Donald Byrd • At The Half Note Cafe, Volumes 1 & 2

Review
by Thom Jurek  
This 2004 remastered Rudy Van Gelder edition of Donald Byrd's At the Half Note Cafe (the original double-disc version was only issued for the first time in 2000) appears to add one extra track -- "Theme (Pure D. Funk)," which clocks in at 1:51 and is also on the second volume in its full form, and a slightly shorter version of "Cecille." Here it clocks it at 12:52; on the 2000 issue it was 14:46. The sequence has also been altered slightly. The real deal is that, while this is the live date showcasing the Byrd quintet with Pepper Adams (and with Duke Pearson, Lex Humphries, and Laymon Jackson in the rhythm section), there is little here to make this worth purchasing yet again if you have the previous set. The sound is only marginally better -- and is likely only to be noticed by audiophiles. However, if you don't have the originals, this is one of the most essential hard bop purchases in the canon. The performances of Pearson -- of his own four tunes, five by Byrd, and the standards -- showcase his improvisational acumen at its height. His soloing on studio records pales in comparison. This was a hot quintet, one that not only swung hard, but possessed a deep lyricism and an astonishing sense of timing, and one need only this set by them to feel the full measure of their worth. Forget the Riverside date that caught them live early on; this is the one.
https://www.allmusic.com/album/donald-byrd-at-the-half-note-cafe-vols-1-2-mw0000594775

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Reseña
por Thom Jurek  
Esta edición remasterizada por Rudy Van Gelder en 2004 de At the Half Note Cafe de Donald Byrd (la versión original de doble disco sólo se publicó por primera vez en 2000) parece añadir un tema extra -- "Theme (Pure D. Funk)", que dura 1:51 y también está en el segundo volumen en su forma completa, y una versión ligeramente más corta de "Cecille". Aquí dura 12:52, mientras que en la edición de 2000 duraba 14:46. La secuencia también se ha modificado ligeramente. El verdadero problema es que, aunque ésta es la fecha en directo en la que aparece el quinteto de Byrd con Pepper Adams (y con Duke Pearson, Lex Humphries y Laymon Jackson en la sección rítmica), hay poco aquí que haga que merezca la pena comprarlo de nuevo si se tiene el disco anterior. El sonido es sólo ligeramente mejor, y es probable que sólo lo noten los audiófilos. Sin embargo, si usted no tiene los originales, esta es una de las compras más esenciales de hard bop en el canon. Las interpretaciones de Pearson -de sus cuatro temas, cinco de Byrd y los estándares- muestran su capacidad de improvisación en su apogeo. Sus solos en discos de estudio palidecen en comparación. Este era un quinteto ardiente, que no sólo tocaba con fuerza, sino que poseía un profundo lirismo y un asombroso sentido de la sincronización, y uno sólo necesita este conjunto de ellos para sentir toda la medida de su valía. Olvídense de la cita de Riverside en la que los vieron en directo al principio; ésta es la mejor.
https://www.allmusic.com/album/donald-byrd-at-the-half-note-cafe-vols-1-2-mw0000594775

Bill Harris • The Soul Of Jazz

 

This a rare and dynamic session, recorded by Rudy van Gelder in 1958, features an amazing All Stars cast. Essentially, it showcases Bill Harris playing alongside Joe Wilder, Bobby Jaspar, Pepper Adams, Eddie Costa, George Duvivier and Art Taylor. These musicians truly display the essence of jazz and hence the album’s title is so very appropriate. The sound even though ripped from a well-loved old vinyl still comes across ‘alive and fresh’ even by today’s standards. The concept of this LP is masterminded by the arrangements and conducting skills of Billy Ver Plank. The choices of tunes are very complimentary and blend well, all the while giving the players plenty of room to solo. Well Recommended.

Generally speaking, the men on the date fall into either a late swing or neo-modern period, as to their particular improvisatory allegiances. Yes, all bear the same "pure" approach to their performance of jazz. Bill Harris, veteran trombone star of the 1940's and the Woody Herman band has been a "preaching" jazzman of great fame for many years. Joe wilder, the early modern trumpet star, sparkles here with his growls, his various muses, and that unbelievably pure bell-tone while blowing a modern cascade of notes. Bobby Jaspar, Belgian import who has come to fame with J.J. Johnson and other combos on both tenor and flute, he is a "wailer" who plays in the Coltrane-Sims tradition these days. Pepper Adams, deserving of his nickname, bursts fierily throughout the proceedings. He is a Detroit export who rose to fame with Kenton, and has recently led his own combo in New York City. Eddie Costa, vibist and pianist once again proves his prowess as a tasty and ever-swinging keyboard man. George Duvivier can only be described as a "Rock" in a rhythm section ... with both beat, intonation, and "life" that are impeccable. Art Taylor, a usually intrepid bopper, illustrates his quieter moods here, lapsing into the more normal "popping" style he has become noted for on two tracks. Basically, the tunes are simple harmonic changes, with tried harmony, open voiced for the horns, and usually ending with the traditional "Amen" chord resolution. The solo-work, in almost every case stays fairly close to the simple diatonic harmonies, yet conveying a combined "preaching" and "funky blues" feel. ~ Extract from Liner Notes by H. Alan Stein.

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Esta es una rara y dinámica sesión, grabada por Rudy van Gelder en 1958, con un asombroso elenco de All Stars. En esencia, muestra a Bill Harris tocando junto a Joe Wilder, Bobby Jaspar, Pepper Adams, Eddie Costa, George Duvivier y Art Taylor. Estos músicos muestran la esencia del jazz y por eso el título del álbum es tan apropiado. El sonido, aunque arrancado de un viejo y querido vinilo, sigue siendo "vivo y fresco" incluso para los estándares de hoy en día. El concepto de este LP se basa en los arreglos y la dirección de Billy Ver Plank. La elección de los temas es muy complementaria y se mezclan bien, al tiempo que dan a los músicos mucho espacio para los solos. Bien recomendado.

En general, los hombres de la fecha caen en un período de swing tardío o neomoderno, en cuanto a sus lealtades particulares de improvisación. Sí, todos tienen el mismo enfoque "puro" en su interpretación del jazz. Bill Harris, veterano trombonista de los años 40 y la banda de Woody Herman ha sido un jazzista "predicador" de gran fama durante muchos años. Joe Wilder, la primera estrella de la trompeta moderna, brilla aquí con sus gruñidos, sus diversas musas y ese increíblemente puro tono de campana mientras sopla una moderna cascada de notas. Bobby Jaspar, importado de Bélgica que ha alcanzado la fama con J.J. Johnson y otros combos tanto en tenor como en flauta, es un "llorón" que toca en la tradición de Coltrane-Sims en estos días. Pepper Adams, merecedor de su apodo, irrumpe con fuerza en todo el proceso. Es un exportador de Detroit que saltó a la fama con Kenton, y recientemente ha dirigido su propio combo en la ciudad de Nueva York. Eddie Costa, vibrafonista y pianista demuestra una vez más su destreza como un sabroso teclista. George Duvivier sólo puede ser descrito como un "Rock" en una sección rítmica... con un ritmo, una entonación y una "vida" impecables. Art Taylor, un intrépido bopper, ilustra aquí sus estados de ánimo más tranquilos, cayendo en el estilo más normal de "popping" por el que se ha hecho famoso en dos temas. Básicamente, las melodías son simples cambios armónicos, con armonía probada, voz abierta para las trompas, y generalmente terminan con la tradicional resolución de acordes "Amen". El trabajo en solitario, en casi todos los casos se mantiene bastante cerca de las simples armonías diatónicas, pero transmitiendo una sensación combinada de "predicación" y "funky blues". ~ Extracto de Liner Notes de H. Alan Stein.

Bob Keene Septet & Lex Golden Jazz Octet • Solo for Seven - The Lex Golden Jazz Octet in Hi-Fi

 

Description from Fresh Sound Records / Jazz Hot (by Michel Laplace):
When clarinettist Bob Keene led an 18-piece orchestra in 1951 it was billed as one of the greatest bands since Artie Shaw's. Shaw gave it his stamp of approval and considered Keene to be a worthy successor. However, Keene's fame was fleeting and he's since faded into obscurity. But members of his septet heard here, such as Pepper Adams, Red Norvo and Shelly Manne, still register strongly in the collective memory. Standards from the likes of Kern, Loesser and Arlen are rearranged by Jack Montrose and provide us with 11 compact, highly melodic tracks delivered in cool jazz and swing style. The average length of each clocks in at 2.7 minutes. There's nothing long-winded about Bob Keene!

Prior to the recording of In Hi-Fi, trumpeter Lex Golden was all but unknown outside Los Angeles where he led dance bands in the city's nightspots. Golden peut swinguer ("Flip-Top"). Abe Most (1920-2002), Gene Cipriano (born 1929) and Lester Pinter form a saxophone section heavily influenced by Woody Herman's ("I Wished on the Moon"). Clarence E. Pete Carpenter (1914-1987) is a good trombonist and arranger ("Llama's Mama", "Mule Train", "Lot's O' Lex"). Cipriano and Pinter, both equally Lester Young-influenced, take solos in "Jeepers Creepers."
https://www.freshsoundrecords.com/bob-keene-lex-golden-albums/54012-solo-for-seven-the-lex-golden-jazz-octet-in-hi-fi-2-lp-on-1-cd.html

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Descripcion de Fresh Sound Records / Jazz Hot (por Michel Laplace):
Cuando el clarinetista Bob Keene dirigio una orquesta de 18 piezas en 1951, fue presentada como una de las mejores bandas desde la de Artie Shaw. Shaw le dio su sello de aprobacion y considero a Keene como un sucesor digno. Sin embargo, la fama de Keene fue efimera y desde entonces ha caido en el olvido. Pero los miembros de su septeto aqui escuchados, como Pepper Adams, Red Norvo y Shelly Manne, aun resuenan fuertemente en la memoria colectiva. Los standards de compositores como Kern, Loesser y Arlen son reorganizados por Jack Montrose y nos ofrecen 11 temas compactos y altamente melodicos entregados en estilo cool jazz y swing. La duracion media de cada uno ronda los 2.7 minutos. No hay nada prolijo en Bob Keene!

Antes de la grabacion de In Hi-Fi, el trompetista Lex Golden era practicamente desconocido fuera de Los Angeles, donde dirigia bandas de baile en los locales nocturnos de la ciudad. Golden sabe swingear ("Flip-Top"). Abe Most (1920-2002), Gene Cipriano (nacido en 1929) y Lester Pinter forman una seccion de saxofones muy influenciada por la de Woody Herman ("I Wished on the Moon"). Clarence E. Pete Carpenter (1914-1987) es un buen trombonista y arreglista ("Llama's Mama", "Mule Train", "Lot's O' Lex"). Cipriano y Pinter, ambos igualmente influenciados por Lester Young, intervienen en solitario en "Jeepers Creepers."
https://www.freshsoundrecords.com/bob-keene-lex-golden-albums/54012-solo-for-seven-the-lex-golden-jazz-octet-in-hi-fi-2-lp-on-1-cd.html

freshsoundrecords.com ...

Lee Morgan • The Cooker

 

Although Lee Morgan had already made a handful of albums at the age of 19, The Cooker (1957) represents his throwing down the gauntlet as successor to Clifford Brown's vacated throne. It's close to being a pure bebop session, suggestive of a date like For Musicians Only (Verve, 1956), on which Gillespie, Stitt and Getz set some sort of record for NPS (notes per second). At the same time, the precocious trumpeter, already brimming with confidence, is not about to get reckless: he pulls a punch or two, most notably on the opening "Night in Tunisia."

Bebop was a musical language about comparisons, and Morgan was keenly aware of his predecessors. Charlie Parker's incredible four-bar break at the end of the sixteen-bar tag of Gillespie's signature piece on the 1947 Carnegie Hall concert (Diz 'N Bird at Carnegie Hall, Blue Note, 1997) had come to represent the gold standard of jazz improvisation, which Morgan had only begun to approach on his solo performances of the tune with the Gillespie big band (Dizzy Gillespie at Newport, Verve, 1957). And though Clifford Brown's version is equal parts inspired invention and stunning virtuosity (Art Blakey, A Night at Birdland, Vol. 1, Blue Note, 1954), the naked four-bar break is given to Lou Donaldson's alto saxophone, with arguably embarrassing results.

Morgan slyly eludes trouble yet takes the listener by surprise when he omits all but the tag's challenging four bars, which he then "wastes" by simply having bass and drums mark time. The listener's letdown is quickly offset, however, by a blistering trumpet solo starting on the first beat of the main chorus, demonstrating why the rising star chose such a deliberative tempo: almost the entirety of his two-chorus solo is played in double time. As dazzling as his execution is, Morgan has one more deception up his sleeve. On both the earlier Gillespie recording and a later Art Blakey date (A Night in Tunisia, Blue Note, 1960), the trumpeter makes sure he gets his piece said on the A7 altered chord of the tune's cadenza: on this occasion, he takes a complete pass!

The characteristically showy side of Morgan is in evidence on his "Heavy Dipper," an infectious, medium-tempo swinger. Anticipating trademark mannerisms—clipped notes, upward slurs, half-valving, triple-tonguing—his solo is still as flowing as it is playful.

The tempo of "Just One of Those Things" breaks the sound barrier while exposing one of the still-maturing musician's weaknesses: if a turn of phrase sounds good once, certainly playing it a few more times can't be a bad idea. Unfortunately, the effect of these ramped-up, "treadmill" moments can get uncomfortably close to "Carnival of Venice" showpiece territory. The alternate take of the tune proves more musically substantive, though the ballad number—the bebopper's requisite "Lover Man"—does little to advance the newcomer's cause.

Pepper Adams is an unrelenting juggernaut on the date, pushing the leader to rise to each challenge. Bobby Timmons, Paul Chambers and Philly Joe Jones supply all of the heat required for this cooking session, otherwise judiciously staying clear of the head chef, who serves up cuisine likely to impress even the fastidious gourmet.
BY SAMUEL CHELL
January 29, 2007
https://www.allaboutjazz.com/the-cooker-lee-morgan-blue-note-records-review-by-samuel-chell

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Aunque Lee Morgan ya había hecho un puñado de álbumes a la edad de 19 años, The Cooker (1957) representa su lanzamiento del guante como sucesor del trono vacante de Clifford Brown. Está cerca de ser una sesión de bebop puro, que sugiere una fecha como For Musicians Only (Verve, 1956), en la que Gillespie, Stitt y Getz establecieron una especie de récord de NPS (notas por segundo). Al mismo tiempo, el precoz trompetista, ya rebosante de confianza, no está a punto de volverse imprudente: da algún que otro golpe, sobre todo en la inicial "Night in Tunisia".

El Bebop era un lenguaje musical de comparaciones, y Morgan era muy consciente de sus predecesores. La increíble pausa de cuatro compases de Charlie Parker al final de los dieciséis compases de la pieza emblemática de Gillespie en el concierto del Carnegie Hall de 1947 (Diz 'N Bird at Carnegie Hall, Blue Note, 1997) había llegado a representar el estándar de oro de la improvisación jazzística, al que Morgan sólo había empezado a acercarse en sus interpretaciones en solitario de la melodía con la big band de Gillespie (Dizzy Gillespie at Newport, Verve, 1957). Y aunque la versión de Clifford Brown es a partes iguales una invención inspirada y un virtuosismo asombroso (Art Blakey, A Night at Birdland, Vol. 1, Blue Note, 1954), la ruptura desnuda de cuatro compases se da al saxo alto de Lou Donaldson, con resultados posiblemente vergonzosos.

Morgan elude astutamente los problemas, pero toma al oyente por sorpresa cuando omite todos los compases excepto los cuatro desafiantes de la etiqueta, que luego "desperdicia" haciendo que el bajo y la batería marquen el tiempo. Sin embargo, la decepción del oyente se ve rápidamente compensada por un contundente solo de trompeta que comienza en el primer tiempo del estribillo principal, lo que demuestra por qué la estrella emergente eligió un tempo tan deliberativo: casi la totalidad de su solo de dos estribillos se toca en doble tiempo. Por muy deslumbrante que sea su ejecución, Morgan se guarda un engaño más en la manga. Tanto en la anterior grabación de Gillespie como en una fecha posterior de Art Blakey (A Night in Tunisia, Blue Note, 1960), el trompetista se asegura de que se diga su pieza en el acorde alterado A7 de la cadencia de la melodía: en esta ocasión, ¡se pasa por completo!

El lado característico de Morgan es evidente en su "Heavy Dipper", un contagioso swinger de medio tiempo. Anticipándose a los manierismos de su marca -notas cortadas, ligados ascendentes, medio valvulismo, triple lengua- su solo sigue siendo tan fluido como juguetón.

El tempo de "Just One of Those Things" rompe la barrera del sonido al mismo tiempo que expone una de las debilidades del músico que aún está madurando: si un giro de frase suena bien una vez, ciertamente tocarlo unas cuantas veces más no puede ser una mala idea. Desgraciadamente, el efecto de estos momentos de aceleración, de "cinta de correr", puede acercarse incómodamente al territorio del espectáculo del "Carnaval de Venecia". La toma alternativa de la melodía resulta más sustanciosa desde el punto de vista musical, aunque el número de la balada -el requisito del bebopper "Lover Man"- hace poco por la causa del recién llegado.

Pepper Adams es una fuerza implacable en la cita, empujando al líder a estar a la altura de cada desafío. Bobby Timmons, Paul Chambers y Philly Joe Jones aportan todo el calor necesario para esta sesión de cocina, y por lo demás se mantienen juiciosamente alejados del jefe de cocina, que sirve una cocina capaz de impresionar incluso al gourmet más exigente.
POR SAMUEL CHELL
29 de enero de 2007
https://www.allaboutjazz.com/the-cooker-lee-morgan-blue-note-records-review-by-samuel-chell

Joe Zawinul • Money In The Pocket

 

Review from All About Jazz (by Chris May):
Recorded in late 1965, while keyboard player Joe Zawinul was still a member of saxophonist Cannonball Adderley's band, Money In The Pocket is a remarkable album -- remarkable in that it gives absolutely no hint of the shape shifts that would transform Zawinul's work a few years later. The first of three albums he recorded for Atlantic, it's a conventional mix of mid-1960s hard bop and soul jazz. "Money In The Pocket" itself, one of three Zawinul originals, made with tenor saxophonist Clifford Jordan and trumpeter Blue Mitchell, is classic Blue Note hard bop in everything but record label. Four other tracks recorded with a three-horn frontline -- tenor saxophonist Joe Henderson, baritone saxophonist Pepper Adams and Mitchell, with bassist Sam Jones and drummer Louis Hayes from the Adderley band -- take in bop and soul jazz. Jones' "Some More Of Dat" is a dead ringer for contemporaneous Adderley or pianist Horace Silver. All these tracks are good, but even by the standards of the time they are pretty ordinary. Zawinul's modal-flavored "Riverbed," though hardly radical, is the disc's most singular composition. There are, however, two ballad readings of note: "My One And Only Love" performed solo by Zawinul, and "Sharon's Waltz" with Jones and Hayes -- lyrical and just the right side of rococo, Zawinul's solos are delightful. Reissued as part of Warner Jazz's Atlantic Masters series, it isn't to be confused with the Adderley band's album of the same title.
https://www.allaboutjazz.com/money-in-the-pocket-joe-zawinul-review-by-chris-may

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Resena de All About Jazz (por Chris May):
Grabado a fines de 1965, mientras el pianista Joe Zawinul era todavia miembro del grupo del saxofonista Cannonball Adderley, Money In The Pocket es un album notable -- notable porque no da absolutamente ninguna pista de las transformaciones que cambiarian el trabajo de Zawinul pocos anos despues. El primero de tres albums que grabo para Atlantic, es una mezcla convencional de hard bop y soul jazz de mediados de los sesenta. El propio "Money In The Pocket", uno de los tres originales de Zawinul, realizado con el saxofonista tenor Clifford Jordan y el trompetista Blue Mitchell, es hard bop clasico al estilo Blue Note en todo menos en el sello discografico. Cuatro tracks mas grabados con una primera linea de tres cuernos -- el saxofonista tenor Joe Henderson, el saxofonista baritono Pepper Adams y Mitchell, con el bajista Sam Jones y el baterista Louis Hayes de la banda de Adderley -- transitan por el bop y el soul jazz. "Some More Of Dat" de Jones es casi indistinguible del Adderley o el pianista Horace Silver contemporaneos. Todos estos temas son buenos, aunque incluso para los estandares de la epoca resultan bastante ordinarios. El "Riverbed" de Zawinul, con sabor modal aunque no especialmente radical, es la composicion mas singular del disco. Sin embargo, hay dos lecturas de baladas notables: "My One And Only Love" interpretada en solitario por Zawinul, y "Sharon's Waltz" con Jones y Hayes -- liricas y justas en su preciosismo, las improvisaciones de Zawinul son deliciosas. Reeditado como parte de la serie Atlantic Masters de Warner Jazz, no debe confundirse con el album homonimo de la banda de Adderley.
https://www.allaboutjazz.com/money-in-the-pocket-joe-zawinul-review-by-chris-may

Dave Pell • A Pell Of A Time

 

Biography by Richard S. Ginell
Dave Pell started out touring with the Tony Pastor, Bob Astor, and Bobby Sherwood bands as a teenager, before moving to California in the mid-'40s. He found work with Bob Crosby on the latter's Ford radio show in 1946, then played with the Les Brown band from 1947 to 1955. Drawing from the ranks of the Brown band, he began leading his own groups in 1953, usually in an octet format, augmented by guests like Pepper Adams, Benny Carter, Mel Lewis, Red Mitchell, Marty Paich, and Art Pepper. He also played as a sideman on records by Shorty Rogers, Pete Rugolo, Benny Goodman, and Gene Krupa in the 1950s, while recording under his own name for Atlantic, Kapp, Coral, Capitol, and RCA Victor. His primary focus of activity in the 1950s and '60s was in the record business, working as a producer for the budget Tops label in the '50s, and Liberty (where he supervised a few hit pop/rock records for Gary Lewis & the Playboys) and briefly Uni in the '60s. He formed a group in the late '70s called Prez Conference, a variation on the theme of Supersax, as a tribute to Lester Young, recording two albums for GNP/Crescendo. In the '80s and '90s, Pell revived his octet for recordings on the Fresh Sound (1984) and Headfirst (1988) labels, and sporadic live dates in the Los Angeles area, including an appearance at the Jazz West Coast festival in 1994.
https://www.allmusic.com/artist/dave-pell-mn0000690700/biography

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Biografía de Richard S. Ginell
Dave Pell empezó a hacer giras con las bandas de Tony Pastor, Bob Astor y Bobby Sherwood cuando era adolescente, antes de mudarse a California a mediados de los 40. Encontró trabajo con Bob Crosby en el programa de radio de este último en 1946, y luego tocó con la banda de Les Brown de 1947 a 1955. Procedente de las filas de la banda Brown, comenzó a liderar sus propios grupos en 1953, normalmente en formato de octeto, aumentado por invitados como Pepper Adams, Benny Carter, Mel Lewis, Red Mitchell, Marty Paich y Art Pepper. También tocó como sideman en discos de Shorty Rogers, Pete Rugolo, Benny Goodman y Gene Krupa en los años 50, mientras grababa bajo su propio nombre para Atlantic, Kapp, Coral, Capitol y RCA Victor. Su principal actividad en los años 50 y 60 fue en el negocio de los discos, trabajando como productor para el sello Tops en los años 50, y Liberty (donde supervisó algunos éxitos de pop/rock para Gary Lewis & the Playboys) y brevemente Uni en los 60. Formó un grupo a finales de los 70 llamado Prez Conference, una variación del tema de Supersax, como tributo a Lester Young, grabando dos álbumes para GNP/Crescendo. En los años 80 y 90, Pell revivió su octeto para grabaciones en los sellos Fresh Sound (1984) y Headfirst (1988), y fechas esporádicas en vivo en el área de Los Ángeles, incluyendo una aparición en el festival Jazz West Coast en 1994.
https://www.allmusic.com/artist/dave-pell-mn0000690700/biography

 

Oliver Nelson • More Blues And The Abstract Truth

 

Review
by Scott Yanow
Unlike the original classic Blues and the Abstract Truth set from three years earlier, Oliver Nelson does not play on this album. He did contribute three of the eight originals and all of the arrangements but his decision not to play is disappointing. However there are some strong moments from such all-stars as trumpeter Thad Jones, altoist Phil Woods, baritonist Pepper Adams, pianist Roger Kellaway and guest tenor Ben Webster (who is on two songs). The emphasis is on blues-based pieces and there are some strong moments even if the date falls short of its predecessor.
https://www.allmusic.com/album/more-blues-and-the-abstract-truth-mw0000192673

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Reseña
por Scott Yanow
A diferencia del clásico original Blues and the Abstract Truth de tres años antes, Oliver Nelson no toca en este álbum. Contribuyó con tres de los ocho originales y todos los arreglos, pero su decisión de no tocar es decepcionante. Sin embargo, hay algunos momentos fuertes de estrellas como el trompetista Thad Jones, el contralto Phil Woods, el barítono Pepper Adams, el pianista Roger Kellaway y el tenor invitado Ben Webster (que está en dos canciones). El énfasis se pone en las piezas basadas en el blues y hay algunos momentos fuertes, aunque la cita no esté a la altura de su predecesor.
https://www.allmusic.com/album/more-blues-and-the-abstract-truth-mw0000192673

Paul Chambers & Tommy Flanagan • Motor City Scene

 

Donald Byrd • Birdhouse

 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Paul Chambers & Tommy Flanagan • Motor City Scene

 

Donald Byrd • The Creeper

 

Stanley Turrentine • The Spoiler

Stanley William Turrentine was one of the most distinctive tenor saxophonists in jazz. Known for his big, warm, sound, “The Sugar Man” or the original “Mr. T” found inspiration in the blues and turned it into a hugely successful career with a #1 hit and four Grammy nominations — first in R&B and then in jazz.

Born on April 5, 1934 in Pittsburgh, a city that has produced more than its share of jazz masters, Turrentine hailed from a musical family. His saxophone-playing father was a big influence, as was his stride piano-playing mother and older brother, the late trumpeter Tommy Turrentine.

One of Stanley's earliest influences on sax was tenor great Illinois Jacquet. Jacquet once encouraged a 12-year old Stanley to sit in with him. At 17, Turrentine went on the road with bluesman Lowell Fulson. In 1953, he was hired by R&B saxman and bandleader Earl Bostic to replace John Coltrane.

A consummate musician who learned his craft through disparate experiences and influences, Turrentine received his only formal musical training during his military stint in the mid-'50s. In 1959, he jumped from the frying pan into the fire when he left the military and went straight into the band of the great drummer Max Roach.

Turrentine married organist Shirley Scott (left) in 1960. When they moved to Philadelphia, they befriended Hammond B-3 organ legend Jimmy Smith and Turrentine quickly immersed himself in the Smith's soulful jazz organ sound. He even recorded on Jimmy's epochal Blue Note album Midnight Special.

The organ-centered soul-jazz that Jimmy Smith and Shirley Scott concocted provided Turrentine the perfect gateway to cross over into pop territory. His first foray in this new, more radio-friendly music began in 1969 when he signed with Creed Taylor's slick and successful CTI label.

Turrentine's first album for CTI, Sugar, was released in 1970 and yielded the classic tune of the same name. He continued with a string a pop-laced crossover albums for CTI including the 1971 hit Don't Mess with Mr. T. His relative success, despite his continued ability to deliver in the straight-ahead jazz vein, led to a predictable critical backlash. Listen to L.A. Times jazz critic Don Heckman, bassist Ray Brown, and Stanley talk about the critical backlash he received after making pop-oriented hit albums

Nevertheless, Turrentine persevered on the ever-changing landscape of jazz, by tapping into his enduring, soulful sound and bluesy approach. He remained a perennial favorite among jazz fans well up to his untimely death on Sept. 12, 2000.

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Stanley William Turrentine fue uno de los saxofonistas tenores más distintivos del jazz. Conocido por su gran y cálido sonido, "The Sugar Man" o el original "Mr. T" encontró la inspiración en el blues y lo convirtió en una carrera de gran éxito con un éxito #1 y cuatro nominaciones a los Grammy - primero en R&B y luego en el jazz.

Nacido el 5 de abril de 1934 en Pittsburgh, una ciudad que ha producido más que su cuota de maestros de jazz, Turrentine provenía de una familia musical. Su padre, que tocaba el saxofón, fue una gran influencia, al igual que su madre, que tocaba el pianoforte, y su hermano mayor, el fallecido trompetista Tommy Turrentine.

Una de las primeras influencias de Stanley en el saxo fue el gran tenor de Illinois Jacquet. Jacquet animó una vez a un Stanley de 12 años a sentarse con él. A los 17, Turrentine se fue a la carretera con el trompetista Lowell Fulson. En 1953, fue contratado por el saxofonista y director de banda Earl Bostic para reemplazar a John Coltrane.

Un músico consumado que aprendió su oficio a través de experiencias e influencias dispares, Turrentine recibió su único entrenamiento musical formal durante su periodo militar a mediados de los 50. En 1959, saltó de la sartén al fuego cuando dejó el ejército y entró directamente en la banda del gran baterista Max Roach.

Turrentine se casó con la organista Shirley Scott (izquierda) en 1960. Cuando se mudaron a Filadelfia, se hicieron amigos de la leyenda del órgano B-3 de Hammond, Jimmy Smith, y Turrentine se sumergió rápidamente en el sonido conmovedor del órgano de jazz de Smith. Incluso grabó en el álbum de época de Jimmy, Blue Note, Midnight Special.

El soul-jazz centrado en el órgano que Jimmy Smith y Shirley Scott inventaron proporcionó a Turrentine la puerta perfecta para cruzar al territorio del pop. Su primera incursión en esta nueva música más radiofónica comenzó en 1969 cuando firmó con el ingenioso y exitoso sello CTI de Creed Taylor.

El primer álbum de Turrentine para CTI, Sugar, fue lanzado en 1970 y produjo la clásica melodía del mismo nombre. Continuó con una serie de álbumes de música pop para CTI, incluyendo el éxito de 1971 Don't Mess with Mr. T. Su relativo éxito, a pesar de su continua habilidad para tocar en la línea recta del jazz, le llevó a un previsible rechazo de la crítica. Escuche al crítico de jazz del L.A. Times Don Heckman, al bajista Ray Brown y a Stanley hablar de la reacción crítica que recibió después de hacer álbumes de éxito orientados al pop

Sin embargo, Turrentine perseveró en el siempre cambiante paisaje del jazz, aprovechando su duradero y conmovedor sonido y su enfoque bluesiano. Siguió siendo un favorito perenne entre los aficionados al jazz hasta su prematura muerte el 12 de septiembre de 2000.

Howard McGhee • The Classic 1960s Albums Vol 1

 

 

Among the first bebop jazz trumpeters (along with Dizzy Gillespie, Fats Navarro and Idrees Sulieman), Howard McGhee was known for his fast fingers and very high notes, but is rarely credited for the influence he extended to younger trumpeters in an era when the instrument had come back into vogue among students of jazz. Despite a troubled life and career, Howard McGhee remains a huge inspiration for younger jazz musicians, students and fans alike. The collection here brings together eight of the very finest albums the great man ever released or played on, making it the ideal go-to- compilation for collectors and fans of this pioneering, albeit hugely underrated, musician.

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Entre los primeros trompetistas de bebop jazz (junto con Dizzy Gillespie, Fats Navarro e Idrees Sulieman), Howard McGhee era conocido por sus dedos rápidos y sus notas muy agudas, pero rara vez se le reconoce la influencia que ejerció sobre los trompetistas más jóvenes en una época en la que el instrumento había vuelto a ponerse de moda entre los estudiantes de jazz. A pesar de una vida y una carrera problemáticas, Howard McGhee sigue siendo una gran inspiración para los músicos de jazz más jóvenes, los estudiantes y los aficionados. Esta colección reúne ocho de los mejores álbumes que el gran hombre publicó o en los que tocó, lo que la convierte en la compilación ideal para los coleccionistas y aficionados a este músico pionero, aunque enormemente infravalorado.

Howard McGhee • The Classic 1960s Albums Vol 2

 

 

Howard McGhee • The Classic 1960s Albums Vol 3

 

 

Howard McGhee • The Classic 1960s Albums Vol 4

 

 

Charles Mingus • Something Like a Bird

 

Hank Mobley • Poppin'

 

Review by Stephen Thomas Erlewine
Poppin' was one of many sessions tenor saxophonist Hank Mobley recorded in the late '50s and early '60s but remained unreleased until the late '70s and '80s. It's hard to say why this session - which was recorded in 1957 -- sat on the shelves, since it as good as the other records he cut at the time. Leading a sextet featuring trumpeter Art Farmer, baritone saxophonist Pepper Adams, pianist Sonny Clark, bassist Paul Chambers, and drummer Philly Joe Jones, Mobley plays a selection of five originals and contemporary jazz songs with passion and vigor. All of the musicians turn in fine performances (Clark in particular stands out with his lithe solos and tasteful accompaniment), and the result is a winning collection of straight-ahead hard bop that ranks as another solid addition to Mobley's strong catalog.
https://www.allmusic.com/album/poppin-mw0000938036

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Reseña de Stephen Thomas Erlewine
Poppin ' fue una de las muchas sesiones que el saxofonista tenor Hank Mobley grabó a finales de los 50 y principios de los 60, pero permaneció inédita hasta finales de los 70 y los 80. Es difícil decir por qué esta sesión, que se grabó en 1957, se quedó en los estantes, ya que es tan buena como los otros discos que grabó en ese momento. Al frente de un sexteto con el trompetista Art Farmer, el saxofonista barítono Pepper Adams, el pianista Sonny Clark, el bajista Paul Chambers y el baterista Philly Joe Jones, Mobley toca una selección de cinco canciones de jazz originales y contemporáneas con pasión y vigor. Todos los músicos ofrecen excelentes interpretaciones (Clark en particular se destaca con sus ágiles solos y su acompañamiento de buen gusto), y el resultado es una colección ganadora de hard bop directo que se ubica como otra adición sólida al sólido catálogo de Mobley.
https://www.allmusic.com/album/poppin-mw0000938036

Pepper Adams • Encounter!

 

Benny Goodman • Happy Session

 

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