Eumir Deodato, Randy Brecker, Earl Klugh, Ramsey Lewis, Donald Byrd, Herbie Hancock, Benny Golson, Weather Report, Eric Gale, Lonnie Liston Smith, Larry Carlton …
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Friday, October 2, 2026
Thursday, September 3, 2026
Eumir Deodato • Love Island
Brazilian-born
Eumir Deodato has racked up 16 platinum records to his credit as
artist, arranger or producer with combined sales of well over 25 million
records in the USA alone. His discography, including compilations and
all his work as arranger, producer and keyboardist, surpasses 450
albums. He has also had the honor of performing with the St. Louis
Symphony (which backed him on his superb Artistry album), the Cincinnati
Symphony, the New York Philharmonic and the Orchestra di Musica Leggera
dell'Unione Musicisti di Roma. In addition, several artists over the
years have covered his songs, including George Benson, Lee Ritenour,
Sarah Vaughan and The Emotions to mention just a few.
And yet, in
spite of all of his varied triumphs, honors and distinctions over the
years, the multi-talented, multi-instrumentalist will probably forever
be associated with one song - his innovative rendition of Richard
Strauss' classical opus “Also Sprach Zarathustra” (or more commonly
known as the theme to 2001: A Space Odyssey). That single compelling
song, which first appeared on his 1973 debut album for CTI “Prelude,”
sold at least five million copies and earned Deodato his first Grammy
Award, instantly moved him to international stardom and setting a course
for his remarkable ongoing career in music. Thirty years later, that
same tune has found its way into the repertoire of the jam band Phish, a
testament to Deodato's enduring influence.
Born in Rio de
Janeiro, Brazil, from Italian and Portuguese origin, Eumir Deodato got
his start by playing the accordion at age 12. Shortly thereafter, he
started studying piano as well as orchestration, arranging and
conducting. Strictly self-taught, he immersed himself in theory books
while spending countless evenings sitting behind orchestras and
carefully observing how each part was played. His first break came at
age 17 when he arranged and conducted his first recording session for a
28-piece orchestra. It wasn't long before Deodato became one of the most
active and respected arrangers and pianists in Rio's busy music scene,
recording for such artists as Milton Nascimento, Marcos Valle, Elis
Regina and Antonio Carlos Jobim.
In 1968, Deodato moved to New
York and began working with Luiz Bonfa, the legendary composer of Black
Orpheus, while also doing extensive studio work for Astrud Gilberto,
Walter Wanderley, Antonio Carlos Jobim, Marcos Valle and many other
Brazilian artists who were living in the Big Apple at the time. When
writing the arrangements for Astrud Gilberto's “Beach Samba,” he became
acquainted with producer Creed Taylor, who hired him to arrange for
other CTI artists like Wes Montgomery, Stanley Turrentine, George
Benson, Paul Desmond and Tom Jobim. His reputation in the fields of pop
and black music was strengthened by his arrangement work for Frank
Sinatra (Sinatra & Co.), Roberta Flack (Killing Me Softly, Chapter
Two, Quiet Fire) and Aretha Franklin (Let Me In Your Life).
Following
a performance at the Hollywood Bowl with the CTI All-Stars Band in
1972, Deodato started recording his record. His debut appearance as a
leader, billed as 2001 Space Concert, was held at the Madison Square
Garden in New York City in 1973.
After seven years of world-wide
touring (including Australia, Japan, Canada, South America, Europe) and
eight coast-to-coast tours of the States, Deodato decided to concentrate
on studio work once again. Besides highly successful solo albums for
the CTI, MCA, Warner And Atlantic labels, his work as a
producer/arranger earned him several more laurels. One of his first
productions was Kool & The Gang's #1 pop single Celebration. He
followed that success with production or arranging work for Earth, Wind
& Fire, Michael Franks, Gwen Guthrie, Chuck Mangione, Breakfast
Club, The Dazz Band, One Way, Con-Funk-Shun, Kleeer, Pretty Poison,
Kevin Rowland (Dexy's Midnight Runners), White Lion and Brenda K. Starr,
for whom he produced the pop hit I Still Believe in 1987. Deodato also
had three other multi-platinum albums for Kool & The Gang's Ladies'
Night, Something Special and As One.
In the 90's, Deodato
continued to be a vital force on the pop scene through his work with
Icelandic singer Bjork. In addition to arranging her last three albums:
1995's Post, 1996's Telegram and 1997's Homogenic, Deodato produced a
highly praised acoustic version of Bjork's “Isobel,” sub-titled Deodato
Mix, which became a club scene favorite. He has also produced material
for French singer Clementine (also touring Japan with her as a special
guest in 1994), arranged and produced a top 10 single for Brazilian
singer Gal Costa (1996) and has performed as guest conductor with Bjork
both in Brazil (1996), and in the States at the Tibetan Freedom Concerts
at Downing Stadium (1997). In 1998, Deodato arranged for Brazilian pop
acts Titans (Vol. II, with sales over 500,000 copies) and Carlinhos
Brown (Omelete Man) as well as for the latest album by pop-rock band
Penelope Charmosa (released in 1999). He was also special guest on a
project by Japanese pop star Akemi Kakihara, recorded in London during
the summer of 1998. In 1999, he scored Bossa Nova, a Bruno Barreto film
starring Amy Irving, and the following year produced the CD of that
score for Verve Records. His most recent projects including production
work for French rock singer Damien Saez, Brazilian-Japanese singer Lisa
Ono and for jazz singer Ann Hampton Callaway.
Deodato has also
worked on several movie scores, including The Onion Field, The Black
Pearl, Ghostbusters II, White Nights, The Girl From Ipanema, The
Adventurers (recorded with A.C. Jobim and the London Symphony
Orchestra), The Gentle Rain, Target Risk, The Reporter, Beat Street,
Body Rock and Bossa Nova. His recordings have also been widely used on
major movies such as Being There and The Exorcist.
In November
2001, Deodato participated in a benefit concert in New York City where
he played only 1 song (Also Sprach Zarathustra: 2001). The reaction was
so fantastic he got encouraged to go back doing concerts. By 2002 he
lined up a few selected presentations, starting with a concert at the
Vienna Opera House, as part of the Vienna Summer Jazz Festival. That was
followed by Villach (Austria), Pori (Finland), The Hague (North Sea
Jazz Festival), and many others that followed, like Capetown (South
Africa), Rome and Rimini (Italy), Amenia, NY (World Peace Organization),
Antigua, Guatemala etc.
Meanwhile, in 2002 he worked with Milton
Nascimento in Rio de Janeiro, which generated a Latin Grammy for the
song Tristesse as best Brazilian song of the year, then miscellaneous
work with different artists, including Barbara Mendes, Ana Carolina,
Fernanda Abreu and more recently, KD Lang for her record released in
2004.
In 2007 Brazilian Record company "Biscoito Fino", releases
the “Deodato Trio in Rio” CD and DVD (end of month), filmed and recorded
at the Sala Cecilia Meirelles in Rio last Summer, featuring Marcelo
Mariano on Bass and Renato Massa on Drums. It also includes performances
of some of the most memorable Antonio Carlos Jobim's songs and also
comemorates his postumous anniversary. Verve has also released “Do It
Again.”
https://www.allaboutjazz.com/musicians/eumir-deodato
///////
El
brasileño Eumir Deodato tiene en su haber 16 discos de platino como
artista, arreglista o productor, con unas ventas combinadas de más de 25
millones de discos sólo en Estados Unidos. Su discografía, incluyendo
recopilaciones y todo su trabajo como arreglista, productor y teclista,
supera los 450 álbumes. También ha tenido el honor de actuar con la St.
Louis Symphony (que le respaldó en su magnífico álbum Artistry), la
Cincinnati Symphony, la New York Philharmonic y la Orchestra di Musica
Leggera dell'Unione Musicisti di Roma. Además, varios artistas han
versionado sus canciones a lo largo de los años, como George Benson, Lee
Ritenour, Sarah Vaughan y The Emotions, por mencionar sólo algunos.
Sin embargo, a pesar de todos sus triunfos, honores y distinciones a lo largo de los años, el polifacético y multiinstrumentista quedará asociado para siempre a una canción: su innovadora interpretación de la obra clásica de Richard Strauss "Also Sprach Zarathustra" (o más conocida como el tema de 2001: Una odisea del espacio). Esa canción, que apareció por primera vez en su álbum de debut para CTI en 1973, "Prelude", vendió al menos cinco millones de copias y le valió a Deodato su primer premio Grammy, lo que le llevó al estrellato internacional y marcó el rumbo de su extraordinaria carrera musical. Treinta años más tarde, esa misma melodía ha entrado en el repertorio de la banda de música Phish, lo que demuestra la influencia duradera de Deodato.
Nacido en Río de Janeiro (Brasil), de origen italiano y portugués, Eumir Deodato empezó a tocar el acordeón a los 12 años. Poco después, comenzó a estudiar piano, así como orquestación, arreglos y dirección. Estrictamente autodidacta, se sumergió en libros de teoría mientras pasaba innumerables tardes sentado detrás de las orquestas y observando cuidadosamente cómo se tocaba cada parte. Su primera oportunidad llegó a los 17 años, cuando arregló y dirigió su primera sesión de grabación para una orquesta de 28 músicos. No pasó mucho tiempo antes de que Deodato se convirtiera en uno de los arreglistas y pianistas más activos y respetados de la ajetreada escena musical de Río, grabando para artistas como Milton Nascimento, Marcos Valle, Elis Regina y Antonio Carlos Jobim.
En 1968, Deodato se trasladó a Nueva York y comenzó a trabajar con Luiz Bonfa, el legendario compositor de Black Orpheus, al tiempo que realizaba numerosos trabajos de estudio para Astrud Gilberto, Walter Wanderley, Antonio Carlos Jobim, Marcos Valle y muchos otros artistas brasileños que vivían en la Gran Manzana en aquella época. Al escribir los arreglos para "Beach Samba" de Astrud Gilberto, conoció al productor Creed Taylor, quien le contrató para hacer arreglos para otros artistas de CTI como Wes Montgomery, Stanley Turrentine, George Benson, Paul Desmond y Tom Jobim. Su reputación en el campo del pop y la música negra se vio reforzada por su trabajo de arreglos para Frank Sinatra (Sinatra & Co.), Roberta Flack (Killing Me Softly, Chapter Two, Quiet Fire) y Aretha Franklin (Let Me In Your Life).
Tras una actuación en el Hollywood Bowl con la CTI All-Stars Band en 1972, Deodato comenzó a grabar su disco. Su primera actuación como líder, anunciada como 2001 Space Concert, tuvo lugar en el Madison Square Garden de Nueva York en 1973.
Tras siete años de giras por todo el mundo (incluyendo Australia, Japón, Canadá, Sudamérica y Europa) y ocho giras de costa a costa por los Estados Unidos, Deodato decidió concentrarse de nuevo en el trabajo de estudio. Además de álbumes en solitario de gran éxito para los sellos CTI, MCA, Warner y Atlantic, su trabajo como productor/arreglista le valió varios laureles más. Una de sus primeras producciones fue el sencillo pop número 1 de Kool & The Gang, Celebration. Siguió ese éxito con trabajos de producción o arreglos para Earth, Wind & Fire, Michael Franks, Gwen Guthrie, Chuck Mangione, Breakfast Club, The Dazz Band, One Way, Con-Funk-Shun, Kleeer, Pretty Poison, Kevin Rowland (Dexy's Midnight Runners), White Lion y Brenda K. Starr, para quien produjo el éxito pop I Still Believe en 1987. Deodato tenía también otros tres álbumes multiplatino para Kool & The Gang's Ladies' Night, Something Special y As One.
En la década de los 90, Deodato siguió siendo una fuerza vital en la escena pop gracias a su trabajo con la cantante islandesa Bjork. Además de los arreglos de sus tres últimos álbumes: Post (1995), Telegram (1996) y Homogenic (1997), Deodato produjo una alabada versión acústica de "Isobel" de Bjork, subtitulada Deodato Mix, que se convirtió en una de las favoritas de los clubes. También ha producido material para la cantante francesa Clementine (con la que también hizo una gira por Japón como invitado especial en 1994), arregló y produjo un sencillo que alcanzó el top 10 para la cantante brasileña Gal Costa (1996) y ha actuado como director de orquesta invitado con Bjork tanto en Brasil (1996), como en Estados Unidos en los Conciertos por la Libertad del Tíbet en el Estadio Downing (1997). En 1998, Deodato hizo arreglos para los grupos de pop brasileños Titans (Vol. II, con ventas superiores a 500.000 copias) y Carlinhos Brown (Omelete Man), así como para el último álbum del grupo de pop-rock Penelope Charmosa (publicado en 1999). También fue invitado especial en un proyecto de la estrella japonesa del pop Akemi Kakihara, grabado en Londres durante el verano de 1998. En 1999, puso música a Bossa Nova, una película de Bruno Barreto protagonizada por Amy Irving, y al año siguiente produjo el CD de esa partitura para Verve Records. Sus proyectos más recientes incluyen trabajos de producción para el cantante de rock francés Damien Saez, la cantante brasileño-japonesa Lisa Ono y para la cantante de jazz Ann Hampton Callaway.
Deodato también ha trabajado en varias partituras de películas, como El campo de la cebolla, La perla negra, Los cazafantasmas II, Noches blancas, La chica de Ipanema, Los aventureros (grabada con A.C. Jobim y la Orquesta Sinfónica de Londres), La suave lluvia, Objetivo riesgo, El reportero, Beat Street, Body Rock y Bossa Nova. Sus grabaciones también se han utilizado ampliamente en grandes películas como Being There y El Exorcista.
En noviembre de 2001, Deodato participó en un concierto benéfico en la ciudad de Nueva York en el que sólo tocó una canción (Also Sprach Zarathustra: 2001). La reacción fue tan fantástica que se animó a volver a dar conciertos. Para el año 2002 hizo una serie de presentaciones selectas, empezando por un concierto en la Ópera de Viena, en el marco del Festival de Jazz de Verano de Viena. Le siguieron Villach (Austria), Pori (Finlandia), La Haya (Festival de Jazz del Mar del Norte), y muchas otras que le siguieron, como Ciudad del Cabo (Sudáfrica), Roma y Rimini (Italia), Amenia, NY (Organización Mundial de la Paz), Antigua, Guatemala, etc.
Mientras tanto, en 2002 trabajó con Milton Nascimento en Río de Janeiro, lo que generó un Grammy Latino por la canción Tristesse como mejor canción brasileña del año, luego trabajos varios con diferentes artistas, incluyendo Barbara Mendes, Ana Carolina, Fernanda Abreu y más recientemente, KD Lang para su disco lanzado en 2004.
En 2007 la compañía discográfica brasileña "Biscoito Fino", lanza el CD y DVD "Deodato Trio in Rio" (a finales de mes), filmado y grabado en la Sala Cecilia Meirelles de Río el pasado verano, con Marcelo Mariano al bajo y Renato Massa a la batería. También incluye interpretaciones de algunas de las canciones más memorables de Antonio Carlos Jobim y también conmemora su aniversario póstumo. Verve también ha lanzado "Do It Again".
Sin embargo, a pesar de todos sus triunfos, honores y distinciones a lo largo de los años, el polifacético y multiinstrumentista quedará asociado para siempre a una canción: su innovadora interpretación de la obra clásica de Richard Strauss "Also Sprach Zarathustra" (o más conocida como el tema de 2001: Una odisea del espacio). Esa canción, que apareció por primera vez en su álbum de debut para CTI en 1973, "Prelude", vendió al menos cinco millones de copias y le valió a Deodato su primer premio Grammy, lo que le llevó al estrellato internacional y marcó el rumbo de su extraordinaria carrera musical. Treinta años más tarde, esa misma melodía ha entrado en el repertorio de la banda de música Phish, lo que demuestra la influencia duradera de Deodato.
Nacido en Río de Janeiro (Brasil), de origen italiano y portugués, Eumir Deodato empezó a tocar el acordeón a los 12 años. Poco después, comenzó a estudiar piano, así como orquestación, arreglos y dirección. Estrictamente autodidacta, se sumergió en libros de teoría mientras pasaba innumerables tardes sentado detrás de las orquestas y observando cuidadosamente cómo se tocaba cada parte. Su primera oportunidad llegó a los 17 años, cuando arregló y dirigió su primera sesión de grabación para una orquesta de 28 músicos. No pasó mucho tiempo antes de que Deodato se convirtiera en uno de los arreglistas y pianistas más activos y respetados de la ajetreada escena musical de Río, grabando para artistas como Milton Nascimento, Marcos Valle, Elis Regina y Antonio Carlos Jobim.
En 1968, Deodato se trasladó a Nueva York y comenzó a trabajar con Luiz Bonfa, el legendario compositor de Black Orpheus, al tiempo que realizaba numerosos trabajos de estudio para Astrud Gilberto, Walter Wanderley, Antonio Carlos Jobim, Marcos Valle y muchos otros artistas brasileños que vivían en la Gran Manzana en aquella época. Al escribir los arreglos para "Beach Samba" de Astrud Gilberto, conoció al productor Creed Taylor, quien le contrató para hacer arreglos para otros artistas de CTI como Wes Montgomery, Stanley Turrentine, George Benson, Paul Desmond y Tom Jobim. Su reputación en el campo del pop y la música negra se vio reforzada por su trabajo de arreglos para Frank Sinatra (Sinatra & Co.), Roberta Flack (Killing Me Softly, Chapter Two, Quiet Fire) y Aretha Franklin (Let Me In Your Life).
Tras una actuación en el Hollywood Bowl con la CTI All-Stars Band en 1972, Deodato comenzó a grabar su disco. Su primera actuación como líder, anunciada como 2001 Space Concert, tuvo lugar en el Madison Square Garden de Nueva York en 1973.
Tras siete años de giras por todo el mundo (incluyendo Australia, Japón, Canadá, Sudamérica y Europa) y ocho giras de costa a costa por los Estados Unidos, Deodato decidió concentrarse de nuevo en el trabajo de estudio. Además de álbumes en solitario de gran éxito para los sellos CTI, MCA, Warner y Atlantic, su trabajo como productor/arreglista le valió varios laureles más. Una de sus primeras producciones fue el sencillo pop número 1 de Kool & The Gang, Celebration. Siguió ese éxito con trabajos de producción o arreglos para Earth, Wind & Fire, Michael Franks, Gwen Guthrie, Chuck Mangione, Breakfast Club, The Dazz Band, One Way, Con-Funk-Shun, Kleeer, Pretty Poison, Kevin Rowland (Dexy's Midnight Runners), White Lion y Brenda K. Starr, para quien produjo el éxito pop I Still Believe en 1987. Deodato tenía también otros tres álbumes multiplatino para Kool & The Gang's Ladies' Night, Something Special y As One.
En la década de los 90, Deodato siguió siendo una fuerza vital en la escena pop gracias a su trabajo con la cantante islandesa Bjork. Además de los arreglos de sus tres últimos álbumes: Post (1995), Telegram (1996) y Homogenic (1997), Deodato produjo una alabada versión acústica de "Isobel" de Bjork, subtitulada Deodato Mix, que se convirtió en una de las favoritas de los clubes. También ha producido material para la cantante francesa Clementine (con la que también hizo una gira por Japón como invitado especial en 1994), arregló y produjo un sencillo que alcanzó el top 10 para la cantante brasileña Gal Costa (1996) y ha actuado como director de orquesta invitado con Bjork tanto en Brasil (1996), como en Estados Unidos en los Conciertos por la Libertad del Tíbet en el Estadio Downing (1997). En 1998, Deodato hizo arreglos para los grupos de pop brasileños Titans (Vol. II, con ventas superiores a 500.000 copias) y Carlinhos Brown (Omelete Man), así como para el último álbum del grupo de pop-rock Penelope Charmosa (publicado en 1999). También fue invitado especial en un proyecto de la estrella japonesa del pop Akemi Kakihara, grabado en Londres durante el verano de 1998. En 1999, puso música a Bossa Nova, una película de Bruno Barreto protagonizada por Amy Irving, y al año siguiente produjo el CD de esa partitura para Verve Records. Sus proyectos más recientes incluyen trabajos de producción para el cantante de rock francés Damien Saez, la cantante brasileño-japonesa Lisa Ono y para la cantante de jazz Ann Hampton Callaway.
Deodato también ha trabajado en varias partituras de películas, como El campo de la cebolla, La perla negra, Los cazafantasmas II, Noches blancas, La chica de Ipanema, Los aventureros (grabada con A.C. Jobim y la Orquesta Sinfónica de Londres), La suave lluvia, Objetivo riesgo, El reportero, Beat Street, Body Rock y Bossa Nova. Sus grabaciones también se han utilizado ampliamente en grandes películas como Being There y El Exorcista.
En noviembre de 2001, Deodato participó en un concierto benéfico en la ciudad de Nueva York en el que sólo tocó una canción (Also Sprach Zarathustra: 2001). La reacción fue tan fantástica que se animó a volver a dar conciertos. Para el año 2002 hizo una serie de presentaciones selectas, empezando por un concierto en la Ópera de Viena, en el marco del Festival de Jazz de Verano de Viena. Le siguieron Villach (Austria), Pori (Finlandia), La Haya (Festival de Jazz del Mar del Norte), y muchas otras que le siguieron, como Ciudad del Cabo (Sudáfrica), Roma y Rimini (Italia), Amenia, NY (Organización Mundial de la Paz), Antigua, Guatemala, etc.
Mientras tanto, en 2002 trabajó con Milton Nascimento en Río de Janeiro, lo que generó un Grammy Latino por la canción Tristesse como mejor canción brasileña del año, luego trabajos varios con diferentes artistas, incluyendo Barbara Mendes, Ana Carolina, Fernanda Abreu y más recientemente, KD Lang para su disco lanzado en 2004.
En 2007 la compañía discográfica brasileña "Biscoito Fino", lanza el CD y DVD "Deodato Trio in Rio" (a finales de mes), filmado y grabado en la Sala Cecilia Meirelles de Río el pasado verano, con Marcelo Mariano al bajo y Renato Massa a la batería. También incluye interpretaciones de algunas de las canciones más memorables de Antonio Carlos Jobim y también conmemora su aniversario póstumo. Verve también ha lanzado "Do It Again".
https://www.allaboutjazz.com/musicians/eumir-deodato
www.instagram.com/eumirdeodato ...
Friday, August 21, 2026
Friday, August 7, 2026
Lyle Mays • Street Dreams
Biography by Scott Yanow
Lyle Mays' style was difficult to describe, more atmospheric (with plenty of unique colors) than swinging and an invaluable part of the sound of the Pat Metheny Group.
Mays played and composed for the North Texas State University Lab Band in the mid-'70s. He met Metheny in 1975, toured with Woody Herman's Orchestra (1975-1976), and then joined Metheny's band, continuing to play with the guitarist's group. Mays, who was also an excellent acoustic pianist, recorded several albums as a leader for Geffen, including the excellent work Fictionary in 1992 and Solo in 2000. Lyle Mays died on February 10, 2020, after a long illness.
https://www.allmusic.com/artist/lyle-mays-mn0000171015#biography
///////
Biografía de Scott Yanow
El estilo de Lyle Mays era difícil de describir, más atmosférico (con muchos colores únicos) que oscilante y una parte invaluable del sonido del Grupo Pat Metheny.
Mays tocó y compuso para la Banda Lab de la Universidad Estatal del Norte de Texas a mediados de los 70. Conoció a Metheny en 1975, realizó una gira con la Orquesta de Woody Herman (1975-1976) y luego se unió a la banda de Metheny, continuando tocando con el grupo del guitarrista. Mays, quien también fue un excelente pianista acústico, grabó varios álbumes como líder de Geffen, incluido el excelente trabajo Fictionary en 1992 y Solo en 2000. Lyle Mays murió el 10 de febrero de 2020, después de una larga enfermedad.
https://www.allmusic.com/artist/lyle-mays-mn0000171015#biography
Thursday, August 6, 2026
Billy Cobham • Inner Conflicts
Review by Robert Taylor
A solid effort that has been dismissed based upon its associations with two Cobham lemons, Simplicity of Expression: Depth of Thought and B.C., all recorded around the same time. This recording finds Cobham continuing to explore the funk genre; however, the overall mood here is quite darker and more introspective, similar to Crosswinds. "Inner Conflicts" is a haunting song that includes Cobham's experimentation with electronic percussion and synthesizer. ""Nickels and Dimes" is a page out of Cobham's early work, while "El Barrio" is heavily influenced by African rhythms. Of note, Prince's former sidekick Sheila E. performs here with her father Pete. The closer, "Arroyo," is another of Cobham's memorable compositions that he continues to perform.
https://www.allmusic.com/album/inner-conflicts-mw0000069198
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Reseña de Robert Taylor
Un esfuerzo sólido que ha sido descartado en función de sus asociaciones con dos limones Cobham, Simplicity of Expression: Depth of Thought y B. C., todos grabados casi al mismo tiempo. En esta grabación, Cobham continúa explorando el género funk; sin embargo, el ambiente general aquí es bastante más oscuro e introspectivo, similar a Crosswinds. "Inner Conflicts" es una canción inquietante que incluye la experimentación de Cobham con percusión electrónica y sintetizador. ""Nickels and Dimes" es una página de los primeros trabajos de Cobham, mientras que "El Barrio" está fuertemente influenciado por los ritmos africanos. Cabe destacar que la excompañera de Prince, Sheila E., actúa aquí con su padre Pete. El cerrador, "Arroyo", es otra de las composiciones memorables de Cobham que continúa interpretando.
https://www.allmusic.com/album/inner-conflicts-mw0000069198
Saturday, June 13, 2026
Saturday, May 2, 2026
Vince Seneri • The Prince's Groove
Vince Seneri is one of the most dynamic ‘burners’ of the Hammond B3 organ on the music scene today. Endorsed by Hammond Suzuki Organ Company USA, he is a new generation B3 player with a class and style all his own. This charismatic performer has been entertaining for over 20 years, and consistently delivers a first-class performance at all his shows. His dedication and integrity for the music and aim to please his audience is paramount. As a musician, composer, and arranger, this multi-talented artist is known for his energy and expertise with the B3. He is a true master of the instrument, and has captured the hearts of fans worldwide.
Vince Seneri has performed and recorded several CDs with some of the best musicians in the business today, including: Randy Brecker, Dave Valentin, Houston Person, David “Fathead” Newman, Paul Bollenback, and Buddy Williams.
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Vince Seneri es uno de los más dinámicos "quemadores" del órgano Hammond B3 en la escena musical actual. Avalado por la Hammond Suzuki Organ Company USA, es una nueva generación de intérpretes de B3 con una clase y estilo propios. Este carismático intérprete ha sido entretenido durante más de 20 años, y constantemente ofrece una actuación de primera clase en todos sus espectáculos. Su dedicación e integridad por la música y su objetivo de complacer a su público es primordial. Como músico, compositor y arreglista, este artista multi-talentoso es conocido por su energía y experiencia con el B3. Es un verdadero maestro del instrumento, y ha capturado los corazones de los fans de todo el mundo.
Vince Seneri ha tocado y grabado varios CDs con algunos de los mejores músicos de hoy en día, incluyendo: Randy Brecker, Dave Valentin, Houston Person, David "Fathead" Newman, Paul Bollenback, y Buddy Williams.
Tuesday, February 17, 2026
Randy Brecker • Score
Review by Steve Loewy
Randy Brecker's debut album features the trumpeter leading two distinct all-star small groups, each with younger brother Michael (who was only 19 when this was recorded) on tenor sax, Larry Coryell on guitar, and Hal Galper on piano. The tunes alternate between jazz-rock (a style the Brecker Brothers were later to successfully exploit) and modern mainstream jazz. There are the customary fades, popular at the time, and a light, though constant, beat throughout that makes the music both accessible and even danceable, an impressive feat considering that virtually all the tunes are originals. The Brecker Brothers exhibit a command of their horns and a maturity that was to serve them well for many years. The recording has weathered the years well, in part because even the fusion pieces never lose their focus, nor do they compromise artistry for popular fads. "The Weasel Goes Out to Lunch" is a cute, though very short, take on the childhood theme, with the remaining tracks fine examples of late-'60s popular jazz. With well-constructed arrangements, strong soloing, and catchy melodies, Brecker knew he was onto something, and this album was the first of several successful ventures.
https://www.allmusic.com/album/score-mw0000097519
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Reseña de Steve Loewy
El álbum de debut de Randy Brecker presenta al trompetista al frente de dos pequeños grupos distintos, cada uno con su hermano menor Michael (que sólo tenía 19 años cuando se grabó) al saxo tenor, Larry Coryell a la guitarra y Hal Galper al piano. Las melodías alternan entre el jazz-rock (un estilo que los hermanos Brecker explotarían con éxito más adelante) y el jazz moderno convencional. Hay los habituales fundidos, populares en la época, y un ritmo ligero, aunque constante, que hace que la música sea accesible e incluso bailable, una hazaña impresionante teniendo en cuenta que prácticamente todos los temas son originales. Los hermanos Brecker demuestran un dominio de sus instrumentos de viento y una madurez que les servirá durante muchos años. La grabación ha aguantado bien el paso de los años, en parte porque incluso las piezas de fusión nunca pierden su enfoque, ni comprometen el arte por las modas populares. "The Weasel Goes Out to Lunch" es una bonita, aunque muy corta, versión del tema de la infancia, y el resto de las canciones son buenos ejemplos del jazz popular de finales de los 60. Con unos arreglos bien construidos, unos solos potentes y unas melodías pegadizas, Brecker sabía que tenía algo entre manos, y este álbum fue la primera de varias aventuras exitosas.
https://www.allmusic.com/album/score-mw0000097519
randybrecker.com ...
Thursday, February 5, 2026
Tuesday, February 3, 2026
Herbie Mann • Mellow
Not a high water mark in Herbie Mann's recorded output, Mellow was released by Atlantic Records after dropping him from their roster. Made up primarily of outtakes from mid- to late-'70s recording sessions, the album sounds like the hodgepodge it is. Highlights include a take on Milton Nascimento's "Cinnamon Flower" and a lengthy version of Mann's classic "Memphis Underground," recorded at the 1977 Montreux Jazz Festival with guests Sonny Fortune, David Newman and the Brecker Brothers. The low point arrives with the opening track, a cover of Bob Marley's "Bend Down Low" left over from the Reggae sessions, in which Mann actually sings the lead vocal. - AMG
Biography
The world according to flutist and composer Herbie Mann was a utopian
musical paradise where jazz is made up of of Afro-Cuban, Middle-Eastern,
R&B, and nearly every other kind of music. In the 1960s, he
discovered Brazil's bossa-nova; in the 1970s, he even found disco
rhythms in jazz.
Unlike most of his contemporaries in jazz, when Mann began playing flute
in 1940s he had no forefathers to learn from, no pioneers of jazz flute
to idolize. He was forced to look elsewhere—both inside and outside of
jazz—to develop his approach to jazz and the flute. Among numerous
musical influences, Mann was particularly drawn to rhythms and melodies
from South America and the Caribbean.
Herbie Mann was born Herbert Jay Solomon in Brooklyn, New York, on April
16, 1930. Early in his childhood, Mann was so enthralled with rhythm
that he wanted to be a drummer. Instead, a cousin of his mother
convinced him to play the clarinet.
In 1948, Mann began serving four years in the army and while stationed
in Trieste, Italy, he began playing saxophone in the military band.
After his discharge from the service, he saw a jazz scene overflowing
with sax players and he fell back on his second instrument, the flute.
When the Dutch accordionist, Mat Matthews, told him he was looking for a
jazz flute player for the first album by the then unknown Carmen McRae,
Herbie immediately jumped at the opportunity and spent days
“woodshedding” before going into the studio. With this opportunity he
was able to distinguish himself from other players as a jazz flutist, of
which there were few.
In 1954, Mann released his first album for Bethlehem Records, “Herbie
Mann Plays.” Although at that time he was jamming with bebop innovators
like bassist Milt Hinton, drummers Art Blakey and Kenny Clarke, and
pianist Tommy Flanagan, Mann was never truly comfortable playing
straight-ahead bebop. As he began to bring non-jazz elements into his
sound, Mann's flute playing began to sound tougher and more aggressive.
Three years later, Mann made the first of three albums for Verve
Records, titled “The Magic Flute of Herbie Mann.” The album featured,
“The Evolution of Mann” which became an instant hit on the radio thanks
to New York disc jockey, “Symphony Sid” Torin. Mann then formed an
Afro-Cuban band with percussionists like Rudy Collins, Ray Mantilla, and
Carlos “Patato” Valdez, all from Cuba's legendary Machito Orchestra.
Because Mann was able to pay the percussionists more money than what
they were making with the other Latin orchestras, a rift was created between Mann and many of the other Latin
bandleaders. Eventually, Mann's interest in Afro-Cuban jazz led him to
the music's source—Africa. In 1959, the U.S. State Department funded a
trip for Mann to visit Africa, after they heard his version of “African
Suite.”
After his trip to Africa, Mann moved to Atlantic Records, releasing
“Common Ground (1960),” which embraced a wider sense of the African
musical diaspora. Mann's band included musicians from Puerto Rico,
Nigeria, and beyond. This added rhythmic element boosted Herbie's
popularity and the list of Latin percussionists who played with him in
the late 50's and 60's reads like a Who's Who of the genre: Candido, Ray
Barretto, Olatunji, Potato Valdes, Willie Bobo and others. Audiences
around the world loved this sound.
Mann recorded a live album at New York City's Village Gate jazz club in
1961, the set featured “Comin' Home Baby” which became Mann's first
major crossover hit. The immense popularity of At the Village Gate made
Mann a true superstar.
Not content to rest on his laurels, Mann forged ahead into new
territory. Inspired by the classic Brazilian film Black Orpheus, Mann
convinced his manager Monte Kay to book him a tour to Brazil, although
he was hardly known there. Mann returned to the U.S. transformed by the
music he had heard in Brazil, intent on making a Brazilian jazz album.
Although guitarist Charlie Byrd and saxophonist Stan Getz had already
made a smash hit in 1962 with their Brazilian jazz album, “Jazz Samba,”
Mann was unimpressed. His response, also released in 1962, was “Do The
Bossa Nova,” featuring more of the real deal: Brazilian musicians like
Sergio Mendes, guitarist Baden Powell, and pianist and arranger Antonio
Carlos Jobim.
After the bossa-nova craze ran its course, Mann ventured off into Middle
Eastern music, which resulted in the 1966 album, “Impressions of the
Middle East.” Two years later, Mann delved deeper into yet another
genre: rhythm & blues. While in London, he heard Willie Mitchell's
Hi Records hit, “Mercy” and as he had done with his exploration of
Afro-Cuban music, Mann went straight to the source: Memphis, Tennesee.
After absorbing Memphis' Stax and Hi records sounds, Mann came out with
the soul-jazz album “Memphis Underground;” it became his best-selling
disc ever. The radio-friendly music and the explosive R&B solo work
from guitarist Sonny Sharrock on the disc again infuriated jazz critics.
After the breakthrough success with “Memphis Underground,” Mann
continued to explore R&B and its distant cousin, disco. In 1969,
Atlantic allowed Mann to start his own label, Embryo. Mann released the
sexually-charged album Push Push, in 1971, generating a significant
amount of controversy over the suggestive album cover—a nude Mann posing
seductively with flute in hand.
Throughout the 1970s, Mann created more distance between himself and the
jazz establishment by recording reggae, disco, British rock, and
Japanese music albums. By the time he recorded “Discotheque,” he hardly
had a jazz core audience. Throughout the 1980s, Mann remained in
obscurity when it came to jazz. However, towards the end of this
ten-year period, he formed a group, Jasil Brazz, and once again
reestablished his musical footing in the fertile sounds of his beloved
Brazil. He produced two records, “Jasil Brazz,” and “Opalescence,”
featuring Brazilian guitarists Romero Lubambo and Ricardo Silveira.
Throughout the label “shifts”, he retained his rights to these
recordings and in l992 formed his own label, Kokopelli Music. He
launched the label with the release of “Deep Pocket,” an all star,
soul/jazz recording featuring Les McCann, Cornell Dupree, David Newman
and Chuck Rainey.
Two years later, Herbie went into a partnership and Kokopelli Music was
expanded to Kokopelli Records. This year and a half venture produced
nearly a dozen recordings including Herbie's “Peace Pieces,” a tribute
to the music of Bill Evans, featuring guitarist Bruce Dunlap, Eddie
Gomez and Randy Brecker.
Herbie released two albums on the Lightyear label from his l995 weeklong
celebration of his 65th birthday. The recordings, “Celebration,” and
“America Brasil,” feature many of his longtime friends and musical
partners from his past, including David “Fathead” Newman, Dave Valentin,
Ron Carter, Billy Taylor, Tito Puente, Randy Brecker, Claudio Roditi
and others.
By 1997, he was diagnosed with inoperable prostate cancer, and the disease finally took his life on July 1, 2003.
Herbie Mann's career does not lend itself to easy characterization. At
the same time, though, his recorded work speaks volumes about his
ability to merge widely-varying forms into a coherent and appealing
style that was accessible to the average listener. Mann could also be
described as one of the first “world” musicians; his sensitivity for
non-Western musical forms, evidenced by his ability to integrate them
into work that could be easily appreciated by a largely Western audience
while still retaining the essential characteristics of its origin, has
few parallels among the other musicians of his generation.
Source: James Nadal
///////
No es una marca de agua alta en la producción grabada de Herbie Mann, Mellow fue lanzado por Atlantic Records después de sacarlo de su lista. Compuesto principalmente por tomas de sesiones de grabación de mediados y finales de los 70, el álbum suena como la mezcolanza que es. Entre los aspectos más destacados se incluyen una versión de "Cinnamon Flower" de Milton Nascimento y una larga versión del clásico de Mann "Memphis Underground", grabado en el Festival de Jazz de Montreux en 1977 con invitados como Sonny Fortune, David Newman y los Brecker Brothers. El punto bajo llega con el tema de apertura, una versión de "Bend Down Low" de Bob Marley que sobró de las sesiones de Reggae, en la que Mann canta la voz principal. - AMG
Biografía
El mundo, según el flautista y compositor Herbie Mann, era un paraíso
musical utópico donde el jazz se compone de música afrocubana, de
Oriente Medio, de R&B y de casi cualquier otro tipo de música. En la
década de 1960, descubrió la bossa-nova de Brasil; en la década de
1970, incluso encontró ritmos de discoteca en el jazz.
A diferencia de la mayoría de sus contemporáneos del jazz, cuando Mann
comenzó a tocar la flauta en la década de 1940 no tenía antepasados de
los que aprender, ni pioneros de la flauta de jazz a los que idolatrar.
Se vio obligado a buscar en otros lugares, tanto dentro como fuera del
jazz, para desarrollar su enfoque del jazz y la flauta. Entre las
numerosas influencias musicales, Mann se sintió particularmente atraído
por los ritmos y melodías de América del Sur y el Caribe.
Herbie Mann nació Herbert Jay Solomon en Brooklyn, Nueva York, el 16 de
abril de 1930. A principios de su infancia, Mann estaba tan cautivado
por el ritmo que quería ser un baterista. En cambio, un primo de su
madre lo convenció de que tocara el clarinete.
En 1948, Mann comenzó a servir cuatro años en el ejército y mientras
estaba destinado en Trieste, Italia, comenzó a tocar el saxofón en la
banda militar. Después de su baja del servicio, vio una escena de jazz
rebosante de saxofonistas y se echó atrás con su segundo instrumento, la
flauta. Cuando el acordeonista holandés, Mat Matthews, le dijo que
buscaba un flautista de jazz para el primer álbum de la entonces
desconocida Carmen McRae, Herbie aprovechó inmediatamente la oportunidad
y pasó días "woodshedding" antes de entrar en el estudio. Con esta
oportunidad pudo distinguirse de otros músicos como flautista de jazz,
que eran pocos.
En 1954, Mann lanzó su primer álbum para Bethlehem Records, "Herbie Mann
Plays". Aunque en ese momento estaba tocando con innovadores del bebop
como el bajista Milt Hinton, los bateristas Art Blakey y Kenny Clarke, y
el pianista Tommy Flanagan, Mann nunca se sintió realmente cómodo
tocando bebop de frente. A medida que empezó a introducir elementos de
no jazz en su sonido, la flauta de Mann empezó a sonar más dura y
agresiva.
Tres años después, Mann hizo el primero de tres álbumes para Verve
Records, titulado "La flauta mágica de Herbie Mann". El álbum presentó
"The Evolution of Mann", que se convirtió en un éxito instantáneo en la
radio gracias al disc jockey neoyorquino "Symphony Sid" Torin. Mann
formó entonces una banda afrocubana con percusionistas como Rudy
Collins, Ray Mantilla y Carlos "Patato" Valdez, todos de la legendaria
Orquesta Machito de Cuba. Debido a que Mann pudo pagar a los
percusionistas más dinero del que ganaban con las otras orquestas
latinas, se creó una brecha entre Mann y muchos de los otros directores
de orquesta latinos. Con el tiempo, el interés de Mann en el jazz
afrocubano le llevó a la fuente de la música: África. En 1959, el
Departamento de Estado de los Estados Unidos financió un viaje para que
Mann visitara África, después de haber escuchado su versión de "African
Suite".
Después de su viaje a África, Mann se trasladó a Atlantic Records y
publicó "Common Ground (1960)", que abarcaba un sentido más amplio de la
diáspora musical africana. La banda de Mann incluía músicos de Puerto
Rico, Nigeria y otros países. Este elemento rítmico añadido aumentó la
popularidad de Herbie y la lista de percusionistas latinos que tocaron
con él a finales de los años 50 y 60 se lee como un Who's Who del
género: Candido, Ray Barretto, Olatunji, Potato Valdes, Willie Bobo y
otros. El público de todo el mundo amaba este sonido.
Mann grabó un álbum en vivo en el club de jazz Village Gate de la ciudad
de Nueva York en 1961, el conjunto incluía "Comin' Home Baby" que se
convirtió en el primer gran éxito de Mann. La inmensa popularidad de "At
the Village Gate" hizo de Mann una verdadera superestrella.
No contento con dormirse en sus laureles, Mann se forjó en un nuevo
territorio. Inspirado por el clásico brasileño Black Orpheus, Mann
convenció a su manager Monte Kay para que le reservara un viaje a
Brasil, aunque apenas era conocido allí. Mann regresó a los EE.UU.
transformado por la música que había escuchado en Brasil, con la
intención de hacer un álbum de jazz brasileño. Aunque el guitarrista
Charlie Byrd y el saxofonista Stan Getz ya habían conseguido un gran
éxito en 1962 con su álbum de jazz brasileño, "Jazz Samba", Mann no
quedó impresionado. Su respuesta, también publicada en 1962, fue "Do The
Bossa Nova", con más de lo real: músicos brasileños como Sergio Mendes,
el guitarrista Baden Powell, y el pianista y arreglista Antonio Carlos
Jobim.
Después de que la locura de la bossa-nova siguiera su curso, Mann se
aventuró en la música de Oriente Medio, lo que dio lugar al álbum de
1966, "Impressions of the Middle East". Dos años más tarde, Mann
profundizó en otro género: el rhythm & blues. Mientras estaba en
Londres, escuchó el éxito de Willie Mitchell en Hi Records, "Mercy" y
como había hecho con su exploración de la música afrocubana, Mann fue
directamente a la fuente: Memphis, Tennesee.
Después de absorber los sonidos de Stax y Hi Records de Memphis, Mann
sacó el álbum de soul-jazz "Memphis Underground"; se convirtió en el
disco más vendido de su vida. La música apta para la radio y el
explosivo trabajo en solitario de R&B del guitarrista Sonny Sharrock
en el disco enfurecieron de nuevo a los críticos de jazz.
Tras el gran éxito de "Memphis Underground", Mann siguió explorando el
R&B y su primo lejano, el disco. En 1969, Atlantic permitió a Mann
crear su propio sello, Embryo. Mann lanzó el álbum sexualmente cargado
Push Push, en 1971, generando una importante controversia sobre la
sugerente portada del álbum: una Mann desnuda posando seductoramente con
la flauta en la mano.
A lo largo de la década de 1970, Mann creó más distancia entre él y el
establecimiento del jazz al grabar álbumes de reggae, disco, rock
británico y música japonesa. Cuando grabó "Discoteca", apenas tenía un
público de jazz. A lo largo de los años 80, Mann permaneció en el olvido
en lo que se refiere al jazz. Sin embargo, hacia el final de este
período de diez años, formó un grupo, Jasil Brazz, y una vez más
restableció su base musical en los fértiles sonidos de su amado Brasil.
Produjo dos discos, "Jasil Brazz" y "Opalescence", con los guitarristas
brasileños Romero Lubambo y Ricardo Silveira. Durante los "cambios" del
sello, conservó los derechos de estas grabaciones y en 1992 formó su
propio sello, Kokopelli Music. Lanzó el sello con el lanzamiento de
"Deep Pocket", una grabación de soul/jazz con Les McCann, Cornell
Dupree, David Newman y Chuck Rainey.
Dos años más tarde, Herbie se asoció con Kokopelli Music y se expandió a
Kokopelli Records. Este año y medio la empresa produjo casi una docena
de grabaciones, incluyendo "Peace Pieces" de Herbie, un tributo a la
música de Bill Evans, con el guitarrista Bruce Dunlap, Eddie Gómez y
Randy Brecker.
Herbie lanzó dos álbumes con el sello Lightyear en la semana de
celebración de su 65 cumpleaños en 1995. Las grabaciones, "Celebration" y
"America Brasil", presentan a muchos de sus viejos amigos y compañeros
musicales de su pasado, incluyendo a David "Fathead" Newman, Dave
Valentin, Ron Carter, Billy Taylor, Tito Puente, Randy Brecker, Claudio
Roditi y otros.
En 1997 se le diagnosticó un cáncer de próstata inoperable, y la enfermedad finalmente le quitó la vida el 1 de julio de 2003.
La carrera de Herbie Mann no se presta a una fácil caracterización. Sin
embargo, al mismo tiempo, su trabajo grabado dice mucho sobre su
capacidad de fusionar formas muy variadas en un estilo coherente y
atractivo que era accesible para el oyente medio. Mann también podría
describirse como uno de los primeros músicos "mundiales"; su
sensibilidad por las formas musicales no occidentales, que se pone de
manifiesto en su capacidad para integrarlas en una obra que podía ser
fácilmente apreciada por un público mayoritariamente occidental,
conservando al mismo tiempo las características esenciales de su origen,
tiene pocos paralelismos con los demás músicos de su generación.
Fuente: James Nadal
Wednesday, January 28, 2026
The Chartbusters • Mating Call
Review by Steven McDonald
Something of a jazz superstar collective, the Chartbusters are rooted in Dr. Lonnie Smith's swirling Hammond B3 and Idris Muhammad's nimble drumming, giving the album a solid rhythmic foundation from which the players seem reluctant to move -- the album has something in the way of swing, but never falls sincerely into the looser improvisational areas that might have provided some real spice. Still, the horn work from Craig Handy, Donald Harrison and Randy Brecker is solid, enjoyable playing, while guitarist David Fiuczynski takes a couple of opportunities to show what he can do. Pleasant enough, but it could really have used a few teeth.
https://www.allmusic.com/album/mating-call-mw0000186535
///////
Reseña de Steven McDonald
Los Chartbusters, una especie de colectivo de superestrellas del jazz, se basan en el vertiginoso Hammond B3 del Dr. Lonnie Smith y la ágil batería de Idris Muhammad, lo que le da al álbum una sólida base rítmica de la que los músicos parecen reacios a alejarse: el álbum tiene algo de swing, pero nunca cae sinceramente en las áreas de improvisación más libres que podrían haberle dado un toque realmente especial. Aun así, el trabajo de los instrumentos de viento de Craig Handy, Donald Harrison y Randy Brecker es sólido y agradable, mientras que el guitarrista David Fiuczynski aprovecha un par de oportunidades para demostrar lo que sabe hacer. Es bastante agradable, pero realmente le habría venido bien un poco más de garra.
https://www.allmusic.com/album/mating-call-mw0000186535
thechartbusters-jazz ...
Sunday, November 16, 2025
Wednesday, September 3, 2025
Friday, July 25, 2025
James Moody • 80 Years Young; Live At The Blue Note, March 26, 2005
It was an unforgettable week of music at the Blue Note in New York City, March 2005, celebrating the legendary saxophonist & flutist James Moody's 80th birthday. 80 Years Young documents the grand finale of that week, now released for the first time and in celebration of the 100th anniversary of his birth. The club was buzzing that night with jazz legends, sports figures, TV personalities, and alive with love, joy, and the heartbeat of a community united in reverence for a great American cultural icon. Supporting Moody were Jon Faddis, Randy Brecker, Paquito D'Rivera, and Slide Hampton, with David Hazeltine and Cedar Walton on piano, bassist Todd Coolman, and drummer Adam Nussbaum, with a brief introduction by jazz impresario George Wein. Featured in the set was "Moody's Mood for Love," over a half-century since it was a major hit for King Pleasure and Moody's signature tune over the decades. 80 Years Young is a powerful reminder of the lasting impact of his music and exudes the deep joyful connection he created with colleagues and audiences throughout his six-decade career.
https://originarts.com/recordings/recording.php?TitleID=82920
///////
Fue una semana inolvidable de música en el Blue Note de Nueva York, en marzo de 2005, para celebrar el 80.º cumpleaños del legendario saxofonista y flautista James Moody. 80 Years Young documenta la gran final de esa semana, ahora publicada por primera vez y en conmemoración del centenario de su nacimiento. Esa noche, el club estaba repleto de leyendas del jazz, figuras del deporte, personalidades de la televisión y rebosante de amor, alegría y el latido de una comunidad unida en reverencia por un gran icono cultural estadounidense. Acompañando a Moody estaban Jon Faddis, Randy Brecker, Paquito D'Rivera y Slide Hampton, con David Hazeltine y Cedar Walton al piano, el bajista Todd Coolman y el baterista Adam Nussbaum, con una breve introducción del empresario de jazz George Wein. En el repertorio destacó «Moody's Mood for Love», más de medio siglo después de que fuera un gran éxito para King Pleasure y la canción insignia de Moody durante décadas. 80 Years Young es un poderoso recordatorio del impacto duradero de su música y transmite la profunda y alegre conexión que creó con sus colegas y el público a lo largo de sus seis décadas de carrera.
https://originarts.com/recordings/recording.php?TitleID=82920
Thursday, July 3, 2025
Steve Khan • Borrowed Time
Biography
by Matt Collar
Guitarist
Steve Khan is a gifted jazz-based performer whose adept skills have
found him working with his own groups and as an in-demand session
artist. Born in Los Angeles in 1947, Khan grew up in a musical family,
the son of famed lyricist Sammy Cahn. Initially, he studied drums and
piano in his adolescence before settling on the guitar around age 20. He
honed his skills while attending U.C.L.A., after which he moved to New
York City and quickly found work in variety of jazz, pop, and R&B
settings. During this period he shared the stage with such luminaries as
Maynard Ferguson, Buddy Rich, the Brecker Brothers, Joe Zawinul's
Weather Update, and others.
As a recording artist, Khan made his
debut alongside fellow guitarist Larry Coryell on 1976's Two for the
Road. He then delivered several well-received albums for Columbia,
including 1977's Tightrope, 1978's The Blue Man, and 1979's Arrows. Also
during this period, he found session work appearing on albums by
Ashford & Simpson, Rupert Holmes, Steely Dan, and Billy Joel. In
1980, he delivered the Thelonious Monk-themed Evidence. A year later, he
formed the fusion quartet Eyewitness, which continued to work
throughout the 1980s. Several more well-regarded albums followed in the
'90s, including 1992's Headline, 1994's Crossings, and 1997's Got My
Mental with John Patitucci and Jack DeJohnette.
He then joined
the Caribbean Jazz Project for 2000's New Horizons and 2001's Paraiso.
Khan returned to his solo work in 2006, reuniting with DeJohnette and
Patitucci for The Green Field, followed by 2007's Borrowed Time. He then
brought along fellow Eyewitness alums Anthony Jackson, Dennis Chambers,
and Manolo Badrena for 2011's Parting Shot, followed in 2014 by the
salsa-infused Subtext. In 2016 he released Backlog, which featured guest
spots from longtime associates like Randy Brecker, Bob Mintzer, Mike
Mainieri, and others.
https://www.allmusic.com/artist/steve-khan-mn0000028138/biography
///////
Biografía
por Matt Collar
El
guitarrista Steve Khan es un talentoso intérprete de jazz cuyas
habilidades adeptas lo han encontrado trabajando con sus propios grupos y
como un artista de sesión en demanda. Nacido en Los Ángeles en 1947,
Khan creció en una familia musical, hijo del famoso letrista Sammy Cahn.
Inicialmente, estudió batería y piano en su adolescencia antes de
decidirse por la guitarra alrededor de los 20 años. Perfeccionó sus
habilidades mientras asistía a la UCLA, después de lo cual se mudó a la
ciudad de Nueva York y rápidamente encontró trabajo en una variedad de
escenarios de jazz, pop y R&B. Durante este período, compartió el
escenario con luminarias como Maynard Ferguson, Buddy Rich, The Brecker
Brothers, Weather Update de Joe Zawinul y otros.
Como artista de
grabación, Khan hizo su debut junto al guitarrista Larry Coryell en Two
for the Road de 1976. Luego entregó varios álbumes bien recibidos para
Columbia, incluidos Tightrope de 1977, The Blue Man de 1978 y Arrows de
1979. También durante este período, encontró trabajo de sesión que
aparecía en álbumes de Ashford & Simpson, Rupert Holmes, Steely Dan y
Billy Joel. En 1980, entregó la Evidencia temática de Thelonious Monk.
Un año después, formó el cuarteto de fusión Eyewitness, que continuó
trabajando durante la década de 1980. Varios álbumes más bien
considerados siguieron en los años 90, incluyendo Headline de 1992,
Crossings de 1994 y Got My Mental de 1997 con John Patitucci y Jack
DeJohnette.
Luego se unió al Proyecto de Jazz Caribeño para New
Horizons del 2000 y Paraíso del 2001. Khan regresó a su trabajo en
solitario en 2006, reuniéndose con DeJohnette y Patitucci para The Green
Field, seguido de Borrowed Time de 2007. Luego trajo a sus compañeros
de Eyewitness, Anthony Jackson, Dennis Chambers y Manolo Badrena para la
Foto de despedida de 2011, seguida en 2014 por el Subtexto con salsa.
En 2016 lanzó Backlog, que contó con anuncios invitados de asociados de
toda la vida como Randy Brecker, Bob Mintzer, Mike Mainieri y otros.
https://www.allmusic.com/artist/steve-khan-mn0000028138/biography
www.stevekhan.com ...
Tuesday, June 10, 2025
The Atlantic Family • Live At Montreux
Review by Scott Yanow
This double LP was recorded at a series of concerts sponsored by Atlantic Records at the 1976 Montreux Jazz Festival. The mixture of jazz and R&B musicians is quite odd and sometimes stimualting. In addition to members of The Average White Band and soul singers Ben E. King and Luther Vandross, such players as tenor-saxophonist Michael Brecker, trumpeter Randy Brecker, altoist Sonny Fortune, flutist Herbie Mann, tenor-saxophonist David "Fathead" Newman and even trumpeter Don Ellis have their solos. It's an odd but ultimately successful jam session, long out-of-print.
https://www.allmusic.com/album/the-atlantic-family-live-at-montreux-mw0000965877
///////
Rezension von Scott Yanow
Diese Doppel-LP wurde bei einer Reihe von Konzerten aufgenommen, die von Atlantic Records anlässlich des Montreux Jazz Festivals 1976 gesponsert wurden. Die Mischung aus Jazz- und R&B-Musikern ist recht ungewöhnlich und manchmal anregend. Neben Mitgliedern der Average White Band und den Soulsängern Ben E. King und Luther Vandross haben auch Tenorsaxophonist Michael Brecker, Trompeter Randy Brecker, Altist Sonny Fortune, Flötist Herbie Mann, Tenorsaxophonist David „Fathead“ Newman und sogar Trompeter Don Ellis ihre Soli. Es ist eine seltsame, aber letztlich erfolgreiche Jam-Session, die lange vergriffen war.
https://www.allmusic.com/album/the-atlantic-family-live-at-montreux-mw0000965877
Monday, May 26, 2025
Friday, May 9, 2025
Steve Khan • Patchwork
Biography
by Matt Collar
Guitarist
Steve Khan is a gifted jazz-based performer whose adept skills have
found him working with his own groups and as an in-demand session
artist. Born in Los Angeles in 1947, Khan grew up in a musical family,
the son of famed lyricist Sammy Cahn. Initially, he studied drums and
piano in his adolescence before settling on the guitar around age 20. He
honed his skills while attending U.C.L.A., after which he moved to New
York City and quickly found work in variety of jazz, pop, and R&B
settings. During this period he shared the stage with such luminaries as
Maynard Ferguson, Buddy Rich, the Brecker Brothers, Joe Zawinul's
Weather Update, and others.
As a recording artist, Khan made his
debut alongside fellow guitarist Larry Coryell on 1976's Two for the
Road. He then delivered several well-received albums for Columbia,
including 1977's Tightrope, 1978's The Blue Man, and 1979's Arrows. Also
during this period, he found session work appearing on albums by
Ashford & Simpson, Rupert Holmes, Steely Dan, and Billy Joel. In
1980, he delivered the Thelonious Monk-themed Evidence. A year later, he
formed the fusion quartet Eyewitness, which continued to work
throughout the 1980s. Several more well-regarded albums followed in the
'90s, including 1992's Headline, 1994's Crossings, and 1997's Got My
Mental with John Patitucci and Jack DeJohnette.
He then joined
the Caribbean Jazz Project for 2000's New Horizons and 2001's Paraiso.
Khan returned to his solo work in 2006, reuniting with DeJohnette and
Patitucci for The Green Field, followed by 2007's Borrowed Time. He then
brought along fellow Eyewitness alums Anthony Jackson, Dennis Chambers,
and Manolo Badrena for 2011's Parting Shot, followed in 2014 by the
salsa-infused Subtext. In 2016 he released Backlog, which featured guest
spots from longtime associates like Randy Brecker, Bob Mintzer, Mike
Mainieri, and others.
https://www.allmusic.com/artist/steve-khan-mn0000028138/biography
///////
Biografía
por Matt Collar
El
guitarrista Steve Khan es un talentoso intérprete de jazz cuyas
habilidades adeptas lo han encontrado trabajando con sus propios grupos y
como un artista de sesión en demanda. Nacido en Los Ángeles en 1947,
Khan creció en una familia musical, hijo del famoso letrista Sammy Cahn.
Inicialmente, estudió batería y piano en su adolescencia antes de
decidirse por la guitarra alrededor de los 20 años. Perfeccionó sus
habilidades mientras asistía a la UCLA, después de lo cual se mudó a la
ciudad de Nueva York y rápidamente encontró trabajo en una variedad de
escenarios de jazz, pop y R&B. Durante este período, compartió el
escenario con luminarias como Maynard Ferguson, Buddy Rich, The Brecker
Brothers, Weather Update de Joe Zawinul y otros.
Como artista de
grabación, Khan hizo su debut junto al guitarrista Larry Coryell en Two
for the Road de 1976. Luego entregó varios álbumes bien recibidos para
Columbia, incluidos Tightrope de 1977, The Blue Man de 1978 y Arrows de
1979. También durante este período, encontró trabajo de sesión que
aparecía en álbumes de Ashford & Simpson, Rupert Holmes, Steely Dan y
Billy Joel. En 1980, entregó la Evidencia temática de Thelonious Monk.
Un año después, formó el cuarteto de fusión Eyewitness, que continuó
trabajando durante la década de 1980. Varios álbumes más bien
considerados siguieron en los años 90, incluyendo Headline de 1992,
Crossings de 1994 y Got My Mental de 1997 con John Patitucci y Jack
DeJohnette.
Luego se unió al Proyecto de Jazz Caribeño para New
Horizons del 2000 y Paraíso del 2001. Khan regresó a su trabajo en
solitario en 2006, reuniéndose con DeJohnette y Patitucci para The Green
Field, seguido de Borrowed Time de 2007. Luego trajo a sus compañeros
de Eyewitness, Anthony Jackson, Dennis Chambers y Manolo Badrena para la
Foto de despedida de 2011, seguida en 2014 por el Subtexto con salsa.
En 2016 lanzó Backlog, que contó con anuncios invitados de asociados de
toda la vida como Randy Brecker, Bob Mintzer, Mike Mainieri y otros.
https://www.allmusic.com/artist/steve-khan-mn0000028138/biography
www.stevekhan.com ...
Monday, March 17, 2025
Duke Pearson's Big Band • Introducing Duke Pearson's Big Band
AllMusic Review by Stephen Thomas Erlewine
Duke Pearson had always displayed a flair for arranging, even on small
combo albums, so it shouldn't have come as a surprise that he would
attempt his own big band record. What is a surprise is how successful
Introducing Duke Pearson's Big Band actually is. Pearson leads 13 other
musicians through a selection of nine songs, including four originals,
two contemporary jazz tunes by Chick Corea and Joe Sample, and three
standards. His originals are continually unpredictable and memorable,
and his arrangements, especially of the standards, are provocative and
intriguing. While it might not appeal to fans of Pearson's wonderful
small-group hard bop sessions, it is unquestionably an experiment that
works, and one that confirms his remarkable skills and talents.
Artist Biography by Richard S. Ginell
Duke Pearson was an accomplished, lyrical, and logical -- if rather
cautious -- pianist who played a big part in shaping the Blue Note
label's hard bop direction in the 1960s as a producer. He will probably
be best remembered for writing several attractive, catchy pieces, the
most memorable being the moody "Cristo Redentor" for Donald Byrd, "Sweet
Honey Bee" for himself and Lee Morgan, and "Jeannine," which has become
a much-covered jazz standard. Pearson was introduced to brass
instruments and the piano as a youth, and his abilities on the latter
inspired his uncle, an Ellington admirer, to give him his nickname.
Dental problems forced Pearson to abandon the brass family, so he worked
as a pianist in Atlanta and elsewhere in Georgia and Florida before
moving to New York in 1959. There, he joined Donald Byrd's band and the
Art Farmer-Benny Golson Sextet, and served as Nancy Wilson's
accompanist. In 1963, he arranged four numbers for jazz septet and
eight-voice choir on Byrd's innovative A New Perspective album; one of
the tunes was "Cristo Redentor," which became a jazz hit. From 1963 to
1970, Pearson was in charge of several recording sessions for Blue Note,
while also recording most of his albums as a leader. He also led a big
band from 1967 to 1970 and again in 1972, hiring players like Pepper
Adams, Chick Corea, Lew Tabackin, Randy Brecker, and Garnett Brown.
Pearson continued to accompany vocalists in the 1970s, such as Carmen
McRae, but he spent a good deal of the latter half of the decade
fighting the ravages of multiple sclerosis.
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Reseña de AllMusic por Stephen Thomas Erlewine
Duke Pearson siempre había mostrado un don para hacer arreglos, incluso
en pequeños álbumes combinados, así que no debería haber sido una
sorpresa que intentara grabar su propio disco de big band. Lo que es una
sorpresa es lo exitosa que es la presentación de la Big Band de Duke
Pearson. Pearson dirige a otros 13 músicos a través de una selección de
nueve canciones, incluyendo cuatro originales, dos temas de jazz
contemporáneo de Chick Corea y Joe Sample, y tres standards. Sus
originales son continuamente impredecibles y memorables, y sus arreglos,
especialmente los de las normas, son provocativos e intrigantes. Aunque
puede que no atraiga a los fans de las maravillosas sesiones de hard
bop en grupos pequeños de Pearson, es sin duda un experimento que
funciona y que confirma sus notables habilidades y talentos.
Biografía del artista por Richard S. Ginell
Duke Pearson fue un pianista consumado, lírico y lógico, aunque bastante
cauteloso, que jugó un papel importante en la formación de la dirección
de bop duro de la etiqueta Blue Note en la década de 1960 como
productor. Probablemente será mejor recordado por escribir varias piezas
atractivas y pegajosas, siendo la más memorable el malhumorado "Cristo
Redentor" para Donald Byrd, "Sweet Honey Bee" para él y Lee Morgan, y
"Jeannine", que se ha convertido en una gran Estándar de jazz cubierto.
Pearson fue introducido a los instrumentos de metal y al piano en su
juventud, y sus habilidades en este último inspiraron a su tío, un
admirador de Ellington, para darle su apodo. Los problemas dentales
obligaron a Pearson a abandonar la familia de los latones, por lo que
trabajó como pianista en Atlanta y en otras partes de Georgia y Florida
antes de mudarse a Nueva York en 1959. Allí, se unió a la banda de
Donald Byrd y al Art Farmer-Benny Golson Sextet, y prestó servicios Como
acompañante de Nancy Wilson. En 1963, organizó cuatro números para el
septeto de jazz y el coro de ocho voces en el innovador álbum A By New
Perspective de Byrd; Una de las melodías fue "Cristo Redentor", que se
convirtió en un éxito de jazz. Desde 1963 hasta 1970, Pearson estuvo a
cargo de varias sesiones de grabación para Blue Note, mientras que
también grabó la mayoría de sus álbumes como líder. También dirigió una
gran banda de 1967 a 1970 y nuevamente en 1972, contratando a jugadores
como Pepper Adams, Chick Corea, Lew Tabackin, Randy Brecker y Garnett
Brown. Pearson continuó acompañando a vocalistas en la década de 1970,
como Carmen McRae, pero pasó gran parte de la segunda mitad de la década
luchando contra los estragos de la esclerosis múltiple.
Friday, February 21, 2025
Bernard Purdie • Soul To Jazz
Artist Biography by Ron Wynn
An all-time great soul, R&B, funk, and pop drummer, Bernard Purdie's
impeccable time and mastery of backbeats and grooves are celebrated. He
moved to New York from Maryland in 1960, and recorded with James Brown,
King Curtis, and many others. He was CTI's house drummer in the late
'60s and early '70s, and worked with Grover Washington, Jr. and George
Benson among several others. Purdie toured with Curtis and Aretha
Franklin in 1970, and was Franklin's music director until 1975. During
his studio days in the early '70s, Purdie recorded with Louis Armstrong
and Gato Barbieri along with numerous rock, pop, and soul sessions. He
recorded with Dizzy Gillespie in 1980 at the Montreux Jazz Festival and
toured with him in 1983. Purdie recorded with Hank Crawford during the
early '80s, and has continued working steadily into the '90s. He
generated a firestorm of reaction in 1993 when he charged it was his
uncredited drumming rather than Ringo Starr's on some Beatles tracks.
Purdie claimed proof was forthcoming, but none was presented. He made a
rare date as a leader for Flying Dutchman in 1972, Pretty Purdie, that
has long since disappeared. But Purdie can be heard on countless discs
by Brown, Franklin, Curtis, Gillespie, and Crawford among many others.
https://www.allmusic.com/artist/bernard-pretty-purdie-mn0000047401/biography
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Biografía del artista por Ron Wynn
Un gran alma de todos los tiempos, R&B, funk y batería pop, se celebra el tiempo impecable de Bernard Purdie y su dominio de los backbeats y los grooves. Se mudó a Nueva York desde Maryland en 1960, y grabó con James Brown, King Curtis y muchos otros. Fue el baterista de la CTI a finales de los 60 y principios de los 70, y trabajó con Grover Washington Jr. y George Benson entre otros. Purdie hizo una gira con Curtis y Aretha Franklin en 1970, y fue el director musical de Franklin hasta 1975. Durante sus días de estudio a principios de los 70, Purdie grabó con Louis Armstrong y Gato Barbieri junto con numerosas sesiones de rock, pop y soul. Grabó con Dizzy Gillespie en 1980 en el Festival de Jazz de Montreux y realizó una gira con él en 1983. Purdie grabó con Hank Crawford a principios de los 80, y ha seguido trabajando constantemente hasta los 90. Generó una tormenta de reacciones en 1993 cuando acusó a su batería no acreditada en lugar de la de Ringo Starr en algunos temas de los Beatles. Purdie afirmó que había pruebas, pero no se presentó ninguna. Hizo una cita poco común como líder del Flying Dutchman en 1972, Pretty Purdie, que hace tiempo que desapareció. Pero Purdie puede ser escuchado en innumerables discos de Brown, Franklin, Curtis, Gillespie y Crawford entre muchos otros.
https://www.allmusic.com/artist/bernard-pretty-purdie-mn0000047401/biography
www.bernardprettypurdie.com ...
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