Billie Holiday • A Flag For Lady Day

Ben Webster • The Soul of Ben Webster

 

 

Review by Matt Collar
Recorded in 1958 and released the following year on Verve, The Soul of Ben Webster is a superb example of swinging mainstream jazz and bop. Webster is in fine form throughout, as are his fellow musicians including trumpeter Art Farmer, bassist Milt Hinton, pianist Jimmy Jones, and others.
https://www.allmusic.com/album/the-soul-of-ben-webster-mw0000872775

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Reseña de Matt Collar
Grabado en 1958 y publicado al año siguiente en Verve, The Soul of Ben Webster es un magnífico ejemplo de swing mainstream jazz y bop. Webster está en plena forma, al igual que sus compañeros, como el trompetista Art Farmer, el bajista Milt Hinton y el pianista Jimmy Jones, entre otros.
https://www.allmusic.com/album/the-soul-of-ben-webster-mw0000872775

Ben Webster • Verve Jazz Masters 43 - Ben Webster

 

Michel Legrand • Legrand Jazz

 

 

Biography:
It is difficult to pin the multi-talented Michel Legrand down into one single category. This amazingly versatile French singer, songwriter, composer, arranger, conductor and producer has enjoyed a whirlwind career, excelling in an impressively broad range of domains from film soundtracks and French 'chanson' to jazz and classical music. An international star, who has won as much respect in the States as he has in Europe, Legrand is an insatiable musician whose creativity and ambition appear to know no bounds.

Michel Legrand was born in Bécon-les-Bruyères, in the Paris suburbs, on 24 February 1932. His mother, Marcelle der Mikaelian, married Raymond Legrand, a French musician renowned for hits such as “Irma la douce.” Michel spent a rather solitary childhood, growing up with his sister, Christiane. He revealed a prodigious musical talent at an early age, playing the piano when he was just four years old. As a child, he was fascinated about the life of composer Franz Schubert. Michel eventually went on to train at the Paris Conservatoire in 1942. He spent seven years there, studying under renowned teachers such as Nadia Boulanger, Henri Challan, Noël Gallon and Lucette Descaves. The young prodigy went on to win numerous awards for his skills in counterpoint, piano, fugue and 'solfège' (an award he received on 6 June 1944).

In the immediate post-war years, Michel Legrand discovered a new passion: jazz. The moment that triggered off this musical conversion was when he attended a concert by Dizzy Gillespie “ and left, totally blown away by what he had seen! By the time he graduated from the Conservatoire in 1949, Legrand had mastered a dozen instruments. And he found himself launched straight into the world of French 'chanson,' thanks to introductions from his father (with whom he had renewed ties by this point). The gifted teenager was soon working as an accompanist to many of the major French stars of the day including Henri Salvador, Juliette Gréco, Zizi Jeanmaire and Catherine Sauvage.

In 1954, Legrand stepped from the accompanying shadows centre stage when the American record label Columbia-EMI commissioned him to make an album of English adaptations of French classics. The album “I Love Paris” went on to sell a staggering 8 million copies, turning Legrand into an overnight star both at home and abroad. It was at this point that legendary French 'chanson' star Maurice Chevalier approached Legrand and offered him a post as his musical director. Legrand accepted and, in Chevalier's company, flew across the Atlantic, discovering the States in the course of numerous tours.

Meanwhile, Legrand's own solo career continued to go from strength to strength. He recorded a whole string of albums: “Holiday In Rome,” (1955) “Michel Legrand Plays Cole Porter,” (1957) and “Legrand In Rio,” (1958) all released on the Philips label, directed by Jacques Canetti. One of the high points of Legrand's early recording career was his 1956 album recorded with Boris and Henri Salvador (aka Henri Cording) under the pseudonym Big Mike “ a nickname Jean Cocteau had bestowed upon him! The following year, Legrand was invited to the USSR to perform at the Student Youth Festival. It was on this trip that he met his future wife, a young French model with who he went on to have three children (Hervé, Benjamin and Emilie).

In 1958, Legrand headed back across the Atlantic to the States and spent valuable time in New York, directing studio sessions where he mixed with the crème de la crème of the jazz world, working with the likes of Miles Davis, John Coltrane, Bill Evans and Ben Webster. The album “Legrand Jazz” was a result of this white-hot jazz period.

In 1955, Michel Legrand branched out in a new direction, writing the music for Henri Verneuil's film “Amants du Tage,” under the pseudonym Lucien Legrand. But Legrand's involvement in the world of French cinema really began in earnest in the late 50s when he was caught up in the French New Wave. Working in close collaboration with a new breed of French directors, Legrand kept up a hectic non-stop schedule, composing soundtracks for up to a dozen feature films and television films a year.

Between 1961 and 1967, Legrand scored seven films for directors Jean-Luc Godard, and Jacques Demy, with whom he would work on ten major feature films between 1961 and 1988. In short, Michel Legrand was responsible for creating a new - either much-loved or much-hated - genre in the French film world: the musical! Besides working with the most avant-garde directors of the “Nouvelle Vague”, Legrand also collaborated with a number of more 'traditional' French film-makers such as Gilles Grangier and Yves Allégret. He soon found himself in great demand abroad, too. The first foreign director to recognise Legrand's talent was Joseph Losey (for whom Legrand scored “Eva” in 1962). Losey and Legrand subsequently worked together on another three occasions, most famously for “The Go-Between” (which won the 'Palme d'or' at the Cannes film festival in 1971).

Legrand had long been familiar with the French 'chanson' world, having accompanied some of its biggest stars when he was a young 20-year-old just starting out in the business. He had also put in several years at the Philips label, orchestrating countless songs for the big names of the day. When Legrand met the famous Toulousan singer Claude Nougaro in 1962, the two men hit it off immediately thanks to their shared passion for jazz. The pair even went on to write a number of Nougaro classics together including “Les Dom Juan” and “Le Cinéma.” Legrand also went on to compose and arrange material for Serge Reggiani in 1970 and he worked with Yves Montand, too, composing hits such as “Coucher avec elle.” Meanwhile, Legrand's songs were covered by a number of international stars from Liza Minnelli to Greek diva Nana Mouskouri.

But it was Jacques Brel, a singer for whom Legrand had written arrangements in the 50s, that was to play a decisive role in Legrand's career , for Brel was the one that persuaded him to get up behind the microphone and start performing his own work. As early as 1964, Legrand began building his own repertoire with a helping hand from Eddy Marnay and Jean Dréjac (for the lyrics). Over the following years, he would also work with the likes of Jean-Loup Dabadie, Boris Bergman, Jean Guidoni and novelist (and occasional songwriter) Françoise Sagan. Ever eager to branch out and conquer new territory, Michel Legrand set off for Los Angeles in 1966, with his wife and three children in tow. He spent three years there, which turned out to be an amazingly productive period for him. In 1968, Legrand sat down and wrote the soundtrack to Norman Jewison's swinging 60s film “The Thomas Crown Affair.” The theme tune from the movie, “The Windmills Of Your Mind”, (”Les Moulins de mon c”ur”) which featured French lyrics by Eddy Marnay and English lyrics by Alan and Marilyn Bergman went on to become a huge hit. In fact, Legrand ended up scooping the Oscar for Best Film Theme Song in 1969. What's more, he won another famous gold statue two years later for Best Film Music thanks to “The Summer of '42”, a film which was famous for its theme song “The Summer Knows” (French lyrics by Jean Dréjac, English lyrics by Alan and Marilyn Bergman) performed by Barbra Streisand.

Needless to say, Michel Legrand went on to become a major star in the U.S. Indeed, he soon became such a household name that he was soon invited to appear on all the prime time chat shows from The Maurice Chevalier Show and The Danny Kaye Show to The Shirley Bassey Special. Legrand, who was nominated for a Grammy Award no less than 27 times, carried off the prestigious prize five times between 1971 and 1975.

America at that time also meant jazz, of course. And, jazz being one of Legrand's greatest passions in life, he went on to perform several concerts with Ray Brown in 1968 in the famous L.A. club, Shelly's Manne-Hole. The album, “Verve”, was produced as a result of this.

Legrand's astounding versatility continued, if anything increasing over the years. He took his film work to new heights, working with Clint Eastwood in 1973 and Orson Welles in 1976. In 1983, his theme tune to Barbra Streisand’s movie “Yentl” won him yet another Oscar. Later that same year, Legrand wrote the score for “Never Say Never Again” (the last James Bond film starring Sean Connery). Meanwhile, he also extended his work to the theatre, writing the music for Jean-Louis Barrault’s play “Jarry sur la butte” (1970) and “Monte Cristo” in 1975.

In January 1972, Legrand took to the stage in his own right, performing a successful run at the Olympia (in Paris) with the singer Caterina Valente. In 1975, he gave a helping hand to a young unknown singer, Jean Guidoni, helping assure his promote him as a new talent.

In 1974, Michel Legrand suffered a blow in his personal life when he lost his father, Raymond Legrand.

In the 80s, Legrand chose to devote his time and energy to jazz, forming a trio with drummer André Ceccarelli and double-bass virtuoso Marc-Michel Le Bévillon. The threesome went on to make three albums together. In 1982, Legrand pulled off another major musical exploit, getting the two famous saxophonists, Phil Woods and Zoot Sims, together in the studio to make the album “After The Rain.” Later that year, Legrand was responsible for organising the mega-Shirley Bassey show which opened Midem (the annual record industry fair in Cannes). His first solo album as a singer since 1972 was also released at this point.

In the late 80s, as part of the official celebrations for the Bicentenary of the French Revolution, Michel Legrand staged the première of his oratorio (based on the Universal Declaration of Human Rights) in Lyon. And he ended the decade branching out in a totally new direction, stepping behind the camera to direct his own film. “Cinq jours en juin”, starring Sabine Azema and Annie Girardot, hit French cinema screens in 1989, but failed to make a major impact on cinema-goers or the critics.

Following his work as part of a jazz trio, Legrand changed musical format in the 90s, creating a big band which he took on several international tours in subsequent years, accompanying Ray Charles, Diana Ross and Icelandic pop diva Björk. He then went off to Suresnes to record an album with the orchestra (which featured a number of well-known musicians including the Belmondo brothers). The album was released in September 1999. Legrand also organised a show at the Olympia for French violinist Stéphane Grappelli who celebrated his 85th birthday in 1992. (A CD was released to mark the occasion).

In 1995, Michel Legrand got down to his composing work, writing new material for Jean Guidoni’s album “Vertigo”. The pair took to the stage together at the Casino de Paris in 1996 for a joint show which won a coveted “Victoire de la musique” award. Throughout the 90s, Legrand returned to his classical roots on several occasions. He recorded several CDs with the trumpet-player Maurice André (in 1998 and 2004), staged performances of Erik Satie’s work three times (in 1993, 1999 and 2002) and conducted requiems by Fauré and Duruflé in 1994. In the meantime, a number of songs from his own repertoire were covered by the world-famous opera singer Kiri te Kanawa on an album entitled “Kiri Sings Michel Legrand.”

In 1997, working in collaboration with the playwright Didier Van Cauwelaert, Legrand staged a new show “Le Passe Muraille” (based on Marcel Aymé’s work) at Les Bouffes Parisiens. The show proved to be a big hit with theatre-goers and Legrand also took “Le Passe Muraille” to Japan in 2000. But when, in 2002, he attempted to reinvent the show on Broadway in a new adaptation, “Amour”, it proved to be a total flop.

Various Legrand compilations have been available on the international scene since the 1980s. But in 2001, Mercury/Universal finally got round to releasing an official Legrand anthology, summing up the versatile singer-composer-musician’s career. The year before, a major tribute was staged to Michel Legrand when a bevy of stars performed his classics at an open-air concert in the courtyard of the Louvre as part of the annual “Fête de la musique.” In 2003, Legrand received recognition at an even higher level, when he was presented with the ‘Légion d'honneur’. Snowed under with honours, music awards and Oscars, this formidable talent has never let fame go to his head or dull his prodigious artistic appetite.

In 2005, Universal Jazz released “Le Cinéma de Michel Legrand”, a boxed set compilation featuring Legrand's best known film soundtracks. But Legrand himself appeared reluctant to focus on the past and was not involved in the production of this 'greatest film hits.' The 4 CD set proved to be a veritable musical treasure trove, however, featuring 90 tracks composed in the course of Legrand's 50-year career.

In June 2005, Legrand returned to the studio. This time round, it was not to compose his own work, however, but to pay tribute to his late friend and music colleague, the Toulousan singer Claude Nougaro (who died in 2004). Working with a number of leading jazz musicians and using tapes of Nougaro's voice, Legrand recorded new versions of many of the “Little Bull's” lesser-known songs which they had written together in the course of various collaborations. The album “Legrand Nougaro” also included reworkings of Nougaro classics such as “Don Juan”, “Le Cinéma” and “Le Rouge et le Noir.” The album, which proved to be more of a jazz extravaganza than a strictly 'chanson' affair, featured a special bonus, including a new song “Mon Dernier Concert” (which Nougaro had written before his death but never recorded himself).
https://musicians.allaboutjazz.com/michellegrand

Note: Michel Legrand died on January 26, 2019.

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Biografía:
Es difícil clasificar al polifacético Michel Legrand en una sola categoría. Este cantante, compositor, arreglista, director de orquesta y productor francés sorprendentemente versátil ha disfrutado de una carrera fulgurante, destacando en una impresionante gama de ámbitos que van desde las bandas sonoras de películas y la "chanson" francesa hasta el jazz y la música clásica. Estrella internacional, que se ha ganado tanto el respeto en Estados Unidos como en Europa, Legrand es un músico insaciable cuya creatividad y ambición parecen no tener límites.

Michel Legrand nació en Bécon-les-Bruyères, en los suburbios de París, el 24 de febrero de 1932. Su madre, Marcelle der Mikaelian, se casó con Raymond Legrand, un músico francés famoso por éxitos como "Irma la douce". Michel pasó una infancia bastante solitaria, creciendo con su hermana, Christiane. Reveló un prodigioso talento musical a temprana edad, tocando el piano cuando tenía sólo cuatro años. De niño, le fascinó la vida del músico Franz Schubert. Finalmente, Michel se formó en el Conservatorio de París en 1942. Pasó siete años allí, estudiando con profesores de renombre como Nadia Boulanger, Henri Challan, Noël Gallon y Lucette Descaves. El joven prodigio ganó numerosos premios por sus habilidades en contrapunto, piano, fuga y solfeo (premio que recibió el 6 de junio de 1944).

En los años inmediatos a la posguerra, Michel Legrand descubrió una nueva pasión: el jazz. El momento que desencadenó esta conversión musical fue cuando asistió a un concierto de Dizzy Gillespie " y se marchó, ¡totalmente impresionado por lo que había visto! Cuando se graduó en el Conservatorio en 1949, Legrand ya había dominado una docena de instrumentos. Y se lanzó directamente al mundo de la chanson francesa, gracias a las presentaciones de su padre (con quien ya había renovado sus lazos). El talentoso adolescente pronto trabajó como acompañante de muchas de las principales estrellas francesas de la época, como Henri Salvador, Juliette Gréco, Zizi Jeanmaire y Catherine Sauvage.

En 1954, Legrand se apartó de las sombras del acompañamiento cuando el sello discográfico estadounidense Columbia-EMI le encargó un álbum de adaptaciones en inglés de clásicos franceses. El álbum "I Love Paris" vendió la asombrosa cantidad de 8 millones de copias, convirtiendo a Legrand en una estrella de la noche a la mañana tanto en casa como en el extranjero. Fue entonces cuando la legendaria estrella francesa de la chanson Maurice Chevalier se acercó a Legrand y le ofreció un puesto como director musical. Legrand aceptó y, en compañía de Chevalier, cruzó el Atlántico, descubriendo los Estados Unidos en el curso de numerosas giras.

Mientras tanto, la carrera en solitario de Legrand seguía avanzando con fuerza. Grabó toda una serie de álbumes: "Holiday In Rome" (1955), "Michel Legrand Plays Cole Porter" (1957) y "Legrand In Rio" (1958), todos publicados por el sello Philips, dirigido por Jacques Canetti. Uno de los puntos culminantes de la carrera discográfica de Legrand fue su álbum de 1956 grabado con Boris y Henri Salvador (alias Henri Cording) bajo el seudónimo de Big Mike " un apodo que Jean Cocteau le había dado! Al año siguiente, Legrand fue invitado a la URSS para actuar en el Festival de la Juventud Estudiantil. En este viaje conoció a su futura esposa, una joven modelo francesa con la que tuvo tres hijos (Hervé, Benjamin y Emilie).

En 1958, Legrand volvió a cruzar el Atlántico a los Estados Unidos y pasó un tiempo valioso en Nueva York, dirigiendo sesiones de estudio donde se mezcló con la crème de la crème del mundo del jazz, trabajando con gente como Miles Davis, John Coltrane, Bill Evans y Ben Webster. El álbum "Legrand Jazz" fue el resultado de este período de jazz al rojo vivo.

En 1955, Michel Legrand tomó una nueva dirección, escribiendo la música de la película "Amants du Tage" de Henri Verneuil, bajo el seudónimo de Lucien Legrand. Pero la implicación de Legrand en el mundo del cine francés comenzó realmente en serio a finales de los 50 cuando se vio envuelto en la Nueva Ola Francesa. Trabajando en estrecha colaboración con una nueva generación de directores franceses, Legrand mantuvo una agitada agenda sin parar, componiendo bandas sonoras para hasta una docena de películas de cine y televisión al año.

Entre 1961 y 1967, Legrand realizó siete películas para los directores Jean-Luc Godard y Jacques Demy, con los que trabajaría en diez grandes largometrajes entre 1961 y 1988. En resumen, Michel Legrand fue el responsable de crear un nuevo género -muy querido o muy odiado- en el mundo del cine francés: ¡el musical! Además de trabajar con los directores más vanguardistas de la "Nouvelle Vague", Legrand también colaboró con algunos cineastas franceses más "tradicionales" como Gilles Grangier e Yves Allégret. Pronto se encontró también muy solicitado en el extranjero. El primer director extranjero que reconoció el talento de Legrand fue Joseph Losey (para el que Legrand firmó "Eva" en 1962). Posteriormente, Losey y Legrand trabajaron juntos en otras tres ocasiones, la más famosa de ellas para "The Go-Between" (que ganó la 'Palma de Oro' en el festival de cine de Cannes en 1971).

Legrand conocía desde hacía mucho tiempo el mundo de la chanson francesa, ya que había acompañado a algunas de sus mayores estrellas cuando era un joven de 20 años que empezaba en el negocio. También había trabajado varios años en el sello Philips, orquestando incontables canciones para los grandes nombres del momento. Cuando Legrand conoció al famoso cantante tolosano Claude Nougaro en 1962, los dos hombres se llevaron bien inmediatamente gracias a su pasión común por el jazz. Incluso escribieron juntos varios clásicos de Nougaro como "Les Dom Juan" y "Le Cinéma". Legrand también pasó a componer y arreglar material para Serge Reggiani en 1970 y trabajó con Yves Montand, también, componiendo éxitos como "Coucher avec elle". Mientras tanto, las canciones de Legrand fueron cubiertas por varias estrellas internacionales, desde Liza Minnelli a la diva griega Nana Mouskouri.

Pero fue Jacques Brel, un cantante para el que Legrand había escrito arreglos en los años 50, el que jugó un papel decisivo en la carrera de Legrand , ya que Brel fue el que le convenció para que se pusiera detrás del micrófono y empezara a interpretar su propia obra. Ya en 1964, Legrand comenzó a construir su propio repertorio con la ayuda de Eddy Marnay y Jean Dréjac (para las letras). Durante los años siguientes, también trabajaría con gente como Jean-Loup Dabadie, Boris Bergman, Jean Guidoni y la novelista (y compositora ocasional) Françoise Sagan. Siempre deseoso de expandirse y conquistar nuevos territorios, Michel Legrand partió hacia Los Ángeles en 1966, con su esposa y sus tres hijos. Pasó allí tres años, que resultaron ser un período increíblemente productivo para él. En 1968, Legrand se sentó y escribió la banda sonora de la película de los 60 de Norman Jewison "The Thomas Crown Affair". El tema de la película, "Los molinos de tu mente", ("Les Moulins de mon c "ur"), con letra francesa de Eddy Marnay y letra inglesa de Alan y Marilyn Bergman, se convirtió en un gran éxito. De hecho, Legrand terminó ganando el Oscar a la mejor canción temática en 1969. Es más, ganó otra famosa estatua de oro dos años más tarde por la mejor música de película gracias a "El verano del 42", una película famosa por su canción temática "El verano sabe" (letra francesa de Jean Dréjac, letra inglesa de Alan y Marilyn Bergman) interpretada por Barbra Streisand.

No hace falta decir que Michel Legrand se convirtió en una gran estrella en los EE.UU. De hecho, pronto se hizo tan conocido que pronto fue invitado a aparecer en todos los programas de chat en horario de máxima audiencia, desde The Maurice Chevalier Show y The Danny Kaye Show hasta el especial de Shirley Bassey. Legrand, que fue nominado para un premio Grammy no menos de 27 veces, se llevó el prestigioso premio cinco veces entre 1971 y 1975.

América en ese momento también significaba jazz, por supuesto. Y, siendo el jazz una de las mayores pasiones de Legrand en la vida, realizó varios conciertos con Ray Brown en 1968 en el famoso club de Los Ángeles, Shelly's Manne-Hole. El álbum, "Verve", fue producido como resultado de esto.

La asombrosa versatilidad de Legrand continuó, si acaso aumentando a lo largo de los años. Llevó su trabajo cinematográfico a nuevas alturas, trabajando con Clint Eastwood en 1973 y Orson Welles en 1976. En 1983, su tema de la película "Yentl" de Barbra Streisand le hizo ganar otro Oscar. Más tarde ese mismo año, Legrand escribió la partitura de "Never Say Never Again" (la última película de James Bond protagonizada por Sean Connery). Mientras tanto, también extendió su trabajo al teatro, escribiendo la música para la obra de Jean-Louis Barrault "Jarry sur la butte" (1970) y "Monte Cristo" en 1975.

En enero de 1972, Legrand se subió al escenario por derecho propio, realizando una exitosa carrera en el Olympia (en París) con la cantante Caterina Valente. En 1975, ayudó a un joven cantante desconocido, Jean Guidoni, asegurando su promoción como un nuevo talento.

En 1974, Michel Legrand sufrió un golpe en su vida personal cuando perdió a su padre, Raymond Legrand.

En los años 80, Legrand eligió dedicar su tiempo y energía al jazz, formando un trío con el baterista André Ceccarelli y el virtuoso del contrabajo Marc-Michel Le Bévillon. El trío llegó a hacer tres álbumes juntos. En 1982, Legrand realizó otra gran hazaña musical, reuniendo a los dos famosos saxofonistas, Phil Woods y Zoot Sims, en el estudio para hacer el álbum "After The Rain". Más tarde ese año, Legrand fue responsable de organizar el mega-show de Shirley Bassey que inauguró Midem (la feria anual de la industria discográfica en Cannes). Su primer álbum en solitario como cantante desde 1972 también fue lanzado en este momento.

A finales de los años 80, en el marco de las celebraciones oficiales del Bicentenario de la Revolución Francesa, Michel Legrand estrenó en Lyon su oratorio (basado en la Declaración Universal de los Derechos Humanos). Y terminó la década tomando una dirección totalmente nueva, poniéndose detrás de la cámara para dirigir su propia película. "Cinq jours en juin", protagonizada por Sabine Azema y Annie Girardot, llegó a las pantallas francesas en 1989, pero no tuvo gran repercusión ni en los espectadores ni en la crítica.

Después de su trabajo como parte de un trío de jazz, Legrand cambió de formato musical en los años 90, creando una big band que realizó varias giras internacionales en los años siguientes, acompañando a Ray Charles, Diana Ross y a la diva del pop islandés Björk. Luego se fue a Suresnes para grabar un álbum con la orquesta (en el que participaron varios músicos conocidos, entre ellos los hermanos Belmondo). El álbum se publicó en septiembre de 1999. Legrand también organizó un espectáculo en el Olimpia para el violinista francés Stéphane Grappelli, que celebró su 85 cumpleaños en 1992. (Un CD fue lanzado para marcar la ocasión).

En 1995, Michel Legrand se puso manos a la obra para componer, escribiendo nuevo material para el álbum "Vértigo" de Jean Guidoni. La pareja subió al escenario juntos en el Casino de París en 1996 para un espectáculo conjunto que ganó el codiciado premio "Victoire de la musique". A lo largo de los 90, Legrand volvió a sus raíces clásicas en varias ocasiones. Grabó varios discos compactos con el trompetista Maurice André (en 1998 y 2004), realizó tres representaciones de la obra de Erik Satie (en 1993, 1999 y 2002) y dirigió réquiemes de Fauré y Duruflé en 1994. Mientras tanto, varias canciones de su propio repertorio fueron cubiertas por el cantante de ópera mundialmente famoso Kiri te Kanawa en un álbum titulado "Kiri Sings Michel Legrand".

En 1997, en colaboración con el dramaturgo Didier Van Cauwelaert, Legrand puso en escena en Les Bouffes Parisiens un nuevo espectáculo "Le Passe Muraille" (basado en la obra de Marcel Aymé). El espectáculo tuvo un gran éxito entre los espectadores y Legrand también llevó "Le Passe Muraille" a Japón en 2000. Pero cuando en 2002 intentó reinventar el espectáculo en Broadway en una nueva adaptación, "Amour", resultó ser un fracaso total.

Varias compilaciones de Legrand han estado disponibles en la escena internacional desde la década de 1980. Pero en 2001, Mercury/Universal finalmente logró lanzar una antología oficial de Legrand, que resume la carrera del versátil cantante-compositor-músico. El año anterior, se rindió un gran homenaje a Michel Legrand cuando un grupo de estrellas interpretó sus clásicos en un concierto al aire libre en el patio del Louvre como parte de la "Fête de la musique" anual. En 2003, Legrand recibió un reconocimiento de un nivel aún más alto, cuando se le otorgó la "Légion d'honneur". Bajo la nieve de los honores, los premios de la música y los Oscars, este formidable talento no ha dejado nunca que la fama se le suba a la cabeza ni que se apague su prodigioso apetito artístico.

En 2005, Universal Jazz lanzó "Le Cinéma de Michel Legrand", una compilación en caja con las bandas sonoras de las películas más conocidas de Legrand. Pero el propio Legrand parecía reacio a centrarse en el pasado y no participó en la producción de este "gran éxito cinematográfico". El set de 4 CDs resultó ser un verdadero tesoro musical, sin embargo, con 90 canciones compuestas en el curso de los 50 años de carrera de Legrand.

En junio de 2005, Legrand volvió al estudio. Esta vez no fue para componer su propia obra, sino para rendir homenaje a su difunto amigo y colega musical, el cantante tolosano Claude Nougaro (fallecido en 2004). Trabajando con algunos de los principales músicos de jazz y utilizando cintas de la voz de Nougaro, Legrand grabó nuevas versiones de muchas de las canciones menos conocidas de "Little Bull" que habían escrito juntos en el curso de varias colaboraciones. El álbum "Legrand Nougaro" también incluía reelaboraciones de clásicos de Nougaro como "Don Juan", "Le Cinéma" y "Le Rouge et le Noir". El álbum, que resultó ser más un extravagante espectáculo de jazz que un asunto estrictamente de "chanson", incluía un bono especial, incluyendo una nueva canción "Mon Dernier Concert" (que Nougaro había escrito antes de su muerte pero que nunca grabó él mismo).
https://musicians.allaboutjazz.com/michellegrand

Nota: Michel Legrand murió el 26 de enero de 2019.

http://michellegrandofficial.com/

Ben Webster • Ben Webster Ballads

 

 

Someone to Watch Over Me The Life and Music of Ben Webster (Jazz Perspectives)

 

 

For a half century, Ben Webster, one of the "big three" of swing tenors-along with Coleman Hawkins and Lester Young-was one of the best-known and most popular saxophonists.

Early in his career, Webster worked with many of the greatest orchestras of the time, including those led by Willie Bryant, Cab Calloway, Benny Carter, Fletcher Henderson, Andy Kirk, Bennie Moten, and Teddy Wilson. In 1940 Webster became Duke Ellington's first major tenor soloist, and during the next three years he played on many famous recordings, including "Cotton Tail."

Someone to Watch Over Me tells, for the first time, the complete story of Ben Webster's brilliant and troubled career. For this comprehensive study of Webster, author Frank Büchmann-Møller interviewed more than fifty people in the United States and Europe, and he includes numerous translated excerpts from European periodicals and newspapers, none previously available in English. In addition, the author studies every known Webster recording and film, including many private recordings from Webster's home collection not available to the public.

Exhaustively researched, this is a much needed and long overdue study of the life and music of one of jazz's most important artists.

 

Frank Buchmann-Moller (Auth 

 

Ben Webster • See You At The Fair

 

Review
by Scott Yanow
Ben Webster's final American recording was one of his greatest. At 55, the tenor saxophonist was still very much in his prime but considered out of style in the U.S. He would soon permanently move to Europe where he was better appreciated. This CD has the nine selections originally included on the LP of the same name, a quartet set with either Hank Jones or Roger Kellaway on piano, bassist Richard Davis, and drummer Osie Johnson. Webster's tone has rarely sounded more beautiful than on "Someone to Watch Over Me" and "Our Love Is Here to Stay." In addition, one song from the same session (but originally released on a sampler) and two tunes featuring Webster on an Oliver Nelson date (More Blues and the Abstract Truth) wrap up this definitive CD.
https://www.allmusic.com/album/see-you-at-the-fair-mw0000093829

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Reseña
por Scott Yanow
La última grabación americana de Ben Webster fue una de sus mejores. A los 55 años, el saxofonista tenor estaba todavía en su mejor momento, pero se consideraba fuera de moda en los Estados Unidos. Pronto se trasladaría definitivamente a Europa, donde era más apreciado. Este CD contiene las nueve selecciones incluidas originalmente en el LP del mismo nombre, un conjunto de cuarteto con Hank Jones o Roger Kellaway al piano, el bajista Richard Davis y el baterista Osie Johnson. El tono de Webster nunca ha sonado más hermoso que en "Someone to Watch Over Me" y "Our Love Is Here to Stay". Además, una canción de la misma sesión (pero publicada originalmente en un sampler) y dos temas con Webster en una fecha de Oliver Nelson (More Blues y The Abstract Truth) completan este CD definitivo.
https://www.allmusic.com/album/see-you-at-the-fair-mw0000093829

 

Phil Woods, Oliver Nelson, Pepper Adams, Osie Johnson, Grady Tate, Roger Kellaway, Hank Jones, Ben Webster, Phil Bodner, Thad Jones.

Ben Webster • King Of The Tenors

 

Clark Terry Sextet feat. Ben Webster • More [Theme From Mondo Cane]

  

Biography
by Scott Yanow
Possessor of the happiest sound in jazz, flügelhornist Clark Terry always played music that was exuberant, swinging, and fun. A brilliant (and very distinctive) soloist, Terry gained fame for his "Mumbles" vocals (which started as a satire of the less intelligible ancient blues singers) and was also an enthusiastic educator. He gained early experience playing trumpet in the viable St. Louis jazz scene of the early '40s (where he was an inspiration for Miles Davis) and, after performing in a Navy band during World War II, he gained a strong reputation playing with the big band of Charlie Barnet (1947-1948), the orchestra and small groups of Count Basie (1948-1951), and particularly with Duke Ellington (1951-1959). Terry, a versatile swing/bop soloist who started specializing on flügelhorn in the mid-'50s, had many features with Ellington (including "Perdido"), and started leading his own record dates during that era. He visited Europe with Harold Arlen's unsuccessful Free & Easy show of 1959-1960 as part of Quincy Jones' Orchestra, and then joined the staff of NBC where he was a regular member of the Tonight Show Orchestra. He recorded regularly in the '60s, including a classic set with the Oscar Peterson Trio and several dates with the quintet he co-led with valve trombonist Bob Brookmeyer. Throughout the '70s, '80s, and '90s, Terry remained a major force, recording and performing in a wide variety of settings, including as the head of his short-lived big band in the mid-'70s, with all-star groups for Pablo, and as a guest artist who provided happiness in every note he played. Terry died on February 21, 2015, at age 94, after an extended battle with diabetes.
https://www.allmusic.com/artist/clark-terry-mn0000133832/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Poseedor del sonido más feliz del jazz, el flügelhornista Clark Terry siempre tocó música exuberante, oscilante y divertida. Un solista brillante (y muy distintivo), Terry ganó fama por sus voces "Mumbles" (que comenzaron como una sátira de los antiguos cantantes de blues menos inteligibles) y también fue un educador entusiasta. Adquirió experiencia temprana tocando la trompeta en el viable St. Louis jazz de principios de los años 40 (donde fue una inspiración para Miles Davis) y, después de tocar en una banda de la Marina durante la Segunda Guerra Mundial, se ganó una sólida reputación tocando con la big band de Charlie Barnet( 1947-1948), la orquesta y pequeños grupos de Count Basie (1948-1951), y particularmente con Duke Ellington (1951-1959). Terry, un versátil solista de swing / bop que comenzó a especializarse en flügelhorn a mediados de los años 50, tuvo muchas características con Ellington (incluido "Perdido") y comenzó a liderar sus propias fechas discográficas durante esa época. Visitó Europa con el fallido espectáculo Free & Easy de Harold Arlen de 1959-1960 como parte de la Orquesta de Quincy Jones, y luego se unió al personal de NBC, donde era miembro habitual de la Orquesta Tonight Show. Grabó regularmente en los años 60, incluido un set clásico con el Trío Oscar Peterson y varias fechas con el quinteto que codirigió con el trombonista de válvulas Bob Brookmeyer. A lo largo de los años 70, 80 y 90, Terry siguió siendo una fuerza importante, grabando y actuando en una amplia variedad de escenarios, incluso como líder de su big band de corta duración a mediados de los 70, con grupos de estrellas para Pablo, y como artista invitado que brindaba felicidad en cada nota que tocaba. Terry murió el 21 de febrero de 2015, a los 94 años, después de una larga batalla contra la diabetes.
https://www.allmusic.com/artist/clark-terry-mn0000133832/biography

Ben Webster &The Modern Jazz Quartet • 1953 An Exceptional Encounter

  

Review
by Ken Dryden
Recorded over two nights at an unnamed club, this rare meeting of Ben Webster and the Modern Jazz Quartet evidently originated from a radio aircheck. In spite of the fact that the audio balance is somewhat inconsistent, the playing by everyone is exemplary throughout both sessions. Webster, whose performances sometimes suffered from his bouts of heavy drinking, seems particularly stimulated by the driving piano of John Lewis and bluesy vibes of Milt Jackson. In addition to the swing standards for which the tenor saxophonist was well known, he tackles Charlie Parker's "Confirmation" and "Billie's Bounce" with equal enthusiasm. Other selections include ballad features such as "Danny Boy" and "The Nearness of You," the latter showcasing Webster's rich, big tone. Romps through "Oh Lady Be Good" and "Cotton Tail" (one of many recordings of this Duke Ellington masterpiece that is forever associated with Webster) are a delight. Unfortunately, the liner notes concentrate on a biography of Webster and provide no explanation as to how this encounter came about.
https://www.allmusic.com/album/1953-an-exceptional-encounter-mw0000000212

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Reseña
por Ken Dryden
Grabado durante dos noches en un club sin nombre, esta rara reunión de Ben Webster y el Modern Jazz Quartet se originó evidentemente a partir de una emisión de radio. A pesar de que el balance de audio es algo inconsistente, la interpretación de todos es ejemplar a lo largo de ambas sesiones. Webster, cuyas interpretaciones a veces se resentían de sus episodios de consumo excesivo de alcohol, parece especialmente estimulado por el piano de John Lewis y las vibraciones de Milt Jackson. Además de los estándares de swing por los que el saxofonista tenor era bien conocido, aborda "Confirmation" de Charlie Parker y "Billie's Bounce" con igual entusiasmo. Otras selecciones incluyen baladas como "Danny Boy" y "The Nearness of You", esta última mostrando el rico y gran tono de Webster. Los paseos por "Oh Lady Be Good" y "Cotton Tail" (una de las muchas grabaciones de esta obra maestra de Duke Ellington que se asocia para siempre con Webster) son una delicia. Lamentablemente, las notas del disco se centran en una biografía de Webster y no explican cómo se produjo este encuentro.
https://www.allmusic.com/album/1953-an-exceptional-encounter-mw0000000212

Duke Ellington • At The Hollywood Empire

 

 

This is the first-time release of live radio broadcasts with the Duke Ellington Orchestra from the Hollywood Empire club in Los Angeles in 1949. This 71-minute/17-tune CD was recorded during a transitional period in Ellington's career, when the swing big bands were dying out and bebop was on the rise, and several of the tunes reflect the new bebop trend. Almost half of the compositions performed on this CD were never again performed by Duke Ellington. On this CD the Ellington Orchestra features Billy Strayhorn, Al Hibbler, Ben Webster, Ray Nance, Harry Carney and Johnny Hodges. As is usually the case with Duke Ellington, this CD deserves repeated listening in order to solve the "mystery" of Ellington's wonderful, complex musical ideas.

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Esta es la primera vez que se publica una emisión de radio en directo con la Duke Ellington Orchestra desde el club Hollywood Empire de Los Ángeles en 1949. Este CD de 71 minutos y 17 melodías se grabó durante un período de transición en la carrera de Ellington, cuando las grandes bandas de swing estaban desapareciendo y el bebop estaba en auge, y varias de las melodías reflejan la nueva tendencia del bebop. Casi la mitad de las composiciones interpretadas en este CD no volvieron a ser interpretadas por Duke Ellington. En este CD la Orquesta de Ellington cuenta con Billy Strayhorn, Al Hibbler, Ben Webster, Ray Nance, Harry Carney y Johnny Hodges. Como suele ocurrir con Duke Ellington, este CD merece ser escuchado repetidamente para resolver el "misterio" de las maravillosas y complejas ideas musicales de Ellington.

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Ben Webster • Ben Webster Meets Don Byas

 

Review
by Ken Dryden  
This early-'70s meeting between two giants of the tenor sax (both of whom by this time were living in Europe on a permanent basis) is full of memorable moments. The styles of Ben Webster and Don Byas provide a distinct contrast (though Byas was also a swing-influenced saxophonist, he was heavily into bop as well), yet they mesh very well together. On their opening improvised "Blues for Dottie Mae," Webster's big-toned swing tends to dominate, though Byas' boppish lines dart around at lightning speeds; Tete Montoliu's bluesy piano provides the perfect support. The roles are evened out a bit more on a swinging take of "Sunday." The evenly matched tenor battle continues with a rousing "Perdido" and very swinging "Caravan." Bassist Peter Trunk introduces Byas' "Lullaby to Dottie Mae," an easygoing reworking of the timeless ballad "Body and Soul," which features a rapid-fire solo by Byas. Webster's turn in the solo spotlight is his own ballad "When Ash Meets Henry," in which he is accompanied only by Trunk's well-chosen basslines. Also present on the date is drummer Albert "Tootie" Heath. Sadly, this LP was a bit of a swan song for both tenor saxophonists; Byas died in the year prior to its 1973 release, while Webster died the following year, though he taped at least one more album following this one.
https://www.allmusic.com/album/ben-meets-don-byas-mw0000188808

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Revisión
por Ken Dryden  
Este encuentro de principios de los 70 entre dos gigantes del saxo tenor (ambos en ese momento vivían en Europa de forma permanente) está lleno de momentos memorables. Los estilos de Ben Webster y Don Byas proporcionan un contraste distinto (aunque Byas también era un saxofonista influenciado por el swing, también estaba muy interesado en el bop), sin embargo, encajan muy bien juntos. En su improvisado "Blues for Dottie Mae" de apertura, el swing de tonos grandes de Webster tiende a dominar, aunque las líneas boppish de Byas se lanzan a la velocidad del rayo; el piano blues de Tete Montoliu proporciona el soporte perfecto. Los papeles se igualan un poco más en una toma oscilante de " Sunday."La batalla de tenor igualada continúa con una entusiasta caravana de" Perdido "y muy oscilante". El bajista Peter Trunk presenta "Lullaby to Dottie Mae" de Byas, una reelaboración tranquila de la balada atemporal "Body and Soul", que presenta un solo rápido de Byas.  El turno de Webster en el centro de atención en solitario es su propia balada "When Ash Meets Henry", en la que está acompañado solo por las líneas de bajo bien elegidas de Trunk. También está presente en la fecha el baterista Albert "Tootie" Heath. Lamentablemente, este LP fue un canto de cisne para ambos saxofonistas tenores; Byas murió el año anterior a su lanzamiento en 1973, mientras que Webster murió al año siguiente, aunque grabó al menos un álbum más después de este.
https://www.allmusic.com/album/ben-meets-don-byas-mw0000188808

Ben Webster • Stormy Weather

 

Review
by Scott Yanow
Recorded around a month after the veteran tenor Ben Webster moved to Europe, this high-quality set with pianist Kenny Drew, bassist Niels Pederson, and drummer Alex Riel features Webster stretching out on the traditional "Londonderry Air," two originals, and seven familiar but fresh standards. Webster, although neglected in the U.S., was still in peak form in the mid-'60s, as this and his other Black Lion sets covering the period show.
https://www.allmusic.com/album/stormy-weather-mw0000206941?1642450570303

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Reseña
por Scott Yanow
Grabado alrededor de un mes después de que el veterano tenor Ben Webster se trasladara a Europa, este conjunto de alta calidad con el pianista Kenny Drew, el bajista Niels Pederson y el baterista Alex Riel presenta a Webster extendiéndose en el tradicional "Londonderry Air", dos originales y siete estándares conocidos pero frescos. Webster, aunque descuidado en Estados Unidos, seguía en plena forma a mediados de los 60, como demuestran este y sus otros sets de Black Lion que cubren el periodo.
https://www.allmusic.com/album/stormy-weather-mw0000206941?1642450570303

Ben Webster • Ben Webster plays Duke Ellington

 

 

Red Norvo • Just A Mood

Vibraphonist Red Norvo was among the most flexible of improvisers from his generation. On this Bluebird CD, Norvo is heard with three very different groups. He interacts with trumpeter Harry "Sweets" Edison, tenor saxophonist Ben Webster and pianist Jimmy Rowles in a swing-oriented sextet; their performances are highlighted by the memorable "Just a Mood." In addition, Norvo plays four songs that have the word "Blue" in their titles with a quintet that is an outgrowth of his trio of a few years earlier (this group consists of flutist Buddy Collette, guitarist Tal Farlow, Monty Budwig or Red Callender on bass and drummer Chico Hamilton) and four "Rose" songs with the who's who of West Coast Jazz: trumpeter Shorty Rogers, clarinetist Jimmy Giuffre, pianist Pete Jolly, Farlow, Callender and drummer Larry Bunker. No matter what the setting, Norvo fits in quite comfortably and the consistent high-quality of the formerly rare music makes this a highly recommended set to bop collectors.

Scott Yanow, All Music Guide

https://www.allmusic.com/album/just-a-mood-mw0000188491

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El vibrafonista Red Norvo fue uno de los improvisadores más flexibles de su generación. En este CD de Bluebird, Norvo se escucha con tres grupos muy diferentes. Interactúa con el trompetista Harry "Sweets" Edison, el saxofonista tenor Ben Webster y el pianista Jimmy Rowles en un sexteto orientado al swing. sus actuaciones se destacan por el memorable "Just a Mood". Además, Norvo toca cuatro canciones que tienen la palabra "Azul" en sus títulos con un quinteto que es una consecuencia de su trío de algunos años antes (este grupo está formado por el flautista Buddy Collette, el guitarrista Tal Farlow, Monty Budwig o Red Callender). en el bajo y el baterista Chico Hamilton) y cuatro canciones "Rose" con quién es quién de West Coast Jazz: el trompetista Shorty Rogers, el clarinetista Jimmy Giuffre, el pianista Pete Jolly, Farlow, Callender y el baterista Larry Bunker. No importa cuál sea la configuración, Norvo se adapta de manera muy cómoda y la alta calidad constante de la música rara vez hace que este sea un conjunto muy recomendable para coleccionistas de bop.

Scott Yanow, toda la guía musical

https://www.allmusic.com/album/just-a-mood-mw0000188491

VA • The Wax Label Sessions

Review

The short-lived label Wax was active during 1947. It was run by bassist Al Hall and usually featured pianist Jimmy Jones. Most of its sessions (all but five numbers by Jones) are reissued on this definitive CD. There are eight piano solos or trio numbers showcasing Jimmy Jones, four by the Al Hall Quintet (with trumpeter Dick Vance in top form along with tenor saxophonist Ben Webster), and various selections with solos by trumpeter Bill Coleman, altoist Otto Hardwick, trombonist Lawrence Brown, altoist Johnny Hodges, and baritonist Harry Carney. The music overall is small-group swing without any real hint of bebop. The performances were formerly quite rare and they have dated well. Since there are not that many selections around from this era featuring Coleman, Hardwick, and Vance, this is a particularly valuable historical release.

by Scott Yanow

https://www.allmusic.com/album/wax-label-sessions-mw0000228540

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Revisar

La etiqueta de corta duración Wax estuvo activa durante 1947. Lo dirigía el bajista Al Hall y solía contar con el pianista Jimmy Jones. La mayoría de sus sesiones (todas menos cinco números de Jones) se reeditan en este CD definitivo. Hay ocho solos de piano o números de trío en los que se muestra a Jimmy Jones, cuatro del Al Hall Quintet (con el trompetista Dick Vance en plena forma junto con el saxofonista tenor Ben Webster), y varias selecciones con solos del trompetista Bill Coleman, el altoista Otto Hardwick, el trombonista Lawrence Brown, el altoista Johnny Hodges y el barítono Harry Carney. La música en general es un pequeño grupo de swing sin ningún indicio real de bebop. Las actuaciones eran antes bastante raras y han salido bien. Como no hay muchas selecciones de esta época con Coleman, Hardwick y Vance, este es un lanzamiento histórico particularmente valioso.

por Scott Yanow

https://www.allmusic.com/album/wax-label-sessions-mw0000228540

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Ben Webster & Oscar Peterson • Ben Webster Meets Oscar Peterson

 

 

Review by Stephen Cook
Another fine Webster release on Verve that sees the tenor great once again backed by the deluxe Oscar Peterson Trio. In keeping with the high standard of their Soulville collaboration of two years prior, Webster and the trio -- Peterson is joined by bassist Ray Brown and drummer Ed Thigpen -- use this 1959 date to conduct a clinic in ballad playing. And while Soulville certainly ranks as one of the tenor saxophonist's best discs, the Ben Webster Meets Oscar Peterson set gets even higher marks for its almost transcendent marriage of after-hours elegance and effortless mid-tempo swing -- none of Webster's boogie-woogie piano work to break up the mood here. Besides reinvigorating such lithe strollers as "Bye Bye Blackbird" (nice bass work by Brown here) and "This Can't Be Love," Webster and company achieve classic status for their interpretation of the Sinatra gem "In the Wee Small Hours of the Morning." And to reassure Peterson fans worried about scant solo time for their hero, the pianist lays down a healthy number of extended runs, unobtrusively shadowing Webster's vaporous tone and supple phrasing along the way. Not only a definite first-disc choice for Webster newcomers, but one of the jazz legend's all-time great records.
https://www.allmusic.com/album/ben-webster-meets-oscar-peterson-mw0000022556

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Reseña de Stephen Cook
Otro buen lanzamiento de Webster en Verve que ve al gran tenor una vez más respaldado por el lujoso Oscar Peterson Trio. Manteniendo el alto nivel de su colaboración en Soulville de los dos años anteriores, Webster y el trío -- Peterson se une al bajista Ray Brown y al baterista Ed Thigpen -- usan esta fecha de 1959 para dirigir una clínica de baladas. Y mientras que Soulville es uno de los mejores discos del saxofonista tenor, el conjunto Ben Webster Meets Oscar Peterson obtiene notas aún más altas por su casi trascendente matrimonio entre la elegancia fuera de horario y el swing de ritmo medio sin esfuerzo - ninguna de las obras de piano de boogie-woogie de Webster para romper el ambiente aquí. Además de revigorizar los cochecitos como "Bye Bye Blackbird" (bonito bajo de Brown) y "This Can't Be Love", Webster y compañía alcanzan el estatus de clásicos por su interpretación de la gema de Sinatra "In the Wee Small Hours of the Morning". Y para tranquilizar a los fans de Peterson preocupados por el escaso tiempo en solitario de su héroe, el pianista hace un buen número de carreras prolongadas, ensombreciendo discretamente el tono vaporoso de Webster y el flexible fraseo a lo largo del camino. No sólo es una elección definitiva para los recién llegados a Webster, sino uno de los grandes discos de la leyenda del jazz de todos los tiempos.
https://www.allmusic.com/album/ben-webster-meets-oscar-peterson-mw0000022556

 

 

 

 

Art Tatum • The Genius of Keyboard

 

Review
by arwulf arwulf  
The Genius of Keyboard is the title of a smart little Art Tatum anthology released in 1998 by the Giants of Jazz label. Perhaps unusually for Giants of Jazz, all 15 tracks come from the same source and were recorded within a relatively short span of time (1954-1956). The Genius of Keyboard is really a cousin to The Best of the Pablo Group Masterpieces, which might tell you that everything on this disc was recorded under the supervision of producer Norman Granz, and that Tatum's gifted session mates include trumpeters Roy Eldridge and Harry "Sweets" Edison, saxophonists Benny Carter and Ben Webster, clarinetist Buddy DeFranco, vibraphonist Lionel Hampton and guitarist Barney Kessel. One of the two bassists on this collection is Red Callender, and three of the five drummers are Louie Bellson, Jo Jones and Buddy Rich. If you are wise or lucky enough to hear this great music, and then find yourself digging it deeply and feeling the need to obtain The Complete Pablo Group Masterpieces, do not doubt your instincts. Nor should you resist the inclination to experience the rest of the music recorded at these remarkable sessions near the end of Tatum's all-too-brief lifetime. This is what jazz is all about.
https://www.allmusic.com/album/the-genius-of-keyboard-mw0000236341

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Revisión
por arwulf arwulf  
The Genius of Keyboard es el título de una pequeña antología inteligente de Art Tatum lanzada en 1998 por el sello Giants of Jazz. Quizás inusualmente para los Gigantes del Jazz, las 15 pistas provienen de la misma fuente y se grabaron en un lapso de tiempo relativamente corto (1954-1956). El Genio del Teclado es realmente primo de las Mejores Obras Maestras del Grupo Pablo, lo que podría decirte que todo en este disco fue grabado bajo la supervisión del productor Norman Granz, y que los talentosos compañeros de sesión de Tatum incluyen a los trompetistas Roy Eldridge y Harry "Sweets" Edison, los saxofonistas Benny Carter y Ben Webster, el clarinetista Buddy DeFranco, el vibrafonista Lionel Hampton y el guitarrista Barney Kessel. Uno de los dos bajistas de esta colección es Red Callender, y tres de los cinco bateristas son Louie Bellson, Jo Jones y Buddy Rich. Si eres lo suficientemente sabio o afortunado como para escuchar esta gran música, y luego te encuentras cavando profundamente y sintiendo la necesidad de obtener las Obras Maestras Completas del Grupo Pablo, no dudes de tus instintos. Tampoco debes resistirte a la inclinación de experimentar el resto de la música grabada en estas notables sesiones cerca del final de la vida demasiado breve de Tatum. De esto se trata el jazz.
https://www.allmusic.com/album/the-genius-of-keyboard-mw0000236341

Bill Harris • Bill Harris And Friends

 

Johnny Hodges • Perdido + Creamy