egroj world: February 2024

NOTICE / AVISO

 


As many of you may have noticed apart from the Ulozto problem the main Mega account has been suspended, therefore the blog will be temporarily down until we can restructure and normalise the blog. I appreciate all the support you have shown me. Thank you for your understanding.

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Como muchos habrán notado aparte del problema de Ulozto la cuenta principal Mega ha sido suspendida, por consiguiente el blog se verá disminuido temporalmente hasta poder reestructurar y normalizar el blog. Agradezco todas las muestras de apoyo que me han brindado. Gracias por comprender.



Thursday, February 29, 2024

Lyle Mays • Street Dreams

 



Biography by Scott Yanow
Lyle Mays' style was difficult to describe, more atmospheric (with plenty of unique colors) than swinging and an invaluable part of the sound of the Pat Metheny Group.

Mays played and composed for the North Texas State University Lab Band in the mid-'70s. He met Metheny in 1975, toured with Woody Herman's Orchestra (1975-1976), and then joined Metheny's band, continuing to play with the guitarist's group. Mays, who was also an excellent acoustic pianist, recorded several albums as a leader for Geffen, including the excellent work Fictionary in 1992 and Solo in 2000. Lyle Mays died on February 10, 2020, after a long illness.
https://www.allmusic.com/artist/lyle-mays-mn0000171015#biography

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Biografía de Scott Yanow
El estilo de Lyle Mays era difícil de describir, más atmosférico (con muchos colores únicos) que oscilante y una parte invaluable del sonido del Grupo Pat Metheny.

Mays tocó y compuso para la Banda Lab de la Universidad Estatal del Norte de Texas a mediados de los 70. Conoció a Metheny en 1975, realizó una gira con la Orquesta de Woody Herman (1975-1976) y luego se unió a la banda de Metheny, continuando tocando con el grupo del guitarrista. Mays, quien también fue un excelente pianista acústico, grabó varios álbumes como líder de Geffen, incluido el excelente trabajo Fictionary en 1992 y Solo en 2000. Lyle Mays murió el 10 de febrero de 2020, después de una larga enfermedad.
https://www.allmusic.com/artist/lyle-mays-mn0000171015#biography


Zoot Sims • At Birdland

 














zootsims.jazzgiants.net ...



Michel Petrucciani • Pianism

 

 
Piano virtuoso Michel Petrucciani was born on December 28th 1962 in Orange France to Italian parents. He grew up surrounded by music as his father was a guitarist and his brothers were a bassist and a guitarist. He discovered the piano very young and one of his early influences was Duke Ellington. Because he was born with osteogenesis imperfecta; a condition that stunts growth and causes fragile bones and respiratory disorders, he had to have special extensions made for him to reach the pedals of the piano. The condition did not affect his hands, however, and he was able to study classical piano for 8 years. He gave his first professional concert at age 13 at the Cliousclat Festival where he was discovered by Clark Terry. Terry introduced him to a number of expatriate jazz musicians and this encouraged the young Petrucciani to embrace jazz as a musical idiom rather than classical music. At age 16 he met drummer Aldo Romano who was impressed by the teenager’s musical prowess and took him under his wing and 2 years later helped him launch his recording career with Flash. Petrucciani recorded a number of excellent albums for the French label Owl including a duet with Lee Konitz. In 1981 he performed at the Paris Jazz Festival and caused a sensation.
In 1982 he moved to the US and was introduced to Charles Lloyd. The latter was so impressed by the pianist that he helped him launch his American career. During this stay he met and married his first wife Erlinda Montaño. The marriage lasted 3 years. During he stay in the US Petrucciani had the opportunity to play with lot of the giants of jazz including Dizzy Gillespie. In 1986 he became the first Frenchman to sign a contract with the legendary Blue Note label. In 1990 he married classical pianist Gilda Butta with whom he had two children. This marriage also ended in divorce in the late 90s. He spent the 90s touring Europe and recording for Dreyfus Records. Near the end of his life he was trying to establish a jazz school in Paris.
https://musicians.allaboutjazz.com/michelpetrucciani

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El virtuoso del piano Michel Petrucciani nació el 28 de diciembre de 1962 en Orange, Francia, de padres italianos. Creció rodeado de música ya que su padre era guitarrista y sus hermanos eran bajistas y guitarristas. Descubrió el piano muy joven y una de sus primeras influencias fue Duke Ellington. Debido a que nació con osteogénesis imperfecta; una condición que impide el crecimiento y causa huesos frágiles y desórdenes respiratorios, tuvo que hacer extensiones especiales para que llegara a los pedales del piano. Sin embargo, la afección no afectó sus manos y pudo estudiar piano clásico durante 8 años. Dio su primer concierto profesional a los 13 años en el Festival Cliousclat donde fue descubierto por Clark Terry. Terry le presentó a un número de músicos de jazz expatriados y esto animó al joven Petrucciani a abrazar el jazz como un lenguaje musical en lugar de la música clásica. A los 16 años conoció al baterista Aldo Romano, quien quedó impresionado por la destreza musical del adolescente y lo tomó bajo su ala, y dos años más tarde lo ayudó a lanzar su carrera discográfica con Flash. Petrucciani grabó varios discos excelentes para el sello francés Owl, incluyendo un dúo con Lee Konitz. En 1981 actuó en el Festival de Jazz de París y causó sensación.
En 1982 se trasladó a los Estados Unidos y fue presentado a Charles Lloyd. Este último quedó tan impresionado por el pianista que le ayudó a lanzar su carrera en Estados Unidos. Durante esta estancia conoció y se casó con su primera esposa Erlinda Montaño. El matrimonio duró 3 años. Durante su estancia en los Estados Unidos, Petrucciani tuvo la oportunidad de tocar con muchos de los gigantes del jazz, entre ellos Dizzy Gillespie. En 1986 se convirtió en el primer francés en firmar un contrato con el legendario sello Blue Note. En 1990 se casó con la pianista clásica Gilda Butta con quien tuvo dos hijos. Este matrimonio también terminó en divorcio a finales de los 90. Pasó los años 90 de gira por Europa y grabando para Dreyfus Records. Casi al final de su vida estaba tratando de establecer una escuela de jazz en París.
https://musicians.allaboutjazz.com/michelpetrucciani
 
 
 
www.facebook.com/MichelPetruccianijazz ...


Horace Silver • Doin' The Thing - At the Village Gate

 



Review by Scott Yanow
his live set (recorded at the Village Gate) finds pianist/composer Horace Silver and his most acclaimed quintet (the one with trumpeter Blue Mitchell, tenor saxophonist Junior Cook, bassist Gene Taylor and drummer Roy Brooks) stretching out on four selections, including his new song "Filthy McNasty." Two shorter performances were added to the CD version of this enjoyable and always funky hard bop session.
https://www.allmusic.com/album/doin-the-thing-at-the-village-gate-mw0000653239

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Reseña de Scott Yanow
su set en vivo (grabado en Village Gate) encuentra al pianista / compositor Horace Silver y su quinteto más aclamado (el que tiene al trompetista Blue Mitchell, al saxofonista tenor Junior Cook, al bajista Gene Taylor y al baterista Roy Brooks) extendiéndose en cuatro selecciones, incluida su nueva canción "Filthy McNasty."Se agregaron dos presentaciones más cortas a la versión en CD de esta sesión divertida y siempre funky de hard bop.
https://www.allmusic.com/album/doin-the-thing-at-the-village-gate-mw0000653239


 




Herb Ellis • An Evening With Herb Ellis

 



Review by Ken Dryden
Herb Ellis sets a concert stage afire with his masterful technique, sharpened during a long stretch as a member of the Oscar Peterson Trio during the 1950s. For this 1995 performance at Western Washington University, he's accompanied by pianist Bill MacDonough (a university alum), bassist Chuck Israels (a faculty member and ex-Bill Evans sideman), and Canadian drummer John Nolan, who worked with Ellis on other recordings. From listening to this show, it's hard not to think this is a working group, aside from an unsteady ending to a piece or two. The highlight of the date is easily the extended workout of "Things Ain't What They Used to Be," where Ellis really shows off his chops. His simmering take of "Billie's Bounce" never boils over, while Ellis displays his lyricism in a gorgeous rendition of "Body and Soul," even if he can't resist inserting a few humorous quotes.
https://www.allmusic.com/album/an-evening-with-herb-ellis-mw0000233075

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Reseña de Ken Dryden
Herb Ellis hace arder el escenario de un concierto con su magistral técnica, perfeccionada durante un largo periodo como miembro del Oscar Peterson Trio en la década de 1950. En esta actuación de 1995 en la Western Washington University, le acompañan el pianista Bill MacDonough (antiguo alumno de la universidad), el bajista Chuck Israels (miembro de la facultad y ex compañero de Bill Evans) y el batería canadiense John Nolan, que trabajó con Ellis en otras grabaciones. Escuchando este concierto, es difícil no pensar que se trata de un grupo de trabajo, aparte de un final inestable en una o dos piezas. Lo mejor de la actuación es sin duda la extensa versión de "Things Ain't What They Used to Be", en la que Ellis demuestra su talento. Su versión a fuego lento de "Billie's Bounce" nunca llega a hervir, mientras que Ellis hace gala de su lirismo en una magnífica interpretación de "Body and Soul", aunque no pueda resistirse a insertar algunas citas humorísticas.
https://www.allmusic.com/album/an-evening-with-herb-ellis-mw0000233075


Sam Yahel • From Sun To Sun

 


Biography
One of the more distinctive voices among a new breed of Hammond B-3 organ players on the jazz scene, Sam Yahel has earned the top spot in Down Beat's annual International Critics Poll as a Talent Deserving Of Recognition for the past four consecutive years.

Since moving to New York in 1990, Yahel has worked with a string of notable jazz artists including tenor saxophonists Joshua Redman and Eric Alexander, former James Brown sideman and alto sax great Maceo Parker, guitarists Peter Bernstein and Bill Frisell, trumpeters Ryan Kisor and Jim Rotondi, vocalists HYPERLINK Norah Jones (on her Grammy-winning Come Away With Me), Lizz Wright, and Madeleine Peyroux.

But it has been as a solo artist in his own right that Yahel has made his most personal statements as both composer and player.

On Truth and Beauty, his fourth outing as a leader, Yahel joins with longtime colleagues Joshua Redman and drummer Brian Blade in rekindling the potent chemistry they generated as Yaya3, a collective group that was an outgrowth of a residency they had at Small's nightclub in New York. "I'm proud of that record. I like Yaya3 (which was released by Warner Bros. in 2003). But at the same time I was always thinking about doing something purely of my own."

And while Yahel had previously released three recordings as a leader -- 1998's Searchin', 1999's Trio and 2000's In The Blink of an Eye -- his current outing is his strongest to date. "This record is not so much about the straight-ahead swinging undercurrent of the rhythm section," says Sam. "These days I feel like jazz has absorbed more world music influences. I hear Brazilian, African and Cuban music elements starting to seep into the mainstream jazz scene and I find myself drawing from those influences more. And for me, the organ is the perfect instrument to implement that kind of thing because you can really get rhythmic and percussive on it, you can evoke images and sounds just as easily as swinging. And although I'm a big fan of straight ahead swinging music and I still play it with pleasure, I think that this record is more of a foray into the other side."

With Truth and Beauty, Yahel once again stakes out his own territory on the Hammond B-3 organ while taking another important stride as a bandleader and composer.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/sam-yahel

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Biografía
Sam Yahel, una de las voces más distintivas de la nueva generación de organistas Hammond B-3 de la escena del jazz, ha obtenido el primer puesto en la encuesta anual de la crítica internacional de Down Beat como Talento merecedor de reconocimiento durante los últimos cuatro años consecutivos.

Desde que se trasladó a Nueva York en 1990, Yahel ha trabajado con una serie de notables artistas de jazz, entre ellos los saxofonistas tenores Joshua Redman y Eric Alexander, el antiguo acompañante de James Brown y gran saxo alto Maceo Parker, los guitarristas Peter Bernstein y Bill Frisell, los trompetistas Ryan Kisor y Jim Rotondi, las vocalistas HYPERLINK Norah Jones (en su ganadora del Grammy Come Away With Me), Lizz Wright y Madeleine Peyroux.

Pero ha sido en solitario donde Yahel ha hecho sus declaraciones más personales como compositor e intérprete.

En Truth and Beauty, su cuarto trabajo como líder, Yahel se une a sus colegas de toda la vida Joshua Redman y el batería Brian Blade para reavivar la potente química que generaron como Yaya3, un grupo colectivo que surgió de una residencia que tuvieron en el club nocturno Small's de Nueva York. "Estoy orgulloso de ese disco. Me gusta Yaya3 (que publicó Warner Bros. en 2003). Pero al mismo tiempo siempre pensaba en hacer algo puramente mío".

Y aunque Yahel ya había publicado tres discos como líder: Searchin' (1998), Trio (1999) e In The Blink of an Eye (2000), el actual es el más potente hasta la fecha. "Este disco no tiene tanto que ver con el swing directo de la sección rítmica", dice Sam. "Hoy en día creo que el jazz ha absorbido más influencias de las músicas del mundo. Oigo que elementos de la música brasileña, africana y cubana empiezan a filtrarse en la escena del jazz convencional y me encuentro a mí mismo inspirándome más en esas influencias. Y para mí, el órgano es el instrumento perfecto para poner en práctica ese tipo de cosas, porque con él se puede ser realmente rítmico y percusivo, se pueden evocar imágenes y sonidos con la misma facilidad que con el swing. Y aunque soy un gran admirador de la música swing directa y sigo tocándola con placer, creo que este disco es más bien una incursión en el otro lado".

Con Truth and Beauty, Yahel vuelve a marcar su propio territorio con el órgano Hammond B-3 al tiempo que da otro paso importante como director de orquesta y compositor.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/sam-yahel

www.samyahel.com ...



 


Jeremy Pelt • Soundtrack

 



Jazz trumpeter, composer and author Jeremy Pelt has certainly never shied away from themed albums so one might expect something cinematic from the enigmatically-titled 'Soundtrack'. However, as Pelt himself explains, "I've certainly done plenty of concept albums, but in this case there's nothing I'm on a soapbox about. It's been a tough time for all of us, so let's not worry about sending messages for a minute. Here we are, playing some songs and having some fun."

Having fun the band may be but along the way they make some compelling jazz weaving a beguiling tapestry of kaleidoscopic colours with Pelt's sultry and communicative trumpet to the fore surrounded by Chien Chien Lu's hypnotic vibraphone and pianist Victor Gould's subtle splashes of the Fender Rhodes. The inclusion of Brittany Anjou on Moog synthesizer and the rarely-heard Mellotron may imply a real electronica aspect present on the recording but, quite to the contrary, Pelt uses them sparingly and incorporates them brilliantly into the group's tonal palette. Their appearance does occasionally bring a certain 70s independent jazz vibe to the proceedings but they far from define the sound of the group.

Anne Drummond's silvery flute on two tracks adds yet another dimension to the already wide spectrum of colours on this latest album in the discography of the sometimes surprising but always inspired Jeremy Pelt.
https://www.prestomusic.com/jazz/products/9314505--soundtrack?gclid=Cj0KCQiAofieBhDXARIsAHTTldomS7GchahPBHIcZ6nE7mMygGlBxAJu0DVWOcyOAZpf-HRvfgSGOfgaAiczEALw_wcB

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El trompetista de jazz, compositor y autor Jeremy Pelt nunca ha rehuido los álbumes temáticos, por lo que cabría esperar algo cinematográfico del enigmáticamente titulado "Soundtrack". Sin embargo, como explica el propio Pelt, "he hecho muchos álbumes conceptuales, pero en este caso no tengo nada que decir. Han sido tiempos difíciles para todos nosotros, así que no nos preocupemos por enviar mensajes ni un minuto. Aquí estamos, tocando algunas canciones y divirtiéndonos".

Puede que el grupo se divierta, pero por el camino hacen un jazz convincente, tejiendo un seductor tapiz de colores caleidoscópicos, con la sensual y comunicativa trompeta de Pelt en primer plano, rodeada por el hipnótico vibráfono de Chien Chien Lu y las sutiles pinceladas de Fender Rhodes del pianista Victor Gould. La inclusión de Brittany Anjou en el sintetizador Moog y el raramente escuchado Mellotron podría implicar un aspecto electrónico real presente en la grabación pero, muy al contrario, Pelt los utiliza con moderación y los incorpora brillantemente a la paleta tonal del grupo. Su aparición aporta ocasionalmente un cierto aire de jazz independiente de los 70, pero está lejos de definir el sonido del grupo.

La flauta plateada de Anne Drummond en dos temas añade otra dimensión al ya amplio espectro de colores de este último álbum de la discografía del a veces sorprendente pero siempre inspirado Jeremy Pelt.
https://www.prestomusic.com/jazz/products/9314505--soundtrack?gclid=Cj0KCQiAofieBhDXARIsAHTTldomS7GchahPBHIcZ6nE7mMygGlBxAJu0DVWOcyOAZpf-HRvfgSGOfgaAiczEALw_wcB


http://jeremypelt.net/


Eddie ''Lockjaw'' Davis & Shirley Scott • Bacalao



When it came to tenor saxophonists, the late organist Shirley Scott had excellent taste. One of the big-toned tenor men she worked with extensively was Stanley Turrentine, whom she married; another was Eddie "Lockjaw" Davis. Recorded in Rudy Van Gelder's New Jersey studio in 1959, Bacalao is among the many solid hard bop/soul-jazz albums that resulted from Davis' association with Scott. The two of them enjoyed an incredibly strong rapport in the late '50s and early '60s, and they are very much in sync on Bacalao (which unites them with bassist George Duvivier, drummer Arthur Edgehill, and two Latin percussion men: Luis Perez and salsa giant Ray Barretto). The presence of Perez and Barretto gives the album some Afro-Cuban appeal, and both of them do well by Davis and Scott -- who are in fine form whether they turn their attention to two James Moody items ("Last Train From Overbrook" and "Dobbin' With Redd Foxx") or well-known pop standards (which include "That Old Black Magic," "Sometimes I'm Happy," "When Your Lover Has Gone," and "Come Rain or Come Shine"). In the liner notes that he wrote for Bacalao in 1959 or 1960, Amiri Baraka (formerly Leroi Jones) describes "Come Rain or Come Shine" and "That Old Black Magic" as "old beat-up tunes"; even back then, those Harold Arlen standards were considered warhorses. But Baraka also goes on to say that Davis and his colleagues revitalize the songs. Organ combo soul-jazz was still new and fresh in 1959, and Scott was helping Davis find new ways to interpret very familiar melodies. Although not quite essential, Bacalao is a rewarding example of Davis' ability to thrive in an organ/tenor setting.

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Cuando se trataba de saxofonistas tenores, la difunta organista Shirley Scott tenía un excelente gusto. Uno de los grandes tenores con los que trabajó extensamente fue Stanley Turrentine, con quien se casó; otro fue Eddie "Lockjaw" Davis. Grabado en el estudio de Rudy Van Gelder en Nueva Jersey en 1959, Bacalao es uno de los muchos álbumes sólidos de hard bop/soul-jazz que resultaron de la asociación de Davis con Scott. Los dos disfrutaron de una relación increíblemente fuerte a finales de los 50 y principios de los 60, y están muy sincronizados en Bacalao (que los une con el bajista George Duvivier, el baterista Arthur Edgehill, y dos hombres de percusión latina: Luis Pérez y el gigante de la salsa Ray Barretto). La presencia de Pérez y Barretto le da al disco un cierto atractivo afrocubano, y a ambos les va bien por parte de Davis y Scott - que están en buena forma ya sea que pongan su atención en dos temas de James Moody ("Last Train From Overbrook" y "Dobbin' With Redd Foxx") o en estándares pop muy conocidos (que incluyen "That Old Black Magic", "Sometimes I'm Happy", "When Your Lover Has Gone" y "Come Rain or Come Shine"). En las notas de línea que escribió para Bacalao en 1959 ó 1960, Amiri Baraka (antes Leroi Jones) describe "Come Rain or Come Shine" y "That Old Black Magic" como "viejas melodías desgastadas"; incluso en aquel entonces, esos estándares de Harold Arlen se consideraban caballos de guerra. Pero Baraka también dice que Davis y sus colegas revitalizan las canciones. El soul-jazz en combinación de órganos era todavía nuevo y fresco en 1959, y Scott ayudaba a Davis a encontrar nuevas formas de interpretar melodías muy familiares. Aunque no es esencial, Bacalao es un ejemplo gratificante de la capacidad de Davis para prosperar en un entorno de órgano/tenor.




The Craig Scott Quintet • Introducing

 



Craig Scott Quintet: Introducing sets a mood reminiscent of the late 50’s, and early 60’s west coast cool jazz as may have been performed by Victor Feldman and Stan Getz.

Throughout the years, most of Craig Scott’s work has been on drums, until the summer of 2012, when he was teaching at the Douglas College Jazz Camp. During the faculty noon hour jazz concert, Craig asked Bob Rebagliati, the camp coordinator and master music educator to sit in on drums, so Craig could play a tune on vibes. Afterwards, Cory Weeds, the great saxophonist and impresario, who was also on faculty and performed along side him at the concert, approached him about doing a weekend at The Cellar Jazz Club.

Craig was thrilled, and began lifting arrangements from the albums that Milt Jackson recorded with Ray Brown and tenor saxophonist Teddy Edwards. The weekend was both successful and spectacularly fun, and ultimately resulted in the opportunity to record our group. This album represents many of Craig’s influences.

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Craig Scott Quintet: Introducing crea un ambiente que recuerda al cool jazz de finales de los 50 y principios de los 60 en la costa oeste, tal como pudo haber sido interpretado por Victor Feldman y Stan Getz.

A lo largo de los años, la mayor parte del trabajo de Craig Scott ha sido en la batería, hasta el verano de 2012, cuando enseñaba en el Campamento de Jazz de Douglas College. Durante el concierto de jazz a mediodía de la facultad, Craig le pidió a Bob Rebagliati, el coordinador del campamento y maestro educador musical, que se sentara a tocar la batería, para que Craig pudiera tocar una melodía con vibes. Posteriormente, Cory Weeds, el gran saxofonista y empresario, que también estaba en la facultad y actuó junto a él en el concierto, se le acercó para hacer un fin de semana en el Cellar Jazz Club.

Craig estaba emocionado y comenzó a levantar arreglos de los álbumes que Milt Jackson grabó con Ray Brown y el saxofonista tenor Teddy Edwards. El fin de semana fue exitoso y espectacularmente divertido, y finalmente resultó en la oportunidad de grabar a nuestro grupo. Este álbum representa muchas de las influencias de Craig.


Brian Melvin-Søren Lee-Mads Søndergaard • Tranesformation

 



Editorial Reviews
American drummer Brian Melvin and Danish guitarist Søren Lee spearhead a brand new trio alongside Danish organist Mads Søndergaard. The trio release their brand new tribute album to the legendary John Coltrane, Tranesformation, on Storyville Records on October 20, 2023. Tranesformation pays homage to the revered John Coltrane, a trailblazing figure in the world of jazz. Drawing from Coltrane’s legacy and weaving their own interpretations, Brian Melvin, Søren Lee and Mads Søndergaard invite audiences to join them on an exciting musical voyage. This recording, consisting of 15 tracks, is a dynamic collaboration that promises to reignite the essence of Coltrane’s music, fusing it with their unique artistic perspectives. United by their immense passion for jazz and their impressive individual careers, Brian Melvin, Søren Lee and Mads Søndergaard have forged a bond that now forms the heart of the exceptional trio. Having captivated audiences across the world, each musician brings their distinct expertise and creative spirit to this project, creating a blend of talents that promises to deliver a fresh, exciting sound to the jazz community. Brian Melvin’s impressive background includes collaborations with luminary bassist Jaco Pastorius, renowned saxophonist Joe Hendersen and guitar virtuoso John Scofield. His accolades are not only musical, but also historical, as his album Standards Zone soared to the #1 spot on the charts for 13 consecutive weeks, earning a well deserved place in the Jazz Hall of Fame in the US. Søren Lee, recognized for his impeccable guitar work and deep musical sensibilities, has left an indelible mark on the jazz scene. Having shared the stage with legends like bassist Ray Brown and guitarist Jim Hall, Lee’s contributions to the international jazz repertoire have garnered critical acclaim. His trio recordings have been described as ‘outstanding’ by none other than the iconic Jim Hall, while pianist and organist Larry Golding hails Lee as ‘a deeply soulful player’. Mads Søndergaard, Denmark’s premier organist, is celebrated for his extraordinary musical prowess and collaborations with top-tier jazz musicians across Europe. With a reputation that precedes him, Søndergaard’s presence adds a new dimension to the trio’s sound, promising an unmatched listening experience. Fresh off their performances in New York, Denmark and Estonia, the trio’s fans can expect a riveting series of performances in Europe and beyond throughout 2023/24. With their shared vision and collective dedication to the art form, Brian Melvin, Søren Lee and Mads Søndergaard are poised to make an indelible mark on the jazz landscape with Tranesformation!
https://www.amazon.com/Tranesformation-Brian-Melvin/dp/B0CHWM16P3

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Reseñas editoriales
El batería estadounidense Brian Melvin y el guitarrista danés Søren Lee encabezan un nuevo trío junto al organista danés Mads Søndergaard. El trío publica su nuevo álbum homenaje al legendario John Coltrane, Tranesformation, en Storyville Records el 20 de octubre de 2023. Tranesformation rinde homenaje al venerado John Coltrane, una figura pionera en el mundo del jazz. Basándose en el legado de Coltrane y tejiendo sus propias interpretaciones, Brian Melvin, Søren Lee y Mads Søndergaard invitan al público a unirse a ellos en un emocionante viaje musical. Esta grabación, compuesta por 15 temas, es una colaboración dinámica que promete reavivar la esencia de la música de Coltrane, fusionándola con sus perspectivas artísticas únicas. Unidos por su inmensa pasión por el jazz y sus impresionantes carreras individuales, Brian Melvin, Søren Lee y Mads Søndergaard han forjado un vínculo que ahora forma el corazón del excepcional trío. Tras cautivar al público de todo el mundo, cada músico aporta su experiencia y espíritu creativo a este proyecto, creando una mezcla de talentos que promete ofrecer un sonido fresco y emocionante a la comunidad jazzística. El impresionante historial de Brian Melvin incluye colaboraciones con el bajista Jaco Pastorius, el célebre saxofonista Joe Hendersen y el virtuoso de la guitarra John Scofield. Sus elogios no son sólo musicales, sino también históricos, ya que su álbum Standards Zone alcanzó el número 1 de las listas durante 13 semanas consecutivas, lo que le valió un merecido puesto en el Salón de la Fama del Jazz de Estados Unidos. Søren Lee, reconocido por su impecable trabajo a la guitarra y su profunda sensibilidad musical, ha dejado una huella indeleble en la escena del jazz. Tras compartir escenario con leyendas como el bajista Ray Brown y el guitarrista Jim Hall, las contribuciones de Lee al repertorio internacional de jazz han cosechado elogios de la crítica. Sus grabaciones en trío han sido calificadas de "sobresalientes" nada menos que por el emblemático Jim Hall, mientras que el pianista y organista Larry Golding elogia a Lee como "un intérprete profundamente conmovedor". Mads Søndergaard, el mejor organista de Dinamarca, es famoso por su extraordinaria destreza musical y sus colaboraciones con músicos de jazz de primera fila de toda Europa. Con una reputación que le precede, la presencia de Søndergaard añade una nueva dimensión al sonido del trío, prometiendo una experiencia auditiva inigualable. Recién llegados de sus actuaciones en Nueva York, Dinamarca y Estonia, los fans del trío pueden esperar una fascinante serie de actuaciones en Europa y más allá a lo largo de 2023/24. Con su visión compartida y su dedicación colectiva al arte, Brian Melvin, Søren Lee y Mads Søndergaard están preparados para dejar una huella indeleble en el panorama del jazz con Tranesformation.
https://www.amazon.com/Tranesformation-Brian-Melvin/dp/B0CHWM16P3


 




storyvillerecords.com/tranesformation ...



Opus 5 • Tickle

 



Despite busy schedules, the five co-leaders of OPUS 5 return once again with a fourth album, TICKLE, a statement of great virtuosity, melodic integrity and rhythmic focus. Taking its place alongside Introducing Opus 5, Pentasonic and Progressions, this session finds the band in peak form, interpreting compositions by all the band's members. From the shifting funk-to-swing of drummer Donald Edwards-penned title track, to the singable purity of tenorist Seamus Blake's opening Silver Pockets, to the poetic bass cadenza and plaintive mood of bassist Boris Kozlov's closing ballad Murzake, Tickle secures Opus 5's place as one of the most compelling and long-lived collectives in recent years. Pianist David Kikoski composed the beautiful New Old Ballad, trumpeter Alex Sipiagin wrote Equilibrium.
https://www.challengerecords.com/products/14404267801973

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A pesar de sus apretadas agendas, los cinco colíderes de OPUS 5 regresan una vez más con un cuarto álbum, TICKLE, una declaración de gran virtuosismo, integridad melódica y enfoque rítmico. Situándose junto a Introducing Opus 5, Pentasonic y Progressions, esta sesión encuentra a la banda en plena forma, interpretando composiciones de todos sus miembros. Desde el funk-swing cambiante de la canción que da título al disco, escrita por el batería Donald Edwards, hasta la pureza cantable de Silver Pockets, del tenorista Seamus Blake, pasando por la poética cadencia del bajo y el ánimo lastimero de Murzake, la balada final del bajista Boris Kozlov, Tickle asegura el lugar de Opus 5 como uno de los colectivos más convincentes y longevos de los últimos años. El pianista David Kikoski compuso la hermosa New Old Ballad, y el trompetista Alex Sipiagin escribió Equilibrium.
https://www.challengerecords.com/products/14404267801973


www.seamusblake.com ...
www.alexsipiagin.com ...
www.davekikoski.com ...



Jr. Walker and The All Stars • Shotgun



Autry DeWalt Mixon, Jr. (14 de junio de 1931 - 23 de noviembre de 1995), conocido con el nombre artístico de Junior Walker, era un músico estadounidense. Su grupo, Junior Walker & the All Stars, fue firmado por el sello Motown en la década de 1960, y se convirtió en uno de los actos emblemáticos del sello.






Autry DeWalt Mixon, Jr. (June 14, 1931 – November 23, 1995), known by the stage name Junior Walker, was an American musician. His group, Junior Walker & the All Stars, were signed to the Motown label in the 1960s, and became one of the label's signature acts.




Complete bio


The Head Cat • The Independent, San Francisco - 10.01.2008

 



 





Jonah Jones • I Dig Chicks!

 



Review
by Scott Yanow
The cover of this LP gives males three good reasons to "dig chicks." Trumpeter/vocalist Jonah Jones continues his "swinging with a shuffle" formula, performing 11 songs named after women, plus the title cut (which has one of his six vocals of the date). Jones, pianist Teddy Brannon, bassist John Brown and drummer George Foster have a good time romping on such numbers as "Mandy, Make Up Your Mind," "Tangerine," "Blue Lou," "Rosetta" and some lesser-known tunes. The overall results may be a bit lightweight and predictable, but the trumpeter gives this album enough exciting moments to make it worth getting.

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Reseña
por Scott Yanow
La portada de este LP da a los hombres tres buenas razones para "cavar pollitos". El trompetista/vocalista Jonah Jones continúa con su fórmula de "swinging with a shuffle", interpretando 11 canciones con nombre de mujer, más el corte que da título al disco (que tiene una de sus seis voces de la fecha). Jones, el pianista Teddy Brannon, el bajista John Brown y el baterista George Foster se divierten en números como "Mandy, Make Up Your Mind", "Tangerine", "Blue Lou", "Rosetta" y algunos temas menos conocidos. El resultado general puede ser un poco ligero y predecible, pero el trompetista da a este álbum suficientes momentos emocionantes para que merezca la pena conseguirlo.


Lars Jansson Trio • Just This

 



Just This, the latest album from Lars Jansson Trio due out October 19th, is an album of immense talent and musical excess from three of Scandinavia’s most renowned jazz musicians.

Lars Jansson is a jazz pianist, composer, arranger and educator. He was born in 1951, and grew up in Örebro, Sweden, where he was bored by his lessons at the community music school. In his early teens, a relative lent him records with Miles Davis, Ben Webster, and Mose Allison, creating a solid foundation for his musical education. Jansson’s career has been in full flourish since 1970, and he has for the main part been focusing on the trio format. Lars Jansson Trio has long been one of the most renowned jazz groups in his native Sweden and the rest of Scandinavia as well. In 1998, he was nominated for the Danish Jazzpar Prize and he became the first jazz professor in Aarhus, Denmark. He was honored in Denmark with a Grammy in 2001 for ”Best International Album,” with the album Hope.

Lars Jansson Trio are now ready to release their new album Just This. Assisted by Thomas Fonnesbæk on bass and Paul Svanberg on drums, Jansson has created a body of work that deals with various themes of life, and pays tribute to some of Jansson’s heroes. Fonnesbæk is a well-respected bassist in his own right, playing with the likes of Justin Kauflin and Alex Riel, and Svanberg, who is Jansson’s son, is a widely used drummer on the Danish jazz scene. The album, 13 tracks in total, comes by as a beautiful and diverse collection of tunes that display the collective talents of three very gifted and experienced musicians.

The title track Just This, as well as the track No Purpose, deal with how we are all defined by our culture and upbringing. To experience and accept all that happens in the ”flow” that is our life is no easy matter. It takes practice and an open mind to ignore expectations and pre-conceived attitudes, and completely immerse oneself in the present as it unfolds. Waltz for Bill is a tribute to Bill Evans, originally recorded in 2003, and now presented in a trio format. Receiving is inspired by the art of being able to receive, inspired by Jansson previous compositions Giving-Receiving and Giving. Intimate Talk is the conversation between guru and disciple, but it can also be the kind of low-key, intimate and magical conversation one has with another person. Closing track To Have Or To Be, a title borrowed from the book by Erich Fromm, is about finding the balance between our career and material life and the spiritual aspect of our lives, and the dilemmas related to this, concluding an album that is equally focused on life and great musicianship.

"Jazz music is one of the few human activities that succeeds in combining responsibility for the collective with individual freedom. The great challenge for every musician is to find his personal sound, to express his true self and at the same time find his role in the group. In our search for self knowledge, finding meaning in our lives and to full fill our destiny, jazz music is a fantastic art form to help us on that path." Lars Jansson  
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Just This, el último disco de Lars Jansson Trio, que saldrá a la venta el 19 de octubre, es un álbum de inmenso talento y exceso musical de tres de los músicos de jazz más reconocidos de Escandinavia.

Lars Jansson es pianista de jazz, compositor, arreglista y educador. Nació en 1951 y creció en Örebro (Suecia), donde se aburría en sus clases en la escuela de música de la comunidad. Al principio de su adolescencia, un pariente le prestó discos con Miles Davis, Ben Webster y Mose Allison, creando una base sólida para su educación musical. La carrera de Jansson está en pleno apogeo desde 1970, y se ha centrado principalmente en el formato de trío. Lars Jansson Trio ha sido durante mucho tiempo uno de los grupos de jazz más reconocidos en su Suecia natal y también en el resto de Escandinavia. En 1998, fue nominado para el premio danés Jazzpar y se convirtió en el primer profesor de jazz en Aarhus, Dinamarca. En 2001 fue galardonado en Dinamarca con un Grammy al "Mejor Álbum Internacional", con el disco Hope.

Lars Jansson Trio está listo para lanzar su nuevo álbum Just This. Ayudado por Thomas Fonnesbæk al bajo y Paul Svanberg a la batería, Jansson ha creado una obra que aborda diversos temas de la vida y rinde homenaje a algunos de los héroes de Jansson. Fonnesbæk es un bajista muy respetado por derecho propio, que ha tocado con artistas de la talla de Justin Kauflin y Alex Riel, y Svanberg, que es hijo de Jansson, es un baterista muy utilizado en la escena del jazz danés. El álbum, de 13 temas en total, se presenta como una hermosa y diversa colección de melodías que muestran el talento colectivo de tres músicos muy dotados y experimentados.

El tema que da título al disco, Just This, así como el tema No Purpose, tratan de cómo todos estamos definidos por nuestra cultura y crianza. Experimentar y aceptar todo lo que sucede en el "flujo" que es nuestra vida no es nada fácil. Se necesita práctica y una mente abierta para ignorar las expectativas y las actitudes preconcebidas, y sumergirse por completo en el presente que se desarrolla. Waltz for Bill es un homenaje a Bill Evans, grabado originalmente en 2003, y presentado ahora en formato de trío. Receiving se inspira en el arte de saber recibir, inspirado en las composiciones anteriores de Jansson Giving-Reciving y Giving. Intimate Talk es la conversación entre el gurú y el discípulo, pero también puede ser el tipo de conversación discreta, íntima y mágica que uno tiene con otra persona. El tema final To Have Or To Be, un título tomado del libro de Erich Fromm, trata de encontrar el equilibrio entre nuestra carrera y vida material y el aspecto espiritual de nuestras vidas, y los dilemas relacionados con ello, concluyendo un álbum que se centra por igual en la vida y en la gran musicalidad.

"La música de jazz es una de las pocas actividades humanas que logra combinar la responsabilidad por el colectivo con la libertad individual. El gran reto de todo músico es encontrar su sonido personal, expresar su verdadero yo y al mismo tiempo encontrar su papel en el grupo. En nuestra búsqueda de autoconocimiento, de encontrar el sentido de nuestras vidas y de llenar nuestro destino, la música de jazz es una forma de arte fantástica para ayudarnos en ese camino." Lars Jansson  
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Jerry Bergonzi • Convergence

 


Tenor saxophonist, Jerry Bergonzi, is an internationally recognized jazz performer, composer, author and educator. His music is renowned for its innovation, mastery, and integrity. Relentless drive, inner fire, total command, awesome technique, elastic lyricism, rich resonance, world-class, a musical visionary, are among the rave reviews credited to his sound. Bergonzi's music has been applauded throughout the world at festivals, concert halls, and jazz venues and his dedication to jazz music has been well documented by an extensive discography.

Born in Boston, Massachusetts, Bergonzi became interested in music early on. He started playing clarinet when he was eight years old listening to Duke Ellington, Count Basie, and Lester Young. His uncle, who was a jazz musician and lived upstairs, used to write out solos for him to play. At twelve years old he got his first saxophone, an old Conn alto, and a year later when a friend introduced him to Miles, Coltrane, and Sonny Rollins, there was no turning back! At thirteen, Jerry was already playing gigs with a band called The Stardusters. During his high school years he switched to tenor, and in addition to weekly sessions with Berklee College students, Jerry also played in John LaPorta's youth band. He recalls, “It was a great experience, I learned so much, John would tell you like it was. He'd let you know what your shortcomings were, he would stop the band to tell you! “Bergonzi attended Lowell University but left after one year because he was continually being thrown out of the practice rooms for playing jazz. “If I had heard me practicing in one of those cubicles I might have thrown myself out!” he adds. He and fellow student, Charlie Banacos, used to begin their day in the practice rooms at 6:00 am. After a year at Berklee College, he returned to Lowell for financial reasons and graduated in 1971. He then played bass in local bands behind singers, strippers, and comedians, saving up enough money to move to New York City in 1972.

During 1972 and 1978 Bergonzi lived in New York City and experienced what he considers his real college education. There, where he had a third floor loft and friend and bass player, Rick Kilburn, lived on the first floor, was the scene of many sessions. “Often, there was one drummer, one bass player, and five saxophone players!” Bergonzi remembers. “Sometimes I was the drummer, each guy would tell a friend, everyone was hungry to play and it was great experience.” Joe Lovano, Steve Slagle, Billy Drewes, Paul Moen, Pat LaBarbera, Dave Liebman, John Scofield. Mike Brecker, Bob Berg, Tom Harrell, Steve Grossman, and Victor Lewis were a few of the many players who came to play.

During this time, Bergonzi gained worldwide recognition while performing with, Two Generations of Brubeck. The group, with Dave Brubeck and his kids, Darius, Chris, and Danny, also featuring Perry Robinson on clarinet and Mad Cat Ruth on harmonica, toured extensively from 1973 through 1975. Carnegie Hall, the Sydney Opera House, London's Royal Festival Hall and Alexander's Palace, Lincoln Center, and the Hollywood Bowl were among the many stages their music was applauded, as well as, at the JVC Newport, New York Kool, North Sea, Monterey, and Nice jazz festivals, to name a few.

Returning to Boston at the end of 1977, Bergonzi was gigging five nights a week at the many local venues including Michael's Pub, 1369 Jazz Club, Pooh's Pub, Ryles, and the Sunflower. “It was exactly what I needed at that point,” says Bergonzi, “making a statement on a tune in front of an audience is a lot different than playing a jam session”. It was during this period that the innovative group, Con Brio, formed. Including bassist Bruce Gertz, drummers Bob Kaufman and Jeff Williams, pianist Eric Gunnison, and guitarists Mike Stern and Mick Goodrick, the group has played on throughout the years in various incarnations. At that time they recorded six records for their own independent label called Not Fat Records. These recordings featured Bergonzi's talent as a composer. Today he has almost one hundred tunes recorded and registered with ASCAP, his most recent compositions are available in a book and play-along published by Jamey Aebersold and five of his tunes can be found in the pages of Chuck Sher's All-Jazz Real Books. During these years, Bergonzi also played with the dynamic trio called, Gonz, including Gertz and Bob Gullotti on drums. Gonz sometimes became Gargonz when they added the talents of another Boston based saxophonist, George Garzone, as well as, bassist John Lockwood of The Fringe.

While in the midst of the Boston jazz scene, Jerry received a call from Dave Brubeck asking if he'd again like to join his group in a quartet setting. From 1979 until 1981, Jerry toured the world with the Dave Brubeck Quartet. On the road for about 200 days a year, the group recorded Back Home, Tritonis, and Paper Moon for Concord Records between stops.

Bergonzi also began his career as an educator in the early 80's. He established his private practice teaching all instruments how to improvise and during those years developed the systems described in his series entitled Inside Improvisation. In this six volume series published by Advance Music, Bergonzi offers a tangible pathway to inside the creative imagination by getting inside the harmony, inside the changes. Today, he is a world renowned educator, a full time professor at New England Conservatory, Bergonzi travels throughout the United States and Europe as a clinician and performer. Some of the many places he has taught include; master classes at Berklee College of Music, North Texas State University, Eastman College, the Paris Conservatory, the Manheim Jazz School, Taller de Musicos in Madrid, S.A.C.A.E. in Adelaide, Australia , and jazz conservatories in Pitea and Haperanda, Sweden, and Oulunkyla, Finland, to name a few.

The mid to late 80's brought some changes to Bergonzi's career as work in Boston slowed while work abroad became more plentiful. So too, did the recording industry begin to change. Bergonzi's acclaimed quartet release for Blue Note Records, called Standard Gonz, was among the first of his extensive discography. He later again recorded for Blue Note with pianist Joey Calderazzo on, To Know One and In The Door. While keeping his ties with the many musicians of the Boston and New York jazz scenes, Bergonzi also developed associations abroad yielding many musical collaborations.

The Italian label, Red Records, was Bergonzi's greatest supporter. “Red Records was the first label that really believed in my music.” says Jerry. They released four CD's with Bergonzi as the leader, including, Lineage, a live recording featuring Mulgrew Miller, Dave Santoro, and Adam Nussbaum. Jerry later played with the Red Record all-stars including Kenny Barron, and Bobby Watson, as well as on a number of other Red releases with Salvatore Tranchini, Fred Hersch, and Alex Riel. He has also performed and recorded with the George Gruntz Big Band, the Gil Evans Orchestra (Miles Davis in Montreaux), and 12 Jazz Visits in Copenhagan for Stunt Records. The Riel Deal, on Stunt, featured drummer Alex Riel, Kenny Werner and Jesper Lundgaard, and was awarded a Grammy in Denmark for best jazz recording in 1997. An association with Daniel Humair and the late J.F.Jenny Clark yielded a number of recordings for the French, Label Bleu. One of which was Bergonzi's CD, Global Summit, it featured Tiger Okoshi, Joachim Kuhn, Daniel Humair and Dave Santoro. This was the product of one of three National Endowments awarded Bergonzi. Another project with pianist Kuhn won the accolade Best Jazz Album in France 1992. Among the many other artists that Bergonzi has performed and recorded with are; John Abercrombie, Nando Michelin, Antonio Farao, Bill Evans (with the National Jazz Ensemble), Joe D'Orio, Eddie Gomez, Miroslaz Vitous, George Mraz, Billy Hart, Andy Laverne, Steve Swallow, Hal Galper, Roy Haynes, Charlie Mariano, Bob Cranshaw, Ray Drummond, Billy Drummond, Danny Richmond, Danny Gottlieb, Dave Holland, Jack DeJonette, Paul Desmond, Bennie Wallace, Gerry Mulligan, Hal Crook, Herb Pomeroy, Mike Manieri, Mark Johnson, Michel Portal, Marcel Solal, Pat Martino, Franco Ambrosetti, and many more.

The Double-Time Records label has released most of Bergonzi's recent work. Just Within, Lost in the Shuffle, Wiggy, and A Different Look, were recorded by Bergonzi's burning organ trio, with Dan Wall and Adam Nussbaum. Also on Double-Time, The Dave Santoro Standard recordings feature Bergonzi's swinging tenor along with drummer Tom Melito and pianists Bruce Barth and Renato Chicco. As a band leader, Bergonzi has performed worldwide at the Red Sea, San Remo, Moomba, and North Sea Jazz festivals, to name a few. He has appeared at the World Saxophone Congress in Montreal, Canada and Valencia, Spain with fellow saxophonist Philippe Geiss. Bergonzi's performance at the Subway in Cologne has been featured on the German TV series, Round Midnight. His quartet performs at Duc de Lombarde in Paris, the Fasching in Stockholm, the Jazz House in Copenhagan, and the Bird's Eye in Basel, and many others.

Today, Bergonzi makes his home in Boston area with his wife and two children. He continues to teach and perform worldwide. He endorses Selmer Saxophones, Rico Reeds and Zildjian Cymbals.
https://musicians.allaboutjazz.com/jerrybergonzi

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El saxofonista tenor Jerry Bergonzi es un intérprete de jazz, compositor, autor y educador reconocido internacionalmente. Su música es reconocida por su innovación, maestría e integridad. Impulso implacable, fuego interior, dominio total, técnica asombrosa, lirismo elástico, rica resonancia, clase mundial, un visionario musical, son algunas de las críticas elogiosas acreditadas a su sonido. La música de Bergonzi ha sido aplaudida en todo el mundo en festivales, salas de conciertos y locales de jazz, y su dedicación a la música de jazz ha quedado bien documentada por una extensa discografía.

Nacido en Boston, Massachusetts, Bergonzi se interesó por la música desde muy pronto. Empezó a tocar el clarinete a los ocho años escuchando a Duke Ellington, Count Basie y Lester Young. Su tío, que era músico de jazz y vivía en el piso de arriba, solía escribirle solos para que los tocara. A los doce años consiguió su primer saxofón, un viejo Conn alto, y un año más tarde, cuando un amigo le presentó a Miles, Coltrane y Sonny Rollins, ya no había vuelta atrás. A los trece años, Jerry ya tocaba en conciertos con una banda llamada The Stardusters. Durante sus años de instituto, se pasó al tenor y, además de las sesiones semanales con estudiantes del Berklee College, Jerry también tocó en la banda juvenil de John LaPorta. Recuerda: "Fue una gran experiencia, aprendí mucho, John te decía las cosas como eran. Te hacía saber cuáles eran tus defectos, ¡paraba la banda para decírtelo! " Bergonzi asistió a la Universidad de Lowell, pero lo dejó después de un año porque le echaban continuamente de las salas de ensayo por tocar jazz. "¡Si me hubieran oído practicar en uno de esos cubículos, me habría echado a mí mismo!", añade. Él y su compañero de estudios, Charlie Banacos, solían empezar su jornada en las salas de ensayo a las 6:00 de la mañana. Tras un año en el Berklee College, regresó a Lowell por motivos económicos y se graduó en 1971. A continuación, tocó el bajo en bandas locales detrás de cantantes, strippers y comediantes, ahorrando suficiente dinero para mudarse a Nueva York en 1972.

Durante 1972 y 1978 Bergonzi vivió en Nueva York y experimentó lo que él considera su verdadera educación universitaria. Allí, donde tenía un loft en el tercer piso y su amigo y bajista, Rick Kilburn, vivía en el primero, fue el escenario de muchas sesiones. "A menudo, había un batería, un bajista y ¡cinco saxofonistas!". recuerda Bergonzi. "A veces yo era el baterista, cada tipo le decía a un amigo, todos tenían hambre de tocar y era una gran experiencia". Joe Lovano, Steve Slagle, Billy Drewes, Paul Moen, Pat LaBarbera, Dave Liebman, John Scofield. Mike Brecker, Bob Berg, Tom Harrell, Steve Grossman y Victor Lewis fueron algunos de los muchos músicos que vinieron a tocar.

Durante esta época, Bergonzi obtuvo el reconocimiento mundial mientras actuaba con Two Generations of Brubeck. El grupo, con Dave Brubeck y sus hijos, Darius, Chris y Danny, y con Perry Robinson al clarinete y Mad Cat Ruth a la armónica, realizó numerosas giras entre 1973 y 1975. El Carnegie Hall, la Ópera de Sydney, el Royal Festival Hall y el Alexander's Palace de Londres, el Lincoln Center y el Hollywood Bowl fueron algunos de los muchos escenarios en los que su música fue aplaudida, así como en los festivales de jazz JVC Newport, New York Kool, North Sea, Monterey y Niza, por nombrar algunos.

Al regresar a Boston a finales de 1977, Bergonzi actuaba cinco noches a la semana en los numerosos locales, como el Michael's Pub, el 1369 Jazz Club, el Pooh's Pub, el Ryles y el Sunflower. "Era exactamente lo que necesitaba en ese momento", dice Bergonzi, "hacer una declaración sobre una melodía delante de un público es muy diferente a tocar en una jam session". Fue durante este periodo cuando se formó el innovador grupo Con Brio. Formado por el bajista Bruce Gertz, los baterías Bob Kaufman y Jeff Williams, el pianista Eric Gunnison y los guitarristas Mike Stern y Mick Goodrick, el grupo ha seguido tocando a lo largo de los años en diversas encarnaciones. En esa época grabaron seis discos para su propio sello independiente llamado Not Fat Records. Estas grabaciones pusieron de manifiesto el talento de Bergonzi como compositor. Hoy en día tiene casi cien temas grabados y registrados en ASCAP, sus composiciones más recientes están disponibles en un libro y play-along publicado por Jamey Aebersold y cinco de sus temas se pueden encontrar en las páginas de All-Jazz Real Books de Chuck Sher. Durante estos años, Bergonzi también tocó con el dinámico trío llamado, Gonz, incluyendo a Gertz y Bob Gullotti en la batería. Gonz se convirtió a veces en Gargonz cuando añadieron el talento de otro saxofonista de Boston, George Garzone, así como, el bajista John Lockwood de The Fringe.

Mientras estaba en medio de la escena del jazz de Boston, Jerry recibió una llamada de Dave Brubeck preguntándole si le gustaría volver a unirse a su grupo en forma de cuarteto. Desde 1979 hasta 1981, Jerry recorrió el mundo con el Dave Brubeck Quartet. En la carretera durante unos 200 días al año, el grupo grabó Back Home, Tritonis y Paper Moon para Concord Records entre parada y parada.

Bergonzi también comenzó su carrera como educador a principios de los 80. Estableció su práctica privada enseñando a improvisar a todos los instrumentos y durante esos años desarrolló los sistemas descritos en su serie titulada Inside Improvisation. En esta serie de seis volúmenes publicada por Advance Music, Bergonzi ofrece un camino tangible hacia el interior de la imaginación creativa, adentrándose en la armonía, en los cambios. Hoy en día, es un educador de renombre mundial, profesor a tiempo completo en el Conservatorio de Nueva Inglaterra, Bergonzi viaja por todo Estados Unidos y Europa como clínico e intérprete. Algunos de los muchos lugares en los que ha enseñado incluyen: clases magistrales en el Berklee College of Music, la North Texas State University, el Eastman College, el Conservatorio de París, la Manheim Jazz School, el Taller de Músicos de Madrid, el S.A.C.A.E. de Adelaida, Australia, y los conservatorios de jazz de Pitea y Haperanda, Suecia, y Oulunkyla, Finlandia, por nombrar algunos.

A mediados y finales de los años 80, la carrera de Bergonzi sufrió algunos cambios, ya que el trabajo en Boston se ralentizó y el trabajo en el extranjero se hizo más abundante. También la industria discográfica empezó a cambiar. El aclamado lanzamiento del cuarteto de Bergonzi para Blue Note Records, llamado Standard Gonz, fue uno de los primeros de su extensa discografía. Más tarde volvió a grabar para Blue Note con el pianista Joey Calderazzo en, To Know One y In The Door. Al tiempo que mantenía sus vínculos con los numerosos músicos de la escena jazzística de Boston y Nueva York, Bergonzi también desarrolló asociaciones en el extranjero que dieron lugar a numerosas colaboraciones musicales.

El sello italiano Red Records fue el mayor apoyo de Bergonzi. "Red Records fue el primer sello que realmente creyó en mi música", dice Jerry. Publicaron cuatro CD con Bergonzi como líder, entre ellos, Lineage, una grabación en directo con Mulgrew Miller, Dave Santoro y Adam Nussbaum. Más tarde, Jerry tocó con las estrellas de Red Record, incluyendo a Kenny Barron y Bobby Watson, así como en otros lanzamientos de Red con Salvatore Tranchini, Fred Hersch y Alex Riel. También ha actuado y grabado con la George Gruntz Big Band, la Gil Evans Orchestra (Miles Davis en Montreaux), y 12 Jazz Visits en Copenhague para Stunt Records. The Riel Deal, en Stunt, contó con el baterista Alex Riel, Kenny Werner y Jesper Lundgaard, y fue galardonado con un Grammy en Dinamarca a la mejor grabación de jazz en 1997. Una asociación con Daniel Humair y el difunto J.F.Jenny Clark dio lugar a varias grabaciones para el sello francés Label Bleu. Una de ellas fue el CD de Bergonzi, Global Summit, en el que participaron Tiger Okoshi, Joachim Kuhn, Daniel Humair y Dave Santoro. Éste fue el producto de una de las tres dotaciones nacionales concedidas a Bergonzi. Otro proyecto con el pianista Kuhn ganó el premio al mejor álbum de jazz en Francia en 1992. Entre los muchos otros artistas con los que Bergonzi ha actuado y grabado se encuentran; John Abercrombie, Nando Michelin, Antonio Farao, Bill Evans (con el National Jazz Ensemble), Joe D'Orio, Eddie Gómez, Miroslaz Vitous, George Mraz, Billy Hart, Andy Laverne, Steve Swallow, Hal Galper, Roy Haynes, Charlie Mariano, Bob Cranshaw, Ray Drummond, Billy Drummond, Danny Richmond, Danny Gottlieb, Dave Holland, Jack DeJonette, Paul Desmond, Bennie Wallace, Gerry Mulligan, Hal Crook, Herb Pomeroy, Mike Manieri, Mark Johnson, Michel Portal, Marcel Solal, Pat Martino, Franco Ambrosetti, y muchos más.

El sello Double-Time Records ha publicado la mayoría de los trabajos recientes de Bergonzi. Just Within, Lost in the Shuffle, Wiggy, y A Different Look, fueron grabados por el trío de órgano en llamas de Bergonzi, con Dan Wall y Adam Nussbaum. También en Double-Time, las grabaciones de The Dave Santoro Standard presentan el swing del tenor de Bergonzi junto con el baterista Tom Melito y los pianistas Bruce Barth y Renato Chicco. Como líder de la banda, Bergonzi ha actuado en todo el mundo en los festivales de Jazz del Mar Rojo, San Remo, Moomba y Mar del Norte, por nombrar algunos. Ha actuado en el Congreso Mundial de Saxofón en Montreal, Canadá, y en Valencia, España, con su compañero saxofonista Philippe Geiss. La actuación de Bergonzi en el metro de Colonia ha sido presentada en la serie de televisión alemana Round Midnight. Su cuarteto actúa en el Duc de Lombarde de París, el Fasching de Estocolmo, la Jazz House de Copenhague y el Bird's Eye de Basilea, entre otros.

En la actualidad, Bergonzi vive en el área de Boston con su mujer y sus dos hijos. Sigue enseñando y actuando en todo el mundo. Es patrocinador de los saxofones Selmer, las cañas Rico y los platillos Zildjian.
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www.jerrybergonzi.net ...


 

Captain Hammond • The Origin of Captain Hammond



Editorial Reviews
More than a group, Captain Hammond is an audio-visual concept featuring the Hammond Organ Power Trio's rocking instrumental Hammond sounds accompanied by the cosmic comic book exploits of half man - half organ, and all hero, Captain Hammond! Heavy, blistering, organic rock; gospel; 60's rhythm and blues; a hint of down-home funk and a cosmos worth of soul!

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Reseñas editoriales
Más que un grupo, el Capitán Hammond es un concepto audiovisual que presenta los sonidos instrumentales de Hammond del Hammond Organ Power Trio, acompañados por las hazañas del cómic cósmico de mitad hombre, mitad órgano y todo un héroe, el Capitán Hammond. Rock orgánico pesado y abrasador, gospel, rhythm and blues de los 60, un toque de funk casero y un alma del cosmos.




Jim Mullen Organ Trio • Make Believe



"The classic line-up of organ, guitar and drums, but not what you might be expecting. Instead of the strutting blues and soul of Sixties pioneers, this band goes for subtlety and tonal variety, regularly building up to a kind of subdued, bubbling excitement. It's the perfect setting for Mullen's mellow, soulful guitar and his legendary fluency. He and organist Mike Gorman have evolved a whole new vocabulary, while drummer Matt Skelton supports it all with the lightest of touches. As a welcome bonus, saxophonist Stan Sulzmann guests on three tracks." - Dave Gelly, The Observer

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"La clásica formación de órgano, guitarra y batería, pero no lo que se espera. En lugar del blues y soul de los pioneros de los años sesenta, esta banda apuesta por la sutileza y la variedad tonal, creando regularmente una especie de emoción tenue y burbujeante. Es el escenario perfecto para la suave y conmovedora guitarra de Mullen y su legendaria fluidez. Él y el organista Mike Gorman han desarrollado un vocabulario completamente nuevo, mientras que el baterista Matt Skelton lo apoya todo con los toques más ligeros. Como bono de bienvenida, el saxofonista Stan Sulzmann invita en tres pistas." - Dave Gelly, El Observador


Living Marimbas • Latin Soul

 



Leo Addeo:   
American artist, born in N.Y.C., New York on October 14, 1914 and deceased in Long Island, New York in May of 1979.
During the 1950s and 1960s he was one of RCA's inhouse arrangers, with a specialisation in Hawaiian music.
https://www.discogs.com/artist/603516-Leo-Addeo


John Coltrane • Expression

 


John William Coltrane was born on September 23, 1926 in Hamlet, North Carolina. At the age of three his family moved to High Point, NC, where young Coltrane spent his early years. His father, John Robert Coltrane, died in 1939, leaving twelve year-old John and his mother on their own.

His mother, Alice Blair Coltrane, moved to New Jersey to work as a domestic while John completed high school. John played first the clarinet, then alto saxophone in his high school band. His first musical influence was the tenor saxophonist Lester Young of Count Basie's band. In June of 1943, after graduation, Coltrane moved to Philadelphia to be closer to his mother.

After a yearlong stint in the Navy (1945-46), Coltrane began playing gigs in and around Philadelphia. During this time he became involved in drug and alcohol use, vices that would follow him throughout his career and ultimately lead to his death.

In late 1949 Coltrane was invited to play alto sax with Dizzy Gillespie's band; the first recording session was on November 21 of that year. When the big band broke up in May of 1950 Coltrane moved to the tenor saxophone and played with Gillespie's small band until May of the next year. Coltrane played with Earl Bostic's group in 1952, switching to the band of his early idol Johnny Hodges in 1953.

Problems with drug and alcohol abuse, however, forced Coltrane out of the group in 1954. Miles Davis called upon Coltrane in the summer of 1955 to join a group he was forming. The Miles Davis quintet's first recording was made in October of 1955, the same month in which Coltrane was married to Naima Grubbs. The quintet was comprised of Davis on trumpet, Coltrane on tenor sax, Red Garland on piano, Paul Chambers on bass, and Philly Joe Jones on the drums. It was in his years with this quintet that Coltrane's abilities were truly recognized and appreciated.

In April 1957, though, Coltrane was again forced to take a break from playing to deal with his substance abuse problems; Davis replaced him with Sonny Rollins. He played briefly with Thelonious Monk in late 1957 before rejoining the Miles Davis quintet in January 1958. Coltrane played with this group until April 1960, when he set out to form his own group.

The John Coltrane quartet first formed in April of 1960 with Coltrane playing tenor saxophone, McCoy Tyler on piano, Elvin Jones on drums, and Jimmy Harrison on bass. It was during the first years of this group that Coltrane graduated from an above-average tenor saxophonist to an elite bandleader, composer, and improvisor. "My Favorite Things", the epic album featuring "Every Time We Say Goodbye", "Summertime", "But Not For Me", and the title track, was recorded in 1960. This was undoubtedly Coltrane's most successful and popular album, and granted him the commercial success that had eluded him thus far in his career.

Perhaps due to this success, Coltrane's approach to his music began to shift during 1961-62, moving towards a more experimental, improvisational style. This "free-jazz" alienated many of the fans Coltrane had collected after "My Favorite Things", but at the same time expanded the horizons and definition of jazz. Among the more popular recordings of the quartet in the following years were "Africa Brass" (1961), "Ballads" (1962), "A Love Supreme" (1964), and "Meditations" (1965), as well as concerts recorded at The Village Vanguard (NYC) in 1961 and at Birdland, also in New York, in 1963.

Coltrane's continuing desire to break new boundaries with his music, though, led to the end of the group in January 1966. During the mid-1960's the turmoil in Coltrane's professional life was mirrored by disruptions in his personal life. In the summer of 1963 he moved out of the house he shared with his wife, Naima, and moved in with Alice McLeod. Coltrane had met Alice, a pianist, in 1960, and they had been friends since then.

A son, John Coltrane Jr., was born to Coltrane and Alice on August 8, 1964; this was followed on August 6, 1965 by a second son, Ravi. A year later Coltrane divorced Naima and married Alice. A final son, Oran, was born to Coltrane and Alice on March 19, 1967. On July 17, 1967,

John Coltrane died due to complications arising from his years of alcohol and drug abuse.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/john-coltrane/

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John William Coltrane nació el 23 de septiembre de 1926 en Hamlet, Carolina del Norte. A la edad de tres años, su familia se mudó a High Point, Carolina del Norte, donde el joven Coltrane pasó sus primeros años. Su padre, John Robert Coltrane, murió en 1939, dejando solos a John, de doce años, y a su madre.

Su madre, Alice Blair Coltrane, se mudó a Nueva Jersey para trabajar como empleada doméstica mientras John completaba la escuela secundaria. John tocó primero el clarinete y luego el saxofón alto en la banda de su escuela secundaria. Su primera influencia musical fue el saxofonista tenor Lester Young de la banda de Count Basie. En junio de 1943, después de graduarse, Coltrane se mudó a Filadelfia para estar más cerca de su madre.

Después de un período de un año en la Marina (1945-46), Coltrane comenzó a tocar en Filadelfia y sus alrededores. Durante este tiempo se involucró en el consumo de drogas y alcohol, vicios que lo seguirían a lo largo de su carrera y finalmente lo llevarían a la muerte.

A finales de 1949 Coltrane fue invitado a tocar el saxo alto con la banda de Dizzy Gillespie; la primera sesión de grabación fue el 21 de noviembre de ese año. Cuando la big band se disolvió en mayo de 1950, Coltrane se pasó al saxofón tenor y tocó con la pequeña banda de Gillespie hasta mayo del año siguiente. Coltrane tocó con el grupo de Earl Bostic en 1952, cambiando a la banda de su ídolo Johnny Hodges en 1953.

Sin embargo, los problemas con el abuso de drogas y alcohol obligaron a Coltrane a abandonar el grupo en 1954. Miles Davis llamó a Coltrane en el verano de 1955 para unirse a un grupo que estaba formando. La primera grabación del quinteto de Miles Davis se realizó en octubre de 1955, el mismo mes en que Coltrane se casó con Naima Grubbs. El quinteto estaba compuesto por Davis a la trompeta, Coltrane al saxo tenor, Red Garland al piano, Paul Chambers al bajo y Philly Joe Jones a la batería. Fue en sus años con este quinteto que las habilidades de Coltrane fueron verdaderamente reconocidas y apreciadas.

Sin embargo, en abril de 1957, Coltrane se vio obligado nuevamente a dejar de tocar para lidiar con sus problemas de abuso de sustancias; Davis lo reemplazó con Sonny Rollins. Tocó brevemente con Thelonious Monk a fines de 1957 antes de reincorporarse al quinteto de Miles Davis en enero de 1958. Coltrane tocó con este grupo hasta abril de 1960, cuando se propuso formar su propio grupo.

El cuarteto John Coltrane se formó por primera vez en abril de 1960 con Coltrane tocando el saxofón tenor, McCoy Tyler al piano, Elvin Jones a la batería y Jimmy Harrison al bajo. Fue durante los primeros años de este grupo que Coltrane se graduó de saxofonista tenor por encima del promedio a líder de banda, compositor e improvisador de élite. "My Favorite Things", el álbum épico con "Every Time We Say Goodbye", "Summertime", "But Not For Me" y la canción principal, se grabó en 1960. Este fue sin duda el álbum más exitoso y popular de Coltrane, y le otorgó el éxito comercial que le había eludido hasta ahora en su carrera.

Quizás debido a este éxito, el enfoque de Coltrane hacia su música comenzó a cambiar durante 1961-62, moviéndose hacia un estilo más experimental e improvisado. Este " free-jazz "alienó a muchos de los fanáticos que Coltrane había reunido después de" My Favorite Things", pero al mismo tiempo amplió los horizontes y la definición del jazz. Entre las grabaciones más populares del cuarteto en los años siguientes se encuentran" Africa Brass " (1961)," Ballads " (1962)," A Love Supreme "(1964) y" Meditations " (1965), así como conciertos grabados en Village Vanguard (NYC) en 1961 y en Birdland, también en Nueva York, en 1963.

Sin embargo, el continuo deseo de Coltrane de romper nuevos límites con su música llevó al final del grupo en enero de 1966. A mediados de la década de 1960, la agitación en la vida profesional de Coltrane se reflejó en interrupciones en su vida personal. En el verano de 1963 se mudó de la casa que compartía con su esposa, Naima, y se mudó con Alice McLeod. Coltrane había conocido a Alice, pianista, en 1960, y habían sido amigos desde entonces.

Un hijo, John Coltrane Jr., nació de Coltrane y Alice el 8 de agosto de 1964; a esto le siguió el 6 de agosto de 1965 un segundo hijo, Ravi. Un año después, Coltrane se divorció de Naima y se casó con Alice. Un último hijo, Oran, nació de Coltrane y Alice el 19 de marzo de 1967. El 17 de julio de 1967,

John Coltrane murió debido a complicaciones derivadas de sus años de abuso de alcohol y drogas.
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