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Thursday, October 22, 2026

Louis Hayes • Exactly Right!

 



What do John Coltrane's Lover, Grant Green's Gooden's Corner, Joe Henderson's The Kicker, The Artistry of Freddie Hubbard, Bennie Green's Back on the Scene and Wes Montgomery's Movin' Along have in common? Louis Hayes was on drums.

Today, Louis is one of the last men drumming from jazz's galloping hard-bop era. Best of all, the 85-year-old artist hasn't lost an ounce of energy or style. As evidenced by his latest album, Exactly Right! (Savant), Louis not only is at the top of his game but also his taste in songs is terrific.

Recorded in December and produced by Maxine Gordon, Dexter Gordon's widow, Exactly Right! features Louis on drums, Abraham Burton on tenor saxophone, Steve Nelson on vibraphone, David Hazeltine and Dezron Douglas on bass.

The tracks are Louis's Exactly Right!, Duke Pearson's Is That So?, Cedar Walton's Hand in Glove, Sergio Mendes's So Many Stars, David Hazeltine's Carmine's Bridge, Wayne Shorter's Nefertiti, Horace Silver's Mellow D, Fred Lacey's Theme for Ernie, Scarborough Fair (traditional) and Cedar Walton's Ugetsu.

What's fascinating are the two triangular conversations going on simultaneously. The dominant one consists of Louis, Burton (sax) and Nelson (vibes) playing off each other. The second one is Louis, Hazeltine (piano) and Douglas (bass). Louis is the driving force energizing the front line and the rhythm section. Burton brings the heat while Nelson lays down the cool, but Louis's drums set the mood and and keep the hard bop edgy.

Best of all are Louis's cymbals. They splash in all the right places and erupt at unexpected moments like geysers. On drum solos, Louis plays with a taut economy and decades of hard bop experience. He also shows his funk on Scarborough Fare, which is given the soul-jazz treatment. Louis Hayes is a global treasure.
Source: JAZZWAX BY MARC MYERS
April 26, 2023
https://www.allaboutjazz.com/news/louis-hayes-exactly-right/

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¿Qué tienen en común el amante de John Coltrane, Gooden's Corner de Grant Green, The Kicker de Joe Henderson, El Arte de Freddie Hubbard, Bennie Green de Regreso a la Escena y Movin' Along de Wes Montgomery? Louis Hayes tocaba la batería.

Hoy en día, Louis es uno de los últimos hombres que tocan la batería en la galopante era del hard-bop del jazz. Lo mejor de todo es que el artista de 85 años no ha perdido ni una pizca de energía ni de estilo. Como lo demuestra su último álbum, Exactly Right! (Savant), Louis no solo está en la cima de su juego, sino que también su gusto por las canciones es fantástico.

Grabado en diciembre y producido por Maxine Gordon, viuda de Dexter Gordon, Exactly Right! presenta a Louis a la batería, Abraham Burton al saxofón tenor, Steve Nelson al vibráfono, David Hazeltine y Dezron Douglas al bajo.

¡Las pistas son Exactamente Las Correctas de Louis!, ¿Es Así De Duke Pearson?, Hand in Glove de Cedar Walton, So Many Stars de Sergio Mendes, Carmine's Bridge de David Hazeltine, Nefertiti de Wayne Shorter, Mellow D de Horace Silver, Tema de Fred Lacey para Ernie, Scarborough Fair (tradicional) y Ugetsu de Cedar Walton.

Lo fascinante son las dos conversaciones triangulares que tienen lugar simultáneamente. El dominante consiste en Louis, Burton (saxo) y Nelson (vibes) tocando el uno contra el otro. El segundo es Louis, Hazeltine (piano) y Douglas (bajo). Louis es la fuerza impulsora que energiza la primera línea y la sección rítmica. Burton trae el calor mientras Nelson deja la calma, pero la batería de Louis crea el ambiente y mantiene el hard bop nervioso.

Lo mejor de todo son los platillos de Louis. Chapotean en todos los lugares correctos y entran en erupción en momentos inesperados como géiseres. En solos de batería, Louis toca con una economía tensa y décadas de experiencia en hard bop. También muestra su funk en Scarborough Fare, al que se le da el tratamiento soul-jazz. Louis Hayes es un tesoro mundial.
Fuente: JAZZWAX DE MARC MYERS
26 de abril de 2023
https://www.allaboutjazz.com/news/louis-hayes-exactly-right/


www.louishayes.net ...
www.louishayes.net/music ...



Tuesday, October 20, 2026

John Coltrane • Coltrane Plays The Blues

 


"Coltrane Plays the Blues" is a thematic LP presenting the immortal saxophonist performing six tunes based on the blues. He is showcased here fronting his classic quartet, with McCoy Tyner on piano, Steve Davis on bass, and Elvin Jones on drums. Tyner sits out on “Blues to Bechet” and “Blues to You”, reducing the band to a trio on these tunes. On “Blues to Bechet” and “Mr. Syms”, Trane plays soprano sax.

Although Coltrane recorded blues and blues-inspired tunes all throughout his career, this is the only album he issued completely devoted to the blues, even though not all of the songs here are in strictly traditional blues form. Coltrane Plays the Blues received a four-star rating in Down Beat, with Don DeMicheal writing that, “Though Coltrane is not a blues player as, say, Milt Jackson is, he nonetheless evokes a blues feeling within a more abstract, musically sophisticated framework. That his knowledge of the blues is deep can be heard in the upper-register rasp he uses from time to time – it’s the same effect that a blues singer gets with his voice. The brightest track is ‘Mr. Day’, which finds Coltrane at his best, creating great excitement.”
https://www.jazzmessengers.com/es/73424/john-coltrane/plays-the-blues

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"Coltrane Plays the Blues" es un LP temático que presenta al inmortal saxofonista interpretando seis temas basados en el blues. Se presenta aquí al frente de su cuarteto clásico, con McCoy Tyner al piano, Steve Davis al bajo y Elvin Jones a la batería. Tyner no participa en "Blues to Bechet" y "Blues to You", reduciendo la banda a un trío en estos temas. En "Blues to Bechet" y "Mr. Syms", Trane toca el saxo soprano.

Aunque Coltrane grabó blues y melodías inspiradas en el blues a lo largo de toda su carrera, éste es el único álbum que publicó dedicado por completo al blues, aunque no todas las canciones que aparecen aquí tienen una forma estrictamente tradicional de blues. Coltrane Plays the Blues recibió una calificación de cuatro estrellas en Down Beat, y Don DeMicheal escribió: "Aunque Coltrane no es un intérprete de blues como, por ejemplo, Milt Jackson, evoca un sentimiento de blues dentro de un marco más abstracto y musicalmente sofisticado. Su profundo conocimiento del blues puede apreciarse en la ronca voz de registro superior que utiliza de vez en cuando; es el mismo efecto que consigue un cantante de blues con su voz". El tema más brillante es 'Mr. Day', que encuentra a Coltrane en su mejor momento, creando una gran emoción".
https://www.jazzmessengers.com/es/73424/john-coltrane/plays-the-blues


www.johncoltrane.com ...


David Hazeltine Trio • Alice In Wonderland

 



Wonderland Review by Ken Dryden
David Hazeltine evidently salutes pianist Bill Evans on this Venus CD, as eight of the nine songs were recorded by Evans for Riverside and the late pianist's influence is definitely a part of Hazeltine's style (though the Japanese liner notes make it difficult to confirm for sure). Accompanied by two sympathetic musicians, bassist George Mraz and drummer Billy Drummond, Hazeltine's interpretations of standards like "Beautiful Love," "Alice in Wonderland" and "When You Wish Upon a Star" are lyrical and to the point. The lively setting of "How Deep Is the Ocean" and loping treatment of "Tenderly" also merit praise. Hazeltine's sole composition is "For Bill," a fluid piece that is also reminiscent of Bill Evans' approach to the piano and writing. Beautifully recorded, the only problem with this CD is Jan Saudek's tasteless cover photo.
https://www.allmusic.com/album/alice-in-wonderland-mw0000474146

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Wonderland Reseña de Ken Dryden
Es evidente que David Hazeltine rinde homenaje al pianista Bill Evans en este CD Venus, ya que ocho de las nueve canciones fueron grabadas por Evans para Riverside y la influencia del fallecido pianista forma parte sin duda del estilo de Hazeltine (aunque las notas de presentación en japonés hacen difícil confirmarlo con seguridad). Acompañado por dos músicos simpáticos, el bajista George Mraz y el batería Billy Drummond, las interpretaciones de Hazeltine de clásicos como "Beautiful Love", "Alice in Wonderland" y "When You Wish Upon a Star" son líricas y directas. La animada configuración de "How Deep Is the Ocean" y el relajado tratamiento de "Tenderly" también merecen elogios. La única composición de Hazeltine es "For Bill", una pieza fluida que también recuerda el enfoque de Bill Evans hacia el piano y la escritura. Bellamente grabado, el único problema de este CD es la insípida foto de portada de Jan Saudek.
https://www.allmusic.com/album/alice-in-wonderland-mw0000474146


www.davidhazeltine.com ...


Monday, October 19, 2026

Sonny Criss • This Is Criss!

 





 
 

Ben Webster • Verve Jazz Masters 43 - Ben Webster

 


Saturday, October 17, 2026

Arnett Cobb • Movin' Right Along

 



Review by Ronnie D. Lankford, Jr.
From the opening notes of "Nitty Gritty," Movin' Right Along is a warm, stimulating set. Recorded in two days in February 1960, the album finds Arnett Cobb and a few friends playing an energetic, straight-ahead set. The only oddity is the presence of Buck Clarke's congas, which manage to add an extra layer of rhythm, even though there isn't a Latin tune in sight. There's a good mix between ballads like "(I Don't Stand) A Ghost of a Chance (With You)" and up-tempo pieces like "Exactly Like You." Cobb's expressive playing stands out most clearly on slower pieces like "Softly, As in a Morning Sunrise," allowing plenty of room for him to breathe life into each note. The odd piece out is "Fast Ride," the lone tune to include pianist Tommy Flanagan and conga player Danny Barrajanos. This upbeat piece leans toward hard bop and, as Joe Goldberg points out in the liner notes, recalls "Lester Leaps In." Today, many would call Movin' Right Along "mainstream jazz," though the term doesn't quite do justice to Cobb's soulful tenor work. For those who remember Cobb's work from the 1940s through the 1980s, the value of this reissue will be obvious. For everyone else, Movin' Right Along will serve as a fine introduction.
https://www.allmusic.com/album/movin-right-along-mw0000219405

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Reseña de Ronnie D. Lankford, Jr.
Desde las primeras notas de "Nitty Gritty", Movin' Right Along es un conjunto cálido y estimulante. Grabado en dos días en febrero de 1960, el álbum presenta a Arnett Cobb y algunos amigos tocando un conjunto enérgico y directo. La única rareza es la presencia de las congas de Buck Clarke, que consiguen añadir una capa extra de ritmo, aunque no haya ni una melodía latina a la vista. Hay una buena mezcla entre baladas como "(I Don't Stand) A Ghost of a Chance (With You)" y piezas movidas como "Exactly Like You". La expresividad de Cobb destaca sobre todo en piezas más lentas como "Softly, As in a Morning Sunrise", en la que deja mucho espacio para insuflar vida a cada nota. La pieza rara es "Fast Ride", el único tema que incluye al pianista Tommy Flanagan y al conguero Danny Barrajanos. Esta alegre pieza se inclina hacia el hard bop y, como señala Joe Goldberg en las notas, recuerda a "Lester Leaps In". Hoy en día, muchos llamarían a Movin' Right Along "jazz mainstream", aunque el término no hace justicia al conmovedor trabajo de tenor de Cobb. Para los que recuerdan el trabajo de Cobb desde la década de 1940 hasta la de 1980, el valor de esta reedición será obvio. Para todos los demás, Movin' Right Along será una buena introducción.
https://www.allmusic.com/album/movin-right-along-mw0000219405


Wednesday, October 14, 2026

Jimmy Giuffre • The Jimmy Giuffre Clarinet

 



Review by Scott Yanow
This continually interesting set finds Jimmy Giuffre sticking exclusively to his cool-toned clarinet, mostly playing in the lower register, in several settings. The thought-provoking and generally relaxed works feature a wide variety of instrumentation. Giuffre takes "So Low" as an unaccompanied solo, duets with Jimmy Rowles' celeste on "Deep Purple," plays a fairly free "Fascinatin' Rhythm" in a Benny Goodman-type trio with pianist Rowles and drummer Shelly Manne, performs with a couple of other trios (including a group consisting of his clarinet, an alto clarinetist, and a bass clarinetist), uses three flutes and drums on the atonal "The Side Pipers" and three woodwinds plus bassist Ralph Pena on an atmospheric "My Funny Valentine," concluding with a nonet blues. A very interesting album, last available as a 1984 Atlantic LP. https://www.allmusic.com/album/the-jimmy-giuffre-clarinet-mw0000590754

From jazzmessengers.com
A multi-reed player, Jimmy Guiffre played in an army band during his stint in the service, and then he performed with the orchestras of Jimmy Dorsey, Buddy Rich, and Woody Herman. As a prolific and inventive arranger-composer, Guiffre's work displays his fascination with texture and swing. With top-notch instrumentation, first-rate players, and various genres represented, this CD offers a variety of musical moods and stand-out tunes such as "Deep Purple," "Down Home," and George Gershwin's "Fascinatin' Rhythm.". - Oldies.com
https://www.jazzmessengers.com/es/7090/jimmy-giuffre/jimmy-giuffre-clarinet

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Reseña de Scott Yanow
Este conjunto continuamente interesante encuentra a Jimmy Giuffre apegándose exclusivamente a su clarinete de tonos fríos, tocando principalmente en el registro inferior, en varios escenarios. Las obras, que invitan a la reflexión y generalmente relajadas, presentan una amplia variedad de instrumentación. Giuffre toma "So Low" como un solo sin acompañamiento, hace duetos con celeste de Jimmy Rowles en "Deep Purple", toca un "Ritmo Fascinante" bastante libre en un trío tipo Benny Goodman con el pianista Rowles y la baterista Shelly Manne, actúa con un par de otros tríos (incluido un grupo que consta de su clarinete, un clarinetista alto y un clarinetista bajo), usa tres flautas y batería en el atonal "The Side Pipers" y tres instrumentos de viento de madera más el bajista Ralph Pena en un atmosférico "My Funny Valentine", concluyendo con un blues noneto. Un disco muy interesante, último disponible como LP Atlántico de 1984. https://www.allmusic.com/album/the-jimmy-giuffre-clarinet-mw0000590754

De jazzmessengers.com
Jimmy Guiffre, un músico de varias cañas, tocó en una banda del ejército durante su período en el servicio, y luego tocó con las orquestas de Jimmy Dorsey, Buddy Rich y Woody Herman. Como arreglista-compositor prolífico e inventivo, el trabajo de Guiffre muestra su fascinación por la textura y el swing. Con instrumentación de primera categoría, intérpretes de primer nivel y varios géneros representados, este CD ofrece una variedad de estados de ánimo musicales y melodías destacadas como "Deep Purple", "Down Home" y "Fascinatin' Rhythm " de George Gershwin. ". - Oldies.com
https://www.jazzmessengers.com/es/7090/jimmy-giuffre/jimmy-giuffre-clarinet


 





Monday, October 12, 2026

Archie Shepp Quartet • Parisian Concert

 



Archie Shepp was born in 1937 in Fort Lauderdale in Florida.

He grew up in Philadelphia, studied piano and saxophone and attended high school in Germantown; he went to college, became involved with theatre, met writers and poets, among them, Leroy Jones and wrote: «The Communist», an allegorical play about the situation of black Americans. In the late fifties, Archie Shepp also met the most radical musicians of the time: Lee Morgan, Bobby Timmons, Jimmy Garrison, Ted Curson, Beaver Harris ... his political consciousness found an expression in plays and theatrical productions which barely allowed him to make a living. In the beginning sixties he met Cecil Taylor and did two recordings with him which were determining.

In 1962 he signed his first record with Bill Dixon as co-leader. During the following year, he created the New York Contemporary Five with John Tchichai, made four records for Fontana, Storyville and Savoy and travelled to Europe with this group. Starting in August 1964, he worked with Impulse and made 17 records among which, Four For Trane, Fire Music, and Mama Too Tight, some of the classics of Free Music. His collaboration with John Coltrane materialized further with Ascension in 1965, a real turning point in Avant- Garde music. His militancy was evidenced by his participation in the creation of the Composers Guild with Paul and Carla Bley, Sun RA, Roswell Rudd and Cecil Taylor.

In July 1969 he went for the first time to Africa for the Pan African Festival in Algiers where many black American militants were living. On this occasion he recorded Live for Byg the first of six albums in the Actual series. In 1969 he began teaching Ethnomusicology at the University of Amherst, Massachusetts; at the same time he continued to travel around the world while continuing to express his identity as an African American musician.

The dictionary of Jazz (Robert Laffont, Bouquins) defines him in the following way: «A first rate artist and intellectual, Archie Shepp has been at the head of the Avant-Garde Free Jazz movement and has been able to join the mainstream of Jazz, while remaining true to his esthetic. He has developed a true poli-instrumentality: an alto player, he also plays soprano since 1969, piano since 1975 and more recently occasionally sings blues and standards.»

He populates his musical world with themes and stylistic elements provided by the greatest voices of jazz: from Ellington to Monk and Mingus, from Parker to Siver and Taylor. His technical and emotional capacity enables him to integrate the varied elements inherited by the Masters of Tenor from Webster to Coltrane into his own playing but according to his very own combination: the wild raspiness of his attacks, his massive sound sculpted by a vibrato mastered in all ranges, his phrases carried to breathlessness, his abrupt level changes, the intensity of his tempos but also the velvety tenderness woven into a ballad. His play consistently deepens the spirit of the two faces of the original black American music: blues and spirituals. His work with classics and with his own compositions (Bessie Smith’s Black Water Blues or Mama Rose) contributes to maintaining alive the power of strangeness of these two musics in relationship to European music and expresses itself in a unique mix of wounded violence and age-old nostalgia.

The scope of his work which registered in the eighties a certain urgency (at the cost of a few discrepancies) is a witness to the fact that in 1988 Archie Shepp was with Sonny Rollins one of the best interpreters in the babelian history of jazz.

With his freedom loving sensitivity Archie Shepp has made an inestimable contribution to the gathering, the publicizing and the inventing of jazz.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/archie-shepp/

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Archie Shepp nació en 1937 en Fort Lauderdale, Florida.

Creció en Filadelfia, estudió piano y saxofón y asistió a la escuela secundaria en Germantown; fue a la universidad, se involucró con el teatro, conoció escritores y poetas, entre ellos, Leroy Jones y escribió: "El comunista", una obra alegórica sobre la situación de los afroamericanos. A finales de los cincuenta, Archie Shepp también conoció a los músicos más radicales de la época: Lee Morgan, Bobby Timmons, Jimmy Garrison, Ted Curson, Beaver Harris ... su conciencia política encontró expresión en obras de teatro y producciones teatrales que apenas le permitían ganarse la vida. A principios de los sesenta conoció a Cecil Taylor e hizo dos grabaciones con él que fueron determinantes.

En 1962 firmó su primer disco con Bill Dixon como colíder. Durante el año siguiente, creó The New York Contemporary Five con John Tchichai, grabó cuatro discos para Fontana, Storyville y Savoy y viajó a Europa con este grupo. A partir de agosto de 1964, trabajó con Impulse y realizó 17 discos entre los que destacan, Cuatro para Trane, Fire Music y Mama Too Tight, algunos de los clásicos de la Música Gratuita. Su colaboración con John Coltrane se materializó aún más con Ascension en 1965, un verdadero punto de inflexión en la música de Vanguardia. Su militancia quedó evidenciada por su participación en la creación del Gremio de Compositores junto a Paul y Carla Bley, Sun RA, Roswell Rudd y Cecil Taylor.

En julio de 1969 fue por primera vez a África para el Festival Panafricano en Argel, donde vivían muchos militantes afroamericanos. En esta ocasión grabó en directo para Byg el primero de los seis álbumes de la actual serie. En 1969 comenzó a enseñar Etnomusicología en la Universidad de Amherst, Massachusetts; al mismo tiempo continuó viajando por el mundo mientras continuaba expresando su identidad como músico afroamericano.

El diccionario de Jazz (Robert Laffont, Bouquins) lo define de la siguiente manera: "Un artista e intelectual de primer nivel, Archie Shepp ha estado a la cabeza del movimiento vanguardista del Free Jazz y ha sido capaz de unirse a la corriente principal del Jazz, sin dejar de ser fiel a su estética. Ha desarrollado una verdadera poliinstrumentalidad: contralto, también toca soprano desde 1969, piano desde 1975 y, más recientemente, canta ocasionalmente blues y standards.»

Puebla su mundo musical con temas y elementos estilísticos proporcionados por las mejores voces del jazz: desde Ellington hasta Monk y Mingus, desde Parker hasta Siver y Taylor. Su capacidad técnica y emocional le permite integrar los variados elementos heredados por los Maestros del Tenor desde Webster hasta Coltrane en su propia interpretación pero según su propia combinación: la aspereza salvaje de sus ataques, su sonido masivo esculpido por un vibrato dominado en todos los rangos, sus frases llevadas a la falta de aliento, sus cambios bruscos de nivel, la intensidad de sus tempos pero también la ternura aterciopelada entretejida en una balada. Su interpretación profundiza constantemente el espíritu de las dos caras de la música afroamericana original: blues y espirituales. Su trabajo con clásicos y con composiciones propias (Bessie Smith's Black Water Blues o Mama Rose) contribuye a mantener vivo el poder de extrañeza de estas dos músicas en relación con la música europea y se expresa en una mezcla única de violencia herida y nostalgia milenaria.

El alcance de su obra que registró en los ochenta cierta urgencia (a costa de algunas discrepancias) atestigua que en 1988 Archie Shepp era junto a Sonny Rollins uno de los mejores intérpretes de la historia babélica del jazz.

Con su sensibilidad amante de la libertad, Archie Shepp ha hecho una contribución inestimable a la reunión, la difusión y la invención del jazz.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/archie-shepp/



Sunday, October 11, 2026

John Coltrane • Chasin' Another Trane Live At The Village Vanguard

 



Live’ at the Village Vanguard , was Coltrane’s first official ‘live’ album...
This set documents all four-night stand by John Coltrane (sax) and his quintet at the Village Vanguard in New York City, November 1/5/1961.
Coltrane is accompanied by an all-star ensemble of...
Eric Dolphy (alto sax/bass clarinet),
Garvin Bushell (oboe/contrabassoon),
Ahmed Abdul-Malik (oud),
McCoy Tyner (piano),
Jimmy Garrison (bass),
Reggie Workman (bass),
Elvin Jones (drums), and
Roy Haynes (drums).
Their presence is as equally vital as Coltrane's - inspiring as well as informing the dimensions of improvisation. With the knowledge that the entire run was being documented to create some sort of retail document, Coltrane chose nine specific compositions to concentrate on.
The choice of material likewise had a tremendous impact on the personnel of the band, evidenced by Bushnell's contributions during "Spiritual" and Abdul-Malik's within the context of the extended "India."
Each set bears its own distinctive shading and emphasis.
This allows even the most unsophisticated jazz consumer the opportunity to note the difference in the various versions, while contrasting the player's widely diverse performance styles.
This is an excellent set capturing Trane in a period of evolution, moving out of the post-bop sound of prior LP's, and into previously unexplored improvisational territory that hints at the masterpieces to come.

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Live' at the Village Vanguard , fue el primer álbum oficial "en directo" de Coltrane...
Este conjunto documenta las cuatro noches de John Coltrane (saxo) y su quinteto en el Village Vanguard de Nueva York, el 1/5/1961 de noviembre.
Coltrane está acompañado por un conjunto de estrellas...
Eric Dolphy (saxo alto/clarinete bajo),
Garvin Bushell (oboe/contrafagot),
Ahmed Abdul-Malik (oud),
McCoy Tyner (piano),
Jimmy Garrison (bajo),
Reggie Workman (bajo),
Elvin Jones (batería) y
Roy Haynes (batería).
Su presencia es tan vital como la de Coltrane: inspiran e introducen las dimensiones de la improvisación. Con la certeza de que se iba a documentar toda la carrera para crear una especie de documento de venta al público, Coltrane eligió nueve composiciones específicas en las que concentrarse.
La elección del material tuvo asimismo un tremendo impacto en el personal de la banda, evidenciado por las contribuciones de Bushnell durante "Spiritual" y de Abdul-Malik en el contexto de la extensa "India".
Cada conjunto lleva su propio matiz y énfasis distintivos.
Esto permite que incluso el consumidor de jazz menos sofisticado tenga la oportunidad de notar la diferencia entre las distintas versiones, a la vez que contrasta los estilos de interpretación tan diversos de los intérpretes.
Se trata de un conjunto excelente que capta a Trane en un periodo de evolución, alejándose del sonido post-bop de LPs anteriores y adentrándose en un territorio de improvisación inexplorado hasta la fecha que deja entrever las obras maestras que están por venir.

Saturday, October 10, 2026

John Coltrane • Wheelin & Dealin


John William Coltrane was born on September 23, 1926 in Hamlet, North Carolina. At the age of three his family moved to High Point, NC, where young Coltrane spent his early years. His father, John Robert Coltrane, died in 1939, leaving twelve year-old John and his mother on their own.

His mother, Alice Blair Coltrane, moved to New Jersey to work as a domestic while John completed high school. John played first the clarinet, then alto saxophone in his high school band. His first musical influence was the tenor saxophonist Lester Young of Count Basie's band. In June of 1943, after graduation, Coltrane moved to Philadelphia to be closer to his mother.

After a yearlong stint in the Navy (1945-46), Coltrane began playing gigs in and around Philadelphia. During this time he became involved in drug and alcohol use, vices that would follow him throughout his career and ultimately lead to his death.

In late 1949 Coltrane was invited to play alto sax with Dizzy Gillespie's band; the first recording session was on November 21 of that year. When the big band broke up in May of 1950 Coltrane moved to the tenor saxophone and played with Gillespie's small band until May of the next year. Coltrane played with Earl Bostic's group in 1952, switching to the band of his early idol Johnny Hodges in 1953.

Problems with drug and alcohol abuse, however, forced Coltrane out of the group in 1954. Miles Davis called upon Coltrane in the summer of 1955 to join a group he was forming. The Miles Davis quintet's first recording was made in October of 1955, the same month in which Coltrane was married to Naima Grubbs. The quintet was comprised of Davis on trumpet, Coltrane on tenor sax, Red Garland on piano, Paul Chambers on bass, and Philly Joe Jones on the drums. It was in his years with this quintet that Coltrane's abilities were truly recognized and appreciated.

In April 1957, though, Coltrane was again forced to take a break from playing to deal with his substance abuse problems; Davis replaced him with Sonny Rollins. He played briefly with Thelonious Monk in late 1957 before rejoining the Miles Davis quintet in January 1958. Coltrane played with this group until April 1960, when he set out to form his own group.

The John Coltrane quartet first formed in April of 1960 with Coltrane playing tenor saxophone, McCoy Tyler on piano, Elvin Jones on drums, and Jimmy Harrison on bass. It was during the first years of this group that Coltrane graduated from an above-average tenor saxophonist to an elite bandleader, composer, and improvisor. "My Favorite Things", the epic album featuring "Every Time We Say Goodbye", "Summertime", "But Not For Me", and the title track, was recorded in 1960. This was undoubtedly Coltrane's most successful and popular album, and granted him the commercial success that had eluded him thus far in his career.

Perhaps due to this success, Coltrane's approach to his music began to shift during 1961-62, moving towards a more experimental, improvisational style. This "free-jazz" alienated many of the fans Coltrane had collected after "My Favorite Things", but at the same time expanded the horizons and definition of jazz. Among the more popular recordings of the quartet in the following years were "Africa Brass" (1961), "Ballads" (1962), "A Love Supreme" (1964), and "Meditations" (1965), as well as concerts recorded at The Village Vanguard (NYC) in 1961 and at Birdland, also in New York, in 1963.

Coltrane's continuing desire to break new boundaries with his music, though, led to the end of the group in January 1966. During the mid-1960's the turmoil in Coltrane's professional life was mirrored by disruptions in his personal life. In the summer of 1963 he moved out of the house he shared with his wife, Naima, and moved in with Alice McLeod. Coltrane had met Alice, a pianist, in 1960, and they had been friends since then.

A son, John Coltrane Jr., was born to Coltrane and Alice on August 8, 1964; this was followed on August 6, 1965 by a second son, Ravi. A year later Coltrane divorced Naima and married Alice. A final son, Oran, was born to Coltrane and Alice on March 19, 1967. On July 17, 1967,

John Coltrane died due to complications arising from his years of alcohol and drug abuse.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/john-coltrane/

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John William Coltrane nació el 23 de septiembre de 1926 en Hamlet, Carolina del Norte. A la edad de tres años, su familia se mudó a High Point, Carolina del Norte, donde el joven Coltrane pasó sus primeros años. Su padre, John Robert Coltrane, murió en 1939, dejando solos a John, de doce años, y a su madre.

Su madre, Alice Blair Coltrane, se mudó a Nueva Jersey para trabajar como empleada doméstica mientras John completaba la escuela secundaria. John tocó primero el clarinete y luego el saxofón alto en la banda de su escuela secundaria. Su primera influencia musical fue el saxofonista tenor Lester Young de la banda de Count Basie. En junio de 1943, después de graduarse, Coltrane se mudó a Filadelfia para estar más cerca de su madre.

Después de un período de un año en la Marina (1945-46), Coltrane comenzó a tocar en Filadelfia y sus alrededores. Durante este tiempo se involucró en el consumo de drogas y alcohol, vicios que lo seguirían a lo largo de su carrera y finalmente lo llevarían a la muerte.

A finales de 1949 Coltrane fue invitado a tocar el saxo alto con la banda de Dizzy Gillespie; la primera sesión de grabación fue el 21 de noviembre de ese año. Cuando la big band se disolvió en mayo de 1950, Coltrane se pasó al saxofón tenor y tocó con la pequeña banda de Gillespie hasta mayo del año siguiente. Coltrane tocó con el grupo de Earl Bostic en 1952, cambiando a la banda de su ídolo Johnny Hodges en 1953.

Sin embargo, los problemas con el abuso de drogas y alcohol obligaron a Coltrane a abandonar el grupo en 1954. Miles Davis llamó a Coltrane en el verano de 1955 para unirse a un grupo que estaba formando. La primera grabación del quinteto de Miles Davis se realizó en octubre de 1955, el mismo mes en que Coltrane se casó con Naima Grubbs. El quinteto estaba compuesto por Davis a la trompeta, Coltrane al saxo tenor, Red Garland al piano, Paul Chambers al bajo y Philly Joe Jones a la batería. Fue en sus años con este quinteto que las habilidades de Coltrane fueron verdaderamente reconocidas y apreciadas.

Sin embargo, en abril de 1957, Coltrane se vio obligado nuevamente a dejar de tocar para lidiar con sus problemas de abuso de sustancias; Davis lo reemplazó con Sonny Rollins. Tocó brevemente con Thelonious Monk a fines de 1957 antes de reincorporarse al quinteto de Miles Davis en enero de 1958. Coltrane tocó con este grupo hasta abril de 1960, cuando se propuso formar su propio grupo.

El cuarteto John Coltrane se formó por primera vez en abril de 1960 con Coltrane tocando el saxofón tenor, McCoy Tyler al piano, Elvin Jones a la batería y Jimmy Harrison al bajo. Fue durante los primeros años de este grupo que Coltrane se graduó de saxofonista tenor por encima del promedio a líder de banda, compositor e improvisador de élite. "My Favorite Things", el álbum épico con "Every Time We Say Goodbye", "Summertime", "But Not For Me" y la canción principal, se grabó en 1960. Este fue sin duda el álbum más exitoso y popular de Coltrane, y le otorgó el éxito comercial que le había eludido hasta ahora en su carrera.

Quizás debido a este éxito, el enfoque de Coltrane hacia su música comenzó a cambiar durante 1961-62, moviéndose hacia un estilo más experimental e improvisado. Este " free-jazz "alienó a muchos de los fanáticos que Coltrane había reunido después de" My Favorite Things", pero al mismo tiempo amplió los horizontes y la definición del jazz. Entre las grabaciones más populares del cuarteto en los años siguientes se encuentran" Africa Brass " (1961)," Ballads " (1962)," A Love Supreme "(1964) y" Meditations " (1965), así como conciertos grabados en Village Vanguard (NYC) en 1961 y en Birdland, también en Nueva York, en 1963.

Sin embargo, el continuo deseo de Coltrane de romper nuevos límites con su música llevó al final del grupo en enero de 1966. A mediados de la década de 1960, la agitación en la vida profesional de Coltrane se reflejó en interrupciones en su vida personal. En el verano de 1963 se mudó de la casa que compartía con su esposa, Naima, y se mudó con Alice McLeod. Coltrane había conocido a Alice, pianista, en 1960, y habían sido amigos desde entonces.

Un hijo, John Coltrane Jr., nació de Coltrane y Alice el 8 de agosto de 1964; a esto le siguió el 6 de agosto de 1965 un segundo hijo, Ravi. Un año después, Coltrane se divorció de Naima y se casó con Alice. Un último hijo, Oran, nació de Coltrane y Alice el 19 de marzo de 1967. El 17 de julio de 1967,

John Coltrane murió debido a complicaciones derivadas de sus años de abuso de alcohol y drogas.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/john-coltrane/


www.johncoltrane.com ...
 

Wayne Shorter • Adam's Apple

 



Review
by Stacia Proefrock  
With the possible exception of its song, "Footprints," which would become a jazz standard, Adam's Apple received quite a bit less attention upon its release than some of the preceding albums in Wayne Shorter's catalog. That is a shame because it really does rank with the best of his output from this incredibly fertile period. From the first moments when Shorter's sax soars out in the eponymous opening track, with its warmth and roundness and power, it is hard not to like this album. It might not be turning as sharp of a corner stylistically as some of his earlier works, like Speak No Evil, but its impact is only dulled by the fact that Shorter has already arrived at the peak of his powers. Taken in isolation, this is one of the great works of mid-'60s jazz, but when Shorter has already achieved a unique performance style, compositional excellence, and a perfectly balanced relationship with his sidemen, it is hard to be impressed by the fact that he manages to continue to do these things album after album. But Shorter does shine here, while allowing strong players like Herbie Hancock to also have their place in the sun. Especially hypnotic are two very different songs, the ballad "Teru" and Shorter's tribute to John Coltrane, "Chief Crazy Horse," both of which also allow Hancock a chance to show what he could do.
https://www.allmusic.com/album/adams-apple-mw0000192508

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Reseña
por Stacia Proefrock  
Con la posible excepción de su canción, "Footprints", que se convertiría en un estándar de jazz, Adam's Apple recibió bastante menos atención en su lanzamiento que algunos de los álbumes precedentes del catálogo de Wayne Shorter. Es una pena, porque realmente se encuentra entre lo mejor de su producción de este período increíblemente fértil. Desde los primeros momentos en que el saxo de Shorter se eleva en el tema de apertura homónimo, con su calidez, redondez y potencia, es difícil que no te guste este álbum. Puede que no dé un giro tan brusco desde el punto de vista estilístico como algunos de sus primeros trabajos, como Speak No Evil, pero su impacto sólo se ve empañado por el hecho de que Shorter ya ha llegado a la cima de sus poderes. Tomado de forma aislada, es una de las grandes obras del jazz de mediados de los 60, pero cuando Shorter ya ha logrado un estilo de interpretación único, una excelencia compositiva y una relación perfectamente equilibrada con sus acompañantes, es difícil impresionarse por el hecho de que consiga seguir haciendo estas cosas álbum tras álbum. Pero Shorter brilla aquí, al tiempo que permite que jugadores fuertes como Herbie Hancock tengan también su lugar bajo el sol. Especialmente hipnóticas son dos canciones muy diferentes, la balada "Teru" y el homenaje de Shorter a John Coltrane, "Chief Crazy Horse", que también permiten a Hancock mostrar lo que puede hacer.
https://www.allmusic.com/album/adams-apple-mw0000192508


wayneshorter.com ...


Art Pepper • The Living Legend

 

 


Biography by Matt Collar
With his lyrical, swinging style, alto saxophonist Art Pepper is recognized as one of the major jazz stars to emerge out of the West Coast jazz scene of the 1950s. A gifted soloist by his teens, Pepper initially drew attention touring as a member Stan Kenton's band before launching his solo career. He achieved almost instant fame, famously finishing second behind Charlie Parker as best alto saxophonist (he also occasionally played clarinet and tenor sax) in the 1952 DownBeat magazine readers' poll. Along with artists like Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne, and others, Pepper became synonymous with the laid-back West Coast jazz sound. However, he was also a heroin addict, and his career was often sidelined due to drug-related stints in prison. Nonetheless, he remained a vital performer, issuing albums like 1959's Plus Eleven and 1960's Intensity. After entering the Synanon drug rehabilitation program in the late '60s, Pepper resurrected his career. Working alongside his wife and manager Laurie Pepper, he recorded a series of comeback albums including 1975's Living Legend and 1980's Straight Life (also the title of his 1980 memoir) which found him embracing a more muscular, hard bop and modal sound influenced by John Coltrane. Despite, or perhaps because of his troubled career, Pepper -- who died of a stroke in 1982 -- remains a dualistic symbol for both the fallen jazz star and journeyman who never gave up.

Arthur Edward Pepper, Jr. was born in 1925 in Gardena, California to a merchant seaman father and teenage mother. Both of his parents struggled with alcoholism and the young Pepper was sent to live with his paternal grandmother in nearby San Pedro. Growing up, he expressed an interest in music and started taking clarinet lessons at age nine and switched to alto saxophone at age 13. By the time he was 15, he was attending jazz and blues jam sessions at largely African-American clubs on Central Avenue in downtown Los Angeles, playing with drummer Lee Young, saxophonist Benny Carter, and others. He was still a teenager when he joined Stan Kenton's band, touring the U.S. until he was drafted into the Army in 1943. Following his discharge after World War II, Pepper returned to Los Angeles, where he again joined Kenton's ensemble, playing alongside bandmates like Conte Candoli, Lee Konitz, Frank Rosolino, and others.

By the early '50s, Pepper was a star, widely regarded as one of the best alto saxophonists in the country. Though he had only appeared on a handful of recordings, he was popular enough to finish second behind Charlie Parker in the 1952 DownBeat magazine readers' poll. However, it was also during this initial career ascent that he was arrested and sent to prison on drug-related charges stemming from heroin addiction; an issue that plagued him throughout his career and resulted in a number of incarcerations. Released from prison in 1956, Pepper quickly made up for lost time, recording a number of classic albums including Art Pepper Meets the Rhythm Section featuring Miles Davis bandmates Red Garland, Paul Chambers, and Philly Joe Jones, Surf Ride with Russ Freeman and Hampton Hawes, and Playboys with trumpeter Chet Baker. All of these albums showcased Pepper's fluid, bop-informed improvisational style and singing tone, solidifying his reputation as one of the architects of the cool, West Coast jazz sound. There were also sessions with Wane Marsh, Herb Ellis, Jimmy Giuffre, and others.

Pepper had a number of well-regarded albums issued in the early '60s including Intensity with pianist Dolo Coker, Smack Up with trumpeter Jack Sheldon, and Gettin' Together!, which again found him backed by Miles Davis' rhythm section of Red Garland, Paul Chambers, and Philly Joe Jones. However, while he remained a popular artist, much of his career was sidelined during the '60s as he served time in prison, including two stints at San Quentin, where he played in a group with fellow saxophonist Frank Morgan. Following his final release from prison, Pepper entered the drug rehabilitation program Synanon based in Santa Monica. There he met and eventually married his third wife, photographer Laurie Pepper, who also became his manager. With the use of methadone, the saxophonist entered a period of recovery which found him recording more and more throughout the '70s.

Living Legend arrived in 1975 on Contemporary Records and found Pepper playing with longtime associates pianist Hampton Hawes, bassist Charlie Haden, and drummer Shelly Manne. The album also revealed his transition toward a more aggressive, harmonically complex approach influenced by the work of John Coltrane. Equally earthy and soulful albums followed including 1976's The Trip, 1977's No Limit, and 1978's Among Friends. In the late '70s, Pepper signed a contract with Galaxy Records and issued a slew of albums for the label that found him striking a balance between his earlier West Coast style and latter-career interest in Coltrane's music. Art Pepper Today arrived in 1979 and featured pianist Stanley Cowell, bassist Cecil McBee, and drummer Roy Haynes.

In 1980, Pepper published his autobiography, Straight-Life, co-written with Laurie, in which he openly discussed his career and issues with drugs and prison. He continued to record often throughout his later years, issuing albums on the Galaxy and Artist House labels, including 1980's So in Love and 1984's Artworks. He often paired with pianist George Cables, issuing two 1982 duets albums with Tete-a-Tete and Goin' Home. It was at the height of his comeback that Pepper died of a stroke on June 15, 1982 in Los Angeles at the age of 56. Following his death, Laurie continued to issue many bootleg and previously unreleased sessions by the saxophonist on her Widow's Taste imprint. She also paired with Omnivore Records for a series of compilations detailing his Galaxy and Artist House albums, including 2017's Art Pepper Presents: West Coast Sessions, Vol. 1: Sonny Stitt, and 2019's Promise Kept: The Complete Artists House Recordings.
https://www.allmusic.com/artist/art-pepper-mn0000505047#biography

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Biografía de Matt Collar
Con su estilo lírico y oscilante, el saxofonista alto Art Pepper es reconocido como una de las principales estrellas del jazz que surgieron de la escena del jazz de la Costa Oeste de la década de 1950. Pepper, un talentoso solista en su adolescencia, inicialmente llamó la atención de gira como miembro de la banda de Stan Kenton antes de lanzar su carrera en solitario. Alcanzó fama casi instantánea, quedando en segundo lugar detrás de Charlie Parker como mejor saxofonista alto (también tocó ocasionalmente clarinete y saxo tenor) en la encuesta de lectores de la revista DownBeat de 1952. Junto con artistas como Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne y otros, Pepper se convirtió en sinónimo del relajado sonido del jazz de la Costa Oeste. Sin embargo, también era adicto a la heroína, y su carrera a menudo quedó al margen debido a períodos en prisión relacionados con las drogas. No obstante, siguió siendo un intérprete vital, publicando álbumes como Plus Eleven de 1959 e Intensity de 1960. Después de ingresar al programa de rehabilitación de drogas Synanon a fines de los 60, Pepper resucitó su carrera. Trabajando junto a su esposa y manager Laurie Pepper, grabó una serie de álbumes de regreso, incluidos Living Legend de 1975 y Straight Life de 1980 (también el título de sus memorias de 1980), que lo encontraron adoptando un sonido más musculoso, hard bop y modal influenciado por John Coltrane. A pesar de, o quizás debido a su problemática carrera, Pepper, quien murió de un derrame cerebral en 1982, sigue siendo un símbolo dualista tanto para la estrella caída del jazz como para journeyman que nunca se rindió.

Arthur Edward Pepper, Jr. nació en 1925 en Gardena, California, de padre marinero mercante y madre adolescente. Sus dos padres lucharon contra el alcoholismo y el joven Pepper fue enviado a vivir con su abuela paterna en la cercana San Pedro. Al crecer, expresó su interés por la música y comenzó a tomar lecciones de clarinete a los nueve años y cambió al saxofón alto a los 13 años. Cuando tenía 15 años, asistía a sesiones improvisadas de jazz y blues en clubes mayoritariamente afroamericanos en Central Avenue en el centro de Los Ángeles, tocando con el baterista Lee Young, el saxofonista Benny Carter y otros. Todavía era un adolescente cuando se unió a la banda de Stan Kenton, recorriendo los EE.UU. hasta que fue reclutado por el Ejército en 1943. Tras su baja después de la Segunda Guerra Mundial, Pepper regresó a Los Ángeles, donde nuevamente se unió al conjunto de Kenton, tocando junto a compañeros de banda como Conte Candoli, Lee Konitz, Frank Rosolino y otros.

A principios de los 50, Pepper era una estrella, ampliamente considerado como uno de los mejores saxofonistas altos del país. Aunque solo había aparecido en un puñado de grabaciones, fue lo suficientemente popular como para terminar segundo detrás de Charlie Parker en la encuesta de lectores de la revista DownBeat de 1952. Sin embargo, también fue durante este ascenso inicial en su carrera que fue arrestado y enviado a prisión por cargos relacionados con drogas derivados de la adicción a la heroína; un problema que lo plagó a lo largo de su carrera y resultó en una serie de encarcelamientos. Liberado de prisión en 1956, Pepper recuperó rápidamente el tiempo perdido, grabando una serie de álbumes clásicos que incluían Art Pepper Meets the Rhythm Section con los compañeros de banda de Miles Davis Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones, Surf Ride con Russ Freeman y Hampton Hawes, y Playboys con el trompetista Chet Baker. Todos estos álbumes mostraron el estilo fluido de improvisación y el tono de canto de Pepper, informado por el bop, solidificando su reputación como uno de los arquitectos del sonido fresco del jazz de la Costa Oeste. También hubo sesiones con Wane Marsh, Herb Ellis, Jimmy Giuffre y otros.

Pepper tuvo una serie de álbumes bien considerados publicados a principios de los 60, incluidos Intensity con el pianista Dolo Coker, Smack Up con el trompetista Jack Sheldon y Gettin 'Together!, que nuevamente lo encontró respaldado por la sección rítmica de Miles Davis de Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones. Sin embargo, aunque siguió siendo un artista popular, gran parte de su carrera quedó al margen durante los años 60 mientras cumplía condena en prisión, incluidas dos temporadas en San Quintín, donde tocó en un grupo con su compañero saxofonista Frank Morgan. Después de su liberación final de la prisión, Pepper ingresó al programa de rehabilitación de drogas Synanon con sede en Santa Mónica. Allí conoció y finalmente se casó con su tercera esposa, la fotógrafa Laurie Pepper, quien también se convirtió en su manager. Con el uso de metadona, el saxofonista entró en un período de recuperación que lo encontró grabando más y más a lo largo de los años 70.

Living Legend llegó en 1975 a Contemporary Records y encontró a Pepper tocando con el pianista Hampton Hawes, el bajista Charlie Haden y la baterista Shelly Manne. El álbum también reveló su transición hacia un enfoque más agresivo y armónicamente complejo influenciado por el trabajo de John Coltrane. Le siguieron álbumes igualmente terrenales y conmovedores, incluidos The Trip de 1976, No Limit de 1977 y Among Friends de 1978. A finales de los 70, Pepper firmó un contrato con Galaxy Records y publicó una gran cantidad de álbumes para el sello que lo encontraron logrando un equilibrio entre su estilo anterior de la Costa Oeste y el interés de su última carrera en la música de Coltrane. Art Pepper Today llegó en 1979 y contó con el pianista Stanley Cowell, el bajista Cecil McBee y el baterista Roy Haynes.

En 1980, Pepper publicó su autobiografía, Straight-Life, coescrita con Laurie, en la que hablaba abiertamente de su carrera y sus problemas con las drogas y la prisión. Continuó grabando a menudo a lo largo de sus últimos años, publicando álbumes en los sellos Galaxy y Artist House, incluidos So in Love de 1980 y Artworks de 1984. A menudo se emparejó con el pianista George Cables, publicando dos álbumes de duetos en 1982 con Tete-a-Tete y Goin ' Home. Fue en el apogeo de su regreso que Pepper murió de un derrame cerebral el 15 de junio de 1982 en Los Ángeles a la edad de 56 años. Después de su muerte, Laurie continuó publicando muchas sesiones piratas e inéditas del saxofonista en su sello Widow's Taste. También se asoció con Omnivore Records para una serie de compilaciones que detallan sus álbumes Galaxy y Artist House, incluido Art Pepper Presents: West Coast Sessions, Vol. 1: Sonny Stitt, y Promise Kept de 2019: The Complete Artists House Recordings.
https://www.allmusic.com/artist/art-pepper-mn0000505047#biography


Friday, October 9, 2026

David Fathead Newman • Diamondhead

 



Review
by Thom Jurek  
Diamondhead is David "Fathead" Newman's seventh album in as many years for High Note. It was issued a few weeks short of his 75th birthday with his longtime collaborator and friend Houston Person as co-producer. The band assembled for this date is made up of longtime associates of the reedman; most of whom have actually appeared on his High Note releases. Fellow Texas native Cedar Walton is in the piano chair (virtually the same age, the pair attended the same high school but didn't play together until the '60s), and legendary trombonist Curtis Fuller is on the other horn -- he has known Newman and played with him since the '80s, as has bassist Peter Washington. Drummer Yoron Israel was instrumental in creating the great depth and breadth of Life, the last Newman offering on the label. This outing is very different. It is a solid jazz date with some wonderful post-hard bop and soul-jazz touches here. Standout tunes on this set include a beautiful, elegant, deeply soulful reading of Billy Joel's "New York State of Mind," with excellent solo work from Newman on flute, alto, and tenor, and Walton on piano. The title track is one of the harder swinging, blues oriented tunes Newman has written in a while, and Fuller's solo is popping. Walton's fills and comps around Newman's tenor are killer. The deep groove is pure Texas rhythm and blues by way of Hank Mobley and Ray Charles. Newman does a wonderful job of weaving these various sources into a single tight-knit composition. Walton's "Cedar's Blues" features some truly fiery work from both Fuller and the pianist, and Israel's slippery breaks may be subtle but they add the funky backdrop necessary for Walton's knotty line to breathe. There is a beautiful reading of the Hoagy Carmichael/Johnny Mercer standard "Skylark," that contains more of Mercer's beautiful melody than not, and Newman's tone is at its richest and most expressive despite the slow tempo of the tune. Two other Newman compositions, "My Full House," and "Mama-Lou" are also steeped in gospel and blues. The former could have been played by the Charles band except for one thing: there is a beautiful little Latin trace in Israel's rhythmic pulse that adds texture and space to this, making this mid-tempo blues not only prime for honking, but also for dancing. Fuller's solo is deep as well. Uh-huh. The latter cut is a killer showcase for the Newman flute. Ever since he took it up in the '60s, he's been a monster on the thing, and the way he and Walton interplay on the melody on this blues is killer. Washington's bass here is stellar as it covers the middle ground for Walton to begin his fat two-handed chord counter to Newman's solo. When he eventually moves to the right hand, he's moving about the middle register and turns the melody inside out with some humor tossed in via some playing around with quoting the "Mexican Hat Dance," and in the next chorus going right to Duke Pearson and Ramsey Lewis. This is a stellar little quintet date and offers living proof that Walton, Fuller, and Newman show no signs of slowing down.
https://www.allmusic.com/album/diamondhead-mw0000585648

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Reseña
por Thom Jurek  
Diamondhead es el séptimo álbum de David "Fathead" Newman en otros tantos años para High Note. Fue publicado unas semanas antes de su 75 cumpleaños con su viejo colaborador y amigo Houston Person como co-productor. La banda reunida para esta fecha está formada por antiguos colaboradores del músico de la caña, la mayoría de los cuales han aparecido en sus discos para High Note. El también tejano Cedar Walton ocupa la silla del piano (prácticamente de la misma edad, los dos fueron al mismo instituto pero no tocaron juntos hasta los años 60), y el legendario trombonista Curtis Fuller está en la otra trompa: conoce a Newman y toca con él desde los años 80, al igual que el bajista Peter Washington. El batería Yoron Israel contribuyó decisivamente a crear la gran profundidad y amplitud de Life, el último trabajo de Newman en el sello. Este disco es muy diferente. Es una sólida cita con el jazz, con algunos toques maravillosos de post-hard bop y soul-jazz. Entre los temas más destacados de este disco se incluye una hermosa, elegante y conmovedora lectura de "New York State of Mind" de Billy Joel, con excelentes solos de Newman a la flauta, contralto y tenor, y de Walton al piano. La canción que da título al disco es uno de los temas más duros y orientados al blues que Newman ha escrito en mucho tiempo, y el solo de Fuller es impresionante. Los rellenos y compases de Walton alrededor del tenor de Newman son matadores. El groove profundo es puro rhythm and blues tejano a la manera de Hank Mobley y Ray Charles. Newman hace un trabajo maravilloso entretejiendo estas diversas fuentes en una única composición muy unida. El "Cedar's Blues" de Walton presenta un trabajo verdaderamente ardiente tanto de Fuller como del pianista, y los resbaladizos quiebros de Israel pueden ser sutiles pero añaden el fondo funky necesario para que la nudosa línea de Walton respire. Hay una hermosa lectura del estándar de Hoagy Carmichael/Johnny Mercer "Skylark", que contiene más de la hermosa melodía de Mercer que no, y el tono de Newman está en su punto más rico y expresivo a pesar del tempo lento de la melodía. Otras dos composiciones de Newman, "My Full House" y "Mama-Lou", también están impregnadas de gospel y blues. La primera podría haber sido tocada por la banda de Charles excepto por una cosa: hay un pequeño y hermoso trazo latino en el pulso rítmico de Israel que le añade textura y espacio, haciendo que este blues a medio tempo no sólo sea ideal para tocar la bocina, sino también para bailar. El solo de Fuller también es profundo. Ajá. El último corte es un gran escaparate para la flauta de Newman. Desde que empezó a tocarla en los 60, ha sido un monstruo con ella, y la forma en que él y Walton interactúan en la melodía de este blues es matadora. El bajo de Washington aquí es estelar, ya que cubre el terreno intermedio para que Walton comience su contundente contrapunto de acordes a dos manos al solo de Newman. Cuando finalmente pasa a la mano derecha, se mueve por el registro medio y le da la vuelta a la melodía con un poco de humor, citando el "Mexican Hat Dance" y en el siguiente estribillo yendo directamente a Duke Pearson y Ramsey Lewis. Esta es una cita estelar para el quinteto y una prueba viviente de que Walton, Fuller y Newman no muestran signos de desaceleración.
https://www.allmusic.com/album/diamondhead-mw0000585648


The Young Lions • The Young Lions

 




A supergroup of up-and-coming jazz musicians on the Vee Jay label in 1960. Recorded one self-titled LP.


Review
by Michael G. Nastos  
Irvin Shaw wrote the novel The Young Lions from which this all star post-to-hard bop all-star band took their name, launching the moniker of a generation of Wynton Marsalis-led followers in the '80s. Wayne Shorter on tenor sax, Frank Strozier on alto sax, Lee Morgan on trumpet, Bobby Timmons on piano, Bob Cranshaw on bass, and either Louis Hayes or Albert "Tootie" Heath (sic as "Tuttie") on drums comprise the original Lions, a one-shot band who set the standard for the Blue Note-Riverside-based players who would follow in their path. There's a true democratic, shared value and responsibility evident in every sonic phase of this recording, but it is Shorter who wrote all the material. His "Seeds of Sin" is a sweet, swinging shuffle full of original harmonic thought. "Scourin'" (sic as "Scourn'") displays a head-nodding swing inspired by quarter-note walking bass courtesy of the unflappable Cranshaw, and wondrous sax-trumpet unity. Timmons' huge, funky piano chords lead to all three horns strutting joyously in melodic agreement during "Fat Lady"; the solos perfectly display the individualism of Shorter's piquant tenor, Morgan's brash trumpet, and Strozier's slightly strained alto before a brief trading of fours with the unidentified drummer. Shorter's tenor is up front, with Morgan on the second melody and Strozier following along for the tightly structured "Peaches & Cream," which is not a team effort until the very last note. Over 11 ½ minutes, "That's Right" proffers an easy, bluesy 12-bar swing in a jam vehicle, with Timmons as pied piper, the horns shouting out in unison, chord punctuations from the pianist, and doo wop accents for the solos. Morgan uses a mute, and Shorter's tenor is fluid as a country stream. There are three alternate takes: A fourth try of "Seeds" is five seconds longer and not only sweet, but a little sour; on a third rendition of "Scourin'," the 35-second bass intro is omitted as Shorter's tenor digs right in and less unison is evident; and with an extra 24 seconds, the third taping of "Fat Lady" only differs in solo content. This is a classic, and one every modern jazz fan should have. The liner notes, written by Cannonball Adderley, are also priceless; they discuss the "glorification of mediocrity," a rip on Dick Clark, country-pop, comformity, and railing against modern jazz naysayers. The notes also include other poignant observations that still ring true today. Interesting reading, ultimately interesting music.
https://www.allmusic.com/album/the-young-lions-mw0000096268

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Un supergrupo de músicos de jazz prometedores en el sello Vee Jay en 1960. Grabaron un LP homónimo título.


Reseña
por Michael G. Nastos  
Irvin Shaw escribió la novela The Young Lions de la que tomó su nombre esta banda de estrellas post-hard bop, que lanzó el nombre de una generación de seguidores liderados por Wynton Marsalis en los años 80. Wayne Shorter (saxo tenor), Frank Strozier (saxo alto), Lee Morgan (trompeta), Bobby Timmons (piano), Bob Cranshaw (bajo) y Louis Hayes o Albert "Tootie" Heath (sic como "Tuttie") (batería) componen los Lions originales, una banda única que marcó la pauta para los músicos de Blue Note-Riverside que seguirían su camino. Hay un verdadero valor democrático y compartido y una responsabilidad evidente en cada fase sonora de esta grabación, pero es Shorter quien escribió todo el material. Su "Seeds of Sin" es un shuffle dulce y oscilante lleno de pensamiento armónico original. "Scourin'" (sic como "Scourn'") muestra un swing de cabeza inspirado en el bajo ambulante de un cuarto de nota, cortesía del imperturbable Cranshaw, y una maravillosa unidad de saxo y trompeta. Los enormes y funky acordes del piano de Timmons llevan a las tres trompas a pavonearse alegremente en acuerdo melódico durante "Fat Lady"; los solos muestran perfectamente el individualismo del picante tenor de Shorter, la impetuosa trompeta de Morgan y el alto ligeramente tenso de Strozier antes de un breve intercambio de cuatros con el batería no identificado. El tenor de Shorter está al frente, con Morgan en la segunda melodía y Strozier siguiéndole para la estrechamente estructurada "Peaches & Cream", que no es un esfuerzo de equipo hasta la última nota. A lo largo de 11 ½ minutos, "That's Right" ofrece un swing fácil y bluesero de 12 compases en un vehículo de mermelada, con Timmons como flautista de Hamelín, los cuernos gritando al unísono, puntuaciones de acordes del pianista y acentos doo wop para los solos. Morgan utiliza una sordina, y el tenor de Shorter es fluido como un arroyo campestre. Hay tres tomas alternativas: Un cuarto intento de "Seeds" es cinco segundos más largo y no sólo dulce, sino un poco agrio; en una tercera interpretación de "Scourin'", se omite la introducción del bajo de 35 segundos, ya que el tenor de Shorter se mete de lleno y es menos evidente el unísono; y con 24 segundos extra, la tercera grabación de "Fat Lady" sólo difiere en el contenido del solo. Se trata de un clásico que todo aficionado al jazz moderno debería tener. Las notas del disco, escritas por Cannonball Adderley, también son impagables; hablan de la "glorificación de la mediocridad", de una crítica a Dick Clark, del country-pop, del conformismo y de la crítica a los detractores del jazz moderno. Las notas también incluyen otras observaciones conmovedoras que siguen siendo válidas hoy en día. Una lectura interesante y, en definitiva, una música interesante.
https://www.allmusic.com/album/the-young-lions-mw0000096268


Tina Brooks • Minor Move

 



Review
by Stephen Thomas Erlewine
Tina Brooks' first session for Blue Note was recorded in March of 1958, a month after he appeared on Jimmy Smith's sessions for The Sermon and House Party, but the music wasn't released at the time. The sessions remained unreleased for years, eventually appearing as Minor Move in Japan during the '80s. Listening to Minor Move, it's hard to see why the record was shelved. Not only does it feature Brooks in robust form, but he's supported by pianist Sonny Clark, trumpeter Lee Morgan, bassist Doug Watkins, and drummer Art Blakey -- a first-rate lineup if there ever was one. Stylistically, the music here is no great surprise -- it's straight-ahead, driving hard bop -- but the performances are exceptional. Brooks has no problem keeping up with Morgan and Clark, who both have more than their fair share of fine moments here. He has a rich, full-bodied tone and clever phrasing, keeping the music fresh on standards like "The Way You Look Tonight" and "Everything Happens to Me." His original compositions "Nutville" and "Minor Move" are equally impressive, offering the entire band opportunities to stretch out and improvise vigorously. It is true that Minor Move is right within the hard bop tradition, but fans of that style will find much to treasure here.
https://www.allmusic.com/album/minor-move-mw0000052711?1661890296915

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Reseña
por Stephen Thomas Erlewine
La primera sesión de Tina Brooks para Blue Note se grabó en marzo de 1958, un mes después de que apareciera en las sesiones de Jimmy Smith para The Sermon y House Party, pero la música no se publicó en ese momento. Las sesiones permanecieron inéditas durante años, apareciendo finalmente como Minor Move en Japón durante los años 80. Al escuchar Minor Move, es difícil entender por qué se archivó el disco. No sólo presenta a Brooks en una forma robusta, sino que está apoyado por el pianista Sonny Clark, el trompetista Lee Morgan, el bajista Doug Watkins y el baterista Art Blakey - una alineación de primera clase si alguna vez hubo una. Estilísticamente, la música aquí no es una gran sorpresa - es un hard bop directo y contundente - pero las interpretaciones son excepcionales. Brooks no tiene problemas para seguir el ritmo de Morgan y Clark, que tienen más que su parte de buenos momentos aquí. Tiene un tono rico y completo y un fraseo inteligente, manteniendo la música fresca en estándares como "The Way You Look Tonight" y "Everything Happens to Me". Sus composiciones originales "Nutville" y "Minor Move" son igualmente impresionantes, ofreciendo a toda la banda oportunidades para estirarse e improvisar vigorosamente. Es cierto que Minor Move se inscribe en la tradición del hard bop, pero los fans de ese estilo encontrarán aquí mucho que atesorar.
https://www.allmusic.com/album/minor-move-mw0000052711?1661890296915



Thursday, October 8, 2026

Tyrone Washington • Natural Essence

 

 



Review
by Ken Dryden  
This release is a bit of a mystery, because this sole date as a leader by Tyrone Washington seems to mark his final appearance on record (following two sessions as a sideman, including Stanley Cowell's Brillant Circles and Horace Silver's The Jody Grind); his name doesn't show up in jazz encyclopedias, so one wonders if he died prematurely or quit music for some other reason. Only 23 at the time of the recording, the tenor saxophonist composed six originals and is joined by other promising young lions who went onto great careers (pianist Kenny Barron and trumpeter Woody Shaw), along with alto saxophonist James Spaulding, bassist Reggie Workman, and drummer Joe Chambers. Washington shows the influence of John Coltrane during his rapid-fire runs, while his playing during his more straight-ahead works proves to be more memorable. The opener, "Natural Essence," is an interesting alchemy of blues, funk, and hard bop. "Yearning for Love" is an emotional piece with spirited interaction between the three horns in places. The remaining tracks don't make as strong an impression, so it is possible that the inclusion of some standards or pieces by either Shaw or Barron might have added to the appeal of the date. Long out of print since its appearance on LP, it has been reissued on CD by Toshiba-EMI of Japan; fans of hard bop who are willing to spend a little extra for this import reissue may want to investigate the only CD by this mysterious tenor saxophonist.
https://www.allmusic.com/album/natural-essence-mw0000368572


Biography
American jazz tenor saxophonist, born in 1944. Grew up in the same house as Woody Shaw, left Howard University School of Music and joined the Horace Silver bands during the early 1960s. Moved into New York City's State of New York Conservatory of Music Building on West Street. Sometime after the mid-1970s, drifted away from music to pursue his religion, completely abandoning music to preach the gospel. Changed his name to Bialar Mohammed and lived in Newark, New Jersey as of 2010.
https://www.discogs.com/artist/377410-Tyrone-Washington

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Reseña
por Ken Dryden  
Este lanzamiento es un poco misterioso, porque esta única fecha como líder de Tyrone Washington parece marcar su última aparición en disco (después de dos sesiones como sideman, incluyendo Brillant Circles de Stanley Cowell y The Jody Grind de Horace Silver); su nombre no aparece en las enciclopedias de jazz, así que uno se pregunta si murió prematuramente o dejó la música por alguna otra razón. Con sólo 23 años en el momento de la grabación, el saxofonista tenor compuso seis originales y está acompañado por otros jóvenes leones prometedores que llegaron a tener grandes carreras (el pianista Kenny Barron y el trompetista Woody Shaw), junto con el saxofonista alto James Spaulding, el bajista Reggie Workman y el batería Joe Chambers. Washington muestra la influencia de John Coltrane durante sus rápidas ejecuciones, mientras que su forma de tocar durante sus trabajos más directos resulta más memorable. El primer tema, "Natural Essence", es una interesante alquimia de blues, funk y hard bop. "Yearning for Love" es una pieza emotiva con una animada interacción entre las tres trompas. Las pistas restantes no causan una impresión tan fuerte, por lo que es posible que la inclusión de algunas normas o piezas de Shaw o Barron podría haber añadido al atractivo de la fecha. Descatalogado hace tiempo desde su aparición en LP, ha sido reeditado en CD por Toshiba-EMI de Japón; los aficionados al hard bop que estén dispuestos a gastar un poco más por esta reedición de importación tal vez quieran investigar el único CD de este misterioso saxofonista tenor.
https://www.allmusic.com/album/natural-essence-mw0000368572


Biografía
Saxofonista tenor de jazz estadounidense, nacido en 1944. Creció en la misma casa que Woody Shaw, dejó la Escuela de Música de la Universidad Howard y se unió a las bandas de Horace Silver a principios de los años sesenta. Se trasladó al edificio del Conservatorio de Música de Nueva York, en la calle West. A partir de mediados de la década de 1970, se alejó de la música para dedicarse a su religión, abandonando por completo la música para predicar el evangelio. Cambió su nombre por el de Bialar Mohammed y en 2010 vivía en Newark, Nueva Jersey.
https://www.discogs.com/artist/377410-Tyrone-Washington


Arnett Cobb With The Red Garland Trio • Blue And Sentimental

 

 



Review by Scott Yanow
This CD reissue combines together tenor saxophonist Arnett Cobb's two LPs, Sizzlin' and Ballads by Cobb. The former session has a good mixture of stomps and ballads with highlights including "Black Velvet," "Georgia on My Mind," and "The Way You Look Tonight." The latter date (originally cut for the Moodsville label) is all slow ballads and, despite the warmth in Cobb's tone, a certain sameness pervades the performances. Pianist Red Garland and drummer J.C. Heard are on both sessions with either George Tucker or George Duvivier on bass. Good music but not quite essential.
https://www.allmusic.com/album/blue-and-sentimental-mw0000096767

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Reseña de Scott Yanow
Esta reedición en CD combina los dos LPs del saxofonista tenor Arnett Cobb, Sizzlin' y Ballads by Cobb. La primera sesión tiene una buena mezcla de stomps y baladas con temas destacados como «Black Velvet», «Georgia on My Mind» y «The Way You Look Tonight». La segunda sesión (grabada originalmente para el sello Moodsville) es todo baladas lentas y, a pesar de la calidez en el tono de Cobb, una cierta uniformidad impregna las interpretaciones. El pianista Red Garland y el batería J.C. Heard participan en ambas sesiones con George Tucker o George Duvivier al bajo. Buena música, pero no del todo esencial.
https://www.allmusic.com/album/blue-and-sentimental-mw0000096767


Gigi Gryce - Clifford Brown • Gigi Gryce - Clifford Brown Sextet [Jazz Connoisseur]

 

 

Compilation released in 2016 bringing together the 1953 sessions of the Gigi Gryce-Clifford Brown Sextet and the Clifford Brown Quartet.

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Compilación de 2016 que reúne las sesiones de 1953 del Gigi Gryce-Clifford Brown Sextet y del Clifford Brown Quartet. 

 

Wednesday, October 7, 2026

Hank Mobley • Workout

 



Review by Scott Yanow
This is one of the best-known Hank Mobley recordings, and for good reason. Although none of his four originals ("Workout," "Uh Huh," "Smokin'," "Greasin' Easy") caught on, the fine saxophonist is in top form. He jams on the four tunes, plus "The Best Things in Life Are Free," with an all-star quintet of young modernists -- guitarist Grant Green, pianist Wynton Kelly, bassist Paul Chambers, and drummer Philly Joe Jones -- and shows that he was a much stronger player than his then-current boss Miles Davis seemed to think. [Some reissues add a version of "Three Coins in the Fountain" from the same date, originally released on Another Workout.]

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Reseña de Scott Yanow
Esta es una de las grabaciones más conocidas de Hank Mobley, y por una buena razón. Aunque ninguno de sus cuatro originales ("Workout", "Uh Huh", "Smokin'", "Greasin' Easy") tuvo éxito, el excelente saxofonista está en plena forma. Toca las cuatro melodías, además de "Las mejores cosas de la Vida Son Gratis", con un quinteto estelar de jóvenes modernistas-el guitarrista Grant Green, el pianista Wynton Kelly, el bajista Paul Chambers y el baterista Philly Joe Jones-y demuestra que era un jugador mucho más fuerte de lo que parecía pensar su entonces actual jefe Miles Davis. [Algunas reediciones agregan una versión de" Three Coins in the Fountain " de la misma fecha, lanzada originalmente en Another Workout.]