Saturday, February 17, 2024

Kenny Burrell • Listen To The Dawn

 



Review by Ron Wynn
Sharp trio set. Burrell is backed by excellent bass/drums duo of Rufus Reid and Ben Riley, both of whom are Burrell's playing equals. The results are uniformly solid, sometimes more emphatic than others. Burrell is still playing in a relaxed, easy groove, but occasionally increases the energy level. https://www.allmusic.com/album/listen-to-the-dawn-mw0000079933

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Review by Ron Wynn
Sharp trio set. Burrell is backed by excellent bass/drums duo of Rufus Reid and Ben Riley, both of whom are Burrell's playing equals. The results are uniformly solid, sometimes more emphatic than others. Burrell is still playing in a relaxed, easy groove, but occasionally increases the energy level. https://www.allmusic.com/album/listen-to-the-dawn-mw0000079933




Tuesday, February 13, 2024

Stanley Turrentine • Dearly Beloved

 



Review by Steve Leggett
Stanley Turrentine was fresh from his brilliant playing on Hammond B-3 maestro Jimmy Smith's Midnight Special and Back at the Chicken Shack sessions when he officially signed with Blue Note Records in 1960, but although the hard bop sax/organ template (which later came to be called soul-jazz) seemed to fit Turrentine like a glove, his first sessions for the label found him working with a more standard jazz format highlighted by a piano-led rhythm section. On Dearly Beloved, though, paired with his eventual wife, Shirley Scott, on the B-3 and the alert and sensitive drumming of Roy Brooks, Turrentine found the perfect pocket for his big, soulful, and slightly raw and bluesy sax tone, and for those only familiar with his later pop crossover recordings with CTI Records, it's a pretty revelatory set. Tracked at a June 8, 1961 session (and released on LP a year later in 1962), Dearly Beloved features a lightly funky and midtempo take on Ary Barroso's "Baia" and a gorgeous and moving version of Turrentine's own ballad composition, "Wee Hour Theme," the perfect example of how jazz is never more than a thought away from being the blues. Scott and Turrentine ended up working together on some 15 albums for the Blue Note, Atlantic, Prestige, and Impulse labels before the decade ended, but this one, for all practical purposes, got the ball rolling on their creative collaborations, and it remains one of Turrentine's finest Blue Note outings.
https://www.allmusic.com/album/dearly-beloved-mw0000545212

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Reseña de Steve Leggett
Stanley Turrentine acababa de tocar brillantemente en las sesiones Midnight Special y Back at the Chicken Shack del maestro del Hammond B-3 Jimmy Smith cuando firmó oficialmente con Blue Note Records en 1960, pero aunque la plantilla de saxo y órgano del hard bop (que más tarde se llamaría soul-jazz) parecía encajar con Turrentine como un guante, sus primeras sesiones para el sello le encontraron trabajando con un formato de jazz más estándar resaltado por una sección rítmica dirigida por un piano. Sin embargo, en Dearly Beloved, junto a su esposa, Shirley Scott, en la B-3 y la sensible y despierta batería de Roy Brooks, Turrentine encontró el lugar perfecto para su gran tono de saxo, conmovedor y ligeramente crudo y bluesy, y para aquellos que sólo están familiarizados con sus posteriores grabaciones pop crossover con CTI Records, es un conjunto bastante revelador. Grabado en una sesión del 8 de junio de 1961 (y publicado en LP un año más tarde, en 1962), Dearly Beloved incluye una versión ligeramente funky y midtempo de "Baia" de Ary Barroso y una preciosa y conmovedora versión de la balada compuesta por el propio Turrentine, "Wee Hour Theme", el ejemplo perfecto de cómo el jazz nunca está más lejos de ser blues. Scott y Turrentine acabaron trabajando juntos en unos 15 álbumes para los sellos Blue Note, Atlantic, Prestige e Impulse antes de que terminara la década, pero éste, a efectos prácticos, dio el pistoletazo de salida a sus colaboraciones creativas, y sigue siendo uno de los mejores trabajos de Turrentine para Blue Note.
https://www.allmusic.com/album/dearly-beloved-mw0000545212


Sonny Stitt • Jazz At The Hi-Hat

 



Jazz at the Hi-Hat is a live album by saxophonist Sonny Stitt recorded in Boston in 1954 and originally released on the Roost label as a four track 10 inch LP.


www.sonnystitt.com ...


Herbie Mann • At The Village Gate



Disco mítico en vivo del fabuloso Herbie.

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Herbie's legendary live album.




Herbie Mann • Returns To The Village Gate

 
 
 


 

Herbie Mann • Monday Night at The Village Gate



AllMusic Review
Five years on from his career-defining live set AT THE VILLAGE GATE, flautist Herbie Mann returned to that Greenwich Village venue to record a follow-up with a different lineup--now featuring future superstar Chick Corea on piano--and a subtly different sound. Mann's music was still based on the Latin jazz that he had spent years exploring, but rather than the frenetic beats of Afro-Cuban music or samba, the rhythmic pulse of these five tracks is decidedly more laid-back. On the centerpiece eight-minute rendition of the gospel standard "Motherless Child," the vibe is straight-up soul jazz, complete with some bluesy comping by Corea and a long, mellow flute solo by Mann. The rest of the album picks up the tempo, most notably on Arif Mardin's "The Young Turks," but there's still a looser, more flexible sense of rhythm on MONDAY NIGHT AT THE VILLAGE GATE than on its better-known predecessor, one that hints at the full-on fusion of Mann's later career.

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Revisión de AllMusic
Cinco años después de su carrera -definiendo el set en vivo en THE VILLAGE GATE, el flautista Herbie Mann regresó al Greenwich Village para grabar una continuación con una alineación diferente -ahora con la futura superestrella Chick Corea en el piano- y un sonido sutilmente diferente. La música de Mann seguía basándose en el jazz latino que había explorado durante años, pero en lugar de los frenéticos ritmos de la música afrocubana o la samba, el pulso rítmico de estos cinco temas es decididamente más relajado. En la pieza central, una interpretación de ocho minutos del estándar de gospel "Motherless Child", la vibración es de un directo jazz soul, con un compás de blues de Corea y un largo y suave solo de flauta de Mann. El resto del álbum recoge el tempo, sobre todo en "Los jóvenes turcos" de Arif Mardin, pero todavía hay un sentido del ritmo más flexible y suelto en MONDAY NIGHT AT THE VILLAGE GATE que en su predecesor más conocido, uno que insinúa la fusión completa de la carrera posterior de Mann. 
 

Monday, February 12, 2024

Stan Getz & Kenny Barron • People Time


Stan Getz - tenor saxophone
Kenny Barron - piano
Stan Getz and Kenny Barron -- a perfect pairing on the famous People Time record, heard here in an expanded 7CD version of that classic set! The album was recorded quite late in Stan's career, but it also represented a new flowering too -- a wonderfully mature approach to tenor sax that mixed up all the dark corners and warm moments of previous years, given beautifully subtle accompaniment in the piano of Barron. Kenny's got a way of doing a lot with a little -- just like Stan -- and their pairing here quickly became the stuff of legend, once the album was released. There's no other players -- no bass or drums -- but Kenny puts the groove together perfectly for Stan, whose blowing only seems to get more and more sublime in the space of the set. 7CDs worth of material recorded over the space of 3 nights -- 51 tracks in all, and a delight throughout! ~ © 1996-2010, Dusty Groove America, Inc.

2009 seven CD set from Jazz great Stan Getz along with Kenny Barron. Just a few months before his death, Getz (1927-1991) decided to make a live album with the pianist Kenny Barron. Getz and Barron, who had just spent five years performing with bassist Rufus Reid and drummer Victor Lewis in what was quite possibly the best quartet of Getz's career, formed a sort of band within a band, working four nights in front of a live audience (and a recording crew) at the Caf‚ Montmartre in Copenhagen. Shortly after Getz's death, 14 of these tracks were issued on a two-CD release entitled People Time. Now, Universal Music France issues the complete recordings: 48 performances on seven discs that amount to as moving a last will and testament as have ever heard by a major musician. ~ Universal

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Stan Getz - saxo tenor
Kenny Barron - piano
Stan Getz y Kenny Barron - un perfecto emparejamiento en el famoso disco de People Time, que se escucha aquí en una versión ampliada de 7CD de ese clásico set! El álbum se grabó bastante tarde en la carrera de Stan, pero también representó un nuevo florecimiento: un enfoque maravillosamente maduro del saxo tenor que mezcló todos los rincones oscuros y los momentos cálidos de los años anteriores, con un acompañamiento maravillosamente sutil en el piano de Barron. Kenny tiene una forma de hacer mucho con poco, como Stan, y su emparejamiento aquí se convirtió rápidamente en una leyenda, una vez que el álbum fue lanzado. No hay otros intérpretes, ni bajo ni batería, pero Kenny le pone el ritmo perfectamente a Stan, cuyo soplido parece cada vez más sublime en el espacio del set. 7CDs de material grabado en el espacio de 3 noches -- 51 pistas en total, y una delicia en todo momento! ~ © 1996-2010, Dusty Groove America, Inc.

2009 siete CD del gran Stan Getz del Jazz junto con Kenny Barron. Sólo unos meses antes de su muerte, Getz (1927-1991) decidió hacer un álbum en vivo con el pianista Kenny Barron. Getz y Barron, que acababa de pasar cinco años actuando con el bajista Rufus Reid y el baterista Victor Lewis en lo que posiblemente fue el mejor cuarteto de la carrera de Getz, formaron una especie de banda dentro de una banda, trabajando cuatro noches frente a un público en directo (y un equipo de grabación) en el Caf' Montmartre de Copenhague. Poco después de la muerte de Getz, 14 de estos temas se publicaron en un lanzamiento de dos CDs titulado People Time. Ahora, Universal Music France publica las grabaciones completas: 48 interpretaciones en siete discos que constituyen un testamento tan conmovedor como el de un gran músico. ~ Universal


Hank Mobley • Soul Station

 



Soul Station es unánimemente considerado el disco más destacado de Hank Mobley, un infravalorado y saxofonista de referencia en la mitad del siglo XX, y uno de los valores incontestables del selecto catalogo de Blue Note. Acompañado de una rítmica maravillosa con Wynton Kelly al piano, Paul Chambers al bajo y el maestro de la batería Art Blakey, el disco es denso por momentos, como la música de sus maestros Coltrane y Rollins, o suave y relajado en algunos pasajes rememorando las influencias de Lester o Webster.

Porque Hank Mobley no necesitó copiar ni estilos ni sonidos. Fue un músico muy creativo, con estilo propio y propietario de un sonido singular. "Soul Station" es un disco redondo, lleno de swing y con nuestro saxofonista en plena madurez creativa. Un álbum para disfrutar plenamente de la belleza de esta música, para escucharlo sin prisas, de principio a fin. El swing fluye de manera natural, fresco y subyugante del saxo de Hank Mobley y uno a uno los seis temas que componen el álbum, conforman toda una obra maestra a la que sin duda de ningún tipo, contribuyen el virtuosismo y la calidad de los músicos que acompañan a Hank Mobley en esta grabación.

La discografía como líder de Hank Mobley comprende desde 1955 cuando grabó para Blue Note su álbum de presentación titulado: "The Hank Mobley Quartet", hasta 1974, y además de ser extensa, es de una calidad media extraordinaria y en la que sobresalen dos títulos que bien podrían catalogarse como obras maestras. Una es este álbum que hoy recomendamos y el segundo disco imprescindible en la discográfica de Mobley es el titulado: "Dippin'" grabado en 1965 también para la Blue Note y probablemente el ultimo disco importante del músico. En "Dippin" tocan, Lee Morgan a la trompeta, Harold Mabern al piano, Larry Ridley al bajo y Billy Higgins a la batería.

Hank Mobley tuvo muy claro lo que debía aportar como jazzista. El hard bop era su razón de ser y lo fue por siempre hasta que falleció en 1986.
https://www.apoloybaco.com/jazz/index.php?option=com_content&view=article&id=2620&Itemid=335

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Often overlooked, perhaps because he wasn't a great innovator in jazz but merely a stellar performer, tenor saxophonist Hank Mobley was at the peak of his powers on Soul Station. Recorded with a superstar quartet including Art Blakey on drums, Paul Chambers on bass, and Wynton Kelly on piano, it was the first album since Mobley's 1955 debut to feature him as a leader without any other accompanying horns. The clean, uncomplicated sound that resulted from that grouping helps make it the best among his albums and a peak moment during a particularly strong period in his career. Mobley has no problem running the show here, and he does it without being flashy or burying the strong work of his sidemen. The solidness of his technique means that he can handle material that is occasionally rhythmically intricate, while still maintaining the kind of easy roundness and warmth displayed by the best players of the swing era. Two carefully chosen standards, "Remember" and "If I Should Lose You," help to reinforce that impression by casting an eye back to the classic jazz era. They bookend four Mobley originals that, in contrast, reflect the best of small-group composition with their lightness and tight dynamics. Overall, this is a stellar set from one of the more underrated musicians of the bop era.
https://www.allmusic.com/album/soul-station-mw0000649652


Duccio di Buonisenya, jpg




Duccio di Buonisenya (1255-1319), Italian painter, founder of the school of Siena of the 14th century. He is also the author of several stained glass windows.
 
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Duccio di Buonisenya (1255-1319), pintor italiano, fundador de la escuela de Siena del siglo 14. Además es autor de varios vitrales.



Saturday, February 10, 2024

Miles Davis • Melodie Originale (Live Paris '73)

 


www.milesdavis.com ...



David Hazeltine • Life's Love Songs [EP]

 

 

David Hazeltine is one of a handful of contemporary pianists who has mastered all of the major musical skills, from improvisation and technique, to accompaniment, arranging, and composition. Even more impressive, David is the rare artist able to innovate in each category. Thus it’s no surprise that he’s the most recorded contemporary jazz pianist of our time, having recorded thirty five cd’s as a leader and hundreds more as a sideman, on various major labels globally. A Milwaukee native, David was playing the clubs as a preteen, and before he’d even come of age he was already grabbing the attention and respect of jazz legends like Sonny Stitt, and Chet Baker. They urged him to make the move to New York City, which he did in 1992.
Beautifully complex and memorable

The mark of a true artist, David’s style appeals to a wide range of musical tastes and levels of sophistication. His melodies and harmonies are beautifully complex and memorable. As a composer and instrumentalist, he has developed a signature style that is readily recognizable. His cooperative group “One For All” featuring tenor great Eric Alexander, has attained critical acclaim with their impressive 16 cd discography, and live concerts worldwide including appearances at the North Sea Jazz Festival and the Newport Jazz Festival.

Hazeltine is one of the most sought after pianists today. He has worked with some of the world’s most respected jazz legends including James Moody, Eddie Harris, Jon Faddis, Joe Henderson, Pepper Adams, Jon Hendricks, and Marlena Shaw. David is known for taking a familiar or unexpected song and making it new, making it his own. He effortlessly transfers this skill from song to stage. Whether he’s composing or interpreting, accompanying or leading, you are certain to end the set remembering the sounds of David Hazeltine.
Carrying the art forward

A brilliant teacher, David is also determined to carry the art forward to the next generation. Formerly an Associate Professor at Berklee, he currently teaches at SUNY-Purchase in New York. David is also a highly skilled clinician, and has served on the Jamey Aebersold Summer Jazz Camp faculty for the past 15 years. His teaching has had a major impact on many of today’s young professional pianists including Ben Markley, who published his doctorate “The David Hazeltine Method” based on his lessons with Mr. Hazeltine. Hal Leonard has published the new “Real Book - Enhanced Edition”, featuring David’s own re-harmonizations of 200 well known standards. Lessons from David are also available on his online workshops; check out his sessions on harmony at www.jazzpianomastery.com, and on the essentials of bebop at www.mymusicmasterclass.com.

Check the itinerary for upcoming dates; don’t miss your chance to hear one of the most talented and accomplished jazz pianists of our time.
https://www.davidhazeltine.com/biography

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David Hazeltine es uno de los pocos pianistas contemporáneos que domina las principales habilidades musicales, desde la improvisación y la técnica hasta el acompañamiento, los arreglos y la composición. Aún más impresionante, David es el raro artista capaz de innovar en cada categoría. Por eso no es de extrañar que sea el pianista de jazz contemporáneo más grabado de nuestro tiempo, con treinta y cinco discos como líder y cientos más como acompañante, en varios de los principales sellos del mundo. Nacido en Milwaukee, David ya tocaba en los clubes cuando era un preadolescente, y antes de cumplir la mayoría de edad ya había captado la atención y el respeto de leyendas del jazz como Sonny Stitt y Chet Baker. Ellos le animaron a trasladarse a Nueva York, lo que hizo en 1992.
Bellamente complejo y memorable

La marca de un verdadero artista, el estilo de David atrae a una amplia gama de gustos musicales y niveles de sofisticación. Sus melodías y armonías son hermosamente complejas y memorables. Como compositor e instrumentista, ha desarrollado un estilo propio fácilmente reconocible. Su grupo cooperativo "One For All", en el que participa el gran tenor Eric Alexander, ha sido aclamado por la crítica gracias a su impresionante discografía de 16 CD y a sus conciertos en directo en todo el mundo, incluidas sus apariciones en el Festival de Jazz del Mar del Norte y en el Festival de Jazz de Newport.

Hazeltine es uno de los pianistas más solicitados de la actualidad. Ha trabajado con algunas de las leyendas del jazz más respetadas del mundo, como James Moody, Eddie Harris, Jon Faddis, Joe Henderson, Pepper Adams, Jon Hendricks y Marlena Shaw. David es conocido por tomar una canción conocida o inesperada y convertirla en algo nuevo, haciéndola suya. Transfiere sin esfuerzo esta habilidad de la canción al escenario. Ya sea componiendo o interpretando, acompañando o dirigiendo, seguro que acabas el concierto recordando los sonidos de David Hazeltine.
Llevar el arte adelante

David, un brillante profesor, también está decidido a transmitir el arte a la próxima generación. Fue profesor asociado en Berklee y actualmente enseña en SUNY-Purchase, en Nueva York. David es también un clínico altamente cualificado, y ha formado parte del profesorado del Campamento de Jazz de Verano Jamey Aebersold durante los últimos 15 años. Su enseñanza ha tenido un gran impacto en muchos de los jóvenes pianistas profesionales de hoy en día, incluyendo a Ben Markley, quien publicó su doctorado "The David Hazeltine Method" basado en sus lecciones con el Sr. Hazeltine. Hal Leonard ha publicado el nuevo "Real Book - Enhanced Edition", que incluye las rearmonizaciones del propio David de 200 estándares muy conocidos. Las lecciones de David también están disponibles en sus talleres en línea; echa un vistazo a sus sesiones sobre armonía en www.jazzpianomastery.com, y sobre los fundamentos del bebop en www.mymusicmasterclass.com.

Consulte el itinerario para conocer las próximas fechas; no pierda la oportunidad de escuchar a uno de los pianistas de jazz con más talento y talento de nuestro tiempo.
https://www.davidhazeltine.com/biography 


www.davidhazeltine.com ...



Caesar Frazier • Tenacity - As We Speak

 



Biography
by Steve Huey
Hailing from Indianapolis, Ceasar Frazier was a funky soul-jazz organist who recorded several albums for the Eastbound/Westbound label family during the '70s. First making his mark in 1972 with one of saxman Lou Donaldson's funkier bands, Frazier cut his first album Hail Ceasar! later that year, which featured musicians commonly associated with the Prestige label's jazz-funk outings -- Melvin Sparks (guitar), Houston Person (tenor), and Idris Muhammad (drums). The follow-up, Ceasar Frazier '75, featured the likes of guitarist Cornell Dupree and drummer Bernard "Pretty" Purdie; the album's key track, "Funk It Down," was later sampled by jazz-obsessed hip-hoppers Gang Starr for their "Ex-Girl to the Next Girl." In 1978, Frazier resurfaced as a smooth soul/disco vocalist with the LP Another Life, and while he showed some affinity for the idiom, it failed to reinvent him as a commercial force outside the jazz-funk marketplace. In addition to recording on his own, Frazier also played keyboards in Marvin Gaye's backing band. Thanks to the rare-groove revival, his rare original LPs now fetch generous sums on the collectors' market.
https://www.allmusic.com/artist/ceasar-frazier-mn0000536319/biography

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Biografía
por Steve Huey
Procedente de Indianápolis, Ceasar Frazier fue un organista de soul-jazz funky que grabó varios álbumes para la familia de sellos Eastbound/Westbound durante los años 70. Frazier se dio a conocer en 1972 con una de las bandas más funky del saxofonista Lou Donaldson, y grabó su primer álbum Hail Ceasar! a finales de ese año, en el que aparecían músicos habitualmente asociados a las salidas de jazz-funk del sello Prestige: Melvin Sparks (guitarra), Houston Person (tenor) e Idris Muhammad (batería). La continuación, Ceasar Frazier '75, contó con la participación del guitarrista Cornell Dupree y el batería Bernard "Pretty" Purdie; el tema clave del álbum, "Funk It Down", fue posteriormente sampleado por los hip-hopers obsesionados con el jazz Gang Starr para su "Ex-Girl to the Next Girl". En 1978, Frazier resurgió como vocalista de soul/disco suave con el LP Another Life, y aunque mostró cierta afinidad con el lenguaje, no consiguió reinventarse como fuerza comercial fuera del mercado del jazz-funk. Además de grabar por su cuenta, Frazier también tocó los teclados en la banda de acompañamiento de Marvin Gaye. Gracias al revival del rare-groove, sus raros LPs originales alcanzan ahora generosas sumas en el mercado de los coleccionistas.
https://www.allmusic.com/artist/ceasar-frazier-mn0000536319/biography


www.caesarfrazier.com ...


Bennie Green • The 45 Session

 



Review
by Stephen Thomas Erlewine  
Trombonist Bennie Green cut four sessions for Blue Note Records, three of which were released as full-length LPs. At the remaining session, the group cut a series of eight songs that were intended for release as singles -- as reissue producer Michael Cuscuna points out, several songs fade out at the end on the master tapes, cutting off solos just as they're beginning to take off. The Japanese issue The 45 Session collects all nine masters, including one alternate take of Babs Gonzales' vocal tribute to Bennie, "Encore." Considering the strength of Green's combo -- it boasted pianist Sonny Clark, bassist Paul Chambers, tenor saxophonist Eddy Williams, and drummer Jerry Segal -- it's a bit frustrating to hear the songs in truncated form, but since that's the only way they exist, fans should cherish what we do have. And this is music to cherish. Green's Blue Note recordings are consistently fun, and this is no exception. Each song swings with energy, offering each instrumentalist a chance to shine -- the piano-handclap breakdown on "Minor Revelation" is as infectious as the blowing "It's Groovy" or the swinging interpretation of "Why Do I Love You." This is cheery, bluesy, good-natured music, and even if Gonzales' hipster salute to Green has dated a bit, the rest of the music is as appealing today as when it was recorded.
https://www.allmusic.com/album/the-45-session-mw0000960169

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Reseña
por Stephen Thomas Erlewine  
El trombonista Bennie Green grabó cuatro sesiones para Blue Note Records, tres de las cuales se publicaron como LPs completos. En la sesión restante, el grupo grabó una serie de ocho canciones que estaban destinadas a ser publicadas como singles - como señala el productor de la reedición, Michael Cuscuna, varias canciones se desvanecen al final en las cintas maestras, cortando los solos justo cuando empiezan a despegar. La edición japonesa The 45 Session recoge los nueve masters, incluyendo una toma alternativa del homenaje vocal de Babs Gonzales a Bennie, "Encore". Teniendo en cuenta la fuerza del combo de Green -que contaba con el pianista Sonny Clark, el bajista Paul Chambers, el saxofonista tenor Eddy Williams y el baterista Jerry Segal- es un poco frustrante escuchar las canciones en forma truncada, pero ya que esa es la única forma en que existen, los fans deben apreciar lo que tenemos. Y esto es música para apreciar. Las grabaciones de Green en Blue Note son siempre divertidas, y ésta no es una excepción. Cada canción se balancea con energía, ofreciendo a cada instrumentista la oportunidad de brillar - el desglose de palmas de piano en "Minor Revelation" es tan contagioso como el soplido de "It's Groovy" o la interpretación de swing de "Why Do I Love You". Se trata de música alegre, bluesera y de buen humor, y aunque el saludo hipster de Gonzales a Green ha quedado un poco anticuado, el resto de la música es tan atractiva hoy como cuando se grabó.
https://www.allmusic.com/album/the-45-session-mw0000960169


Eddie Layton • Caravan

 


Artist Biography by Jason Ankeny
Although well regarded by aficionados of space age pop, Hammond organ virtuoso Eddie Layton was even more beloved by visitors to the House That Ruth Built, serving close to four decades as the official organist at baseball's landmark Yankee Stadium. Born October 19, 1925, in Philadelphia, Layton studied music as a child, but majored in meteorology in college. After enlisting in the U.S. Navy during World War II, he first encountered the Hammond in a Naval air station in Linhurst, NJ, and his fate was sealed. After the war Layton studied under the legendary theater pipe organist Jesse Crawford while working the theater circuit himself, eventually landing a steady gig at Radio City Music Hall. From there he worked at CBS, first in radio and later in television -- Layton was also on the Hammond payroll for over 50 years, touring music stores around the world to demonstrate their organs. (By his own estimate, he visited and performed in over 700 stores on five continents.) Inevitably, Layton became a recording artist as well, signing to Mercury to release a series of jazzy easy listening LPs, including Organ Moods, No Blues on This Cruise, and Better Layton Than Never.
In 1967, two years after CBS purchased the New York Yankees, Layton was offered the chance to serve as the ballpark's organist. Knowing nothing about baseball and unable to drive back and forth to the team's 81 annual home games, he initially turned down the invitation, but Yankee brass responded by promising that a limousine would drive him to and from the stadium each day. Layton finally agreed, and was first asked to play only between innings; during one Yankee loss, however, he pulled out the old military trumpet call "Charge!," and the galvanizing melody was such a hit with fans and execs that he earned a raise the following day, with instructions to play at various times throughout the game. He originated several other now-common ballpark musical cues in the decades to follow, among them "The Mexican Hat Dance." Ya Gotta Have Heart, Layton's final album, features many of his greatest Yankee Stadium hits. During the 1970s, he also agreed to provide accompaniment for the NBA's Knicks and the NHL's Rangers before whittling his schedule exclusively to the Yankees. He retired from the team in 2003, passing away in New York City on December 24, 2004.

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Biografía del artista por Jason Ankeny
Aunque bien considerado por los aficionados al pop de la era espacial, el virtuoso del órgano Hammond Eddie Layton fue aún más querido por los visitantes de la Casa Que Ruth Construyó, sirviendo cerca de cuatro décadas como organista oficial en el emblemático Yankee Stadium. Nacido el 19 de octubre de 1925 en Filadelfia, Layton estudió música cuando era niño, pero se especializó en meteorología en la universidad. Después de alistarse en la Marina de los EE. UU. Durante la Segunda Guerra Mundial, se encontró por primera vez con el Hammond en una estación aérea naval en Linhurst, Nueva Jersey, y su destino quedó sellado. Después de la guerra, Layton estudió con el legendario organista de tubos de teatro Jesse Crawford mientras trabajaba él mismo en el circuito de teatro, y eventualmente consiguió un concierto estable en Radio City Music Hall. Desde allí trabajó en CBS, primero en la radio y más tarde en la televisión. Layton también estuvo en la nómina de pago de Hammond durante más de 50 años, recorriendo tiendas de música de todo el mundo para demostrar sus órganos. (Según su propia estimación, visitó y actuó en más de 700 tiendas en cinco continentes.) Inevitablemente, Layton también se convirtió en un artista de grabación, al firmar con Mercury para lanzar una serie de LPs de música fácil de escuchar, incluyendo Organ Moods, No Blues en This Cruise, y Better Layton Than Never.
En 1967, dos años después de que CBS comprara los Yankees de Nueva York, le ofrecieron a Layton la oportunidad de fungir como organista del estadio. Como no sabía nada sobre el béisbol y no podía conducir de ida y vuelta a los 81 partidos anuales en casa del equipo, inicialmente rechazó la invitación, pero los directivos de los Yankees respondieron prometiendo que una limusina lo llevaría al estadio cada día. Layton finalmente estuvo de acuerdo, y primero se le pidió que jugara solo entre entradas; durante una derrota yankee, sin embargo, sacó el antiguo llamado "Charge!", y la melodía de galvanización fue un éxito con los fanáticos y ejecutivos que ganó un aumento el día siguiente, con instrucciones de jugar en varias ocasiones a lo largo del juego. Él originó varias otras pistas musicales ahora comunes en las décadas siguientes, entre ellas "The Mexican Hat Dance". Ya Gotta Have Heart, el último álbum de Layton, presenta muchos de sus mejores éxitos en el Yankee Stadium. Durante la década de 1970, también acordó proporcionar acompañamiento para los Knicks de la NBA y los Rangers de la NHL antes de reducir su cronograma exclusivamente a los Yankees. Se retiró del equipo en 2003 y falleció en la ciudad de Nueva York el 24 de diciembre de 2004.


Bud Freeman • Chicago-Austin High School Jazz In Hi-Fi.txt

 



Review by Scott Yanow
Three overlapping groups are heard from here, and they revisit the repertoire of the McKenzie & Condon's Chicagoans of 1927 (playing new versions of the four songs originally recorded) and Bud Freeman's 1939-1940 Summa Cum Laude Orchestra. The two septets and the octet feature such immortal Condonites as tenor saxophonist Bud Freeman; Jimmy McPartland and Billy Butterfield on trumpets; trombonists Tyree Glenn and Jack Teagarden (who also takes some vocals); clarinetists Pee Wee Russell and Peanuts Hucko; pianists Gene Schroeder and Dick Cary; rhythm guitarist Al Casamenti (but surprisingly no Eddie Condon); bassists Milt Hinton, Al Hall, and Leonard Gaskin; and drummer George Wettling. The veterans were all still in prime form at the time, and they sound quite inspired. Highlights include "Nobody's Sweetheart," "China Boy," "Chicago," "There'll Be Some Changes Made," and "Jack Hits the Road."
https://www.allmusic.com/album/chicago-austin-high-school-jazz-in-hi-fi-mw0000211633

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Reseña de Scott Yanow
Aquí se escuchan tres grupos superpuestos que revisan el repertorio de los Habitantes de Chicago de McKenzie & Condon de 1927 (tocando nuevas versiones de las cuatro canciones grabadas originalmente) y la Orquesta Summa Cum Laude de Bud Freeman de 1939-1940. Los dos septetos y el octeto presentan condonitas inmortales como el saxofonista tenor Bud Freeman; Jimmy McPartland y Billy Butterfield a las trompetas; los trombonistas Tyree Glenn y Jack Teagarden (quienes también toman algunas voces); los clarinetistas Pee Wee Russell y Peanuts Hucko; los pianistas Gene Schroeder y Dick Cary; el guitarrista rítmico Al Casamenti( pero sorprendentemente no Eddie Condon); los bajistas Milt Hinton, Al Hall y Leonard Gaskin; y el baterista George Wettling. Los veteranos todavía estaban en plena forma en ese momento, y suenan bastante inspirados. Los aspectos más destacados incluyen "Nobody's Sweetheart", "China Boy", "Chicago"," Se realizarán algunos Cambios " y " Jack Sale a la carretera."
https://www.allmusic.com/album/chicago-austin-high-school-jazz-in-hi-fi-mw0000211633

 




VA • Boppin' Buick

 



The Dave Brubeck Trio Featuring Gerry Mulligan • Blues Roots

 



Review by Scott Yanow
Although this is a blues-oriented set, there is plenty of variety in tempos and grooves. The 1968 Quartet featured the leader/pianist, baritonist Gerry Mulligan, bassist Jack Six and drummer Alan Dawson. The repertoire on this LP ranges from "Limehouse Blues" (which is not really a blues) to "Things Ain't What They Used to Be" and several originals.
https://www.allmusic.com/album/blues-roots-mw0000897119

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Reseña de Scott Yanow
Aunque este es un conjunto orientado al blues, hay mucha variedad en tempos y ritmos. El Cuarteto de 1968 contó con el líder/pianista, el barítono Gerry Mulligan, el bajista Jack Six y el baterista Alan Dawson. El repertorio de este LP va desde "Limehouse Blues" (que en realidad no es un blues) hasta "Things Ain't What They Used to Be" y varios originales.
https://www.allmusic.com/album/blues-roots-mw0000897119


www.brubeckeditions.com ...www.davebrubeck.com ...


Al Di Meola • Acoustic Anthology

 

 



Review
by Michael G. Nastos
Although die-hard fans might not agree, others may contend that Al di Meola's acoustic guitar work is superior to his electric repertoire. You could cite a heightened sensitivity, an emphasis toward his classical and flamenco influences, and in many instances a calming of his pyrotechnics, allowing one to hear his voice more clearly. The acoustic tracks from his first two solo releases for Columbia Records are here, as well as his collaborations with John McLaughlin and Paco de Lucia and the extended string-enhanced Chick Corea composition "Isfahan." He does play fast, but with more earthiness. This is a worthwhile collection for those being introduced to di Meola, as well as those who are weary of his speed-demon flashiness, which is often a detriment to his obvious musicality.
https://www.allmusic.com/album/acoustic-anthology-mw0000645992

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Reseña
por Michael G. Nastos
Aunque los fans más acérrimos no estén de acuerdo, otros pueden afirmar que el trabajo de Al di Meola con la guitarra acústica es superior a su repertorio eléctrico. Se podría citar una mayor sensibilidad, un énfasis hacia sus influencias clásicas y flamencas y, en muchos casos, un apaciguamiento de su pirotecnia, lo que permite escuchar su voz con mayor claridad. Los temas acústicos de sus dos primeros lanzamientos en solitario para Columbia Records están aquí, así como sus colaboraciones con John McLaughlin y Paco de Lucía y la composición ampliada con cuerdas de Chick Corea "Isfahan". Toca rápido, pero con más terrenalidad. Esta es una colección que vale la pena para aquellos que se están introduciendo en di Meola, así como para aquellos que están cansados de su velocidad-demonio, que a menudo es un detrimento de su evidente musicalidad.
https://www.allmusic.com/album/acoustic-anthology-mw0000645992



aldimeola.com ...

 

Blue Moods • Myth & Wisdom

 



All too often we encounter the sad reality that the songwriting of many influential jazz artists, who are regularly proclaimed as masters by the critics, languish in relative obscurity, while their compositions remain recondite, or at best, largely unfamiliar to a vast segment of contemporary audiences.

In the hope of remedying this situation and creating new interest in these artists, Posi-Tone is initiating a series of “Blue Moods” releases - These introductory programs are focused on a single artist to represent some of their vital works to a new group of listeners.

This premier volume spotlights the compositions of Charles Mingus, and celebrates the “Myth & Wisdom” of his masterful musical artistry - These collaborative releases will feature the members of our musical repertory theatre company performing succinctly focused and interpretive reenactments to highlight some of the “great plays” of these under appreciated songwriters.
https://www.jazzmessengers.com/es/90589/blue-moods/myth-wisdom

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Con demasiada frecuencia nos encontramos con la triste realidad de que la composición de muchos artistas influyentes del jazz, que regularmente son proclamados maestros por la crítica, languidece en una relativa oscuridad, mientras que sus composiciones siguen siendo recónditas o, en el mejor de los casos, en gran medida desconocidas para un vasto segmento de audiencias contemporáneas.

Con la esperanza de remediar esta situación y crear un nuevo interés en estos artistas, Posi-Tone está iniciando una serie de lanzamientos de "Blue Moods" - Estos programas introductorios se centran en un solo artista para representar algunas de sus obras vitales para un nuevo grupo de oyentes.

Este volumen de estreno destaca las composiciones de Charles Mingus y celebra el" Mito y la Sabiduría " de su magistral arte musical - Estos lanzamientos colaborativos presentarán a los miembros de nuestra compañía de teatro de repertorio musical interpretando recreaciones interpretativas y enfocadas de manera sucinta para resaltar algunas de las "grandes obras" de estos compositores poco apreciados.
https://www.jazzmessengers.com/es/90589/blue-moods/myth-wisdom



posi-tone.com/bluemoods ...



Adrien Moignard • Adrien Moignard Trio & Guests

 

 
French gypsy jazz guitarist, born 29 April 1985.

Yusef Lateef-Ahmad Jamal Quartet • Jazz In Marciac

 


 




ahmadjamal.com ...



Shakey Jake Harris • The Key Won't Fit



Born James D. Harris, 12 April 1921, Earle, Arkansas, USA, d. 2 March 1990, Pine Bluff, Arkansas, USA. A professional gambler when not playing harmonica (his nickname was derived from the crapshooters' call "Shake 'em, Jake", Harris began playing in Chicago blues bands during the late 40s. His 1958 single "Call Me If You Need Me"/"Roll Your Moneymaker", recorded for the Artistic subsidiary of Cobra Records, featured guitar work by his nephew Magic Sam. During the 60s he recorded two albums that did not do him justice, as club recordings with Sam make evident. His encouragement of younger musicians brought about the recording debut of, among others, Luther Allison, with whom Jake recorded his best album after moving to Los Angeles. In later years, occasional recordings appeared, including some on his own label, and Harris ran a blues club for a while, but was dogged by poor health and isolated by neighborhood gang violence.
Excellent album on the small Murray Brothers label from 1983. Backing from Rod Piazza, Jr. Watson and Hollywood Fats among others.

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Traducción Automática:
Nacido James D. Harris, 12 de abril de 1921, Earle, Arkansas, EE. UU., D. 2 de marzo de 1990, Pine Bluff, Arkansas, EE. UU. Un jugador profesional cuando no tocaba la armónica (su apodo se derivó de la llamada "Shake 'em, Jake" de los crapshooters, Harris comenzó a tocar en las bandas de blues de Chicago a finales de los años 40. Su single de 1958 "Call Me If You Need Me" / " Roll Your Moneymaker ", grabado para la filial Artística de Cobra Records, contó con el trabajo de guitarra de su sobrino Magic Sam. Durante los años 60 grabó dos álbumes que no le hacían justicia, como lo demuestran las grabaciones del club con Sam. Su aliento a los músicos más jóvenes provocó el debut en la grabación de, entre otros, Luther Allison, con quien Jake grabó su mejor álbum después de mudarse a Los Ángeles. En años posteriores aparecieron grabaciones ocasionales, incluidas algunas de su propio sello, y Harris dirigió un club de blues por un tiempo , pero fue perseguido por la mala salud y aislado por la violencia de pandillas del barrio.
Excelente álbum en el pequeño sello Murray Brothers de 1983. Con el respaldo de Rod Piazza, Jr. Watson y Hollywood Fats entre otros. 




Herbie Mann & Chick Corea • Complete Latin Band Session



Two CD set containing the complete recordings of Herbie Mann with Chick Corea, consisting of the three complete albums Monday Night at the Village Gate, Standing Ovation at Newport and Latin Mann: Afro to Bossa to Blues (all recorded in 1965), plus all seven of the tracks from the album The Roar of the Greasepaint the Smell of the Crowd in which both musicians are present.
 
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Juego de dos CDs que contiene las grabaciones completas de Herbie Mann con Chick Corea, consistentes en los tres álbumes completos Monday Night at the Village Gate, Standing Ovation at Newport y Latin Mann: Afro to Bossa to Blues (todos ellos grabados en 1965), más los siete temas del álbum The Roar of the Greasepaint the Smell of the Crowd en los que están presentes ambos músicos.


Dave Pike • It's Time For Dave Pike



Dave Pike was born in Detroit, MI in 1938, he started off as a drummer and later learned marimba and vibraphone. Pike's family moved to Los Angeles in 1954, he played backing for artists such as Dexter Gordon, Harold Land, Carl Perkins, Paul Bley and Curtis Counce. Pike played often around California and then moved to New York in 1960 to tap into a busier Jazz scene.

Pike found greater success on the East Coast, probably occurring through joining the popular Herbie Mann's group with whom he appears on several early recordings. Pike became heavily influenced by the Latin Jazz scene and in 1964, he recorded the album “Manhattan Latin” released on Decca.

1965 saw Pike session along side Herbie Hancock (of Blue Note fame), Billy Butler (of Prestige roster) and others culminating in a commercial but relatively unsuccessful (sales wise) album on Atlantic, “Jazz for the Jet Set”. Pike featured on marimba and Hancock on Hammond. A stylish Pan-Am stewardess wearing a space helmet featured on The album cover which was designed by Italian, Emilio Pucci. It was this album that Pike experimented more with soul, taking inspiration from Atlantic records who he was signed to at the time and who were synonymous with the experimental soul genre of 60's America.

Later in 1966 Pike recorded “The Doors of Perception” (taken from Aldous Huxley's 1954 book of the same name), with Lee Konitz on saxophone though it was only released by Atlantic subsidiary label “Vortex” in 1970.

Pike left New York for Germany possibly because of Atlantic shelving “The Doors of Perception” and the attraction of European open mindedness to the experimental music Pike was flirting with at that time. In 1968, Pike joined German Jazz label MPS and recruited Oscar Peterson, Jean-Luc Ponty and a guitarist named Volker Kriegel who played Indian ragas. Around this time Pike usually played vibes, Kriegel guitar, sitar and electric bass, J.A. Rettenbacher on bass, cello and electric bass, and Peter Baumeister on drums. This collective became known as The Dave Pike Set.

In 1968 “Got The Feelin” was recorded in Holland, a funky selection of tracks inspired by popular artists such as James Brown and Sam & Dave, the album was released the next year and then reissued on limited edition cd & vinyl by Wagram 1998.

The next Dave Pike album was “Noisy Silence - Gentle Noise”, released in 1969, as with many recording artists during the late 60's, The Dave Pike Set didn't escape the psychedelic influence of that era and as a result the band covered Frank Zappa's 'Mother People' and the Psychedelic Jazz sound of 'Mathar' was carefully crafted. The Dave Pike Set continued to record and entertain an avid European audience but their efforts went largely unnoticed in Pike's homeland of America. Pike showed his versatile nature again as a musician when, in 1972, he formed the “New” Dave Pike Set and recorded “Salomao” in Brazil. Pike later returned to the states during the mid 1970's and recorded several other albums of meagre success.

The interest in Jazz-Funk during the 80's (partly due to the sampling efforts of U.S. Hip Hop artists) led many djs and record collectors to delve deeper into the 60's and 70's music scene, the kudos associated with owning a rare record or groove by artists such as Pike created a new generation of vinyl hunters and Djs alike. Famous Acid Jazz DJ 'Gilles Peterson' later secured the release of 'Mathar' on Talkin Loud's “Tales From The Black Forrest” in 1994 and a rare version by Paul Weller was also released (later to be reissued on 12” vinyl), Weller's version was named 'Indian Vibes' which is what most people will incorrectly know Mathar as. A rare 12” white label boot leg of Mathar (on both sides) was also released around this time simply marked “Ind-A1” (a heavier bassline compared to the 69 album version), many other Dave Pike tracks have since been recorded or have featured on Acid Jazz compilations.

During the mid 1990's “Mathar” became popular in funk and hip hop clubs around the world, one such club was “Brothers and Sisters” which took place underneath the old ATV studios in Birmingham, England. People would search out the venue purely on the word that a bizarre record called Indian Vibes could be heard and danced to, such was the pull of the record the venue would pack out with Mathar being the highlight of the evening. Its hard to explain the effect Mathar has on a dance floor when the bass and percussion kicks in, especially over a loud sound system, renowned House Djs have also recognised the effect of Mathar and the track is occasionally squeezed into funky house sets.

Despite such underground success “Noisy Silence - Gentle Noise” remained relatively difficult to find on vinyl and hence not easily available to the masses, even the Talkin Jazz release can still be difficult to find. Mathar now occasionally makes its way onto T.V. and Radio.

Possibly because of the dusting off of Mathar in the early 90's, Dave Pike later released “Bop Head” in 1998 and then several other albums, including “Peligroso” in 2000, on the Ubiquity record label based in San Fransisco, Pike still plays percussion and now resides in Los Angeles, U.S.A.
https://musicians.allaboutjazz.com/davepike

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Dave Pike nació en Detroit, MI en 1938, comenzó como baterista y luego aprendió marimba y vibráfono. La familia de Pike se mudó a Los Ángeles en 1954, tocó como telonero para artistas como Dexter Gordon, Harold Land, Carl Perkins, Paul Bley y Curtis Counce. Pike tocó a menudo en California y luego se mudó a Nueva York en 1960 para aprovechar la escena de jazz más activa.

Pike encontró mayor éxito en la Costa Este, probablemente al unirse al popular grupo de Herbie Mann con el que aparece en varias grabaciones tempranas. Pike se vio fuertemente influenciado por la escena del Jazz Latino y en 1964, grabó el álbum "Manhattan Latin" publicado en Decca.

1965 vio la sesión de Pike junto a Herbie Hancock (de la fama de Blue Note), Billy Butler (de la lista Prestige) y otros culminando en un álbum comercial pero relativamente infructuoso (en cuanto a las ventas) en Atlantic, "Jazz for the Jet Set". Pike apareció en la marimba y Hancock en Hammond. Una elegante azafata de Pan-Am con un casco espacial apareció en la portada del álbum que fue diseñado por el italiano Emilio Pucci. Fue este álbum el que Pike experimentó más con el soul, inspirándose en Atlantic Records, con los que firmó en su momento y que eran sinónimos del género de soul experimental de la América de los 60.

Más tarde, en 1966, Pike grabó "The Doors of Perception" (tomado del libro homónimo de Aldous Huxley de 1954), con Lee Konitz al saxo, aunque sólo fue lanzado por el sello subsidiario de Atlantic "Vortex" en 1970.

Pike dejó Nueva York por Alemania posiblemente debido a la estantería atlántica "The Doors of Perception" y a la atracción de la apertura mental europea por la música experimental con la que Pike coqueteaba en ese momento. En 1968, Pike se unió al sello alemán de Jazz MPS y reclutó a Oscar Peterson, Jean-Luc Ponty y a un guitarrista llamado Volker Kriegel que tocaba ragas indias. Por esta época Pike solía tocar vibráfono, guitarra Kriegel, sitar y bajo eléctrico, J.A. Rettenbacher en el bajo, cello y bajo eléctrico, y Peter Baumeister en la batería. Este colectivo se conoció como The Dave Pike Set.

En 1968 se grabó en Holanda "Got The Feelin", una selección funky de temas inspirados en artistas populares como James Brown y Sam & Dave, el álbum fue lanzado al año siguiente y luego reeditado en cd & vinilo de edición limitada por Wagram 1998.

El siguiente álbum de Dave Pike fue "Noisy Silence - Gentle Noise", lanzado en 1969, como muchos artistas de grabación a finales de los 60, The Dave Pike Set no escapó a la influencia psicodélica de esa época y como resultado la banda cubrió "Mother People" de Frank Zappa y el sonido de Jazz psicodélico de "Mathar" fue cuidadosamente elaborado. El Dave Pike Set continuó grabando y entreteniendo a una ávida audiencia europea pero sus esfuerzos pasaron en gran parte desapercibidos en la patria de Pike, América. Pike mostró su naturaleza versátil de nuevo como músico cuando, en 1972, formó el "Nuevo" Dave Pike Set y grabó "Salomao" en Brasil. Pike regresó más tarde a los Estados Unidos a mediados de los 70 y grabó varios otros álbumes de escaso éxito.

El interés por el Jazz-Funk durante los años 80 (en parte debido a los esfuerzos de muestreo de los artistas de Hip Hop de los Estados Unidos) llevó a muchos djs y coleccionistas de discos a profundizar en la escena musical de los años 60 y 70, los elogios asociados con la posesión de un disco raro o el groove de artistas como Pike crearon una nueva generación de cazadores de vinilos y Djs por igual. El famoso DJ de Acid Jazz 'Gilles Peterson' consiguió más tarde el lanzamiento de 'Mathar' en "Tales From The Black Forrest" de Talkin Loud en 1994 y también se publicó una versión rara de Paul Weller (que más tarde se reeditaría en vinilo de 12"), la versión de Weller se denominó 'Indian Vibes' que es como la mayoría de la gente conocerá incorrectamente a Mathar. Una rara pata de bota de 12" de Mathar (en ambos lados) también fue lanzada alrededor de esta época simplemente marcada como "Ind-A1" (una línea de bajo más pesada comparada con la versión del álbum 69), muchos otros temas de Dave Pike han sido grabados desde entonces o han aparecido en compilaciones de Acid Jazz.

A mediados de los 90 "Mathar" se hizo popular en los clubes de funk y hip hop de todo el mundo, uno de esos clubes fue "Brothers and Sisters" que tuvo lugar bajo los antiguos estudios ATV en Birmingham, Inglaterra. La gente buscaba el lugar sólo por la palabra que un disco extraño llamado Indian Vibes se podía escuchar y bailar, tal era el atractivo del disco que el lugar llenaba, siendo Mathar el punto culminante de la noche. Es difícil de explicar el efecto que Mathar tiene en una pista de baile cuando el bajo y la percusión se activan, especialmente con un sistema de sonido fuerte, los renombrados DJs de House también han reconocido el efecto de Mathar y la pista es ocasionalmente exprimida en sets de funky house.

A pesar de este éxito underground, "Noisy Silence - Gentle Noise" sigue siendo relativamente difícil de encontrar en vinilo y por lo tanto no está fácilmente disponible para las masas, incluso el lanzamiento de Talkin Jazz puede ser difícil de encontrar. Mathar ahora ocasionalmente se abre camino en la televisión y la radio.

Posiblemente debido al desempolvamiento de Mathar a principios de los 90, Dave Pike lanzó más tarde "Bop Head" en 1998 y luego varios otros álbumes, incluyendo "Peligroso" en 2000, en el sello discográfico Ubiquity con sede en San Francisco, Pike sigue tocando la percusión y ahora reside en Los Ángeles, EE.UU.
https://musicians.allaboutjazz.com/davepike


Thursday, February 8, 2024

Dave Stryker • Groove Street

 



Biography
Whether you’ve heard guitarist Dave Stryker fronting his own group (with 25 CD’s as a leader to date), or as a featured sideman with Stanley Turrentine, Jack McDuff, and many others, you know why Gary Giddins in the Village Voice calls him “one of the most distinctive guitarists to come along in recent years.” He was recently voted once again one of the Top Guitarists in the 2014 Downbeat Critics and Readers polls for the 7th time. His most recent CD “Eight Track” was also picked as one of the Top Albums of 2014 in the Downbeat Readers Poll.

Dave Stryker grew up in Omaha, Nebraska and moved to New York City in 1980. After establishing himself in the local music scene, he joined organist Jack McDuff’s group for two years 1984-85. When McDuff wasn’t on the road (literally traveling by van all over the country) they worked a steady four-night a week gig at Dude’s Lounge in Harlem. His first break, this turned out to be an invaluable experience, paying his dues night after night with the soulful jazz organist. It was at Dude’s Lounge that Stryker met tenor saxophonist Stanley Turrentine, who would occasionally sit in. After leaving McDuff, Turrentine asked Stryker to join his quintet. From 1986-1995 he played with the legendary saxophonist at all the major festivals, concert halls, and clubs throughout the world. He is featured on two Turrentine CD’s (Stanley recorded Stryker’s tune “Sidesteppin”). With Turrentine, Stryker was able to play with such jazz greats as Dizzy Gillespie and Freddie Hubbard. The ten years playing alongside the tenor legend helped Stryker realize the importance of having his own sound. Dave continued to work with Stanley and was with him during his final week at the Blue Note in NYC, when he passed in Sept. 2000.

Early on Stryker realized that as much as he loved playing standards and the jazz repertoire he had to have something of his own to give to the music. He feels that his writing combined with his playing is what shapes his musical expression. He has recorded and published over 130 of his own compositions. Eighteen of those compositions (from the first five SteepleChase CD’s) are compiled in the book : The Music of Dave Stryker (SteepleChase Music) which can be ordered on this website. Some of the other artists who have recorded his music are: Stanley Turrentine, Kevin Mahogany, Victor Lewis, and Steve Slagle. Dave continues to perform with The Dave Stryker Organ Trio, his Blue to the Bone Band, and The Stryker / Slagle Band. Recent gigs for The Stryker / Slagle Band have included a recent week at Dizzy’s Club Coca Cola at Jazz at Lincoln Center, the Monterey Jazz Festival, The Blue Note in Las Vegas, The Jazz Bakery in LA, and a 2003 tour of Japan.

Sideman work has included vocalist Kevin Mahogany’s group, with Dave writing and arranging music for Kevin’s Telarc release Pride and Joy and Another Time, Another Place on Warner Bros and tours of Europe, Japan, Brazil, Poland and Carnegie Hall. He also has worked with Blue Note saxophonist Javon Jackson and pianist Eliane Elias. He has appeared on over 50 CD’s as a sideman. As a producer, Stryker compiled the CD The Guitar Artistry of Billy Rogers which is the only existing record of the brilliant jazz playing of the late underground legend who was his friend, former teacher and member of the Crusaders. He has also produced “A Tribute to Grant Green” on Evidence Music.

Dave is the Adjunct Professor of Jazz guitar at Jacobs School of Music at Indiana University, and at the John J. Cali School of Music at Montclair State University. He is passing along his experience by teaching both privately The Aebersold Summer Jazz Workshop, The Litchfield Jazz Camp, and the Jazzhouse Kids Workshop in Montclair NJ.
https://musicians.allaboutjazz.com/davestryker

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Biografía
Tanto si has escuchado al guitarrista Dave Stryker al frente de su propio grupo (con 25 CD's como líder hasta la fecha), como si es un destacado acompañante de Stanley Turrentine, Jack McDuff y muchos otros, sabes por qué Gary Giddins en el Village Voice lo llama "uno de los guitarristas más distintivos de los últimos años". Recientemente fue votado una vez más como uno de los mejores guitarristas en las encuestas de Downbeat Critics and Readers de 2014 por séptima vez. Su más reciente CD "Eight Track" también fue elegido como uno de los mejores álbumes de 2014 en la encuesta de Downbeat Readers.

Dave Stryker creció en Omaha, Nebraska y se mudó a la ciudad de Nueva York en 1980. Después de establecerse en la escena musical local, se unió al grupo del organista Jack McDuff durante dos años 1984-85. Cuando McDuff no estaba en la carretera (literalmente viajando en furgoneta por todo el país) trabajaban en un concierto estable de cuatro noches a la semana en el Dude's Lounge de Harlem. Su primer descanso, resultó ser una experiencia invaluable, pagando sus cuotas noche tras noche con el conmovedor organista de jazz. Fue en Dude's Lounge donde Stryker conoció al saxofonista tenor Stanley Turrentine, que ocasionalmente se sentaba en él. Después de dejar a McDuff, Turrentine le pidió a Stryker que se uniera a su quinteto. De 1986 a 1995 tocó con el legendario saxofonista en los principales festivales, salas de conciertos y clubes de todo el mundo. Aparece en dos CD de Turrentine (Stanley grabó la canción de Stryker "Sidesteppin"). Con Turrentine, Stryker pudo tocar con grandes del jazz como Dizzy Gillespie y Freddie Hubbard. Los diez años tocando junto a la leyenda del tenor ayudaron a Stryker a darse cuenta de la importancia de tener su propio sonido. Dave siguió trabajando con Stanley y estuvo con él durante su última semana en el Blue Note de Nueva York, cuando falleció en septiembre de 2000.

Desde el principio Stryker se dio cuenta de que por mucho que le gustara tocar los estándares y el repertorio de jazz, tenía que tener algo propio que aportar a la música. Siente que su escritura combinada con su forma de tocar es lo que da forma a su expresión musical. Ha grabado y publicado más de 130 de sus propias composiciones. Dieciocho de esas composiciones (de los primeros cinco CD de SteepleChase) están compiladas en el libro: The Music of Dave Stryker (SteepleChase Music) que puede ser ordenado en este sitio web. Algunos de los otros artistas que han grabado su música son: Stanley Turrentine, Kevin Mahogany, Victor Lewis, y Steve Slagle. Dave sigue tocando con The Dave Stryker Organ Trio, su Blue to the Bone Band, y The Stryker / Slagle Band. Entre los últimos conciertos de The Stryker / Slagle Band se incluyen una semana reciente en el Dizzy's Club Coca Cola at Jazz en el Lincoln Center, el Festival de Jazz de Monterrey, The Blue Note en Las Vegas, The Jazz Bakery en Los Ángeles, y una gira por Japón en 2003.

El trabajo de Sideman ha incluido al grupo del vocalista Kevin Mahogany, con Dave escribiendo y arreglando la música para el lanzamiento de Kevin's Telarc Pride and Joy y Another Time, Another Place on Warner Bros y giras por Europa, Japón, Brasil, Polonia y Carnegie Hall. También ha trabajado con el saxofonista de Blue Note Javon Jackson y la pianista Eliane Elias. Ha aparecido en más de 50 CD como sideman. Como productor, Stryker compiló el CD The Guitar Artistry of Billy Rogers, que es el único disco existente de la brillante interpretación de jazz de la difunta leyenda del underground que fue su amigo, antiguo maestro y miembro de los Cruzados. También ha producido "A Tribute to Grant Green" en Evidence Music.

Dave es profesor adjunto de guitarra de jazz en la Escuela de Música Jacobs de la Universidad de Indiana y en la Escuela de Música John J. Cali de la Universidad Estatal de Montclair. Está transmitiendo su experiencia enseñando en forma privada en el Taller de Jazz de Verano Aebersold, el Campamento de Jazz de Litchfield, y el Taller para Niños de Jazzhouse en Montclair NJ.
https://musicians.allaboutjazz.com/davestryker


 





www.davestryker.com
 

Oscar Peterson & Jon Faddis • Oscar Peterson & Jon Faddis

 



Review by Scott Yanow
In the mid-'70s, Oscar Peterson recorded duet albums with veteran trumpeters Dizzy Gillespie, Roy Eldridge, Clark Terry, and Harry "Sweets" Edison. He paid the young Jon Faddis a huge compliment by also recording a set with him. Faddis, very much under Gillespie's influence but already displaying a wide range, clearly enjoyed the challenge, and on a set of standards and basic material, he often tears into the songs with reckless abandon. The Peterson-Faddis encounter is generally quite exciting and a high point in the early career of Jon Faddis.
https://www.allmusic.com/album/oscar-peterson-jon-faddis-mw0000608863

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Reseña de Scott Yanow
A mediados de los 70, Oscar Peterson grabó álbumes a dúo con trompetistas veteranos Dizzy Gillespie, Roy Eldridge, Clark Terry y Harry "Sweets" Edison. Le hizo un gran cumplido al joven Jon Faddis al grabar también un set con él. Faddis, muy bajo la influencia de Gillespie pero que ya mostraba una amplia gama, claramente disfrutó del desafío, y en un conjunto de estándares y material básico, a menudo desgarra las canciones con abandono imprudente. El encuentro Peterson-Faddis es generalmente bastante emocionante y un punto culminante en los inicios de la carrera de Jon Faddis.
https://www.allmusic.com/album/oscar-peterson-jon-faddis-mw0000608863


Joe Henderson • In Japan

 



Biography by Scott Yanow
Joe Henderson is proof that jazz can sell without watering down the music; it just takes creative marketing. Although his sound and style were virtually unchanged from the mid-'60s, Joe Henderson's signing with Verve in 1992 was treated as a major news event by the label (even though he had already recorded many memorable sessions for other companies). His Verve recordings had easy-to-market themes (tributes to Billy Strayhorn, Miles Davis, and Antonio Carlos Jobim) and, as a result, he became a national celebrity and a constant poll winner while still sounding the same as when he was in obscurity in the 1970s.

The general feeling is that it couldn't have happened to a more deserving jazz musician. After studying at Kentucky State College and Wayne State University, Joe Henderson played locally in Detroit before spending time in the military (1960-1962). He played briefly with Jack McDuff and then gained recognition for his work with Kenny Dorham (1962-1963), a veteran bop trumpeter who championed him and helped Henderson get signed to Blue Note. Henderson appeared on many Blue Note sessions both as a leader and as a sideman, spent 1964-1966 with Horace Silver's Quintet, and during 1969-1970 was in Herbie Hancock's band. From the start, he had a very distinctive sound and style which, although influenced a bit by both Sonny Rollins and John Coltrane, also contained a lot of brand new phrases and ideas. Henderson had long been able to improvise in both inside and outside settings, from hard bop to freeform. In the 1970s, he recorded frequently for Milestone and lived in San Francisco, but was somewhat taken for granted. The second half of the 1980s found him continuing his freelancing and teaching while recording for Blue Note, but it was when he hooked up with Verve that he suddenly became famous. Virtually all of his recordings are currently in print on CD, including a massive collection of his neglected (but generally rewarding) Milestone dates. On June 30, 2001, Joe Henderson passed away due to heart failure after a long battle with emphysema.
https://www.allmusic.com/artist/joe-henderson-mn0000139804/biography

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Biografía de Scott Yanow
Joe Henderson es la prueba de que el jazz puede venderse sin diluir la música; sólo hace falta un marketing creativo. Aunque su sonido y su estilo no han cambiado prácticamente desde mediados de los años 60, el fichaje de Joe Henderson por Verve en 1992 fue tratado como un gran acontecimiento por la discográfica (a pesar de que ya había grabado muchas sesiones memorables para otras compañías). Sus grabaciones para Verve tenían temas fáciles de comercializar (homenajes a Billy Strayhorn, Miles Davis y Antonio Carlos Jobim) y, como resultado, se convirtió en una celebridad nacional y en un constante ganador de encuestas mientras seguía sonando igual que cuando estaba en la oscuridad en los años 70.

El sentimiento general es que no podría haberle ocurrido a un músico de jazz más meritorio. Tras estudiar en el Kentucky State College y en la Wayne State University, Joe Henderson tocó a nivel local en Detroit antes de pasar por el ejército (1960-1962). Tocó brevemente con Jack McDuff y luego ganó reconocimiento por su trabajo con Kenny Dorham (1962-1963), un veterano trompetista de bop que lo defendió y ayudó a Henderson a firmar con Blue Note. Henderson apareció en muchas sesiones de Blue Note como líder y como acompañante, pasó de 1964 a 1966 con el Quinteto de Horace Silver, y durante 1969-1970 estuvo en la banda de Herbie Hancock. Desde el principio, tenía un sonido y un estilo muy característicos que, aunque estaban un poco influenciados por Sonny Rollins y John Coltrane, también contenían muchas frases e ideas nuevas. Henderson llevaba mucho tiempo siendo capaz de improvisar tanto en ambientes interiores como exteriores, desde el hard bop hasta el freeform. En la década de 1970, grabó con frecuencia para Milestone y vivió en San Francisco, pero se le daba por descontado. En la segunda mitad de los años 80 continuó trabajando como freelance y dando clases mientras grababa para Blue Note, pero fue cuando se unió a Verve cuando se hizo famoso de repente. En la actualidad, casi todas sus grabaciones se encuentran en CD, incluida una enorme colección de sus olvidadas (pero generalmente gratificantes) fechas de Milestone. El 30 de junio de 2001, Joe Henderson falleció debido a un fallo cardíaco tras una larga batalla contra el enfisema.
https://www.allmusic.com/artist/joe-henderson-mn0000139804/biography



www.bluenote.com/joe-henderson ...

 

Chick Corea, Gary Burton, Dave Holland, Pat Metheny, Roy Haynes • Like Minds

 



 Review by Scott Yanow
Talk about all-star groups -- this quintet date matches together vibraphonist Gary Burton with pianist Chick Corea, guitarist Pat Metheny, bassist Dave Holland, and drummer Roy Haynes. Burton and Corea have recorded frequently through the years, while Metheny gained some early fame working with Burton; Holland was with Corea in Miles Davis' late-'60s group, and Haynes was formerly with both Burton and Corea. However, not all of these musicians had played together before -- Corea had never worked with Metheny previously, nor Burton with Holland. No matter, the masterful players fit together quite well. The vibraphonist is the lead voice in the ensembles, where Metheny at times sounds close to Jim Hall and seems a bit restrained, but everyone gets a chance to contribute to the success of the CD. Metheny contributed five songs (including "Question and Answer" and "Elucidation," which deserves to be a standard), while Burton brought in two; Corea's three contributions include his classic "Windows." The lone standard is George Gershwin's "Soon." The music is modern straight-ahead jazz; the solos are concise and the rhythm section is quite tight. In fact, this sounds like a regularly working band. Highly recommended.
https://www.allmusic.com/album/release/like-minds-mr0000872965

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 Reseña de Scott Yanow
Hablando de grupos de estrellas, esta cita del quinteto reúne al vibrafonista Gary Burton con el pianista Chick Corea, el guitarrista Pat Metheny, el bajista Dave Holland y el baterista Roy Haynes. Burton y Corea han grabado con frecuencia a lo largo de los años, mientras que Metheny adquirió cierta fama temprana trabajando con Burton; Holland estuvo con Corea en el grupo de Miles Davis de finales de los 60, y Haynes estuvo anteriormente con Burton y Corea. Sin embargo, no todos estos músicos habían tocado juntos antes: Corea nunca había trabajado con Metheny, ni Burton con Holland. No importa, los magistrales músicos encajan bastante bien. El vibrafonista es la voz principal en los conjuntos, donde Metheny a veces suena cerca de Jim Hall y parece un poco contenido, pero todos tienen la oportunidad de contribuir al éxito del CD. Metheny contribuye con cinco canciones (incluyendo "Question and Answer" y "Elucidation", que merece ser un estándar), mientras que Burton aporta dos; las tres contribuciones de Corea incluyen su clásico "Windows". El único estándar es "Soon" de George Gershwin. La música es un jazz moderno y directo; los solos son concisos y la sección rítmica está bastante ajustada. De hecho, esto suena como una banda que trabaja regularmente. Muy recomendable.
https://www.allmusic.com/album/release/like-minds-mr0000872965



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