Arnett Cobb • Smooth Sailing

 

Review by Scott Yanow
This CD reissue brings back a typically swinging date by tenor saxophonist Arnett Cobb. The colorful trombonist Buster Cooper (who was not featured in enough small group sessions through the years) seems to inspire Cobb; the rhythm section (organist Austin Mitchell, bassist George Duvivier and drummer Osie Johnson) proves a strong asset for this music. Four standards (three from the swing era plus Cobb's "Smooth Sailing") alternate with a blues and a couple of up-tempo riff numbers. Arnett Cobb's solos are typically emotional and generally exciting during the fine set.
https://www.allmusic.com/album/smooth-sailing-mw0000263462

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Reseña de Scott Yanow
Esta reedición en CD recupera una fecha típicamente swing del saxofonista tenor Arnett Cobb. El colorido trombonista Buster Cooper (que no apareció en suficientes sesiones de grupos pequeños a lo largo de los años) parece inspirar a Cobb; la sección rítmica (el organista Austin Mitchell, el bajista George Duvivier y el batería Osie Johnson) demuestra ser un fuerte activo para esta música. Cuatro estándares (tres de la era del swing más "Smooth Sailing" de Cobb) se alternan con un blues y un par de números con riffs de ritmo acelerado. Los solos de Arnett Cobb son típicamente emotivos y, en general, emocionantes durante el buen conjunto.
https://www.allmusic.com/album/smooth-sailing-mw0000263462

Ben Webster • Ben Webster Ballads

 

 

Charlie Rouse • Yeah!

 

Review by Steve Leggett
Tenor saxophonist Charlie Rouse is best known for his work with Thelonious Monk, playing with the enigmatic pianist and composer during Monk's Columbia years from 1959 until 1970. Rouse's sound with Monk was so fluid and smooth that's it's easy to forget how many eccentric, jagged turns he had to navigate night after night, and that Rouse did it with quiet, steady grace is a testament both to his sax playing and to the space Monk built into his puzzle box compositions. Rouse headed up few sessions on his own as a bandleader, but as this calm, workmanlike set, recorded in 1960 and originally released in 1961 on Epic Records, clearly shows, he could rise to the occasion. Working with a rhythm section of Dave Bailey on drums, Peck Morrison on bass, and Billy Gardner on piano (this was actually Gardner's debut in a recording studio), Rouse's sax lines seem to float effortlessly over the top of things, feeling less urgent and angular than his work with Monk. Highlights include the opener, "You Don't Know What Love Is," the Gardner composition "Billy's Blues," and the pretty ballad, "(There Is No) Greater Love," that closes things out. It's all very pleasant, falling to the easy side of the hard bop spectrum with very few rough edges or surprises. Rouse arguably was at his best as a solid supporting player, but this session has its moments, and it shows a more romantic, gliding side to Rouse than was usually on display with Monk. Everything here on this Japanese reissue was included in Epic's Unsung Hero release, which also added three additional tracks, making it a marginally better purchase than this one.
https://www.allmusic.com/album/yeah%21-mw0000539845


Biography by Scott Yanow
Possessor of a distinctive tone and a fluid bop-oriented style, Charlie Rouse was in Thelonious Monk's Quartet for over a decade (1959-1970) and, although somewhat taken for granted, was an important ingredient in Monk's music. Rouse was always a modern player and he worked with Billy Eckstine's orchestra (1944) and the first Dizzy Gillespie big band (1945), making his recording debut with Tadd Dameron in 1947. Rouse popped up in a lot of important groups including Duke Ellington's Orchestra (1949-1950), Count Basie's octet (1950), on sessions with Clifford Brown in 1953, and with Oscar Pettiford's sextet (1955). He co-led the Jazz Modes with Julius Watkins (1956-1959), and then joined Monk for a decade of extensive touring and recordings. In the 1970s he recorded a few albums as a leader, and in 1979 he became a member of Sphere. Charlie Rouse's unique sound began to finally get some recognition during the 1980s. He participated on Carmen McRae's classic Carmen Sings Monk album and his last recording was at a Monk tribute concert.
https://www.allmusic.com/artist/charlie-rouse-mn0000176387/biography

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Reseña de Steve Leggett
El saxofonista tenor Charlie Rouse es más conocido por su trabajo con Thelonious Monk, tocando con el enigmático pianista y compositor durante los años de Monk en Columbia desde 1959 hasta 1970. El sonido de Rouse con Monk era tan fluido y suave que es fácil olvidar cuántas vueltas excéntricas y dentadas tenía que dar noche tras noche, y que Rouse lo hizo con una gracia tranquila y constante es un testamento tanto de su forma de tocar el saxo como del espacio que Monk construyó en sus composiciones de caja de puzzles. Rouse dirigió algunas sesiones por su cuenta como director de orquesta, pero como muestra este tranquilo y trabajador set, grabado en 1960 y originalmente lanzado en 1961 en Epic Records, pudo estar a la altura de las circunstancias. Trabajando con una sección rítmica de Dave Bailey en la batería, Peck Morrison en el bajo y Billy Gardner en el piano (este fue en realidad el debut de Gardner en un estudio de grabación), las líneas de saxo de Rouse parecen flotar sin esfuerzo sobre la cima de las cosas, sintiéndose menos urgente y angular que su trabajo con Monk. Lo más destacado es el comienzo, "You Don't Know What Love Is", la composición de Gardner "Billy's Blues", y la bonita balada, "(There Is No) Greater Love", que cierra las cosas. Todo es muy agradable, cayendo en el lado fácil del espectro del hard bop con muy pocas asperezas o sorpresas. Rouse posiblemente estaba en su mejor momento como un sólido jugador de apoyo, pero esta sesión tiene sus momentos, y muestra un lado más romántico y deslizante de Rouse de lo que normalmente se mostraba con Monk. Todo en esta reedición japonesa se incluyó en el lanzamiento de Unsung Hero de Epic, que también añadió tres temas adicionales, lo que lo convierte en una compra marginalmente mejor que ésta.
https://www.allmusic.com/album/yeah%21-mw0000539845


Biografía de Scott Yanow
Poseedor de un tono distintivo y un estilo fluido orientado al bop, Charlie Rouse estuvo en el Cuarteto de Thelonious Monk durante más de una década (1959-1970) y, aunque un tanto dado por sentado, fue un ingrediente importante en la música de Monk. Rouse siempre fue un músico moderno y trabajó con la orquesta de Billy Eckstine (1944) y la primera gran banda de Dizzy Gillespie (1945), haciendo su debut discográfico con Tadd Dameron en 1947. Rouse apareció en muchos grupos importantes, incluyendo la Orquesta de Duke Ellington (1949-1950), el octeto de Count Basie (1950), en sesiones con Clifford Brown en 1953, y con el sexteto de Oscar Pettiford (1955). Co-dirigió los Modos de Jazz con Julius Watkins (1956-1959), y luego se unió a Monk durante una década de extensas giras y grabaciones. En la década de 1970 grabó unos cuantos álbumes como líder, y en 1979 se convirtió en miembro de Sphere. El sonido único de Charlie Rouse comenzó a ser finalmente reconocido durante los años 80. Participó en el álbum clásico de Carmen McRae, Carmen Sings Monk, y su última grabación fue en un concierto tributo a Monk.
https://www.allmusic.com/artist/charlie-rouse-mn0000176387/biography

  

James Moody • Return From Overbrook (1956 1958)

 

Review by Scott Yanow
Two of James Moody's better albums from the 1950's are reissued in full on this single Chess CD: Last Train From Overbrook and Flute 'N The Blues. The former session features Moody (on tenor, alto and flute) backed by ten horns and a four-piece rhythm section on a variety of strong straightahead material (including the title cut, "What's New," "Tico-Tico" and "The Moody One") while the latter is a septet outing that also has solos by trumpeter Johnny Coles, trombonist William Shepherd and baritonist Pee Wee Moore along with three memorable vocals from Eddie Jefferson. Recommended.

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Reseña de Scott Yanow
Dos de los mejores álbumes de James Moody de los años 50 se reeditan íntegramente en este único CD de Chess: Last Train From Overbrook y Flute 'N The Blues. La primera sesión presenta a Moody (en tenor, contralto y flauta) respaldado por diez vientos y una sección rítmica de cuatro piezas en una variedad de fuerte material directo (incluyendo el corte del título, "What's New", "Tico-Tico" y "The Moody One") mientras que el segundo es una salida del septeto que también tiene solos del trompetista Johnny Coles, el trombonista William Shepherd y el baritonista Pee Wee Moore junto con tres memorables voces de Eddie Jefferson. Recomendado.

Wayne Shorter • The All Seeing Eye

 

Review
by Scott Yanow
With such titles as "The All Seeing Eye," "Genesis," "Chaos," "Face of the Deep," and "Mephistopheles," it is clear from the start that the music on this LP is not basic bop and blues. Wayne Shorter (who composed four of the five originals) picked an all-star cast (trumpeter Freddie Hubbard, altoist James Spaulding, trombonist Grachan Moncur III, pianist Herbie Hancock, bassist Ron Carter, and drummer Joe Chambers, along with brother Alan Shorter on flügelhorn for the final song) to perform and interpret the dramatic selections, and their brand of controlled freedom has plenty of subtle surprises. This is stimulating music that still sounds fresh.
https://www.allmusic.com/album/the-all-seeing-eye-mw0000097755

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Reseña
por Scott Yanow
Con títulos como "The All Seeing Eye", "Genesis", "Chaos", "Face of the Deep" y "Mephistopheles", queda claro desde el principio que la música de este LP no es bop y blues básico. Wayne Shorter (que compuso cuatro de los cinco originales) eligió a un elenco de estrellas (el trompetista Freddie Hubbard, el contralto James Spaulding, el trombonista Grachan Moncur III, el pianista Herbie Hancock, el bajista Ron Carter y el batería Joe Chambers, junto con su hermano Alan Shorter al flügelhorn en la última canción) para interpretar las dramáticas selecciones, y su estilo de libertad controlada tiene muchas sorpresas sutiles. Es música estimulante que sigue sonando fresca.
https://www.allmusic.com/album/the-all-seeing-eye-mw0000097755

wayneshorterofficial.com ...

Joe Harriott • Personal Portrait

 

Biography
Joe Harriott's music goes virtually unheard today, yet the alto saxophonist exerted a powerful influence on early free jazz in England. The Jamaican-born and raised Harriott played with his countrymen, trumpeter Dizzy Reece and tenor saxophonist Wilton "Bogey" Gaynair, before emigrating to England in 1951. In London, Harriott worked freelance and in the band of trumpeter Pete Pitterson. In 1954, he landed an important gig with drummer Tony Kinsey; the next year he played in saxophonist Ronnie Scott's big band. His first album as a leader was 1959's Southern Horizon. Originally a bop-oriented player, Harriott gradually grew away from the conventions of that style. During a 1960 hospital stay, Harriott envisaged a new method of improvisation that, to an extent, paralleled the innovations of Ornette Coleman. Harriott was initially branded a mere imitator of Coleman, but close listening to both men reveals distinct differences in their respective styles. Harriott manifested a more explicit philosophical connection with bebop, for one thing, and his music was more concerned with ensemble interaction than was Coleman's early work. The 1960 album Free Form, which included trumpeter Shake Keane, pianist Pat Smythe, bassist Coleridge Goode, and drummer Phil Seaman, illustrated Harriott's new techniques. Beginning in 1965, he began fusing jazz with various types of world folk musics. He collaborated with Indian musician John Mayer on a record -- 1967's Indo-Jazz Suite -- that utilized modal and free jazz procedures. The album's traditional jazz quintet instrumentation was augmented by a violin, sitar, tambura, and tabla. Harriott's recorded output was scarce and virtually none of it remains in print.
https://www.allmusic.com/artist/joe-harriott-mn0000136875/biography

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Biografía
La música de Joe Harriott es prácticamente inaudita hoy en día, pero el saxofonista alto ejerció una poderosa influencia en el free jazz temprano en Inglaterra. Harriott, nacido y criado en Jamaica, tocó con sus compatriotas, el trompetista Dizzy Reece y el saxofonista tenor Wilton "Bogey" Gaynair, antes de emigrar a Inglaterra en 1951. En Londres, Harriott trabajó por cuenta propia y en la banda del trompetista Pete Pitterson. En 1954, consiguió un importante concierto con el baterista Tony Kinsey; al año siguiente tocó en la gran banda del saxofonista Ronnie Scott. Su primer álbum como líder fue Southern Horizon de 1959. Originalmente orientado al bop, Harriott se alejó gradualmente de las convenciones de ese estilo. Durante una estancia en el hospital en 1960, Harriott concibió un nuevo método de improvisación que, hasta cierto punto, era paralelo a las innovaciones de Ornette Coleman. En un principio, Harriott fue tildado de mero imitador de Coleman, pero al escuchar atentamente a ambos hombres se observan claras diferencias en sus respectivos estilos. Harriott manifestó una conexión filosófica más explícita con el bebop, por un lado, y su música se preocupaba más por la interacción con el conjunto que por la obra temprana de Coleman. El álbum Free Form de 1960, que incluía al trompetista Shake Keane, al pianista Pat Smythe, al bajista Coleridge Goode y al batería Phil Seaman, ilustraba las nuevas técnicas de Harriott. A partir de 1965, comenzó a fusionar el jazz con varios tipos de música folclórica mundial. Colaboró con el músico indio John Mayer en un disco, el Indo-Jazz Suite de 1967, que utilizaba procedimientos de jazz modal y libre. La instrumentación tradicional del quinteto de jazz del álbum fue aumentada con un violín, un sitar, una tambura y una tabla. La producción grabada de Harriott fue escasa y prácticamente nada de ella permanece en la imprenta.
https://www.allmusic.com/artist/joe-harriott-mn0000136875/biography

Jackie McLean • Plays Fat Jazz

 

 

Arnett Cobb & Guy Lafitte • Tenor Abrupt

 

 

Review by Al Campbell
As part of The Definitive Black & Blue Sessions series, tenor saxophonist Arnett Cobb is spotlighted on ten digitally remastered tracks, recorded live in France on March 16 and 29, 1980. Cobb recorded several records for Black & Blue, but this straight-ahead live session is special. Paired up with tenor associate Guy Lafitte, Roland Hanna on piano, Jimmy Woode on bass, and Eddie Locke on drums, Cobb is still in excellent form even though this was recorded late in his career. Among the previously unreleased tracks are "Oue Reste-T-Il de Nos Amours," "Make Someone Happy," "The Nearness of You," and "Blues in Deauville."
https://www.allmusic.com/album/the-definitive-black-blue-sessions-tenor-abrupt-mw0000032296

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Reseña de Al Campbell
Como parte de la serie The Definitive Black & Blue Sessions, el saxofonista tenor Arnett Cobb es el centro de atención en diez temas remasterizados digitalmente, grabados en directo en Francia los días 16 y 29 de marzo de 1980. Cobb grabó varios discos para Black & Blue, pero esta sesión en directo es especial. Acompañado por el tenor Guy Lafitte, Roland Hanna al piano, Jimmy Woode al bajo y Eddie Locke a la batería, Cobb sigue en excelente forma a pesar de que se grabó en una etapa tardía de su carrera. Entre los temas inéditos se encuentran "Oue Reste-T-Il de Nos Amours", "Make Someone Happy", "The Nearness of You" y "Blues in Deauville".
https://www.allmusic.com/album/the-definitive-black-blue-sessions-tenor-abrupt-mw0000032296

Dizzy Gillespie & James Moody • Dizzy Gillespie & James Moody With Gil Fuller

 

 

Dizzy Gillespie & James Moody • Dizzy Gillespie & James Moody With Gil Fuller & The Monterey Jazz Festival Orchestra 

 

Review from All About Jazz (by Graham L. Flanagan): This 2008 compilation combines two 1965 studio albums made by Gil Fuller with the Monterey Jazz Festival Orchestra, one featuring Dizzy Gillespie and the other featuring James Moody. Flanagan highlights Fuller's arrangements, the orchestra's powerful ensemble sound and the contributions of soloists including Harry Edison, Buddy Collette and Bill Green. Among the highlights he identifies are "Tin Tin Deo," "Blues For a Debutante," "Big Sur" and "Latin Lady."

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Resena de All About Jazz (por Graham L. Flanagan): Esta recopilacion de 2008 reune dos albumes de estudio grabados por Gil Fuller con la Monterey Jazz Festival Orchestra en 1965, uno con Dizzy Gillespie y el otro con James Moody. Flanagan destaca los arreglos de Fuller, la potente sonoridad del conjunto y las contribuciones de solistas como Harry Edison, Buddy Collette y Bill Green. Entre los temas que destaca se encuentran "Tin Tin Deo", "Blues For a Debutante", "Big Sur" y "Latin Lady". 

 

Eric Dolphy • The Illinois Concert

 

Review by Ken Dryden
The 1999 discovery of a previously unknown 1963 concert by Eric Dolphy makes it one of the finds of the decade. Taped for broadcast at the University of Illinois at Champaign, it was mentioned in an Eric Dolphy Internet chat room and eventually relayed to producer Michael Cuscuna. The sound is very good, except for overly prominent drums throughout the concert and an under-miked flute on "South Street Exit." Dolphy's playing is consistently rewarding, including a lengthy workout of "Softly, As in a Morning Sunrise," a miniature of "Something Sweet, Something Tender," and his always superb solo feature of "God Bless the Child." He switches to alto sax for an adventurous new work, "Iron Man" (which he would record a few months later for Douglas International), also inserting a hilarious quote of "Comin' Through the Rye." A 23-year-old Herbie Hancock on piano, Eddie Locke on bass, and drummer J. C. Moses make up the solid rhythm section. The last two tracks, "Red Planet" and Dolphy's "G.W.," add the support of the University of Illinois Brass Ensemble, which included a young Cecil Bridgewater on trumpet. Highly recommended!-
https://www.allmusic.com/album/the-illinois-concert-mw0000669489

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Reseña de Ken Dryden
El descubrimiento en 1999 de un concierto de Eric Dolphy en 1963 previamente desconocido lo convierte en uno de los hallazgos de la década. Grabado para su transmisión en la Universidad de Illinois en Champaign, fue mencionado en una sala de chat de Eric Dolphy en Internet y finalmente transmitido al productor Michael Cuscuna. El sonido es muy bueno, excepto por los tambores excesivamente prominentes durante todo el concierto y una flauta con micrófono bajo en " South Street Exit."La interpretación de Dolphy es consistentemente gratificante, incluido un largo entrenamiento de 'Suavemente, Como en un Amanecer Matutino', una miniatura de 'Algo Dulce, Algo Tierno' y su siempre excelente característica en solitario de 'Dios Bendiga al Niño'."Cambia al saxo alto por un nuevo trabajo aventurero," Iron Man "(que grabaría unos meses después para Douglas International), insertando también una cita hilarante de "Comin' Through the Rye."Un Herbie Hancock de 23 años al piano, Eddie Locke al bajo y el baterista J.C. Moses componen la sólida sección rítmica. Las dos últimas pistas," Red Planet " y "G. W." de Dolphy, cuentan con el apoyo del Conjunto de Metales de la Universidad de Illinois, que incluía a un joven Cecil Bridgewater a la trompeta. Muy recomendable!-
https://www.allmusic.com/album/the-illinois-concert-mw0000669489

Paul Gonsalves-Clyde Fats Wright • Sitting In, The Lost Solo Sessions of

 

 

Abbey Lincoln, Archie Shepp, Roy Burrowes, Hilton Ruiz, Freddie Waits, Jack Gregg • Painted Lady

 

 

The American vocalist and actress Abbey Lincoln first gained recognition in the 1950s under the name Gaby Lee as a pop singer and film actress (The Girl Can't Help It). In the late 1950s, she married drummer Max Roach and participated with him in several important recordings with Sonny Rollins, Coleman Hawkins, Benny Golson, and others. It was the fabulous "Freedom Now Suite," recorded in 1960 with Max Roach, that made her famous with the general public. Twenty years later, associated with another great African-American dissident, saxophonist Archie Shepp, in Paris, she created this historic album for the Marge label, one of the most beautiful meetings between two legendary figures of contemporary jazz. 

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La vocalista y actriz estadounidense Abbey Lincoln se dio a conocer en la década de 1950 bajo el nombre de Gaby Lee como cantante pop y actriz de cine (The Girl Can't Help It). A finales de los 50, se casó con el batería Max Roach y participó con él en varias grabaciones importantes con Sonny Rollins, Coleman Hawkins, Benny Golson y otros. Fue la fabulosa "Freedom Now Suite", grabada en 1960 con Max Roach, la que la hizo famosa entre el gran público. Veinte años más tarde, asociada en París con otro gran disidente afroamericano, el saxofonista Archie Shepp, creó este álbum histórico para el sello Marge, uno de los más bellos encuentros entre dos figuras legendarias del jazz contemporáneo.

Dexter Gordon • Clubhouse

 

Review by Scott Yanow
Although tenor saxophonist Dexter Gordon had moved to Europe in 1962, he made a return visit to the U.S. in 1965 that resulted in both this album and Gettin' Around. Gordon teams up with trumpeter Freddie Hubbard, pianist Barry Harris, bassist Bob Cranshaw and drummer Billy Higgins for three of his originals, two obscurities, and a standard that ended up being the date's most memorable performance: "I'm a Fool to Want You." It is excellent music if not quite essential.
https://www.allmusic.com/album/clubhouse-mw0000204481


One of the enduring mysteries of Blue Note history is that superb sessions such as Dexter Gordon’s Clubhouse (recorded in 1965) remained unreleased in the vault until the late 1970s. Recorded during the middle of Gordon’s “golden period” career renaissance after he signed with Blue Note in 1961, the tenor saxophone legend is joined by Freddie Hubbard on trumpet and the remarkable rhythm section of Barry Harris on piano, Bob Cranshaw on bass, and the great Billy Higgins on drums. Long Tall Dexter’s rendition of the Sinatra evergreen “I’m a Fool To Want You” stands as one of his all-time greatest ballad performances.
https://store.bluenote.com/products/dexter-gordon-clubhouse-lp-tone-poet-series

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Reseña de Scott Yanow
Aunque el saxofonista tenor Dexter Gordon se había mudado a Europa en 1962, hizo una visita de regreso a los EE.UU. en 1965 que resultó tanto en este álbum como en Gettin' Around. Gordon se une al trompetista Freddie Hubbard, al pianista Barry Harris, al bajista Bob Cranshaw y al baterista Billy Higgins para tres de sus originales, dos obscuridades y un estándar que terminó siendo la actuación más memorable de la cita: "Soy un tonto por Quererte."Es una música excelente, si no del todo esencial.
https://www.allmusic.com/album/clubhouse-mw0000204481


Uno de los misterios perdurables de la historia de Blue Note es que sesiones magníficas como Dexter Gordon's Clubhouse (grabada en 1965) permanecieron inéditas en la bóveda hasta finales de la década de 1970. Grabada durante la mitad del renacimiento de la carrera del "período dorado" de Gordon después de firmar con Blue Note en 1961, la leyenda del saxofón tenor se une a Freddie Hubbard a la trompeta y la notable sección rítmica de Barry Harris al piano, Bob Cranshaw al bajo y el gran Billy Higgins a la batería. La interpretación de Long Tall Dexter de la perenne "I'm a Fool To Want You" de Sinatra se erige como una de sus mejores interpretaciones de baladas de todos los tiempos.
https://store.bluenote.com/products/dexter-gordon-clubhouse-lp-tone-poet-series

Con Alma Trio • Con Alma Trio Meets Jerry Bergonzi

 

The Hammond organ, is enjoying a new successful season and certainly Vito di Modugno is among the best Hammondisti in circulation, remembering that was voted as one of the best organists in the world by the American magazine “Downbeat” which the italian jazz magazine “Music Jazz “has included him among specialists of Hammond organ in the insert and cD dedicated to the history of this instrument Di Modugno was constantly winner in 2011, 2012 and 2014,2015 Jazzit Award as best Italian organist. Not to be outdone its coaleaders travel,Guido Di Leone and Mimmo Campanale, among the main protagonists and disseminators of the national jazz scene. Jerry Bergonzi is a worldwide reference point of the saxophone.

“Swing smooth and without fuss” as Nicholas Gaeta writes in the liner notes, summing up one of the peculiarities of this record. With Alma trio comes back 15 years after the first job (branded YVP). Three of the best musicians of the peninsular landscape blend their soul with that of the American saxophonist Jerry Bergonzi, certainly among the supermusician of the international scene, creating an inventive project, with swing, dazzling technique and desire to have fun, an element that the latter while appearing not to go out of fashion is actually often crucial to convey that feeling which belongs mostly to jazz of the past and that we feel the need to recover. So a high-quality recording operation, which, we are sure,will be one of the best Italian publications of the currently.
https://www.abeatrecords.com/music/shop/con-alma-trio-meets-jerry-bergonzi/

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El órgano Hammond, está disfrutando de una nueva temporada exitosa y ciertamente Vito di Modugno se encuentra entre los mejores Hammondisti en circulación, recordando que fue votado como uno de los mejores organistas del mundo por la revista estadounidense "Downbeat", que la revista italiana de jazz "Music Jazz "lo ha incluido entre los especialistas del órgano Hammond en el inserto y cD dedicado a la historia de este instrumento.Di Modugno fue constantemente ganador en 2011, 2012 y 2014,2015 Premio Jazzit como mejor organista italiano. Para no quedarse atrás viajan sus coaligados, Guido Di Leone y Mimmo Campanale, entre los principales protagonistas y divulgadores de la escena jazzística nacional. Jerry Bergonzi es un referente mundial del saxofón.

"Swing suave y sin aspavientos" como escribe Nicholas Gaeta en las notas del transatlántico, resumiendo una de las peculiaridades de este disco. Con Alma trio regresa 15 años después del primer trabajo (con la marca YVP). Tres de los mejores músicos del paisaje peninsular mezclan su alma con la del saxofonista estadounidense Jerry Bergonzi, ciertamente entre los supermúsicos de la escena internacional, creando un proyecto inventivo, con swing, técnica deslumbrante y ganas de divertirse, elemento que este último aunque parezca no pasar de moda en realidad suele ser crucial para transmitir ese sentimiento que pertenece mayoritariamente al jazz del pasado y que sentimos la necesidad de recuperar. Así que una operación de grabación de alta calidad, que, estamos seguros, será una de las mejores publicaciones italianas de la actualidad.
https://www.abeatrecords.com/music/shop/con-alma-trio-meets-jerry-bergonzi/


 

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Horacio Chivo Borraro • El nuevo sonido del Chivo Borraro

 

 

Horacio “Chivo” Borraro fue una de las figuras fundamentales del jazz moderno argentino. Nacido en Buenos Aires el 6 de octubre de 1921, comenzó su trayectoria musical como clarinetista y posteriormente adoptó el saxo tenor, instrumento con el que desarrollaría una voz personal dentro del jazz argentino. Su formación estuvo vinculada desde temprano al ambiente de los clubes de barrio y a la búsqueda de un jazz que se apartara de la función exclusivamente bailable.

Durante los años cuarenta integró los Rhythm Makers, agrupación vinculada al jazz de Chicago y a una concepción más pura y experimental de la improvisación. También participó del Hot Club de Buenos Aires y, en 1954, se incorporó a la primera gran orquesta dirigida por Lalo Schifrin. A partir de entonces formó parte del proceso de renovación que llevaría al jazz argentino hacia el bebop, el hard bop y las formas modernas de improvisación.

Borraro no fue solamente intérprete. Además de saxofonista y clarinetista, fue compositor, arreglador, arquitecto, pintor, dibujante, fotógrafo y escritor. Esa amplitud de intereses contribuyó a construir una personalidad artística singular, alejada de los modelos convencionales del músico profesional. Melopea publicó posteriormente su libro Autobiografía de Nadie, acompañado por un CD que recupera grabaciones de Borraro tanto al clarinete como al saxo tenor.

Su evolución musical puede seguirse especialmente a través de sus grabaciones de los años sesenta y setenta. El Nuevo Sonido del “Chivo” Borraro, registrado originalmente en 1966, documenta su madurez como saxofonista y su aproximación a un lenguaje moderno que incorporaba influencias del bebop y del hard bop. Décadas después, Blues para un Cosmonauta y Sax Suite permitirían recuperar otras facetas de su producción y de su particular concepción de la improvisación.

Su actividad también estuvo ligada a numerosos músicos esenciales del jazz argentino. Compartió escenarios y sesiones con figuras como Horacio Malvicino, Lalo Schifrin, Leandro “Gato” Barbieri, Néstor Astarita y Enrique “Mono” Villegas, y participó en encuentros con importantes músicos estadounidenses que visitaron Argentina, entre ellos Dizzy Gillespie y Eddie “Lockjaw” Davis.

Una característica particularmente destacada de Borraro fue su relación con la improvisación. Litto Nebbia, que lo conoció y posteriormente recuperó parte de su obra a través de Melopea, recordó su sonido personal y su extraordinaria capacidad como improvisador, además de describirlo como una persona humilde, amistosa y de gran sentido del humor. Para Nebbia, la importancia de Borraro no se limitaba a sus discos: también estaba en la experiencia de escucharlo tocar en vivo.

Su reconocimiento trascendió con el tiempo las fronteras argentinas. El músico brasileño Ed Motta descubrió su obra décadas después y destacó especialmente El Nuevo Sonido del “Chivo” Borraro, al que llegó a comparar con Kind of Blue dentro de la historia del jazz argentino. La reedición internacional de algunas de sus grabaciones contribuyó a que su música alcanzara nuevas audiencias fuera del país.

Borraro murió en Buenos Aires el 31 de mayo de 2012, a los 90 años. Su legado quedó repartido entre sus grabaciones, sus composiciones, sus escritos y, sobre todo, una manera de entender el jazz basada en la libertad de la improvisación y en la búsqueda permanente de una voz propia. Su trayectoria representa una de las páginas más personales y singulares de la historia del jazz argentino.

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Horacio “Chivo” Borraro was one of the fundamental figures of modern Argentine jazz. Born in Buenos Aires on October 6, 1921, he began his musical career as a clarinetist and later turned to the tenor saxophone, the instrument through which he developed a highly personal voice within Argentine jazz. From an early age, his musical development was connected with neighborhood clubs and with the search for a form of jazz that went beyond its purely dance-oriented function.

During the 1940s he became a member of the Rhythm Makers, a group associated with Chicago jazz and with a more experimental and improvisation-centered conception of the music. He also participated in the Buenos Aires Hot Club and, in 1954, joined the first major orchestra led by Lalo Schifrin. From that point onward, he became part of the renewal that brought Argentine jazz toward bebop, hard bop and modern improvisational language.

Borraro was much more than an instrumentalist. In addition to being a saxophonist and clarinetist, he was a composer, arranger, architect, painter, draftsman, photographer and writer. This broad range of interests helped shape an unusual artistic personality, far removed from conventional ideas of the professional musician. His book Autobiografía de Nadie, later published by Melopea with a CD of archival recordings, preserves performances on both clarinet and tenor saxophone.

His musical development can be followed particularly well through his recordings from the 1960s and 1970s. El Nuevo Sonido del “Chivo” Borraro, originally recorded in 1966, documents his maturity as a saxophonist and his movement toward a modern language influenced by bebop and hard bop. Later releases such as Blues para un Cosmonauta and Sax Suite revealed further aspects of his work and his distinctive approach to improvisation.

His career was closely connected with many of the essential musicians of Argentine jazz. He performed and recorded with figures such as Horacio Malvicino, Lalo Schifrin, Leandro “Gato” Barbieri, Néstor Astarita and Enrique “Mono” Villegas, and took part in sessions with major American musicians visiting Argentina, including Dizzy Gillespie and Eddie “Lockjaw” Davis.

One of Borraro's most distinctive qualities was his relationship with improvisation. Litto Nebbia, who knew him personally and later helped preserve his work through Melopea, remembered his individual sound and extraordinary improvisational ability, as well as his humility, friendliness and sense of humor. For Nebbia, Borraro's importance extended beyond his recordings: it was also found in the experience of hearing him perform live.

His reputation eventually reached audiences beyond Argentina. Brazilian musician Ed Motta discovered his work decades later and singled out El Nuevo Sonido del “Chivo” Borraro, comparing its importance within Argentine jazz to that of Kind of Blue in American jazz. The international reissue of some of his recordings subsequently helped introduce his music to new listeners around the world.

Borraro died in Buenos Aires on May 31, 2012, at the age of 90. His legacy survives in his recordings, compositions and writings, but above all in a conception of jazz founded on the freedom of improvisation and the continuous search for an individual voice. His career remains one of the most personal and distinctive chapters in the history of Argentine jazz.

Jakob Bro And Joe Lovano • Once Around The Room A Tribute To Paul Motian

 

 
jakobbro.com ...
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James Moody • Sax & Flute Man

 

 

For over six decades, saxophone master James Moody has serenaded lovers with his signature song Moody's Mood for Love an improvisation on the chord progressions of I'm in the Mood for Love.

Born in Savannah, Georgia on March 26, 1925, and raised in Newark, New Jersey, James Moody took up the alto sax, a gift from his uncle, at the age of 16. Within a few years he fell under the spell of the deeper more full- bodied tenor saxophone after hearing Buddy Tate and Don Byas perform with the Count Basie Band at the Adams Theater in Newark, New Jersey.

In 1946, following service in the United States Air Force, Moody joined the seminal bebop big band of Dizzy Gillespie, beginning an association that - on stage and record, in orchestras and small combos - afforded a young Moody worldwide exposure and ample opportunity to shape his improvisational genius. Upon joining Gillespie, Moody was at first awed, he now admits, by the orchestra's incredible array of talent, which included Milt Jackson, Kenny Clark, Ray Brown, Thelonius Monk. The encouragement of the legendary trumpeter-leader, made his mark on the young saxophonist. His now legendary 16-bar solo on Gillespie's Emanon alerted jazz fans to an emerging world-class soloist.

During his initial stay with Gillespie, Moody also recorded with Milt Jackson for Dial Records in 1947. One year later he made his recording debut as a leader James Moody and His Bop Men for (Blue Note).

In 1949 Moody moved to Europe where in Sweden he recorded the masterpiece of improvisation for which he is renowned, Moody's Mood for Love.

Returning to the States in 1952 with a huge “hit” on his hands, Moody employed vocalist Eddie Jefferson. Also, working with him during that period were Dinah Washington and Brook Benton.

In 1963 he rejoined Gillespie and performed off and on in the trumpeter's quintet for the remainder of the decade.

Moody moved to Las Vegas in 1973 and had a seven year stint in the Las Vegas Hilton Orchestra, doing shows for Bill Cosby, Ann-Margaret, John Davidson, Glen Campbell, Liberace, Elvis Presley, The Osmonds, Milton Berle, Redd Foxx, Charlie Rich, and Lou Rawls to name a few.

Moody returned to the East Coast and put together his own band again - much to the delight of his dedicated fans. In 1985, Moody received a Grammy Award Nomination for Best Jazz Instrumental Performance for his playing on Manhattan Transfer's Vocalese album thus setting the stage for his re-emergence as a major recording artist.

Moody's 1986 (RCA/NOVUS) debut Something Special ended a decade-long major label recording hiatus for the versatile reedman. His follow-up recording, Moving Forward showcased his hearty vocals on What Do You Do and his interpretive woodwind wizardry on such tunes as Giant Steps and Autumn Leaves.

Music is more than a livelihood to Moody, so much so that portions of Sweet and Lovely, dedicated to his wife, Linda, figured prominently in the saxophonist's wedding ceremony on April 3, 1989. As well as being on the album, Gillespie was best man at the wedding for his longtime friend. The bride and groom walked down the aisle to Gillespie's solo on Con Alma then everyone exited the church to the vamp on Melancholy Baby. As their first act of marriage Linda and James Moody took communion accompanied by the groom's recording of Sweet and Lovely. In 1990, Moody and Gillespie received a Grammy Award Nomination for their rendition of Gillespie's Get the Booty, which showcases scatting at its best. Moody returns the soprano sax to his woodwind arsenal on Honey, his nickname for his wife, Linda, and Moody's last recording for (RCA/NOVUS).

On March 26th, 1995 Moody got the surprise of his life with a birthday party in New York. It was an evening of historical significance for Jazz with many guest stars and Bill Cosby as the emcee. It can be heard on Telarc's recording, Moody's Party— James Moody's 70th, Birthday Celebration, Live at the Blue Note.

In 1995 Moody's (Warner Bros.) release of Young at Heart, was a tribute to songs that are associated with Frank Sinatra. With an orchestra and strings many people feel this is among the most beautiful of all James Moody recordings.

Moody's last recording for Warner Bros. is Moody Plays Mancini which showcases Moody on all of his horns and flute. A tribute to the American icon Henry Mancini.

Moody's 2004 release of Homage on the Savoy Label has been a great cause for celebration. His first new studio album in 6 years, the aptly named Homage is a tribute to Moody featuring new tunes specially written for him by the likes of Joe Zawinul, Chick Corea, Kenny Barron, Horace Silver, Herbie Hancock, David Hazeltine and Marc Copland. Bob Belden produced the project.

Whether Moody is playing the soprano, alto, tenor, or flute, he does so with deep resonance and wit. Moody has a healthy respect for tradition, but takes great delight in discovering new musical paths, which makes him one of the most consistently expressive and enduring figures in modern jazz today. To quote Peter Watrous of the New York Times, “As a musical explorer, performer, collaborator and composer he has made an indelible contribution to the rise of American music as the dominant musical force of the twentieth century.”
https://www.allaboutjazz.com/musicians/james-moody

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Durante más de seis décadas, el maestro del saxofón James Moody ha dado una serenata a los enamorados con su canción emblemática Moody's Mood for Love, una improvisación sobre la progresión de acordes de I'm in the Mood for Love.

Nacido en Savannah, Georgia, el 26 de marzo de 1925, y criado en Newark, Nueva Jersey, James Moody tomó el saxo alto, un regalo de su tío, a los 16 años. En pocos años cayó bajo el hechizo del saxo tenor, más profundo y con más cuerpo, después de escuchar a Buddy Tate y Don Byas actuar con la Count Basie Band en el Adams Theater de Newark, Nueva Jersey.

En 1946, tras prestar servicio en las Fuerzas Aéreas de los Estados Unidos, Moody se unió a la seminal big band de bebop de Dizzy Gillespie, iniciando una asociación que -en el escenario y en el disco, en orquestas y pequeños combos- proporcionó a un joven Moody una exposición mundial y una amplia oportunidad para dar forma a su genio improvisador. Al incorporarse a Gillespie, Moody se sintió al principio asombrado, según admite ahora, por la increíble variedad de talentos de la orquesta, que incluía a Milt Jackson, Kenny Clark, Ray Brown y Thelonius Monk. El estímulo del legendario trompetista-líder, hizo mella en el joven saxofonista. Su ahora legendario solo de 16 compases en el Emanon de Gillespie alertó a los aficionados al jazz sobre un solista emergente de talla mundial.

Durante su estancia inicial con Gillespie, Moody también grabó con Milt Jackson para Dial Records en 1947. Un año más tarde, hizo su debut discográfico como líder James Moody and His Bop Men para (Blue Note).

En 1949 Moody se trasladó a Europa, donde grabó en Suecia la obra maestra de la improvisación por la que es conocido, Moody's Mood for Love.

Al regresar a Estados Unidos en 1952 con un gran "éxito" entre manos, Moody contrató al vocalista Eddie Jefferson. También trabajaron con él durante ese periodo Dinah Washington y Brook Benton.

En 1963 se reunió con Gillespie y actuó de forma intermitente en el quinteto del trompetista durante el resto de la década.

Moody se trasladó a Las Vegas en 1973 y estuvo siete años en la Orquesta del Hilton de Las Vegas, haciendo espectáculos para Bill Cosby, Ann-Margaret, John Davidson, Glen Campbell, Liberace, Elvis Presley, The Osmonds, Milton Berle, Redd Foxx, Charlie Rich y Lou Rawls, por nombrar algunos.

Moody regresó a la Costa Este y volvió a formar su propia banda, para deleite de sus entregados fans. En 1985, Moody recibió una nominación a los premios Grammy a la mejor interpretación instrumental de jazz por su participación en el álbum Vocalese de Manhattan Transfer, lo que sentó las bases para su resurgimiento como artista discográfico importante.

El debut de Moody en 1986 (RCA/NOVUS), Something Special, puso fin a una década de parón discográfico de este versátil músico de caña. Su siguiente disco, Moving Forward, mostró su voz en What Do You Do y su habilidad interpretativa con los instrumentos de viento en temas como Giant Steps y Autumn Leaves.

La música es más que un medio de vida para Moody, hasta el punto de que partes de Sweet and Lovely, dedicada a su esposa, Linda, ocuparon un lugar destacado en la ceremonia de boda del saxofonista el 3 de abril de 1989. Además de participar en el álbum, Gillespie fue el padrino de la boda de su viejo amigo. Los novios se dirigieron al altar con el solo de Gillespie en Con Alma, y todos salieron de la iglesia con el vampiro de Melancholy Baby. Como primer acto de matrimonio, Linda y James Moody tomaron la comunión acompañados por la grabación del novio de Sweet and Lovely. En 1990, Moody y Gillespie recibieron una nominación a los premios Grammy por su interpretación de Get the Booty de Gillespie, que muestra el scatting en su máxima expresión. Moody devuelve el saxo soprano a su arsenal de viento-madera en Honey, su apodo para su mujer, Linda, y la última grabación de Moody para (RCA/NOVUS).

El 26 de marzo de 1995 Moody recibió la sorpresa de su vida con una fiesta de cumpleaños en Nueva York. Fue una velada de importancia histórica para el jazz, con muchas estrellas invitadas y Bill Cosby como maestro de ceremonias. Se puede escuchar en la grabación de Telarc, Moody's Party- James Moody's 70th, Birthday Celebration, Live at the Blue Note.

En 1995, Moody (Warner Bros.) publicó Young at Heart, un homenaje a las canciones asociadas a Frank Sinatra. Con una orquesta y cuerdas, muchos consideran que se trata de una de las grabaciones más bellas de James Moody.

La última grabación de Moody para Warner Bros. es Moody Plays Mancini, que muestra a Moody con todos sus instrumentos de viento y flauta. Un homenaje al icono americano Henry Mancini.

El lanzamiento en 2004 de Homage en el sello Savoy ha sido un gran motivo de celebración para Moody. Su primer nuevo álbum de estudio en 6 años, el acertado nombre de Homage, es un tributo a Moody que incluye nuevas melodías escritas especialmente para él por gente como Joe Zawinul, Chick Corea, Kenny Barron, Horace Silver, Herbie Hancock, David Hazeltine y Marc Copland. Bob Belden ha producido el proyecto.

Tanto si Moody toca la soprano, el alto, el tenor o la flauta, lo hace con profunda resonancia e ingenio. Moody siente un sano respeto por la tradición, pero se complace en descubrir nuevos caminos musicales, lo que le convierte en una de las figuras más expresivas y duraderas del jazz moderno actual. En palabras de Peter Watrous, del New York Times, "Como explorador musical, intérprete, colaborador y compositor, ha hecho una contribución indeleble al ascenso de la música americana como fuerza musical dominante del siglo XX".
https://www.allaboutjazz.com/musicians/james-moody

Someone to Watch Over Me The Life and Music of Ben Webster (Jazz Perspectives)

 

 

For a half century, Ben Webster, one of the "big three" of swing tenors-along with Coleman Hawkins and Lester Young-was one of the best-known and most popular saxophonists.

Early in his career, Webster worked with many of the greatest orchestras of the time, including those led by Willie Bryant, Cab Calloway, Benny Carter, Fletcher Henderson, Andy Kirk, Bennie Moten, and Teddy Wilson. In 1940 Webster became Duke Ellington's first major tenor soloist, and during the next three years he played on many famous recordings, including "Cotton Tail."

Someone to Watch Over Me tells, for the first time, the complete story of Ben Webster's brilliant and troubled career. For this comprehensive study of Webster, author Frank Büchmann-Møller interviewed more than fifty people in the United States and Europe, and he includes numerous translated excerpts from European periodicals and newspapers, none previously available in English. In addition, the author studies every known Webster recording and film, including many private recordings from Webster's home collection not available to the public.

Exhaustively researched, this is a much needed and long overdue study of the life and music of one of jazz's most important artists.

 

Frank Buchmann-Moller (Auth 

 

Arnett Cobb • Party Time

 

Review by Scott Yanow
Tenor saxophonist Arnett Cobb, who was inactive between 1957 and 1958 due to a serious auto accident, recorded three strong albums for Prestige during the first half of 1959. This CD reissue is the only one of the trio that features Cobb as the only horn and backed by a pianist (Ray Bryant) instead of an organ player. With bassist Wendell Marshall, drummer Art Taylor and Ray Barretto on conga completing the group, most of the focus is on Cobb's tough yet flexible tenor. Such songs as "When My Dreamboat Comes Home," "Blues in the Closet" and a remake of "Flying Home" make this the definitive Arnett Cobb album from the era. Highly recommended.
https://www.allmusic.com/album/party-time-mw0000177104

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Reseña de Scott Yanow
El saxofonista tenor Arnett Cobb, que estuvo inactivo entre 1957 y 1958 debido a un grave accidente automovilístico, grabó tres sólidos álbumes para Prestige durante la primera mitad de 1959. Esta reedición en CD es la única del trío que cuenta con Cobb como único trompa y respaldado por un pianista (Ray Bryant) en lugar de un organista. Con el bajista Wendell Marshall, el batería Art Taylor y Ray Barretto a la conga completando el grupo, la mayor parte de la atención se centra en el tenor duro pero flexible de Cobb. Canciones como "When My Dreamboat Comes Home", "Blues in the Closet" y una nueva versión de "Flying Home" hacen de éste el álbum definitivo de Arnett Cobb de la época. Muy recomendable.
https://www.allmusic.com/album/party-time-mw0000177104

Yusef Lateef • Cry ! - Tender

Review by Thom Jurek

In 1959, Yusef Lateef began using the oboe in his recording sessions and on live dates. This album marks that occasion, and is thus a turning point in an amazingly long and varied career. Accompanied by Lonnie Hillyer on trumpet, Hugh Lawson on piano, bassist Herman Wright, and drummer Frank Gant, Lateef was digging deeply into a new lyricism that was Eastern-tinged (the full flavor of that obsession would be issued two years later on Eastern Sounds and had been touched upon two years earlier on Other Sounds, released on New Jazz, where Lateef had used an argol as well as his sax and flute), modally informed, and distinctly light in texture -- with the exception of the deep, dark, arco work at the beginning of "Dopolous," by Wright. Lateef was already moving away from what most people would call jazz by this time, yet, as evidenced here, his music remained challenging and very accessible. This is meditative music with a stunningly rich rhythmic palette for how muted and edgeless it is. And, like John Cage or Morton Feldman, the absence of those edges was written in; it's not random. On tunes like the aforementioned, "Butter's Blues," or even "If You Could See Me Now," Lateef could take the blues and move it into shadowy territory, pulling out of the intervals and changes certain harmonic concepts to turn the music back on itself. If restraint got practiced in the dynamic range, the drama in the music would be all the greater because of the wider harmonic palette -- because it could be heard, not just felt. The result is a seamless, velvety, yet poignant take on the blues that echoed the tears referenced in the title of the album. And yet, the beauty, such a tender beauty, was so unspeakably fragile that the brass and reed instruments seemed to hover over the rhythm section and cut holes in the air like fine razors that can only be praised for the fineness of their slash. This was the beginning of Lateef's change in direction and, as a result, it deserves to be noted for that. However, it needs to be doubly noted for its truly magnificent sound, texture, playing, composition, and choice of tunes.

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Revisión por Thom Jurek

En 1959, Yusef Lateef comenzó a usar el oboe en sus sesiones de grabación y en fechas en vivo. Este álbum marca esa ocasión y, por lo tanto, es un punto de inflexión en una carrera sorprendentemente larga y variada. Acompañado por Lonnie Hillyer en la trompeta, Hugh Lawson en el piano, el bajista Herman Wright y el baterista Frank Gant, Lateef estaba profundizando en un nuevo lirismo con tintes orientales (dos años después se emitiría todo el sabor de esa obsesión en Eastern Sounds y había sido tocado dos años antes en Otros Sonidos, lanzado en New Jazz, donde Lateef había usado un argol, así como su saxofón y flauta, informados modalmente y claramente de textura clara, con la excepción de la profunda y oscura , obra del arco al principio de "Dopolous", de Wright. Lateef ya se estaba alejando de lo que la mayoría de la gente llamaría jazz en este momento, sin embargo, como se demuestra aquí, su música seguía siendo desafiante y muy accesible. Esta es una música meditativa con una paleta rítmica increíblemente rica por lo silenciosa y sin tono que es. Y, como John Cage o Morton Feldman, se escribió la ausencia de esos bordes; no es aleatorio En temas como el mencionado "Butter's Blues", o incluso "Si me pudieras ver ahora", Lateef podría tomar el blues y moverlo a un territorio sombrío, retirándose de los intervalos y cambiando ciertos conceptos armónicos para volver a encender la música. sí mismo. Si la moderación se practicara en el rango dinámico, el drama en la música sería aún mayor debido a la paleta armónica más amplia, ya que se podía escuchar, no solo sentir. El resultado es una toma transparente, aterciopelada y, sin embargo, conmovedora de los azules que se hizo eco de las lágrimas a las que se hace referencia en el título del álbum. Y, sin embargo, la belleza, una belleza tan tierna, era tan indeciblemente frágil que los instrumentos de latón y caña parecían flotar sobre la sección de ritmo y cortar agujeros en el aire como cuchillas de afeitar finas que solo pueden ser elogiadas por la finura de su corte. Este fue el comienzo del cambio de dirección de Lateef y, como resultado, merece ser destacado por eso. Sin embargo, debe destacarse por su sonido, textura, interpretación, composición y elección de melodías realmente magníficos.