Hank Mobley • No Room for Squares

 

Review
by Thom Jurek
Why any critic would think that Hank Mobley was at the end of his creative spark in 1963 -- a commonly if stupidly held view among the eggheads who do this for a living -- is ridiculous, as this fine session proves. By 1963, Mobley had undergone a transformation of tone. Replacing the scintillating airiness of his late-'50s sides was a harder, more strident, almost honking one, due in part to the influence of John Coltrane and in part to Mobley's deeper concentration on the expressing blues feeling in his trademark hard bop tunes. The CD version of this album sets the record straight, dropping some tunes form a session months earlier and replacing them with alternate takes of the title cut and "Carolyn" for historical integrity, as well as adding "Syrup and Biscuits" and "Comin' Back." Mobley assembled a crack band for this blues-drenched hard-rollicking set made up of material written by either him or trumpeter Lee Morgan. Other members of the ensemble were pianist Andrew Hill, drummer Philly Joe Jones, and bassist John Ore. The title track, which opens the set, is a stand-in metaphor for the rest: Mobley's strong and knotty off-minor front-line trading fours with Hill that moves into brief but aggressive soloing for he and Morgan and brings the melody back, altered with the changes from Hill. On Morgan's "Me 'n' You," an aggressive but short bluesed-out vamp backed by a mutated samba beat, comes right out of the Art Blakey book of the blues and is articulated wonderfully by Mobley's solo, which alternates between short, clipped phrases along the line of the changes and longer trill and ostinatos where the end of a musical line is dictated by his breath rather than a chord change. Morgan is in the pocket of the blue shades, coloring the ends of his lines with trills and short staccato bursts, warping them in Hill's open, chromatic voicings. All eight cuts here move with similar fluidity and offer a very gritty and realist approach to the roots of hard bop. Highly recommended.
https://www.allmusic.com/album/no-room-for-squares-mw0000097955

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Reseña
por Thom Jurek
El hecho de que cualquier crítico piense que Hank Mobley estaba en el final de su chispa creativa en 1963 -una opinión común, aunque estúpida, entre los cerebritos que se ganan la vida con esto- es ridículo, como demuestra esta excelente sesión. En 1963, Mobley había experimentado una transformación de tono. En lugar de la centelleante ligereza de sus lados de finales de los 50, había un tono más duro, más estridente, casi con bocinazos, debido en parte a la influencia de John Coltrane y en parte a la concentración más profunda de Mobley en el sentimiento expresivo del blues en sus temas característicos del hard bop. La versión en CD de este álbum deja constancia de ello, eliminando algunas melodías de una sesión realizada meses antes y sustituyéndolas por tomas alternativas del corte que da título al disco y de "Carolyn" para mantener la integridad histórica, además de añadir "Syrup and Biscuits" y "Comin' Back". Mobley reunió una banda de lujo para este conjunto de blues y rock duro, compuesto por material escrito por él o por el trompetista Lee Morgan. Otros miembros del conjunto eran el pianista Andrew Hill, el batería Philly Joe Jones y el bajista John Ore. El tema que da título al conjunto es una metáfora del resto: La fuerte y nudosa línea frontal de Mobley intercambiando cuatros con Hill que pasa a un breve pero agresivo solo para él y Morgan y que devuelve la melodía, alterada con los cambios de Hill. En "Me 'n' You" de Morgan, un agresivo pero corto vampiro de blues respaldado por un ritmo de samba mutado, sale directamente del libro de blues de Art Blakey y está articulado maravillosamente por el solo de Mobley, que alterna entre frases cortas y recortadas a lo largo de la línea de los cambios y trinos y ostinatos más largos en los que el final de una línea musical es dictado por su respiración en lugar de un cambio de acorde. Morgan está en el bolsillo de los tonos azules, coloreando los finales de sus líneas con trinos y breves estallidos de staccato, deformándolos en las votaciones abiertas y cromáticas de Hill. Los ocho cortes aquí se mueven con una fluidez similar y ofrecen un enfoque muy descarnado y realista de las raíces del hard bop. Muy recomendable.
https://www.allmusic.com/album/no-room-for-squares-mw0000097955

Milt Buckner • More Chords

 

Milton Brent Buckner was born in St. Louis on July 19, 1915. His little brother Ted, who should not be confused with their distant relative, Texas born trumpeter Teddy Buckner, was destined to become a saxophonist with the Jimmie Lunceford Orchestra (where he actually recorded with Teddy in 1939) and an R&B and Motown sessionman. Milt's parents, who encouraged him to learn to play piano, both died when he was nine years old. The two orphans were sent to Detroit where they were adopted by members of the Earl Walton Orchestra; Milt studied piano from age ten to thirteen with his uncle John Tobias (Walton's trombonist), and began writing arrangements for the band at the age of fifteen. While studying at the Detroit Institute of Arts he performed with Mose Burke & the Dixie Whangdoodles and the Harlem Aristocrats. After drummer and bandleader Don Cox hired him in 1932, Buckner began to develop a uniquely percussive technique employing parallel tonal patterns, later referred to as "block chords," a style now associated with Oscar Peterson and George Shearing. During the '30s Buckner also worked in groups led by Jimmy Raschelle, Lanky Bowman, and Howard Bunts. His first big break came in 1941 when he became Lionel Hampton's staff arranger and assistant director. His predilection for rocking rhythms and boogie-woogie fit nicely with Hamp's approach to entertainment. Buckner worked with Hampton during the years 1941-1948 and 1950-1952.

Buckner's earliest recordings survive as a set of piano solos etched into Presto transcription acetates cut on the last day of August 1941. His next appearance in a studio was as a member of a small group led by Lionel Hampton backing young Dinah Washington on her recording debut in December 1943; these feisty, blues based performances were made available to the public on Harry Lim's Keynote label. In 1945 Buckner made records with saxophonist Herbie Fields, Ellington crooner Herb Jeffries and R&B shouter Wynonie Harris, including Harris' smash hit, a cover of Lionel Hampton and Curley Hamner's highly successful "Hey! Ba-Ba-Re-Bop." In 1946 he made the first of a series of recordings with a group variously billed as the Beale Street Boys, the Beale Street Gang, and the Hot Shots. Over the next three years Buckner led a series of dates for the Savoy label. In 1949 he made records with a big band for MGM, sat in on an Eddie Condon Floorshow with drummer Buddy Rich and tap-dancer Baby Laurence on NBC TV, and conducted Teddy Stewart's Orchestra behind Dinah Washington on a date for Mercury records.

In 1950 Buckner recorded with the Three Flames for MGM, with singer Florence Wright for National, with Wynonie Harris for Vogue records, with Rufus Thomas ("Mr. Swing") for the Bullet label in Memphis, and with vocalist Mabel Scott and saxophonists Eddie "Cleanhead" Vinson, Buddy Tate and Wild Bill Moore for King. It was during the Moore session that Buckner first switched from piano to organ. He trundled it out again in Houston TX during the spring of 1952 while backing vocalist Sonny Parker with Gladys Hampton's Blue Boys for Peacock records. Milt recorded for the Scooter, Regent and Brunswick labels, and jammed with saxophonist Charlie Parker in 1953 at the bandbox in New York City. He sat piano for the Imperials (with Willie Dixon playing bass) on a Great Lakes session that took place in Detroit during the spring of 1954. Buckner also visited Philadelphia over the summer to record a few tunes with guitarist Big Ham Williams and drummer Sam Woodyard which were issued on 20th Century records, a subsidiary of the Gotham label.

Milt Buckner was a Capitol recording artist from April 1955 through July 1957, sharing the studio with saxophonists Earle Warren and Sam Taylor, guitarists Everett Barksdale and Skeeter Best, bassist Milt Hinton and drummers Osie Johnson and Shadow Wilson. He taped his first Argo LP in New York in December 1959 with guitarist Kenny Burrell and bassist Joe Benjamin. More Argo sessions came together in Chicago in 1960 and 1961, and he had dealings with the Bethlehem label in Cincinnati in 1962 and 1963. In March 1966 a performance with saxophonist Illinois Jacquet was taped live at Lennie's on the turnpike in West Peabody, MA and subsequently released on the Cadet label.

Like many U.S. jazz musicians who struggled at home and did better abroad, Milt Buckner clearly preferred the cultural and vocational climate in Europe. Over the 11 years that remained in his life, he only returned to North America for brief concert and club bookings — five times to the U.S. and twice to Canada. Beginning in 1966 with his first Parisian session in the company of Illinois Jacquet and trumpeter Roy Eldridge, Buckner's discography indicates a more stable working environment involving skilled musicians and appreciative audiences. Milt Buckner's final decade of professional activity is mostly measured in recordings issued on the Black & Blue label, with the exception of a few Prestige, Jazz Odyssey and Riff releases.

Buckner made music in Paris, Villingen, Boulogne, Cologne, Antwerpen, Lausanne, Biarritz, Barcelona, Toulouse, London, Herouville, Valauris, Besancon, Geneva, Salon, Yverdon, Nice, Scheveningen and Leiden. His session mates included multi-instrumentalist Clarence "Gatemouth" Brown, trumpeters Buck Clayton, Joe Newman, Johnny Letman and Bill Coleman; trombonist Gene "Mighty Flea" Connors; saxophonists Ben Webster, Candy Johnson, Eddie Chamblee, Hal Singer, Lucky Thompson, Big Nick Nicholas, Marcel Zanini, Guy Lafitte, Arnett Cobb, Buddy Tate, Eddie "Lockjaw" Davis and Illinois Jacquet; pianists André Persiany, Jean-Paul Amouroux and Jay McShann; guitarist Al Casey; bassists Milt Hinton, Major Holley and Roland Lobligeois as well as vocalists Jodie Drake, Little Mary Anglade and Big Joe Turner. Buckner's last studio session took place in Paris on July 4, 1977. Three weeks later, on Wednesday July 27, he collapsed and died after setting up his Hammond organ in preparation for a performance with Illinois Jacquet at the Jazz Showcase in Chicago.

 

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Milton Brent Buckner nació en St. Louis el 19 de julio de 1915. Su hermano pequeño Ted, que no debe confundirse con su pariente lejano, el trompetista Teddy Buckner, nacido en Texas, estaba destinado a ser saxofonista de la Orquesta Jimmie Lunceford (donde en realidad grabó con Teddy en 1939) y un sesionista de R&B y Motown. Los padres de Milt, que lo animaron a aprender a tocar el piano, murieron cuando tenía nueve años. Los dos huérfanos fueron enviados a Detroit donde fueron adoptados por miembros de la Earl Walton Orchestra; Milt estudió piano desde los diez a los trece años con su tío John Tobias (el trombonista de Walton), y comenzó a escribir arreglos para la banda a la edad de quince años. Mientras estudiaba en el Instituto de Artes de Detroit actuó con Mose Burke & the Dixie Whangdoodles y los Harlem Aristocrats. Después de que el baterista y director de la banda Don Cox lo contrató en 1932, Buckner comenzó a desarrollar una técnica de percusión única que empleaba patrones tonales paralelos, más tarde conocidos como "acordes de bloque", un estilo que ahora se asocia con Oscar Peterson y George Shearing. Durante los años 30, Buckner también trabajó en grupos dirigidos por Jimmy Raschelle, Lanky Bowman y Howard Bunts. Su primera gran oportunidad llegó en 1941 cuando se convirtió en el arreglador y asistente de dirección de Lionel Hampton. Su predilección por los ritmos de rock y el boogie-woogie encajaba bien con el enfoque de Hamp en el entretenimiento. Buckner trabajó con Hampton durante los años 1941-1948 y 1950-1952.

Las primeras grabaciones de Buckner sobreviven como un conjunto de solos de piano grabados en acetatos de transcripción Presto cortados el último día de agosto de 1941. Su siguiente aparición en un estudio fue como miembro de un pequeño grupo liderado por Lionel Hampton que apoyaba a la joven Dinah Washington en su debut discográfico en diciembre de 1943; estas actuaciones de lucha, basadas en el blues, se pusieron a disposición del público en el sello Keynote de Harry Lim. En 1945 Buckner grabó con el saxofonista Herbie Fields, el cantante de Ellington Herb Jeffries y el gritador de R&B Wynonie Harris, incluyendo el gran éxito de Harris, una portada de Lionel Hampton y el muy exitoso "Hey! Ba-Ba-Re-Bop" de Curley Hamner. En 1946 hizo la primera de una serie de grabaciones con un grupo llamado Beale Street Boys, Beale Street Gang y Hot Shots. Durante los siguientes tres años Buckner lideró una serie de fechas para el sello Savoy. En 1949 grabó con una gran banda para MGM, participó en un espectáculo de Eddie Condon Floorshow con el baterista Buddy Rich y el bailarín de claqué Baby Laurence en la NBC TV, y dirigió la Orquesta de Teddy Stewart detrás de Dinah Washington en una cita para Mercury records.

En 1950 Buckner grabó con los Three Flames para MGM, con la cantante Florence Wright para National, con Wynonie Harris para Vogue records, con Rufus Thomas ("Mr. Swing") para el sello Bullet en Memphis, y con la vocalista Mabel Scott y los saxofonistas Eddie "Cleanhead" Vinson, Buddy Tate y Wild Bill Moore para King. Fue durante la sesión de Moore que Buckner cambió por primera vez del piano al órgano. Lo hizo de nuevo en Houston TX durante la primavera de 1952 mientras apoyaba al vocalista Sonny Parker con los discos Blue Boys de Gladys Hampton para Peacock. Milt grabó para los sellos Scooter, Regent y Brunswick, y tocó con el saxofonista Charlie Parker en 1953 en el bandbox de Nueva York. Se sentó al piano para los Imperiales (con Willie Dixon tocando el bajo) en una sesión de los Grandes Lagos que tuvo lugar en Detroit durante la primavera de 1954. Buckner también visitó Filadelfia durante el verano para grabar algunos temas con el guitarrista Big Ham Williams y el baterista Sam Woodyard que fueron publicados en 20th Century records, una subsidiaria del sello Gotham.

Milt Buckner fue un artista de grabación del Capitolio desde abril de 1955 hasta julio de 1957, compartiendo el estudio con los saxofonistas Earle Warren y Sam Taylor, los guitarristas Everett Barksdale y Skeeter Best, el bajista Milt Hinton y los bateristas Osie Johnson y Shadow Wilson. Grabó su primer LP de Argo en Nueva York en diciembre de 1959 con el guitarrista Kenny Burrell y el bajista Joe Benjamin. Más sesiones de Argo se reunieron en Chicago en 1960 y 1961, y tuvo tratos con el sello Bethlehem en Cincinnati en 1962 y 1963. En marzo de 1966 se grabó en directo una actuación con el saxofonista Illinois Jacquet en Lennie's en la autopista de West Peabody, MA, y posteriormente se publicó en el sello Cadet.

Al igual que muchos músicos de jazz de los Estados Unidos que lucharon en su país y se desempeñaron mejor en el extranjero, Milt Buckner claramente prefirió el clima cultural y vocacional de Europa. Durante los 11 años que le quedaban de vida, sólo regresó a América del Norte para hacer breves reservas de conciertos y clubes: cinco veces a los Estados Unidos y dos al Canadá. A partir de 1966, con su primera sesión parisina en compañía de Illinois Jacquet y el trompetista Roy Eldridge, la discografía de Buckner indica un entorno de trabajo más estable en el que participan músicos capacitados y un público agradecido. La última década de actividad profesional de Milt Buckner se mide sobre todo por las grabaciones publicadas en el sello Black & Blue, con la excepción de algunos lanzamientos de Prestige, Jazz Odyssey y Riff.

Buckner hizo música en París, Villingen, Boulogne, Colonia, Amberes, Lausana, Biarritz, Barcelona, Toulouse, Londres, Herouville, Valauris, Besancon, Ginebra, Salón, Yverdon, Niza, Scheveningen y Leiden. Entre sus compañeros de sesión se encontraban el multiinstrumentista Clarence "Gatemouth" Brown, los trompetistas Buck Clayton, Joe Newman, Johnny Letman y Bill Coleman; el trombonista Gene "Mighty Flea" Connors; los saxofonistas Ben Webster, Candy Johnson, Eddie Chamblee, Hal Singer, Lucky Thompson, Big Nick Nicholas, Marcel Zanini, Guy Lafitte, Arnett Cobb, Buddy Tate, Eddie "Lockjaw" Davis y Illinois Jacquet; los pianistas André Persiany, Jean-Paul Amouroux y Jay McShann; el guitarrista Al Casey; los bajistas Milt Hinton, Major Holley y Roland Lobligeois, así como los vocalistas Jodie Drake, Little Mary Anglade y Big Joe Turner. La última sesión de estudio de Buckner tuvo lugar en París el 4 de julio de 1977. Tres semanas después, el miércoles 27 de julio, se desplomó y murió después de montar su órgano Hammond en preparación para una actuación con Illinois Jacquet en el Jazz Showcase de Chicago.

 

James P. Johnson • Father Of The Stride Piano

Artist Biography

Back during the heyday of ragtime piano (pre-1920), James P. had become a part of the famed “Harlem music scene,” and was contributing to the distinctive Harlem piano style that differed melodically and harmonically from classic ragtime. Conventional ragtime had syncopation but lacked polyrhythm. James P. developed a strong and solid walking bass with his left hand and a rhythmic exciting treble with his right. His music flowed at an even tempo with considerable syncopation between the two hands. He superimposed conflicting rhythms in solos of symmetrical beauty.

James Price Johnson was born in New Brunswick, N.J., in 1894. His mother taught him rags, blues, and stomps as soon as he was able to handles the keys on the parlor upright. When Jimmy reached 9 years of age, he started lessons with Bruto Giannini, a strict musician from the old country, who corrected his fingering but didn't interfere with his playing of rags and stomps.

The Johnson family moved into New York City when Jimmy was 12, and early in his teens he became the “piano kid” at Barron Wilkin's Cabaret in Harlem. It was at Barron's that he met Charles L. (Lucky) Roberts from whom he derived his brilliant right hand. Later his solid bass was inspired by the work of Abba Labba, a “professor” in a bordello. Through the years James P. kept up his studying, and in the 1930s he began the study of orchestral writing for concert groups.

James P., Lucky Roberts, Willie (The Lion) Smith, and the Beetle (Stephen Henderson), were familiar figures around “The Jungle” (on the fringe of San Juan Hill in the west 60s when this older Negro district was thriving before 1920.) They followed in the footsteps of Jack The Bear, Jess Pickett, The Shadow, Fats Harris, and Abba Labba.

Here and in the later uptown Harlem, the house rent parties flourished and the boys who could tinkle the ivories were fair haired. Willie The Lion recalled those days for Rudi Blesh as follows: “A hundred people would crowd into one seven-room flat until the walls bulged. Plenty of food with hot maws (pickled pig bladders) and chitt'lins with vinegar, beer, and gin, and when we played the shouts everybody danced.” Long nights of playing piano at such festivities gave James P. plenty of practice at the keyboard.

There were two younger jazz pianists who followed Jimmy Johnson around during these Harlem nights. One was young Duke Ellington, fresh from Washington, and the other was James P.'s most noted pupil, the late Fats Waller. The latter cherished the backroom sessions with James P., Beetle, and The Lion.

From about 1915 to the early '20s, James P. made many piano rolls for the Aeolian Company and then became the first Negro staff artist for the QRS piano roll firm in 1921. It was in this connection that he met and became friendly with the late George Gershwin, and ultimately helped him write the music for several shows. Around late 1922 Johnson left the piano roll field to make phonograph records. His first waxing was also probably the first jazz piano solo on records. This was the Victor pressing of “Bleeding Heart Blues.”

Most of Johnson's playing was solo, but through the years there were periods of considerable length when he served bands in the piano chair. He played for some time with the famed James Reese Europe's Hell Fighters at the Clef Club in Harlem.

Johnson's composing activities are as noteworthy as his piano style. In the '30s he wrote a long choral work, “Yamecraw,” which was made into a movie short starring Bessie Smith. Other serious works of his include “Symphonie Harlem”; “Symphony in Brown”; “African Drums” (symphonic poem); “Piano Concerto in A-Flat” (which he performed with the Brooklyn Symphony); “Mississippi Moon”; Symphonic Suite on St. Louis Blues; and the score to “De Union Organizer (with a Langston Hughes libretto).

One of Johnson's most famous and best known tunes was “If I Could Be With You One Hour Tonight,” written in 1926, the year he was accepted for membership in ASCAP. Jazz fans will recall “Old Fashioned Love,” “Porter's Love Song (to a Chamber Maid),” “Charleston, Carolina Shout,” “Caprice Rag,” “Daintiness,” “The Mule Walk,” and “Ivy.”

J.P. at one time or another made records for every major label, with the exception of the two youngest-Capitol and Mercury-and many of his older sides have been reissued. Most of his sides are found under his own name, but there are miscellaneous dates where a jazz band called him in to handle the important piano chore. He recorded with McKinney's Cotton Pickers on Victor and was selected by Hughes Panassie on the Frenchman's sessions at Victor during a visit to the U.S. The Hot Record Society picked James P. for their Rhythmaker record date in 1939.

James P. Johnson was one of the great jazz pioneers and his contributions take an important place among the jazz classics.

James P. Johhnson died in New York on Nov. 17, 1955.

Source: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/jamespjohnson

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Biografía del artista

Durante el apogeo del piano ragtime (antes de 1920), James P. se había convertido en parte de la famosa "escena musical de Harlem", y estaba contribuyendo al distintivo estilo de piano de Harlem que difería melódica y armónicamente del ragtime clásico. El ragtime convencional tenía síncopa pero carecía de polirritmia. James P. desarrolló un bajo fuerte y sólido al caminar con su mano izquierda y un excitante y rítmico agudos con su mano derecha. Su música fluía a un ritmo uniforme con una considerable sincopa entre las dos manos. Superpuso ritmos conflictivos en solos de belleza simétrica.

James Price Johnson nació en New Brunswick, N.J., en 1894. Su madre le enseñó rags, blues y stomps tan pronto como él pudo manejar las tecclas del piano vertical. Cuando Jimmy cumplió 9 años de edad, comenzó a tomar clases con Bruto Giannini, un músico estricto del viejo país, quien le corrigió la digitación pero no interfirió con su forma de tocar los rags y los stomps.

La familia Johnson se mudó a la ciudad de Nueva York cuando Jimmy tenía 12 años, y a principios de su adolescencia se convirtió en el "chico del piano" del Cabaret de Barron Wilkin en Harlem. Fue en Barron's donde conoció a Charles L. (Lucky) Roberts de quien derivó su brillante mano derecha. Más tarde, su bajo sólido se inspiró en el trabajo de Abba Labba, un "profesor" en un burdel. A lo largo de los años James P. continuó sus estudios, y en la década de 1930 comenzó a estudiar escritura orquestal para grupos de concierto.

James P., Lucky Roberts, Willie (El León) Smith, y el Escarabajo (Stephen Henderson), eran figuras familiares alrededor de "La Selva" (en la periferia de la colina de San Juan en el oeste de los años 60, cuando este distrito negro más antiguo estaba prosperando antes de 1920). Siguieron los pasos de Jack The Bear, Jess Pickett, The Shadow, Fats Harris y Abba Labba.

Aquí y en la posterior zona alta de Harlem, las fiestas de alquiler de casas florecieron y los chicos que podían hacer sonar los marfiles tenían el pelo rubio. Willie The Lion recordó esos días para Rudi Blesh de la siguiente manera: "Cien personas se amontonaban en un piso de siete habitaciones hasta que las paredes se abarrotaban. Mucha comida con fauces calientes (vejigas de cerdo en escabeche) y chitt'lins con vinagre, cerveza y ginebra, y cuando tocamos los gritos todos bailaron". Las largas noches de tocar el piano en tales festividades le dieron a James P. mucha práctica con el teclado.

Había dos jóvenes pianistas de jazz que seguían a Jimmy Johnson durante estas noches de Harlem. Uno era el joven Duke Ellington, recién llegado de Washington, y el otro era el alumno más famoso de James P., el difunto Fats Waller. Este último acarició las sesiones de trastienda con James P., Beetle y The Lion.

Desde aproximadamente 1915 hasta principios de los años 20, James P. hizo muchos rollos de piano para la Compañía Eólica y luego se convirtió en el primer artista negro del personal de la firma QRS en 1921. Fue en este sentido que conoció y se hizo amigo del difunto George Gershwin, y finalmente le ayudó a escribir la música para varios espectáculos. Alrededor de finales de 1922 Johnson dejó el campo del piano para hacer discos de fonógrafo. Su primera depilación también fue probablemente el primer solo de piano de jazz en los discos. Esta fue la presión de Víctor de "Bleeding Heart Blues".

La mayor parte de la interpretación de Johnson fue en solitario, pero a lo largo de los años hubo períodos de considerable duración en los que sirvió a bandas en la silla de piano. Jugó durante algún tiempo con los famosos James Reese Europe's Hell Fighters en el Clef Club de Harlem.

Las actividades de composición de Johnson son tan notables como su estilo de piano. En los años 30 escribió una larga obra coral, "Yamecraw", que se convirtió en un cortometraje protagonizado por Bessie Smith. Otras composiciones serias incluyen "Symphonie Harlem"; "Symphony in Brown"; "African Drums" (poema sinfónico); "Piano Concerto in A-Flat" (que interpretó con la Brooklyn Symphony); "Mississippi Moon"; Symphonic Suite on St. Louis Blues; y la partitura para "De Union Organizer" (con libreto de Langston Hughes).

Una de las melodías más famosas y conocidas de Johnson fue "If I Could Be With You One Hour Tonight" (Si pudiera estar contigo una hora esta noche), escrita en 1926, año en que fue aceptado como miembro de la ASCAP. Los fanáticos del jazz recordarán "Old Fashioned Love", "Porter's Love Song", "Charleston, Carolina Shout", "Caprice Rag", "Daintiness", "The Mule Walk" e "Ivy".

J.P. en un momento u otro grabó discos para todos los sellos importantes, con la excepción de los dos más jóvenes -Capitol y Mercury- y muchos de sus equipos más antiguos han sido reeditados. La mayoría de sus lados se encuentran bajo su propio nombre, pero hay fechas misceláneas en las que una banda de jazz lo llamó para encargarse de la importante tarea del piano. Grabó con Cotton Pickers de McKinney con Victor y fue seleccionado por Hughes Panassie en las sesiones del francés en Victor durante una visita a los EE.UU. La Hot Record Society eligió a James P. para su fecha de grabación de Rhythmaker en 1939.

James P. Johnson fue uno de los grandes pioneros del jazz y blues y sus contribuciones ocupan un lugar importante entre los clásicos del jazz.

James P. Johhnson murió en Nueva York el 17 de noviembre de 1955.

Fuente: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/james

Antoine Silverman • Swing Shift

French-American violinist Antoine Silverman began playing classical violin at age three. As his talent developed, so did his interest in other styles of music. Jazz, with its delightful challenges and subtle intracacies soon became a lifelong passion. A resident of New York City, Antoine has played on Broadway and on television with world renown performers. He is also a highly sought-after studio musician.

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El violinista franco-americano Antoine Silverman comenzó a tocar el violín clásico a la edad de tres años. A medida que su talento se desarrollaba, también lo hacía su interés en otros estilos de música. El jazz, con sus deliciosos desafíos y sutiles intrincadas intrigas, pronto se convirtió en una pasión para toda la vida. Residente de la ciudad de Nueva York, Antoine ha tocado en Broadway y en la televisión con artistas de renombre mundial. También es un músico de estudio muy solicitado.

www.antoinesilverman.com ...

Johnny & The Roccos • Bop A Dee Bop A Doo

Cal Tjader Quartet • Saturday Night ∕ Sunday Night At The Blackhawk, San Francisco

 

 

www.caltjader.com ... 

 

Doug Webb • Apples & Oranges

 

Saxophonist Doug Webb delivers the fruits of his labors in abundance with his latest release "Apples & Oranges.” Featuring a program of originals and a few familiar melodies, the album showcases strong showings by organist extraordinaire Brian Charette and drummer Andy Sanesi, who really keep the session in the pocket. These hard hitting tour de force performances affirm Webb’s status as a saxophone colossus, and should encourage jazz enthusiasts to enjoy biting into "Apples & Oranges” again and again with amazement and delight.
https://posi-tone.com/apples-oranges/apples-oranges.html

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El saxofonista Doug Webb ofrece los frutos de su trabajo en abundancia con su último lanzamiento "Apples & Oranges". Con un programa de canciones originales y algunas melodías conocidas, el álbum cuenta con la participación del extraordinario organista Brian Charette y del baterista Andy Sanesi, que mantienen la sesión en el bolsillo. Estas impactantes interpretaciones reafirman el estatus de Webb como coloso del saxofón, y deberían animar a los entusiastas del jazz a disfrutar de "Apples & Oranges" una y otra vez con asombro y deleite.
https://posi-tone.com/apples-oranges/apples-oranges.html


www.dougwebb.us/

Harpdog Brown • Travelin' With The Blues

Charlie Musselwhite says "Harpdog Brown is all blues man!"

My good friend Harpdog Brown has a new CD out. He’s got a smokin’ band playing and he’s singing the real deal, old school blues just like you want to hear it. It’s easy to tell from listening that Harpdog knows what he’s doing and loves what he’s doing. I’m not applauding this CD just because I happen to have the honor of joining Harpdog on a tune…it really is some great smokin’ blues. Every tune is a winner. If you love the blues you won’t go wrong with this wonderful session. I LOVE the killer guitar playing! It’s hard to say what my favorite is but I gotta say I REALLY like Must’ve Been The Devil. I’ve always liked that tune and Harpdog does it great. I love his harp playing on this one especially. Home Is Where The Harp Is has a cool 8-bar blues groove and I love 8-bar blues progression. Fool Like Me, Hayward Boogie, Cloud Full Of Rain, Fine Little Girl, are all fine and For Better or Worse has especially good lyrics. What’s Your Name has some tasty first position harp playing. All in all I think you have a very satisfying album on your hands. I really enjoy listening to it again and again. The tune I did with Harpdog, Moose On The Loose, was a lot of fun. It’s got a good feel and good energy and I remember the fun we had recording it. Give it a listen. I hope hope you can hear the fun like I can. It was recorded the old school way…right off the floor….with fine old tube amps and the works…at Big Jon Atkinson’s studio, Bigtone in Hayward, CA. Jon knows how the blues are supposed to sound and he totally captured that sound with Harpdog and his great band. ~Charlie Musselwhite

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Charlie Musselwhite dice: "Harpdog Brown es todo blues man!"

Mi buen amigo Harpdog Brown tiene un nuevo CD. Tiene una gran banda tocando y está cantando blues de la vieja escuela tal y como quieres oírlo. Es fácil darse cuenta por escuchar que Harpdog sabe lo que está haciendo y le encanta lo que está haciendo. No estoy aplaudiendo este CD sólo porque tengo el honor de unirme a Harpdog en una canción....realmente es un gran blues. Cada canción es un ganador. Si te gusta el blues no te equivocarás en esta maravillosa sesión. Me encanta el toque de la guitarra asesina! Es difícil decir cuál es mi favorito, pero debo decir que me gusta mucho Debe haber sido el Diablo. Siempre me ha gustado esa melodía y Harpdog lo hace genial. Me encanta su armónica tocando en esta especialmente. Home Is Where The Harp Is tiene un groove cool de blues de 8 compases y me encanta la progresión del blues de 8 compases. Fool Like Me, Hayward Boogie, Cloud Full Of Rain, Fine Little Girl, todos están bien y For Better or Worse tiene letras especialmente buenas. What's Your Name tiene un sabroso armónica de primera posición. En general, creo que tienes un álbum muy satisfactorio en tus manos. Realmente disfruto escuchándolo una y otra vez. La melodía que hice con Harpdog, Moose On The Loose, fue muy divertida. Tiene una buena sensación y buena energía y recuerdo la diversión que tuvimos al grabarlo. Escúchalo. Espero que puedas oír la diversión como yo. Fue grabado a la antigua usanza....justo desde el suelo....con los amplificadores a válvulas y las obras...en el estudio de Big Jon Atkinson, Bigtone en Hayward, CA. Jon sabe cómo se supone que deben sonar los blues y capturó totalmente ese sonido con Harpdog y su gran banda. ~Charlie Musselwhite

www.harpdogbrown.com ...

Monty Alexander • Alexander the Great

In 1961, he moved with his family to Miami, Florida to better pursue his musical ambitions. It was there that Alexander met restaurateur and Frank Sinatra associate Jilly Rizzo, who eventually hired him as the house pianist at his New York nightclub, Jilly's. For the next several years, Alexander lived in New York and worked at Jilly's, where had the opportunity to befriend and perform with a bevy of stars including Sinatra, Ray Brown, Milt Jackson, and others. Buoyed by this success, in 1964 he traveled to Los Angeles, where he recorded several well-received albums for the Pacific Jazz label, including Alexander the Great and Spunky. A handful of additional efforts followed, including 1967's Zing! on RCA and 1969's This Is Monty Alexander on Verve. In 1969 he also appeared on vibraphonist Milt Jackson's That's the Way It Is.

In the 1970s, Alexander built a long-lasting relationship with Germany's MPS (Musik Produktion Schwarzwald) label and released a steady stream of albums, including 1971's Here Comes the Sun, 1974's Perception!, and 1977's Cobilimbo with longtime friend and collaborator Ernest Ranglin. These albums found Alexander pushing his sound in new directions and often combining jazz with elements of the Caribbean musical traditions of his youth. During this period he formed working relationships with bassist John Clayton and drummer Jeff Hamilton. As a trio, they debuted to much acclaim on 1976's Live! Montreux Alexander, and would continue to work together in various configurations over the next several decades. The pianist also continued to record with Milt Jackson, and made appearances on albums by Quincy Jones, Dizzy Gillespie, Phyllis Hyman, and others.

The '80s were also a fruitful period for Alexander, who continued to combine his love of straight-ahead jazz and Caribbean music with the release of such albums as 1983's The Duke Ellington Songbook, 1985's The River, and 1986's Li'l Darlin'. He also reunited with Clayton and Hamilton on 1983's Reunion in Europe and paired with bassist Ray Brown for several dates, including 1985's Full Steam Ahead and 1987's The Red Hot Ray Brown Trio. More albums followed, including 1994's Live at Maybeck and 1995's reggae-inflected Yard Movement. He rounded out the decade with 1997's Frank Sinatra-inspired Echoes of Jilly's and 1999's Stir It Up: The Music of Bob Marley.

In 2000, Alexander's artistic achievements were recognized by the Jamaican government with his designation as a worldwide music ambassador and as Commander in the Order of Distinction for outstanding services to Jamaica. That same year, he collaborated with reggae giants Sly Dunbar and Robbie Shakespeare on Monty Meets Sly & Robbie, followed in 2001 by Caribbean Duet with pianist Michel Sardaby. He then paired again with Ray Brown and guitarist Herb Ellis for 2002's Triple Scoop and 2003's Straight Ahead. Two tribute sessions followed with 2008's The Good Life: Monty Alexander Plays the Songs of Tony Bennett and 2009's Calypso Blues: The Songs of Nat King Cole. Alexander then highlighted his fusion of reggae, ska, R&B, and jazz on 2011's Harlem-Kingston Express and 2014's Harlem-Kingston Express, Vol. 2: River Rolls On, both recorded at Dizzy's Club Coca-Cola at Lincoln Center.
https://www.allmusic.com/artist/monty-alexander-mn0000589256/biography

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Biografía del artista por Matt Collar
El pianista jamaiquino Monty Alexander es un intérprete sofisticado y prolífico, con un estilo urbano y swinging inspirado en la tradición del bop, así como en el reggae y el folclore caribeño con el que creció. Nacido en Kingston, Jamaica, en 1944, Alexander comenzó a tocar el piano alrededor de los cuatro años y tomó clases de piano clásico a partir de los seis años. En su adolescencia, sin embargo, había descubierto el jazz y ya estaba actuando en clubes nocturnos. Aunque al principio de su carrera lo encontró cubriendo éxitos del pop y el rock de la época, fue su amor por artistas orientados al jazz como Oscar Peterson, Duke Ellington, Frank Sinatra y Nat King Cole lo que le trajo la mayor inspiración.

En 1961, se mudó con su familia a Miami, Florida, para perseguir mejor sus ambiciones musicales. Fue allí donde Alexander conoció al restaurador y socio de Frank Sinatra, Jilly Rizzo, quien finalmente lo contrató como pianista en su club nocturno de Nueva York, Jilly's. Durante los años siguientes, Alexander vivió en Nueva York y trabajó en Jilly's, donde tuvo la oportunidad de hacerse amigo de un grupo de estrellas como Sinatra, Ray Brown, Milt Jackson y otros. Animado por este éxito, en 1964 viajó a Los Ángeles, donde grabó varios discos muy bien recibidos para el sello Pacific Jazz, entre ellos Alexander the Great y Spunky. Siguieron un puñado de esfuerzos adicionales, incluyendo Zing! de 1967 en RCA y This Is Monty Alexander de 1969 en Verve. En 1969 también apareció en la película del vibrafonista Milt Jackson "That's the Way It Is".

En los años 70, Alexander estableció una relación duradera con el sello alemán MPS (Musik Produktion Schwarzwald) y editó un flujo constante de álbumes, incluyendo Here Comes the Sun de 1971, Perception! de 1974 y Cobilimbo de 1977 con su amigo y colaborador Ernest Ranglin. Estos álbumes encontraron a Alexander empujando su sonido en nuevas direcciones y a menudo combinando el jazz con elementos de las tradiciones musicales caribeñas de su juventud. Durante este período formó relaciones de trabajo con el bajista John Clayton y el baterista Jeff Hamilton. Como trío, debutaron con gran éxito en Live! Montreux Alexander, y continuarán trabajando juntos en diversas configuraciones durante las próximas décadas. El pianista también continuó grabando con Milt Jackson, e hizo apariciones en álbumes de Quincy Jones, Dizzy Gillespie, Phyllis Hyman, y otros.

Los años 80 también fueron un período fructífero para Alexander, que continuó combinando su amor por el jazz y la música caribeña con la publicación de álbumes como The Duke Ellington Songbook (1983), The River (1985) y Li'l Darlin' (1986). También se reunió con Clayton y Hamilton en la Reunión en Europa de 1983 y se asoció con el bajista Ray Brown en varias fechas, incluyendo Full Steam Ahead de 1985 y The Red Hot Ray Brown Trio de 1987. Siguieron más álbumes, incluyendo Live at Maybeck de 1994 y Yard Movement de 1995, con un aire de reggae. Completó la década con los Ecos de Jilly de 1997 inspirados en Frank Sinatra y Stir It Up de 1999: La música de Bob Marley.

En el año 2000, los logros artísticos de Alexander fueron reconocidos por el gobierno jamaicano con su designación como embajador mundial de la música y como Comandante en la Orden de Distinción por sus destacados servicios a Jamaica. Ese mismo año, colaboró con los gigantes del reggae Sly Dunbar y Robbie Shakespeare en Monty Meets Sly & Robbie, seguido en 2001 por Caribbean Duet con el pianista Michel Sardaby. Luego se emparejó de nuevo con Ray Brown y el guitarrista Herb Ellis para la Triple Scoop de 2002 y la Straight Ahead de 2003. Dos sesiones de homenaje siguieron con The Good Life de 2008: Monty Alexander toca las canciones de Tony Bennett y Calypso Blues 2009: Las canciones de Nat King Cole. Alexander luego destacó su fusión de reggae, ska, R&B y jazz en el Harlem-Kingston Express de 2011 y en el Harlem-Kingston Express de 2014, Vol. 2: River Rolls On, ambos grabados en el Dizzy's Club Coca-Cola del Lincoln Center.
https://www.allmusic.com/artist/monty-alexander-mn0000589256/biography 

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Milt Jackson • Milt Jackson Quartet

Review by Richard Mortifoglio

This 1955 date is an intriguing opportunity to hear Milt Jackson accompanied by the MJQ rhythm section, but with hard bopper Horace Silver substituting for John Lewis. Not only that, it's also a chance to hear a hitherto unknown, lushly romantic side of both Jackson and Silver, two blues-oriented players who rarely if ever recorded standards in this sort of style. With its excellent recording quality, it's a perfect album for intimate dinners and other late-night activities. Artie Shaw's exotic "Moonray" is rarely heard in any sort of context, while "My Funny Valentine" and "The Nearness of You" set the mood throughout.

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Reseña de Richard Mortifoglio

Esta fecha de 1955 es una interesante oportunidad para escuchar a Milt Jackson acompañado de la sección rítmica MJQ, pero con el hard bopper Horace Silver sustituyendo a John Lewis. No sólo eso, sino que también es una oportunidad para escuchar un lado hasta ahora desconocido y exuberantemente romántico tanto de Jackson como de Silver, dos jugadores orientados al blues que rara vez, si es que alguna vez han registrado estándares en este tipo de estilo. Con su excelente calidad de grabación, es un álbum perfecto para cenas íntimas y otras actividades nocturnas. El exótico "Moonray" de Artie Shaw rara vez se escucha en ningún tipo de contexto, mientras que "My Funny Valentine" y "The Nearness of You" marcan la pauta en todo momento.

Benny Goodman and Glenn Miller The Lives and Careers of America’s Most Famous Big Band Leaders

 

Sprightly swing music spills across the dimly lit club. The grayish curtains of cigarette smoke part every once in a while to reveal a sparkling stage and tables upon tables of patrons, some incurably inebriated and others high on the fast-paced nightlife. Fabulous flappers in shimmery cocktail dresses and stylish feather headbands throw their hands up and stomp their feet to the addictive beat on the dance floor. Smartly dressed men, their hair neatly parted and slicked back, toss fistfuls of dice onto the plush green baize of the craps tables. Some hover over roulette wheels, staring intently at the spinning flashes of silver, while others finger their playing cards as they sip on tumblers of whiskey, eyeing both the river and the tower of tokens next to them.
Frisky tunes, chic fashion, and American gambling are nostalgic, rose-tinted images most choose to project when visualizing the Roaring Twenties, but the other side of the coin brought an uninviting, much harsher reality that most would prefer to sweep under the rug. The first real estate bubble was on the brink of bursting, and progress was evident, but painfully slow, which gave way to yet another era of violent riots, lynchings, and other forms of oppression imposed on minorities.
When the phrase “the King” is used in the context of American music, most people think of Elvis Presley, but Presley was just a baby when the title was first conferred upon Benny Goodman as the King of Swing in 1935. The Swing Era was a magical period in American history between the hedonism of the Roaring Twenties and the rebelliousness sparked by rock music beginning in the 1950s. Swing music was rooted in ragtime, blues, and jazz music that had long been popular in African American enclaves in Chicago, St. Louis, Kansas City, and New Orleans. Swing took the entire nation by storm thanks in large part to Benny Goodman and his bands, earning Goodman the nearly undisputed title of the King of Swing. Apart from a few hiatuses to tend his health and his growing family, Goodman remained a consistently active musician literally right up until his death in 1986 at the age of 77. Somewhat fittingly, he died in his study with his clarinet next to him and a Brahms sonata on a music stand nearby.
Though it may be hard to fathom in the wake of Elvis Presley and popular rock bands like the Beatles, the early 20th century featured a burgeoning music sales industry that was dominated in ways that nobody would ever reach again, including the Fab 4. While Elvis and the Beatles had a combined 71 Top 10 hits over their lengthy careers, Glenn Miller had 16 records reach #1, and he compiled 69 Top 10 hits, all in the span of four years before he had turned 40. Like any music pioneer, Miller and his band were often criticized for not being true to the roots of the music they performed, even as they perfected a sound that captivated the country. In short order, Miller and his music influenced legends ranging from Benny Goodman to Louis Armstrong.
Miller was the most popular big band leader in the United States when he walked away from his orchestra to enlist in the U.S. Army. World War II was raging, and Miller was determined to fulfill his patriotic duty, so he assembled a military orchestra to give fellow American servicemen a little taste of the homes they were missing. While based in the United Kingdom in 1944, the military orchestra was granted clearance to perform in Paris, which had been liberated from the Nazis just months before.
December 2019 marks the 75th anniversary of Miller’s disappearance, which remains among the greatest aviation mysteries of all time. What really happened on that bleak December day, and why do so many people still care?

 

Sadao Watanabe & Charlie Mariano • Nabesada And Charlie

 

Biography
by Matt Collar
One of the most well-known Japanese jazz musicians of his generation, Sadao Watanabe is an adept, bop-influenced saxophonist with a deep love of Brazilian bossa nova. Watanabe initially gained global fame in the 1960s with Bossa Nova Concert and Sadao Meets Brazilian Friends, showcasing his warm tone and lyrical, swinging sound. His subsequent recordings, highlighted by 1974's Round Trip, 1984's Rendezvous, and 1999's Remembrance, found him traversing such varied styles as funk, fusion, and crossover pop. Since the 2000s, Watanabe has focused largely on acoustic post-bop, Brazilian traditions, and straight-ahead jazz, as on the 2017 orchestral concert album Encore!

Born in 1933 in Utsunomiya, Japan, he grew up in a musical family and initially played clarinet in high school, a choice purportedly inspired by seeing Bing Crosby play the instrument in 1941's Birth of the Blues. However, Watanabe soon picked up the alto saxophone after discovering the bebop recordings of Charlie Parker. Upon graduating high school, he relocated to Tokyo, where he gained his first professional experience playing with dance bands. In 1953, he joined pianist Toshiko Akiyoshi's group, ultimately taking over the ensemble after Akiyoshi moved to the United States. Watanabe eventually followed suit, attending Berklee College of Music in Boston from 1962-1965. While at Berklee, he broadened his stylistic scope, investigating Brazilian music and performing with luminaries like Chico Hamilton, Gary McFarland, and others. It was also during this period that he made his recorded debut, appearing on a handful of albums including a 1961 self-titled album and 1965 follow-up, Sadao Watanabe Plays.

Moving back to Japan in 1965, Watanabe split his time between teaching and performing, appearing on 1966's Going Home: A Modern Jazz Album and joining fellow saxophonist Charlie Mariano on 1967's Iberian Waltz. He also displayed his love of Brazilian traditions on a steady stream of bossa nova-steeped albums, including 1967's Bossa Nova Concert and 1968's Sadao Meets Brazilian Friends. He also began appearing more regularly around the world, including a high-profile appearance at the 1970 Newport Jazz Festival, and developed into a highly regarded, world-renowned jazz performer. Watanabe's albums during these years reflected his eclectic musical taste and found him moving from straight-ahead dates like 1976's I'm Old Fashioned to expansive Brazilian fusion sessions such as 1977's Autumn Blow, and even breezy crossover pop affairs like 1979's Morning Island.

The '80s were also a fruitful time for Watanabe, who toured heavily, making numerous festival appearances. As a recording artist, he continued to embrace a crossover, funk, and R&B-influenced sound on albums like 1981's Orange Express, 1984's Rendezvous, and 1985's Maisha. That said, he never gave up his love of Brazilian music, as evidenced by his 1990 collaboration with singer/songwriter Toquinho, Made in Coracao. More successful pop-influenced albums followed with 1991's Sweet Deal and 1994's Earth Step. While the saxophonist certainly enjoyed mainstream appeal, he always remained indebted to his bebop roots, and peppered his discography with acoustic jazz dates like 1997's Go Straight Ahead 'n Make a Left and 1999's Remembrance, both on Verve.

As Watanabe entered his fifth decade as a recording artist, he continued to balance his time between exploring his love of bossa nova and his longstanding dedication to acoustic bop-influenced jazz on such albums as 2003's Wheel of Life. In 2006, he reunited with saxophonist Charlie Mariano for Sadao & Charlie, followed by 2007's Basie's at Night. Two years later, he joined pianist Gerald Clayton for Into Tomorrow and once again returned to gorgeously rendered Brazilian jazz for both 2011's Come Today and 2013's Outra Vez. The intimate and urbane Naturally appeared in 2015. In 2017, he delivered the orchestral-tinged live album Encore! Recorded at Tokyo's Bunkamura Orchard Hall, the album featured appearances by Dave Grusin, Robben Ford, and others. Also that year, Watanabe released the studio album Re-Bop, which he revisited in 2018 with the companion live album, Re-Bop the Night. Another concert album, Sadao 2019: Live at Blue Note Tokyo, arrived in 2019 and showcased his group with bassist John Patitucci, pianist Russell Ferrante, and drummer Steve Gadd.
https://www.allmusic.com/artist/sadao-watanabe-mn0000282544/biography

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Biografía
por Matt Collar
Sadao Watanabe, uno de los músicos de jazz japoneses más conocidos de su generación, es un hábil saxofonista de influencia bop con un profundo amor por la bossa nova brasileña. Watanabe adquirió fama mundial en la década de 1960 con Bossa Nova Concert y Sadao Meets Brazilian Friends, en los que mostraba su tono cálido y su sonido lírico y oscilante. Sus grabaciones posteriores, entre las que destacan Round Trip, de 1974, Rendezvous, de 1984, y Remembrance, de 1999, le llevaron a recorrer estilos tan variados como el funk, la fusión y el pop crossover. ¡Desde la década de 2000, Watanabe se ha centrado principalmente en el post-bop acústico, las tradiciones brasileñas y el jazz directo, como en el álbum de conciertos orquestales de 2017 Encore!

Nacido en 1933 en Utsunomiya (Japón), creció en una familia de músicos y al principio tocaba el clarinete en el instituto, una elección supuestamente inspirada por ver a Bing Crosby tocar el instrumento en la película Birth of the Blues de 1941. Sin embargo, Watanabe no tardó en coger el saxofón alto tras descubrir las grabaciones de bebop de Charlie Parker. Al terminar el instituto, se trasladó a Tokio, donde adquirió su primera experiencia profesional tocando con bandas de baile. En 1953, se unió al grupo del pianista Toshiko Akiyoshi, y finalmente se hizo cargo del conjunto cuando Akiyoshi se trasladó a Estados Unidos. Watanabe acabó siguiendo su ejemplo y asistió al Berklee College of Music de Boston entre 1962 y 1965. Durante su estancia en Berklee, amplió su ámbito estilístico, investigando la música brasileña y actuando con luminarias como Chico Hamilton, Gary McFarland y otros. Fue también durante este periodo cuando hizo su debut discográfico, apareciendo en un puñado de álbumes, entre los que se incluye un álbum autotitulado de 1961 y la continuación de 1965, Sadao Watanabe Plays.

Tras regresar a Japón en 1965, Watanabe dividió su tiempo entre la enseñanza y la actuación, apareciendo en 1966 en Going Home: A Modern Jazz Album, de 1966, y se unió a su compañero saxofonista Charlie Mariano en Iberian Waltz, de 1967. También mostró su amor por las tradiciones brasileñas en un flujo constante de álbumes impregnados de bossa nova, como Bossa Nova Concert, de 1967, y Sadao Meets Brazilian Friends, de 1968. También empezó a aparecer con más regularidad en todo el mundo, incluyendo una aparición de alto nivel en el Festival de Jazz de Newport de 1970, y se convirtió en un intérprete de jazz muy respetado y de renombre mundial. Los álbumes de Watanabe durante estos años reflejaron su ecléctico gusto musical y lo encontraron pasando de fechas directas como I'm Old Fashioned, de 1976, a sesiones de fusión brasileña expansiva como Autumn Blow, de 1977, e incluso asuntos de pop cruzado como Morning Island, de 1979.

La década de los 80 fue también una época fructífera para Watanabe, que realizó muchas giras y numerosas apariciones en festivales. Como artista discográfico, siguió adoptando un sonido crossover, funk y de influencia R&B en álbumes como Orange Express de 1981, Rendezvous de 1984 y Maisha de 1985. Sin embargo, nunca abandonó su amor por la música brasileña, como demuestra su colaboración con el cantante y compositor Toquinho en 1990, Made in Coracao. Siguieron otros álbumes de éxito con influencia pop, como Sweet Deal, de 1991, y Earth Step, de 1994. Aunque el saxofonista gozó de un gran atractivo, siempre se mantuvo en deuda con sus raíces bebop, y salpicó su discografía con fechas de jazz acústico como Go Straight Ahead 'n Make a Left, de 1997, y Remembrance, de 1999, ambos en Verve.

Cuando Watanabe entró en su quinta década como artista discográfico, siguió equilibrando su tiempo entre la exploración de su amor por la bossa nova y su larga dedicación al jazz acústico con influencia del bop en álbumes como Wheel of Life, de 2003. En 2006, se reunió con el saxofonista Charlie Mariano para Sadao & Charlie, seguido de Basie's at Night, de 2007. Dos años más tarde, se unió al pianista Gerald Clayton para Into Tomorrow y, una vez más, volvió al jazz brasileño magníficamente interpretado para Come Today de 2011 y Outra Vez de 2013. El íntimo y urbano Naturally apareció en 2015. ¡En 2017, entregó el álbum en vivo con tintes orquestales Encore! Grabado en el Bunkamura Orchard Hall de Tokio, el álbum incluía apariciones de Dave Grusin, Robben Ford y otros. También ese año, Watanabe publicó el álbum de estudio Re-Bop, que retomó en 2018 con el álbum en directo complementario, Re-Bop the Night. Otro álbum de conciertos, Sadao 2019: Live at Blue Note Tokyo, llegó en 2019 y mostró a su grupo con el bajista John Patitucci, el pianista Russell Ferrante y el baterista Steve Gadd.
https://www.allmusic.com/artist/sadao-watanabe-mn0000282544/biography

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Herbie Mann & Sam Most • The Herbie Mann & Sam Most Quintet

Review by Scott Yanow

This early Herbie Mann set matches him with his fellow flutist, Sam Most. (Originally, this date was known as The Mann with the Most.) Recorded back during Mann's bebop period, the set teams the two flutists with guitarist Joe Puma, bassist Jimmy Gannon, and drummer Lee Kleinman. The quintet performs nine standards plus an original apiece from Most and Puma. Highlights include "Fascinating Rhythm," "Let's Get Away from It All," and "Seven Come Eleven." Most was actually the better known of the two flutists at the time but, while he ended up in the Los Angeles studios, Mann's constant musical curiosity would result in him gaining worldwide fame. Their enjoyable music finds the flutists battling it out to a draw.

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Reseña de Scott Yanow

Este primer set de Herbie Mann lo empareja con su compañero flautista, Sam Most. (Originalmente, esta fecha se conocía como The Mann with the Most.) Grabado durante el período de bebop de Mann, el conjunto reúne a los dos flautistas con el guitarrista Joe Puma, el bajista Jimmy Gannon y el baterista Lee Kleinman. El quinteto interpreta nueve estándares más un original de Most y Puma. Lo más destacado incluye "Fascinating Rhythm", "Let's Get Away from It All" y "Seven Come Eleven". En realidad, la mayoría era el más conocido de los dos flautistas de la época, pero, aunque terminó en los estudios de Los Ángeles, la constante curiosidad musical de Mann lo llevó a adquirir fama mundial. Su agradable música encuentra a los flautistas luchando hasta el empate.

Brian Setzer • Lonley Cat!

briansetzer.com ...

 

Joe Pass & Tommy Gumina Trio • Autumn Leaves

Tommy Gumina was one of the few brave souls to follow Art Van Damme's lead and explore the jazz accordion. Gumina is best remembered for his innovative collaborations with clarinetist Buddy DeFranco on their quartet recordings of the early 1960s. Gumina joined Harry James' scaled-down band in 1951 and toured with James for the next two years. He then struck out as a soloist, recording several albums for Decca. In 1960, he joined with DeFranco to form a quartet that played both standards and original compositions by each. Although the group put out albums on Decca and Mercury, they had little commercial success, so by 1964, the two headed for greener pastures: DeFranco to lead the New Glenn Miller Orchestra, and Gumina to work in design and marketing for a major accordion maker.

In 1968, Gumina founded Polytone Musical Instruments, which specializes in manufacturing and selling amplifiers designed for professional musicians. The name came from one of the albums he cut with DeFranco. As a side venture, he recorded and released several albums, including one with DeFranco and three with a Polytone endorser, jazz guitarist Joe Pass. Unfortunately, these albums are virtually impossible to find, most of the copies having gone straight from Gumina to a small circle of customers and friends. http://www.spaceagepop.com/gumina.htm

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Tommy Gumina fue uno de los pocos valientes que siguió el ejemplo de Art Van Damme y exploró el acordeón de jazz. Gumina es recordado por sus innovadoras colaboraciones con el clarinetista Buddy DeFranco en sus grabaciones de cuarteto de principios de la década de 1960. Gumina se unió a la banda de Harry James en 1951 y estuvo de gira con James durante los dos años siguientes. Luego se lanzó como solista, grabando varios álbumes para Decca. En 1960, se unió a DeFranco para formar un cuarteto que tocaba tanto temas estándar como composiciones originales de cada uno de ellos. Aunque el grupo publicó discos en Decca y Mercury, tuvieron poco éxito comercial, así que en 1964, los dos se dirigieron a pastos más verdes: DeFranco dirigirá la Nueva Orquesta de Glenn Miller, y Gumina trabajará en el diseño y la comercialización para un importante fabricante de acordeones.

En 1968, Gumina fundó Polytone Musical Instruments, que se especializa en la fabricación y venta de amplificadores diseñados para músicos profesionales. El nombre proviene de uno de los discos que grabó con DeFranco. Como actividad paralela, grabó y editó varios álbumes, entre ellos uno con DeFranco y tres con el aval de Polytone, el guitarrista de jazz Joe Pass. Desafortunadamente, estos álbumes son prácticamente imposibles de encontrar, ya que la mayoría de las copias han pasado directamente de Gumina a un pequeño círculo de clientes y amigos. http://www.spaceagepop.com/gumina.htm

Hubert Laws • Remembers The Unforgettable Nat 'King' Cole

 

 Internationally renowned flutist Hubert Laws is one of the few classical artists who has also mastered jazz, pop, and rhythm-and-blues genres; moving effortlessly from one repertory to another. He has appeared as a soloist with the New York Philharmonic under Zubin Mehta, with the orchestras of Los Angeles, Dallas, Chicago, Cleveland, Amsterdam, Japan, Detroit and with the Stanford String Quartet. He has given annual performances at Carnegie Hall, and has performed sold out performances in the Hollywood Bowl with fellow flutist Jean-Pierre Rampal and was a member of the New York Philharmonic and Metropolitan Opera Orchestras. In addition, he has appeared at the Montreux, Playboy, and Kool Jazz festivals; he performed with the Modern Jazz Quartet at the Hollywood Bowl in 1982 and with the Detroit Symphony in 1994. His recordings have won three Grammy nominations.

Mr. Laws has been involved in unique projects such as collaborations with Quincy Jones, Bob James, and Claude Bolling for Neil Simon's comedy California Suite, a collaboration with Earl Klugh and Pat Williams on the music for How to Beat the High Cost of Living: and film scores for The Wiz, Color Purple, A Hero Ain't Nothing but a Sandwich, and Spot Marks the X.

There are 20 albums in Mr. Laws' discography for such record companies as: Atlantic, CBS, CTI, including: “My Time Will Come,” and “Storm Then The Calm” for the Music Masters record label.

Session work also remains a staple of Hubert Laws' schedule, and includes collaborations and recordings with such artists as Quincy Jones, Miles Davis, Herbie Hancock, Chick Corea, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughn, Freddie Hubbard, Paul McCartney, Paul Simon, Aretha Franklin, Lena Horne, Sergio Mendes, Bob James, Carly Simon, Clark Terry, Leonard Bernstein and the New York Philharmonic.

In addition, Mr. Laws maintains his own publishing companies, Hulaws Music and Golden Flute Music, and he founded Spirit Productions in 1976 to produce his own albums and those of promising new artists. He was selected the No. 1 flutist in Down Beat readers' polls ten years in a row and was the critic's choice seven consecutive years.

Born in Houston, Mr. Laws' musical education came from various sources. He grew up directly across from a honky- tonk called Miss Mary's Place, his grandfather played the harmonica, and his mother played gospel music on the piano. His classical training got under way in high school. He later enrolled in the music department at Texas Southern University. During this period, he arranged to study privately with Clement Barone who Mr. Laws considers had a profound effect on his development. From there he traveled to Los Angeles with the Jazz Crusaders where he won a scholarship to the Juilliard School of music in New York City. Mr. Laws completed his studies and obtained his degree at the Juilliard School of music in New York City under tutelage of the renowned flutist Julius Baker.

HUBERT LAWS' MUSICAL BACKGROUND
Hubert's musical education has always been an amalgamation. For starters, his boyhood home was directly across the street from an honest-to-goodness honky-tonk, Miss Mary's Place, which still sits on the same spot in Houston's Studewood section. His grandfather played the harmonica and often entertained as a one-man band. His mother, Miola, played gospel music on piano.

The second of eight children in a musical family, Hubert grew up playing rhythm and blues and gospel at dances in the neighborhood. Brother Ronnie and sisters, Eloise and Debra, have all made their mark in the music industry, while sister Blanche has devoted her talent to gospel singing and brother Johnnie has contributed his voice on Hubert's recordings. It's fitting that Hubert's fourth album for Columbia was entitled Family, featuring almost the entire Laws clan.

Starting out on Piano then Mellophone and alto sax, Hubert picked up the flute in high school while volunteering to fill-in on a flute solo performance with his high school orchestra. Music teacher, Clement Barone, is credited with teaching Hubert the fundamentals. During his early teens, Hubert was exposed to jazz by high school band director Sammy Harris at Phillis Wheatley High School. He enjoyed the freedom of improvisation and the creativity allowed by jazz and began playing regularly with a Houston group known variously as the Swingsters, the Modern Jazz Sextet, Night Hawks, the Jazz Crusaders, and more recently, the Crusaders.

After high school, Hubert enrolled in the Music Department at Texas Southern University. After two years there he left with the Crusaders for Los Angeles. This soon became a point of departure to the Juilliard School of Music in New York. Winning a scholarship that would cover the cost of tuition in 1960, Hubert left for New York in a 1950 Plymouth Sedan with $600.00 in his pocket. Fondly remembering the moment he realized his savings would not cover the necessities of life in New York, Hubert recalled, “It was the fall of 1960. I was down to my last fifty bucks and wondering what to do when the phone rang and it was a call offering me my first job at Sugar Ray's Lounge in Harlem. Times were tough then, but, I haven't looked back since.”

Studying all day every day in class or with master flautist Julius Baker, evenings were devoted to gigging for support. Soon Hubert was playing with the likes of Mongo Santamaria, Lloyd Price Big Band, John Lewis of the Modern Jazz Quartet, the Orchestra USA, and the Berkshire Festival Orchestra at Tanglewood — summer home of the Boston Symphony Orchestra.

Recording session work became a staple of Hubert's schedule and included Quincy Jones, Paul McCartney, Paul Simon, Aretha Franklin, Lena Horne, James Moody, Sergio Mendes, Bob James, Carly Simon, George Benson, Clark Terry, and J.J. Johnson. During those tough times, the ability to play R&B and jazz enabled him not only to survive, but to thrive. Hubert believes musicians would do well to learn how to play in a variety of musical idioms.
https://musicians.allaboutjazz.com/hubertlaws

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El flautista de renombre internacional Hubert Laws es uno de los pocos artistas clásicos que también domina los géneros del jazz, el pop y el rhythm-and-blues, pasando sin esfuerzo de un repertorio a otro. Ha actuado como solista con la Filarmónica de Nueva York bajo la dirección de Zubin Mehta, con las orquestas de Los Ángeles, Dallas, Chicago, Cleveland, Ámsterdam, Japón, Detroit y con el Stanford String Quartet. Ha ofrecido actuaciones anuales en el Carnegie Hall y ha agotado las entradas en el Hollywood Bowl con su colega el flautista Jean-Pierre Rampal y ha sido miembro de las orquestas de la Filarmónica de Nueva York y de la Ópera Metropolitana. Además, ha aparecido en los festivales de Montreux, Playboy y Kool Jazz; actuó con el Modern Jazz Quartet en el Hollywood Bowl en 1982 y con la Detroit Symphony en 1994. Sus grabaciones han obtenido tres nominaciones a los Grammy.

El Sr. Laws ha participado en proyectos únicos como las colaboraciones con Quincy Jones, Bob James y Claude Bolling para la comedia de Neil Simon California Suite, una colaboración con Earl Klugh y Pat Williams en la música de How to Beat the High Cost of Living: y partituras de películas como The Wiz, Color Purple, A Hero Ain't Nothing but a Sandwich y Spot Marks the X.

Hay 20 álbumes en la discografía del Sr. Laws para compañías discográficas como: Atlantic, CBS, CTI, incluyendo: "My Time Will Come", y "Storm Then The Calm" para el sello discográfico Music Masters.

El trabajo de sesión también sigue siendo un elemento básico en la agenda de Hubert Laws, e incluye colaboraciones y grabaciones con artistas como Quincy Jones, Miles Davis, Herbie Hancock, Chick Corea, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughn, Freddie Hubbard, Paul McCartney, Paul Simon, Aretha Franklin, Lena Horne, Sergio Mendes, Bob James, Carly Simon, Clark Terry, Leonard Bernstein y la Filarmónica de Nueva York.

Además, el Sr. Laws mantiene sus propias editoriales, Hulaws Music y Golden Flute Music, y fundó Spirit Productions en 1976 para producir sus propios álbumes y los de nuevos artistas prometedores. Fue elegido el flautista número 1 en las encuestas de los lectores de Down Beat durante diez años consecutivos y fue la elección de la crítica durante siete años consecutivos.

Nacido en Houston, la educación musical del Sr. Laws provino de varias fuentes. Creció justo enfrente de un honky-tonk llamado Miss Mary's Place, su abuelo tocaba la armónica y su madre tocaba música gospel en el piano. Su formación clásica comenzó en el instituto. Más tarde se matriculó en el departamento de música de la Texas Southern University. Durante este periodo, consiguió estudiar en privado con Clement Barone, quien el Sr. Laws considera que tuvo un profundo efecto en su desarrollo. Desde allí viajó a Los Ángeles con los Jazz Crusaders, donde ganó una beca para la Juilliard School of music de Nueva York. El Sr. Laws completó sus estudios y obtuvo su título en la Juilliard School of music de Nueva York bajo la tutela del renombrado flautista Julius Baker.

FORMACIÓN MUSICAL DE HUBERT LAWS
La educación musical de Hubert siempre ha sido una amalgama. Para empezar, su casa de la infancia estaba justo enfrente de un honky-tonk de verdad, Miss Mary's Place, que todavía se encuentra en el mismo lugar en el barrio de Studewood de Houston. Su abuelo tocaba la armónica y a menudo actuaba como un solo hombre orquesta. Su madre, Miola, tocaba la música gospel al piano.

Hubert, el segundo de ocho hijos de una familia de músicos, creció tocando rhythm and blues y gospel en los bailes del barrio. Su hermano Ronnie y sus hermanas, Eloise y Debra, han dejado su huella en la industria musical, mientras que la hermana Blanche ha dedicado su talento al canto gospel y su hermano Johnnie ha aportado su voz en las grabaciones de Hubert. Resulta apropiado que el cuarto álbum de Hubert para Columbia se titule Family, con la participación de casi todo el clan Laws.

Hubert empezó tocando el piano, luego el violonchelo y el saxo alto, y en el instituto se hizo con la flauta mientras se ofrecía como voluntario para un solo de flauta en la orquesta de su instituto. Su profesor de música, Clement Barone, le enseñó los fundamentos de la flauta. Durante su adolescencia, Hubert conoció el jazz de la mano del director de la banda del instituto, Sammy Harris, en el Phillis Wheatley High School. Disfrutó de la libertad de improvisación y de la creatividad que permite el jazz y empezó a tocar regularmente con un grupo de Houston conocido como los Swingsters, el Modern Jazz Sextet, los Night Hawks, los Jazz Crusaders y, más recientemente, los Crusaders.

Después del instituto, Hubert se matriculó en el Departamento de Música de la Texas Southern University. Tras dos años allí, se marchó con los Crusaders a Los Ángeles. Pronto se convirtió en el punto de partida hacia la Juilliard School of Music de Nueva York. Ganando una beca que cubriría el coste de la matrícula en 1960, Hubert se fue a Nueva York en un Plymouth Sedan de 1950 con 600 dólares en el bolsillo. Recordando con cariño el momento en que se dio cuenta de que sus ahorros no cubrirían las necesidades de la vida en Nueva York, Hubert recuerda: "Era el otoño de 1960. Estaba con mis últimos cincuenta dólares y preguntándome qué hacer cuando sonó el teléfono y era una llamada ofreciéndome mi primer trabajo en el Sugar Ray's Lounge de Harlem. Eran tiempos difíciles entonces, pero desde entonces no he mirado atrás".

Estudiando todo el día en clase o con el maestro flautista Julius Baker, las noches las dedicaba a dar conciertos de apoyo. Pronto Hubert estuvo tocando con artistas de la talla de Mongo Santamaria, la Lloyd Price Big Band, John Lewis del Modern Jazz Quartet, la Orchestra USA y la Berkshire Festival Orchestra en Tanglewood, sede de verano de la Orquesta Sinfónica de Boston.

Las sesiones de grabación se convirtieron en un elemento básico de la agenda de Hubert y en ellas participaron Quincy Jones, Paul McCartney, Paul Simon, Aretha Franklin, Lena Horne, James Moody, Sergio Mendes, Bob James, Carly Simon, George Benson, Clark Terry y J.J. Johnson. En esos tiempos difíciles, la capacidad de tocar R&B y jazz le permitió no sólo sobrevivir, sino prosperar. Hubert cree que los músicos harían bien en aprender a tocar en una variedad de lenguajes musicales.
https://musicians.allaboutjazz.com/hubertlaws

 

hubertlaws.com ...
 

Thad Jones • Detroit-New York Junction

 

Review
by Stephen Thomas Erlewine
For his first session as a leader for Blue Note, trumpeter Thad Jones ran through five songs with a small group which also included fellow Detroiters pianist Tommy Flanagan and guitarist Kenny Burrell as well as part-time Detroiter tenor saxophonist Billy Mitchell. Jones' time with Debut certainly broke him in, and he is thoroughly professional on this record. Compared to its predecessor, The Fabulous Thad Jones, and its successor, The Magnificent Thad Jones, Detroit-New York Junction pales slightly, but it's nevertheless an excellent set of driving hard bop.
https://www.allmusic.com/album/detroit-new-york-junction-mw0000366571

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Reseña
por Stephen Thomas Erlewine
Para su primera sesión como líder para Blue Note, el trompetista Thad Jones tocó cinco canciones con un pequeño grupo que también incluía a sus compañeros de Detroit, el pianista Tommy Flanagan y el guitarrista Kenny Burrell, así como al saxofonista tenor de Detroit a tiempo parcial Billy Mitchell. El tiempo que Jones pasó con Debut sin duda le sirvió para introducirse, y en este disco se muestra completamente profesional. Comparado con su predecesor, The Fabulous Thad Jones, y su sucesor, The Magnificent Thad Jones, Detroit-New York Junction palidece ligeramente, pero es, no obstante, un excelente conjunto de hard bop.
https://www.allmusic.com/album/detroit-new-york-junction-mw0000366571

Curtis Fuller • Bone & Bari

 

Review
by Lee Bloom
Curtis Fuller emerged during the 1950s as a leading hard bop trombonist. A native of Detroit, Fuller was initially inspired by hearing J.J. Johnson, who became a mentor for the young musician. This recording was completed only weeks before Fuller went into the studio to record John Coltrane's Blue Trane. The session is unique in its pairing of trombone with the baritone sax of Tate Houston. The resultant front line sound is thick and rotund. The rhythm section of Sonny Clark, Paul Chambers and Art Taylor had a lovely rapport; individually and collectively, these three made many important recordings in the late 1950s, especially for the Blue Note label. Highlights of Bone & Bari include the title tune, penned by Fuller, and the group's rendering of the standard "Heart and Soul."
https://www.allmusic.com/album/bone-bari-mw0000341687


Biography
by Ron Wynn
Curtis Fuller belonged in the select circle with J.J. Johnson, Kai Winding, and a few others who make the trombone sound fluid and inviting rather than awkward. His ability to make wide-octave leaps and play whiplash phrases in a relaxed, casual manner was a testament to his skill. Fuller's solos and phrases were often ambitious and creative, and he worked in several fine bands and participated in numerous great sessions.

Fuller studied music in high school, then began developing his skills in an Army band, where he played with Cannonball Adderley. He worked in Detroit with Kenny Burrell and Yusef Lateef, then moved to New York. Fuller made his recording debut as a leader on Transition in 1955, and recorded in the late '50s for Blue Note, Prestige, United Artists, and Savoy. He was a charter member of the Jazztet with Benny Golson and Art Farmer in 1959, then played in Art Blakey's Jazz Messengers from 1961 to 1965. There were additional recording dates for Warwick, Smash/Trip, Epic, and Impulse! in the '60s. Fuller toured Europe with Dizzy Gillespie's big band in 1968, then did several sessions in New York.

During the '70s, he experimented for a time playing hard bop arrangements in a band featuring electronic instruments, heading a group with guitarist Bill Washer and Stanley Clarke. He concluded that phase with the 1973 album Crankin'. Fuller toured with the Count Basie band from 1975 to 1977, and did dates for Mainstream, Timeless, and Bee Hive. He co-led the quintet Giant Bones with Winding in 1979 and 1980, and played with Art Blakey, Cedar Walton, and Benny Golson in the late '70s and early '80s. During the '80s, Fuller toured Europe regularly with the Timeless All-Stars, and performed and recorded with the revamped Jazztet in addition to leading a fine session for Savoy in 1993.

Fuller continued playing dates and working in the decades that followed, recording albums for labels like Delmark, Capri, and Savant. He retired from playing in the early 2010s; his final studio album was 2012's Down Home. The legendary trombonist died on May 8, 2021, at the age of 88.
https://www.allmusic.com/artist/curtis-fuller-mn0000139566/biography

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Reseña
por Lee Bloom
Curtis Fuller surgió durante la década de 1950 como un destacado trombonista de hard bop. Nativo de Detroit, Fuller se inspiró inicialmente al escuchar a J.J. Johnson, que se convirtió en mentor del joven músico. Esta grabación se realizó sólo unas semanas antes de que Fuller entrara en el estudio para grabar Blue Trane de John Coltrane. La sesión es única por el emparejamiento del trombón con el saxo barítono de Tate Houston. El sonido resultante de la primera línea es grueso y rotundo. La sección rítmica de Sonny Clark, Paul Chambers y Art Taylor se compenetraba muy bien; individual y colectivamente, estos tres hicieron muchas grabaciones importantes a finales de los años 50, especialmente para el sello Blue Note. Lo más destacado de Bone & Bari incluye la melodía del título, escrita por Fuller, y la interpretación del grupo del estándar "Heart and Soul".
https://www.allmusic.com/album/bone-bari-mw0000341687


Biografía
por Ron Wynn
Curtis Fuller pertenece al selecto círculo de J.J. Johnson, Kai Winding y algunos otros que hacen que el trombón suene fluido y atractivo en lugar de incómodo. Su capacidad para dar saltos de octava amplia y tocar frases latigazosas de forma relajada y desenfadada era un testimonio de su habilidad. Los solos y frases de Fuller eran a menudo ambiciosos y creativos, y trabajaba en varias bandas excelentes y participaba en numerosas y grandes sesiones.

Fuller estudió música en el instituto y luego empezó a desarrollar sus habilidades en una banda del ejército, donde tocó con Cannonball Adderley. Trabajó en Detroit con Kenny Burrell y Yusef Lateef, y luego se trasladó a Nueva York. Fuller hizo su debut discográfico como líder en Transition en 1955, y grabó a finales de los 50 para Blue Note, Prestige, United Artists y Savoy. Fue miembro fundador del Jazztet con Benny Golson y Art Farmer en 1959, y luego tocó en los Jazz Messengers de Art Blakey de 1961 a 1965. También grabó para Warwick, Smash/Trip, Epic e Impulse en los años 60. Fuller realizó una gira por Europa con la big band de Dizzy Gillespie en 1968, y luego hizo varias sesiones en Nueva York.

Durante los años 70, experimentó durante un tiempo tocando arreglos de hard bop en una banda con instrumentos electrónicos, encabezando un grupo con el guitarrista Bill Washer y Stanley Clarke. Concluyó esa etapa con el álbum Crankin', de 1973. Fuller estuvo de gira con la banda de Count Basie de 1975 a 1977, y realizó fechas para Mainstream, Timeless y Bee Hive. Codirigió el quinteto Giant Bones con Winding en 1979 y 1980, y tocó con Art Blakey, Cedar Walton y Benny Golson a finales de los 70 y principios de los 80. Durante los años 80, Fuller realizó giras regulares por Europa con los Timeless All-Stars, y actuó y grabó con el renovado Jazztet, además de dirigir una excelente sesión para Savoy en 1993.

Fuller siguió tocando y trabajando en las décadas siguientes, grabando discos para sellos como Delmark, Capri y Savant. Se retiró de tocar a principios de la década de 2010; su último álbum de estudio fue Down Home, de 2012. El legendario trombonista falleció el 8 de mayo de 2021, a la edad de 88 años.
https://www.allmusic.com/artist/curtis-fuller-mn0000139566/biography