Warne Marsh • Jazz of Two Cities

  

With Ted Brown (ts), Ronnie Ball (p), Ben Tucker (b) & Jeff Morton, plus special guest Art Pepper (as).
29 tracks recorded on October 1956-March 1957 recorded at Radio Recorders, Hollwood, CA + unreleased session for "Stars of Jazz".

Warne Marsh (October 26, 1927 - Decemeber 17. 1987) became one of the pre-eminent saxophonists of the Tristano-inspired Cool School, along with Lee Konitz. He was often recorded in the company of other Cool School musicians, and remained one of the most faithful to the Tristano philosophy of improvisation. His distinctively sombre, grainy tone (which set Marsh apart from other Lester Young-influenced saxophonists); uncannily fluent use of the high register; and rhythmically subtle lines are immediately recognizable. He has been called by Anthony Braxton "the greatest vertical improviser" and described by the British critic Alun Morgan as "one of the greatest improvisers our music has ever known". He famously died onstage at the Los Angeles club Donte's in 1987, in the middle of playing "Out of Nowhere". Though he remains something of a cult figure among jazz fans and musicians, his influence has grown since his death; younger players such as Mark Turner have increasingly been borrowing from his music as a way of counterbalancing the pervasive influence of John Coltrane. Marsh's discography remains somewhat scattered and elusive, as much of it was done for small labels, but more and more of his work has been issued on compact disc in recent years...
https://www.jazzmessengers.com/en/1018/warne-marsh/jazz-of-two-cities


"These tracks date from the time Marsh spent back in his hometown - well, Los Angeles - from February 1956 to November 1957, leading a quintet that was something of a Tristano student reunion.

Disc one reprises the material that once appeared on the Imperial and Kapp labels, and there are some very familiar characteristics: improbably tricky themes deriving from familiar harmonic territory - Ball, Brown and Marsh all contribute - propelling the improvisation into fascinating demonstrations of agility. Marsh and Brown are never exactly competitive, but clearly stimulate each other intensely; at times they wrap around themselves almost organically, prodded on by Ball's perfectly-judged piano work.

Yet there's also a wider aspect to it; the two tenors give the front line a somewhat heavier character than you might expect from the experience of Marsh and Konitz: bassist Tucker gets to feature on his own "Ben Blew" and Jeff Morton gets to play with the sticks, which he never did with Lennie. By the time "I Never Knew" comes along, with its drum-breaks, stop-time bounces and Condon Gang coda, there's a distinct feeling that school's out.

Disc two introduces Art Pepper into the mix: nine tracks - "Aretha" through "Arrival" - feature him. Originally on a Vanguard LP, it was in fact Brown's date, came out under his name, Marsh no more than a bystander and adviver. A further move away from Tritano's influence, less convolution, though the two noted above, by Ball, and Marsh's "Long Gone", set up more thematic obstacle-courses. Pepper copes well, sometimes superbly, and also makes you realise why Konitz fitted so easily into his chair in the Kenton band.

The final 15 minutes is back into the Marsh-Brown configuration, and is taken from a TV show of the period. Bobby Troup does the talking, and shows an understanding of the music. A good, though inevitably brief, version of "Background Music", plus two minutes of improvising on "Pop Goes The Weasel". Really.

These sessions mark the start of Marsh's career as leader and organiser, and as such fill an important gap in his history."
Jack Cooke -Jazz Review

///////

Con Ted Brown (ts), Ronnie Ball (p), Ben Tucker (b) y Jeff Morton, más el invitado especial Art Pepper (as).
29 temas grabados en octubre de 1956-marzo de 1957 grabados en Radio Recorders, Hollwood , CA + sesión inédita para "Stars of Jazz".

Warne Marsh (26 de octubre de 1927 - 17 de diciembre de 1927). 1987) se convirtió en uno de los saxofonistas preeminentes de la Cool School inspirada en Tristano, junto con Lee Konitz. A menudo se grababa en compañía de otros músicos geniales de la Escuela, y seguía siendo uno de los más fieles a la filosofía Tristano de la improvisación. Su tono distintivamente sombrío y granulado( que distingue a Marsh de otros saxofonistas influenciados por Lester Young); uso asombrosamente fluido del registro agudo; y líneas rítmicamente sutiles son inmediatamente reconocibles. Anthony Braxton lo ha llamado "el mejor improvisador vertical" y el crítico británico Alun Morgan lo describió como "uno de los mejores improvisadores que nuestra música haya conocido". Murió en el escenario del club Donte's de Los Ángeles en 1987, en medio de tocar "Out of Nowhere". Aunque sigue siendo una figura de culto entre los fanáticos y músicos del jazz, su influencia ha crecido desde su muerte; músicos más jóvenes como Mark Turner han tomado prestado cada vez más de su música como una forma de contrarrestar la influencia generalizada de John Coltrane. La discografía de Marsh sigue siendo algo dispersa y esquiva, ya que gran parte de ella se hizo para sellos pequeños, pero cada vez más de su trabajo se ha publicado en disco compacto en los últimos años...
https://www.jazzmessengers.com/en/1018/warne-marsh/jazz-of-two-cities

Warne Marsh • Jazz Of Two Cities

  

Review
by Brandon Burke  
A classic album of Tristano-school cool jazz with subtle leanings toward the avant-garde. While this set is not without a number of typical West Coast jazz tendencies (i.e., cool reed tones, a stiff rhythm section, happy-go-lucky heads, etc.), it has an interestingly wide-open and probing vibe. This band was simply bursting with ideas. On "Ear Conditioning," for example, the tenor tandem of Marsh and Ted Brown weaves in and out of the head with the proficiency and grace displayed -- admittedly, to greater effect -- on Lennie Tristano's "Wow," a tune also featuring Marsh, only with Lee Konitz on alto instead of Brown on tenor. Like "Ear Conditioning," "Smog Eyes" and the title track both employ long and busy heads. In a manner typical of compositions by Tristano's associates, many of these themes are very complicated and take several measures to achieve resolution. That having been said, comparisons to the Tristano Capitol sessions are simply inevitable, as they laid the foundation for everything heard here. To judge the quality of one versus the other, though, is trivial. Jazz of Two Cities has many treasures all of its own. Thankfully, both historic sessions have been reissued together on the Capitol Jazz CD Intuition. Included in the collection are both the stereo and mono takes of four different pieces from the Marsh date. This is because Jazz of Two Cities was issued once in mono and later in stereo with the new title The Winds of Marsh. The two versions of the record feature altogether different takes of two numbers ("Jazz of Two Cities," "I Never Knew") and different solos on the other two ("Ear Conditioning," "Lover Man"). In other words, fidelity is not the only difference between Jazz of Two Cities and The Winds of Marsh; though in and of itself, that's probably not reason enough to spend an arm and a leg on both copies, since they're quite rare and all versions are included on the CD. This is some very fine music by a band with an exceptionally rich collective imagination. It is clear that, in the hands of this combo, every theme is treated like a question with an absolutely limitless amount of harmonic and melodic answers.
https://www.allmusic.com/album/jazz-of-two-cities-mw0000732028


Biography
by Scott Yanow
Along with Lee Konitz, Warne Marsh was the most successful "pupil" of Lennie Tristano and, unlike Konitz, Marsh spent most of his career exploring chordal improvisation the Tristano way. The cool-toned tenor played with Hoagy Carmichael's Teenagers during 1944-1945 and then after the Army, he was with Buddy Rich (1948) before working with Lennie Tristano (1949-1952). His recordings with Tristano and Konitz still sound remarkable today with unisons that make the two horns sound like one. Marsh had occasional reunions with Konitz and Tristano through the years, spent periods outside of music, and stayed true to his musical goals. He moved to Los Angeles in 1966 and worked with Supersax during 1972-1977, also filling in time teaching. Marsh, who collapsed and died on stage at the legendary Donte's club in 1987 while playing "Out of Nowhere," is now considered legendary. He recorded as a leader for Xanadu, Imperial, Kapp, Mode (reissued on V.S.O.P.), Atlantic, Wave, Storyville, Revelation, Interplay, Criss Cross, and Hot Club.
https://www.allmusic.com/artist/warne-marsh-mn0000193802/biography

///////

Reseña
por Brandon Burke  
Un álbum clásico de cool jazz de la escuela de Tristano con sutiles inclinaciones hacia la vanguardia. Si bien este conjunto no carece de las típicas tendencias del jazz de la Costa Oeste (es decir, tonos de caña fríos, una sección rítmica rígida, cabezas alegres, etc.), tiene un ambiente interesantemente abierto y de prueba. Esta banda estaba simplemente llena de ideas. En "Ear Conditioning", por ejemplo, el tándem de tenores formado por Marsh y Ted Brown entra y sale de la cabeza con la destreza y la gracia que se muestra -de hecho, con mayor efecto- en "Wow" de Lennie Tristano, un tema en el que también participa Marsh, sólo que con Lee Konitz como contralto en lugar de Brown como tenor. Al igual que "Ear Conditioning", "Smog Eyes" y el tema que da título al disco emplean cabezas largas y ocupadas. De manera típica en las composiciones de los socios de Tristano, muchos de estos temas son muy complicados y requieren varios compases para lograr su resolución. Dicho esto, las comparaciones con las sesiones de Tristano en Capitol son simplemente inevitables, ya que sentaron las bases de todo lo que se escucha aquí. Sin embargo, juzgar la calidad de una frente a la otra es trivial. Jazz of Two Cities tiene muchos tesoros propios. Afortunadamente, ambas sesiones históricas se han reeditado juntas en el CD Intuition de Capitol Jazz. En la colección se incluyen tanto las tomas en estéreo como en mono de cuatro piezas diferentes de la fecha de Marsh. Esto se debe a que Jazz of Two Cities se publicó una vez en mono y posteriormente en estéreo con el nuevo título The Winds of Marsh. Las dos versiones del disco presentan tomas totalmente diferentes de dos números ("Jazz of Two Cities", "I Never Knew") y diferentes solos en los otros dos ("Ear Conditioning", "Lover Man"). En otras palabras, la fidelidad no es la única diferencia entre Jazz of Two Cities y The Winds of Marsh; aunque en sí misma, probablemente no sea razón suficiente para gastar un brazo y una pierna en ambas copias, ya que son bastante raras y todas las versiones están incluidas en el CD. Se trata de música muy fina de una banda con una imaginación colectiva excepcionalmente rica. Está claro que, en manos de este combo, cada tema es tratado como una pregunta con una cantidad absolutamente ilimitada de respuestas armónicas y melódicas.
https://www.allmusic.com/album/jazz-of-two-cities-mw0000732028


Biografía
por Scott Yanow
Junto con Lee Konitz, Warne Marsh fue el "alumno" más exitoso de Lennie Tristano y, a diferencia de Konitz, Marsh pasó la mayor parte de su carrera explorando la improvisación de acordes a la manera de Tristano. Este tenor de tono frío tocó con los Teenagers de Hoagy Carmichael durante 1944-1945 y, después del ejército, estuvo con Buddy Rich (1948) antes de trabajar con Lennie Tristano (1949-1952). Sus grabaciones con Tristano y Konitz todavía suenan de forma notable, con unísonos que hacen que las dos trompas suenen como una sola. Marsh se reunió ocasionalmente con Konitz y Tristano a lo largo de los años, pasó periodos fuera de la música y se mantuvo fiel a sus objetivos musicales. Se trasladó a Los Ángeles en 1966 y trabajó con Supersax durante 1972-1977, ocupando también tiempo en la enseñanza. Marsh, que se desplomó y murió en el escenario del legendario club Donte's en 1987 mientras tocaba "Out of Nowhere", es considerado ahora una leyenda. Grabó como líder para Xanadu, Imperial, Kapp, Mode (reeditado en V.S.O.P.), Atlantic, Wave, Storyville, Revelation, Interplay, Criss Cross y Hot Club.
https://www.allmusic.com/artist/warne-marsh-mn0000193802/biography

Jimmy Heath • The Thumper

 

 

Biography by Matt Collar
With his delicately soulful tone and refined ear for lyrical, hard-swinging bop, tenor saxophonist Jimmy Heath helped shepherd modern jazz into the 21st century. Initially emerging as a member of Dizzy Gillespie's big band in the 1940s, Heath (then known as "Little Bird" after his idol Charlie "Yardbird" Parker) would establish his reputation as gifted improviser and composer, working with innovators like Miles Davis, John Coltrane, and Milt Jackson. He came to his greatest acclaim in the late '50s, penning a bevy of compositions like "C.T.A.," "Gingerbread Boy," and "For Minors Only," many of which would become jazz standards. His early Riverside albums, including 1959's The Thumper, 1962's Triple Threat, and 1964's On the Trail, are the epitome of hard bop, and many of the albums he contributed to are classics. He recorded for such varied labels as Strata East, Muse, and Columbia, working with his siblings, bassist Percy Heath and drummer Albert "Tootie" Heath, as the Heath Brothers, and collaborating with boundary-pushing stylists like Charles Tolliver, Stanley Cowell, and Art Farmer. Along with three Grammy nominations, including for 1994's Little Man, Big Band, Heath was also a 2003 NEA Jazz Master who dedicated much of his career to teaching, working at the Aaron Copland School of Music at Queens College, and helping to oversee the Louis Armstrong Archives. Still, performing remained his passion and he continued to work throughout his later years, often playing alongside younger musicians, including Roy Hargrove on his 2012 85th birthday celebration Togetherness: Live at the Blue Note, and Wynton Marsalis and Cecile McLorin Salvant on 2020's Love Letter.

Born in Philadelphia in 1926, Heath was introduced to jazz and big-band music by his father, an auto mechanic and part-time clarinet player, and mother, a singer in their church choir. However, due to the Depression his father often found himself out of work. Subsequently, Heath and his siblings were sent to live with their grandparents who ran a grocery store in Wilmington, North Carolina. It was there, while going to high school, that Jimmy started playing the alto saxophone, participating in the concert and marching band programs. Similarly, his older brother Percy played bass and his younger brother Albert "Tootie" played drums. He also had a sister Elizabeth who played piano. They would return home to Philadelphia for the summer, during which time Jimmy took private lessons. After graduating high school in 1943, Heath started his own swing dance band. He also performed with the Nat Towles band. By 1947, he was leading his own small group, playing alongside a young John Coltrane, trumpeter Johnny Coles, tenor saxophonist Benny Golson, bassist Nelson Boyd, drummer Specs Wright, and other Philadelphia natives. It was also around this time that he discovered bebop, influenced heavily by altoist Charlie "Yardbird" Parker. In 1948, Heath joined trumpeter Howard McGhee. He was soon joined by his brother Percy and together they toured Paris, appearing at the city's first jazz festival. It was while with McGhee that Heath earned his nickname "Little Bird," due in part to his love of Parker and his small stature; he had been turned away for the draft during WWII for being below the minimum weight. The following year, Heath became a member of trumpeter Dizzy Gillespie's band, which also featured a number of other Philadelphia regulars including Coltrane.

In the early '50s, Heath switched to tenor saxophone to better set himself apart from Parker and to secure more gigs. Soon after, he joined Miles Davis' band, appearing on the trumpeter's second album, 1952's Young Man with a Horn. There were also seminal dates with J.J. Johnson, Clifford Brown, and Kenny Dorham. Just as his career was taking off, Heath (an admitted drug addict) was arrested and convicted twice for the sale of heroin. His first arrest came in 1954 and found him incarcerated at the Federal Medical Center in Lexington, Kentucky. Following his release, he was again arrested in 1955 and sentenced to six years in prison. Sent to Lewisburg Penitentiary in Pennsylvania, he served four years. While in prison, Heath continued to write music, arranging for the prison big band and composing songs like "For Minors Only," "C.T.A.," ''Picture of Heath," and "For Miles and Miles," most of which gained wider attention after they were included on Chet Baker and Art Pepper's 1956 album Playboys.

Released from prison in 1959, Heath, now sober, immediately began to rebuild his career. That same year, he made his long-awaited debut as leader with The Thumper, an all-star session for Riverside featuring cornetist Nat Adderley, trombonist Curtis Fuller, pianist Wynton Kelly, bassist Paul Chambers, and his brother drummer Albert. He also appeared on trumpeter Blue Mitchell's classic album Blue Soul and briefly re-joined Miles Davis' group, taking over for Coltrane. Equally well-regarded sessions followed, including albums with Kenny Dorham, Sam Jones, Freddie Hubbard, and others. He followed his debut with the 1960 large-ensemble album Really Big!, featuring cornetist Adderley, flugelhornist Clark Terry, altoist Cannonball Adderley, and pianists Cedar Walton and Tommy Flanagan. Heath's output increased significantly throughout the early '60s with albums like 1961's The Quota, 1962's Triple Threat, and 1964's On the Trail, the latter of which introduced two more of his originals with "Gingerbread Boy" and "Project S." He also recorded albums with Milt Jackson, Mongo Santamaria, and others.

Heath returned to his solo work with 1972's The Gap Sealer, a hard-hitting album that found him playing both alto and tenor saxophone, as well as flute. Along with pianists Kenny Barron and Stanley Cowell, bassist Bob Cranshaw, and his brother drummer Albert, the album was also his first to feature his son, percussionist James Mtume. He then recorded several albums for the Muse label, including 1973's Love and Understanding, all of which found him further expanding his approach, embracing funk, avant-garde, and spiritual jazz influences. It was also during this period that he formed the Heath Brothers with his siblings Percy and Albert, as well as pianist Cowell. The group debuted the with 1975's Marchin' On, released on Cowell and trumpeter Charles Tolliver's Strata East label. They gained wider visibility after signing with Columbia Records and releasing 1978's Passin' Thru and 1979's In Motion.

In the '80s, Heath expanded into teaching, joining the faculty of the Aaron Copland School of Music at Queens College, City University of New York. Over the next 20 years, he balanced teaching and performing, helping create the school's jazz education program and attracting other jazz luminaries to campus, including Donald Byrd. He also served on the board of the school's Louis Armstrong Archives and aided in the restoration of Armstrong's home in Corona, Queens. Despite his dedication to teaching, he continued to perform and record during these years, releasing albums like 1987's Peer Pressure, 1992's Grammy-nominated Little Man, Big Band, and 1994's You've Changed.

In 2006, he again showcased his big band with Turn Up the Heath. He then collaborated with the Seattle Repertory Jazz Orchestra on the commissioned Endless Search. In 2011, Heath celebrated his 85th birthday with two nights of live performances at New York's Blue Note, backed by his 18-member big band. Released in 2012 as Togetherness: Live at the Blue Note, it featured appearances by Roy Hargrove, Peter Washington, Lewis Nash, Steve Davis, and others. Heath died on January 19, 2020 in Loganville, Georgia from natural causes. He was 93 years old. A posthumous album, Love Letter, arrived that August and worked as a romantic farewell from the saxophonist. It featured guest spots by Wynton Marsalis, Cecile McLorin Salvant, and Gregory Porter.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-heath-mn0000120241#biography

///////

Biografía de Matt Collar
Con su tono delicadamente conmovedor y su oído refinado para el bop lírico y oscilante, el saxofonista tenor Jimmy Heath ayudó a guiar el jazz moderno hacia el siglo XXI. Inicialmente emergiendo como miembro de la big band de Dizzy Gillespie en la década de 1940, Heath (entonces conocido como "Little Bird" por su ídolo Charlie "Yardbird" Parker) establecería su reputación como talentoso improvisador y compositor, trabajando con innovadores como Miles Davis, John Coltrane y Milt Jackson. Alcanzó su mayor éxito a fines de los 50, escribiendo un grupo de composiciones como "CTA", "Gingerbread Boy" y "For Minors Only", muchas de las cuales se convertirían en estándares de jazz. Sus primeros álbumes de Riverside, incluidos The Thumper de 1959, Triple Threat de 1962 y On the Trail de 1964, son el epítome del hard bop, y muchos de los álbumes en los que contribuyó son clásicos. Grabó para sellos tan variados como Strata East, Muse y Columbia, trabajando con sus hermanos, el bajista Percy Heath y el baterista Albert "Tootie" Heath, como The Heath Brothers, y colaborando con estilistas que empujan los límites como Charles Tolliver, Stanley Cowell y Art Farmer. Junto con tres nominaciones al Grammy, incluida Little Man, Big Band de 1994, Heath también fue un Maestro de Jazz de la NEA en 2003 que dedicó gran parte de su carrera a la enseñanza, trabajando en la Escuela de Música Aaron Copland en Queens College y ayudando a supervisar los Archivos de Louis Armstrong. Aún así, actuar siguió siendo su pasión y continuó trabajando durante sus últimos años, a menudo tocando junto a músicos más jóvenes, incluidos Roy Hargrove en la celebración de su 85 cumpleaños en 2012 Togetherness: Live at the Blue Note, y Wynton Marsalis y Cecile McLorin Salvant en Love Letter de 2020.

Nacido en Filadelfia en 1926, Heath conoció el jazz y la música de big band gracias a su padre, mecánico de automóviles y clarinetista a tiempo parcial, y su madre, cantante en el coro de su iglesia. Sin embargo, debido a la depresión, su padre a menudo se encontraba sin trabajo. Posteriormente, Heath y sus hermanos fueron enviados a vivir con sus abuelos, quienes administraban una tienda de comestibles en Wilmington, Carolina del Norte. Fue allí, mientras asistía a la escuela secundaria, donde Jimmy comenzó a tocar el saxofón alto, participando en los programas de conciertos y bandas de música. Del mismo modo, su hermano mayor Percy tocaba el bajo y su hermano menor Albert "Tootie" tocaba la batería. También tenía una hermana Elizabeth que tocaba el piano. Regresarían a casa a Filadelfia durante el verano, tiempo durante el cual Jimmy tomó lecciones privadas. Después de graduarse de la escuela secundaria en 1943, Heath fundó su propia banda de baile swing. También actuó con la banda Nat Towles. Para 1947, lideraba su propio grupo pequeño, tocando junto a un joven John Coltrane, el trompetista Johnny Coles, el saxofonista tenor Benny Golson, el bajista Nelson Boyd, el baterista Specs Wright y otros nativos de Filadelfia. También fue por esta época cuando descubrió el bebop, fuertemente influenciado por el altoista Charlie" Yardbird " Parker. En 1948, Heath se unió al trompetista Howard McGhee. Pronto se le unió su hermano Percy y juntos recorrieron París, apareciendo en el primer festival de jazz de la ciudad. Fue mientras estaba con McGhee que Heath se ganó su apodo de "Pajarito", debido en parte a su amor por Parker y su pequeña estatura; había sido rechazado para el servicio militar obligatorio durante la Segunda Guerra Mundial por estar por debajo del peso mínimo. Al año siguiente, Heath se convirtió en miembro de la banda del trompetista Dizzy Gillespie, que también incluía a otros habituales de Filadelfia, incluido Coltrane.

A principios de los 50, Heath cambió al saxofón tenor para diferenciarse mejor de Parker y asegurar más conciertos. Poco después, se unió a la banda de Miles Davis, apareciendo en el segundo álbum del trompetista, Young Man with a Horn de 1952. También hubo citas seminales con J. J. Johnson, Clifford Brown y Kenny Dorham. Justo cuando su carrera despegaba, Heath (un drogadicto admitido) fue arrestado y condenado dos veces por la venta de heroína. Su primer arresto se produjo en 1954 y lo encontró encarcelado en el Centro Médico Federal de Lexington, Kentucky. Tras su liberación, fue arrestado nuevamente en 1955 y sentenciado a seis años de prisión. Enviado a la penitenciaría de Lewisburg en Pensilvania, cumplió cuatro años. Mientras estuvo en prisión, Heath continuó escribiendo música, haciendo arreglos para la big band de la prisión y componiendo canciones como "For Minors Only", "CTA", "Picture of Heath" y "For Miles and Miles", la mayoría de las cuales obtuvieron una mayor atención después de que fueran incluidas en el álbum Playboys de Chet Baker y Art Pepper de 1956.

Liberado de prisión en 1959, Heath, ahora sobrio, inmediatamente comenzó a reconstruir su carrera. Ese mismo año, hizo su esperado debut como líder con The Thumper, una sesión estelar para Riverside con el cornetista Nat Adderley, el trombonista Curtis Fuller, el pianista Wynton Kelly, el bajista Paul Chambers y su hermano el baterista Albert. También apareció en el álbum clásico del trompetista Blue Mitchell, Blue Soul, y se reincorporó brevemente al grupo de Miles Davis, reemplazando a Coltrane. Siguieron sesiones igualmente bien consideradas, incluidos álbumes con Kenny Dorham, Sam Jones, Freddie Hubbard y otros. Siguió a su debut con el álbum de grandes conjuntos de 1960 Really Big!, con el cornetista Adderley, el flugelhornista Clark Terry, el altoista Cannonball Adderley y los pianistas Cedar Walton y Tommy Flanagan. La producción de Heath aumentó significativamente a principios de los 60 con álbumes como The Quota de 1961, Triple Threat de 1962 y On the Trail de 1964, el último de los cuales presentó dos de sus originales más con "Gingerbread Boy" y "Project S". También grabó álbumes con Milt Jackson, Mongo Santamaria y otros.

Heath volvió a su trabajo en solitario con The Gap Sealer de 1972, un álbum contundente que lo encontró tocando saxofón alto y tenor, así como flauta. Junto con los pianistas Kenny Barron y Stanley Cowell, el bajista Bob Cranshaw y su hermano el baterista Albert, el álbum también fue el primero en presentar a su hijo, el percusionista James Mtume. Luego grabó varios álbumes para el sello Muse, incluido Love and Understanding de 1973, todo lo cual lo encontró expandiendo aún más su enfoque, adoptando influencias del funk, la vanguardia y el jazz espiritual. También fue durante este período que formó The Heath Brothers con sus hermanos Percy y Albert, así como con el pianista Cowell. El grupo debutó con Marchin' On de 1975, lanzado en el sello Strata East de Cowell y el trompetista Charles Tolliver. Ganaron una mayor visibilidad después de firmar con Columbia Records y lanzar Passin' Thru de 1978 y In Motion de 1979.

En los años 80, Heath se expandió a la docencia, uniéndose a la facultad de la Escuela de Música Aaron Copland en Queens College, City University of New York. Durante los siguientes 20 años, equilibró la enseñanza y la actuación, ayudando a crear el programa de educación de jazz de la escuela y atrayendo a otras luminarias del jazz al campus, incluido Donald Byrd. También formó parte de la junta de los Archivos Louis Armstrong de la escuela y ayudó en la restauración de la casa de Armstrong en Corona, Queens. A pesar de su dedicación a la enseñanza, continuó actuando y grabando durante estos años, lanzando álbumes como Peer Pressure de 1987, Little Man, Big Band, nominado al Grammy en 1992, y You've Changed de 1994.

En 2006, volvió a exhibir su big band con Turn Up the Heath. Luego colaboró con la Seattle Repertory Jazz Orchestra en el encargo Endless Search. En 2011, Heath celebró su 85 cumpleaños con dos noches de presentaciones en vivo en el Blue Note de Nueva York, respaldado por su big band de 18 miembros. Lanzado en 2012 como Togetherness: Live at the Blue Note, contó con apariciones de Roy Hargrove, Peter Washington, Lewis Nash, Steve Davis y otros. Heath murió el 19 de enero de 2020 en Loganville, Georgia, por causas naturales. Tenía 93 años. Un álbum póstumo, Love Letter, llegó ese agosto y funcionó como despedida romántica del saxofonista. Contó con anuncios invitados de Wynton Marsalis, Cecile McLorin Salvant y Gregory Porter.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-heath-mn0000120241#biography

www.jimmyheath.com ...

Wayne Shorter • Juju

 

 

Biography by Richard S. Ginell
Wayne Shorter was one of jazz's leading figures in the late 20th and early 21st centuries as both a composer and saxophonist. Though indebted to John Coltrane, with whom he practiced in the mid-'50s, Shorter developed his own voice and style on the tenor horn, retaining the tough tone quality and intensity and, in later years, adding elements of funk. On soprano, Shorter was almost another player entirely, his lovely tone attuned more to lyrical thoughts, his choice of notes more spare. As a composer, he wrote complex, long-limbed tunes, many of which are now standards. On his '60s albums for Blue Note, most notably Juju and Night Dreamer, the composer and the saxophone stylist meet. He co-founded Weather Report in 1970 and through 1986 released Grammy-winning albums. He issued jazz-funk recordings for Columbia and Verve in the late '80s and early '90s, including Joy Ryder and High Life. On 2002's Footprints Live!, and 2003's Alegria, Shorter showcased a new acoustic quartet dedicated to performing his compositions. As he entered his eighties, Shorter focused on impressively complex projects, including 2018's Emanon, a graphic novel combined with four-part studio suite and 2021's opera based on Greek myths titled Iphigenia.

Shorter started playing the clarinet at 16 but switched to tenor sax before entering New York University in 1952. After graduating with a BME in 1956, he played with Horace Silver for a short time until he was drafted into the Army for two years. Once out of the service, he joined Maynard Ferguson's band, meeting Ferguson's pianist Joe Zawinul in the process. The following year (1959), Shorter joined Art Blakey's Jazz Messengers, where he remained until 1963, eventually becoming the band's music director. During the Blakey period, Shorter also made his debut on record as a leader, cutting several albums for Chicago's Vee-Jay label. After a few prior attempts to hire him away from Blakey, Miles Davis finally convinced Shorter to join his quintet in September 1964.

Staying with Davis until 1970, Shorter became one of the band's most prolific composer, contributing tunes like "E.S.P.," "Pinocchio," "Nefertiti," "Sanctuary," "Footprints," "Fall," and the signature description of Davis, "Prince of Darkness." While playing through Davis' transition from loose, post-bop acoustic jazz into electronic jazz-rock, Shorter also took up the soprano in late 1968, an instrument that turned out to be more suited to riding above the new electronic timbres than the tenor. As a prolific solo artist for Blue Note during this period, Shorter expanded his palette from hard bop almost into the atonal avant-garde, with fascinating excursions into jazz-rock territory toward the turn of the decade.

In November 1970, Shorter teamed up with old cohort Joe Zawinul and Miroslav Vitous to form Weather Report where, after a fierce start, Shorter's playing grew mellower and more consciously melodic in order to fit into Zawinul's concepts. By now he was playing mostly on soprano, though the tenor would re-emerge toward the end of the group's run. Shorter's solo career was mostly put on hold during the Weather Report days, though 1975's Native Dancer was an attractive side trip into Brazilian-American tropicalismo made in tandem with Milton Nascimento. Shorter also revisited the past in the late '70s by touring with Freddie Hubbard and ex-Davis sidemen Herbie Hancock, Ron Carter, and Tony Williams as V.S.O.P.

Shorter finally left Weather Report in 1985. Still committed to electronics and fusion, his recorded compositions from the period feature welcoming rhythms and harmonically complex arrangements. After three Columbia albums between 1986 and 1988 -- Atlantis, Phantom Navigator, and Joy Ryder -- and a tour with Santana (represented by the 2005 album Montreux 1988), he lapsed into silence, emerging again in 1992 with Wallace Roney and the V.S.O.P. rhythm section in the "A Tribute to Miles" band. In 1994, now on Verve, Shorter released High Life, an engaging electric collaboration with keyboardist Rachel Z.

He continued playing concerts with a wide range of groups and appeared on a number of recordings as a guest including the Rolling Stones' Bridges to Babylon in 1997 and Herbie Hancock's Gershwin's World in 1998. In 2001, he was back with Hancock for Future 2 Future and on Marcus Miller's M². Footprints Live! was released in 2002 under his own name with a new band that included pianist Danilo Pérez, bassist John Patitucci, and drummer Brian Blade, followed by Alegria in 2003 and Beyond the Sound Barrier in 2005.

Though absent from recording, Shorter continued to tour regularly with the same quartet after 2005. They re-emerged to record again in February of 2013 with a live outing from their 2011 tour. Without a Net, his first recording for Blue Note in 43 years, was issued in February of 2013 as a precursor to his 80th birthday. Just after that release, the Wayne Shorter Quartet performed four of the leader's compositions with the Orpheus Chamber Orchestra at Carnegie Hall in New York City. Shorter immediately brought the quartet and orchestra into the studio to record those same four pieces: "Pegasus," "Prometheus Unbound," "Lotus," and "The Three Marias," as a unified suite. The title of this four-composition orchestral suite is also Shorter’s title character for the graphic novel Emanon, or "no name" spelled backward. Each of the four movements has a corresponding theme in a graphic novel penned by Shorter and Monica Sly and illustrated by Randy DeBurke. It draws inspiration from the concept of a multiverse (where numerous universes co-exist simultaneously) and features a character named Emanon, an action-hero proxy of Shorter, a comic book aficionado since he was a boy. The story alludes to dystopian oppression and was clearly informed by the saxophonist's Buddhist studies. All told, the music -- performed by the quartet with and without the chamber orchestra -- was recorded live in London as well as in the studio, creating a triple album accompanied by the 84-page graphic novel. Emanon was issued in September of 2018, just after Shorter's 85th birthday. His next project proved just as ambitious, writing an opera based around the myth of Iphigenia, a Greek princess. Shorter co-created the work with librettist esperanza spalding and set designer Frank Gehry. The work merged jazz and classical themes and premiered in New York at the end of 2021. The following year Candid released Live at the Detroit Jazz Festival. Recorded at the 2017 event, it featured Shorter in a one-off quartet setting that included drummer Terri Lyne Carrington, bassist/vocalist esperanza spalding, and Argentine pianist Leo Genovese. It proved to be the last music issued during his lifetime, as he passed away in March of 2023 at the age of 89.

///////

Biografía de Richard S. Ginell
Wayne Shorter fue una de las figuras más destacadas del jazz de finales del siglo XX y principios del XXI como compositor y saxofonista. Aunque deudor de John Coltrane, con quien practicó a mediados de los años 50, Shorter desarrolló su propia voz y estilo en la trompa tenor, conservando la calidad e intensidad del tono duro y, en años posteriores, añadiendo elementos de funk. En la soprano, Shorter era casi otro intérprete, con un timbre encantador más acorde con los pensamientos líricos y una elección de notas más sobria. Como compositor, escribía melodías complejas y de largo aliento, muchas de las cuales se han convertido en estándares. En sus álbumes de los años 60 para Blue Note, entre los que destacan Juju y Night Dreamer, el compositor y el saxofonista se encuentran. Fue cofundador de Weather Report en 1970 y hasta 1986 publicó álbumes ganadores del Grammy. Publicó grabaciones de jazz-funk para Columbia y Verve a finales de los 80 y principios de los 90, entre ellas Joy Ryder y High Life. En Footprints Live!, de 2002, y Alegria, de 2003, Shorter presentó un nuevo cuarteto acústico dedicado a interpretar sus composiciones. Al entrar en la década de los ochenta, Shorter se centró en proyectos impresionantemente complejos, como Emanon, de 2018, una novela gráfica combinada con una suite de estudio en cuatro partes, y la ópera de 2021 basada en los mitos griegos titulada Ifigenia.

Shorter empezó a tocar el clarinete a los 16 años, pero cambió al saxo tenor antes de ingresar en la Universidad de Nueva York en 1952. Tras licenciarse en 1956, tocó con Horace Silver durante un breve periodo hasta que fue reclutado por el ejército durante dos años. Una vez fuera del servicio, se unió a la banda de Maynard Ferguson, conociendo en el proceso al pianista de Ferguson, Joe Zawinul. Al año siguiente (1959), Shorter se unió a los Jazz Messengers de Art Blakey, donde permaneció hasta 1963, llegando a convertirse en el director musical de la banda. Durante el periodo de Blakey, Shorter también debutó en el mundo discográfico como líder, grabando varios álbumes para el sello Vee-Jay de Chicago. Tras varios intentos previos de contratarle lejos de Blakey, Miles Davis convenció finalmente a Shorter para que se uniera a su quinteto en septiembre de 1964.

Permaneciendo con Davis hasta 1970, Shorter se convirtió en uno de los compositores más prolíficos de la banda, contribuyendo con temas como "E.S.P.", "Pinocchio", "Nefertiti", "Sanctuary", "Footprints", "Fall" y la descripción característica de Davis, "Prince of Darkness". Durante la transición de Davis del jazz acústico post-bop al jazz-rock electrónico, Shorter también tocó la soprano a finales de 1968, un instrumento que resultó ser más adecuado que el tenor para navegar por encima de los nuevos timbres electrónicos. Como prolífico solista para Blue Note durante este periodo, Shorter amplió su paleta desde el hard bop casi hasta la vanguardia atonal, con fascinantes incursiones en el territorio del jazz-rock hacia el final de la década.

En noviembre de 1970, Shorter se unió a su viejo amigo Joe Zawinul y a Miroslav Vitous para formar Weather Report, donde, tras un feroz comienzo, la forma de tocar de Shorter se hizo más suave y más conscientemente melódica para encajar en los conceptos de Zawinul. Para entonces tocaba sobre todo como soprano, aunque el tenor resurgiría hacia el final de la carrera del grupo. La carrera en solitario de Shorter quedó en suspenso durante la época de Weather Report, aunque Native Dancer, de 1975, fue un atractivo viaje paralelo al tropicalismo brasileño-estadounidense realizado en colaboración con Milton Nascimento. Shorter también revisitó el pasado a finales de los 70 haciendo giras con Freddie Hubbard y los ex-compañeros de Davis Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams como V.S.O.P.

Shorter abandonó finalmente Weather Report en 1985. Aún comprometido con la electrónica y la fusión, sus composiciones grabadas de la época presentan ritmos acogedores y arreglos armónicamente complejos. Después de tres álbumes de Columbia entre 1986 y 1988 -- Atlantis, Phantom Navigator y Joy Ryder -- y una gira con Santana (representada por el álbum de 2005 Montreux 1988), se sumió en el silencio, emergiendo de nuevo en 1992 con Wallace Roney y la sección rítmica de V.S.O.P. en la banda "A Tribute to Miles". En 1994, ahora en Verve, Shorter publicó High Life, una atractiva colaboración eléctrica con la teclista Rachel Z.

Siguió dando conciertos con una amplia gama de grupos y apareció en varias grabaciones como invitado, entre ellas Bridges to Babylon, de los Rolling Stones, en 1997, y Gershwin's World, de Herbie Hancock, en 1998. En 2001, volvió con Hancock para Future 2 Future y en M² de Marcus Miller. Footprints Live! se publicó en 2002 bajo su propio nombre con una nueva banda que incluía al pianista Danilo Pérez, el bajista John Patitucci y el batería Brian Blade, seguido de Alegria en 2003 y Beyond the Sound Barrier en 2005.

Aunque ausente de las grabaciones, Shorter siguió girando regularmente con el mismo cuarteto después de 2005. Volvieron a grabar en febrero de 2013 con una grabación en directo de su gira de 2011. Without a Net, su primera grabación para Blue Note en 43 años, se publicó en febrero de 2013 como antesala de su 80 cumpleaños. Justo después de ese lanzamiento, el Wayne Shorter Quartet interpretó cuatro de las composiciones del líder con la Orpheus Chamber Orchestra en el Carnegie Hall de Nueva York. Shorter llevó inmediatamente al cuarteto y a la orquesta al estudio para grabar esas mismas cuatro piezas: "Pegasus", "Prometheus Unbound", "Lotus" y "The Three Marias", como una suite unificada. El título de esta suite orquestal de cuatro composiciones es también el título del personaje de Shorter para la novela gráfica Emanon, o "sin nombre" deletreado al revés. Cada uno de los cuatro movimientos tiene su correspondiente tema en una novela gráfica escrita por Shorter y Monica Sly e ilustrada por Randy DeBurke. Se inspira en el concepto de multiverso (donde coexisten simultáneamente numerosos universos) y presenta a un personaje llamado Emanon, un héroe de acción apoderado de Shorter, aficionado a los cómics desde niño. La historia alude a la opresión distópica y está claramente inspirada en los estudios budistas del saxofonista. En total, la música -interpretada por el cuarteto con y sin la orquesta de cámara- se grabó en directo en Londres, así como en el estudio, creando un álbum triple acompañado de la novela gráfica de 84 páginas. Emanon se publicó en septiembre de 2018, justo después del 85 cumpleaños de Shorter. Su siguiente proyecto resultó igual de ambicioso: escribir una ópera basada en el mito de Ifigenia, una princesa griega. Shorter co-creó la obra con la libretista Esperanza Spalding y el escenógrafo Frank Gehry. La obra fusionaba temas de jazz y clásicos y se estrenó en Nueva York a finales de 2021. Al año siguiente, Candid publicó Live at the Detroit Jazz Festival. Grabado en el evento de 2017, presentaba a Shorter en un cuarteto único que incluía a la baterista Terri Lyne Carrington, la bajista/vocalista Esperanza Spalding y el pianista argentino Leo Genovese. Fue el último disco que Shorter publicó en vida, ya que falleció en marzo de 2023 a la edad de 89 años.

wayneshorter.com ...

Roscoe Mitchell • The Flow Of Things

 

Review by Stephen Cook
Sounding like a sour piece of gauzy metal set aflame, Roscoe Mitchell's soprano saxophone endlessly snakes its way through the three sections of "The Flow of Things" on this 1987 album of the same name. The piece forms the meat of this solo effort by the Art Ensemble of Chicago soloist, demonstrating Mitchell's knack for circular breathing as well as a longstanding love of full-throttle, free-wheeling group improvisation. It's not about swinging, but if you fancy being pinned to the wall by a barrage of high-end repartee by some of the best in the avant-garde jazz business, then this one's for you. Joining the fray are fellow AACM members pianist Jodie Christian and drummer Steve McCall, as well as Art Ensemble bassist Malachi Favors. Providing a break from the intensity, Mitchell offers up one of his engaging, mystically minimal sound sculptures, "Card for Quartet." The piece definitely gives one an idea of how the music of avant-garde classical composers like Varese, Cage, and Stockhausen can fit into a jazz context. The Flow of Things is probably not the best entrée into Mitchell's work, but after a few Art Ensemble of Chicago records and one of his earlier efforts, make sure to come back for a listen.
https://www.allmusic.com/album/the-flow-of-things-mw0000651547

///////

Reseña de Stephen Cook
Sonando como una pieza amarga de metal vaporoso en llamas, el saxofón soprano de Roscoe Mitchell serpentea sin cesar a través de las tres secciones de "The Flow of Things" en este álbum de 1987 del mismo nombre. La pieza forma la carne de este esfuerzo solista del Art Ensemble of Chicago soloist, demostrando la habilidad de Mitchell para la respiración circular, así como un amor de larga data por la improvisación grupal a toda velocidad y sin obstáculos. No se trata de balancearse, pero si te apetece quedar atrapado en la pared por un aluvión de réplicas de alta gama de algunos de los mejores en el negocio del jazz de vanguardia, entonces este es para ti. Se unen a la refriega la pianista Jodie Christian y el baterista Steve McCall, miembros de la AACM, así como el bajista de Art Ensemble, Malachi Favors. Proporcionando un descanso de la intensidad, Mitchell ofrece una de sus atractivas esculturas sonoras místicamente mínimas, " Tarjeta para Cuarteto."La pieza definitivamente le da a uno una idea de cómo la música de compositores clásicos de vanguardia como Varese, Cage y Stockhausen puede encajar en un contexto de jazz. The Flow of Things probablemente no sea la mejor entrada al trabajo de Mitchell, pero después de algunos discos de Art Ensemble of Chicago y uno de sus esfuerzos anteriores, asegúrese de volver a escucharlo.
https://www.allmusic.com/album/the-flow-of-things-mw0000651547

Zoot Sims • Zoot Suite

 

Review
by Thom Jurek
High Note finally issued this unreleased 1973 live date that puts leader Zoot Sims in the company of pianist Jimmy Rowles, bassist George Mraz and drummer Mousie Alexander. Most of the tunes are standards, but there is a rather rare Sims appearance on the soprano saxophone on "Rocking in Rhythm." The sound here is fine for a club performance though the players are a tad raw. That said, the performance, particularly that of Rowles, is swinging, hot, and blue.
https://www.allmusic.com/album/zoot-suite-mw0000564406

///////

Reseña
por Thom Jurek
High Note finalmente publicó esta fecha inédita en vivo de 1973 que pone al líder Zoot Sims en compañía del pianista Jimmy Rowles, el bajista George Mraz y el baterista Mousie Alexander. La mayoría de los temas son estándares, pero hay una rara aparición de Sims con el saxo soprano en "Rocking in Rhythm". El sonido está bien para una actuación de club, aunque los intérpretes son un poco crudos. Dicho esto, la interpretación, especialmente la de Rowles, es vibrante, ardiente y azul.
https://www.allmusic.com/album/zoot-suite-mw0000564406

 

zootsims.jazzgiants.net ...

Gaël Horellou Quintet Feat. Jeremy Pelt • Coup De Vent

 

"Strong toned French alto saxist Gael Horellou brings together an international team of Jeremy Pelt/tp, Etienne Deconfin/p, Viktor Nyberg/b and Antoine Paganotti/dr for a collection of strong post modern originals. The team hits hard wit Paganotti’s assertive drum work on the two takes of the extroverted “The Gale Force” and the team lilts with grace on “Melody” and the horns create a milky froth on “GK.” Horellou’s horn is assertive and searching, snapping on the bopper “Moral De Fer” and delivering rich embers for “Blame it On My Youth.” Pelt feels at home in this setting, searing through “Spiral Dance” and leading the charge on “Roy.” Strong and virule."
George W. Harris (February 5, 2018)
http://www.jazzweekly.com


"This is hard-swinging and intense contemporary jazz at its best, with well-crafted tunes (mostly by the leader) in the manner of Kenny Garrett’s Quartets and Quintets. In a blindfold test it could almost be Garrett on alto, but Horellou has a slightly sweeter tone and adds a little more vibrato to his notes. Otherwise, they’re very much from the same mould, in terms of choice of tunes and improvised lines.

Pianist Etienne Déconfin (who composed the opener) is very much in the McCoy Tyner mould. In fact, at times, particularly early in the album, he sounds more like McCoy than any other pianist I can think of, but later in the album on e.g. Moral De Fer, you can also hear something of Kenny Kirkland in Déconfin’s urgent, driving combination of searing but melodic right-hand lines and agitated supporting chords. The rhythm pairing of Nyberg and Paganotti sound well-suited to the other players and the material, and propel the band with verve.

Pelt as guest adds some nice touches, whilst giving the composers that welcome option of more than one front-line instrument for the melodies. However, I’m not sure that the band really needs the addition of trumpet, as it’s a very strong-sounding quartet. Soundwise, at times Pelt sounds like he’s approaching the studio from an adjoining room. He’s a strident, dynamic player, so maybe the engineer did something in the mix to try to cope with that dynamic range, but the end result makes the trumpet sound a little distant at times. The closer, The Gale Force is an alternate take, and I normally complain about these, but I certainly won’t in this case."
Dave Jones
Jazz Journal (February, 2017)

///////

"El saxo alto francés de tonos fuertes Gael Horellou reúne a un equipo internacional de Jeremy Pelt/ tp, Etienne Deconfin / p, Viktor Nyberg / b y Antoine Paganotti / dr para una colección de originales postmodernos fuertes. El equipo golpea con fuerza el asertivo trabajo de batería de Paganotti en las dos tomas de la extrovertida "The Gale Force" y el equipo canta con gracia en "Melody" y los cuernos crean una espuma lechosa en " GK."Horellou's horn es asertivo y buscador, rompiendo el bopper" Moral De Fer "y entregando brasas ricas por" Échale la culpa a Mi Juventud."Pelt se siente como en casa en este entorno, atravesando "Spiral Dance" y liderando la carga sobre " Roy."Fuerte y virulento . "
George W. Harris (5 de febrero de 2018)
http://www.jazzweekly.com


"Este es el jazz contemporáneo intenso y duro en su máxima expresión, con melodías bien elaboradas (en su mayoría por el líder) a la manera de los Cuartetos y Quintetos de Kenny Garrett. En una prueba con los ojos vendados, casi podría ser Garrett en contralto, pero Horellou tiene un tono ligeramente más dulce y agrega un poco más de vibrato a sus notas. De lo contrario, son en gran medida del mismo molde, en términos de elección de melodías y líneas improvisadas.

El pianista Etienne Déconfin (quien compuso el abridor) está muy en el molde de McCoy Tyner. De hecho, a veces, particularmente al principio del álbum, suena más a McCoy que a cualquier otro pianista que se me ocurra, pero más adelante en el álbum, por ejemplo, en Moral De Fer, también puedes escuchar algo de Kenny Kirkland en la combinación urgente y dinámica de Déconfin de líneas derechas abrasadoras pero melódicas y acordes de apoyo agitados. El emparejamiento rítmico de Nyberg y Paganotti suena bien para los otros músicos y el material, e impulsa a la banda con entusiasmo.

Pelt como invitado agrega algunos toques agradables, al tiempo que brinda a los compositores la bienvenida opción de más de un instrumento de primera línea para las melodías. Sin embargo, no estoy seguro de que la banda realmente necesite la adición de trompeta, ya que es un cuarteto que suena muy fuerte. Por lo demás, a veces Pelt parece que se acerca al estudio desde una habitación contigua. Es un músico estridente y dinámico, así que tal vez el ingeniero hizo algo en la mezcla para tratar de hacer frente a ese rango dinámico, pero el resultado final hace que la trompeta suene un poco distante a veces. Cuanto más cerca, The Gale Force es una versión alternativa, y normalmente me quejo de ellas, pero ciertamente no lo haré en este caso."
Dave Jones
Jazz Journal (febrero, 2017)

 

 

www.facebook.com/gaelhorellou ...

http://jeremypelt.net/

Ben Webster • Stormy Weather

 

Review
by Scott Yanow
Recorded around a month after the veteran tenor Ben Webster moved to Europe, this high-quality set with pianist Kenny Drew, bassist Niels Pederson, and drummer Alex Riel features Webster stretching out on the traditional "Londonderry Air," two originals, and seven familiar but fresh standards. Webster, although neglected in the U.S., was still in peak form in the mid-'60s, as this and his other Black Lion sets covering the period show.
https://www.allmusic.com/album/stormy-weather-mw0000206941?1642450570303

///////

Reseña
por Scott Yanow
Grabado alrededor de un mes después de que el veterano tenor Ben Webster se trasladara a Europa, este conjunto de alta calidad con el pianista Kenny Drew, el bajista Niels Pederson y el baterista Alex Riel presenta a Webster extendiéndose en el tradicional "Londonderry Air", dos originales y siete estándares conocidos pero frescos. Webster, aunque descuidado en Estados Unidos, seguía en plena forma a mediados de los 60, como demuestran este y sus otros sets de Black Lion que cubren el periodo.
https://www.allmusic.com/album/stormy-weather-mw0000206941?1642450570303

Steve Lacy • Soprano Sax

Soprano Sax (also released as Soprano Today) is the debut album by Steve Lacy which was released on the Prestige label in 1958. It features performances by Lacy, Wynton Kelly, Buell Neidlinger and Dennis Charles.

The Allmusic review by Bob Rusch awarded the album 4.5 stars stating "This was the first of three recordings soprano saxophonist Steve Lacy made for Prestige and this 11/1/57 session was his first as a leader...There was a controlled tension to this date, like everybody's trying to play, carefully, to a common goal. It's almost as if someone were present to make sure everybody stayed within obvious perimeters."

///////

Soprano Sax (también lanzado como Soprano Today) es el álbum debut de Steve Lacy, que fue lanzado en el sello Prestige en 1958. Presenta actuaciones de Lacy, Wynton Kelly, Buell Neidlinger y Dennis Charles.

La revisión de Allmusic por Bob Rusch le otorgó al álbum 4.5 estrellas diciendo "Esta fue la primera de las tres grabaciones que el saxofonista soprano Steve Lacy hizo para Prestige y esta sesión del 11/1/57 fue su primera como líder ... Hubo una tensión controlada para esta fecha, como todo el mundo intenta jugar, con cuidado, hacia un objetivo común. Es casi como si alguien estuviera presente para asegurarse de que todos permanecieran dentro de los perímetros obvios ".

 

 

Eric Alexander • The Real Thing

 

The saxophonist Eric Alexander has found an almost infallible formula that has led him to be one of the most outstanding saxophonists of his generation when it comes to the more classical jazz tradition. The recipe is summarized in the '4 Bs': blues, ballads, bosses and boppers.

With that alchemy well mixed in the choice of songs to play, Eric Alexander has achieved, once again, that his new album 'The real thing' has an attractive sound, where the best past of jazz is alive and present. And no, it doesn't sound old, quite the contrary; many of those jazzmen who call themselves modern would like it to sound like this musician and his band.

His band. One of the best things this saxophonist has achieved is to create a band, a stable formation that they have been playing together for many years. And that shows; the filling, the cleaning of the sound, the interpretative freedom, the swing that they distill. With him are his friend, teacher and mentor Harold Mabern, drummer Joe Farnsworth and double bassist John Webber, and on this album they have been joined by guitarist Pat Martino, another of the important names in Alexander's training and subsequent career.

The most bopper part of the album is in a formidable 'The Night Has A Thousand Eyes' and 'For George and Trane', where the saxophone gives free rein to its more coltrenian side; the look to the bossa is in the charming 'Little boat', a theme of Roberto Menescal; The blues is in the version of 'Summertime', with a great Pat Martino, and the ballads have their representation in 'Sleep Warm', and as Harold Marben was always a very muscular pianist for the end have left 'The Chief'.

Yes, if you like jazz well played, clean, nice, brilliant, then this is, by far, your record.
J.M.P.R.
http://www.distritojazz.com/discos-jazz/eric-alexander-the-real-thing

Translated with www.DeepL.com/Translator

//////////////

El saxofonista Eric Alexander ha encontrado una fórmula casi infalible que le ha llevado a ser uno de los más destacados saxofonistas de su generación en los que se refiere al jazz de tradición más clásica. La receta se resume en las ‘4 Bs’: blues, baladas, bossas y boppers.

Con esa alquímica bien mezclada en la elección de los temas a tocar, Eric Alexander ha logrado, una vez más, que su nuevo disco ‘The real thing’ tenga un sonido atrayente, donde el mejor pasado del jazz esté vivo y presente. Y no, no suena a viejo, sino todo lo contrario; ya le gustaría a muchos de esos jazzman que se las dan de modernos sonar como suena este músico y su banda.

Su banda. Una de las mejores cosas que ha logrado este saxofonista ha sido crear una banda, una formación estable que llevan tocando juntos muchos años. Y eso se nota; el empaste, la limpieza del sonido, la libertad interpretativa, el swing que destilan. Con él están su amigo, profesor y mentor Harold Mabern, el baterista Joe Farnsworth y el contrabajista John Webber. Y en este disco se les ha unido en tres temas el guitarrista Pat Martino, otro de los nombres importantes en la formación y posterior trayectoria profesional de Alexander.

La parte más bopper del disco está en un formidable del ‘The Night Has A Thousand Eyes’ y en ‘For George and Trane’, donde el saxo da rienda suelta a su lado más coltreniano; la mirada a la bossa está en el encantador ‘Little boat’, un tema de Roberto Menescal; el blues se encuentra en la versión del ‘Summertime’, con un estupendo Pat Martino, y las baladas tienen su representación en ‘Sleep Warm’; y como Harold Marben siempre fue un pianista muy musculado para el final han dejado ‘The Chief’.

Sí, si te gusta el jazz bien tocado, limpio, agradable, brillante, entonces este es, de lejos, tu disco.
J.M.P.R.
http://www.distritojazz.com/discos-jazz/eric-alexander-the-real-thing


www.ericalexanderjazz.com ...

J.R. Monterose • The Message

 

 

 

Biography
by Scott Yanow
J.R. Monterose (not to be confused with fellow tenor Jack Montrose) is most famous for a gig that he personally did not enjoy, playing with Charles Mingus in 1956 and recording on Mingus' breakthrough album Pithecanthropus Erectus. He grew up in Utica, NY, played in territory bands in the Midwest, and then moved to New York City in the early '50s. Monterose played with Buddy Rich (1952) and Claude Thornhill and recorded with (among others) Teddy Charles, Jon Eardley, and Eddie Bert. After leaving Mingus (whom he did not get along with), Monterose played with Kenny Dorham's Jazz Prophets and recorded a strong set for Blue Note as a leader. Although he performed into the 1980s (doubling on soprano in later years), Monterose never really became famous. In addition to his Blue Note date, he led sets for Jaro (a 1959 session later reissued by Xanadu), Studio 4 (which was reissued by V.S.O.P.), a very obscure 1969 outing for the Dutch label Heavy Soul Music (1969), and, during 1979-1981, albums for Progressive, Cadence, and two for Uptown.
https://www.allmusic.com/artist/jr-monterose-mn0000117136/biography

///////

Biografía
por Scott Yanow
J.R. Monterose (no hay que confundirlo con el tenor Jack Montrose) es más famoso por una actuación que no disfrutó personalmente, tocar con Charles Mingus en 1956 y grabar en el álbum pionero de Mingus, Pithecanthropus Erectus. Creció en Utica (Nueva York), tocó en bandas territoriales en el Medio Oeste y luego se trasladó a Nueva York a principios de los años 50. Monterose tocó con Buddy Rich (1952) y Claude Thornhill y grabó con (entre otros) Teddy Charles, Jon Eardley y Eddie Bert. Después de dejar a Mingus (con quien no se llevaba bien), Monterose tocó con los Jazz Prophets de Kenny Dorham y grabó un sólido conjunto para Blue Note como líder. Aunque actuó hasta la década de 1980 (doblando como soprano en años posteriores), Monterose nunca llegó a ser realmente famoso. Además de su fecha en Blue Note, dirigió conjuntos para Jaro (una sesión de 1959 que luego fue reeditada por Xanadu), Studio 4 (que fue reeditado por V.S.O.P.), una salida muy oscura de 1969 para el sello holandés Heavy Soul Music (1969), y, durante 1979-1981, álbumes para Progressive, Cadence, y dos para Uptown.
https://www.allmusic.com/artist/jr-monterose-mn0000117136/biography

Gerry Mulligan & Johnny Hodges • Gerry Meets Hodges

 

Review by Ken Dryden

Gerry Mulligan's 1959 studio date with Johnny Hodges is one of the most satisfying sessions of his various meetings with different saxophonists for Verve, yet it was inexplicably the last to be made available on CD. With a hand-picked rhythm section consisting of pianist Claude Williamson, bassist Buddy Clark, and drummer Mel Lewis, and three originals contributed by each of the two leaders, everything gels nicely, though several tracks took more than three takes (in spite of liner note writer Nat Hentoff's assertions) to reach their final form. Mulligan contributed the gorgeous ballad "What's the Rush" (where he sat back to enjoy Hodges' solo and never plays his own horn), the easygoing swinger "Bunny," and the brisk cooker "18 Carrots (For Rabbit)," the latter which its composer would revisit with his Concert Jazz Band. The veteran alto saxophonist contributed the low-key ballad "Shady Side," the sassy blues "Back Beat" (later re-recorded by Hodges during a still unreleased 1960 studio meeting with Ben Webster), and "What It's All About," another potent blues. Throughout the date, the two saxophonists blend beautifully and complement one another's efforts, even though this was their only opportunity to record together in the studio. Sadly, no alternate takes or unissued numbers (at least two of which exist) have been added to this long anticipated reissue.

///////

Revisión por Ken Dryden

La cita en el estudio de Gerry Mulligan en 1959 con Johnny Hodges es una de las sesiones más satisfactorias de sus varias reuniones con diferentes saxofonistas para Verve, aunque fue inexplicablemente la última en estar disponible en CD. Con una sección de ritmo cuidadosamente seleccionada que consiste en el pianista Claude Williamson, el bajista Buddy Clark y el baterista Mel Lewis, y tres originales aportados por cada uno de los dos líderes, todo encaja bien, aunque varias pistas tomaron más de tres tomas (a pesar de la línea tome nota de las afirmaciones del escritor Nat Hentoff) para llegar a su forma final. Mulligan contribuyó con la magnífica balada "What's the Rush" (donde se sentó para disfrutar el solo de Hodges y nunca toca su propia trompa), el sencillo "Bunny" y la cocina enérgica "18 Zanahorias (Para Conejo)", esta última que su compositor volvería a ver con su banda de jazz de concierto. El veterano saxofonista alto contribuyó con la balada de bajo perfil "Shady Side", el sassy blues "Back Beat" (que luego fue regrabada por Hodges durante una inédita reunión de estudio de 1960 con Ben Webster), y "What Is All About", otra azules potentes A lo largo de la fecha, los dos saxofonistas se combinan a la perfección y se complementan entre sí, aunque esta fue su única oportunidad de grabar juntos en el estudio. Lamentablemente, no se han agregado tomas alternativas o números no emitidos (al menos dos de los cuales existen) a esta reedición tan esperada.

 

Hal McKusick Octet • In A Twentieth-Century Drawing Room

 

Thomas Hass Trio's & Beyond • Lotus Energy

 

 

The packaging starts you thinking. There's a painting showing what looks like ectoplasm, or perhaps a space alien, playing two musical instruments at the same time, like Roland Kirk used to do. Then the cunning addition of an apostrophe in the Trios of the title, to render it meaningless, or perhaps abstract.

Inside there's a selfie shot from low down of a bearded Thomas Hass looking God-like and grim, alongside text explaining his music: "Trio's & Beyond is a musical concept where I can experience the 'spontaneous combustion' in various musical settings and explore the trio format in various forms."

It gets worse. "On this album I have tried letting a special mood that always has lived inside me unfold through nine different compositions. You could call it ballads or melancholic but I see it more like an inner canvas behind the different musical paintings."
BY CHRIS MOSEY
October 23, 2014
https://www.allaboutjazz.com/trios-and-beyond-lotus-energy-thomas-hass-storyville-records-review-by-chris-mosey

///////

El envase te hace pensar. Hay un cuadro que muestra lo que parece un ectoplasma, o quizás un alienígena espacial, tocando dos instrumentos musicales al mismo tiempo, como solía hacer Roland Kirk. Luego, la astuta adición de un apóstrofe en los tríos del título, para quitarle el sentido, o tal vez la abstracción.

En el interior hay una foto de autofoto desde abajo de un Thomas Hass barbudo con aspecto de Dios y sombrío, junto a un texto que explica su música: "Trio's & Beyond es un concepto musical en el que puedo experimentar la "combustión espontánea" en varios escenarios musicales y explorar el formato de trío en varias formas."

La cosa empeora. "En este álbum he intentado dejar que un estado de ánimo especial que siempre ha vivido dentro de mí se despliegue a través de nueve composiciones diferentes. Podrían llamarlo baladas o melancolía, pero yo lo veo más como un lienzo interior detrás de las diferentes pinturas musicales."
POR CHRIS MOSEY
23 de octubre de 2014
https://www.allaboutjazz.com/trios-and-beyond-lotus-energy-thomas-hass-storyville-records-review-by-chris-mosey

storyvillerecords.com ...

James Spaulding & Pierre Christophe • Down With It Live At The Sunside

 

Biography
James Spaulding, has established his reputation as a masterful soloist for ensemble performances, and for many years was among the busier sidemen for Blue Note Records. An exceptional saxophonist and flutist, he is one of the many fine artists to come out James has worked with Sun Ra, Freddie Hubbard, Max Roach, and more...of the Indianapolis, Indiana area. James is a modernist, with solid roots in classical jazz; his saxophone style is an extension of the Charlie Parker influence, but his overall concept incorporates much of the broad jazz saxophone heritage.

Spaulding's musical training started early, as he came from a musical family in his place of birth Indiana (his father was a professional musician who played the guitar and led his own big band, traveling throughout the country). James began playing a bugle when he was in grade school. He later took up the trumpet and saxophone on his own, and while in high school studied clarinet. He made his professional debut playing around Indianapolis with a rhythm "n" blues group. He has performed as a sideman and been recorded on over 100 recordings... See discography »

From 1954 to 1957, Spaulding was in the army playing in service bands. When he was discharged, he settled in Chicago where he performed in clubs leading his own group, and had a stay with the Sun Ra Orchestra. He also furthered his flute studies there at the Chicago Cosmopolitan School of Music. In 1962, he arrived in New York City, and subsequently was associated with notables such as Freddie Hubbard, Bobby Hutcherson, Max Roach and the Ellington Orchestra. In 1975, he received a bachelor's degree in music from Livingston College in New Jersey where he taught flute as an adjunct professor. James' daughters, Gina and Yvonne Spaulding were on the cover of his very first recording: "The Legacy of Duke Ellington," recorded in 1975. Mr. Spaulding's range of performance experiences extends nationally and internationally, from the concert stage to jazz clubs to colleges and street fairs. His original music, a suite entitled "A Song of Courage," was performed by him with full orchestra and choir at the Voorhees Chapel at the Rutgers University campus from funds awarded him by the National Endowment for the Arts. He holds a historically significant place in jazz reference books including, The Encyclopedia of Jazz in the Seventies by Leonard Feather and Ira Gitler; The New Grove Dictionary of Jazz by Brian Case and Stan Britt; The Illustrated Encyclopedia of Jazz edited by Barry Keinfeld, just to name a few.

He has performed as a sideman and been recorded on over 100 recordings.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/james-spaulding

///////

Biografía
James Spaulding, ha establecido su reputación como un solista magistral para actuaciones de conjunto, y durante muchos años estuvo entre los sidemen más ocupados para Blue Note Records. Excepcional saxofonista y flautista, es uno de los muchos buenos artistas que han salido James ha trabajado con Sun Ra, Freddie Hubbard, Max Roach, y más ... de la zona de Indianápolis, Indiana. James es un modernista, con sólidas raíces en el jazz clásico; su estilo de saxofón es una extensión de la influencia de Charlie Parker, pero su concepto general incorpora gran parte de la amplia herencia del saxofón de jazz.

La formación musical de Spaulding comenzó pronto, ya que procedía de una familia de músicos de su lugar de nacimiento, Indiana (su padre era un músico profesional que tocaba la guitarra y dirigía su propia big band, con la que viajaba por todo el país). James empezó a tocar la corneta cuando estaba en primaria. Más tarde tocó la trompeta y el saxofón por su cuenta, y en el instituto estudió clarinete. Debutó profesionalmente tocando en Indianápolis con un grupo de rhythm "n" blues. Ha actuado como músico de acompañamiento y ha participado en más de 100 grabaciones... Ver discografía "

De 1954 a 1957, Spaulding estuvo en el ejército tocando en bandas de servicio. Cuando fue licenciado, se instaló en Chicago, donde actuó en clubes al frente de su propio grupo, y tuvo una estancia con la Sun Ra Orchestra. También amplió allí sus estudios de flauta en la Chicago Cosmopolitan School of Music. En 1962, llegó a Nueva York, y posteriormente se relacionó con notables como Freddie Hubbard, Bobby Hutcherson, Max Roach y la Orquesta Ellington. En 1975 se licenció en música por el Livingston College de Nueva Jersey, donde enseñó flauta como profesor adjunto. Las hijas de James, Gina e Yvonne Spaulding, aparecieron en la portada de su primera grabación: "The Legacy of Duke Ellington", grabada en 1975. El Sr. Spaulding ha actuado a escala nacional e internacional, en conciertos, clubes de jazz, universidades y ferias callejeras. Su música original, una suite titulada "A Song of Courage", fue interpretada por él mismo con orquesta completa y coro en la Capilla Voorhees del campus de la Universidad de Rutgers con fondos que le concedió la National Endowment for the Arts. Ocupa un lugar de importancia histórica en libros de referencia sobre jazz, como The Encyclopedia of Jazz in the Seventies (La enciclopedia del jazz en los años setenta), de Leonard Feather e Ira Gitler; The New Grove Dictionary of Jazz (El nuevo diccionario Grove del jazz), de Brian Case y Stan Britt; The Illustrated Encyclopedia of Jazz (La enciclopedia ilustrada del jazz), editada por Barry Keinfeld, por nombrar sólo algunos.

Ha actuado como músico de acompañamiento y ha participado en más de 100 grabaciones.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/james-spaulding

 

VA • Verve Jazz Club Collection Saxophone Ballads

 

 

Dexter Gordon, Charlie Parker, Al Cohn, Stan Getz, Joe Henderson, Lester Young, Johnny Hodges, Cannonball Adderley, Sonny Stitt, Klaus Doldinger, Don Byas, Gerry Mulligan …

 

Ted Nash • In the Loop

 

Review by Scott Yanow
Ted Nash returns to modern mainstream jazz on this mostly straight-ahead quintet set, In the Loop. Nash's originals include brooding ballads à la Wayne Shorter, hints of New Orleans parade rhythms, some hard bop and freer playing, none of it sounding particularly derivative. Nash and the enthusiastic Marcus Printup make for a colorful front line, with Frank Kimbrough, Ben Allison, and Matt Wilson being a solid and flexible rhythm section. The diverse compositions and consistently strong playing make this a set well-worth exploring.
https://www.allmusic.com/album/in-the-loop-mw0000779623

///////

Reseña de Scott Yanow
Ted Nash vuelve al jazz moderno en este quinteto, In the Loop. Los originales de Nash incluyen baladas melancólicas a lo Wayne Shorter, toques de ritmos de desfile de Nueva Orleans, algo de hard bop y una interpretación más libre, sin que nada de ello suene particularmente derivado. Nash y el entusiasta Marcus Printup forman una colorida primera línea, con Frank Kimbrough, Ben Allison y Matt Wilson como una sección rítmica sólida y flexible. La diversidad de las composiciones y la solidez constante de la interpretación hacen que merezca la pena explorar este conjunto.
https://www.allmusic.com/album/in-the-loop-mw0000779623


tednash.com ...

Ray Brown, Monty Alexander, Johnny Griffin & Martin Drew • Summerwind

Time and time again, the Manhattan Bop Police have claimed that a jazz album isn't legitimate unless it is recorded in the 212 area code. But if that's true, why did so many jazz heavyweights -- from Dexter Gordon to Bud Powell -- spend so much time living and recording in Europe? Why have so many important jazz indies (Steeplechase, Storyville, Owl, Black Lion, Timeless, among countless others) had European addresses? The fact is that if you're a serious jazz connoisseur, your CD collection is probably full of recordings that were made in Europe. Ray Brown certainly spent plenty of time performing overseas; Ludwigsburg, Germany, in fact, is where Brown recorded Summerwind, a 1980 session that finds the acoustic bassist forming a quartet with tenor saxophonist Johnny Griffin (one of the reasons jazz musicians are proud to be from Chicago), pianist Monty Alexander, and British drummer Martin Drew. This hard-swinging combination of American, Jamaican, and British improvisers enjoys a strong rapport on a diverse program that ranges from Ray Charles' "Hard Times" to pianist John Lewis' "Delaunay's Dilemma" to the title track (a song that is closely identified with Frank Sinatra). The inclusion of a song associated with Ol' Blue Eyes should come as no surprise to admirers of Alexander, who has never made a secret of his passion for Sinatra's legacy. Nor has Alexander made a secret of his love of R&B; one of the highlights of this CD is a piano trio performance of the Crusaders' "Street Life" (which Griffin is absent from). Although the Crusaders are primarily an instrumental jazz group, they enjoyed a major R&B hit in 1979 when they featured singer Randy Crawford on "Street Life"; on Summerwind, however, the tune works nicely as an acoustic bop/soul-jazz instrumental. This rewarding CD is well worth searching for.

 by Alex Henderson

https://www.allmusic.com/album/summerwind-mw0000701893

///////

Una y otra vez, la policía del Bop de Manhattan ha afirmado que un álbum de jazz no es legítimo a menos que esté grabado en el código de área 212. Pero si eso es cierto, ¿por qué tantos pesos pesados del jazz, desde Dexter Gordon hasta Bud Powell, pasaron tanto tiempo viviendo y grabando en Europa? ¿Por qué tantos importantes indies del jazz (Steeplechase, Storyville, Owl, Black Lion, Timeless, entre otros innumerables) han tenido direcciones europeas? El hecho es que si eres un serio conocedor del jazz, tu colección de CDs probablemente esté llena de grabaciones que fueron hechas en Europa. Ray Brown ciertamente pasó mucho tiempo actuando en el extranjero; Ludwigsburg, Alemania, de hecho, es donde Brown grabó Summerwind, una sesión de 1980 que encuentra al bajista acústico formando un cuarteto con el saxofonista tenor Johnny Griffin (una de las razones por las que los músicos de jazz están orgullosos de ser de Chicago), el pianista Monty Alexander y el baterista británico Martin Drew. Esta dura combinación de improvisadores estadounidenses, jamaicanos y británicos disfruta de una fuerte compenetración en un programa diverso que va desde "Hard Times" de Ray Charles a "Delaunay's Dilemma" del pianista John Lewis, pasando por la canción que da título al concierto (una canción que se identifica estrechamente con Frank Sinatra). La inclusión de una canción asociada con Ol' Blue Eyes no debería sorprender a los admiradores de Alexander, que nunca ha hecho un secreto de su pasión por el legado de Sinatra. Tampoco Alexander ha hecho un secreto de su amor por el R&B; uno de los aspectos más destacados de este CD es una interpretación en trío con piano de "Street Life" de los Cruzados (de la que Griffin está ausente). Aunque los Crusaders son principalmente un grupo de jazz instrumental, disfrutaron de un gran éxito de R&B en 1979 cuando presentaron al cantante Randy Crawford en "Street Life"; en "Summerwind", sin embargo, la melodía funciona muy bien como un bop/soul-jazz instrumental acústico. Vale la pena buscar este gratificante CD.

 por Alex Henderson

https://www.allmusic.com/album/summerwind-mw0000701893