, and guest saxophonist Michael Brecker. A year later he delivered Dogatana, which revealed his growing interest in the acoustic guitar. Also during this period, he toured with the Brecker Brothers and Jaco Pastorius, and recorded with Mainieri's Steps Ahead and saxophonist Sadao Watanabe.

In 1983, he founded the genre-bending fusion and rock outfit Mobo with pianist Ichiko Hashimoto, guitarist Gregg Lee, saxophonist Mitsuru Sawamura, and drummers Shuichi Murakami and Kiyohiko Senba. The group debuted with Mobo, Vol. 1, followed by a handful of influential efforts including 1983's Mobo Club and 1985's Mobo Splash. He then paired with bassist Jeff Berlin and Yes drummer Bill Bruford for 1987's The Spice of Life and 1988's The Spice of Life Too. Watanabe capped the decade with his solo effort Kilowatt, which featured guest spots from saxophonist Wayne Shorter, percussionist Alex Acuña, and keyboardist Patrick Moraz.

Having established himself as one of the world's preeminent electric fusion guitarists, Watanabe began gravitating toward acoustic music, a sound he explored on 1990's Ganesia. He also played numerous live acoustic shows duetting with guitarists like Babik Reinhardt, Ralph Towner, Tonino Horta, and others. Nonetheless, he remained a vital force in electric fusion with his Resonance Vox outfit, delivering albums like 1992's Pandora, 1996's Romanesque, and 1999's Jigojitoku. In 1999, he reunited with longtime associates vibraphonist Mainieri, bassist John Patitucci, guitarist Larry Coryell, keyboardist Akiko Yano, and drummer Mino Cinelu for the live album One for All.

He also continued to expand his palette, touring with the 32-member Asian Fantasy Orchestra, and exploring new formats, as on his first solo guitar album, 2003's Guitar Renaissance. That same year, he joined bassist Richard Bona and drummer Horacio "El Negro" Hernández in the New Electric Trio with 'Mo Bop. Also around this time, he celebrated 30 years as a guitarist with the Infinite Beyond suite, which was released on album in 2006. A year later, he collaborated with pianist and longtime partner Koko Tanikawa on the environmentally conscious album Castle in the Air. He then paired with vocalist Minako Yoshida for a set of intimate acoustic covers on 2008's Nowadays. He also launched the Asian Super Guitar Project during this period, featuring guitarists from Korea and Hong Kong on the album Guitar Sam Guk Ji.

Along with recording, Watanabe remains an active live performer with regular appearances in Japan and around the world. In 2010, he reunited with Mainieri, Marcus Miller, pianist Warren Bernhardt, and drummer Omar Hakim for To Chi Ka 2010 at the Tokyo Jazz Festival. The concert album Live at the Iridium appeared in 2012, followed by Lotus Night with Mainieri and Bernhardt in 2016. In 2017, Watanabe delivered the orchestral album Tokyo Wanderer.
https://www.allmusic.com/artist/kazumi-watanabe-mn0000369869/biography

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Biografía
por Matt Collar
Kazumi Watanabe, un guitarrista técnicamente experto con un sonido dinámico y altamente inventivo basado en la fusión de jazz, es uno de los instrumentistas japoneses más prolíficos y reconocidos. Aunque centrado principalmente en el jazz, Watanabe ha dejado su impronta en géneros tan variados como el rock duro, el pop electrónico y la música clásica ambiental. Desde su debut en los años 70, este prodigio precoz ha construido una impresionante obra con numerosos proyectos en solitario y colaboraciones con luminarias de la talla de Ryuichi Sakamoto, Mike Mainieri, Bill Bruford y muchos más.

Nacido en Tokio en 1953, Watanabe comenzó a interesarse por la música a una edad temprana, iniciándose en el piano a los siete años. A los 12 ya había cogido la guitarra, inspirado por el surf rock eléctrico de los Ventures y, más tarde, por el jazz cálido y conmovedor de Wes Montgomery. Aunque dotado por naturaleza y considerado un prodigio, estudió durante un tiempo con Sadanori Nakamure en la Escuela de Música Yamaha de Tokio. A los 17 años, Watanabe hizo su debut discográfico con Infinite, de 1971, un extenso conjunto de jazz modal de vanguardia.

A continuación firmó con Columbia y publicó un puñado de álbumes de gran prestigio, como Endless Way (1974), Lonesome Cat (1977) y Olive's Step (1977), en los que adoptó un audaz cruce de jazz y rock. Su álbum de 1978, Mermaid Boulevard, consolidó aún más su estatus de estrella de la fusión con una formación de estrellas que incluía a Lee Ritenour, Ernie Watts, Patrice Rushen, Harvey Mason y otros. También realizó numerosas giras durante este periodo, actuando con muchos de los mejores artistas japoneses, como Sadao Watanabe, Isao Suzuki, Masaru Imada y otros.

Watanabe cerró la década de los 70 con la formación del histórico grupo de fusión y pop Kylyn, junto al legendario teclista Ryuichi Sakamoto. Juntos publicaron trabajos tan bien recibidos como Kylyn y Kylyn Live. El guitarrista también colaboró en el debut en solitario de Sakamoto en 1978, Thousand Knives, y realizó giras con el grupo electrónico del teclista, Yellow Magic Orchestra. El trabajo conjunto de ambos se recopiló en Tokyo Joe, de 1978, que se reeditó fuera de Japón a principios de los 80.

Los 80 siguieron siendo un periodo fructífero para el guitarrista, que publicó el exitoso álbum de fusión To Chi Ka en 1980, con el vibrafonista Mike Mainieri, el pianista Kenny Kirkland, los bajistas Marcus Miller y Tony Levin, el batería Peter Erskine y el saxofonista invitado Michael Brecker. Un año más tarde publicó Dogatana, que revelaba su creciente interés por la guitarra acústica. También durante este periodo, realizó giras con los Brecker Brothers y Jaco Pastorius, y grabó con Steps Ahead de Mainieri y el saxofonista Sadao Watanabe.

En 1983 fundó el grupo de fusión y rock Mobo con el pianista Ichiko Hashimoto, el guitarrista Gregg Lee, el saxofonista Mitsuru Sawamura y los baterías Shuichi Murakami y Kiyohiko Senba. El grupo debutó con Mobo, Vol. 1, al que siguieron varios trabajos influyentes, como Mobo Club, de 1983, y Mobo Splash, de 1985. Luego formó pareja con el bajista Jeff Berlin y el batería de Yes Bill Bruford para The Spice of Life, de 1987, y The Spice of Life Too, de 1988. Watanabe cerró la década con su disco en solitario Kilowatt, que contó con la participación del saxofonista Wayne Shorter, el percusionista Alex Acuña y el teclista Patrick Moraz.

Tras establecerse como uno de los guitarristas de fusión eléctrica más destacados del mundo, Watanabe empezó a inclinarse por la música acústica, un sonido que exploró en Ganesia, de 1990. También tocó en numerosos conciertos acústicos a dúo con guitarristas como Babik Reinhardt, Ralph Towner y Tonino Horta, entre otros. Sin embargo, siguió siendo una fuerza vital en la fusión eléctrica con su grupo Resonance Vox, con álbumes como Pandora (1992), Romanesque (1996) y Jigojitoku (1999). En 1999, se reunió con Mainieri (vibrafonista), John Patitucci (bajista), Larry Coryell (guitarrista), Akiko Yano (teclista) y Mino Cinelu (batería) para el álbum en directo One for All.

También siguió ampliando su paleta, realizando giras con la Asian Fantasy Orchestra, formada por 32 miembros, y explorando nuevos formatos, como en su primer álbum de guitarra en solitario, Guitar Renaissance, de 2003. Ese mismo año se unió al bajista Richard Bona y al batería Horacio "El Negro" Hernández en el New Electric Trio con 'Mo Bop. También por esas fechas, celebró sus 30 años como guitarrista con la suite Infinite Beyond, que se publicó en álbum en 2006. Un año más tarde, colaboró con la pianista y compañera de muchos años Koko Tanikawa en el álbum Castle in the Air, con conciencia medioambiental. Luego se asoció con la vocalista Minako Yoshida para una serie de íntimas versiones acústicas en Nowadays, de 2008. También lanzó el Asian Super Guitar Project durante este periodo, con guitarristas de Corea y Hong Kong en el álbum Guitar Sam Guk Ji.

Además de grabar, Watanabe sigue actuando en directo con regularidad en Japón y en todo el mundo. En 2010, se reunió con Mainieri, Marcus Miller, el pianista Warren Bernhardt y el batería Omar Hakim para To Chi Ka 2010 en el Festival de Jazz de Tokio. El álbum de conciertos Live at the Iridium apareció en 2012, seguido de Lotus Night con Mainieri y Bernhardt en 2016. En 2017, Watanabe entregó el álbum orquestal Tokyo Wanderer.
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