Mich Music #47

 

 

 

en este episodio ... / in this episode ...

Jean-Philippe Bordier, New York Ska-Jazz Ensemble, The Hot Club Of San Francisco-Special Guest David Grisman, Jussi Reijonen, Önder Focan.

 

 

Lenny Dee • In The Mood

Leonard George DeStoppelaire (January 5, 1923 – February 12, 2006), better known as Lenny Dee, was a virtuoso organist who played many styles of music. His record albums were among the most popular of easy listening and space age pop organists of the 1950s through the early 1970s. His signature hit, Plantation Boogie, charted as a Top 20 hit in 1955. He also had a gold record with 1970's Spinning Wheel.
Dee played a variety of songs in numerous styles. He played original compositions, popular songs, and novelty tunes, and was a master of improvisation. Although his unique style was a pop/boogie-woogie blend, he also played ballads, country and western, jazz, rock, and patriotic songs.
from: https://en.wikipedia.org/wiki/Lenny_Dee

 

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Leonard George DeStoppelaire (5 de enero de 1923 - 12 de febrero de 2006), más conocido como Lenny Dee, fue un virtuoso organista que tocó muchos estilos de música. Sus álbumes de discos se encuentran entre los más populares de los organistas de música pop de la era espacial y de fácil escucha de los años cincuenta a principios de los setenta. Su éxito característico, Plantation Boogie, se situó en el Top 20 en 1955. También tuvo un disco de oro con Spinning Wheel de los 70.
Dee tocó una variedad de canciones en numerosos estilos. Tocaba composiciones originales, canciones populares y temas novedosos, y era un maestro de la improvisación. Aunque su estilo único era una mezcla de pop/boogie-woogie, también tocaba baladas, country y western, jazz, rock y canciones patrióticas.
de: https://en.wikipedia.org/wiki/Lenny_Dee

 

 

Eric Alexander • Song of No Regrets

 

Blessed with a rounded tone and impressive technical chops, Alexander has long carried on the swinging, acoustic jazz tradition with his saxophone sound informed by such icons as John Coltrane. With his superb 2017 effort, the Latin-infused Song of No Regrets, he reveals this inventive side, offering up a set of groove-based anthems, inspired in part by the buoyant '60s pop of Sergio Mendes.
https://www.jazzmessengers.com/en/75062/eric-alexander/song-of-no-regrets-w-jon-faddis-d-hazeltine

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Bendecido con un tono redondeado e impresionantes habilidades técnicas, Alexander ha continuado durante mucho tiempo la tradición del jazz acústico oscilante con su sonido de saxofón inspirado en íconos como John Coltrane. Con su magnífico esfuerzo de 2017, la canción con infusión latina of No Regrets, revela este lado inventivo, ofreciendo un conjunto de himnos basados en el groove, inspirados en parte por el boyante pop de los años 60 de Sergio Mendes.
https://www.jazzmessengers.com/en/75062/eric-alexander/song-of-no-regrets-w-jon-faddis-d-hazeltine

Brian Setzer • Setzer Goes Instru-MENTAL!

Review by Stephen Thomas Erlewine

Given the never-ending flood of Brian Setzer albums, it comes as a mild shock that 2011’s Setzer Goes Instru-MENTAL! is his first-ever instrumental record. And a good one it is, too. Concentrating on the pre-Beatles classics that are his lifeblood, he tears it up on “Blue Moon of Kentucky” and “Be-Bop-A-Lula,” crosses the ocean for “Cherokee,” then throws a slight curve ball by dipping his toe into bluegrass with “Earl’s Breakdown” and “Hillbilly Jazz Meltdown.” It’s enough to distinguish the album from the innumerable collections of swinging rockabilly and rocking jazz that Setzer has released since his ‘90s big-band makeover, but the best thing about the album is how it focuses squarely on Setzer’s quick picking, confirming how he is a consummate roots guitarist.

Setzer Goes Instru-Mental! is a music album by Brian Setzer, released in April 2011. The album earned Setzer a Grammy Award nomination for Best Pop Instrumental Album in 2012.

 

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Reseña de Stephen Thomas Erlewine
Dada la avalancha interminable de álbumes de Brian Setzer, ¡es un shock leve que Setzer de 2011 se vuelva loco! es su primer disco instrumental. Y una buena también lo es. Concentrándose en los clásicos anteriores a los Beatles que son su alma, toca "Blue Moon of Kentucky" y "Be-Bop-A-Lula", cruza el océano en busca de "Cherokee" y luego lanza una pequeña bola curva sumergiendo su dedo del pie en bluegrass con "Earl Breakdown" y " Hillbilly Jazz Meltdown."Es suficiente para distinguir el álbum de las innumerables colecciones de rockabilly oscilante y jazz rockero que Setzer ha lanzado desde su cambio de imagen de big band de los 90, pero lo mejor del álbum es cómo se enfoca directamente en la selección rápida de Setzer, confirmando cómo es un guitarrista de raíces consumado.

Setzer Goes Instru-Mental! es un álbum de música de Brian Setzer, lanzado en abril de 2011. El álbum le valió a Setzer una nominación al Premio Grammy al Mejor Álbum Instrumental Pop en 2012.

  briansetzer.com ...

 

 

Dusko Goykovich • Celebration

 

Review by Thom Jurek
Bosnian trumpeter, composer, and general jazz hero Dusko Goykovich is an anomaly among his Eastern European countrymen. Far from the madding crowd of avant-guardists, Goykovich has his roots deeply sunk into the post-bop, early modalism of early-'60s jazz, and the lyrical, melodic improvisational invention of Paul Desmond and Bill Evans. With a band that includes pianist Kenny Drew, bassist Jimmy Woode, and drummer Al Levitt, Goykovich penned six of the set's ten tunes, and they are easily the best stuff here. His gorgeous bossa ballad, "Inga," comes from an A minor motif and works horizontally, bringing the entire range of chromatic color into its off-key, metrically resilient structure. The Drew and Goykovich solos complement each other nicely, trailing from modal into bossa and samba patterns before weaving each other into a patchwork quilt of matching arpeggios. Of the covers, Oscar Pettiford's "Blues in the Closet" is in the pocket funky. As greasy as its name, Goykovich allows the melody line instigated by Woode to settle in before kicking in to a stomping hard bop blues reminiscent of a Hank Mobley or Art Blakey thematic feel. Drew shines here as his ostinato walks the bar all over the tune, punching deck at every sharp and turning the blues riff around on a dime. Goykovich trusses the piano and then ventures on his won into stuttering skein of clipped bop phrases, scattering eighth notes all over the scale. As the pair come together to approach the melody for the send off, they square off harmonically, teetering on the edge of disaster only to sweep it all under the rug at check out time. It's a breathless ride, full of stops, starts, and surprises, and is indicative of not only how well this band plays together, but how well their leader can hold court and remain a part of the ensemble. Celebration is a disc that lives up to its lofty title.
https://www.allmusic.com/album/celebration-mw0000202713

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Reseña de Thom Jurek
El trompetista, compositor y héroe general del jazz bosnio Dusko Goykovich es una anomalía entre sus compatriotas de Europa del Este. Lejos del mundanal ruido de los vanguardistas, Goykovich tiene sus raíces profundamente hundidas en el post-bop, el modalismo temprano del jazz de principios de los 60 y la invención lírica y melódica de improvisación de Paul Desmond y Bill Evans. Con una banda que incluye al pianista Kenny Drew, el bajista Jimmy Woode y el baterista Al Levitt, Goykovich compuso seis de las diez canciones del set, y son fácilmente las mejores cosas aquí. Su hermosa balada bossa, "Inga", proviene de un motivo menor y funciona horizontalmente, trayendo toda la gama de colores cromáticos a su estructura desafinada y métrica resistente. Los solos de Drew y Goykovich se complementan muy bien, pasando del modal a los patrones de bossa y samba antes de entrelazarse en una colcha de retazos de arpegios a juego. De las portadas, "Blues in the Closet" de Oscar Pettiford está en el bolsillo funky. Tan grasiento como su nombre, Goykovich permite que la línea melódica instigada por Woode se asiente antes de comenzar con un blues hard bop que recuerda a una sensación temática de Hank Mobley o Art Blakey. Drew brilla aquí mientras su ostinato recorre la barra por toda la melodía, golpeando deck en cada punto agudo y cambiando el riff de blues en un centavo. Goykovich ata el piano y luego se aventura en su won en una madeja tartamuda de frases bop recortadas, esparciendo corcheas por toda la escala. A medida que la pareja se une para acercarse a la melodía de la despedida, se enfrentan armónicamente, tambaleándose al borde del desastre solo para barrerlo todo debajo de la alfombra a la hora de pagar. Es un viaje sin aliento, lleno de paradas, arranques y sorpresas, y es indicativo no solo de lo bien que esta banda toca junta, sino de lo bien que su líder puede mantener la cancha y seguir siendo parte del conjunto. Celebration es un disco que hace honor a su noble título.
https://www.allmusic.com/album/celebration-mw0000202713

www.duskogojkovic.com ...

Royce Campbell • A Tribute To Henry Mancini

 

Review by Scott Yanow
Royce Campbell was Henry Mancini's guitarist for nearly 20 years, so he knows Mancini's music quite well. On this tribute CD, he turns nine of the composer's themes into jazz, which is a bit of an accomplishment because Mancini was a film rather than a jazz composer and only "Days of Wine and Roses" became a jam session standard. "Charade" and "Moon River" are given light Latin rhythms, "Dreameville" and "Letter to Henry" (the latter an original ballad by Campbell) are taken unaccompanied by the guitarist and even "The Pink Panther Theme" comes off well. Campbell's style at times recalls Wes Montgomery with touches of George Benson while the rhythm section (which includes pianist Bruce Barth, bassist Bill Moring and drummer Terry Clarke) is fine in support. This is a melodic and tasteful affair that the composer would have enjoyed.
https://www.allmusic.com/album/a-tribute-to-henry-mancini-mw0000182387

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Reseña de Scott Yanow
Royce Campbell fue el guitarrista de Henry Mancini durante casi 20 años, por lo que conoce bastante bien la música de Mancini. En este CD tributo, convierte nueve de los temas del compositor en jazz, lo cual es un logro porque Mancini era una película más que un compositor de jazz y solo "Days of Wine and Roses" se convirtió en un estándar de jam session. "Charade" y "Moon River" reciben ritmos latinos ligeros, "Dreameville" y "Letter to Henry" (esta última una balada original de Campbell) se toman sin acompañamiento del guitarrista e incluso" El tema de La Pantera Rosa " sale bien. El estilo de Campbell a veces recuerda a Wes Montgomery con toques de George Benson, mientras que la sección rítmica (que incluye al pianista Bruce Barth, el bajista Bill Moring y el baterista Terry Clarke) tiene un buen acompañamiento. Este es un asunto melódico y de buen gusto que el compositor habría disfrutado.
https://www.allmusic.com/album/a-tribute-to-henry-mancini-mw0000182387


www.roycecampbell.net ...

Jethro Tull • Benefit [50th Anniversary]

 

Biography by Timothy Monger
English progressive rock giants Jethro Tull are a unique phenomenon in popular music history. Their mix of heavy rock, flute-led folk melodies, blues licks, surreal, impossibly dense lyrics, and overall profundity defies easy analysis, yet in their 1970s heyday, they garnered a massive level of commercial success, notching a string of gold and platinum records and securing their place within the classic rock canon with releases like Aqualung (1971), Thick as a Brick (1972), and A Passion Play (1973). Even as critics cooled on them, Tull remained popular through later phases with their folk-rock records of the late '70s, the electronic experimentation of the early '80s, and eventually a Grammy Award-winning return to hard rock with 1987's Crest of a Knave. Led by enigmatic frontman Ian Anderson -- a singer, songwriter, guitarist, and rock's premier flutist -- Tull carried their unique amalgam with varying degrees of success into the 21st century with a 2003 Christmas album and a barrage of compilations and anniversary releases. Aside from Anderson, guitarist Martin Barre was the only other longtime member involved in most of the band's lineups and when the two parted ways in 2011, the group went on hiatus. After reviving a new version of Tull to commemorate their 50th anniversary in 2018, Anderson took the band back into the studio for a pair of late-period albums, 2022's The Zealot Gene and 2023's RökFlöte.

Jethro Tull's roots lay in the British blues boom of the late '60s. Anderson's family moved from Edinburgh to Blackpool in 1960 where he met future bandmates bassist Jeffrey Hammond-Hammond (later, simply Hammond) and keyboardist John Evans. Along with a guitarist named Michael Stephens, their first band was called the Blades -- named after James Bond's club -- who played a mix of jazzy blues and soulful dance music on the Northern club circuit. In 1965, they changed their name to the John Evan Band (Evan having dropped the "s" in his name at Hammond's suggestion) and later the John Evan Smash. By the end of 1967, Glenn Cornick had replaced Hammond on bass and the group moved to Luton in order to be closer to the center of the music scene in London. The band began to fall apart when Anderson and Cornick met guitarist/singer Mick Abrahams and drummer Clive Bunker, who had previously played together in the Toggery Five and were now members of a local blues band called McGregor's Engine.

In December of 1967, the four of them agreed to form a new group and began playing two nights a week, trying out different names, including Navy Blue and Bag of Blues. One of the names, Jethro Tull, was borrowed from an 18th century farmer/inventor and proved popular enough to stick. In early 1968, they cut a pop-folk single called "Sunshine Day," which MGM Records released under the misprinted name Jethro Toe. While the single went nowhere, the band managed to land a residency at the Marquee Club in London, where they began to attract attention. By this point Anderson had begun playing the flute, a unique, though divisive element among blues purists. Likewise, his on-stage antics -- jumping around in a ragged overcoat and standing on one leg while playing the flute -- and his use of folk sources as well as blues and jazz set Tull apart from their contemporaries. It also created something of a power struggle between Anderson and Abrahams, a hardcore blues enthusiast who idolized British blues godfather Alexis Korner. In June 1968 Jethro Tull opened for Pink Floyd at the first free rock festival in London's Hyde Park, and in August they were the hit of the Sunbury Jazz & Blues Festival in Sunbury-on-Thames. Within a month, the band had signed to Island Records which released their debut album, This Was, in November. By this time, Anderson was the dominant member of the group on-stage, and at the end of the month Abrahams left to form a new band, Blodwyn Pig. Tull went through two hastily recruited and rejected replacements, future Black Sabbath guitarist Tony Iommi (who was in Tull for a week, just long enough to show up for their appearance on the Rolling Stones' Rock 'N Roll Circus extravaganza), and Davy O'List, former guitarist with the Nice. Finally, Martin Barre, a former architecture student, became the band's new guitarist.

In May 1969, following tours with Jimi Hendrix and Led Zeppelin, Tull scored a number three U.K. hit with "Living in the Past." The single served as Barre's first recording with the group and they subsequently made their Top of the Pops debut. Released in July of that year, their second album, Stand Up, topped the U.K. charts and made it to number 20 in the U.S., effectively launching their mainstream career. With all of its material (except "Bourée," which was composed by Johann Sebastian Bach) written by Anderson, it marked a move away from Tull's blues origins, taking a more eclectic approach that also included orchestrations by future member David Palmer. Meanwhile, "Sweet Dream," issued in November, rose to number seven in England, and was the group's first release on Chrysalis, the new label formed by band managers Chris Wright and Terry Ellis. Their next single, "The Witch's Promise" reached number four in England in January of 1970. Released a few months later, Tull's third album, Benefit, marked their last look back at the blues, and was the first to feature John Evan, Anderson's longtime friend and former bandmate, on piano and organ. Benefit reached the number three spot in England, and ascended to number 11 in the U.S. Songs like "Teacher" and "Sossity; You're a Woman," formed a key part of Tull's stage repertory as they transitioned into a major touring draw on both sides of the Atlantic.

At the end of 1970, Cornick left the group and was replaced on bass by another of Anderson's former bandmates, Jeffrey Hammond-Hammond. Early the following year, they began working on what would prove to be, for many fans, their magnum opus, Aqualung. Anderson's writing had been moving in a more serious direction since the group's second album, but it was with Aqualung that he found the lyrical voice he'd been seeking. Released in March 1971 and split into two halves (subtitled Aqualung and My God), it introduced the progressive element -- along with searing hard rock passages and acoustic folk influences -- that would define much of Tull's early-'70s output. Its standouts included the hard-driving title cut and "Locomotive Breath" along with the folky "Mother Goose." The album's opinions on organized religion and themes of alienation struck a chord with listeners in the U.K. and in the U.S., where it became their first to achieve gold certification.

Not long after its release, Bunker was replaced on drums by yet another of Anderson's pre-Tull associates, Barriemore Barlow, who made his debut on 1972's Thick as a Brick. Irritated by critics who insisted on calling Aqualung a concept album (it was not), Anderson countered with Thick as a Brick, a parody of the concept album consisting of a single 43-minute track. Loaded with surreal imagery, Monty Python-inspired humor, and social commentary, it topped the charts in the U.S, Canada, and Australia, while reaching number five in the U.K. With Tull's heightened fame came rising demand for their work and Chrysalis responded with Living in the Past, a double-album anthology culled from their various singles, EPs, early albums, and a Carnegie Hall show. A double-album project of new material was attempted at Château d'Hérouville, a French studio then popular with the Rolling Stones and Elton John, but they soon abandoned the sessions and recorded their next LP, 1973's A Passion Play, in England. Like Thick as a Brick, it was conceived as a single-track concept album steeped in fantasy and religious imagery, and included a spoken word story narrated by Hammond called "The Hare That Lost His Spectacles." Despite critical backlash for its obscure lyrical references and excessive length, the album again reached number one in America (yielding a number eight single edited from the extended piece) and number 13 in England. As Jethro Tull's sold-out American tour commenced, the negative reviews increased with critics lambasting the band for their long (two-and-a-half hours) and overwrought stage shows, to the point that a frustrated Anderson soon shut himself away from the press entirely. The lack of positive press did little to deter fans from supporting their seventh album, War Child, which reached number two in the U.S. and went platinum. Conceived as part of a film project that never materialized, War Child was released in November 1974 and marked the group's return to conventional-length songs, and spawned a charting hit in "Bungle in the Jungle." That same year, Anderson produced Now We Are Six, the sixth album by U.K. folk-rock group and Chrysalis labelmates Steeleye Span. The English folk-rock scene would prove to be an influence on his own writing, especially in the latter years of the decade. The next Tull album, 1975's Minstrel in the Gallery took cues from Elizabethan minstrelsy, pairing rock and English folk in an eclectic way that harkened back to Aqualung. At this point the band's American success still outweighed their popularity at home, though they were trending downward on both charts.

The Jethro Tull lineup had been remarkably stable ever since Clive Bunker's post-Aqualung exit, remaining constant across four albums in as many years. In January of 1976, however, Hammond left the band to pursue a career in art. His replacement, John Glascock, joined in time for the recording of 1976's Too Old to Rock 'n Roll, Too Young to Die, an album made up partly of songs from an unproduced play proposed by Anderson and Palmer. The group later did an ITV special built around the album's songs, and the title track featured guest vocals from Steeleye Span frontwoman Maddy Prior. After achieving a moderate hit in late 1976 with the Christmas-themed EP Ring Out, Solstice Bells, Tull moved into their folk-rock phase with 1977's Songs from the Wood. More artistically unified and successful than their previous two releases, it reflected Anderson's passion for English folk songs. To celebrate its release, they undertook their first British tour in nearly three years. In May of that year, longtime collaborator and orchestrator David Palmer joined as a full-time member, playing keyboards. 1978's Heavy Horses continued in the folk-rock vein and was Anderson's most personal work in several years, its title track expressing his regret over the disappearance of England's huge shire horses as casualties of modernization. Later in the year, Tull's first full-length concert album, the double-LP Bursting Out: Jethro Tull Live, was released to modest success, accompanied by a tour of the United States and an international television broadcast from Madison Square Garden. 1979 proved to be both pivotal and tragic for the group. On November 17, bassist John Glascock died from complications of heart surgery, barely a month after the release of their 12th album Stormwatch. Longtime Fairport Convention bassist Dave Pegg stepped in to fill his shoes, but after the album's tour, there was something of a mass exodus, with Palmer, Evan, and Barlow all leaving the band.

The '80s began with Anderson attempting his first solo record. Backed by Barre, Pegg, and Mark Craney on drums, with multi-instrumentalist Eddie Jobson on violin, the ensuing album, A, saw release in September, though at the behest of Chrysalis, it was credited to Jethro Tull rather than Anderson. The new version of Tull toured in support of the album, which was more electronic and synth-driven than anything they'd previously made. Jobson left once the tour was over, and it was with yet another new lineup -- including Barre, Pegg, Fairport/Fotheringay alumnus Gerry Conway (drums) and Peter-John Vettesse (keyboards) -- that The Broadsword and the Beast was recorded in 1982. Although this album had many songs based on folk melodies, it again relied increasingly on the use of synthesizers. In 1983, Anderson finally made his first official solo album, Walk Into Light, which took him more fully into electronic mode. Following its lackluster performance, Anderson revived Jethro Tull for 1984's Under Wraps. The album's poor chart performance was partly a consequence of Anderson's developing a throat infection that forced the postponement of much of their planned tour. Still battling intermittent throat issues, Anderson and the group appeared on a German television special in March of 1985 and participated in a presentation of their work by the London Symphony Orchestra. To make up for the shortfall of new releases, Chrysalis released another compilation, Original Masters, a collection of highlights of the group's work, in late 1985 followed a year later by the orchestral A Classic Case: The London Symphony Orchestra Plays the Music of Jethro Tull.

With the 1987 release of their next album, Crest of a Knave, the band's fortunes began to shift. It performed surprisingly well on the charts, reaching number 19 in England and number 32 in America with the support of a world tour. Moreover, Crest of a Knave became something of a watershed in Tull's later history, though few would have guessed it at the time of its release. Bearing the sonic hallmarks of the era, the album was a mix of slickly produced hard and soft rock with plenty of synthesizers and occasional folk-rock touches. The following year, Tull toured the United States as part of their 20th anniversary celebration which also included the release of a career-spanning 65-song box set, 20 Years of Jethro Tull. In a surprise upset at the 1989 Grammy Awards, Tull beat out the heavily favored Metallica, winning Best Hard Rock/Metal Performance for Crest of a Knave. Capitalizing on their revival, they delivered the similarly styled Rock Island later that year which reached a healthy number 18 in England while peaking at 56 in America, despite a six-week U.S. tour to support the album.

Tull kicked off the next decade with 1991's Catfish Rising, followed a year later by And a Little Light Music, an acoustic live album that tapped into the then-prevalent unplugged fad. Despite declining numbers, the band continued playing to good-sized houses when they toured, and their catalog as a whole performed extremely well. In 1993, they celebrated their quarter-century mark with another anthology, the four-disc 25th Anniversary Box Set, which featured remixed versions of their hits, live shows from across their history, and a handful of new songs. Meanwhile, Anderson continued to write and record music apart from the group on occasion, most notably Divinities: Twelve Dances with God, a classically oriented solo album on EMI's classical imprint Angel Records. Moving into a more globally inspired phase, Tull issued Roots to Branches in 1995. Its fusion of rock and jazz with Arabic and Indian influences sat well with critics and they continued in this mode on 1999's similarly themed J-Tull.Dot.Com, their 20th studio outing. On the latter album, Pegg was replaced by incoming bassist Jonathan Noyce and both albums featured keyboardist Andrew Giddings.

In 2002, a one-off reunion of the band's original 1968 lineup (Anderson, Abrahams, Cornick, and Bunker) took place at a pub in England and was filmed for the DVD release Living with the Past. A year later, the contemporary Tull lineup (Anderson, Barre, Noyce, Giddings, and Perry) recorded what would be their final release together, The Jethro Tull Christmas Album. A collection of holiday songs both old and new, it turned out to be the group's biggest seller since Crest of a Knave, though it would also be their last studio album for nearly two decades. Meanwhile, Anderson continued to play live, both on his own and with the latter-day lineup who toured the entire Aqualung album in 2004 and released the concert album Aqualung Live. They also dug into the vaults and released Nothing Is Easy: Live at the Isle of Wight 1970 as well as the live compilation The Best of Acoustic Jethro Tull. Finally, in 2011, the long-lasting partnership of Anderson and Barre was severed and the two went their separate ways.

Barre put together his own touring group, Martin Barre's New Day, while Anderson forged ahead as a solo artist, though he never strayed far from the Tull oeuvre. His first project was an ambitious 2012 sequel to Thick as a Brick, simply titled Thick as a Brick 2. It was followed in 2014 by another Thick as a Brick-related collection of new material, Homo Erraticus. He also toured a new project, Jethro Tull: The Rock Opera, that involved reworked older songs along with new material written about the band's namesake, agriculturist Jethro Tull. In 2018, another milestone anniversary was honored with the compilation 50 for 50, which celebrated the group's 50th anniversary. Anderson continued to flirt with a possible Tull reunion, and at the end of 2019, he announced a U.K. tour titled The Prog Years, which was attributed to Ian Anderson & the Jethro Tull Band. The plans were subsequently canceled in early 2020 at the start of the global pandemic lockdowns. During this period, Anderson continued to record new material, which in 2022 was revealed to be The Zealot Gene, an album credited to Jethro Tull. Their first album of all-new material since 1999's J-Tull.Dot.Com, it saw Anderson joined by guitarist Florian Opahle, bassist David Goodier, keyboardist John O'Hara, and drummer Scott Hammond. A follow-up album, RökFlöte, arrived one year later with mostly the same lineup, minus Opahle, who had been replaced by guitarist Joe Parrish-James.
https://www.allmusic.com/artist/jethro-tull-mn0000850692#biography

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Biografía de Timothy Monger
Los gigantes ingleses del rock progresivo Jethro Tull son un fenómeno único en la historia de la música popular. Su mezcla de rock pesado, melodías folclóricas dirigidas por flauta, blues, letras surrealistas, imposiblemente densas y profundidad general desafía el análisis fácil, sin embargo, en su apogeo de la década de 1970, obtuvieron un gran nivel de éxito comercial, obteniendo una serie de discos de oro y platino y asegurando su lugar dentro del canon del rock clásico con lanzamientos como Aqualung (1971), Thick as a Brick (1972) y A Passion Play (1973). Incluso cuando los críticos se enfriaron con ellos, Tull siguió siendo popular en fases posteriores con sus discos de folk-rock de finales de los 70, la experimentación electrónica de principios de los 80 y, finalmente, un regreso ganador del Premio Grammy al hard rock con Crest of a Knave de 1987. Liderado por el enigmático líder Ian Anderson, cantante, compositor, guitarrista y flautista principal del rock, Tull llevó su amalgama única con diversos grados de éxito al siglo XXI con un álbum navideño de 2003 y un aluvión de compilaciones y lanzamientos de aniversario. Aparte de Anderson, el guitarrista Martin Barre era el único otro miembro veterano involucrado en la mayoría de las formaciones de la banda y cuando los dos se separaron en 2011, el grupo hizo una pausa. Después de revivir una nueva versión de Tull para conmemorar su 50 aniversario en 2018, Anderson llevó a la banda de regreso al estudio para un par de álbumes de finales del período, The Zealot Gene de 2022 y RökFlöte de 2023.

Las raíces de Jethro Tull se encuentran en el boom del blues británico de finales de los 60. La familia de Anderson se mudó de Edimburgo a Blackpool en 1960, donde conoció al futuro bajista de su banda Jeffrey Hammond-Hammond (más tarde, simplemente Hammond) y al tecladista John Evans. Junto con un guitarrista llamado Michael Stephens, su primera banda se llamó The Blades, llamada así por el club de James Bond, que tocaba una mezcla de blues jazzístico y música dance conmovedora en el circuito de clubes del Norte. En 1965, cambiaron su nombre a John Evan Band (Evan dejó caer la "s" en su nombre por sugerencia de Hammond) y más tarde a John Evan Smash. A finales de 1967, Glenn Cornick había reemplazado a Hammond en el bajo y el grupo se mudó a Luton para estar más cerca del centro de la escena musical de Londres. La banda comenzó a desmoronarse cuando Anderson y Cornick conocieron al guitarrista/cantante Mick Abrahams y al baterista Clive Bunker, quienes previamente habían tocado juntos en Toggery Five y ahora eran miembros de una banda de blues local llamada McGregor's Engine.

En diciembre de 1967, los cuatro acordaron formar un nuevo grupo y comenzaron a tocar dos noches a la semana, probando diferentes nombres, incluidos Navy Blue y Bag of Blues. Uno de los nombres, Jethro Tull, fue tomado de un granjero / inventor del siglo XVIII y resultó lo suficientemente popular como para quedarse. A principios de 1968, lanzaron un sencillo pop-folk llamado "Sunshine Day", que MGM Records lanzó bajo el nombre mal impreso de Jethro Toe. Si bien el sencillo no llegó a ninguna parte, la banda logró obtener una residencia en el Marquee Club de Londres, donde comenzaron a llamar la atención. En este punto, Anderson había comenzado a tocar la flauta, un elemento único, aunque divisivo, entre los puristas del blues. Asimismo, sus payasadas en el escenario, saltando con un abrigo andrajoso y parándose sobre una pierna mientras tocaba la flauta , y su uso de fuentes folclóricas, así como de blues y jazz, diferenciaron a Tull de sus contemporáneos. También creó una especie de lucha de poder entre Anderson y Abrahams, un entusiasta del blues hardcore que idolatraba al padrino del blues británico Alexis Korner. En junio de 1968, Jethro Tull abrió para Pink Floyd en el primer festival de rock gratuito en Hyde Park de Londres, y en agosto fueron el éxito del Festival de Jazz y Blues de Sunbury en Sunbury-on-Thames. En un mes, la banda había firmado con Island Records, que lanzó su álbum debut, This Was, en noviembre. Para entonces, Anderson era el miembro dominante del grupo en el escenario, y a fines de mes Abrahams se fue para formar una nueva banda, Blodwyn Pig. Tull pasó por dos reemplazos reclutados apresuradamente y rechazados, el futuro guitarrista de Black Sabbath Tony Iommi (que estuvo en Tull durante una semana, el tiempo suficiente para aparecer en el espectáculo de circo Rock ' N Roll de los Rolling Stones) y Davy O'List, ex guitarrista de the Nice. Finalmente, Martin Barre, un ex estudiante de arquitectura, se convirtió en el nuevo guitarrista de la banda.

En mayo de 1969, después de giras con Jimi Hendrix y Led Zeppelin, Tull obtuvo un éxito número tres en el Reino Unido con "Living in the Past."El sencillo sirvió como la primera grabación de Barre con el grupo y posteriormente hicieron su debut en Top of the Pops. Lanzado en julio de ese año, su segundo álbum, Stand Up, encabezó las listas del Reino Unido y llegó al número 20 en los EE.UU., lanzando efectivamente su carrera comercial. Con todo su material (excepto "Bourée", que fue compuesto por Johann Sebastian Bach) escrito por Anderson, marcó un alejamiento de los orígenes del blues de Tull, adoptando un enfoque más ecléctico que también incluyó orquestaciones del futuro miembro David Palmer. Mientras tanto, "Sweet Dream", publicado en noviembre, subió al número siete en Inglaterra, y fue el primer lanzamiento del grupo en Chrysalis, el nuevo sello formado por los gerentes de la banda Chris Wright y Terry Ellis. Su siguiente sencillo," The Witch's Promise", alcanzó el número cuatro en Inglaterra en enero de 1970. Lanzado unos meses después, el tercer álbum de Tull, Benefit, marcó su última mirada retrospectiva al blues y fue el primero en presentar a John Evan, amigo de Anderson desde hace mucho tiempo y excompañero de banda, al piano y al órgano. Benefit alcanzó el puesto número tres en Inglaterra y ascendió al número 11 en los EE.UU. Canciones como "Teacher" y "Sossity; You're a Woman" formaron una parte clave del repertorio escénico de Tull a medida que pasaban a ser un gran atractivo de gira a ambos lados del Atlántico.

A finales de 1970, Cornick dejó el grupo y fue reemplazado en el bajo por otro de los excompañeros de Anderson, Jeffrey Hammond-Hammond. A principios del año siguiente, comenzaron a trabajar en lo que resultaría ser, para muchos fanáticos, su obra maestra, Aqualung. La escritura de Anderson se había estado moviendo en una dirección más seria desde el segundo álbum del grupo, pero fue con Aqualung que encontró la voz lírica que había estado buscando. Lanzado en marzo de 1971 y dividido en dos mitades (subtitulado Aqualung y My God), introdujo el elemento progresivo, junto con pasajes abrasadores de hard rock e influencias acústicas folclóricas, que definirían gran parte de la producción de Tull a principios de los 70. Sus aspectos más destacados incluyeron el corte del título de conducción dura y "Locomotive Breath" junto con el folky "Mother Goose."Las opiniones del álbum sobre la religión organizada y los temas de alienación tocaron la fibra sensible de los oyentes en el Reino Unido y en los EE. UU., donde se convirtió en el primero en lograr la certificación de oro.

No mucho después de su lanzamiento, Bunker fue reemplazado en la batería por otro de los asociados anteriores a Anderson, Barriemore Barlow, quien hizo su debut en Thick as a Brick de 1972. Irritado por los críticos que insistieron en llamar a Aqualung un álbum conceptual( no lo era), Anderson respondió con Thick as a Brick, una parodia del álbum conceptual que consistía en una sola pista de 43 minutos. Cargado de imágenes surrealistas, humor inspirado en Monty Python y comentarios sociales, encabezó las listas de éxitos en los EE. UU., Canadá y Australia, mientras que alcanzó el número cinco en el Reino Unido. Con la mayor fama de Tull llegó una creciente demanda de su trabajo y Chrysalis respondió con Living in the Past, una antología de doble álbum extraída de sus diversos sencillos, EPs, primeros álbumes y un espectáculo en el Carnegie Hall. Se intentó un proyecto de doble álbum de nuevo material en Château d'Hérouville, un estudio francés entonces popular entre los Rolling Stones y Elton John, pero pronto abandonaron las sesiones y grabaron su siguiente LP, A Passion Play de 1973, en Inglaterra. Como Thick as a Brick, fue concebido como un álbum conceptual de una sola pista impregnado de fantasía e imágenes religiosas, e incluía una historia de palabra hablada narrada por Hammond llamada "La Liebre Que perdió Sus Anteojos"."A pesar de la reacción crítica por sus oscuras referencias líricas y su excesiva duración, el álbum volvió a alcanzar el número uno en Estados Unidos (obteniendo un sencillo número ocho editado de la pieza extendida) y el número 13 en Inglaterra. Cuando comenzó la gira estadounidense con entradas agotadas de Jethro Tull, las críticas negativas aumentaron y los críticos criticaron a la banda por sus largos (dos horas y media) y exagerados espectáculos teatrales, hasta el punto de que Anderson, frustrado, pronto se alejó por completo de la prensa. La falta de prensa positiva hizo poco para disuadir a los fanáticos de apoyar su séptimo álbum, War Child, que alcanzó el número dos en los EE.UU. y fue platino. Concebido como parte de un proyecto cinematográfico que nunca se materializó, War Child fue lanzado en noviembre de 1974 y marcó el regreso del grupo a las canciones de duración convencional, y generó un éxito en las listas de éxitos en "Bungle in the Jungle."Ese mismo año, Anderson produjo Now We Are Six, el sexto álbum del grupo de folk-rock del Reino Unido y sus compañeros de sello Chrysalis Steeleye Span. La escena folk-rock inglesa resultaría ser una influencia en su propia escritura, especialmente en los últimos años de la década. El siguiente álbum de Tull, Minstrel in the Gallery de 1975, tomó señales de la juglaría isabelina, combinando rock y folk inglés de una manera ecléctica que se remontaba a Aqualung. En este punto, el éxito estadounidense de la banda aún superaba su popularidad en casa, aunque tenían una tendencia a la baja en ambas listas.

La formación de Jethro Tull había sido notablemente estable desde la salida posterior a Aqualung de Clive Bunker, manteniéndose constante en cuatro álbumes en otros tantos años. Sin embargo, en enero de 1976, Hammond dejó la banda para seguir una carrera artística. Su reemplazo, John Glascock, se unió a tiempo para la grabación de Too Old to Rock ' n Roll, Too Young to Die de 1976, un álbum compuesto en parte por canciones de una obra de teatro no producida propuesta por Anderson y Palmer. Más tarde, el grupo hizo un especial de ITV basado en las canciones del álbum, y la canción principal contó con la voz invitada de la líder de Steeleye Span, Maddy Prior. Después de lograr un éxito moderado a fines de 1976 con el EP navideño Ring Out, Solstice Bells, Tull pasó a su fase de folk-rock con Songs from the Wood de 1977. Más artísticamente unificado y exitoso que sus dos lanzamientos anteriores, reflejó la pasión de Anderson por las canciones folclóricas inglesas. Para celebrar su lanzamiento, realizaron su primera gira británica en casi tres años. En mayo de ese año, el colaborador y orquestador David Palmer se unió como miembro de tiempo completo, tocando los teclados. Heavy Horses de 1978 continuó en la vena folk-rock y fue el trabajo más personal de Anderson en varios años, su canción principal expresaba su pesar por la desaparición de los enormes caballos shire de Inglaterra como víctimas de la modernización. Más tarde ese año, el primer álbum de conciertos de larga duración de Tull, el doble LP Bursting Out: Jethro Tull Live, fue lanzado con un éxito modesto, acompañado de una gira por los Estados Unidos y una transmisión televisiva internacional desde el Madison Square Garden. 1979 resultó ser crucial y trágico para el grupo. El 17 de noviembre, el bajista John Glascock murió por complicaciones de una cirugía cardíaca, apenas un mes después del lanzamiento de su duodécimo álbum Stormwatch. Dave Pegg, bajista de Fairport Convention desde hace mucho tiempo, intervino para ocupar su lugar, pero después de la gira del álbum, hubo una especie de éxodo masivo, con Palmer, Evan y Barlow dejando la banda.

Los años 80 comenzaron con Anderson intentando su primer disco en solitario. Respaldado por Barre, Pegg y Mark Craney a la batería, con el multiinstrumentista Eddie Jobson al violín, el álbum subsiguiente, A, se lanzó en septiembre, aunque a instancias de Chrysalis, se le atribuyó a Jethro Tull en lugar de a Anderson. La nueva versión de Tull realizó una gira en apoyo del álbum, que era más electrónico y basado en sintetizadores que cualquier cosa que hubieran hecho anteriormente. Jobson se fue una vez que terminó la gira, y fue con otra nueva formación, incluidos Barre, Pegg, el alumno de Fairport/Fotheringay Gerry Conway (batería) y Peter-John Vettesse (teclados), que The Broadsword and the Beast se grabó en 1982. Aunque este álbum tenía muchas canciones basadas en melodías folclóricas, nuevamente se basó cada vez más en el uso de sintetizadores. En 1983, Anderson finalmente hizo su primer álbum oficial en solitario, Walk Into Light, que lo llevó más al modo electrónico. Tras su mediocre actuación, Anderson revivió a Jethro Tull para Under Wraps de 1984. El pobre desempeño en las listas de éxitos del álbum fue en parte consecuencia de que Anderson desarrolló una infección de garganta que obligó a posponer gran parte de su gira planificada. Aún luchando contra problemas intermitentes de garganta, Anderson y el grupo aparecieron en un especial de televisión alemán en marzo de 1985 y participaron en una presentación de su trabajo por parte de la Orquesta Sinfónica de Londres. Para compensar el déficit de nuevos lanzamientos, Chrysalis lanzó otra compilación, Original Masters, una colección de lo más destacado del trabajo del grupo, a fines de 1985 seguida un año después por la orquestal A Classic Case: La Orquesta Sinfónica de Londres toca la música de Jethro Tull.

Con el lanzamiento en 1987 de su próximo álbum, Crest of a Knave, la suerte de la banda comenzó a cambiar. Tuvo un desempeño sorprendentemente bueno en las listas de éxitos, alcanzando el número 19 en Inglaterra y el número 32 en Estados Unidos con el apoyo de una gira mundial. Además, Crest of a Knave se convirtió en un hito en la historia posterior de Tull, aunque pocos lo habrían adivinado en el momento de su lanzamiento. Con las características sonoras de la época, el álbum fue una mezcla de rock duro y blando hábilmente producido con muchos sintetizadores y toques ocasionales de folk-rock. Al año siguiente, Tull realizó una gira por los Estados Unidos como parte de la celebración de su vigésimo aniversario, que también incluyó el lanzamiento de un box set de 65 canciones que abarcó su carrera, 20 Years of Jethro Tull. En una sorpresa sorpresa en los Premios Grammy de 1989, Tull venció a Metallica, ganando la mejor Interpretación de Hard Rock/Metal por Crest of a Knave. Aprovechando su renacimiento, entregaron Rock Island, de estilo similar, más tarde ese año, que alcanzó un saludable número 18 en Inglaterra, mientras que alcanzó el puesto 56 en Estados Unidos, a pesar de una gira de seis semanas por Estados Unidos para promocionar el álbum.

Tull inició la próxima década con Catfish Rising de 1991, seguido un año después por And a Little Light Music, un álbum acústico en vivo que aprovechó la moda desenchufada entonces predominante. A pesar de la disminución de números, la banda continuó tocando en casas de buen tamaño cuando salieron de gira, y su catálogo en su conjunto funcionó extremadamente bien. En 1993, celebraron su marca de un cuarto de siglo con otra antología, la Caja Recopilatoria del 25 Aniversario de cuatro discos, que incluía versiones remezcladas de sus éxitos, shows en vivo de toda su historia y un puñado de canciones nuevas. Mientras tanto, Anderson continuó escribiendo y grabando música aparte del grupo en ocasiones, sobre todo Divinities: Twelve Dances with God, un álbum en solitario de orientación clásica en el sello clásico Angel Records de EMI. Pasando a una fase de inspiración más global, Tull emitió Roots to Branches en 1995. Su fusión de rock y jazz con influencias árabes e indias sentó bien a los críticos y continuaron de esta manera en 1999 con un tema similar J-Tull.Dot.Com, su vigésima salida de estudio. En este último álbum, Pegg fue reemplazado por el bajista entrante Jonathan Noyce y ambos álbumes contaron con el tecladista Andrew Giddings.

En 2002, se llevó a cabo una reunión única de la formación original de la banda en 1968 (Anderson, Abrahams, Cornick y Bunker) en un pub de Inglaterra y se filmó para el lanzamiento del DVD Living with the Past. Un año después, la formación contemporánea de Tull (Anderson, Barre, Noyce, Giddings y Perry) grabó lo que sería su último lanzamiento juntos, el Álbum Navideño de Jethro Tull. Una colección de canciones navideñas tanto antiguas como nuevas, resultó ser el mayor vendedor del grupo desde Crest of a Knave, aunque también sería su último álbum de estudio en casi dos décadas. Mientras tanto, Anderson continuó tocando en vivo, tanto por su cuenta como con la formación de los últimos días que realizó una gira por todo el álbum Aqualung en 2004 y lanzó el álbum de conciertos Aqualung Live. También cavaron en las bóvedas y lanzaron Nothing Is Easy: Live at the Isle of Wight 1970, así como la compilación en vivo The Best of Acoustic Jethro Tull. Finalmente, en 2011, la asociación duradera de Anderson y Barre se rompió y los dos tomaron caminos separados.

Barre formó su propio grupo de gira, Martin Barre's New Day, mientras que Anderson siguió adelante como solista, aunque nunca se alejó mucho de la obra de Tull. Su primer proyecto fue una ambiciosa secuela de Thick as a Brick de 2012, titulada simplemente Thick as a Brick 2. Le siguió en 2014 otra colección de material nuevo relacionado con Thick as a Brick, Homo Erraticus. También realizó una gira por un nuevo proyecto, Jethro Tull: The Rock Opera, que incluía canciones antiguas reelaboradas junto con nuevo material escrito sobre el homónimo de la banda, el agricultor Jethro Tull. En 2018, se honró otro aniversario histórico con la compilación 50 for 50, que celebró el 50 aniversario del grupo. Anderson continuó coqueteando con una posible reunión de Tull y, a fines de 2019, anunció una gira por el Reino Unido titulada The Prog Years, que se atribuyó a Ian Anderson & the Jethro Tull Band. Posteriormente, los planes se cancelaron a principios de 2020 al comienzo de los cierres pandémicos globales. Durante este período, Anderson continuó grabando nuevo material, que en 2022 se reveló como The Zealot Gene, un álbum acreditado a Jethro Tull. Su primer álbum de material completamente nuevo desde 1999 J-Tull.Dot.Com, vio a Anderson acompañado por el guitarrista Florian Opahle, el bajista David Goodier, el tecladista John O'Hara y el baterista Scott Hammond. Un álbum de seguimiento, RökFlöte, llegó un año después con casi la misma formación, menos Opahle, quien había sido reemplazado por el guitarrista Joe Parrish-James.

jethrotull.com ...
   

George Shearing Trio & Stephane Grappelli • The Reunion

 

Review by Ron Wynn
A wonderful duo release from '76 with pianist George Shearing collaborating with violinist Stephane Grappelli. Shearing's sessions are usually more introspective and light than upbeat and hot, but Grappelli's soaring, exuberant violin solos seem to put a charge into Shearing, who responds with some of his hottest playing in many years.
https://www.allmusic.com/album/the-reunion-mw0000649727

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Reseña de Ron Wynn
Un maravilloso lanzamiento a dúo del ' 76 con el pianista George Shearing colaborando con el violinista Stephane Grappelli. Las sesiones de Shearing suelen ser más introspectivas y ligeras que optimistas y calientes, pero los exuberantes solos de violín de Grappelli parecen ponerle una carga a Shearing, quien responde con algunas de sus mejores interpretaciones en muchos años.
https://www.allmusic.com/album/the-reunion-mw0000649727

Bruton Music Library • BRE 3 Kids And Cartoons

 

Dick Hyman • The Way You Look Tonight

A very versatile virtuoso, Dick Hyman once recorded an album on which he played "A Child Is Born" in the styles of 11 different pianists, from Scott Joplin to Cecil Taylor. Hyman can clearly play anything he wants to, and since the '70s, he has mostly concentrated on pre-bop swing and stride styles. Hyman worked with Red Norvo (1949-1950) and Benny Goodman (1950), and then spent much of the 1950s and '60s as a studio musician. He appears on the one known sound film of Charlie Parker (Hot House from 1952); recorded honky tonk under pseudonyms; played organ and early synthesizers in addition to piano; was Arthur Godfrey's music director (1959-1962); collaborated with Leonard Feather on some History of Jazz concerts (doubling on clarinet), and even performed rock and free jazz; but all of this was a prelude to his later work. In the 1970s, Hyman played with the New York Jazz Repertory Company, formed the Perfect Jazz Repertory Quintet (1976), and started writing soundtracks for Woody Allen films. He has recorded frequently during the past several decades (sometimes in duets with Ruby Braff) for Concord, Music Masters, and Reference, among other labels, and ranks at the top of the classic jazz field. In 2013, Hyman teamed up with vocalist Heather Masse for a set of standards on the Red House label called Lock My Heart. ~by Scott Yanow

 

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Un virtuoso muy versátil, Dick Hyman grabó una vez un álbum en el que tocó "A Child Is Born" en los estilos de 11 pianistas diferentes, desde Scott Joplin hasta Cecil Taylor. Hyman puede claramente tocar lo que quiera, y desde los años 70, se ha concentrado sobre todo en los estilos de swing pre-bop y stride. Hyman trabajó con Red Norvo (1949-1950) y Benny Goodman (1950), y luego pasó gran parte de los años 50 y 60 como músico de estudio. Aparece en la única película sonora conocida de Charlie Parker (Hot House de 1952); grabó honky tonk bajo seudónimos; tocó el órgano y los primeros sintetizadores además del piano; fue el director musical de Arthur Godfrey (1959-1962); colaboró con Leonard Feather en algunos conciertos de Historia del Jazz (doblando en el clarinete), e incluso interpretó rock y free jazz; pero todo esto fue un preludio de su trabajo posterior. En la década de 1970, Hyman tocó con la New York Jazz Repertory Company, formó el Quinteto de Repertorio de Jazz Perfecto (1976), y comenzó a escribir bandas sonoras para películas de Woody Allen. Ha grabado frecuentemente durante las últimas décadas (a veces en dúos con Ruby Braff) para Concord, Music Masters y Reference, entre otros sellos, y está en la cima del campo del jazz clásico. En 2013, Hyman se asoció con la vocalista Heather Masse para un conjunto de estándares en el sello Red House llamado Lock My Heart. ~por Scott Yanow

 

 

 

Jouko Anttilan Quintet • Whispering

From Finland.

 

Mike Reinhardt Trio Ft. Hervé Meschinet • Road Song

 

Si Django était encore de ce monde, il apprécierait certainement la démarche de Mike Reinhardt : s'inscrire dans la modernité en tissant des liens forts avec des musiciens de haut niveau, différents et complémentaires. Mike Reinhardt, le guitariste électrique des Enfants de Django (CD live au Meridien AH 821), aime la musique de Django bien qu'il soit également influencé par l'école de guitare Jazz US. Il commence la guitare à 13 ans avec pour professeurs les albums de Wes Montgomery, George Benson, Mike Stern. Il croise la route de Bireli Lagrene avec qui il multipliera les boeufs . Au fil de ces rencontres, il aura l'occasion de jouer avec Didier Lockwood, Dorado et Tchavolo Schmitt, Yorgui Loeffler, Stochelo Rosenberg ... Finaliste des « Jazz à Juan Révélations » en 2006, on le retrouve sur de prestigieuses scènes : Nançy Jazz Pulsations, Festival de Jazz de Strasbourg, Vannes, Juan Les Pins, Vienne, Barcelonette, Orléans, Nîmes. Il remporte en 2007 le Grand Prix du Public au « Gibson Guitar Competition » présidé par George Benson au Festival de Montreux . Mike est un sentimental qui fait chanter les notes, alternant de longues phrases sinueuses à la sonorité très pure, n'oubliant ni feeling ni respiration, mettant en valeur une technique époustouflante et préservant une sonorité moelleuse . En 2009, il forme un Trio d'exception (Thierry Eliez, orgue et François Morin, batterie) qui n'est pas sans rappeler celui de Wes Montgomery. Pour la réalisation de cet album, Hervé Meschinet est venu donner un coup de main au Trio sur deux titres. Mike Reinhardt, âgé aujourd'hui de 34 ans, a acquis une maturité et une sérénité dignes des plus grands. Road Song est sans conteste un album de haut niveau pour mélomanes.


Colaborador / Contributor:  Mich58

Ben Webster • Soulville

 

Review by Stephen Cook
The by turns grizzled and vaporous-toned Webster really hit his stride on the Verve label. During a stretch from roughly 1953-1959, the Ellington alumnus showcased his supreme playing with both combos and string sections, swingers and ballads -- and lurking beneath his blustery and hulking sound were solo lines brimming with sophistication and wit. This 1957 date with the Oscar Peterson Trio is one of the highlights of that golden '50s run. After starting off with two bluesy originals -- the slow burning title track and gutsy "Late Date" -- Webster gets to the heart of things on five wistful ballads: Here, his exquisitely sly "Makin' Whoopee" is only outdone by an incredibly nuanced "Where Are You." Providing sympathetic counterpoint, Peterson forgoes his usual pyrotechnics for some leisurely compact solos; his cohorts -- guitarist Herb Ellis, bassist Ray Brown, and drummer Stan Levey -- are equally assured and splendid. And ending the set with flair, Webster takes over the piano for three somewhat middling yet still impressive stride and boogie-woogie-styled numbers (these are his only piano recordings). Newcomers shouldn't hesitate to start here.
https://www.allmusic.com/album/soulville-mw0000198773

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Reseña de Stephen Cook
El por turnos canoso y de tonos vaporosos Webster realmente dio un gran paso en la etiqueta Verve. Durante un período comprendido aproximadamente entre 1953 y 1959, el alumno de Ellington mostró su interpretación suprema con combos y secciones de cuerdas, swingers y baladas, y acechando debajo de su sonido ventoso y corpulento había líneas en solitario llenas de sofisticación e ingenio. Esta cita de 1957 con el Trío Oscar Peterson es uno de los aspectos más destacados de esa carrera dorada de los 50. Después de comenzar con dos originales de blues, la canción principal de combustión lenta y la valiente "Late Date", Webster llega al meollo de las cosas en cinco baladas melancólicas: Aquí, su exquisitamente astuta "Makin' Whoopee "solo es superada por una increíblemente matizada" Where Are You."Proporcionando un contrapunto comprensivo, Peterson renuncia a su pirotecnia habitual por algunos solos compactos y tranquilos; sus cohortes, el guitarrista Herb Ellis, el bajista Ray Brown y el baterista Stan Levey, están igualmente seguros y espléndidos. Y terminando el set con estilo, Webster se hace cargo del piano durante tres números algo mediocres pero aún impresionantes de zancada y estilo boogie-woogie (estas son sus únicas grabaciones para piano). Los recién llegados no deberían dudar en comenzar aquí.
https://www.allmusic.com/album/soulville-mw0000198773

Poncho Sanchez • Cambios

 

Review by Scott Yanow
Poncho Sanchez's many recordings for Concord Picante, going back to 1982, are quite consistent. Boppish solos mix in with an emphasis on Latin percussion to create high-quality, accessible Latin jazz. This particular CD is another delightful and infectious effort highlighted by a group vocal on "El Sabroson," melodic improvisations and the three exciting percussionists. Trombonist Art Velasco (featured on "In a Sentimental Mood") is powerful on "Pique" and emerges as the top soloist of the program, along with pianist David Torres (who is the musical director). Trumpeter Freddie Hubbard makes three guest appearances, but these are disappointments -- he is average on "Yesterdays" and "Sky Dive" and cracks an excess of notes on "My Foolish Heart." Otherwise, this is a rewarding and typically infectious Poncho Sanchez set.
https://www.allmusic.com/album/cambios-mw0000674272

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Reseña de Scott Yanow
Las muchas grabaciones de Poncho Sánchez para Concord Picante, que se remontan a 1982, son bastante consistentes. Los solos boppish se mezclan con énfasis en la percusión latina para crear jazz latino accesible y de alta calidad. Este CD en particular es otro esfuerzo delicioso e infeccioso destacado por una voz grupal en "El Sabroso", improvisaciones melódicas y los tres emocionantes percusionistas. El trombonista Art Velasco (presentado en "In a Sentimental Mood") es poderoso en "Pique" y emerge como el principal solista del programa, junto con el pianista David Torres(quien es el director musical). El trompetista Freddie Hubbard hace tres apariciones especiales , pero estas son decepciones: es promedio en "Yesterdays" y "Sky Dive" y rompe un exceso de notas en " My Foolish Heart."De lo contrario, este es un conjunto de Poncho Sánchez gratificante y típicamente infeccioso.
https://www.allmusic.com/album/cambios-mw0000674272


www.ponchosanchez.com ...

Blue Mitchell • H.N.I.C. Pts 1&2 [single]

 

Richard Galliano Quartet • New Musette

 

Biography
Richard Galliano has succeeded, through his musical emphasis on melody, rhythm, and harmony, in imposing his instrument in musical contexts that previously ignored it-jazz festivals (Marciac, Vienne, Montréal, etc.) and classical concert halls (Academia Santa-Cecilia in Rome, the Théâtre des Champs-Elysées in Paris, Milan' s la Scala, etc.).

He was born in Cannes on December 12, 1950. He studied piano and accordion with his father, Lucien Galliano, before pursuing his musical studies at the Nice Conservatory, presided at that time by organist Pierre Cochereau. He studied counterpoint, harmony, and trombone, graduating with a 1er Prix d' Excellence in 1969. In parallel with this musical apprenticeship he took part in international accordion competitions. Playing J.S. Bach, Tchaikovsky, Ravel and Gershwin, he won first prize in the accordion "World Cup" two years in a row (1966, Valence, Spain and 1967, Calais, France) as well as the President's Prize in 1968 (under President Charles de Gaulle).

In 1973 he left the south of France for Paris. For several years he collaborated with Claude Nougaro, Barbara, Serge Reggiani, Charles Aznavour, Juliette Gréco, Georges Moustaki and Zizi Jeanmaire. His duo performance with singer Allain Leprest for the album Voce A Mano won him the Grand Prix du Disque from the Académie Charles Cros. In the realm of French chanson we should also mention his musical encounters with the singer Catherine Ringer (of the group Rita Mitsouko) at the Cité de la Musique (Paris) and at the Antibes Jazz Festival in Juan-Les-Pins.

In 1983 Astor Piazzolla invited Richard Galliano to be the bandoneon soloist at the Comédie Française in his original music to accompany William Shakespeare's "A Midsummer Night's Dream", directed by Jorge Lavelli. It was the beginning of a long friendship between the two men that lasted until Piazzolla's death in 1992.

Between 1980 and 2003 Richard Galliano shared the stage with great musicians in concerts all over the world (Paris, New York, Moscow, London, Buenos Aires, Montréal, San Francisco, Istanbul, etc.). He played with : Chet BAKER, Ron CARTER, Joe ZAWINUL, Al FOSTER, Pierre MICHELOT, Birèli LAGRENE, Jean François Jenny CLARK, Eddy LOUISS, Philip CATHERINE, Aldo ROMANO, Daniel HUMAIR, André CECCARELLI, Charlie HADEN, Michel PORTAL, Didier LOCKWOOD , Maurice VANDER , Jimmy GOURLEY , Steve POTTS , StefanoBOLLANI , Hervé SELLIN , Hamilton DE HOLANDA , Lolo BELLONZI, Enrico RAVA, Toots THIELEMANS, Jean Charles CAPON, George MRAZ, Mark FELDMAN, Larry GRENADIER, Scott COLLEY, Clarence PENN, Gil GOLDSTEIN , Jan GARBAREK, Paquito DI RIVERA, Michel PETRUCCIANI, Gilberto GIL, SIVUCA, Martial SOLAL, Philippe AERTS, Antonello SALIS, Richard BONA, Manu KATCHÉ, Paolo FRESU, Jan LUNDGREN, Daniel GOYONE and many others.

During this period he also composed numerous original works, many of which were acclaimed by both the press and the public.

In 1991 Richard Galliano created the "New Musette" style and recorded it with Philip Catherine (guitar), Pierre Michelot (bass) and Aldo Romano (drums) for the record label Label Bleu.

IIn 1993 the Académie du Jazz awarded him the Django Reinhardt prize, naming him best jazz musician of the year. The same year, he recorded the album Viaggio, his first as part of an exclusive contract with the Dreyfus Jazz label, with Biréli Lagrène (guitar), Pierre Michelot (bass) and Charles Belonzi (drums). Nominated for the annual Victoires de la Musique, the album received the Django d' Or prize for best album of the year..

In 1995 Richard Galliano recorded Laurita, with Joey Baron (drums), Palle Danielsson (bass) and three other prestigious guests: Toots Thielemans (harmonica), Didier Lockwood (violin) and Michel Portal (clarinet).

In 1996 his third album for Dreyfus Jazz, New York Tango, recorded in New York with Al Foster (drums) George Mraz (bass) and Biréli Lagrène (guitar), won an award at the Victoires de la Musique.

The following album, Blow Up, recorded in 1997 in a duo with Michel Portal, met with phenomenal success, selling more than 100,000 copies and winning numerous awards: Victoire de la Musique, the Boris Vian Prize (Académie du Jazz) and Best International Album (Musica Jazz).

In 1998 Richard Galliano recorded French Touch with Jean-François Jenny-Clark (bass), Daniel Humair (drums), Michel Portal (saxophone), André Ceccarelli (drums), Rémi Vignolo (bass) and Jean-Marie Ecay (guitar). The album, nominated for the Victoires de la Musique and awarded Best International Album by Musica Jazz, was released after five years of touring by the Galliano/Jenny-Clark/Humair trio. Unfortunately its release was saddened by the death of Richard Galliano' s close friend Jean-François Jenny-Clark..

In 1999 Richard Galliano recorded his sixth album for Dreyfus Jazz, Passatori, in Florence, Italy, with string players from the Tuscan chamber orchestra L' Orchestra della Toscana and pianist Stefano Bollani, playing a program of original compositions and works by Astor Piazzolla. Passatori was nominated for the Victoires de la Musique.

Dreyfus Jazz released a three-disc boxed set of unreleased concerts the same year, comprising a solo album recorded at the Umbria Jazz Festival in Orvieto on December 31, 1998, a duo with Michel Portal recorded in Hamburg on October 29, 1998, and a trio with Daniel Humair and Jean-François Jenny-Clark recorded at the Montreux Jazz Festival on July 10, 1996.

The year 2001 saw the release of two albums - Gallianissimo and Face To Face. The first is a greatest hits compilation of his years with Dreyfus Jazz and the second a new studio recording in a duo with Eddy Louiss. The latter won the 2001 Django d' Or prize and was nominated for the Victoires de la Musique.

Ten years after the death of Astor Piazzolla, Dreyfus Jazz released in 2003 a concert in his honor recorded live direct-to-two-track at the Willisau Festival on August 29, 2002 as a septet with Jean-Marc Phillips-Varjabédian (violin solo), Lyonel Schmit (second violin), Jean-Marc Apap (viola) Raphaël Pidoux (cello), Stéphane Logerot (bass), and Hervé Sellin (piano).

The septet formation, which gave its name to the album (Piazzolla Forever), was unique in playing at both jazz festivals and classical venues (Nice Jazz Festival, Amsterdam Concerttown, Montreux Jazz Festival, Théâtre des Champs-Elysées, etc.).

All that without forgetting the re-issues of Blue Rondo à la Turk (1980) and Blues sur Seine as a duo with the cellist Jean-Charles Capon, Salsamba (1983) with Chet Baker (trumpet) and Brazilian musicians, Spleen (1985) with a Latin quintet in which Richard Galliano played melody on the accordina (keyed wind instrument) and Panamanhattan (1990) as a duo with the American bassist Ron Carter.

Richard Galliano has never worried about being the world' s best accordionist but rather has always been concerned with giving his audience the very best of himself, of "playing the music of his world", and of delving into his diverse musical roots - Italian, Mediterranean, jazz, French chanson, and classical music.

He has inspired the entire new generation of international accordionists. Today many young musicians to play his music and "copy" his style (the are more than 50 versions of his "Valse à Margaux"). In addition some of his former students have embarked on interesting and rich musical careers, including Peer Glovingen (with Gidon Kremer) and Daniel Mille.

In August 2002, for the yearly Down Beat Poll, Richard Galliano is arriving first of "new generation" in the category "miscellaneous instruments".

In May 2003, Richard Galliano is appearing with Michel Portal at the Scala of Milano (recording of the Live album "Concerts").

In the years 2004/05, after the recording of the New York Trio album, Richard is touring extensively with the American rhythm section : either Larry Grenadier on bass and Clarence Penn on drums, or Clarence with Scott Colley on bass. The second trio tour culminates at the Theatre des Champs Elysées in Paris in May 2005. In June of the same year, Richard is back to Paris to record a DVD of the Piazzolla Forever Septet at the Theatre des Bouffes du Nord, the exact place where the project had been launched three years before : after 250 concerts given worldwide, the septet is ending their collaboration in the venue of their start, though this high profile event will still remain available in the future for special concerts.

In March 2006, R.Galliano invited with his New York rhythm section the very special guest Gary Burton, world famous top vibraphone master, at the initiative of the Cité de la Musique in Paris, and this project tours extensively and will be touring again in the autumn 2007. A recording took place in New York in August 2006, and will see the light in September 2007 for the Italian label Camjazz.

But it is definitely the Tangaria project, a special quartet with violin (the incredible Alexis Cardenas from Venezuela), bass (Philip Catherine's mate Philippe Aerts), and another fine player from Venezuela, percussionist Rafael Mejias, with the Brazilian special guest on mandolin, Hamilton de Holanda, that will be the highlight of the year 2007, with an extensive tour in the summer 2007, adding the fine drumming of Clarence Penn. Recorded with some Brazilian special guests in Sao Paulo in September 2006, the album will be out in February 2007 for Milan Records, a label which is very familiar to the work of Astor Piazzolla.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/richard-galliano

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Biografía

Richard Galliano ha conseguido, gracias a su énfasis musical en la melodía, el ritmo y la armonía, imponer su instrumento en contextos musicales que antes lo ignoraban: festivales de jazz (Marciac, Vienne, Montreal, etc.) y salas de conciertos clásicas (Academia Santa-Cecilia de Roma, Théâtre des Champs-Elysées de París, la Scala de Milán, etc.).

Nació en Cannes el 12 de diciembre de 1950. Estudió piano y acordeón con su padre, Lucien Galliano, antes de proseguir sus estudios musicales en el Conservatorio de Niza, presidido entonces por el organista Pierre Cochereau. Estudió contrapunto, armonía y trombón, y se graduó con un 1er Prix d' Excellence en 1969. Paralelamente a este aprendizaje musical, participó en concursos internacionales de acordeón. Tocando a J.S. Bach, Tchaikovsky, Ravel y Gershwin, ganó el primer premio de la "Copa del Mundo" de acordeón dos años consecutivos (1966, Valence, España, y 1967, Calais, Francia), así como el Premio del Presidente en 1968 (bajo la presidencia de Charles de Gaulle).

En 1973 abandonó el sur de Francia para instalarse en París. Durante varios años colaboró con Claude Nougaro, Barbara, Serge Reggiani, Charles Aznavour, Juliette Gréco, Georges Moustaki y Zizi Jeanmaire. Su actuación a dúo con el cantante Allain Leprest para el álbum Voce A Mano le valió el Gran Premio del Disco de la Academia Charles Cros. En el ámbito de la chanson francesa, cabe mencionar también sus encuentros musicales con la cantante Catherine Ringer (del grupo Rita Mitsouko) en la Cité de la Musique (París) y en el Festival de Jazz de Antibes, en Juan-Les-Pins.

En 1983 Astor Piazzolla invitó a Richard Galliano a ser el bandoneón solista en la Comédie Française en su música original para acompañar "El sueño de una noche de verano" de William Shakespeare, dirigida por Jorge Lavelli. Fue el comienzo de una larga amistad entre los dos hombres que duró hasta la muerte de Piazzolla en 1992.

Entre 1980 y 2003, Richard Galliano compartió escenario con grandes músicos en conciertos por todo el mundo (París, Nueva York, Moscú, Londres, Buenos Aires, Montreal, San Francisco, Estambul, etc.). Tocó con : Chet BAKER, Ron CARTER, Joe ZAWINUL, Al FOSTER, Pierre MICHELOT, Birèli LAGRENE, Jean François Jenny CLARK, Eddy LOUISS, Philip CATHERINE, Aldo ROMANO, Daniel HUMAIR, André CECCARELLI, Charlie HADEN, Michel PORTAL, Didier LOCKWOOD , Maurice VANDER , Jimmy GOURLEY , Steve POTTS , StefanoBOLLANI , Hervé SELLIN , Hamilton DE HOLANDA , Lolo BELLONZI, Enrico RAVA, Toots THIELEMANS, Jean Charles CAPON, George MRAZ, Mark FELDMAN, Larry GRENADIER, Scott COLLEY, Clarence PENN, Gil GOLDSTEIN , Jan GARBAREK, Paquito DI RIVERA, Michel PETRUCCIANI, Gilberto GIL, SIVUCA, Martial SOLAL, Philippe AERTS, Antonello SALIS, Richard BONA, Manu KATCHÉ, Paolo FRESU, Jan LUNDGREN, Daniel GOYONE y muchos otros.

Durante este periodo también compuso numerosas obras originales, muchas de las cuales fueron aclamadas tanto por la prensa como por el público.

En 1991, Richard Galliano creó el estilo "New Musette" y lo grabó con Philip Catherine (guitarra), Pierre Michelot (bajo) y Aldo Romano (batería) para el sello discográfico Label Bleu.

En 1993, la Academia del Jazz le concedió el premio Django Reinhardt al mejor músico de jazz del año. Ese mismo año, graba el álbum Viaggio, el primero en el marco de un contrato exclusivo con el sello Dreyfus Jazz, con Biréli Lagrène (guitarra), Pierre Michelot (bajo) y Charles Belonzi (batería). Nominado a las Victoires de la Musique anuales, el álbum recibió el premio Django d' Or al mejor álbum del año..

En 1995, Richard Galliano grabó Laurita, con Joey Baron (batería), Palle Danielsson (bajo) y otros tres prestigiosos invitados: Toots Thielemans (armónica), Didier Lockwood (violín) y Michel Portal (clarinete).

En 1996, su tercer álbum para Dreyfus Jazz, New York Tango, grabado en Nueva York con Al Foster (batería) George Mraz (bajo) y Biréli Lagrène (guitarra), fue premiado en las Victoires de la Musique.

El álbum siguiente, Blow Up, grabado en 1997 en dúo con Michel Portal, obtuvo un éxito fenomenal, vendiendo más de 100.000 copias y ganando numerosos premios: Victoire de la Musique, Premio Boris Vian (Académie du Jazz) y Mejor Álbum Internacional (Musica Jazz).

En 1998, Richard Galliano grabó French Touch con Jean-François Jenny-Clark (bajo), Daniel Humair (batería), Michel Portal (saxofón), André Ceccarelli (batería), Rémi Vignolo (bajo) y Jean-Marie Ecay (guitarra). El álbum, nominado a las Victoires de la Musique y galardonado con el premio al mejor álbum internacional por Musica Jazz, vio la luz tras cinco años de giras del trío Galliano/Jenny-Clark/Humair. Desgraciadamente, su publicación se vio empañada por la muerte de Jean-François Jenny-Clark, amigo íntimo de Richard Galliano.

En 1999, Richard Galliano grabó su sexto álbum para Dreyfus Jazz, Passatori, en Florencia, Italia, con músicos de cuerda de la orquesta de cámara toscana L' Orchestra della Toscana y el pianista Stefano Bollani, interpretando un programa de composiciones originales y obras de Astor Piazzolla. Passatori fue nominado a las Victoires de la Musique.

Ese mismo año, Dreyfus Jazz publicó una caja de tres discos con conciertos inéditos: un álbum en solitario grabado en el Festival de Jazz de Umbría (Orvieto) el 31 de diciembre de 1998, un dúo con Michel Portal grabado en Hamburgo el 29 de octubre de 1998 y un trío con Daniel Humair y Jean-François Jenny-Clark grabado en el Festival de Jazz de Montreux el 10 de julio de 1996.

En 2001 publicó dos álbumes: Gallianissimo y Face To Face. El primero es una recopilación de grandes éxitos de sus años con Dreyfus Jazz y el segundo una nueva grabación de estudio en dúo con Eddy Louiss. Este último ganó el premio Django d' Or 2001 y fue nominado a las Victoires de la Musique.

Diez años después de la muerte de Astor Piazzolla, Dreyfus Jazz publicó en 2003 un concierto en su honor grabado en directo directo a dos pistas en el Festival de Willisau el 29 de agosto de 2002 como septeto con Jean-Marc Phillips-Varjabédian (violín solo), Lyonel Schmit (segundo violín), Jean-Marc Apap (viola) Raphaël Pidoux (violonchelo), Stéphane Logerot (bajo) y Hervé Sellin (piano).

La formación del septeto, que dio nombre al álbum (Piazzolla Forever), fue única tocando tanto en festivales de jazz como en salas clásicas (Festival de Jazz de Niza, Concerttown de Ámsterdam, Festival de Jazz de Montreux, Théâtre des Champs-Elysées, etc.).

Todo ello sin olvidar las reediciones de Blue Rondo à la Turk (1980) y Blues sur Seine a dúo con el violonchelista Jean-Charles Capon, Salsamba (1983) con Chet Baker (trompeta) y músicos brasileños, Spleen (1985) con un quinteto latino en el que Richard Galliano tocaba la melodía en la accordina (instrumento de viento afinado) y Panamanhattan (1990) a dúo con el bajista estadounidense Ron Carter.

Richard Galliano nunca se ha preocupado por ser el mejor acordeonista del mundo, sino por ofrecer a su público lo mejor de sí mismo, por "tocar la música de su mundo" y por ahondar en sus diversas raíces musicales: música italiana, mediterránea, jazz, chanson francesa y clásica.

Ha inspirado a toda una nueva generación de acordeonistas internacionales. Hoy en día, muchos jóvenes músicos tocan su música y "copian" su estilo (hay más de 50 versiones de su "Valse à Margaux"). Además, algunos de sus antiguos alumnos han emprendido interesantes y ricas carreras musicales, como Peer Glovingen (con Gidon Kremer) y Daniel Mille.

En agosto de 2002, para la encuesta anual Down Beat Poll, Richard Galliano llega el primero de la "nueva generación" en la categoría "instrumentos varios".

En mayo de 2003, Richard Galliano se presenta con Michel Portal en la Scala de Milán (grabación del álbum en directo "Concerts").

En los años 2004/05, tras la grabación del álbum "New York Trio", Richard realiza numerosas giras con la sección rítmica americana: Larry Grenadier al bajo y Clarence Penn a la batería, o Clarence con Scott Colley al bajo. La segunda gira del trío culmina en el Teatro de los Campos Elíseos de París en mayo de 2005. En junio del mismo año, Richard vuelve a París para grabar un DVD del Piazzolla Forever Septet en el Theatre des Bouffes du Nord, el lugar exacto donde se había lanzado el proyecto tres años antes : después de 250 conciertos ofrecidos en todo el mundo, el septeto pone fin a su colaboración en el lugar de sus comienzos, aunque este lugar de alto nivel seguirá estando disponible en el futuro para conciertos especiales.

En marzo de 2006, R.Galliano invitó con su sección rítmica de Nueva York al invitado muy especial Gary Burton, maestro mundialmente famoso del vibráfono, por iniciativa de la Cité de la Musique de París, y este proyecto realiza numerosas giras y volverá a hacerlo en otoño de 2007. En agosto de 2006 se realizó una grabación en Nueva York, que verá la luz en septiembre de 2007 para el sello italiano Camjazz.

Pero es sin duda el proyecto Tangaria, un cuarteto especial con violín (el increíble Alexis Cárdenas de Venezuela), bajo (el compañero de Philip Catherine, Philippe Aerts), y otro buen músico de Venezuela, el percusionista Rafael Mejías, con el invitado especial brasileño a la mandolina, Hamilton de Holanda, que será lo más destacado del año 2007, con una extensa gira en el verano de 2007, añadiendo la fina batería de Clarence Penn. Grabado con algunos invitados especiales brasileños en Sao Paulo en septiembre de 2006, el álbum saldrá en febrero de 2007 para Milan Records, sello muy familiarizado con la obra de Astor Piazzolla.

https://www.allaboutjazz.com/musicians/richard-galliano

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Kenny Burrell • The Common Ground

Review by Ronnie D. Lankford, Jr.
When it comes to Kenny Burrell, a title like Blues -- The Common Ground speaks volumes. His approach always keeps in mind the connection of jazz to the blues, infusing his guitar with a soulful, hard bop edge. Recorded in 1967 and 1968, Blues -- The Common Ground finds Burrell backed by lots of brass and wind instruments for most of the album, hardly his usual setting. But his guitar successfully weaves in and out of songs like "Every Day (I Have the Blues)" and "Burning Spear," blending with the band and creating a pleasant balance. Much of this works thanks to arranger Don Sebesky's tasteful settings. Sebesky seems to have an instinctive grasp of when to sit on the band and when to let it fly loose. There's the late-night, gentle feel of "Angel Eyes," and the more animated setup on the title cut. The only time this doesn't work is on pieces like "The Preacher" and "See See Rider," where the upbeat horns and shrill flutes remind one of a "groovy" soundtrack from a bad '60s movie. It's also interesting to note that the album's unusual song choices, like "Everydays" by Stephen Stills, do find common ground in the blues. There's a beautiful, short solo piece, "Were You There?," and two quartet pieces, "Sausalito Nights" and "Soulful Brothers." Blues -- The Common Ground holds up well, and the 2001 reissue offers Burrell fans a cleaned-up version of this fine album.
https://www.allmusic.com/album/blues-the-common-ground-mw0000015010

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Reseña de Ronnie D. Lankford, Jr.
Cuando se trata de Kenny Burrell, un título como Blues -- The Common Ground dice mucho. Su enfoque siempre tiene en cuenta la conexión del jazz con el blues, infundiendo su guitarra con un toque de bop duro y conmovedor. Grabado en 1967 y 1968, Blues -- The Common Ground encuentra a Burrell respaldado por muchos instrumentos de viento y de metal durante la mayor parte del álbum, difícilmente su escenario habitual. Pero su guitarra se entreteje con éxito en canciones como "Every Day (I Have the Blues)" y "Burning Spear", mezclándose con la banda y creando un agradable equilibrio. Mucho de esto funciona gracias a los arreglos de buen gusto del arreglista Don Sebesky. Sebesky parece tener una comprensión instintiva de cuándo sentarse en la banda y cuándo dejarla volar libremente. Está la sensación de "Ojos de Ángel", y la configuración más animada en el corte del título. La única vez que esto no funciona es en piezas como "The Preacher" y "See See Rider", donde los animados cuernos y las estridentes flautas recuerdan una banda sonora "groovy" de una mala película de los 60. También es interesante notar que las inusuales elecciones de canciones del álbum, como "Everydays" de Stephen Stills, encuentran un terreno común en el blues. Hay una hermosa y corta pieza solista, "Were You There?", y dos piezas para cuarteto, "Sausalito Nights" y "Soulful Brothers". Blues -- The Common Ground se mantiene bien, y la reedición de 2001 ofrece a los fans de Burrell una versión depurada de este fino álbum.
https://www.allmusic.com/album/blues-the-common-ground-mw0000015010