egroj world: enero 2022

 

domingo, 30 de enero de 2022

Rhoda Scott • On the Road Again Live au Jazz Club Etoile

 




Baden Powell • Apresentando Baden Powell e Seu Violão




Baden Powell de Aquino (1937-2000) was born in Varre-e-Sai in the state of Rio de Janeiro, Brazil. His father, a scouting enthusiast, named him after Lord Robert Baden-Powell. When he was three, his family relocated to a suburb in the city of Rio de Janeiro. The new surroundings proved profoundly influential. His house was a stop for popular musicians during his formative years. He soon started guitar lessons with Jayme Florence (”Meira”), a famous choro guitarist, in the 1940s. He proved a young virtuoso, having won many talent competitions before he was a teenager. At age fifteen, he was already playing professionally, accompanying singers and bands in various styles. As a youngster, he was fascinated by swing and jazz, but his main influences were firmly rooted in the Brazilian guitar canon.

He first achieved notoriety in 1959 by convincing singer/composer Billy Blanco to put lyrics to one of his compositions. The result was “Samba Triste,” which has been covered by many artists, including Stan Getz and Charlie Byrd on their seminal LP Jazz Samba.

In 1962, he met the poet/diplomat Vincius de Moraes and began a collaboration that yielded some true classics of 1960s Brazilian music. Although bossa nova was the prevailing sound of the times, Baden and Vinicius wanted to transcend the then-fashionable sound by blending Afro-Brazilian sacred and secular music with Rio-style samba. The most enduring result are their “Afro-Sambas,” released on LP in 1966. During the 1960s, Baden studied advanced harmony with Moacir Santos, released recordings on the Brazilian labels Elenco and Forma, as well as in the French label Barclay and the German label MPS/Saba. His 1966 Tristeza on Guitar is considered by many to be a high point in his career. In addition, he was the house guitarist for Elenco, and Elis Regina's TV show “O Fino da Bossa”.

In 1968, he partnered with poet Paulo Cesar Pinheiro and produced another series of Afro-Brazilian inspired music released in 1970 as Os Cantores da Lapinha.

He visited and toured Europe frequently in the 1960s, relocating permanently to France in 1968. In the 1970s, he released many recordings with different labels in Europe and Brazil. His star dimmed somewhat owing to health problems and changing tastes. He spent the 1980s in semi-retirement in France and Germany. Finally, in the 1990s he and his family moved back to Brazil, where he continued to record and perform. Public recognition of his work came around that time in Brazil. By the end of the 1990s he converted to evangelical Christianity, to which he credits overcoming his long addictions to alcohol and tobacco. Nevertheless, his health had greatly deteriorated after many years of abuse, and he died of pneumonia on the 26th of September, 2000, in Rio de Janeiro.

He is the father of pianist Philippe Baden Powell de Aquino and guitarist Louis Marcel Powell de Aquino.

Playing style
At age 19, Baden Powell decided to stop playing the electric guitar, preferring to concentrate on the classical guitar for the rest of his career. He did record a series of albums with a borrowed steel-string acoustic, but that is as far as he strayed from his main instrument in his adulthood.

An analysis of his repertoire reveals a wide range of interests. It spanned all the idioms of Brazilian popular music of the 20th century: samba, bossa nova, Afro-Bahian ritual music, frevo, choro, folkloric music from northeastern Brazil; even European and Japanese lullabies. Like most musicians growing up in the 1940s and 1950s, he was deeply influenced by jazz, especially Bebop and Swing. He covered Thelonious Monk's “'Round Midnight” on two recordings, and Jerome Kern's “All the Things you Are” on three occasions (including his first solo album).

This upbringing is reflected in his playing style, which shows a fusion of jazz harmonies and classical guitar technique, with a very Brazilian right hand (i.e. the one carrying the rhythm on the guitar). On solo pieces, he could recall Tárrega or play Bach pieces with ease. When playing in a group, he was able to accompany singers with quiet mastery, or let loose and play street samba in sloppy “party” style as if the guitar was another percussion instrument. Like Monk, he was fond of the minor second interval as a way to “bend” the tonality. However, because of his jazz background, he would rarely physically bend the string, preferring instead to play the minor second using an adjacent open string. Students of his style should note this preference for chord voicings that feature extensions on the open strings as a way of punctuating passages. Other idioms to watch for are the endless variations in rhythm played by the right hand; always within the proper 2/4 samba meter, as well as his tendency to put his “signature” in a fast descending scale with a (slower) ascending arpeggio in the relative key. Another common device that he used in his recordings consisted of his use of vocalise and scat singing, often in unison with the melody line.

He stated that his influences included his first teacher “Meira” (Jayme Florence, 1909-1982), along with master guitarists Dilermando Reis (1916-1977), and Garoto (Anibal Augusto Sardinha, 1915-1955). He also commented about being influenced by the work of Les Paul (Lester William Polfus, 1915-), Django Reinhardt (1910-1953) and Jacques Loussier (1934-).

Baden Powell is featured as accompanist on a handful of big band and samba recordings from the 1950's. He recorded his first solo album in 1959, but it was not released until 1961. His first and second albums feature a selection of jazz standards along with Brazilian hits of the time, plus some original compositions. In 1962, Baden rose to international attention by recording with flatist Herbie Mann and drummer Jimmy Pratt. By 1963, he was flying solo and fronting small ensembles in Brazil and France. The French labels Barclay and Festival released many of his recordings. In Germany, MPS/Saba released his work with producer Joachim Berendt. In Brazil, he recorded for Elenco, Forma and the Brazilian subsidiary of Philips Records. After a relative drought of new releases in the 1980's, Baden Powell returned to recording studios in Brazil for his final years. These late recordings showcase him playing solo guitar and singing in a relaxed, intimate style, with occasional flurries of his former energetic playing thrown in for good measure.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/baden-powell

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Baden Powell de Aquino (1937-2000) nació en Varre-e-Sai, en el estado de Río de Janeiro, Brasil. Su padre, un entusiasta del escultismo, le puso el nombre de Lord Robert Baden-Powell. Cuando tenía tres años, su familia se trasladó a un suburbio de la ciudad de Río de Janeiro. El nuevo entorno resultó ser profundamente influyente. Su casa fue una parada para músicos populares durante sus años de formación. Pronto empezó a tomar clases de guitarra con Jayme Florence ("Meira"), un famoso guitarrista de choro, en la década de 1940. Demostró ser un joven virtuoso, habiendo ganado muchos concursos de talentos antes de llegar a la adolescencia. A los quince años, ya tocaba profesionalmente, acompañando a cantantes y bandas de diversos estilos. De joven, le fascinaban el swing y el jazz, pero sus principales influencias estaban firmemente arraigadas en el canon de la guitarra brasileña.

Alcanzó notoriedad por primera vez en 1959 al convencer al cantante y compositor Billy Blanco para que pusiera letra a una de sus composiciones. El resultado fue "Samba Triste", que ha sido versionada por muchos artistas, entre ellos Stan Getz y Charlie Byrd en su fundamental LP Jazz Samba.

En 1962, conoció al poeta y diplomático Vincius de Moraes y comenzó una colaboración que dio lugar a algunos verdaderos clásicos de la música brasileña de los años sesenta. Aunque la bossa nova era el sonido predominante de la época, Baden y Vinicius querían trascender el sonido de moda de entonces mezclando la música sacra y secular afrobrasileña con la samba de estilo carioca. El resultado más duradero son sus "Afro-Sambas", publicadas en LP en 1966. Durante la década de 1960, Baden estudió armonía avanzada con Moacir Santos, y publicó grabaciones en los sellos brasileños Elenco y Forma, así como en el sello francés Barclay y el alemán MPS/Saba. Su disco "Tristeza en la guitarra", de 1966, es considerado por muchos como un punto álgido en su carrera. Además, fue el guitarrista de la casa de Elenco y del programa de televisión de Elis Regina "O Fino da Bossa".

En 1968, se asoció con el poeta Paulo Cesar Pinheiro y produjo otra serie de música de inspiración afrobrasileña, publicada en 1970 con el nombre de Os Cantores da Lapinha.

En la década de 1960 visitó y realizó frecuentes giras por Europa, y en 1968 se trasladó definitivamente a Francia. En la década de 1970, publicó muchas grabaciones con diferentes sellos en Europa y Brasil. Su estrella se debilitó un poco debido a problemas de salud y a la evolución de sus gustos. Pasó los años 80 semiretirado en Francia y Alemania. Finalmente, en la década de 1990 se trasladó con su familia a Brasil, donde siguió grabando y actuando. El reconocimiento público de su obra llegó en esa época en Brasil. A finales de los años 90 se convirtió al cristianismo evangélico, al que atribuye la superación de sus largas adicciones al alcohol y al tabaco. Sin embargo, su salud se había deteriorado mucho tras muchos años de abusos, y murió de neumonía el 26 de septiembre de 2000 en Río de Janeiro.

Es el padre del pianista Philippe Baden Powell de Aquino y del guitarrista Louis Marcel Powell de Aquino.

Estilo de interpretación
A los 19 años, Baden Powell decidió dejar de tocar la guitarra eléctrica, prefiriendo concentrarse en la guitarra clásica para el resto de su carrera. Grabó una serie de álbumes con una guitarra acústica de cuerdas de acero prestada, pero eso es lo máximo que se alejó de su instrumento principal en su edad adulta.

Un análisis de su repertorio revela una amplia gama de intereses. Abarcó todos los lenguajes de la música popular brasileña del siglo XX: samba, bossa nova, música ritual afrobahiana, frevo, choro, música folclórica del noreste de Brasil; incluso nanas europeas y japonesas. Como la mayoría de los músicos que crecieron en las décadas de 1940 y 1950, estuvo profundamente influenciado por el jazz, especialmente el Bebop y el Swing. Hizo una versión de "'Round Midnight" de Thelonious Monk en dos grabaciones, y de "All the Things you Are" de Jerome Kern en tres ocasiones (incluido su primer álbum en solitario).

Esta formación se refleja en su estilo de tocar, que muestra una fusión de armonías de jazz y técnica de guitarra clásica, con una mano derecha muy brasileña (es decir, la que lleva el ritmo en la guitarra). En los solos, podía recordar a Tárrega o tocar piezas de Bach con facilidad. Cuando tocaba en grupo, era capaz de acompañar a los cantantes con tranquila maestría, o de soltarse y tocar samba callejera en estilo de "fiesta" descuidada, como si la guitarra fuera otro instrumento de percusión. Al igual que Monk, le gustaba el intervalo de segunda menor como forma de "doblar" la tonalidad. Sin embargo, debido a su formación jazzística, rara vez doblaba físicamente la cuerda, prefiriendo en su lugar tocar la segunda menor utilizando una cuerda abierta adyacente. Los estudiantes de su estilo deben tener en cuenta esta preferencia por voicings de acordes que presentan extensiones en las cuerdas abiertas como una forma de puntuar los pasajes. Otros modismos a tener en cuenta son las interminables variaciones rítmicas de la mano derecha, siempre dentro del compás de samba de 2/4, así como su tendencia a poner su "firma" en una escala descendente rápida con un arpegio ascendente (más lento) en la tonalidad relativa. Otro recurso común que utilizaba en sus grabaciones consistía en el uso de vocalización y canto scat, a menudo al unísono con la línea melódica.

Declaró que entre sus influencias se encontraba su primer maestro "Meira" (Jayme Florence, 1909-1982), junto con los maestros de la guitarra Dilermando Reis (1916-1977), y Garoto (Anibal Augusto Sardinha, 1915-1955). También comentó que estaba influenciado por el trabajo de Les Paul (Lester William Polfus, 1915-), Django Reinhardt (1910-1953) y Jacques Loussier (1934-).

Baden Powell aparece como acompañante en un puñado de grabaciones de big band y samba de los años 50. Grabó su primer álbum en solitario en 1959, pero no se publicó hasta 1961. Su primer y segundo álbumes incluyen una selección de estándares de jazz junto con éxitos brasileños de la época, además de algunas composiciones originales. En 1962, Baden saltó a la fama internacional al grabar con el flautista Herbie Mann y el baterista Jimmy Pratt. En 1963, ya actuaba en solitario y dirigía pequeños conjuntos en Brasil y Francia. Los sellos franceses Barclay y Festival publicaron muchas de sus grabaciones. En Alemania, MPS/Saba publicó sus trabajos con el productor Joachim Berendt. En Brasil, grabó para Elenco, Forma y la filial brasileña de Philips Records. Tras una relativa sequía de nuevos lanzamientos en la década de 1980, Baden Powell volvió a los estudios de grabación de Brasil para sus últimos años. Estas últimas grabaciones lo muestran tocando la guitarra solista y cantando en un estilo relajado e íntimo, con ocasionales ráfagas de su antiguo toque enérgico.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/baden-powell




Pat Dodd • Vintage Jazz No. 134 - EP Pat's Perfect Piano

 




So Blue So Funky • Blue Funk (Heroes of the Hammond)





VA • So Blue So Funky Vol. 2

 



Jaki Byard • Freedom Together!



Jaki Byard • Freedom Together!
Pianist Jaki Byard's best recordings were done for Prestige in the 1960s, and fortunately, they have been gradually seeing reissue on CD in the Original Jazz Classics series. This is a particularly unusual and colorful set, for Byard not only plays piano, but makes appearances on celeste, electric piano, vibes, drums and tenor sax. His tenor playing (best heard on "Just You, Just Me") is particularly excellent, while his piano solos show his usual diversity, hinting at 50 years of jazz styles. With the assistance of bassist Richard Davis (who doubles on cello) and drummer Alan Dawson (who also contributes some tympani on "Ode to Prez," plus some vibes), Byard is in excellent form. Only the two rather ponderous vocals of Junior Parker are a minus, but this should not discourage listeners from acquiring this largely successful set.

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Traducción Automática:
Jaki Byard • Freedom Together!
Las mejores grabaciones del pianista Jaki Byard se hicieron para Prestige en la década de 1960 y, afortunadamente, han ido viendo reediciones en CD en la serie Original Jazz Classics. Este es un conjunto particularmente inusual y colorido, ya que Byard no solo toca el piano, sino que también hace apariciones en celeste, piano eléctrico, vibraciones, batería y saxo tenor. Su interpretación del tenor (que se escucha mejor en "Just You, Just Me") es particularmente excelente, mientras que sus solos de piano muestran su diversidad habitual, aludiendo a 50 años de estilos de jazz. Byard está en excelente forma con la ayuda del bajista Richard Davis (que se dobla en el violonchelo) y el baterista Alan Dawson (que también contribuye con algunos tympani en "Ode to Prez" y algunas vibraciones). Solo las dos voces bastante pesadas de Junior Parker son un inconveniente, pero esto no debe desalentar a los oyentes de adquirir este conjunto en gran parte exitoso.
 

Milt Jackson • The Ballad Artistry of Milt Jackson



Tal vez la versión de Nuages sea la mejor que he escuchado con un instrumento que no sea guitarra o violín.

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Perhaps Nuages version is the best I've heard an instrument other than guitar or violin.
 

VA • Best of Pulp Fusion



Este es una selección de la serie de CDs "Pulp Fusion", precisamente del Vol. 1 al 9, de lo que me ha gustado, por tanto podría decirse que es "My Best".

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This is a selection from the series of CDs "Pulp Fusion", precisely from Vol. 1 to 9, of what I liked, so it could be said that it is "My Best".








Milt Buckner • Send Me Softly




Milt Buckner, the "St. Louis Fireball," is generally credited with having popularized the Hammond organ during the early 1950s. First introduced in 1934, the instrument was immediately seized upon by Thomas "Fats" Waller, whose syncopated pipe organ records of 1926-1929 form the primal bedrock of the jazz organ tradition. Although the Hammond was also used periodically by Waller's friend Count Basie, Buckner rekindled interest in the organ some seven years after Waller's demise as his exuberant, boogie-based approach to the instrument added exciting new textures to the burgeoning R&B scene, inspiring a whole new generation of organists and ultimately endearing him to mainstream jazz audiences everywhere. Buckner, who also played vibraphone and valve trombone, enjoyed unprecedented success during the final phase of his career, which consisted of mostly European adventures that began in 1966 and ended abruptly with his death in 1977 at the age of 62.
Milton Brent Buckner was born in St. Louis on July 19, 1915. His little brother Ted, who should not be confused with their distant relative, Texas born trumpeter Teddy Buckner, was destined to become a saxophonist with the Jimmie Lunceford Orchestra (where he actually recorded with Teddy in 1939) and an R&B and Motown sessionman. Milt's parents, who encouraged him to learn to play piano, both died when he was nine years old. The two orphans were sent to Detroit where they were adopted by members of the Earl Walton Orchestra; Milt studied piano from age ten to thirteen with his uncle John Tobias (Walton's trombonist), and began writing arrangements for the band at the age of fifteen. While studying at the Detroit Institute of Arts he performed with Mose Burke & the Dixie Whangdoodles and the Harlem Aristocrats. After drummer and bandleader Don Cox hired him in 1932, Buckner began to develop a uniquely percussive technique employing parallel tonal patterns, later referred to as "block chords," a style now associated with Oscar Peterson and George Shearing. During the '30s Buckner also worked in groups led by Jimmy Raschelle, Lanky Bowman, and Howard Bunts. His first big break came in 1941 when he became Lionel Hampton's staff arranger and assistant director. His predilection for rocking rhythms and boogie-woogie fit nicely with Hamp's approach to entertainment. Buckner worked with Hampton during the years 1941-1948 and 1950-1952.
Buckner's earliest recordings survive as a set of piano solos etched into Presto transcription acetates cut on the last day of August 1941. His next appearance in a studio was as a member of a small group led by Lionel Hampton backing young Dinah Washington on her recording debut in December 1943; these feisty, blues based performances were made available to the public on Harry Lim's Keynote label. In 1945 Buckner made records with saxophonist Herbie Fields, Ellington crooner Herb Jeffries and R&B shouter Wynonie Harris, including Harris' smash hit, a cover of Lionel Hampton and Curley Hamner's highly successful "Hey! Ba-Ba-Re-Bop." In 1946 he made the first of a series of recordings with a group variously billed as the Beale Street Boys, the Beale Street Gang, and the Hot Shots. Over the next three years Buckner led a series of dates for the Savoy label. In 1949 he made records with a big band for MGM, sat in on an Eddie Condon Floorshow with drummer Buddy Rich and tap-dancer Baby Laurence on NBC TV, and conducted Teddy Stewart's Orchestra behind Dinah Washington on a date for Mercury records.
In 1950 Buckner recorded with the Three Flames for MGM, with singer Florence Wright for National, with Wynonie Harris for Vogue records, with Rufus Thomas ("Mr. Swing") for the Bullet label in Memphis, and with vocalist Mabel Scott and saxophonists Eddie "Cleanhead" Vinson, Buddy Tate and Wild Bill Moore for King. It was during the Moore session that Buckner first switched from piano to organ. He trundled it out again in Houston TX during the spring of 1952 while backing vocalist Sonny Parker with Gladys Hampton's Blue Boys for Peacock records. Milt recorded for the Scooter, Regent and Brunswick labels, and jammed with saxophonist Charlie Parker in 1953 at the bandbox in New York City. He sat piano for the Imperials (with Willie Dixon playing bass) on a Great Lakes session that took place in Detroit during the spring of 1954. Buckner also visited Philadelphia over the summer to record a few tunes with guitarist Big Ham Williams and drummer Sam Woodyard which were issued on 20th Century records, a subsidiary of the Gotham label.
Milt Buckner was a Capitol recording artist from April 1955 through July 1957, sharing the studio with saxophonists Earle Warren and Sam Taylor, guitarists Everett Barksdale and Skeeter Best, bassist Milt Hinton and drummers Osie Johnson and Shadow Wilson. He taped his first Argo LP in New York in December 1959 with guitarist Kenny Burrell and bassist Joe Benjamin. More Argo sessions came together in Chicago in 1960 and 1961, and he had dealings with the Bethlehem label in Cincinnati in 1962 and 1963. In March 1966 a performance with saxophonist Illinois Jacquet was taped live at Lennie's on the turnpike in West Peabody, MA and subsequently released on the Cadet label.
Like many U.S. jazz musicians who struggled at home and did better abroad, Milt Buckner clearly preferred the cultural and vocational climate in Europe. Over the 11 years that remained in his life, he only returned to North America for brief concert and club bookings — five times to the U.S. and twice to Canada. Beginning in 1966 with his first Parisian session in the company of Illinois Jacquet and trumpeter Roy Eldridge, Buckner's discography indicates a more stable working environment involving skilled musicians and appreciative audiences. Milt Buckner's final decade of professional activity is mostly measured in recordings issued on the Black & Blue label, with the exception of a few Prestige, Jazz Odyssey and Riff releases.
Buckner made music in Paris, Villingen, Boulogne, Cologne, Antwerpen, Lausanne, Biarritz, Barcelona, Toulouse, London, Herouville, Valauris, Besancon, Geneva, Salon, Yverdon, Nice, Scheveningen and Leiden. His session mates included multi-instrumentalist Clarence "Gatemouth" Brown, trumpeters Buck Clayton, Joe Newman, Johnny Letman and Bill Coleman; trombonist Gene "Mighty Flea" Connors; saxophonists Ben Webster, Candy Johnson, Eddie Chamblee, Hal Singer, Lucky Thompson, Big Nick Nicholas, Marcel Zanini, Guy Lafitte, Arnett Cobb, Buddy Tate, Eddie "Lockjaw" Davis and Illinois Jacquet; pianists André Persiany, Jean-Paul Amouroux and Jay McShann; guitarist Al Casey; bassists Milt Hinton, Major Holley and Roland Lobligeois as well as vocalists Jodie Drake, Little Mary Anglade and Big Joe Turner. Buckner's last studio session took place in Paris on July 4, 1977. Three weeks later, on Wednesday July 27, he collapsed and died after setting up his Hammond organ in preparation for a performance with Illinois Jacquet at the Jazz Showcase in Chicago.

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A Milt Buckner, la "bola de fuego de San Luis", se le atribuye el hecho de haber popularizado el órgano de Hammond a principios de los años cincuenta. Introducido por primera vez en 1934, el instrumento fue tomado inmediatamente por Thomas "Fats" Waller, cuyos registros de órganos de tubos sincopados de 1926-1929 forman la base fundamental de la tradición de los órganos de jazz. Aunque el amigo de Waller también usó el Hammond periódicamente, Count Basie, Buckner reavivó el interés en el órgano unos siete años después de la desaparición de Waller, ya que su enfoque exuberante y basado en el boogie del instrumento agregó nuevas texturas emocionantes a la floreciente escena de R&B, inspirando un nuevo ambiente. Generación de organistas y, en última instancia, llevándolo al público de jazz de todo el mundo. Buckner, quien también jugó vibráfono y trombón valvular, tuvo un éxito sin precedentes durante la fase final de su carrera, que consistió principalmente en aventuras europeas que comenzaron en 1966 y terminaron abruptamente con su muerte en 1977 a la edad de 62 años.Milton Brent Buckner nació en St. Louis el 19 de julio de 1915. Su hermanito Ted, que no debe confundirse con su pariente lejano, el trompetista nacido en Texas Teddy Buckner, estaba destinado a convertirse en saxofonista de la Orquesta Jimmie Lunceford (donde grabado en realidad con Teddy en 1939) y un R&B y Motown sessionman. Los padres de Milt, que lo animaron a aprender a tocar el piano, murieron cuando él tenía nueve años. Los dos huérfanos fueron enviados a Detroit, donde fueron adoptados por miembros de la Earl Walton Orchestra; Milt estudió piano desde los diez a los trece años con su tío John Tobias (trombonista de Walton), y comenzó a escribir arreglos para la banda a la edad de quince años. Mientras estudiaba en el Instituto de Artes de Detroit, actuó con Mose Burke & Dixie Whangdoodles y Harlem Aristocrats. Después de que el baterista y director de orquesta Don Cox lo contratara en 1932, Buckner comenzó a desarrollar una técnica de percusión única que emplea patrones tonales paralelos, más tarde llamados "acordes de bloque", un estilo que ahora se asocia con Oscar Peterson y George Shearing. Durante los años 30, Buckner también trabajó en grupos dirigidos por Jimmy Raschelle, Lanky Bowman y Howard Bunts. Su primera gran oportunidad se produjo en 1941, cuando se convirtió en arreglista y asistente de personal de Lionel Hampton. Su predilección por los ritmos de rock y el boogie-woogie encajan muy bien con el enfoque de entretenimiento de Hamp. Buckner trabajó con Hampton durante los años 1941-1948 y 1950-1952.Las primeras grabaciones de Buckner sobreviven como un conjunto de solos para piano grabados en los acetatos de transcripción de Presto cortados el último día de agosto de 1941. Su próxima aparición en un estudio fue como miembro de un pequeño grupo liderado por Lionel Hampton que respaldó a la joven Dinah Washington en su debut como grabadora. en diciembre de 1943; Estas actuaciones basadas en el blues se pusieron a disposición del público en el sello Keynote de Harry Lim. En 1945, Buckner grabó discos con el saxofonista Herbie Fields, el cantante de Ellington Herb Jeffries y la gritadora de R&B Wynonie Harris, incluyendo el gran éxito de Harris, una versión de Lionel Hampton y Curley Hamner "Hey! Ba-Ba-Re-Bop". En 1946 realizó la primera de una serie de grabaciones con un grupo que se consideraba como los Beale Street Boys, los Beale Street Gang y los Hot Shots. Durante los próximos tres años, Buckner dirigió una serie de citas para el sello Savoy. En 1949 hizo discos con una gran banda para MGM, participó en un Floorshow de Eddie Condon con el baterista Buddy Rich y la bailarina de baile Baby Laurence en NBC TV, y dirigió la Orquesta de Teddy Stewart detrás de Dinah Washington en una cita para los discos de Mercury.En 1950, Buckner grabó con Three Flames for MGM, con la cantante Florence Wright para National, con Wynonie Harris para los registros de Vogue, con Rufus Thomas ("Mr. Swing") para el sello Bullet en Memphis, y con la vocalista Mabel Scott y los saxofonistas Eddie. "Cleanhead" Vinson, Buddy Tate y Wild Bill Moore para King. Fue durante la sesión de Moore que Buckner primero cambió de piano a órgano. Lo repartió de nuevo en Houston, TX, durante la primavera de 1952, mientras apoyaba al vocalista Sonny Parker con los Blue Boys de Gladys Hampton para los discos de Peacock. Milt grabó para las etiquetas Scooter, Regent y Brunswick, y se encontró con el saxofonista Charlie Parker en 1953 en el bandbox de la ciudad de Nueva York. Se sentó en el piano para los Imperials (con Willie Dixon tocando el bajo) en una sesión de Great Lakes que tuvo lugar en Detroit durante la primavera de 1954. Buckner también visitó Filadelfia durante el verano para grabar algunas canciones con el guitarrista Big Ham Williams y el baterista Sam Woodyard. que fueron emitidos en los registros del siglo 20, una filial de la etiqueta Gotham.Milt Buckner fue un artista de grabación del Capitolio desde abril de 1955 hasta julio de 1957, compartiendo el estudio con los saxofonistas Earle Warren y Sam Taylor, los guitarristas Everett Barksdale y Skeeter Best, el bajista Milt Hinton y los bateristas Osie Johnson y Shadow Wilson. Grabó su primer Argo LP en Nueva York en diciembre de 1959 con el guitarrista Kenny Burrell y el bajista Joe Benjamin.
Más sesiones de Argo se reunieron en Chicago en 1960 y 1961, y tuvo tratos con el sello Bethlehem en Cincinnati en 1962 y 1963. En marzo de 1966, una actuación con el saxofonista Illinois Jacquet fue grabada en vivo en Lennie's en la autopista del peaje en West Peabody, MA y Posteriormente lanzado en el sello Cadet.Al igual que muchos músicos de jazz de EE. UU. Que lucharon en casa y se desempeñaron mejor en el extranjero, Milt Buckner claramente prefería el clima cultural y profesional en Europa. Durante los 11 años que permaneció en su vida, solo regresó a América del Norte para un breve concierto y reservas de clubes, cinco veces a los EE. UU. Y dos veces a Canadá. Comenzando en 1966 con su primera sesión parisina en compañía de Illinois Jacquet y el trompetista Roy Eldridge, la discografía de Buckner indica un ambiente de trabajo más estable que involucra a músicos calificados y audiencias apreciativas. La última década de actividad profesional de Milt Buckner se mide principalmente en las grabaciones emitidas en el sello Black & Blue, con la excepción de algunos lanzamientos de Prestige, Jazz Odyssey y Riff.Buckner hizo música en París, Villingen, Boulogne, Colonia, Antwerpen, Lausana, Biarritz, Barcelona, ​​Toulouse, Londres, Herouville, Valauris, Besancon, Ginebra, Salon, Yverdon, Niza, Scheveningen y Leiden. Sus compañeros de sesión incluían al multiinstrumentista Clarence "Gatemouth" Brown, los trompetistas Buck Clayton, Joe Newman, Johnny Letman y Bill Coleman; gen trombonista "Mighty Flea" Connors; los saxofonistas Ben Webster, Candy Johnson, Eddie Chamblee, Hal Singer, Lucky Thompson, Big Nick Nicholas, Marcel Zanini, Guy Lafitte, Arnett Cobb, Buddy Tate, Eddie "Lockjaw" Davis y Illinois Jacquet; los pianistas André Persiany, Jean-Paul Amouroux y Jay McShann; el guitarrista Al Casey; los bajistas Milt Hinton, Major Holley y Roland Lobligeois, así como las vocalistas Jodie Drake, Little Mary Anglade y Big Joe Turner. La última sesión de estudio de Buckner se llevó a cabo en París el 4 de julio de 1977. Tres semanas más tarde, el miércoles 27 de julio, colapsó y murió después de instalar su órgano Hammond en preparación para una actuación con Illinois Jacquet en el Jazz Showcase en Chicago.
 
 
 

The Jet Black's • Hully Gully



The Jet Black's was an instrumental rock band from São Paulo, Brazil. The band was formed in 1961 (as "The Vampires") by Jurandi (drums), Orestes (rhythm guitar), Ernestico (saxophone), and José Paulo (bass), and Cat/Gato (guitar-solo and organ) joined the following year. Their first single was "Apache"/"Kon-Tiki", followed by "Hully-Gully" (1962), and "Twist/The Jet Black's Again" (1963).
Cat (Gato) left the group in 1966, and the other members became purely a house band for Continental Records.

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Traducción Automática:
The Jet Black's era una banda de rock instrumental de São Paulo, Brasil. La banda se formó en 1961 (como "The Vampires") por Jurandi (batería), Orestes (guitarra rítmica), Ernestico (saxofón), y José Paulo (bajo) y Cat / Gato (guitarra-solo y órgano) se unieron a la año siguiente. Su primer sencillo fue "Apache" / "Kon-Tiki", seguido de "Hully-Gully" (1962) y "Twist / The Jet Black's Again" (1963).
Cat (Gato) dejó el grupo en 1966, y los otros miembros se convirtieron puramente en una banda de house para Continental Records.


sábado, 29 de enero de 2022

Wayne Shorter • Juju

 



wayneshorter.com ...


Chuck Redd • Remembers Barney Kessel - Happy All The Time

 



Chuck Redd is an internationally well-known performer on both drums and vibraphone. He began his career when he joined the Charlie Byrd Trio at the age of 21. He also became a member of the Great Guitars (Barney Kessel, Byrd, and Herb Ellis.) To his credit are 25 European tours and six tours of Japan, with the Barney Kessel Trio, Ken Peplowski and the Benny Goodman Tribute Orchestra, Terry Gibbs and Conte Candoli.

Redd was featured vibraphonist with the Mel Torme All-Star Jazz Quintet from 1991 until 1996. While appearing in New York with Torme, Ira Gitler of Jazz Times said: “Redd's vibes were equally notable for vigor and melodiousness.”

He served as Artist-In-Residence at The Smithsonian Jazz Café in Washington, DC from 2004-2008. Redd frequently appears leading groups at The Oregon Coast Jazz Party and has been a featured musician at The Oregon Festival Of American Music every year since 2007. In 2007, Redd was featured with the prestigious “Milt Jackson Tribute Band.” Other engagements have included jazz cruises, stints with Bucky Pizzarelli and Ken Peplowski at Jazz at Lincoln Center, headlining at Smalls and at The Kitano in New York City and at jazz festivals around the US. He has toured and performed with Dizzy Gillespie, Mel Torme, Tommy Flanagan, Bill Mays, Ray Brown, Monty Alexander, Laurindo Almeida, Tal Farlow, Rebecca Kilgore, Scott Hamilton, Mickey Roker and Houston Person. Jazz Times has praised Redd's playing, describing his vibes work as, “Exquisite! “ The Washington Post admired his “melodic sparkle.” He was awarded “Best Vibist” in New York’s Hot House Jazz Magazine 2015 Fans Decision award.

Redd is featured on over 80 recordings. Releases include his Arbors CD, All This and Heaven Too, featuring Gene Bertoncini and George Mraz; Chopin Jazz with Rossano Sportiello; You’re My Everything with Dick Hyman and Jay Leonhart; and Nice N’ Easy with Houston Person. He can also be heard on the soundtrack to the popular television series, The Great Chefs, and the NPR broadcast Jazz Smithsonian.

Redd's career highlights include a concert with the Dizzy Gillespie Quintet in Africa for the Namibian Independence Celebration, a recital at the White House with the Barney Kessel Trio, two concerts at Carnegie Hall with the Mel Torme Quintet, and The Tonight Show. In 2008, he was a featured soloist in the finale concert at The Lionel Hampton International Jazz festival with The Lionel Hampton Big Band and the Clayton/Hamilton Jazz Orchestra. In February 2013, Chuck performed with the Dream Band co-leading with drummer Jeff Hamilton in a salute to vibes legend Terry Gibbs. Most recently, he was the 2014 honoree at The Roswell Jazz Festival. In addition to leading his own groups, Redd was a member of the Smithsonian Jazz Masterworks Orchestra for 15 years. He frequently performs in New York City and continues to tour nationally, performing at festivals and clubs. He is on the faculty at The University of Maryland School of Music and presents master classes, workshops and lectures around the country.

His Arbors CD, Happy All The Time, is a critically acclaimed tribute to his mentor, Barney Kessel, and features Monty Alexander and Jeff Hamilton, and his Noteworthy CD, When Redd is Blue, is a collaboration with his brother, pianist Robert Redd, and features saxophonist Harry Allen. Another Arbors release, The Common Thread, features Mickey Roker, Bob Cranshaw,Houston Person and Rossano Sportiello. Redd produced and is featured on For George, Cole and Duke, lead by Harry Allen for Blue Heron Records.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/chuck-redd

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Chuck Redd es un intérprete internacionalmente conocido tanto en la batería como en el vibráfono. Comenzó su carrera cuando se unió al Charlie Byrd Trio a la edad de 21 años. También fue miembro de los Great Guitars (Barney Kessel, Byrd y Herb Ellis). En su haber hay 25 giras europeas y seis giras por Japón, con el Barney Kessel Trio, Ken Peplowski y la Benny Goodman Tribute Orchestra, Terry Gibbs y Conte Candoli.

Redd fue vibrafonista principal del Mel Torme All-Star Jazz Quintet desde 1991 hasta 1996. Mientras aparecía en Nueva York con Torme, Ira Gitler de Jazz Times dijo: "Los vibráfonos de Redd eran igualmente notables por su vigor y melodía".

Fue artista residente en el Smithsonian Jazz Café de Washington, DC, entre 2004 y 2008. Redd aparece con frecuencia dirigiendo grupos en la Fiesta del Jazz de la Costa de Oregón y ha sido un músico destacado en el Festival de Música Americana de Oregón todos los años desde 2007. En 2007, Redd se presentó con la prestigiosa "Milt Jackson Tribute Band". Otros compromisos han sido los cruceros de jazz, las actuaciones con Bucky Pizzarelli y Ken Peplowski en el Jazz at Lincoln Center, la actuación como cabeza de cartel en Smalls y en The Kitano en la ciudad de Nueva York y en festivales de jazz de todo Estados Unidos. Ha realizado giras y actuaciones con Dizzy Gillespie, Mel Torme, Tommy Flanagan, Bill Mays, Ray Brown, Monty Alexander, Laurindo Almeida, Tal Farlow, Rebecca Kilgore, Scott Hamilton, Mickey Roker y Houston Person. El Jazz Times ha elogiado la forma de tocar de Redd, describiendo su trabajo con el vibráfono como "¡Exquisito! " El Washington Post admiró su "chispa melódica". Fue galardonado como "Mejor Vibista" en el premio Fans Decision 2015 de la revista Hot House Jazz de Nueva York.

Redd aparece en más de 80 grabaciones. Los lanzamientos incluyen su CD Arbors, All This and Heaven Too, con Gene Bertoncini y George Mraz; Chopin Jazz con Rossano Sportiello; You're My Everything con Dick Hyman y Jay Leonhart; y Nice N' Easy con Houston Person. También se le puede escuchar en la banda sonora de la popular serie de televisión The Great Chefs y en la emisión de NPR Jazz Smithsonian.

Los momentos más destacados de la carrera de Redd incluyen un concierto con el Dizzy Gillespie Quintet en África para la celebración de la independencia de Namibia, un recital en la Casa Blanca con el Barney Kessel Trio, dos conciertos en el Carnegie Hall con el Mel Torme Quintet, y The Tonight Show. En 2008, fue un solista destacado en el concierto final de The Lionel Hampton International Jazz festival con The Lionel Hampton Big Band y la Clayton/Hamilton Jazz Orchestra. En febrero de 2013, Chuck actuó con la Dream Band codirigiendo con el baterista Jeff Hamilton en un saludo a la leyenda del vibráfono Terry Gibbs. Más recientemente, fue el homenajeado de 2014 en The Roswell Jazz Festival. Además de liderar sus propios grupos, Redd fue miembro de la Smithsonian Jazz Masterworks Orchestra durante 15 años. Actúa con frecuencia en la ciudad de Nueva York y sigue de gira por todo el país, actuando en festivales y clubes. Forma parte del profesorado de la Escuela de Música de la Universidad de Maryland y da clases magistrales, talleres y conferencias por todo el país.

Su CD Arbors, Happy All The Time, es un homenaje aclamado por la crítica a su mentor, Barney Kessel, y cuenta con Monty Alexander y Jeff Hamilton, y su CD Noteworthy, When Redd is Blue, es una colaboración con su hermano, el pianista Robert Redd, y cuenta con el saxofonista Harry Allen. Otro lanzamiento de Arbors, The Common Thread, cuenta con Mickey Roker, Bob Cranshaw, Houston Person y Rossano Sportiello. Redd produjo y aparece en For George, Cole and Duke, dirigido por Harry Allen para Blue Heron Records.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/chuck-redd


chuckredd.com ...



Sunnyland Slim • The Sonet Blues Story

 



The Jonah Jones Quartet • Sweet With A Beat

 



Georgie Auld With Don Costa And His Orchestra • Manhattan With Strings

 



Biography
by Scott Yanow
Georgie Auld had a long and varied career, changing his tenor sound gradually with the times and adapting to many different musical situations. He moved from Canada to the U.S. in the late '20s and, although originally an altoist, he switched to tenor after hearing Coleman Hawkins. While with Bunny Berigan during 1937-1938, Auld sounded like a dead ringer for Charlie Barnet. After spending a year with Artie Shaw in 1939 (including leading the band briefly after Shaw ran away to Mexico), Auld sounded much closer to Lester Young when he joined Benny Goodman. With B.G., Auld was a major asset, jamming with a version of Goodman's Sextet that also included Cootie Williams and Charlie Christian. He was back with Shaw in 1942, and then led his own big band (1943-1946), an excellent transitional unit between swing and bop that at various times included such young modernists as Dizzy Gillespie, Erroll Garner, and Freddie Webster; Sarah Vaughan also guested on a couple of his recordings. After the band's breakup, Auld led some smaller groups that tended to be bop-oriented. He was with Count Basie's octet in 1950 and then freelanced for the remainder of his career, maintaining a lower profile but traveling frequently overseas and not losing his enthusiasm for jazz. Some may remember that, in 1977, he had a small acting role as a bandleader and played Robert De Niro's tenor solos in the otherwise forgettable Liza Minelli movie New York, New York.
https://www.allmusic.com/artist/georgie-auld-mn0000651193/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Georgie Auld tuvo una carrera larga y variada, cambiando su sonido de tenor gradualmente con los tiempos y adaptándose a muchas situaciones musicales diferentes. Se trasladó de Canadá a EE.UU. a finales de los años 20 y, aunque originalmente era contralto, cambió a tenor después de escuchar a Coleman Hawkins. Durante su estancia con Bunny Berigan en 1937-1938, Auld sonaba como un imitador de Charlie Barnet. Después de pasar un año con Artie Shaw en 1939 (incluso dirigiendo la banda brevemente después de que Shaw huyera a México), Auld sonaba mucho más cerca de Lester Young cuando se unió a Benny Goodman. Con B.G., Auld fue un activo importante, improvisando con una versión del Sexteto de Goodman que también incluía a Cootie Williams y Charlie Christian. Volvió con Shaw en 1942, y luego dirigió su propia big band (1943-1946), una excelente unidad de transición entre el swing y el bop que en varias ocasiones incluyó a jóvenes modernistas como Dizzy Gillespie, Erroll Garner y Freddie Webster; Sarah Vaughan también participó como invitada en un par de sus grabaciones. Tras la disolución de la banda, Auld dirigió algunos grupos más pequeños que solían estar orientados al bop. Estuvo con el octeto de Count Basie en 1950 y luego trabajó por libre durante el resto de su carrera, manteniendo un perfil más bajo pero viajando frecuentemente al extranjero y sin perder su entusiasmo por el jazz. Algunos recordarán que, en 1977, tuvo un pequeño papel como director de orquesta e interpretó los solos de tenor de Robert De Niro en la, por otra parte, olvidable película de Liza Minelli New York, New York.
https://www.allmusic.com/artist/georgie-auld-mn0000651193/biography


Tal Farlow • All Strings Attached

 



Paul Mitchell Trio • Live At The Atlanta Playboy Club

 



Boris Draper • Happy Harmonica

 



Danny Welton:
Harmonica player and actor, whose releases were issued under several titles and aliases, such as Boris Draper, Larry Faber, Johnny Cadente, The Yamma Yamma Man, and The Harmonica Hotshots.
https://secondhandsongs.com/artist/114965

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Danny Welton:
Armonista y actor, cuyos lanzamientos se publicaron bajo varios títulos y alias, como Boris Draper, Larry Faber, Johnny Cadente, The Yamma Yamma Man y The Harmonica Hotshots.
https://secondhandsongs.com/artist/114965


Morty Craft And His Orchestra • Jazz In Black Tie

 



Morty Craft was born in Brockton, Mass on August 19, 1920; he became an arranger and played sax and clarinet during the big band era.  He moved to New York in the 1950s and built a reputation as a hitmaker through the many record labels in which he played a critical role.

He established and/or ran numerous record companies over the years and released R&B, doo-wop, rock ‘n’ roll and rockabilly hits over the course of five decades. In the 1940 and 50s he worked for MGM, Mercury and ABC-Paramount Records as both A&R and promotion realms.

It was with indie labels, most notably Bruce. Melba and Warwick that he built his reputation as a savvy record name.  Bruce Records was the home of the Harptones’ legendary “A Sunday Kind Of Love,” released in 1953, and Melba Records released “Church Bells May Ring” by The Willows in 1956, a song Craft co-wrote.

He started Lance Records in 1957 and soon hit with “Alone” by the Shepherd Sisters, a top 20 charter that he co-wrote and was later covered by Petula Clark. More recently Saint Motel’s “Sisters” was built around the song’s refrain, and its title seen as a tribute to the original. He leapt to the majors that same year when he joined MGM Records as Recording Chief and Director of Single Record Sales.  On his watch, the career of Connie Francis blossomed with her initial smash hit “Who’s Sorry Now.” Sheb Wooley’s “Purple People Eater” and “It’s All In the Game” by Tommy Edwards were other notable MGM hits under Craft as well as “It’s Only Make Believe” by Conway Twitty.

When his tenure at MGM ended in 1959, he segued to Warwick Records. At Warwick, he picked up “Crossfire” by Johnny and The Hurricanes from Harry Balk and Irving Micahnik’s Twirl label.  The group’s second instrumental single for Warwick, “Red River Rock” was a smash hit, going Top 5 in the US.  He went on to sign and record many top R&B acts including Louis Jordan, Roy Milton, Little Esther, Faye Adams, Percy Mayfield as well as Shirley and Lee. In keeping with the instrumental vein of Johnny and the Hurricanes, Warwick released “Wheels” by the String-A-Longs, produced by Norman Petty. It went to #3 on Billboard’s singles chart while Warwick’s subsidiary label 7 Arts scored with “Nag” by The Halos which went on to be covered by Joan Jett & The Blackhearts.

Warwick also released a series of instrumental albums by Morty Craft and The Singing Strings.  As a producer, promoter, arranger, musician and deal maker, Morty Craft stands as one of the music industry’s most notable “record men.”
https://www.abkco.com/news-feed/100th-birthday-of-music-industry-pioneer-morty-craft/

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Morty Craft nació en Brockton, Massachusetts, el 19 de agosto de 1920; se convirtió en arreglista y tocó el saxo y el clarinete durante la época de las grandes bandas.  Se trasladó a Nueva York en la década de 1950 y se labró una reputación como creador de éxitos gracias a los numerosos sellos discográficos en los que desempeñó un papel fundamental.

Estableció y/o dirigió numerosas compañías discográficas a lo largo de los años y lanzó éxitos de R&B, doo-wop, rock 'n' roll y rockabilly en el transcurso de cinco décadas. En los años 40 y 50 trabajó para MGM, Mercury y ABC-Paramount Records, tanto en el área de A&R como en la de promoción.

Fue con sellos independientes, sobre todo con Bruce Melba y Warwick que construyó su reputación como un nombre discográfico inteligente.  Bruce Records fue el hogar de la legendaria "A Sunday Kind Of Love" de los Harptones, publicada en 1953, y Melba Records publicó "Church Bells May Ring" de The Willows en 1956, una canción que Craft coescribió.

Fundó Lance Records en 1957 y pronto alcanzó el éxito con "Alone" de las Shepherd Sisters, una carta de presentación en el top 20 que coescribió y que posteriormente fue versionada por Petula Clark. Más recientemente, "Sisters" de Saint Motel se construyó en torno al estribillo de la canción, y su título se consideró un homenaje a la original. Ese mismo año dio el salto a las grandes discográficas al incorporarse a MGM Records como jefe de grabación y director de ventas de discos sencillos.  Bajo su supervisión, la carrera de Connie Francis floreció con su éxito inicial "Who's Sorry Now". Purple People Eater" de Sheb Wooley y "It's All In the Game" de Tommy Edwards fueron otros éxitos notables de MGM bajo el mando de Craft, así como "It's Only Make Believe" de Conway Twitty.

Cuando terminó su mandato en MGM en 1959, pasó a Warwick Records. En Warwick, recogió "Crossfire" de Johnny and The Hurricanes del sello Twirl de Harry Balk e Irving Micahnik.  El segundo sencillo instrumental del grupo para Warwick, "Red River Rock", fue un éxito rotundo, llegando al Top 5 en Estados Unidos.  A continuación, Warwick firmó y grabó muchas canciones de R&B, como Louis Jordan, Roy Milton, Little Esther, Faye Adams, Percy Mayfield y Shirley y Lee. Siguiendo la línea instrumental de Johnny and the Hurricanes, Warwick lanzó "Wheels" de los String-A-Longs, producido por Norman Petty. Llegó al número 3 de la lista de singles de Billboard, mientras que el sello subsidiario de Warwick, 7 Arts, lanzó "Nag" de The Halos, que fue versionado por Joan Jett & The Blackhearts.

Warwick también publicó una serie de álbumes instrumentales de Morty Craft y The Singing Strings.  Como productor, promotor, arreglista, músico y negociador, Morty Craft es uno de los más notables "hombres disco" de la industria musical.
https://www.abkco.com/news-feed/100th-birthday-of-music-industry-pioneer-morty-craft/


The Three Suns • Fun in the Sun!

 



Bill Black’s Combo • Soulin’ The Blues



William Patton "Bill" Black, Jr. (September 17, 1926 – October 21, 1965) was an American musician who is noted as one of the pioneers of rockabilly music. Black was the bassist in Elvis Presley's early trio and the leader of Bill Black's Combo.   ~ wiki

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William Patton "Bill" Black, Jr. (17 de septiembre de 1926 - 21 de octubre de 1965) fue un músico estadounidense conocido como uno de los pioneros de la música rockabilly. Black fue el bajista en el trío de Elvis Presley y el líder del Combo de Bill Black. ~ wiki


Rhythm Boys • She Rocks Bops Boogies


Shirley Scott • For Members Only



Review by Scott Yanow
During the 1960's, Shirley Scott's Impulse albums were often split between big band selections (with orchestras arranged by Oliver Nelson) and trio features. This CD reissue from 1989 includes all of the contents from two of Scott's better Impulse albums, Great Scott and For Members Only. In general the eight trio numbers are the most rewarding performances on the disc since the material is fairly superior while the big band tracks emphasize then-current show and movie tunes. Overall this generous CD gives one a good overview of Shirley Scott's playing talents.

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Traducción Automática:
Revisión por Scott Yanow
Durante la década de 1960, los álbumes de Shirley Scott's Impulse a menudo se dividían entre selecciones de grandes bandas (con orquestas organizadas por Oliver Nelson) y trío. Esta reedición de CD de 1989 incluye todos los contenidos de dos de los mejores álbumes de Scott Impulse, Great Scott y For Members Only. En general, los ocho números de trío son las interpretaciones más gratificantes del disco, ya que el material es bastante superior, mientras que las pistas de big band enfatizan las melodías de películas y espectáculos actuales. En general, este generoso CD ofrece una buena descripción de los talentos de Shirley Scott.
 

Memphis Slim • Chicago Boogie Woogie and Blues


 
Biography:
Memphis Slim would take the Blues to places it never imagined. He was a prolific author of many enduring classics of the Blues lexicon, including “Mother Earth,” “Everyday I Have the Blues,” and countless others. But as a performer, his everlasting significance was in opening unexpected doors, and letting the music take wing in places where it had never extended. Blues artists had often attained modest levels of popularity, but the bulk of the audience base was essentially derived from the black lower classes. Blues clubs, where common folk let loose at the end of the day, offered music that was ribald and highly suggestive. He was a fabulous keyboard player, an accomplished composer and a soulful vocalist. Like most adept blues pianists, his range goes beyond basic Chicago blues to boogie, jump blues and R&B flavors.

Whether it was the 30’s, 40’s, even the 50’s, Blues tended to be isolated from larger society, Memphis Slim changed all that, especially in the aftermath of settling in Europe in 1963, living in France until his 1988 death. He proceeded to bring a brisk air of sophistication and polish to a rough-hewn art form, developing a presentation that was conducive to concert hall environs. He was a pioneer in this regard, realizing that Blues could only capture the imagination of a mass audience if it was presented with stylishness and refinement. Yet he never compromised the integrity of the music, its core grittiness and honesty was fully maintained. Peter 'Memphis Slim' Chatman went on to become the toast of the Continent.

Memphis Slim's fascinating story begins in Memphis in 1915, and sometime in the 1930’s he settled in Chicago and began displaying his considerable piano skills, landing his first record deal with Okeh in 1939. The first of many labels he recorded for over the next 50 years. Roosevelt Sykes was Slim’s mentor, but Slim never imitated him. He took Bill Broonzy’s advice and developed his own style, characterized by a forceful delivery from burnished vocals while his keyboard work was equally dominating. In 1947, he recorded for the Miracle label backed by his band The House Rockers. Some of the classics included “Lend Me Your Love,” “ Rockin’ The House,” Messin’ Around,” “Blue and Lonesome,” and “Nobody Loves Me” (better known by subsequent covers by Lowell Fulson, BB King, and Joe Williams as Everyday I Have The Blues).

The first of several versions of “Mother Earth,” was heard circa 1950 on the Premium label. He had a very fertile stay on the United label from 1952-54, while also acquiring guitarist in Matt 'Guitar' Murphy. He did “At the Gate of Horn,” a superb date for Vee Jay in 1959. This session had everything: super piano solos, a strong lineup of horn players, clever, well-written and sung lyrics, and a seamless pace that kept things moving briskly from beginning to end.

Recording prolifically during every period of his career, he had a very strong relation with Folkways, which has been reissued as “The Folkways Years 1959-1973. Then he found time to record five albums for Bluesville and Battle during 1960-1962 that have been reissued in the Original Blues Classics series. “Raining the Blues,” has an extended trio session with guitarist Lafayette Thomas and bassist Wendell Marshall plus a solo set that includes four guest appearances by Buster “Harpie” Brown on harmonica. “All Kinds of Blues,” “Alone with the Blues,” and “Steady Rolling Blues” are each solo outings with Slim showing off his expertise on blues at various tempos, boogie-woogie, and blues ballads. He also makes four rare appearances on organ during “Steady Rollin’ Blues.” In Paris: “Baby Please Come Home,” is a spirited trio outing from 1962 with bassist Willie Dixon and drummer Philippe Combelle. When the combo toured Europe that year, Slim decided to take up permanent residency in Paris.

He was able to capitalize on the Blues Revival of the late ‘60’s and became a superstar in Europe, and that transcended back to the states where he was acknowledged as a master by hordes of aspiring rockers and record buying fans. Among his many European recording sessions, in 1970, Memphis Slim hooked up with fellow Chicago blues great Buddy Guy while the guitarist was touring Europe with the Rolling Stones, and recorded the tracks for “South Side Reunion,” originally released on Warner Bros. in 1972.. He did a lot of solo sessions with just a drummer Michel Denis, for most of the ‘70’s and 80’s. He lived very well in his exile, and would go on touring and recording throughout the rest of his distinguished career

Memphis Slim took his blues piano from Beale Street in Memphis to the Boulevards of Paris, where he died in 1988.

Before his death in 1988, the U.S. Senate honored Memphis Slim with the title of Ambassador-at-Large of Good Will, while the French government bestowed him with the title of Commander of Arts and Letters. Memphis Slim was inducted into the Blues Foundation's Hall of Fame in 1989.

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Biografía:
Memphis Slim llevaría el Blues a lugares nunca imaginados. Fue un prolífico autor de muchos clásicos perdurables del léxico del Blues, como "Mother Earth", "Everyday I Have the Blues" e innumerables otros. Pero como intérprete, su importancia eterna fue la de abrir puertas inesperadas y dejar que la música alzara el vuelo en lugares donde nunca se había extendido. Los artistas de blues habían alcanzado a menudo niveles modestos de popularidad, pero el grueso del público procedía esencialmente de las clases bajas negras. Los clubes de blues, en los que la gente común se desahoga al final del día, ofrecían una música ribera y muy sugerente. Era un teclista fabuloso, un compositor consumado y un vocalista conmovedor. Como la mayoría de los pianistas de blues adeptos, su gama va más allá del blues básico de Chicago y llega a los sabores del boogie, el jump blues y el R&B.

En los años 30, 40 e incluso 50, el blues tendía a estar aislado de la sociedad en general, pero Memphis Slim cambió todo eso, sobre todo después de establecerse en Europa en 1963, viviendo en Francia hasta su muerte en 1988. Aportó un aire de sofisticación y pulido a una forma de arte áspera, desarrollando una presentación que se adaptaba a los entornos de las salas de conciertos. Fue un pionero en este sentido, pues se dio cuenta de que el blues sólo podía captar la imaginación de un público masivo si se presentaba con estilo y refinamiento. Sin embargo, nunca puso en peligro la integridad de la música, y su esencia, la crudeza y la honestidad, se mantuvieron plenamente. Peter "Memphis Slim" Chatman se convirtió en la estrella del continente.

La fascinante historia de Memphis Slim comienza en Memphis en 1915, y en algún momento de la década de 1930 se estableció en Chicago y comenzó a mostrar sus considerables habilidades al piano, consiguiendo su primer contrato discográfico con Okeh en 1939. El primero de los muchos sellos para los que grabó durante los siguientes 50 años. Roosevelt Sykes fue el mentor de Slim, pero éste nunca le imitó. Siguió los consejos de Bill Broonzy y desarrolló su propio estilo, caracterizado por una entrega contundente de voces bruñidas, mientras que su trabajo de teclado era igualmente dominante. En 1947, grabó para el sello Miracle respaldado por su banda The House Rockers. Algunos de los clásicos eran "Lend Me Your Love", "Rockin' The House", "Messin' Around", "Blue and Lonesome" y "Nobody Loves Me" (más conocida por las versiones posteriores de Lowell Fulson, BB King y Joe Williams como Everyday I Have The Blues).

La primera de varias versiones de "Mother Earth", se escuchó hacia 1950 en el sello Premium. Tuvo una estancia muy fértil en el sello United entre 1952 y 1954, al mismo tiempo que adquiría un guitarrista en Matt 'Guitar' Murphy. Hizo "At the Gate of Horn", una magnífica cita para Vee Jay en 1959. Esta sesión lo tenía todo: magníficos solos de piano, una sólida formación de trompistas, letras inteligentes, bien escritas y cantadas, y un ritmo fluido que mantenía las cosas en movimiento de principio a fin.

Grabando prolíficamente durante todos los periodos de su carrera, tuvo una relación muy fuerte con Folkways, que se ha reeditado como "The Folkways Years 1959-1973". Luego encontró tiempo para grabar cinco álbumes para Bluesville y Battle durante 1960-1962 que han sido reeditados en la serie Original Blues Classics. "Raining the Blues", tiene una extensa sesión de trío con el guitarrista Lafayette Thomas y el bajista Wendell Marshall, además de un set en solitario que incluye cuatro apariciones como invitado de Buster "Harpie" Brown a la armónica. "All Kinds of Blues", "Alone with the Blues" y "Steady Rolling Blues" son temas en solitario en los que Slim muestra su experiencia en el blues a varios tempos, el boogie-woogie y las baladas de blues. También hace cuatro raras apariciones en el órgano durante "Steady Rollin' Blues". En París: "Baby Please Come Home", es un animado trío de 1962 con el bajista Willie Dixon y el baterista Philippe Combelle. Cuando el combo realizó una gira por Europa ese año, Slim decidió fijar su residencia permanente en París.

Supo aprovechar el renacimiento del blues de finales de los 60 y se convirtió en una superestrella en Europa, lo que trascendió a los Estados Unidos, donde fue reconocido como un maestro por hordas de aspirantes a rockeros y aficionados a la compra de discos. Entre sus muchas sesiones de grabación en Europa, en 1970, Memphis Slim se unió a su colega Buddy Guy, mientras el guitarrista estaba de gira por Europa con los Rolling Stones, y grabó los temas de "South Side Reunion", publicado originalmente por Warner Bros. en 1972. Hizo muchas sesiones en solitario con sólo un batería, Michel Denis, durante la mayor parte de los años 70 y 80. Vivió muy bien en su exilio, y seguiría haciendo giras y grabando durante el resto de su distinguida carrera

Memphis Slim llevó su piano de blues de Beale Street, en Memphis, a los bulevares de París, donde murió en 1988.

Antes de su muerte en 1988, el Senado de Estados Unidos honró a Memphis Slim con el título de Embajador de Buena Voluntad, mientras que el gobierno francés le otorgó el título de Comendador de las Artes y las Letras. Memphis Slim fue incluido en el Salón de la Fama de la Blues Foundation en 1989.


Herbie Mann • Sunbelt



Herbie Mann played a wide variety of music throughout his career. He became quite popular in the 1960s, but in the '70s became so immersed in pop and various types of world music that he seemed lost to jazz. However, Mann never lost his ability to improvise creatively as his later recordings attest.

Herbie Mann began on clarinet when he was nine but was soon also playing flute and tenor. After serving in the Army, he was with Mat Mathews' Quintet (1953-1954) and then started working and recording as a leader. During 1954-1958 Mann stuck mostly to playing bop, sometimes collaborating with such players as Phil Woods, Buddy Collette, Sam Most, Bobby Jaspar, and Charlie Rouse. He doubled on cool-toned tenor and was one of the few jazz musicians in the '50s who recorded on bass clarinet; he also recorded a full album in 1957 (for Savoy) of unaccompanied flute.

After spending time playing and writing music for television, Mann formed his Afro-Jazz Sextet, in 1959, a group using several percussionists, vibes (either Johnny Rae, Hagood Hardy, or Dave Pike) and the leader's flute. He toured Africa (1960) and Brazil (1961), had a hit with "Comin' Home Baby," and recorded with Bill Evans. The most popular jazz flutist during the era, Mann explored bossa nova (even recording in Brazil in 1962), incorporated music from many cultures (plus current pop tunes) into his repertoire, and had among his sidemen such top young musicians as Willie Bobo, Chick Corea (1965), Attila Zoller, and Roy Ayers; at the 1972 Newport Festival his sextet included David Newman and Sonny Sharrock. By then Mann had been a producer at Embroyo (a subsidiary of Atlantic) for three years and was frequently stretching his music outside of jazz. As the '70s advanced, Mann became much more involved in rock, pop, reggae, and even disco. After leaving Atlantic at the end of the '70s, Mann had his own label for awhile and gradually came back to jazz. He recorded for Chesky, made a record with Dave Valentin, and in the '90s founded the Kokopelli label on which before breaking away in 1996, he was free to pursue his wide range of musical interests. Through the years, he recorded as a leader for Bethlehem, Prestige, Epic, Riverside, Savoy, Mode, New Jazz, Chesky, Kokopelli, and most significantly Atlantic. He passed away on July 1, 2003, following an extended battle with prostate cancer. His last record was 2004's posthumously released Beyond Brooklyn for Telarc. ~ Scott Yanow

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Herbie Mann tocó una gran variedad de música a lo largo de su carrera. Llegó a ser muy popular en los años 60, pero en los 70 se sumergió tanto en el pop y en varios tipos de música del mundo que parecía perdido en el jazz. Sin embargo, Mann nunca perdió su capacidad de improvisación creativa, como atestiguan sus últimas grabaciones.

Herbie Mann empezó a tocar el clarinete a los nueve años, pero pronto tocó también la flauta y el tenor. Tras servir en el ejército, formó parte del Quinteto de Mat Mathews (1953-1954) y luego comenzó a trabajar y grabar como líder. Entre 1954 y 1958 Mann se dedicó principalmente a tocar bop, colaborando a veces con músicos como Phil Woods, Buddy Collette, Sam Most, Bobby Jaspar y Charlie Rouse. Hizo doblete con el tenor de tono frío y fue uno de los pocos músicos de jazz de los años 50 que grabó con clarinete bajo; también grabó un álbum completo en 1957 (para Savoy) de flauta sin acompañamiento.

Después de pasar un tiempo tocando y escribiendo música para la televisión, Mann formó su Afro-Jazz Sextet, en 1959, un grupo que utilizaba varios percusionistas, vibras (ya sea Johnny Rae, Hagood Hardy o Dave Pike) y la flauta del líder. Realizó una gira por África (1960) y Brasil (1961), tuvo un éxito con "Comin' Home Baby" y grabó con Bill Evans. El flautista de jazz más popular de la época, Mann exploró la bossa nova (incluso grabó en Brasil en 1962), incorporó a su repertorio música de muchas culturas (además de melodías pop actuales) y tuvo entre sus acompañantes a jóvenes músicos de primera fila como Willie Bobo, Chick Corea (1965), Attila Zoller y Roy Ayers; en el Festival de Newport de 1972 su sexteto incluía a David Newman y Sonny Sharrock. Para entonces, Mann llevaba tres años como productor en Embroyo (una filial de Atlantic) y ampliaba con frecuencia su música fuera del jazz. A medida que avanzaban los años 70, Mann se involucró mucho más en el rock, el pop, el reggae e incluso la música disco. Tras dejar Atlantic a finales de los 70, Mann tuvo su propio sello durante un tiempo y volvió gradualmente al jazz. Grabó para Chesky, grabó un disco con Dave Valentin y, en los años 90, fundó el sello Kokopelli, en el que, antes de desvincularse en 1996, tuvo libertad para dedicarse a su amplia gama de intereses musicales. A lo largo de los años, grabó como líder para Bethlehem, Prestige, Epic, Riverside, Savoy, Mode, New Jazz, Chesky, Kokopelli y, sobre todo, Atlantic. Falleció el 1 de julio de 2003, tras una larga batalla contra el cáncer de próstata. Su último disco fue el póstumo Beyond Brooklyn, publicado en 2004 para Telarc. ~ Scott Yanow