1969's Fancy Free marked the beginning of Donald Byrd's move away from
hard bop, staking out fusion-flavored territory that -- at this juncture
-- owed more to Miles Davis than the R&B-dominated jazz-funk Byrd
would embrace several years down the road. Recorded just a few months
after Davis' In a Silent Way, Fancy Free finds Byrd leading a large
ensemble prominently featuring Frank Foster on tenor, Lew Tabackin or
Jerry Dodgion on flute, and several percussionists. But the most
important piece of the puzzle is Duke Pearson's electric piano, the
first time Byrd utilized the instrument. Pearson dominates the texture
of the group sound, which makes the entirety of the session seem farther
outside the realm of funky hard bop than it actually is. However,
that's not to say that Fancy Free isn't a clear break with Byrd's past
-- especially the two Byrd originals that open the album. The title
track -- which later became one of Byrd's more covered compositions --
contrasts Pearson's spacy musings with a busy, funky percussion groove,
and there's a loose, open feel to the improvisations that breaks with
hard bop conventions. The warm ballad "I Love the Girl" has a similarly
airy feel, and at eight and a half minutes, is the shortest cut; clearly
Byrd wanted an open framework for exploration. The other two numbers
are more traditional hard bop compositions by former Byrd students,
which -- although funky and full of improvisations -- can't help but
feel more tethered than their predecessors. Still, even if it isn't his
most adventurous fusion outing, Fancy Free is the rare Donald Byrd album
that holds appeal for rare-groove fanatics and traditionalists alike.
El Fancy Free de 1969 marcó el comienzo del alejamiento de Donald Byrd
del hard bop, marcando un territorio con sabor a fusión que -en esta
coyuntura- le debía más a Miles Davis de lo que el jazz-funk dominado
por el R&B Byrd abrazaría varios años más tarde. Grabado sólo unos
meses después de In a Silent Way de Davis, Fancy Free encuentra a Byrd
liderando un gran grupo en el que destacan Frank Foster en el tenor, Lew
Tabackin o Jerry Dodgion en la flauta, y varios percusionistas. Pero la
pieza más importante del rompecabezas es el piano eléctrico de Duke
Pearson, la primera vez que Byrd utilizó el instrumento. Pearson domina
la textura del sonido del grupo, lo que hace que la totalidad de la
sesión parezca más allá del reino del hard bop funky de lo que realmente
es. Sin embargo, eso no quiere decir que Fancy Free no sea una ruptura
clara con el pasado de Byrd, especialmente con los dos originales de
Byrd que abren el álbum. El tema del título, que más tarde se convirtió
en una de las composiciones más cubiertas de Byrd, contrasta las
reflexiones espaciadas de Pearson con un ritmo de percusión ocupado y
funky, y las improvisaciones que rompen con las convenciones del hard
bop tienen un aire suelto y abierto. La cálida balada "I Love the Girl"
tiene un aire similar, y a los ocho minutos y medio, es el atajo más
corto; claramente Byrd quería un marco abierto para la exploración. Los
otros dos números son composiciones de hard bop más tradicionales de
antiguos alumnos de Byrd, que -aunque funky y lleno de improvisaciones-
no pueden evitar sentirse más atados que sus predecesores. Aún así,
aunque no sea su salida de fusión más aventurera, Fancy Free es el raro
álbum de Donald Byrd que atrae tanto a los fanáticos de los ritmos raros
como a los tradicionalistas.
Review by Scott Yanow A
follow-up to trumpeter Donald Byrd's hit A New Perspective, this LP
also features an eight-voice choir conducted by Coleridge Perkinson and
arrangements by Duke Pearson and the leader. The vocalists have a larger
role than in the earlier date and Byrd's quintet (with tenor
saxophonist Stanley Turrentine and pianist Herbie Hancock) is augmented
by organist Freddie Roach, guitarist Grant Green and a dozen brass
players. But despite some strong moments, the date (which resulted in no
real hits) does not quite reach the heights of A New Perspective
although it has plenty of interesting moments. https://www.allmusic.com/album/im-tryin-to-get-home-mw0000204876
///////
Reseña por Scott Yanow Continuación
del exitoso A New Perspective del trompetista Donald Byrd, este LP
cuenta también con un coro a ocho voces dirigido por Coleridge Perkinson
y arreglos de Duke Pearson y el líder. Los vocalistas tienen un papel
más importante que en la primera fecha y el quinteto de Byrd (con el
saxofonista tenor Stanley Turrentine y el pianista Herbie Hancock) se ve
aumentado por el organista Freddie Roach, el guitarrista Grant Green y
una docena de músicos de metal. Pero a pesar de algunos momentos
fuertes, la fecha (que no dio lugar a ningún éxito real) no alcanza las
alturas de A New Perspective, aunque tiene muchos momentos interesantes. https://www.allmusic.com/album/im-tryin-to-get-home-mw0000204876
Review by Thom Jurek This 2004 remastered Rudy Van Gelder edition of Donald Byrd's At the Half Note Cafe (the original double-disc version was only issued for the first time in 2000) appears to add one extra track -- "Theme (Pure D. Funk)," which clocks in at 1:51 and is also on the second volume in its full form, and a slightly shorter version of "Cecille." Here it clocks it at 12:52; on the 2000 issue it was 14:46. The sequence has also been altered slightly. The real deal is that, while this is the live date showcasing the Byrd quintet with Pepper Adams (and with Duke Pearson, Lex Humphries, and Laymon Jackson in the rhythm section), there is little here to make this worth purchasing yet again if you have the previous set. The sound is only marginally better -- and is likely only to be noticed by audiophiles. However, if you don't have the originals, this is one of the most essential hard bop purchases in the canon. The performances of Pearson -- of his own four tunes, five by Byrd, and the standards -- showcase his improvisational acumen at its height. His soloing on studio records pales in comparison. This was a hot quintet, one that not only swung hard, but possessed a deep lyricism and an astonishing sense of timing, and one need only this set by them to feel the full measure of their worth. Forget the Riverside date that caught them live early on; this is the one. https://www.allmusic.com/album/donald-byrd-at-the-half-note-cafe-vols-1-2-mw0000594775
///////
Reseña por Thom Jurek Esta edición remasterizada por Rudy Van Gelder en 2004 de At the Half Note Cafe de Donald Byrd (la versión original de doble disco sólo se publicó por primera vez en 2000) parece añadir un tema extra -- "Theme (Pure D. Funk)", que dura 1:51 y también está en el segundo volumen en su forma completa, y una versión ligeramente más corta de "Cecille". Aquí dura 12:52, mientras que en la edición de 2000 duraba 14:46. La secuencia también se ha modificado ligeramente. El verdadero problema es que, aunque ésta es la fecha en directo en la que aparece el quinteto de Byrd con Pepper Adams (y con Duke Pearson, Lex Humphries y Laymon Jackson en la sección rítmica), hay poco aquí que haga que merezca la pena comprarlo de nuevo si se tiene el disco anterior. El sonido es sólo ligeramente mejor, y es probable que sólo lo noten los audiófilos. Sin embargo, si usted no tiene los originales, esta es una de las compras más esenciales de hard bop en el canon. Las interpretaciones de Pearson -de sus cuatro temas, cinco de Byrd y los estándares- muestran su capacidad de improvisación en su apogeo. Sus solos en discos de estudio palidecen en comparación. Este era un quinteto ardiente, que no sólo tocaba con fuerza, sino que poseía un profundo lirismo y un asombroso sentido de la sincronización, y uno sólo necesita este conjunto de ellos para sentir toda la medida de su valía. Olvídense de la cita de Riverside en la que los vieron en directo al principio; ésta es la mejor. https://www.allmusic.com/album/donald-byrd-at-the-half-note-cafe-vols-1-2-mw0000594775
Duke Pearson was an accomplished, lyrical, and logical — if rather cautious — pianist who played a big part in shaping the Blue Note label's hard bop direction in the 1960s as a producer. He will probably be best remembered for writing several attractive, catchy pieces, the most memorable being the moody "Cristo Redentor" for Donald Byrd, "Sweet Honey Bee" for himself and Lee Morgan, and "Jeannine," which has become a much-covered jazz standard. Pearson was introduced to brass instruments and the piano as a youth, and his abilities on the latter inspired his uncle, an Ellington admirer, to give him his nickname. Dental problems forced Pearson to abandon the brass family, so he worked as a pianist in Atlanta and elsewhere in Georgia and Florida before moving to New York in 1959. There, he joined Donald Byrd's band and the Art Farmer-Benny Golson Sextet, and served as Nancy Wilson's accompanist. In 1963, he arranged four numbers for jazz septet and eight-voice choir on Byrd's innovative A New Perspective album; one of the tunes was "Cristo Redentor," which became a jazz hit. From 1963 to 1970, Pearson was in charge of several recording sessions for Blue Note, while also recording most of his albums as a leader. He also led a big band from 1967 to 1970 and again in 1972, hiring players like Pepper Adams, Chick Corea, Lew Tabackin, Randy Brecker, and Garnett Brown. Pearson continued to accompany vocalists in the 1970s, such as Carmen McRae, but he spent a good deal of the latter half of the decade fighting the ravages of multiple sclerosis. ~Richard S. Ginell
///////
Duke Pearson era un pianista consumado, lírico y lógico - aunque bastante cauteloso - que jugó un gran papel en la dirección del hard bop de la etiqueta Blue Note en la década de 1960 como productor. Probablemente será mejor recordado por haber escrito varias piezas atractivas y pegadizas, siendo las más memorables el malhumorado "Cristo Redentor" para Donald Byrd, "Sweet Honey Bee" para él y Lee Morgan, y "Jeannine", que se ha convertido en un estándar de jazz muy cubierto. Pearson aprendió a tocar los instrumentos de metal y el piano en su juventud, y sus habilidades en este último inspiraron a su tío, un admirador de Ellington, a darle su apodo. Los problemas dentales obligaron a Pearson a abandonar la familia de los metales, por lo que trabajó como pianista en Atlanta y en otros lugares de Georgia y Florida antes de trasladarse a Nueva York en 1959. Allí se unió a la banda de Donald Byrd y al Sexteto de Art Farmer-Benny Golson, y fue acompañante de Nancy Wilson. En 1963, arregló cuatro números para el septeto de jazz y el coro de ocho voces en el innovador álbum de Byrd A New Perspective; uno de los temas fue "Cristo Redentor", que se convirtió en un éxito del jazz. De 1963 a 1970, Pearson estuvo a cargo de varias sesiones de grabación para Blue Note, mientras que también grabó la mayoría de sus álbumes como líder. También dirigió una gran banda de 1967 a 1970 y de nuevo en 1972, contratando a músicos como Pepper Adams, Chick Corea, Lew Tabackin, Randy Brecker y Garnett Brown. Pearson siguió acompañando a vocalistas en los años 70, como Carmen McRae, pero pasó buena parte de la última mitad de la década luchando contra los estragos de la esclerosis múltiple. ~Richard S. Ginell
Hank Mobley, Duke Pearson, Horace Silver, Grant
Green, Donald Byrd, Lou Donaldson, John Patton, Stanley Turrentine, Art Blakey,
Kenny Burrell, Dexter Gordon, Ike Quebec, Don Wilkerson,
Editorial Review: An acclaimed pianist, composer and producer, and an A&R man to boot, Duke Pearson played a crucial role in the development of the hard bop genre at the turn of the 1960s. As a musician, he led many of his own groups and played on the records of a host of jazz greats, most notably by esteemed jazz trumpeter Donald Byrd, but also those by Grant Green, Thad Jones and Pepper Adams. And although his recording career was cut tragically short - his time as bandleader lasted little over a decade - a ferocious work ethic led to the great man's legacy boasting a magnificent catalogue of albums, particularly during the early part of his career. Columbus Calvin Pearson, Jr. was born in Atlanta, Georgia on 17th August 1932. He began piano lessons from his mother Emily at the age of five, after which, struck by the youngster's talent, he was nicknamed Duke in honour of pioneering pianist and bandleader Duke Ellington. Duke became interested in brass instruments at the age of 12, ultimately taking up trumpet, which he played in various bands while studying at his hometown's Clark College. In 1953 he was conscripted into the U.S. Army, and while on service he met pianist Wynton Kelly. Kelly's influence led to Pearson taking up keyboards again, and following his discharge it would become his instrument of choice for the remainder of his career. Although often underrated and rarely given the acclaim he deserved, Duke Pearson is still a true hero of jazz and his impact and influence remain potent. This collection brings together eight of the finest albums to feature the great man's work, faithfully remastered to the highest possible standard. Culminating in over five hours of superb music, this set will not only provide the perfect starting point to one of the most important figures in modern jazz, but serves too as a welcome reminder of this musical legend's finest output. https://www.amazon.com/Classic-Albums-Collection-Duke-Pearson/dp/B079ZT461L
///////
Reseña editorial: Duke Pearson, aclamado pianista, compositor y productor, además de hombre de A&R, desempeñó un papel crucial en el desarrollo del género hard bop a principios de los años sesenta. Como músico, dirigió muchos de sus propios grupos y tocó en los discos de muchos grandes del jazz, sobre todo del estimado trompetista Donald Byrd, pero también de Grant Green, Thad Jones y Pepper Adams. Y aunque su carrera discográfica fue trágicamente corta -su tiempo como director de banda duró poco más de una década-, una feroz ética de trabajo hizo que el legado del gran hombre contara con un magnífico catálogo de álbumes, especialmente durante la primera parte de su carrera. Columbus Calvin Pearson, Jr. nació en Atlanta, Georgia, el 17 de agosto de 1932. Comenzó a recibir clases de piano de su madre Emily a la edad de cinco años, tras lo cual, impresionado por el talento del joven, recibió el apodo de Duke en honor al pionero pianista y director de orquesta Duke Ellington. A los 12 años, Duke se interesó por los instrumentos de viento, y finalmente se decantó por la trompeta, que tocó en varias bandas mientras estudiaba en el Clark College de su ciudad natal. En 1953 fue reclutado por el ejército estadounidense y, durante su servicio, conoció al pianista Wynton Kelly. La influencia de Kelly llevó a Pearson a retomar los teclados, que tras su licenciamiento se convertirían en su instrumento preferido durante el resto de su carrera. Aunque a menudo se le subestima y rara vez se le da el reconocimiento que merece, Duke Pearson sigue siendo un verdadero héroe del jazz y su impacto e influencia siguen siendo potentes. Esta colección reúne ocho de los mejores álbumes con la obra de este gran hombre, fielmente remasterizados al más alto nivel. Con más de cinco horas de música soberbia, esta colección no sólo es el punto de partida perfecto para conocer a una de las figuras más importantes del jazz moderno, sino que también sirve como recordatorio de la mejor producción de esta leyenda de la música. https://www.amazon.com/Classic-Albums-Collection-Duke-Pearson/dp/B079ZT461L
Review by Scott Yanow Duke Pearson rises to the challenge of writing for an all-star octet (with trumpeter Freddie Hubbard, trombonist Garnett Brown, altoist James Spaulding, Jerry Dodgion on alto and flute, Stanley Turrentine on tenor, bassist Gene Taylor, drummer Grady Tate, and the leader/pianist), contributing colorful frameworks and consistently challenging compositions. The set is full of diverse melodies (the CD reissue has a previously unissued take of "Los Malos Hombres") played by a variety of distinctive soloists; many of these songs deserve to be revived. This is one of the finest recordings of Duke Pearson's career. https://www.allmusic.com/album/the-right-touch-mw0000110524
///////
Crítica de Scott Yanow Duke Pearson se enfrenta al reto de escribir para un octeto de estrellas (con el trompetista Freddie Hubbard, el trombonista Garnett Brown, el contralto James Spaulding, Jerry Dodgion en el contralto y la flauta, Stanley Turrentine en el tenor, el bajista Gene Taylor, el baterista Grady Tate, y el líder/pianista), aportando coloridos marcos y composiciones consistentemente desafiantes. El conjunto está lleno de melodías diversas (la reedición en CD contiene una toma inédita de "Los Malos Hombres") interpretadas por una variedad de solistas distintivos; muchas de estas canciones merecen ser revividas. Se trata de una de las mejores grabaciones de la carrera de Duke Pearson. https://www.allmusic.com/album/the-right-touch-mw0000110524
Review by Michael G. Nastos Fuego -- a title that might be somewhat misleading -- is the final Blue Note recording exclusively pairing Donald Byrd with Jackie McLean, a fruitful partnership that set the yin of the (in this case) restrained trumpeter, against the yang of the tart and extroverted alto saxophonist. While not quite a unified whole, the two were involved in turf battles that were based on mutual respect, here exuding a quieter fire that toned down McLean and muted Byrd to attain an intriguing harmonic balance. Duke Pearson's clever piano in the middle, with Doug Watkins playing bass and favored drummer Lex Humphries, made for one of the more diverse sounds in modern jazz circa 1959-1960. Of course hard bop is at the core of this band, but Byrd is moving further into post-bop, as served up heartily by the two horns during the modal, rambling, and staggered theme of the title selection. It's more a cool flame than burning inferno, as the drum inserts of Humphries fill the cracks of the horns' bluesy ideas. "Bup-A-Loup" is a harder bop theme, with distinct staccato accents identifying the melody priming McLean's quintessential solo. "Low Life" also takes into account the burgeoning original soul-jazz aesthetic in a jaunty mood that parallels the Bobby Timmons evergreens "Dis Here" and "Dat Dere." As Byrd's father was a preacher, "Amen" pays tribute to the spirit-soul in a gospel shuffle straight from the pulpit with some static drum accents. "Lament" is not the J.J. Johnson standard, but a light, soul-jazz original with ultimate feeling, depth, and sophistication -- a real beauty. The title "Funky Mama" fools you a bit into thinking it is a typical soul-jazz number, while it is, in fact, a long, striding, loping, cushy, and dusky blues, very patient and elegant, embellished by McLean's singing alto. This is where Pearson in particular shines, wringing out all of the combined pain and joy so prevalent in the styles of previous masters like Teddy Wilson, Duke Ellington, Erroll Garner, and Tommy Flanagan. On the front cover, a contemplative Donald Byrd is depicted, perhaps pondering his next move and his band five years after successfully joining the New York City jazz scene from his native Detroit. It also represents his thoughtful role in Fuego, as he takes a break from forceful interaction to play a more democratic role on this refined and mature album that is less brash, a prelude for his more powerful statements yet to come. https://www.allmusic.com/album/fuego-mw0000649435
///////
Reseña por Michael G. Nastos Fuego -un título que puede ser algo engañoso- es la última grabación de Blue Note que empareja exclusivamente a Donald Byrd con Jackie McLean, una fructífera asociación que contrapone el yin del (en este caso) sobrio trompetista, con el yang del agrio y extrovertido saxofonista alto. Aunque no formaban un todo unificado, los dos estaban implicados en batallas territoriales basadas en el respeto mutuo, y aquí exudaban un fuego más tranquilo que atenuaba a McLean y silenciaba a Byrd para lograr un intrigante equilibrio armónico. El ingenioso piano de Duke Pearson en el centro, con Doug Watkins tocando el bajo y el favorecido baterista Lex Humphries, dieron lugar a uno de los sonidos más diversos del jazz moderno en torno a 1959-1960. Por supuesto, el hard bop es el núcleo de esta banda, pero Byrd se adentra más en el post-bop, tal y como lo sirven con ganas las dos trompas durante el tema modal, ramplón y escalonado de la selección del título. Es más una llama fría que un infierno ardiente, ya que las inserciones de la batería de Humphries llenan las grietas de las ideas blueseras de las trompas. "Bup-A-Loup" es un tema de bop más duro, con claros acentos de staccato que identifican la melodía que prepara el solo por excelencia de McLean. "Low Life" también tiene en cuenta la floreciente estética original del soul-jazz en un humor alegre que es paralelo a los imperecederos de Bobby Timmons "Dis Here" y "Dat Dere". Como el padre de Byrd era predicador, "Amen" rinde tributo al espíritu-alma en un shuffle gospel directamente desde el púlpito con algunos acentos de batería estáticos. "Lament" no es el estándar de J.J. Johnson, sino un original ligero de soul-jazz con el máximo sentimiento, profundidad y sofisticación - una verdadera belleza. El título "Funky Mama" engaña un poco al pensar que es un número típico de soul-jazz, mientras que es, de hecho, un blues largo, con zancadas, con un ritmo suave y oscuro, muy paciente y elegante, embellecido por el canto del contralto de McLean. Aquí es donde Pearson brilla en particular, exprimiendo todo el dolor y la alegría combinados tan frecuentes en los estilos de maestros anteriores como Teddy Wilson, Duke Ellington, Erroll Garner y Tommy Flanagan. En la portada aparece un Donald Byrd contemplativo, quizá reflexionando sobre su próximo movimiento y su banda cinco años después de incorporarse con éxito a la escena del jazz de Nueva York desde su Detroit natal. También representa su papel reflexivo en Fuego, ya que se toma un descanso de la interacción contundente para desempeñar un papel más democrático en este álbum refinado y maduro que es menos descarado, un preludio de sus declaraciones más poderosas aún por venir. https://www.allmusic.com/album/fuego-mw0000649435
Stanley William Turrentine (tenor saxophonist) was born on April 5, 1934 in Pittsburgh, Pennsylvania and passed away on September 12, 2000 in New York City.
Stanley came out of a musical family in Pittsburgh, his father Thomas played sax in Al Cooper’s Savoy Sultans in the 1930s, and he was Stanley’s first teacher when the boy took up the tenor sax at age 13.
Stanley credited his mother, a piano teacher, with instilling in him the bluesy feel he brought out so distinctively in his music. His brother, Tommy, six years his elder, was a trumpeter and underrated composer who served stints in the big bands of Billy Eckstine, Dizzy Gillespie, Count Basie and Benny Carter. He gave Stanley his first job at age 16 in one of the small groups he led in Pittsburgh.
Upon graduating from high school in 1951, Stanley joined the Lowell Fulson band, which then included a young Ray Charles, who Turrentine considered a great influence. Turrentine left the Fulson band to join Charles’s first band. In 1953, Turrentine moved to Cleveland with brother Tommy to work in Tadd Dameron’s group. The following year, Stanley replaced John Coltrane in Earl Bostic’s group, and brother Tommy joined several weeks later. Stanley then joined the army where he played in the 158th Army Band, known as “Uncle Sam’s All Stars.”
In March of 1959, Stanley joined Tommy once again in drummer Max Roach’s quintet, where the pair began to attract attention. While his major influences – Don Byas, Ben Webster, Illinois Jacquet, Lester Young, Coleman Hawkins and Sonny Rollins – can all be heard in his playing, there was no mistaking him for anyone else when he started to wail.
This edition of the Max Roach Quintet, in its fourteen months together, made many recordings under Roach’s name, a date for Roach’s then-wife Abbey Lincoln, and the solo recording debuts on Time Records: Stan “The Man” Turrentine and Tommy Turrentine, respectively.
Stanley’s prominence in the Max Roach group brought him to the attention of Blue Note’s Alfred Lion, who was immediately drawn to Stanley’s ability to blend a big, soulful tenor sound with contemporary jazz concepts. Lion brought Turrentine to Blue Note in 1960, and immediately set about a dizzying spell of recordings, starting with two exceptionally fine Jimmy Smith sets in 1960, Midnight Special and Back At The Chicken Shack in 1960.
Turrentine recorded the first of his many albums as a leader for Blue Note, Look Out!, in1960. This debut featured the tenor player fronting pianist Horace Parlan’s magnificent trio, with George Tucker on bass and Al Harewood on drums. This memorable lineup can be heard on the track “Someone to Watch Over Me.”
Parlan and Turrentine had known each other since high school days in Pittsburgh, and the two made a potent musical team, brimming with a distinctive energy. They went on to record Up At “Minton’s” with Grant Green, and Comin’ Your Way with Tommy Turrentine, which was intended to be Stanley’s third album for Blue Note, but was not issued until the 1970s.
The pair can also be heard two of Parlan’s Blue Note albums Speakin’ My Piece and On The Spur Of The Moment. There are many fine performances on these albums, where all concerned dig deep into a bluesy bag of bop and gospel grooves: “Minor Chant” from Look Out!, “Thomasville” from Comin’ Your Way and “Stanley’s Time,” “Broadway,” “Later At Minton’s,” and “Come Rain Or Come Shine,” from Up At “Minton’s”.
Blue Note placed Turrentine in many interesting and ultimately satisfying settings, and he recorded prolifically, notably on Blue Hour from1960 with The Three Sounds. Also not to miss are Turrentine’s second Blue Note album from 1962, That’s Where It’s At with Les McCann, Jubilee Shout!!!, with Kenny Burrell and Sonny Clarke, also recorded in 1962 but first issued in 1978, guitarist Kenny Burrell’s superior album Midnight Blue from 1963, and Easy Walker with McCoy Tyner in 1966.
But it was organist Shirley Scott, also Turrentine’s wife at this time, who was his most formidable musical partner. The pair recorded 14 albums between 1961 and 1968 for the Blue Note, Prestige, Impulse! and Atlantic labels. Six of these appeared under his name, such as the 1968 album for Blue Note Common Touch, which includes the track “Buster Brown.”
Turrentine is in particularly fine form on these recordings. Indeed, one could argue, they capture the quintessence of his style, and the way audiences heard him live during the 1960s. It’s very clear that as musicians, the pair shared a special rapport. Turrentine, at home in most any environment, was extremely well-suited to Ms. Scott’s deft, lightly orchestral touch on organ as well as she was to Turrentine’s finely-woven, soulfully integrated story-like lines.
The best of these recordings, Let It Go for Impulse in 1966, is a perfect mix of bluesy, and gospel-tinged originals. The title track is an early imprint for Turrentine’s later hit “Sugar,” and the balance of the cuts are soulful standards and unfailingly foot-tapping takes on current pop hits.
On every one of his albums with Scott, Turrentine’s bluesy originals are the highlights: the rip-roaring “Soul Shoutin’” from the album of the same name, the after-hours glow of “The Soul Is Willing,” also a title track, the swinging minor-key blues, “The Hustler” from Hustlin’ and the seductive Latinate “Shirley” from Everybody Loves A Lover. Their covers are almost always worth hearing too: “Trouble,” released on both Never Let Me Go and Hustlin’, “Grand Street” from Blue Flames, “God Bless The Child” from Never Let Me Go, “Sent For You Yesterday” from Everybody Loves A Lover and even Bob Dylan’s “Blowin’ In The Wind” on both Common Touch and Soul Song.
As the 1960s progressed, Turrentine recorded in other Blue Note ensembles, mostly in larger settings arranged by Oliver Nelson, such as Joyride from 1965, Duke Pearson’s Rough ‘N’ Tumble and The Spoiler in 1966; A Bluish Bag, and The Return Of The Prodigal Son in 1967. He can also be heard on Thad Jones’s The Look Of Love from 1968, Always Something There from 1968 and a final quintet session Another Story, from 1969 with Thad Jones and Cedar Walton.
Turrentine signed on to Creed Taylor’s newly independent CTI label in 1970 and scored their very first hit with “Sugar,” a modal minor-key blues which first paired him with another former Blue Note star, Freddie Hubbard. “The Sugar Man,” as Turrentine became known in the wake of this success, and Hubbard played together often in the early 1970s, as part of each other’s groups and as part of the CTI All Stars, which began tours in 1971.
CTI afforded Turrentine a great deal of artistic freedom, and provided him with first-call players and featured him in more classy settings. No longer a marginalized chitlin circuit player, he was now a jazz star, recording for the decade’s premier label. Turrentine headlined six albums for the label between 1970 and 1973, and can also be heard on an album of outtakes and five all-star sessions. These include Cherry from 1972 with Milt Jackson, and the magnificent Don’t Mess With Mister T. from 1973, his next hit, which featured contributions and superlative arrangements from Bob James. The title song, from Marvin Gaye’s score to the film Trouble Man, earned him his most enduring nickname, Mister T., years before it was usurped by the gold chain-loving actor.
Seeking greater flexibility in his career, Turrentine switched to the Fantasy label in 1974 and immediately scored his next radio hit with Michel Legrand’s “Pieces of Dreams,” the title theme to a 1970 film. But even though the tenor player had finally earned full control of his music, most of the eight albums he recorded for Fantasy through 1980 were overly orchestrated by either Gene Page or Wade Marcus, and more commercial than anything he did while with CTI.
Turrentine’s playing is never less than interesting, but neither he nor his settings during this period rise above the merely listenable. Notable exceptions include the outstanding 1977 albums Nightwings and West Side Highway albums, which paired him with arranger Claus Ogerman and a large group of New York’s first-rate studio session stars. Listeners can only imagine what a master recordist like Rudy Van Gelder might have made of the talent on these sessions.
Turrentine’s subsequent switch to Elektra Records hardly improved matters, as they heralded his turn towards pop music from jazz. “I just want lots of people to hear my music,” Turrentine said at the time. “I want to make records that will sell – to everybody.”
urrentine recorded four interesting, if rather unremarkable, albums for the label between 1979 and 1982, increasingly allowing the production to take over. The second of these,Inflation from 1980, is perhaps the best, providing two decent Turrentine originals, the title track and “Is It You,” and some rather good interplay with pianist Cedar Walton. But alas, the album produced no hits.
When jazz tastes and sales began changing in the early 1980s, Turrentine’s recording pace slowed considerably. But while the chitlin circuit had long ago disappeared, the saxophonist continued to perform vigilantly in clubs throughout the world in relatively straight-ahead combos and in all-star groups at large halls and on the concert stage.
Turrentine returned to Blue Note in 1984 to record three quite interesting records. The first of these,Straight Ahead in 1984, was his first organ-combo record in fifteen years, featuring Jimmy Smith and George Benson on some tracks; Wonderland from 1986 was a tribute to the music of Stevie Wonder; and La Place from 1989 was an homage to the Hill District street in Pittsburgh where Turrentine grew up, a continuation of his more fusion-oriented aims. While fusion had begun evolving into what is now known as “smooth jazz,” Turrentine’s title feature here, “La Place Street,” is a particular highlight of this period; a forceful reminder of the clever blues constructs he could maneuver in his inimitable way.
In the 90s, Stanley Turrentine made three above-average and terribly underrated albums for the MusicMasters label: More Than A Mood in 1992), a straight-ahead date featuring all-stars Freddie Hubbard, Cedar Walton, Ron Carter and Billy Higgins. The album includes covers of several of his Blue Note-era performances, a straight jazz re-take of “Pieces of Dreams” and an exceptional cover of Roland Kirk’s “Spirits Up Above.”
1993′s If I Could, with Hubert Laws, Roland Hanna, Ron Carter, Grady Tate and Don Sebesky’s light-as-air arrangements sounds like a CTI session that never was, and features a brilliant performance by Tommy Turrentine on “June Bug.” T Time from 1995 features three CTI-era remakes and two La Place retakes, with exceptional support from keyboardist Kenny Drew, Jr., guitarist Dave Stryker and bassist and fellow Pittsburgh native Dwayne Dolphin, a member of Three Of A Kind.
Now an elder statesman in jazz, Turrentine resumed guesting with other jazz acts, in concert and on record, something he hadn’t done since the early 1970s. This time, though, he was the guest star rather than merely a sideman. The most notable of these appearances are pianist Gene Harris’s The Gene Harris Trio Plus One for Concord in 1985 and Three Of A Kind Meet Mister T on Minor Music in 1994.
These musicians formed the basis of Turrentine’s working group at the time. He also made guest appearances on albums by Jimmy Smith, David “Fathead” Newman, Joe McBride, Billy Taylor, Roy Hargrove, Benny Green and fellow Pittsburgher Ahmad Jamal, who as a child, practiced on Stanley’s mother’s piano.
It should also be mentioned that Stanley Turrentine was an exceptional accompanist for vocalists and was often recorded in the company of such talented singers as Abbey Lincoln (1960, 1992), Gloria Lynne (1970), Astrud Gilberto (1971), Dianne Reeves (1981), Irene Cara (1982), Freddie Jackson (1985), Will Downing (1988), Lou Rawls (1989), Jean Carn (1989), Jon Hendricks (1990), Tramaine Hawkins (1990), Georgie Fame (1992), Diana Krall (1994), Marlene Shaw (1997) and Oscar Brown, Jr. (1998).
Turrentine had by this time relocated with his wife Judith to Fort Washington, Maryland, and was frequently heard in and around Washington, DC. He often performed at Georgetown’s legendary Blues Alley club and recorded a live album there in 1991). After some sort of falling out with the reconstructed Impulse! Label, for whom he recorded only one album in 1966, Turrentine issued his final disc, Do You Have Any Sugar, on the Concord label in 2000. Shortly thereafter, he suffered a stroke in New York City which hastened his death at age 66 on September 12 of that year. https://stanleyturrentine.jazzgiants.net/biography/
///////
Stanley William Turrentine (saxofonista tenor) nació el 5 de abril de 1934 en Pittsburgh, Pensilvania y falleció el 12 de septiembre de 2000 en la ciudad de Nueva York.
Stanley provenía de una familia musical en Pittsburgh, su padre Thomas tocaba el saxo en Savoy Sultans de Al Cooper en la década de 1930, y fue el primer maestro de Stanley cuando el niño tomó el saxo tenor a los 13 años.
Stanley le dio crédito a su madre, profesora de piano, por inculcarle la sensación de blues que tan distintivamente aportó a su música. Su hermano, Tommy, seis años mayor que él, era trompetista y compositor subestimado que formó parte de las grandes bandas de Billy Eckstine, Dizzy Gillespie, Count Basie y Benny Carter. Le dio a Stanley su primer trabajo a los 16 años en uno de los pequeños grupos que dirigía en Pittsburgh.
Al graduarse de la escuela secundaria en 1951, Stanley se unió a la Lowell Fulson band, que luego incluía a un joven Ray Charles, a quien Turrentine consideraba una gran influencia. Turrentine dejó la Fulson Band para unirse a la primera banda de Charles. En 1953, Turrentine se mudó a Cleveland con su hermano Tommy para trabajar en el grupo de Tadd Dameron. Al año siguiente, Stanley reemplazó a John Coltrane en el grupo de Earl Bostic, y su hermano Tommy se unió varias semanas después. Stanley luego se unió al ejército, donde tocó en la 158ª banda del Ejército, conocida como "Uncle Sam's All Stars".”
En marzo de 1959, Stanley se unió a Tommy una vez más en el quinteto del baterista Max Roach, donde la pareja comenzó a llamar la atención. Si bien sus principales influencias, Don Byas, Ben Webster, Illinois Jacquet, Lester Young, Coleman Hawkins y Sonny Rollins, se pueden escuchar en su forma de tocar, no lo confundieron con nadie más cuando comenzó a llorar.
Esta edición del Quinteto Max Roach, en sus catorce meses juntos, realizó muchas grabaciones bajo el nombre de Roach, una fecha para la entonces esposa de Roach, Abbey Lincoln, y la grabación en solitario debuta en Time Records: Stan" The Man " Turrentine y Tommy Turrentine, respectivamente.
La prominencia de Stanley en el grupo Max Roach le llamó la atención de Alfred Lion de Blue Note, quien inmediatamente se sintió atraído por la capacidad de Stanley de combinar un sonido de tenor grande y conmovedor con conceptos de jazz contemporáneo. Lion llevó Turrentine a Blue Note en 1960, e inmediatamente inició una vertiginosa serie de grabaciones, comenzando con dos sets excepcionalmente finos de Jimmy Smith en 1960, Midnight Special y Back At The Chicken Shack en 1960.
Turrentine grabó el primero de sus muchos álbumes como líder de Blue Note, ¡Cuidado!, en 1960. Este debut contó con el tenor al frente del magnífico trío del pianista Horace Parlan, con George Tucker al bajo y Al Harewood a la batería. Esta formación memorable se puede escuchar en la canción "Someone to Watch Over Me.”
Parlan y Turrentine se conocían desde los días de secundaria en Pittsburgh, y los dos formaban un potente equipo musical, rebosante de una energía distintiva. Luego grabaron Up At "Minton's" con Grant Green y Comin ' Your Way con Tommy Turrentine, que estaba destinado a ser el tercer álbum de Stanley para Blue Note, pero no se publicó hasta la década de 1970.
La pareja también se puede escuchar en dos de los álbumes de Blue Note de Parlan Speakin ' My Piece y On The Spur Of The Moment. Hay muchas buenas interpretaciones en estos álbumes, donde todos los interesados profundizan en una bolsa de blues con ritmos bop y gospel: "Minor Chant" de Look Out!, "Thomasville" de Comin ' Your Way y "Stanley Time", "Broadway", "Later At Minton's" y "Come Rain Or Come Shine", de Up At "Minton's".
Blue Note colocó a Turrentine en muchos escenarios interesantes y, en última instancia, satisfactorios, y grabó prolíficamente, especialmente en Blue Hour de 1960 con The Three Sounds. Tampoco se puede perder el segundo álbum de Blue Note de Turrentine de 1962, That's Where It's At with Les McCann, Jubilee Shout!!!, con Kenny Burrell y Sonny Clarke, también grabado en 1962 pero publicado por primera vez en 1978, el álbum superior del guitarrista Kenny Burrell Midnight Blue de 1963 y Easy Walker con McCoy Tyner en 1966.
Pero fue la organista Shirley Scott, también esposa de Turrentine en ese momento, su compañera musical más formidable. La pareja grabó 14 álbumes entre 1961 y 1968 para Blue Note, Prestige, Impulse! y etiquetas atlánticas. Seis de estos aparecieron bajo su nombre, como el álbum de 1968 de Blue Note Common Touch, que incluye la pista "Buster Brown.”
La turrentina se encuentra en una forma particularmente fina en estas grabaciones. De hecho, se podría argumentar, capturan la quintaesencia de su estilo y la forma en que el público lo escuchó en vivo durante la década de 1960. Está muy claro que, como músicos, la pareja compartió una relación especial. Turrentine, en casa en la mayoría de los entornos, se adaptaba extremadamente bien al toque hábil y ligeramente orquestal de la Sra. Scott en el órgano, así como a las líneas narrativas finamente tejidas y conmovedoramente integradas de Turrentine.
La mejor de estas grabaciones, Let It Go for Impulse en 1966, es una mezcla perfecta de blues y originales teñidos de gospel. La canción principal es una huella temprana del éxito posterior de Turrentine, "Sugar", y el resto de los cortes son estándares conmovedores y tomas infalibles de éxitos pop actuales.
En cada uno de sus álbumes con Scott, los originales de blues de Turrentine son lo más destacado: el estruendoso "Soul Shoutin '" del álbum del mismo nombre, el resplandor fuera de horario de "The Soul Is Willing", también una canción principal, el blues oscilante de tonalidad menor, "The Hustler " de Hustlin' y la seductora latina" Shirley " de Everybody Loves A Lover. También vale la pena escuchar sus versiones: "Trouble", lanzada en Never Let Me Go y Hustlin', "Grand Street" de Blue Flames, "God Bless The Child" de Never Let Me Go," Sent For You Yesterday " de Everybody Loves A Lover e incluso "Blowin' In The Wind" de Bob Dylan tanto en Common Touch como en Soul Song.
A medida que avanzaba la década de 1960, Turrentine grabó en otros conjuntos de Blue Note, principalmente en escenarios más grandes organizados por Oliver Nelson, como Joyride de 1965, Rough 'N' Tumble de Duke Pearson y The Spoiler en 1966; A Bluish Bag y The Return Of The Prodigal Son en 1967. También se le puede escuchar en The Look Of Love de Thad Jones de 1968, Always Something There de 1968 y en una sesión final de quinteto Another Story, de 1969 con Thad Jones y Cedar Walton.
Turrentine firmó con el nuevo sello independiente CTI de Creed Taylor en 1970 y obtuvo su primer éxito con "Sugar", un blues modal de tonalidad menor que lo emparejó por primera vez con otra ex estrella de Blue Note, Freddie Hubbard. "The Sugar Man", como Turrentine se hizo conocido a raíz de este éxito, y Hubbard tocaron juntos a menudo a principios de la década de 1970, como parte de los grupos de los demás y como parte de CTI All Stars, que comenzaron las giras en 1971.
CTI le dio a Turrentine una gran libertad artística, le proporcionó jugadores de primera llamada y lo presentó en entornos más elegantes. Ya no era un jugador marginado del circuito chitlin, ahora era una estrella del jazz, grabando para el sello más importante de la década. Turrentine encabezó seis álbumes para el sello entre 1970 y 1973, y también se puede escuchar en un álbum de tomas descartadas y cinco sesiones de estrellas. Estos incluyen Cherry de 1972 con Milt Jackson y el magnífico Don't Mess With Mister T. de 1973, su siguiente éxito, que contó con contribuciones y arreglos superlativos de Bob James. La canción principal, desde la partitura de Marvin Gaye hasta la película Trouble Man, le valió su apodo más perdurable, Mister T., años antes de que fuera usurpado por el actor amante de la cadena de oro.
Buscando una mayor flexibilidad en su carrera, Turrentine se cambió al sello Fantasy en 1974 e inmediatamente obtuvo su siguiente éxito radiofónico con "Pieces of Dreams" de Michel Legrand, el tema principal de una película de 1970. Pero a pesar de que el tenor finalmente se había ganado el control total de su música, la mayoría de los ocho álbumes que grabó para Fantasy hasta 1980 fueron demasiado orquestados por Gene Page o Wade Marcus, y más comerciales que cualquier cosa que hizo mientras estuvo con CTI.
La interpretación de Turrentine nunca deja de ser interesante, pero ni él ni su configuración durante este período superan lo meramente escuchable. Las excepciones notables incluyen los destacados álbumes Nightwings y West Side Highway de 1977, que lo emparejaron con el arreglista Claus Ogerman y un gran grupo de estrellas de sesiones de estudio de primer nivel de Nueva York. Los oyentes solo pueden imaginar lo que un maestro de la grabación como Rudy Van Gelder podría haber hecho con el talento de estas sesiones.
El cambio posterior de Turrentine a Elektra Records apenas mejoró las cosas, ya que anunciaron su giro hacia la música pop desde el jazz. "Solo quiero que mucha gente escuche mi música", dijo Turrentine en ese momento. "Quiero hacer discos que se vendan a todo el mundo.”
Turrentine grabó cuatro álbumes interesantes, aunque poco destacables, para el sello entre 1979 y 1982, lo que permitió que la producción se hiciera cargo cada vez más. El segundo de ellos,Inflation de 1980, es quizás el mejor, ya que ofrece dos originales turrentinos decentes, la canción principal y "Is It You", y una interacción bastante buena con el pianista Cedar Walton. Pero, por desgracia, el álbum no produjo éxitos.
Cuando los gustos y las ventas del jazz comenzaron a cambiar a principios de la década de 1980, el ritmo de grabación de Turrentine se desaceleró considerablemente. Pero aunque el circuito de chitlin había desaparecido hacía mucho tiempo, el saxofonista continuó actuando vigilante en clubes de todo el mundo en combos relativamente directos y en grupos de estrellas en grandes salas y en el escenario de conciertos.
Turrentine volvió a Blue Note en 1984 para grabar tres discos bastante interesantes. El primero de ellos,Straight Ahead en 1984, fue su primer disco de combo de órgano en quince años, con Jimmy Smith y George Benson en algunas pistas; Wonderland de 1986 fue un tributo a la música de Stevie Wonder; y La Place de 1989 fue un homenaje a Hill District street en Pittsburgh, donde creció Turrentine, una continuación de sus objetivos más orientados a la fusión. Si bien la fusión había comenzado a evolucionar hacia lo que ahora se conoce como "jazz suave", la característica principal de Turrentine aquí, "La Place Street", es un punto culminante particular de este período; un recordatorio contundente de las ingeniosas construcciones de blues que podía maniobrar a su manera inimitable.
En los 90, Stanley Turrentine hizo tres álbumes por encima de la media y terriblemente subestimados para el sello MusicMasters: More Than A Mood en 1992), una cita directa con las estrellas Freddie Hubbard, Cedar Walton, Ron Carter y Billy Higgins. El álbum incluye versiones de varias de sus actuaciones de la era Blue Note, una versión de jazz directo de "Pieces of Dreams" y una versión excepcional de "Spirits Up Above" de Roland Kirk.”
If I Could de 1993, con los arreglos ligeros de Hubert Laws, Roland Hanna, Ron Carter, Grady Tate y Don Sebesky, suena como una sesión de CTI que nunca lo fue, y presenta una brillante actuación de Tommy Turrentine en "June Bug."T Time de 1995 presenta tres remakes de la era CTI y dos repeticiones de La Place, con el apoyo excepcional del tecladista Kenny Drew, Jr., el guitarrista Dave Stryker y el bajista y compañero nativo de Pittsburgh Dwayne Dolphin, miembro de Three Of A Kind.
Turrentine, ahora un veterano estadista del jazz, volvió a actuar como invitado con otros actos de jazz, en concierto y en disco, algo que no había hecho desde principios de la década de 1970.Esta vez, sin embargo, fue la estrella invitada en lugar de simplemente un acompañante. Las apariciones más notables de estas son The Gene Harris Trio Plus One del pianista Gene Harris para Concord en 1985 y Three Of A Kind Meet Mister T en Minor Music en 1994.
Estos músicos formaron la base del grupo de trabajo de Turrentine en ese momento. También hizo apariciones especiales en álbumes de Jimmy Smith, David "Fathead" Newman, Joe McBride, Billy Taylor, Roy Hargrove, Benny Green y su compatriota de Pittsburgh Ahmad Jamal, quien de niño practicaba en el piano de la madre de Stanley.
También cabe mencionar que Stanley Turrentine fue un acompañante excepcional para vocalistas y a menudo fue grabado en compañía de cantantes tan talentosos como Abbey Lincoln (1960, 1992), Gloria Lynne (1970), Astrud Gilberto (1971), Dianne Reeves (1981), Irene Cara (1982), Freddie Jackson (1985), Will Downing (1988), Lou Rawls (1989), Jean Carn (1989), Jon Hendricks (1990), Tramaine Hawkins (1990), Georgie Fame (1992), Diana Krall (1994), Marlene Shaw (1997) y Oscar Brown, Jr. (1998).
Para entonces, Turrentine se había mudado con su esposa Judith a Fort Washington, Maryland, y se escuchaba con frecuencia en Washington, DC y sus alrededores. A menudo actuaba en el legendario Blues Alley club de Georgetown y grabó un álbum en vivo allí en 1991). ¡Después de algún tipo de pelea con el Impulso reconstruido! Sello discográfico, para quien grabó solo un álbum en 1966, Turrentine publicó su último disco, Do You Have Any Sugar, en el sello Concord en 2000. Poco después, sufrió un derrame cerebral en la ciudad de Nueva York que aceleró su muerte a los 66 años el 12 de septiembre de ese año.https://stanleyturrentine. jazzgiants. net/biografía/
Duke Pearson had always displayed a flair for arranging, even on small
combo albums, so it shouldn't have come as a surprise that he would
attempt his own big band record. What is a surprise is how successful
Introducing Duke Pearson's Big Band actually is. Pearson leads 13 other
musicians through a selection of nine songs, including four originals,
two contemporary jazz tunes by Chick Corea and Joe Sample, and three
standards. His originals are continually unpredictable and memorable,
and his arrangements, especially of the standards, are provocative and
intriguing. While it might not appeal to fans of Pearson's wonderful
small-group hard bop sessions, it is unquestionably an experiment that
works, and one that confirms his remarkable skills and talents.
Duke Pearson was an accomplished, lyrical, and logical -- if rather
cautious -- pianist who played a big part in shaping the Blue Note
label's hard bop direction in the 1960s as a producer. He will probably
be best remembered for writing several attractive, catchy pieces, the
most memorable being the moody "Cristo Redentor" for Donald Byrd, "Sweet
Honey Bee" for himself and Lee Morgan, and "Jeannine," which has become
a much-covered jazz standard. Pearson was introduced to brass
instruments and the piano as a youth, and his abilities on the latter
inspired his uncle, an Ellington admirer, to give him his nickname.
Dental problems forced Pearson to abandon the brass family, so he worked
as a pianist in Atlanta and elsewhere in Georgia and Florida before
moving to New York in 1959. There, he joined Donald Byrd's band and the
Art Farmer-Benny Golson Sextet, and served as Nancy Wilson's
accompanist. In 1963, he arranged four numbers for jazz septet and
eight-voice choir on Byrd's innovative A New Perspective album; one of
the tunes was "Cristo Redentor," which became a jazz hit. From 1963 to
1970, Pearson was in charge of several recording sessions for Blue Note,
while also recording most of his albums as a leader. He also led a big
band from 1967 to 1970 and again in 1972, hiring players like Pepper
Adams, Chick Corea, Lew Tabackin, Randy Brecker, and Garnett Brown.
Pearson continued to accompany vocalists in the 1970s, such as Carmen
McRae, but he spent a good deal of the latter half of the decade
fighting the ravages of multiple sclerosis.
Duke Pearson siempre había mostrado un don para hacer arreglos, incluso
en pequeños álbumes combinados, así que no debería haber sido una
sorpresa que intentara grabar su propio disco de big band. Lo que es una
sorpresa es lo exitosa que es la presentación de la Big Band de Duke
Pearson. Pearson dirige a otros 13 músicos a través de una selección de
nueve canciones, incluyendo cuatro originales, dos temas de jazz
contemporáneo de Chick Corea y Joe Sample, y tres standards. Sus
originales son continuamente impredecibles y memorables, y sus arreglos,
especialmente los de las normas, son provocativos e intrigantes. Aunque
puede que no atraiga a los fans de las maravillosas sesiones de hard
bop en grupos pequeños de Pearson, es sin duda un experimento que
funciona y que confirma sus notables habilidades y talentos.
Duke Pearson fue un pianista consumado, lírico y lógico, aunque bastante
cauteloso, que jugó un papel importante en la formación de la dirección
de bop duro de la etiqueta Blue Note en la década de 1960 como
productor. Probablemente será mejor recordado por escribir varias piezas
atractivas y pegajosas, siendo la más memorable el malhumorado "Cristo
Redentor" para Donald Byrd, "Sweet Honey Bee" para él y Lee Morgan, y
"Jeannine", que se ha convertido en una gran Estándar de jazz cubierto.
Pearson fue introducido a los instrumentos de metal y al piano en su
juventud, y sus habilidades en este último inspiraron a su tío, un
admirador de Ellington, para darle su apodo. Los problemas dentales
obligaron a Pearson a abandonar la familia de los latones, por lo que
trabajó como pianista en Atlanta y en otras partes de Georgia y Florida
antes de mudarse a Nueva York en 1959. Allí, se unió a la banda de
Donald Byrd y al Art Farmer-Benny Golson Sextet, y prestó servicios Como
acompañante de Nancy Wilson. En 1963, organizó cuatro números para el
septeto de jazz y el coro de ocho voces en el innovador álbum A By New
Perspective de Byrd; Una de las melodías fue "Cristo Redentor", que se
convirtió en un éxito de jazz. Desde 1963 hasta 1970, Pearson estuvo a
cargo de varias sesiones de grabación para Blue Note, mientras que
también grabó la mayoría de sus álbumes como líder. También dirigió una
gran banda de 1967 a 1970 y nuevamente en 1972, contratando a jugadores
como Pepper Adams, Chick Corea, Lew Tabackin, Randy Brecker y Garnett
Brown. Pearson continuó acompañando a vocalistas en la década de 1970,
como Carmen McRae, pero pasó gran parte de la segunda mitad de la década
luchando contra los estragos de la esclerosis múltiple.
Duke Pearson was an accomplished, lyrical, and logical -- if rather cautious -- pianist who played a big part in shaping the Blue Note label's hard bop direction in the 1960s as a producer. He will probably be best remembered for writing several attractive, catchy pieces, the most memorable being the moody "Cristo Redentor" for Donald Byrd, "Sweet Honey Bee" for himself and Lee Morgan, and "Jeannine," which has become a much-covered jazz standard. Pearson was introduced to brass instruments and the piano as a youth, and his abilities on the latter inspired his uncle, an Ellington admirer, to give him his nickname. Dental problems forced Pearson to abandon the brass family, so he worked as a pianist in Atlanta and elsewhere in Georgia and Florida before moving to New York in 1959. There, he joined Donald Byrd's band and the Art Farmer-Benny Golson Sextet, and served as Nancy Wilson's accompanist. In 1963, he arranged four numbers for jazz septet and eight-voice choir on Byrd's innovative A New Perspective album; one of the tunes was "Cristo Redentor," which became a jazz hit. From 1963 to 1970, Pearson was in charge of several recording sessions for Blue Note, while also recording most of his albums as a leader. He also led a big band from 1967 to 1970 and again in 1972, hiring players like Pepper Adams, Chick Corea, Lew Tabackin, Randy Brecker, and Garnett Brown. Pearson continued to accompany vocalists in the 1970s, such as Carmen McRae, but he spent a good deal of the latter half of the decade fighting the ravages of multiple sclerosis.
Duke Pearson fue un pianista consumado, lírico y lógico, aunque bastante cauteloso, que jugó un papel importante en la formación de la dirección de bop duro de la etiqueta Blue Note en la década de 1960 como productor. Probablemente será mejor recordado por escribir varias piezas atractivas y pegajosas, siendo la más memorable el malhumorado "Cristo Redentor" para Donald Byrd, "Sweet Honey Bee" para él y Lee Morgan, y "Jeannine", que se ha convertido en una gran Estándar de jazz cubierto. Pearson fue introducido a los instrumentos de metal y al piano en su juventud, y sus habilidades en este último inspiraron a su tío, un admirador de Ellington, para darle su apodo. Los problemas dentales obligaron a Pearson a abandonar la familia de los latones, por lo que trabajó como pianista en Atlanta y en otras partes de Georgia y Florida antes de mudarse a Nueva York en 1959. Allí, se unió a la banda de Donald Byrd y al Art Farmer-Benny Golson Sextet, y prestó servicios Como acompañante de Nancy Wilson. En 1963, organizó cuatro números para el septeto de jazz y el coro de ocho voces en el innovador álbum A By New Perspective de Byrd; Una de las melodías fue "Cristo Redentor", que se convirtió en un éxito de jazz. Desde 1963 hasta 1970, Pearson estuvo a cargo de varias sesiones de grabación para Blue Note, mientras que también grabó la mayoría de sus álbumes como líder. También dirigió una gran banda de 1967 a 1970 y nuevamente en 1972, contratando a jugadores como Pepper Adams, Chick Corea, Lew Tabackin, Randy Brecker y Garnett Brown. Pearson continuó acompañando a vocalistas en la década de 1970, como Carmen McRae, pero pasó gran parte de la segunda mitad de la década luchando contra los estragos de la esclerosis múltiple.
Review by Stephen Cook With its mix of pop covers and jazz material, The Look of Love could be considered a typical Turrentine album from the late '60s. What sets this and a few other of his Blue Note titles apart, though, are the full yet tasteful string and band arrangements by jazz flügelhorn player and composer Thad Jones. With his flexible phrasing and muscular tone, Turrentine dives into the lush arrangements, especially on the sweeping rendition of Burt Bacharach's "Look of Love." Other pop selections bring mixed results: The plodding arrangement on "McArthur Park" garners a lukewarm response from Turrentine, while the tender settings for "Emily" and another Bacharach number, "This Guy's in Love With You," elicit the kind of velvety vaporous tone and sincere romantic phrasing Turrentine usually killed with on ballads. More upbeat, straight-ahead material like "A Beautiful Friendship" and the blues swinger "Blues for Stan" keep the date well balanced and set the table for some masterful Turrentine solos. Again, special mention should be made of Thad Jones who, along with Oliver Nelson (Nancy Wilson's Welcome to My Love in particular) and Duke Pearson, supplanted the usual syrupy arrangements found on "cross-over" dates with intelligent, complimentary charts. Turrentine certainly appreciated it, as evidenced by his strong work here. Purists who usually cringe at late-'60s jazz dates like this (yes, there is a Beatles cover here) might be pleasantly surprised. For those who feel Bacharach and Jimmy Webb provide fine material for jazz, then The Look of Love is a must. https://www.allmusic.com/album/look-of-love-mw0000899764
///////
Reseña por Stephen Cook Con su mezcla de versiones pop y material de jazz, The Look of Love podría considerarse un típico álbum de Turrentine de finales de los 60. Sin embargo, lo que diferencia a éste y a algunos otros de sus títulos de Blue Note son los arreglos de cuerda y banda, completos pero de buen gusto, del compositor y flautista de jazz Thad Jones. Con su fraseo flexible y su tono musculoso, Turrentine se sumerge en los exuberantes arreglos, especialmente en la arrebatadora interpretación de "Look of Love" de Burt Bacharach. Otras selecciones pop ofrecen resultados dispares: El lento arreglo de "McArthur Park" obtiene una tibia respuesta de Turrentine, mientras que los tiernos arreglos de "Emily" y otro número de Bacharach, "This Guy's in Love With You", provocan el tipo de tono aterciopelado y vaporoso y el sincero fraseo romántico con el que Turrentine suele matar en las baladas. Material más optimista y directo como "A Beautiful Friendship" y el blues swinger "Blues for Stan" mantienen la cita bien equilibrada y preparan la mesa para algunos solos magistrales de Turrentine. Una vez más, hay que hacer una mención especial a Thad Jones, quien, junto con Oliver Nelson (Welcome to My Love, de Nancy Wilson, en particular) y Duke Pearson, suplantó los arreglos almibarados habituales de las fechas "cross-over" con unos arreglos inteligentes y complementarios. Turrentine sin duda lo apreció, como demuestra su gran trabajo aquí. Los puristas que suelen acobardarse ante citas jazzísticas de finales de los 60 como ésta (sí, aquí hay una versión de los Beatles) podrían verse gratamente sorprendidos. Para los que piensen que Bacharach y Jimmy Webb proporcionan un buen material para el jazz, The Look of Love es imprescindible. https://www.allmusic.com/album/look-of-love-mw0000899764
Review by Scott Yanow This unusual set was one of the most successful uses of a gospel choir in a jazz context. Trumpeter Donald Byrd and a septet that includes tenor saxophonist Hank Mobley, guitarist Kenny Burrell, and pianist Herbie Hancock are joined by an eight-voice choir directed by Coleridge Perkinson. The arrangements by Duke Pearson are masterful and one song, "Cristo Redentor," became a bit of a hit. This is a memorable effort that is innovative in its own way, a milestone in Donald Byrd's career. https://www.allmusic.com/album/a-new-perspective-mw0000668084
///////
Reseña por Scott Yanow Este inusual conjunto fue uno de los más exitosos usos de un coro gospel en un contexto de jazz. Al trompetista Donald Byrd y a un septeto que incluye al saxofonista tenor Hank Mobley, al guitarrista Kenny Burrell y al pianista Herbie Hancock se les une un coro de ocho voces dirigido por Coleridge Perkinson. Los arreglos de Duke Pearson son magistrales y una canción, "Cristo Redentor", se convirtió en todo un éxito. Se trata de un trabajo memorable e innovador a su manera, un hito en la carrera de Donald Byrd. https://www.allmusic.com/album/a-new-perspective-mw0000668084
Biography by Richard S. Ginell Owner of a direct, lightly swinging, somewhat plain-wrapped tone that fit right in with the Blue Note label's hard bop ethos of the 1960s, Blue Mitchell tends to be overlooked today perhaps because he never really stood out vividly from the crowd, despite his undeniable talent. After learning the trumpet in high school -- where he got his nickname -- he started touring in the early '50s with the R&B bands of Paul Williams, Earl Bostic, and Chuck Willis before returning to Miami and jazz. There, he attracted the attention of Cannonball Adderley, with whom he recorded for Riverside in 1958. That year, he joined the Horace Silver Quintet, with whom he played and recorded until the band's breakup in March 1964, polishing his hard bop skills. During his Silver days, Mitchell worked with tenor Junior Cook, bassist Gene Taylor, drummer Roy Brooks, and various pianists as a separate unit and continued recording as a leader for Riverside. When Silver disbanded, Mitchell's spinoff quintet carried on with Al Foster replacing Brooks and a young future star named Chick Corea in the piano chair. This group, with several personnel changes, continued until 1969, recording a string of albums for Blue Note. Probably aware that opportunities for playing straight-ahead jazz were dwindling, Mitchell became a prolific pop and soul session man in the late '60s, and he toured with Ray Charles from 1969 to 1971 and blues/rock guitarist John Mayall in 1971-1973. Having settled in Los Angeles, he also played big-band dates with Louie Bellson, Bill Holman, and Bill Berry; made a number of funk and pop/jazz LPs in the late '70s; served as principal soloist for Tony Bennett and Lena Horne; and kept his hand in hard bop by playing with Harold Land in a quintet. He continued to freelance in this multifaceted fashion until his premature death from cancer at age 49. https://www.allmusic.com/artist/blue-mitchell-mn0000761064#biography
///////
Biografía de Richard S. Ginell Dueño de un tono directo, ligeramente oscilante y algo sencillo que encajaba a la perfección con el espíritu hard bop del sello Blue Note en la década de 1960, Blue Mitchell tiende a ser pasado por alto hoy en día, quizás porque nunca llegó a destacar vivamente entre la multitud, a pesar de su innegable talento. Tras aprender a tocar la trompeta en el instituto -de donde le viene su apodo-, empezó a hacer giras a principios de los 50 con las bandas de R&B de Paul Williams, Earl Bostic y Chuck Willis antes de volver a Miami y al jazz. Allí atrajo la atención de Cannonball Adderley, con quien grabó para Riverside en 1958. Ese año se unió al Horace Silver Quintet, con el que tocó y grabó hasta la disolución de la banda en marzo de 1964, puliendo sus habilidades en el hard bop. Durante sus días con Silver, Mitchell trabajó con el tenor Junior Cook, el bajista Gene Taylor, el batería Roy Brooks y varios pianistas como una unidad separada y continuó grabando como líder para Riverside. Cuando Silver se disolvió, el quinteto de Mitchell continuó con Al Foster sustituyendo a Brooks y una joven futura estrella llamada Chick Corea en la silla del piano. Este grupo, con varios cambios de personal, continuó hasta 1969, grabando una serie de álbumes para Blue Note. Probablemente consciente de que las oportunidades de tocar jazz directo estaban disminuyendo, Mitchell se convirtió en un prolífico sesionista de pop y soul a finales de los 60, y estuvo de gira con Ray Charles de 1969 a 1971 y con el guitarrista de blues/rock John Mayall en 1971-1973. Tras establecerse en Los Ángeles, también tocó en big bands con Louie Bellson, Bill Holman y Bill Berry; grabó varios LP de funk y pop/jazz a finales de los 70; actuó como solista principal para Tony Bennett y Lena Horne; y siguió tocando hard bop con Harold Land en un quinteto. Siguió trabajando por su cuenta de esta forma tan polifacética hasta su prematura muerte de cáncer a los 49 años. https://www.allmusic.com/artist/blue-mitchell-mn0000761064#biography
Review by Ronnie D. Lankford, Jr. Recorded
for a small label that proceeded to go broke, Dedication! would not be
released until nine years after its initial recording. This seems odd
considering the all-star cast of players. Pianist Duke Pearson is joined
by trumpeter Freddie Hubbard, baritone player Pepper Adams, trombonist
Willie Wilson, bassist Thomas Howard, and drummer Lex Humphries on seven
selections. The set kicks off with Tommy Flanagan's "Minor Mishap," an
upbeat piece that brings forth nice solos from everyone. This might be
Pearson's session, but everybody is given plenty of room to cut loose.
Wilson, for instance, is featured for the length of "The Nearness of
You" and for a great deal of "Time After Time." This is fortunate in
retrospect; he made few recordings and would pass away in 1963, two
years after this record was made. Pearson also turns in a number of nice
solos. Like Hank Jones, his light touch serves him well on
instrumentals like "Blues for Alvina" and "Time After Time." The
performances by Hubbard and Adams are topnotch throughout; they turn in
first-rate work on numbers like Donald Byrd's "Lex" and the Pearson
original "The Number Five." An important factor in the success of this
album is the unusual combination of trumpet, trombone, and baritone
saxophone that creates a resonant, full sound. Pearson would make a
number of other fine recordings for Blue Note during the '60s, but none
finer than this one. Dedication! serves as a fine introduction to a
talented pianist. https://www.allmusic.com/album/dedication%21-mw0000118750
///////
Revista por Ronnie D. Lankford, Jr. Grabado
para un pequeño sello que quebró, Dedication! no se publicaría hasta
nueve años después de su grabación inicial. Esto parece extraño teniendo
en cuenta el elenco de estrellas que lo componen. El pianista Duke
Pearson está acompañado por el trompetista Freddie Hubbard, el barítono
Pepper Adams, el trombonista Willie Wilson, el bajista Thomas Howard y
el batería Lex Humphries en siete selecciones. El set comienza con
"Minor Mishap" de Tommy Flanagan, una pieza alegre que ofrece buenos
solos de todos. Puede que esta sea la sesión de Pearson, pero todos
tienen mucho espacio para soltarse. Wilson, por ejemplo, aparece durante
toda "The Nearness of You" y gran parte de "Time After Time". Esto es
una suerte en retrospectiva; hizo pocas grabaciones y falleció en 1963,
dos años después de que se grabara este disco. Pearson también hace
varios buenos solos. Como Hank Jones, su toque ligero le sirve bien en
instrumentales como "Blues for Alvina" y "Time After Time". Las
interpretaciones de Hubbard y Adams son de primera categoría; hacen un
trabajo de primera clase en temas como "Lex" de Donald Byrd y el
original de Pearson "The Number Five". Un factor importante en el éxito
de este álbum es la inusual combinación de trompeta, trombón y saxofón
barítono, que crea un sonido resonante y pleno. Pearson realizaría otras
buenas grabaciones para Blue Note durante los años 60, pero ninguna
mejor que ésta. Dedication! es una buena introducción a un pianista de
talento. https://www.allmusic.com/album/dedication%21-mw0000118750
This is one of tenor saxophonist Hank Mobley's more intriguing sessions, for the talented composer had an opportunity to have four of his originals, plus the standard "There's a Lull in My Life," performed by an octet in the cool-toned style of Miles Davis's "Birth of the Cool" nonet, arranged by Duke Pearson. Although recorded in 1966, this date was not released until 1979 (and reissued on CD in 1995). Mobley, who continued to evolve into a more advanced player throughout the 1960s, fits right in with such adventurous players as altoist James Spaulding, trumpeter Lee Morgan (with whom Mobley recorded frequently), pianist McCoy Tyner, bassist Reggie Workman and drummer Billy Higgins. The inclusion of Kiane Zawadi on euphonium and Howard Johnson on tuba adds a lot of color to this memorable outing. https://www.allmusic.com/album/a-slice-of-the-top-mw0000180575
///////
Reseña por Scott Yanow
Esta es una de las sesiones más intrigantes del saxofonista tenor Hank Mobley, ya que el talentoso compositor tuvo la oportunidad de que cuatro de sus originales, más el estándar "There's a Lull in My Life", fueran interpretados por un octeto en el estilo cool-toned del noneto "Birth of the Cool" de Miles Davis, arreglado por Duke Pearson. Aunque se grabó en 1966, esta fecha no se publicó hasta 1979 (y se reeditó en CD en 1995). Mobley, que siguió evolucionando hasta convertirse en un intérprete más avanzado a lo largo de la década de 1960, encaja a la perfección con músicos tan aventureros como el contralto James Spaulding, el trompetista Lee Morgan (con quien Mobley grabó frecuentemente), el pianista McCoy Tyner, el bajista Reggie Workman y el batería Billy Higgins. La inclusión de Kiane Zawadi al bombardino y Howard Johnson a la tuba añade mucho color a esta memorable salida. https://www.allmusic.com/album/a-slice-of-the-top-mw0000180575
