Buddy Rich • Big Band Shout Buddy Rich & His Orchestra Play Count Basie

 

 

Arguably the greatest jazz drummer of all time, the legendary Buddy Rich exhibited his love for music through the dedication of his life to the art. His was a career that spanned seven decades, beginning when Rich was 18 months old and continuing until his death in 1987. Immensely gifted, Rich could play with remarkable speed and dexterity despite the fact that he never received a formal lesson and refused to practice outside of his performances. Born Bernard Rich to vaudevillians Robert and Bess Rich on September 30, 1917, the famed drummer was introduced to audiences at a very young age. By 1921, he was a seasoned solo performer with his vaudeville act, "Traps the Drum Wonder." With his natural sense of rhythm, Rich performed regularly on Broadway at the age of four. At the peak of Rich's early career, he was the second-highest paid child entertainer in the world. Rich's jazz career began in 1937 when he began playing with Joe Marsala at New York's Hickory House. By 1939, he had joined Tommy Dorsey's band, and he later went on to play with such jazz greats as Dizzy Gillespie, Charlie Ventura, Louis Armstrong and Gene Krupa. Rich was regularly featured in Jazz at the Philharmonic during the late 1940s. He also appeared in such Hollywood films as Symphony of Swing (1939), Ship Ahoy (1942) and How's About It (1943). Throughout the 1960s and 1970s, Rich toured with his own bands and opened two nightclubs, Buddy's Place and Buddy's Place II. Both clubs were regularly filled to capacity by fans of the great master drummer. After opening Buddy's Place II, Rich introduced new tunes with elements of rock into his repertoire, demonstrating his ability to adapt to his audience's changing tastes and establishing himself as a great rock drummer. Known for his caustic humor, Rich was a favorite on several television talk shows including the Tonight Show with Johnny Carson, the Mike Douglas Show, the Dick Cavett Show and the Merv Griffin Show. During these appearances, audiences were entertained by Rich's constant sparring with the hosts and his slights of various pop singers. This famed musician received outstanding recognition throughout his career. The Downbeat Magazine Hall of Fame Award, the Modern Drummer Magazine Hall of Fame Award and the Jazz Unlimited Immortals of Jazz Award are just a few of his numerous honors. Rich gained international attention for such master compositions as his 10-minute West Side Story medley.

During his lengthy career, Rich toured around the globe, performing for millions of fans and several world leaders including the King of Thailand, King Hussein of Jordan the Queen of England, and U.S. presidents Franklin Roosevelt, John F. Kennedy and Ronald Reagan. On April 2, 1987, Rich died of heart failure following surgery for a malignant brain tumor. Longtime friend, Frank Sinatra, spoke a touching eulogy at Rich's funeral. Today, Buddy Rich is remembered as one of history's greatest musicians. According to jazz legend Gene Krupa, Rich was "The greatest drummer ever to have drawn breath."
https://www.allaboutjazz.com/musicians/buddy-rich/

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Posiblemente el mejor batería de jazz de todos los tiempos, el legendario Buddy Rich demostró su amor por la música dedicando su vida a este arte. Su carrera abarcó siete décadas, desde que Rich tenía 18 meses hasta su muerte en 1987. Inmensamente dotado, Rich podía tocar con notable rapidez y destreza a pesar de que nunca recibió una lección formal y se negaba a practicar fuera de sus actuaciones. Nacido Bernard Rich, hijo de los vodeviles Robert y Bess Rich, el 30 de septiembre de 1917, el famoso batería se dio a conocer al público a una edad muy temprana. En 1921, ya era un experimentado solista con su número de vodevil, "Traps the Drum Wonder". Con su sentido natural del ritmo, Rich actuaba regularmente en Broadway a la edad de cuatro años. En el punto álgido de su carrera, fue el segundo artista infantil mejor pagado del mundo. La carrera jazzística de Rich comenzó en 1937, cuando empezó a tocar con Joe Marsala en el Hickory House de Nueva York. En 1939 se unió a la banda de Tommy Dorsey y más tarde tocó con grandes del jazz como Dizzy Gillespie, Charlie Ventura, Louis Armstrong y Gene Krupa. Rich participó regularmente en Jazz at the Philharmonic a finales de la década de 1940. También apareció en películas de Hollywood como Symphony of Swing (1939), Ship Ahoy (1942) y How's About It (1943). Durante las décadas de 1960 y 1970, Rich realizó giras con sus propias bandas y abrió dos clubes nocturnos, Buddy's Place y Buddy's Place II. Ambos clubes se llenaban regularmente de fans del gran maestro de la batería. Tras abrir Buddy's Place II, Rich introdujo en su repertorio nuevas melodías con elementos de rock, demostrando su capacidad para adaptarse a los gustos cambiantes de su público y consagrándose como un gran batería de rock. Conocido por su humor cáustico, Rich fue uno de los favoritos en varios programas de entrevistas de televisión, como el Tonight Show con Johnny Carson, el Mike Douglas Show, el Dick Cavett Show y el Merv Griffin Show. Durante estas apariciones, el público se divertía con las constantes disputas de Rich con los presentadores y sus desprecios a varios cantantes pop. Este afamado músico recibió destacados reconocimientos a lo largo de su carrera. El Premio del Salón de la Fama de la revista Downbeat, el Premio del Salón de la Fama de la revista Modern Drummer y el Premio de los Inmortales del Jazz de Jazz Unlimited son sólo algunos de sus numerosos honores. Rich se ganó la atención internacional por composiciones maestras como su popurrí de 10 minutos de West Side Story.

Durante su larga carrera, Rich realizó giras por todo el mundo, actuando para millones de fans y varios líderes mundiales, entre ellos el Rey de Tailandia, el Rey Hussein de Jordania, la Reina de Inglaterra y los presidentes estadounidenses Franklin Roosevelt, John F. Kennedy y Ronald Reagan. El 2 de abril de 1987, Rich murió de un fallo cardíaco tras una operación por un tumor cerebral maligno. Su viejo amigo Frank Sinatra pronunció un emotivo elogio en el funeral de Rich. Hoy, Buddy Rich es recordado como uno de los mejores músicos de la historia. Según la leyenda del jazz Gene Krupa, Rich era "El mejor batería que jamás haya exhalado aliento".
https://www.allaboutjazz.com/musicians/buddy-rich/

Stanley Wilson • Music From M Squad

Music based on excerpts from the Soundtrack of The NBC-TV series of "M Squad" starring Lee Marvin.

 

 

 

Leith Stevens • Private Hell 36

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
Stevens utilized trumpeter Shorty Rogers and an all-star group of West Coast jazz musicians for atmospheric music in the Ida Lupino film Private Hell 36, which also uses Rogers and the West Coast all-stars. Lupino herself takes the vocal on "Didn't You Know." Stevens' use of progressive jazz created an innovation in film-music history and Stevens was very particular about choosing the right jazz musicians to work on his scores. For these movies he used the interpretative skill of the outstanding young trumpeter and conductor Shorty Rogers. Shorty's collaboration with Stevens in scoring films produced some of the most exciting background music of the time. While soundtracks are generally not complete when heard apart from the film, this historic project works pretty well and will be enjoyed by fans of 1950s West Coast jazz.
https://www.allmusic.com/album/the-wild-one-private-hell-original-soundtracks-mw0000357263

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
Stevens utilizó al trompetista Shorty Rogers y un grupo estelar de músicos de jazz de la Costa Oeste para música atmosférica en la película de Ida Lupino Private Hell 36, que también usa a Rogers y las estrellas de la Costa Oeste. La propia Lupino toma la vocal en "Didn't You Know." El uso de jazz progresivo por parte de Stevens creó una innovación en la historia de la música cinematográfica y Stevens era muy particular al elegir a los músicos de jazz adecuados para trabajar en sus partituras. Para estas películas utilizó la habilidad interpretativa del destacado joven trompetista y director Shorty Rogers. La colaboración de Shorty con Stevens en la composición de películas produjo parte de la música de fondo más emocionante de la época. Aunque las bandas sonoras generalmente no están completas cuando se escuchan aparte de la película, este proyecto histórico funciona bastante bien y será disfrutado por los fanáticos del jazz de la Costa Oeste de los años 50.
https://www.allmusic.com/album/the-wild-one-private-hell-original-soundtracks-mw0000357263

João Donato • A Bad Donato

 

 

 

Biography by Alvaro Neder
João Donato started his recording career at 15, already a challenging task in an association with a great master, Altamiro Carrilho. He also recorded with Bud Schank, Ron Carter, Airto Moreira, Elmir Deodato, Randy Brecker, Ray Barretto, Mongo Santamaria, Tito Puente, Astrud Gilberto, Cal Tjader, and several others, along with many important Brazilian musicians, including Johnny Alf and Tom Jobim. His solo career is registered with 29 albums recorded since 1953. A major figure as a musician and arranger in the bossa nova movement, he is profoundly influential, having inspired generations of players. João Gilberto confessed to have taken his bossa nova beat at the violão from Donato's piano playing. He is generally perceived as a crazy and detached genius; maybe he is a little of each.

He started making music very early and soon he was already animating dance parties with his accordion. His first music notions were given by a sergeant of Acre's Military Band. At 11, he moved to Rio and studied piano with professor Werther. At 15, he was already a professional accordion musician, playing at suburban balls. His first recording dates back from that period, a 78 rpm for the Star label with Altamiro Carrilho e Seu Regional, although the label omits Donato's credits. He also performed, at that time, continuing for nine years, at the jam sessions of the seminal amateur jazz circle Sinatra-Farney Fan Club in Rio, which gathered people who would be important jazz musicians, producers, and journalists in Brazil. At 17, he was hired by Rádio Guanabara as a sideman on the Zé do Norte show, working there for two years. In 1952, he was hired by the great violinist Fafá Lemos to play in his group, which was performing at the Monte Carlo nightclub. He also played at several other nightclubs which brought together Rio's good musicians, at places such as Sacha's, Drink's, Bon Gourmet, and, most importantly, Plaza, where bossa nova was born. His first solo album, a 78 rpm for Sinter, was entitled João Donato e seu Conjunto, and was released in April 1953, containing "Tenderly" and "Invitation." In May of that year, he recorded, under the same title, another 78 rpm for the same label. In July, he recorded with the vocal and instrumental group Os Namorados for a 78 rpm with the songs "Eu Quero Um Samba" (Haroldo Barbosa/Janet de Almeida), later recorded solo by João Gilberto, and "Três Ave-Marias" (Hanibal Cruz). He also recorded two other albums with Os Namorados, always for Sinter, in October 1953 and January 1954. The group Os Namorados was the same as Os Namorados da Lua, without Lúcio Alves. When Alves departed for a solo career, he prohibited his old bandmates from using the old name, as he wanted to reserve it for future projects. Donato also worked for the Garotos da Lua vocal group. They were hired by Rádio Tupi. Donato was the group's pianist and arranger and João Gilberto joined them in 1949, subbing for crooner Jonas Silva. Their strong friendship began before they even met: before leaving Bahia, someone said to João Gilberto that he was going to meet a guy "exactly like him." At the same time, Donato was told that the forthcoming crooner was very much alike him. When they met, they only said to each other "That's true!," leaving bystanders to wonder what was going on. Numerous eccentric anecdotes of both idiosyncratic musicians date from that period. Later, they would move to Luiz Teles' (from the Quitandinha Serenaders group) apartment, and live there for a while. Gilberto recorded two albums with the Garotos da Lua in July and November 1951. Soon after, Gilberto was fired from the group by Rádio Tupi's artistic direction as "too bad a crooner." In 1954, Donato recorded another 78 rpm for Sinter. In 1956, in spite of hating the cold weather of the city of São Paulo, Donato moved there, joining the group Os Copacabanas and the Luís César Orchestra, alongside his own group. He recorded another solo album, now with this group, for Odeon in March 1956. In the same year and on the same label, he recorded Chá Dançante, produced by Tom Jobim. In 1958, he composed his first hit, "Minha Saudade," with Gilberto. At that time, Donato was playing at the Copacabana Palace with the orchestra of Copinha (fined every two days for being late everyday), and Gilberto used to go there often to chat with Donato during the orchestra's breaks (when Dick Farney's group performed). Donato said in an interview in the '70s that Gilberto confessed to him that he, Donato, was the inspirer of Gilberto's bossa nova beat at the violão. Maestro Gaya also said that. Also in 1958, he recorded on his LP Dance Conosco (Copacabana) two partnerships with Gilberto: the mambo "Mambinho" and the samba "Minha Saudade."

In 1959, he was being rejected by all nightclubs. Ahead of its time, his modern swinging piano was too strong rhythmically and excessively difficult to follow by other musicians, and customers complained about it as not danceable. He ran out of gigs and used to ask all nightclubs' owners to play for free, just to be available for anyone interested. Even then, he was only allowed to play after 4:00 a.m., when most customers were gone. His situation was so bad, he decided to move away from Brazil. His friend Nanai, having toured Mexico with the great singer Elizete Cardoso, settled in the U.S. and telegraphed Donato, inviting him to a two-week season there. Donato went and ended up residing in the U.S. for 14 years. Very requested by Latin artists, he recorded Arriba! for Mongo Santamaria (Fantasy 1961), Vaya Puente for Tito Puente (Philips 1962), At the Black Hawk for Santamaria (Fantasy 1962), The Astrud Gilberto Album for Astrud Gilberto (Elenco 1964, released in the U.S. through Verve, Silver Collection 1991), Shadow of Your Smile for Astrud Gilberto (Verve 1965), Brazil! Brazil! Brazil! for Bud Shank (World Pacific 1967), Solar Heat for Cal Tjader (Skye 1968), and Prophet for Cal Tjader (Verve 1969). Given the long years they worked together in Rio, and also that they were longtime friends, Donato and Brazilian drummer Milton Banana developed a rare symbiosis, each one rhythmically complementing the other's ideas. Banana was the first musician to develop a proper bossa nova drum beat, with brushes over a cloth and stick at the snare's rim. His sound was so distinctive that it was copied by many musicians and most bossa nova recordings bring that drum sound. After the historic concert at Carnegie Hall, in which Donato didn't participate, Donato and Milton Banana accompanied Gilberto on a tour through Italy, where they worked for six weeks. In spite of being harassed by more people interested in contracting him than he could handle, Gilberto alleged a pain in his finger which impeded him of playing, and they stopped everything to wait for his recovery. Believing that only one person in the world could cure him, Gilberto went to Paris, France, to meet Dr. Zapalla, who had been Brazilian soccer player Pelé's acupuncturist. After four weeks waiting in vain and not receiving any money, Donato and Milton departed from Europe. Donato came back to Brazil. In 1962, Polydor recorded the LP Muito à Vontade, with his compositions. This LP was reissued later by Polyfar and in CD format by Pacific Jazz Japan. At the same time, he recorded through Polydor A Bossa Muito Moderna de Donato e seu Trio and it was released the next year. He just finished the two albums and returned to the U.S. In 1965, with Brazilian violonista/composer/singer Rosinha de Valença, he recorded for Bud Schank Bud Shank & His Brazilian Friends for Elenco, also reissued by Polydor and Toshiba EMI Japan. In the same year, he recorded for RCA Victor USA Piano of Joao Donato -- The New Sound of Brasil. His compositions "Amazonas" (recorded by Chris Montez), "A Rã," and "Caranguejo" (both recorded by Sérgio Mendes), all were big hits, receiving other interpretations by several artists. In 1969, he recorded for Muse (which released it in 1973) Donato/Deodato, a classic album where Latin jazz meets bossa nova. It was followed by A Bad Donato (Blue Thumb 1970) with Ron Carter. Returning to Brazil in 1972, the next year he recorded for Odeon Quem é Quem. In 1974, he directed Gal Costa's show Cantar, recorded live and released with Costa singing a couple of Donato's songs, one with Caetano Veloso. In 1975, Donato recorded Lugar Comum for Philips and in 1986, his live show at the People's nightclub was released by Elektra Musician as Leilíadas. In 1996, he recorded for Odeon Coisas tão Simples and in 1997, Café com Pão -- João Donato & Eloir de Morais with the Brazilian drummer. He also composed, together with Gilberto Gil, "Lugar Comum" (1974), "Bananeira," "Emoriô," and "Tudo Tem" (all in 1975).
https://www.allmusic.com/artist/jo%C3%A3o-donato-mn0000118493/biography

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Biografía de Alvaro Neder
João Donato comenzó su carrera discográfica a los 15 años, ya una tarea difícil en una asociación con un gran maestro, Altamiro Carrilho. También grabó con Bud Schank, Ron Carter, Airto Moreira, Elmir Deodato, Randy Brecker, Ray Barretto, Mongo Santamaria, Tito Puente, Astrud Gilberto, Cal Tjader, y varios otros, junto con muchos importantes músicos brasileños, incluyendo Johnny Alf y Tom Jobim. Su carrera en solitario está registrada con 29 álbumes grabados desde 1953. Figura importante como músico y arreglista en el movimiento de la bossa nova, es profundamente influyente, habiendo inspirado a generaciones de músicos. João Gilberto confesó haber tomado el ritmo de la bossa nova en el violón del piano de Donato. Generalmente se le percibe como un genio loco y desapegado; tal vez sea un poco de cada uno.

Empezó a hacer música muy temprano y pronto ya estaba animando fiestas de baile con su acordeón. Sus primeras nociones musicales fueron dadas por un sargento de la Banda Militar de Acre. A los 11 años, se mudó a Río y estudió piano con el profesor Werther. A los 15, ya era un músico profesional de acordeón, tocando en los bailes de los suburbios. Su primera grabación se remonta a ese período, a 78 rpm para el sello Star con Altamiro Carrilho e Seu Regional, aunque el sello omite los créditos de Donato. También actuó, en ese momento, continuando durante nueve años, en las jam sessions del seminal círculo de jazz amateur Sinatra-Farney Fan Club en Río, que reunió a personas que serían importantes músicos de jazz, productores y periodistas en Brasil. A los 17 años, fue contratado por la Rádio Guanabara como sideman en el show de Zé do Norte, trabajando allí durante dos años. En 1952, fue contratado por el gran violinista Fafá Lemos para tocar en su grupo, que se presentaba en el club nocturno de Monte Carlo. También tocó en otros clubes nocturnos que reunían a los buenos músicos de Río, en lugares como Sacha's, Drink's, Bon Gourmet, y, lo más importante, Plaza, donde nació la bossa nova. Su primer álbum en solitario, a 78 rpm para Sinter, se tituló João Donato e seu Conjunto, y fue lanzado en abril de 1953, conteniendo "Tenderly" e "Invitation". En mayo de ese año, grabó, bajo el mismo título, otras 78 rpm para el mismo sello. En julio, grabó con el grupo vocal e instrumental Os Namorados para un 78 rpm con las canciones "Eu Quero Um Samba" (Haroldo Barbosa/Janet de Almeida), más tarde grabada en solitario por João Gilberto, y "Três Ave-Marias" (Hanibal Cruz). También grabó otros dos álbumes con Os Namorados, siempre para Sinter, en octubre de 1953 y enero de 1954. El grupo Os Namorados era el mismo que Os Namorados da Lua, sin Lúcio Alves. Cuando Alves partió para una carrera en solitario, prohibió a sus antiguos compañeros de banda utilizar el antiguo nombre, ya que quería reservarlo para futuros proyectos. Donato también trabajó para el grupo vocal Garotos da Lua. Fueron contratados por Rádio Tupi. Donato era el pianista y arreglista del grupo y João Gilberto se unió a ellos en 1949, sustituyendo al cantante Jonas Silva. Su fuerte amistad comenzó antes de que se conocieran: antes de dejar Bahía, alguien le dijo a João Gilberto que iba a conocer a un tipo "exactamente como él". Al mismo tiempo, le dijeron a Donato que el próximo cantante se parecía mucho a él. Cuando se encontraron, sólo se dijeron "¡Es verdad!", dejando a los transeúntes con la duda de qué estaba pasando. Numerosas anécdotas excéntricas de ambos músicos idiosincrásicos datan de ese período. Más tarde, se mudarían al apartamento de Luiz Teles (del grupo Quitandinha Serenaders), y vivirían allí por un tiempo. Gilberto grabó dos álbumes con los Garotos da Lua en julio y noviembre de 1951. Poco después, Gilberto fue despedido del grupo por la dirección artística de Rádio Tupi como "un cantante muy malo". En 1954, Donato grabó otros 78 rpm para Sinter. En 1956, a pesar de odiar el frío de la ciudad de São Paulo, Donato se mudó allí, uniéndose al grupo Os Copacabanas y a la Orquesta Luís César, junto a su propio grupo. Grabó otro álbum en solitario, ahora con este grupo, para Odeon en marzo de 1956. En el mismo año y en la misma discográfica, grabó Chá Dançante, producido por Tom Jobim. En 1958, compuso su primer éxito, "Minha Saudade", con Gilberto. En esa época, Donato tocaba en el Palacio de Copacabana con la orquesta de la Copinha (multado cada dos días por llegar tarde todos los días), y Gilberto solía ir allí a menudo para charlar con Donato durante los descansos de la orquesta (cuando actuaba el grupo de Dick Farney). Donato dijo en una entrevista en los años 70 que Gilberto le confesó que él, Donato, fue el inspirador del ritmo de bossa nova de Gilberto en el violón. El Maestro Gaya también dijo eso. También en 1958, grabó en su LP Dance Conosco (Copacabana) dos colaboraciones con Gilberto: el mambo "Mambinho" y la samba "Minha Saudade".

En 1959, fue rechazado por todos los clubes nocturnos. Adelantado a su tiempo, su moderno piano de swing era demasiado fuerte rítmicamente y excesivamente difícil de seguir por otros músicos, y los clientes se quejaban de que no era bailable. Se le acabaron los conciertos y solía pedir a los dueños de los clubes nocturnos que tocaran gratis, para que estuvieran disponibles para todos los interesados. Incluso entonces, sólo se le permitía tocar después de las 4 de la mañana, cuando la mayoría de los clientes se habían ido. Su situación era tan mala que decidió mudarse de Brasil. Su amigo Nanai, después de haber hecho una gira por México con la gran cantante Elizete Cardoso, se instaló en Estados Unidos y telegrafió a Donato, invitándolo a una temporada de dos semanas allí. Donato fue y terminó residiendo en los EE.UU. durante 14 años. Muy solicitado por los artistas latinos, grabó Arriba! para Mongo Santamaría (Fantasía 1961), Vaya Puente para Tito Puente (Philips 1962), At the Black Hawk para Santamaría (Fantasía 1962), The Astrud Gilberto Album para Astrud Gilberto (Elenco 1964, lanzado en los EE.UU. a través de Verve, Silver Collection 1991), Shadow of Your Smile para Astrud Gilberto (Verve 1965), Brazil! ¡Brasil! ¡Brasil! para Bud Shank (World Pacific 1967), Solar Heat para Cal Tjader (Skye 1968), y Prophet para Cal Tjader (Verve 1969). Dados los largos años que trabajaron juntos en Río, y también que eran amigos desde hace mucho tiempo, Donato y el baterista brasileño Milton Banana desarrollaron una rara simbiosis, cada uno complementando rítmicamente las ideas del otro. Banana fue el primer músico en desarrollar un ritmo adecuado de tambor de bossa nova, con pinceles sobre un paño y palo en el borde de la caja. Su sonido era tan distintivo que fue copiado por muchos músicos y la mayoría de las grabaciones de bossa nova traen ese sonido de tambor. Después del histórico concierto en el Carnegie Hall, en el que Donato no participó, Donato y Milton Banana acompañaron a Gilberto en una gira por Italia, donde trabajaron durante seis semanas. A pesar de ser acosado por más gente interesada en contratarlo de la que podía manejar, Gilberto alegó un dolor en el dedo que le impedía tocar, y pararon todo para esperar su recuperación. Creyendo que sólo una persona en el mundo podía curarlo, Gilberto fue a París, Francia, para conocer al Dr. Zapalla, que había sido el acupuntor del futbolista brasileño Pelé. Después de cuatro semanas de espera en vano y sin recibir dinero, Donato y Milton partieron de Europa. Donato volvió a Brasil. En 1962, Polydor grabó el LP Muito à Vontade, con sus composiciones. Este LP fue reeditado más tarde por Polyfar y en formato CD por Pacific Jazz Japan. Al mismo tiempo, grabó a través de Polydor A Bossa Muito Moderna de Donato e seu Trio y fue lanzado al año siguiente. Acaba de terminar los dos álbumes y regresó a los EE.UU. En 1965, con la violonista/compositora/cantante brasileña Rosinha de Valença, grabó para Bud Schank Bud Shank & His Brazilian Friends para Elenco, también reeditado por Polydor y Toshiba EMI Japón. En el mismo año, grabó para RCA Victor USA Piano de Joao Donato -- The New Sound of Brasil. Sus composiciones "Amazonas" (grabada por Chris Montez), "A Rã" y "Caranguejo" (ambas grabadas por Sérgio Mendes), todas fueron grandes éxitos, recibiendo otras interpretaciones de varios artistas. En 1969, grabó para Muse (que lo lanzó en 1973) Donato/Deodato, un álbum clásico donde el jazz latino se encuentra con la bossa nova. Le siguió A Bad Donato (Blue Thumb 1970) con Ron Carter. Volvió a Brasil en 1972, y al año siguiente grabó para Odeon Quem é Quem. En 1974, dirigió el espectáculo Cantar de Gal Costa, grabado en vivo y lanzado con Costa cantando un par de canciones de Donato, una de ellas con Caetano Veloso. En 1975, Donato grabó Lugar Comum para Philips y en 1986, su espectáculo en vivo en la discoteca People fue lanzado por Elektra Musician como Leilíadas. En 1996, grabó para Odeon Coisas tão Simples y en 1997, Café com Pão -- João Donato & Eloir de Morais con el baterista brasileño. También compuso, junto con Gilberto Gil, "Lugar Comum" (1974), "Bananeira", "Emoriô" y "Tudo Tem" (todos en 1975).
https://www.allmusic.com/artist/jo%C3%A3o-donato-mn0000118493/biography
 

Heinie Beau ⁄ Milt Bernhart • Rare and Obscure Jazz Albums Moviesville Jazz the Sound of Bernhart

 

Review from Fresh Sound Records / Rare and Obscure Jazz Albums (liner notes by Jordi Pujol):
Heinie Beau (1911-1987) was not only a fine instrumentalist on clarinet, alto sax and flute, but also one of Hollywood's finest independent arrangers, working for Tommy Dorsey, Red Nichols, Axel Stordahl, Paul Weston, Peggy Lee, and others, as well as contributing to major TV, radio and motion picture scores. "Moviesville Jazz" is mood music in the jazz idiom, with each track loaded with excellent solos by top Hollywood studio musicians, held together by Beau's compositions and orchestrations. Milt Bernhart (1926-2004) came up through the bands of Boyd Raeburn, Buddy Franklin, Jimmy James, Teddy Powell and ultimately Stan Kenton. After leaving Kenton, he devoted himself entirely to Hollywood studio work. "The Sound of Bernhart" features five different groups playing mostly standards plus two originals, with arrangements by Calvin Jackson and Fred Katz, ranging from lusty jazz blowing to trombone paired with classically scored cellos. An out-and-out tour de force offering great variety, musical interest and wonderful changes of pace.
https://www.freshsoundrecords.com/heinie-beau-milt-bernhart-albums/54010-moviesville-jazz-the-sound-of-bernhart-2-lp-on-1-cd.html

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Reseña de Fresh Sound Records / Rare and Obscure Jazz Albums (notas de Jordi Pujol):
Heinie Beau (1911-1987) era no solo un fino instrumentista en clarinete, saxo alto y flauta, sino también uno de los mejores arreglistas independientes de Hollywood, trabajando para Tommy Dorsey, Red Nichols, Axel Stordahl, Paul Weston, Peggy Lee y otros, además de contribuir a programas de televisión, radio y cine. "Moviesville Jazz" es música de ambientación en el idioma jazzístico, con cada tema repleto de excelentes solos de los mejores músicos de estudio de Hollywood, cohesionados por las composiciones y orquestaciones de Beau. Milt Bernhart (1926-2004) creció musicalmente en las bandas de Boyd Raeburn, Buddy Franklin, Jimmy James, Teddy Powell y finalmente Stan Kenton. Tras dejar a Kenton, se dedicó por completo al trabajo de estudio en Hollywood. "The Sound of Bernhart" presenta cinco grupos distintos tocando principalmente standards más dos originales, con arreglos de Calvin Jackson y Fred Katz, que van desde el jazz más vivaz hasta el trombón acompañado de violonchelos con escritura de influencia clásica. Un álbum sin concesiones que ofrece gran variedad, interés musical y maravillosos cambios de registro.
https://www.freshsoundrecords.com/heinie-beau-milt-bernhart-albums/54010-moviesville-jazz-the-sound-of-bernhart-2-lp-on-1-cd.html

Pete Rugolo • Ten Trumpets & Two Guitars

 

Review by arwulf arwulf
A sequel to his cool, carefully mannered Mercury Perfect Presence Sound album Ten Trombones Like Two Pianos, Pete Rugolo's Ten Trumpets and Two Guitars showcases a skilled team of brass players who juggle trumpets and flugelhorns backed by a solid rhythm section featuring guitarists Howard Roberts and Al Viola. Although some of Rugolo's arrangements contain squirrel-like passages, most of the textures encountered here are characteristically cool and firmly rooted in traditional jazz. Rugolo invokes various trumpeters including Henry Busse ("Hot Lips"); Louis Armstrong ("Struttin' with Some Barbecue"); Clyde McCoy ("Sugar Blues") and Cootie Williams ("Echoes of Harlem"). In a friendly spirit of modernistic playfulness, the old time melody "Whispering" is revealed as the root of Dizzy Gillespie's "Groovin' High." The last two tracks feature only the guitarists accompanied by vibraphone and rhythm. This intriguing music was reissued on compact disc in 2007 by the Fresh Sound label as part of Rugolo's Exploring New Sounds.
https://www.allmusic.com/album/ten-trumpets-and-two-guitars-mw0001591149

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Revisión por arwulf arwulf
Una secuela de su genial y cuidadoso álbum Mercury Perfect Presence Sound Ten Trombones Like Two Pianos, Pete Rugolo's Ten Trumpets and Two Guitars muestra un hábil equipo de metales que hacen malabarismos con trompetas y fliscorno, respaldados por una sólida sección rítmica con los guitarristas Howard Roberts y Al Viola. Aunque algunos de los arreglos de Rugolo contienen pasajes como de ardilla, la mayoría de las texturas que se encuentran aquí son característicamente frescas y están firmemente arraigadas en el jazz tradicional. Rugolo invoca a varios trompetistas, entre ellos Henry Busse ("Labios Ardientes"); Louis Armstrong ("Pavonearse con algo de barbacoa"); Clyde McCoy ("Blues de Azúcar") y Cootie Williams ("Ecos de Harlem"). En un amistoso espíritu de juego modernista, la vieja melodía "Whispering" se revela como la raíz de "Groovin' High" de Dizzy Gillespie. En las dos últimas pistas sólo aparecen los guitarristas acompañados de vibráfono y ritmo. Esta intrigante música fue reeditada en disco compacto en 2007 por el sello Fresh Sound como parte de "Exploring New Sounds" de Rugolo.
https://www.allmusic.com/album/ten-trumpets-and-two-guitars-mw0001591149

  

West Coast All Stars • TV Jazz Themes

 

Charlie Barnet • Lonely Street

This release contains the complete Charlie Barnet LP Lonely Street plus all of the LP Dancing Party with the exception of two tracks.

Henry Mancini • The Blues and The Beat

 

Artist Biography

Composer/conductor/arranger Henry Mancini was one of the most versatile talents in music. The Mancini name, synonymous not only with great motion picture and television music, but with fine recordings and international concert performances as well. He was nominated for an unprecedented 72 Grammys and won 20 awards. He was nominated for 18 Academy Awards and won four Oscars. He was also awarded with the Golden Globe Award and nominated for two Emmy Awards.

Whether it be a complete score or a featured song, Mancini lent his talents to many memorable films including Victor/Victoria, The Glass Menagerie, The Pink Panther, 10 Darling Lilli, Arabesque, Charade, Days of Wine and Roses, Hatari and Breakfast at Tiffany's.

He also wrote for a number of television films including “The Thorn Birds,” and “The Shadow Box,” as well as television themes including “Peter Gunn,” “Mr. Lucky,” “NBC News Election Night Coverage,” “Newhart,” “Remington Steele,” and “Hotel.”

Mancini recorded over 90 albums which styles varying from big band to jazz to classical to pops, eight of which were certified gold by the Recording Industry Association of America.

Mancini was a much-in-demand concert performer, conducting over fifty engagements per year. Among the symphony orchestras he conducted are the London Symphony, the Israel Philharmonic, the Boston Pops, the Los Angeles Philharmonic and the Royal Philharmonic Orchestra. He appeared in 1966, 1980, and 1984 in command performances for the Royal Family.

Born in Cleveland, Ohio in 1924 he was introduced to music and the flute by his father, an avid flutist, at the age of eight. At age twelve, he took up piano and within a few years became interested in arranging. After graduation from high school in 1942, Mancini enrolled in New York's famous Juilliard School of Music but his studies were interrupted by a service draft call in 1943 where he served overseas in the Air Force and later in the infantry.

Following his release from the Armed Forces in 1946, Mancini joined the Glenn Miller-Tex Beneke orchestra as a pianist/arranger. It was here that he met the future Mrs. Mancini, Ginny O'Conner, who was one of the original members of Mel Torme's “Mel-tones.” They were married in Hollywood in 1947.

In 1952 Mancini joined the Universal International Studios music department. During the next six years he contributed to over 100 films, most notably The Glenn Miller Story (for which he received his first Academy Award nomination), The Benny Goodman Story and Orson Welles' Touch of Evil.

Mancini left Universal-International to work as an independent composer/arranger in 1958. Soon after, he scored the television series “Peter Gunn” for writer/producer/director Blake Edwards, the genesis of a relationship, which lasted over thirty years and produced twenty-six films.

Mancini collaborated with a number of noted artists. Among those joint projects were “Momma,” with Luciano Pavarotti, who was number one on the classical album charts, and “In the Pink,” with flautist James Galway, which sparkled a popular Mancini/Galway concert tour in 1985. In 1986 Henry Mancini and Johnny Mathis teamed up for a tribute to the silver screen, “Mancini and Mathis-The Hollywood Musicals.”

Mancini received four honorary doctorate degrees: an Honorary Doctor of Music from Duquesne University in Pennsylvania, an Honorary Doctor of Humane Letters from Mount Saint Mary's College in Maryland, an Honorary Doctor of Humanities from Washington and Jefferson College in Pennsylvania and an Honorary Doctorate from the California Institute for the Arts in Valencia. His deep love of music and support of young musicians is evident in the scholarships and fellowships he established at top music schools. Many of tomorrow's composers, conductors and arrangers have benefited from Mancini's programs at Juilliard School of Music, and on the West Coast at UCLA and USC, and at the American Federation of Music's “Congress of Strings.”

Henry Mancini authored two books: “Sound and Scores-A Practical Guide to Professional Orchestration,” which can be found on the shelf of virtually every serious student of music; and the autobiography, “Did They Mention Music?”

Henry Mancini passed away in 1994, but his musical legacy still survives and will influence many generations to come.

https://musicians.allaboutjazz.com/henrymancini

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Biografía del artista
El compositor, director de orquesta y arreglista Henry Mancini fue uno de los talentos más versátiles de la música. El nombre Mancini, sinónimo no sólo de una gran música para cine y televisión, sino también de buenas grabaciones y conciertos internacionales. Fue nominado a 72 Grammy y ganó 20 premios. Fue nominado para 18 premios de la Academia y ganó cuatro Oscars. También fue galardonado con el Globo de Oro y nominado a dos premios Emmy.

Ya sea una partitura completa o una canción destacada, Mancini prestó sus talentos a muchas películas memorables como Victor/Victoria, The Glass Menagerie, The Pink Panther, 10 Darling Lilli, Arabesque, Charade, Days of Wine and Roses, Hatari y Breakfast at Tiffany's.

También escribió para varias películas de televisión, incluyendo "The Thorn Birds" y "The Shadow Box", así como temas de televisión como "Peter Gunn", "Mr. Lucky", "NBC News Election Night Coverage", "Newhart", "Remington Steele" y "Hotel".

Mancini grabó más de 90 álbumes cuyos estilos varían de big band a jazz a clásicos y pops, ocho de los cuales fueron certificados de oro por la Recording Industry Association of America.

Mancini era un intérprete de conciertos muy solicitado, dirigiendo más de cincuenta conciertos al año. Entre las orquestas sinfónicas que dirigió se encuentran la London Symphony, la Israel Philharmonic, la Boston Pops, la Los Angeles Philharmonic y la Royal Philharmonic Orchestra. Apareció en 1966, 1980 y 1984 en funciones de mando para la Familia Real.

Nacido en Cleveland, Ohio en 1924, su padre, un ávido flautista, le introdujo a la música y la flauta a la edad de ocho años. A los doce años se dedicó al piano y en pocos años se interesó por los arreglos. Después de graduarse de la escuela secundaria en 1942, Mancini se matriculó en la famosa Juilliard School of Music de Nueva York, pero sus estudios fueron interrumpidos por una llamada de servicio en 1943, donde sirvió en el extranjero en la Fuerza Aérea y más tarde en la infantería.

Tras su liberación de las Fuerzas Armadas en 1946, Mancini se unió a la orquesta de Glenn Miller-Tex Beneke como pianista/arreglista. Fue aquí donde conoció a la futura Sra. Mancini, Ginny O'Conner, que fue uno de los miembros originales de "Mel-tones" de Mel Torme. Se casaron en Hollywood en 1947.

En 1952 Mancini se unió al departamento de música de Universal International Studios. Durante los siguientes seis años contribuyó a más de 100 películas, entre las que destacan La historia de Glenn Miller (por la que recibió su primera nominación al Oscar), La historia de Benny Goodman y El toque de maldad de Orson Welles.

Mancini dejó Universal-International para trabajar como compositor/arreglador independiente en 1958. Poco después, realizó la serie de televisión "Peter Gunn" para el escritor/productor/director Blake Edwards, la génesis de una relación que duró más de treinta años y produjo veintiséis películas.

Mancini colaboró con varios artistas de renombre. Entre esos proyectos conjuntos estaban "Momma", con Luciano Pavarotti, que era el número uno en las listas de éxitos de los álbumes clásicos, y "In the Pink", con el flautista James Galway, que hizo brillar una popular gira de conciertos de Mancini/Galway en 1985. En 1986 Henry Mancini y Johnny Mathis se unieron para rendir homenaje a la pantalla grande, "Mancini and Mathis-The Hollywood Musicals".

Mancini recibió cuatro títulos de doctor honoris causa: un Doctor Honoris Causa en Música de la Universidad de Duquesne en Pennsylvania, un Doctor Honoris Causa en Letras Humanas del Mount Saint Mary's College en Maryland, un Doctor Honoris Causa en Humanidades del Washington and Jefferson College en Pennsylvania y un Doctor Honoris Causa del California Institute for the Arts en Valencia. Su profundo amor por la música y el apoyo a los jóvenes músicos es evidente en las becas que estableció en las mejores escuelas de música. Muchos de los compositores, directores y arreglistas del mañana se han beneficiado de los programas de Mancini en Juilliard School of Music, y en la Costa Oeste en UCLA y USC, y en el "Congreso de Cuerdas" de la Federación Americana de Música.

Henry Mancini es autor de dos libros: "Sound and Scores-A Practical Guide to Professional Orchestration" (Sonido y partituras: guía práctica para la orquestación profesional), que se encuentra en el estante de prácticamente todos los estudiantes serios de música; y la autobiografía "Did They Mention Music?

Henry Mancini falleció en 1994, pero su legado musical aún sobrevive e influirá en muchas generaciones venideras.
https://musicians.allaboutjazz.com/henrymancini

 

www.henrymancini.com ...

 

Don Swan • Hot Cha Cha

 

El nombre de Don Swan ha sido sinónimo de música latinoamericana durante muchos años. Sus arreglos han provocado la popularidad de figuras como Xavier Cugat, Desi Arnaz y Pérez Prado.

Don Swan es casi tan latinoamericano como un wienerschnitzel. Nació en Wisconsin de origen alemán. Pero a pesar de su falta de sangre española, su sentimiento por la música latina es tan auténtico como el del mejor aficionado nativo o compositor.

En sus primeros treinta años, Don Swan se desempeño como arreglista de jazz. Fue durante este periodo cuando escribió su famoso “Dream a Little Dream of me” que ha aparecido en las listas de éxitos en tres ocasiones muy distantes entre sí.

En 1940, después de un estudio intensivo, decidió especializarse en la música latinoamericana y empezó a hacer arreglos para Xavier Cugat y su cantantes Miguelito Valdéz y Romay Lina. Don también realizo los arreglos de “Tico Tico“, que fue grabado por Cugie en 1940, se mantiene como uno de los de Maestro de todos los tiempos y los mas vendidos. Perez Prado y Desi Arnaz también aprovecharon los arreglos de Don Swan.

Don ha liderado sus propios grupos desde 1943. Con frecuencia pasaba unos meses cada año en Miami o en La Habana con el fin de mantener el dedo en el pulso constante cambio de compás de Los Ritmos latinos.

De esta producción que grabara en 1959 con su propia orquesta es el primero de dos volumenes, el siguiente fue grabado en 1960. En el presente encontramos entre otros grandes músicos a Al Escobar al piano y Chico Guerrero en los timbales, recatamos cortes magistrales como los son: Miami Beach Rumba, El Cumbanchero, A San Antonio Me Voy y Cha Cha in Alaska.

http://www.salsasontimbacali.com/don-swan-and-his-orchestra-latino/

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Automatic translation: 

The name of Don Swan has been synonymous with Latin American music for many years. Their arrangements have provoked the popularity of figures such as Xavier Cugat, Desi Arnaz and Pérez Prado.Don Swan is almost as Latin American as a wienerschnitzel. He was born in Wisconsin of German origin. But despite his lack of Spanish blood, his feeling for Latin music is as authentic as that of the best native amateur or composer.In his first thirty years, Don Swan performed as a jazz arranger. It was during this period when he wrote his famous "Dream a Little Dream of Me" that has appeared on the charts on three very distant occasions.In 1940, after an intensive study, he decided to specialize in Latin American music and began to make arrangements for Xavier Cugat and his singers Miguelito Valdéz and Romay Lina. Don also made the arrangements of "Tico Tico", which was recorded by Cugie in 1940, remains one of the Masters of all times and best sellers. Perez Prado and Desi Arnaz also took advantage of Don Swan's arrangements.Don has led his own groups since 1943. He often spent a few months each year in Miami or Havana in order to keep his finger on the constant pulse of Latin rhythms.From this production he recorded in 1959 with his own orchestra is the first of two volumes, the next was recorded in 1960. In the present we find among other great musicians Al Escobar on piano and Chico Guerrero in the timbales, we recast masterful cuts like the Are: Miami Beach Rumba, El Cumbanchero, San Antonio I'm going to and Cha Cha in Alaska.

http://www.salsasontimbacali.com/don-swan-and-his-orchestra-latino/ 

 

 

Shorty Rogers • Chances Are It Swings

 

Bob Cooper • Coop!

 

Review
by Scott Yanow
Tenor saxophonist Bob Cooper's only Contemporary album (reissued on CD in the Original Jazz Classics series) is a near-classic and one of his finest recordings. Cooper, along with trombonist Frank Rosolino, vibraphonist Victor Feldman, pianist Lou Levy, bassist Max Bennett, and drummer Mel Lewis, performs colorful versions of five standards (best are "Confirmation," "Easy Living," and "Somebody Loves Me") that show off his attractive tone and ability to swing at any tempo. Half of the release consists of his "Jazz Theme and Four Variations," a very interesting work that holds together quite well throughout 23-and-a-half minutes and five movements. Three trumpeters (including Conte Candoli) and one trombone are added to make the ensembles richer. This set is an underrated gem.
https://www.allmusic.com/album/coop%21-the-music-of-bob-cooper-mw0000202936

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Reseña
por Scott Yanow
El único álbum Contemporary del saxofonista tenor Bob Cooper (reeditado en CD en la serie Original Jazz Classics) es casi un clásico y una de sus mejores grabaciones. Cooper, junto con el trombonista Frank Rosolino, el vibrafonista Victor Feldman, el pianista Lou Levy, el bajista Max Bennett y el batería Mel Lewis, interpreta coloridas versiones de cinco estándares (los mejores son "Confirmation", "Easy Living" y "Somebody Loves Me") que muestran su atractivo tono y su habilidad para el swing a cualquier tempo. La mitad del disco consiste en su "Jazz Theme and Four Variations", una obra muy interesante que se mantiene bastante bien a lo largo de 23 minutos y medio y cinco movimientos. Se añaden tres trompetistas (incluido Conte Candoli) y un trombón para enriquecer el conjunto. Este conjunto es una joya infravalorada.
https://www.allmusic.com/album/coop%21-the-music-of-bob-cooper-mw0000202936

Pete Candoli • More Peter Gunn

 

It would seem that Pete Candoli has been biding his time in the wings all these years. While Louis Armstrong, Dizzy Gillespie, Freddie Hubbard, Miles Davis, etc. have long enjoyed broad public recognition; Pete has finally attained the level of popular acceptance that the quality of his talents as a jazz trumpeter deserves.

Within the Music World Pete Candoli is regarded as one of the most precise and eloquent interpreters of jazz. He and his trumpet playing brother Conte have what amounts to a cult following among aficionados.

A trumpet player of major importance, Pete's association with top bands reads like a “Who's Who” of jazz. He has been featured with Tommy Dorsey, Glen Miller, Woody Herman, Stan Kenton, Les Brown, Count Basie, Freddy Slack, Charlie Barnet, etc... in fact, he has played with over 27 of the top named bands.

Although Pete Candoli is best known for the jazz trumpet, his musical background and experience is as varied as it can be. He is equally expert with classical music and pop. He has conducted music seminars and concerts at some  universities and colleges when he is not playing a jazz festival, concert, or nightclub somewhere. To date he has worked over (5000) record dates.

He has composed and arranged music and conducted for Judy Garland, Ella Fitzgerald, and Peggy Lee among others. Having played first trumpet for Igor Stravinsky’s “Ebony Concerto” written for the Woody Herman Orchestra. Pete has received much acclaim for his versatility as a solo trumpeter.

Pete Candoli has won awards as outstanding trumpet player from Downbeat and Metronome Magazines, the 20 most prestigious publications in the music business. Pete also won the Esquire Magazine and the Look Magazine Awards as one of the  all-time outstanding jazz trumpet players. The  were Louis Armstrong, Bix Biederbeck, Harry James, Bunny Berigan, Dizzy Gillespie and Bobby Hackert, there is more. Pete and his brother Conte won The International Jazz Hall of Fame award in 1997, and was honored with The Big Band award in 2003.

Pete began playing lead and jazz for Sonny Dunham’s Orchestra in 1941, followed by a long string of other name bands including Woody Herman’s famed “First Herd.” Pete settled into the studio scene in the 50’s after tenures with Herman, Tex Beneke, Jerry Gray and Stan Kenton among others. He and Conte also co-led a band (1957-62). As a preeminent lead trumpeter, Pete played for the Orchestras of Alex Stordahl, Gordon Jenkins, Nelson Riddle, Don Costa, Michel LeGrand, Henry Mancini, as well as Frank Sinatra.

Pete’s exuberant premier lead work and dashing high note specialty is fueled with gratifying surprises always. His sharp, peppered trumpet recalls the brilliance of Louis Armstrong and Roy Eldridge bulking peaks and climaxes. As for jazz, “I’m radical! I never play the same jazz thing twice!” asserts Pete. “I’m like a chameleon and I play what I feel, although I may favor some patterns. Also, I’m a little staccato... on edge of my fiery type of playing.” In summary both bothers define jazz force at it’s best.

https://musicians.allaboutjazz.com/petecandoli

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Parece que Pete Candoli ha estado esperando su momento entre bastidores todos estos años. Aunque Louis Armstrong, Dizzy Gillespie, Freddie Hubbard, Miles Davis, etc. han gozado durante mucho tiempo de un amplio reconocimiento público, Pete ha alcanzado finalmente el nivel de aceptación popular que la calidad de sus talentos como trompetista de jazz merece.

Dentro del mundo de la música, Pete Candoli está considerado como uno de los intérpretes más precisos y elocuentes del jazz. Él y su hermano Conte, que toca la trompeta, tienen lo que equivale a un culto entre los aficionados.

Trompetista de gran importancia, la asociación de Pete con las mejores bandas se lee como un "Who's Who" del jazz. Ha participado con Tommy Dorsey, Glen Miller, Woody Herman, Stan Kenton, Les Brown, Count Basie, Freddy Slack, Charlie Barnet, etc.... de hecho, ha tocado con más de 27 de las mejores bandas.

Aunque Pete Candoli es mejor conocido por la trompeta de jazz, su formación musical y experiencia es tan variada como puede ser. Es igualmente experto en música clásica y pop. Ha dirigido seminarios de música y conciertos en algunas universidades y colegios cuando no está tocando en un festival de jazz, concierto o club nocturno en algún lugar. Hasta la fecha ha trabajado más de (5000) fechas de registro.

Ha compuesto y arreglado música y dirigido para Judy Garland, Ella Fitzgerald y Peggy Lee entre otros. Habiendo tocado la primera trompeta para el "Ebony Concerto" de Igor Stravinsky, escrito para la Woody Herman Orchestra. Pete ha recibido muchos elogios por su versatilidad como trompetista solista.

Pete Candoli ha ganado premios como trompetista sobresaliente de Downbeat y Metronome Magazines, las 20 publicaciones más prestigiosas en el negocio de la música. Pete también ganó el Esquire Magazine y el Look Magazine Awards como uno de los trompetistas de jazz más destacados de todos los tiempos. Louis Armstrong, Bix Biederbeck, Harry James, Bunny Berigan, Dizzy Gillespie y Bobby Hackert, hay más. Pete y su hermano Conte ganaron el premio del Salón Internacional de la Fama del Jazz en 1997, y fueron honrados con el premio The Big Band en 2003.

Pete comenzó a tocar como líder y jazz para la Orquesta de Sonny Dunham en 1941, seguido por una larga serie de otras bandas con nombre, incluyendo la famosa "First Herd" de Woody Herman. Pete se instaló en la escena del estudio en los años 50 después de trabajar con Herman, Tex Beneke, Jerry Gray y Stan Kenton, entre otros. Él y Conte también co-lideraron una banda (1957-62). Como trompetista principal preeminente, Pete tocó para las orquestas de Alex Stordahl, Gordon Jenkins, Nelson Riddle, Don Costa, Michel LeGrand, Henry Mancini, así como Frank Sinatra.

El exuberante trabajo de Pete como líder y su elegante especialidad de notas altas siempre está lleno de gratificantes sorpresas. Su trompeta puntiaguda y sazonada recuerda la brillantez de Louis Armstrong y Roy Eldridge, que abarrotaban los picos y los clímaxes. En cuanto al jazz, "¡Soy radical! Nunca toco el mismo jazz dos veces", afirma Pete. "Soy como un camaleón y toco lo que siento, aunque puedo favorecer algunos patrones. Además, soy un poco staccato.... al borde de mi fogoso tipo de tocar." En resumen, ambas cosas definen la fuerza del jazz en el mejor de los casos.

https://musicians.allaboutjazz.com/petecandoli

 

 

Buddy Bregman & His Orchestra • Swinging Kicks

 Review
by Scott Yanow
Best known as an arranger for singers and for commercial sessions, Buddy Bregman led one full-fledged jazz instrumental date, Swinging Kicks. Because many of the selections are brief (seven are under two minutes) and due to the intriguing titles, this seems a bit like a soundtrack to a film that was never made. However, few of the tracks seem truncated and there are some excellent solos along the way, particularly from Ben Webster, Conte Candoli, Herb Geller, Bud Shank, and Paul Smith. The personnel changes from cut to cut, ranging from a 19-piece big band with screaming trumpet playing from Maynard Ferguson and Conrad Gozzo to various combos, a Ben Webster/André Previn duet on "Kicks Is in Love," and a rapid workout for Paul Smith on "Go Kicks." Bregman uses some of the top West Coast jazz players and various musicians who were on Verve at the time, with Stan Getz making a guest appearance on "Honey Chile." Recommended.
https://www.allmusic.com/album/swinging-kicks-mw0000602261

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Reseña
por Scott Yanow
Más conocido como arreglista para cantantes y para sesiones comerciales, Buddy Bregman dirigió una cita instrumental de jazz en toda regla, Swinging Kicks. Debido a que muchas de las selecciones son breves (siete son de menos de dos minutos) y debido a los intrigantes títulos, esto parece un poco como una banda sonora de una película que nunca se hizo. Sin embargo, pocas de las pistas parecen truncadas y hay algunos excelentes solos a lo largo del camino, particularmente de Ben Webster, Conte Candoli, Herb Geller, Bud Shank y Paul Smith. El personal cambia de un corte a otro, yendo desde una big band de 19 piezas con trompetas chillonas de Maynard Ferguson y Conrad Gozzo a varios combos, un dúo Ben Webster/André Previn en "Kicks Is in Love", y un rápido entrenamiento para Paul Smith en "Go Kicks". Bregman utiliza algunos de los mejores músicos de jazz de la Costa Oeste y varios músicos que estaban en Verve en ese momento, con Stan Getz haciendo una aparición como invitado en "Honey Chile". Recomendado.
https://www.allmusic.com/album/swinging-kicks-mw0000602261

Ray Brown • Bass Hit!

 

The Brothers Candoliː Sextet • 2 For The Money

 

Review by Ken Dryden
Recordings by brothers who play the identical instrument are fairly rare in jazz, but trumpeters Conte and Pete Candoli made several valuable records together without sibling rivalry. The ten selections on this album draw favorites from swing, bop, cool, and hard bop, with an excellent rhythm section (pianist Jimmy Rowles, guitarist Howard Roberts, bassist Max Bennett, and drummer Frank Capp) complementing the brothers. The high points include a wild "Caravan," with an exotic vamp by Rowles (as well as a daring solo) in support of their unison lines, the catchy blues "Splanky" from Count Basie's band book (with terrific call and response between the trumpeters), and a funny arrangement of Charlie Parker's "Ah-Leu-Cha" that has a disguised Latin introduction. Roberts and Rowles come to the forefront with the muted trumpets playing riffs behind them in "Doodlin'." Rowles' brilliant scoring of "Willow Weep for Me" has a sassy air rather than the typical bittersweet flavor.
https://www.allmusic.com/album/two-for-the-money-mw0000898077

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Reseña de Ken Dryden
Las grabaciones de hermanos que tocan el mismo instrumento son bastante raras en el jazz, pero los trompetistas Conte y Pete Candoli hicieron varios discos valiosos juntos sin rivalidad entre hermanos. Las diez selecciones de este álbum incluyen temas favoritos de swing, bop, cool y hard bop, con una excelente sección rítmica (el pianista Jimmy Rowles, el guitarrista Howard Roberts, el bajista Max Bennett y el baterista Frank Capp) que complementa a los hermanos. Los puntos álgidos incluyen un salvaje "Caravan", con un exótico vampiro de Rowles (así como un atrevido solo) en apoyo de sus líneas al unísono, el pegadizo blues "Splanky" del libro de la banda de Count Basie (con una estupenda llamada y respuesta entre los trompetistas), y un divertido arreglo de "Ah-Leu-Cha" de Charlie Parker que tiene una introducción latina disfrazada. Roberts y Rowles pasan a primer plano con las trompetas silenciadas tocando riffs detrás de ellos en "Doodlin'". La brillante puntuación de Rowles en "Willow Weep for Me" tiene un aire descarado en lugar del típico sabor agridulce.
https://www.allmusic.com/album/two-for-the-money-mw0000898077

Ray Brown • The Genius Of Ray Brown

 

Ray Brown was born in Pittsburgh, Pennsylvania, and had piano lessons from the age of eight. After noticing how many pianists attended his high school, he thought of taking up the trombone, but was unable to afford one. With a vacancy in the high school jazz orchestra, he took up the double bass.

A major early influence on Brown's bass playing was the bassist in the Duke Ellington band, Jimmy Blanton. As a young man Ray Brown became steadily more well known in the Pittsburgh jazz scene, with his first experiences playing in bands with the Jimmy Hinsley Sextet and the Snookum Russel band. After graduating from high school, hearing stories about the burgeoning jazz scene on 52nd Street, in New York City, he bought a one way ticket to New York.

Arriving in New York at the age of twenty, he met up with Hank Jones, with whom he had previously worked, and was introduced to Dizzy Gillespie, who was looking for a bass player. Gillespie hired Brown on the spot and he soon played with such established musicians as Art Tatum and Charlie Parker.

From 1946 to 1951 he played in Gillespie's band. Brown, along with the vibraphonist Milt Jackson, drummer Kenny Clarke, and the pianist John Lewis formed the rhythm section of the Gillespie band, and their work together eventually led to the creation of the Modern Jazz Quartet.

Around this time Brown was also appearing in Jazz at the Philharmonic concerts, organised by Norman Granz. It was at these concerts that he met the jazz singer Ella Fitzgerald, whom he married in 1947. Together they adopted a child born to Fitzgerald's half-sister Francis, whom they christened Ray Brown, Jr. Fitzgerald and Brown divorced in 1952.

It was at a Jazz at the Philharmonic concert in 1949 that Brown first worked with the jazz pianist Oscar Peterson, in whose trio Brown would play from 1951 to 1966. After leaving the Trio he became a manager and promoter as well as a performer.

In 1966, he settled in Los Angeles where he was in high demand working for various television show orchestras. He also accompanied some of the leading artists of the day, including Frank Sinatra, Billy Eckstine, Tony Bennett, Sarah Vaughan, and Nancy Wilson. He also managed his former musical partners, the Modern Jazz Quartet, as well as a young Quincy Jones, produced some shows for the Hollywood Bowl, wrote jazz double bass instruction books, and developed a jazz cello.

It was whilst in Los Angeles that he composed music for films and television shows. He was awarded his first Grammy for his composition, "Gravy Waltz", a tune which would later be used as the theme song for The Steve Allen Show.

In the 1980s and 1990s he led his own trios and continued to refine his bass playing style. In his later years he recorded and toured extensively with pianist Gene Harris. In the early 1980s, he discovered Diana Krall in a restaurant in Nanaimo, British Columbia.

He continued to perform until his death; he died while taking a nap before a show in Indianapolis.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/ray-brown/

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Ray Brown nació en Pittsburgh, Pensilvania, y recibió lecciones de piano desde los ocho años. Después de darse cuenta de cuántos pianistas asistían a su escuela secundaria, pensó en tomar el trombón, pero no pudo pagarlo. Con una vacante en la orquesta de jazz de la escuela secundaria, tomó el contrabajo.

Una gran influencia temprana en el bajo de Brown fue el bajista de la banda de Duke Ellington, Jimmy Blanton. De joven, Ray Brown se hizo cada vez más conocido en la escena del jazz de Pittsburgh, con sus primeras experiencias tocando en bandas con el Sexteto Jimmy Hinsley y la banda Snookum Russel. Después de graduarse de la escuela secundaria, escuchando historias sobre la floreciente escena del jazz en la calle 52, en la ciudad de Nueva York, compró un boleto de ida a Nueva York.

Al llegar a Nueva York a los veinte años, conoció a Hank Jones, con quien había trabajado anteriormente, y conoció a Dizzy Gillespie, que buscaba bajista. Gillespie contrató a Brown en el acto y pronto tocó con músicos establecidos como Art Tatum y Charlie Parker.

De 1946 a 1951 tocó en la banda de Gillespie. Brown, junto con el vibrafonista Milt Jackson, el baterista Kenny Clarke y el pianista John Lewis formaron la sección rítmica de Gillespie band, y su trabajo conjunto eventualmente condujo a la creación del Cuarteto de Jazz Moderno.

Por esta época, Brown también aparecía en Jazz en los conciertos Filarmónicos, organizados por Norman Granz. Fue en estos conciertos donde conoció a la cantante de jazz Ella Fitzgerald, con quien se casó en 1947. Juntos adoptaron a un niño nacido de la media hermana de Fitzgerald, Francis, a quien bautizaron Ray Brown, Jr.Fitzgerald y Brown se divorciaron en 1952.

Fue en un concierto de Jazz en la Filarmónica en 1949 cuando Brown trabajó por primera vez con el pianista de jazz Oscar Peterson, en cuyo trío Brown tocaría de 1951 a 1966. Después de dejar el Trío, se convirtió en gerente y promotor, además de intérprete.

En 1966, se instaló en Los Ángeles, donde tuvo una gran demanda trabajando para varias orquestas de programas de televisión. También acompañó a algunos de los principales artistas de la época, incluidos Frank Sinatra, Billy Eckstine, Tony Bennett, Sarah Vaughan y Nancy Wilson. También dirigió a sus antiguos socios musicales, el Cuarteto de Jazz Moderno, así como a un joven Quincy Jones, produjo algunos espectáculos para el Hollywood Bowl, escribió libros de instrucciones de contrabajo de jazz y desarrolló un violonchelo de jazz.

Fue mientras estaba en Los Ángeles cuando compuso música para películas y programas de televisión. Recibió su primer Grammy por su composición, "Gravy Waltz", una melodía que luego se usaría como tema principal de The Steve Allen Show.

En las décadas de 1980 y 1990 dirigió sus propios tríos y continuó refinando su estilo de tocar el bajo. En sus últimos años grabó y realizó numerosas giras con el pianista Gene Harris. A principios de la década de 1980, descubrió a Diana Krall en un restaurante en Nanaimo, Columbia Británica.

Continuó actuando hasta su muerte; murió mientras dormía una siesta antes de un espectáculo en Indianápolis.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/ray-brown/

Pete Rugolo And His Orchestra • Music For Hi-Fi Bugs

 

Biography
by Richard S. Ginell
Pete Rugolo was one of the most prolific arrangers for Stan Kenton's 1945-1949 orchestras, following through on the leader's swashbuckling example to help shape the band's exciting, blasting style. Brought to the U.S. at age five, Rugolo grew up in Santa Rosa, California, and became a student of Darius Milhaud at Mills College in Oakland. After a stint with the Army, he submitted an arrangement to Kenton and then settled in with the band, turning out a series of "Artistry in..." compositions ("Bass," "Percussion," "Bolero," "Boogie"), as well as some of the earliest, most startling pieces for the Innovations in Modern Music Orchestra. However, Rugolo soon gravitated toward pop, landing a position as music director of Capitol Records in 1949, where he cranked out arrangements -- some of which bordered on easy listening treacle -- for June Christy, Nat King Cole, Harry Belafonte (in his brief pop period), the Four Freshmen, and others. In 1957, he became music director of Mercury Records, making a number of albums for that label, and briefly led a big band in 1954. From the '50s onward, Rugolo moved into Hollywood, scoring TV series like The Fugitive and Run for Your Life, and several films. Consequently, his importance to jazz lessened as the years passed.
https://www.allmusic.com/artist/pete-rugolo-mn0000321194/biography

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Pietro «Pete» Rugolo (1915-2011), nacido en San Piero Patti (Sicilia), el 25 de diciembre de 1915, fue un compositor, arreglista y productor de discos de jazz estadounidense, y uno de los más populares directores de orquestas en la era de las grandes bandas de jazz norteamericanas.

Su familia emigró a California siendo el un niño y allí, en los años treinta del pasado siglo, ingresó en el “San Francisco College” para estudiar composición con Darius Milhaud. Después de cumplir el servicio militar, Rugolo se afianzó definitivamente en el mundo de la música, cuando se unió a la, por entonces, formidable orquesta de Stan Kenton, en la que dejó escritos algunos de sus mejores arreglos y de sus mejores composiciones.

Rugolo ejerció una influencia crítica en la imagen progresiva de la banda, que sonaba como ninguna otra en los EE.UU. Algunos críticos asemejan la relación entre Rugolo y Kenton, como la que hubo, décadas atrás entre Duke Ellington y su arreglista, Billy Strayhorn. En 1949, se convirtió en director musical de Capitol Records, donde realizó sesiones de grabación con grandes estrellas del jazz como Miles Davis, Charlie Parker, Nat King Cole y Peggy Lee.

Continuó colaborando a tiempo parcial con Kenton y también hizo arreglos para la cantante estrella de la orquesta de Kenton, la maravillosa, June Christy. La década de 1950 fue un período de mucho trabajo para Rugolo, pues dispuso brevemente de su propia banda en 1954, con Patti Page como su vocalista. También mantuvo afiliaciones contractuales con Columbia Records y Mercury Records, escribiendo, entre otros, para Sarah Vaughan.

Para entonces, se había diversificado en géneros musicales distintos del jazz. Con la productora Metro Goldwyn Mayer, Rugolo trabajó como compositor y arreglista en varias comedias musicales como “Kiss Me Kate”, o “Easy to Love”, ambas en 1953. También trabajó de forma prolífica en la televisión, escribiendo la música de series tan populares como “The Fugitive”, (1963-1967) y “The Outsider”, (1968-1969). Rugolo se retiró en 1985, recibiendo el premio The Golden Score de la Sociedad Americana de arreglistas y compositores.

Uno de los álbumes más vendidos y celebrados de Pete Rugolo, fue el álbum «The Four Freshmen and Five Trombones», un disco que impulsó al famoso grupo al reconocimiento definitivo en los círculos del jazz. Rugolo murió a la edad de 95 años el 16 de octubre de 2011 en Sherman Oaks, California.
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Barney Kessel & Harold Land • El Tigre

 

 

All of the studio collaborations by the great tenor player Harold Land and guitar master Barney Kessel. The first album, El Tigre, was also issued under Jimmy Rowles’ name with the no-less-florid-title of Let’s Get Acquainted With Jazz...For People Who Hate Jazz!. Although all of it was recorded on the same date, Harold Land and trumpeter Pete Candoli alternate as the only horns on the various tracks, but they never play a note together!
https://www.highresaudio.com/en/album/view/85rko8/barney-kessel-harold-land-el-tigre-remastered

 

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Todas las colaboraciones en estudio del gran tenorista Harold Land y el maestro de la guitarra Barney Kessel. El primer álbum, El Tigre, también se editó bajo el nombre de Jimmy Rowles con el no menos fluido título de Let's Get Acquainted With Jazz... For People Who Hate Jazz. Aunque todo se grabó en la misma fecha, Harold Land y el trompetista Pete Candoli se alternan como únicos vientos en los distintos temas, ¡pero nunca tocan una nota juntos!
https://www.highresaudio.com/en/album/view/85rko8/barney-kessel-harold-land-el-tigre-remastered