Bobby Hutcherson • The Kicker

Bobby Hutcherson recorded frequently for Blue Note in the 1960s, though this session remained unissued until 1999. The first half features the vibraphonist in a cooking hard bop session with Joe Henderson and Duke Pearson, starting with an energetic take on the normally slow ballad "If Ever I Would Leave You" and a sizzling Hutcherson original, "For Duke P." Guitarist Grant Green is added for the second half, beginning with the first recording of Henderson's "The Kicker," which became well known from it's later rendition on Horace Silver's highly successful release Song for My Father. Because this is part of Blue Note's limited-edition Jazz Connoisseur series, don't delay in picking it up. ~ Ken Dryden, AMG

It's interesting to note that in the liner notes to Grant Green's The Matador, described this session as "somewhat disappointing." Now, Cuscuna has mostly just praise for The Kicker, though he does point out similar to the amazon review that this was a much more straightforward Hutcherson than most of the public was used to.

I'm rather surprised as Hutcherson did play on some avante garde sessions with Eric Dolphy, Andrew Hill, Jackie McLean, and Archie Shepp, but for every avante garde session, there was another like Grant Green's Idle Moments, or his Streets of Dreams ( with Larry Young and Elvin Jones ). And, Hutcherson recorded several straight ahead sessions himself like 1966 session called Stick-Up! with Billy Higgins. That one is beautiful, straight ahead jazz. And albums like Patterns ( with James Spaulding and Joe Chambers ) are relatively straightforward.

Anyways, The Kicker. The album is great. The same lineup as Grant Green's Idle Moments ( with Green appearing on only 3/6 tracks ), The Kicker perhaps lacks the intamacy of Idle Moments, but shines much brighter. There are obviously easy comparisons to both. They were recorded with the same personel, a month apart. Songs contributions come from Joe Chambers ( who's not on the session ), Duke Pearson ( who is ), Joe Henderson ( two here ), and Bobby H ( 1 ), plus a standard to finish it off.

The standard is If Ever I would Leave You, and it's quite pretty. But it's the second song, Mirrors, by Joe Chambers that really caught my eye. It's slow and sensuous, and kind of has that Joe Chambers style to it. It's interesting to hear it though with Al Harewood on drums. For Duke P. is for Duke Pearson ( though was only named by Hutcherson for this release in 1999 ), is great... medium to up tempo and has some ultra-cool vibes playing. The last three songs each have Green on them which changes the scene a bit. Joe Henderson's, The Kicker has been recorded by just about everone, and is given a good, standard treatment here. Step Lightly is something pretty like what we would have found on Idle Moments. Bedouin was already familiar to bass player, Bob Cranshaw, and Grant Green as they played it on Green's The Matador. It's interesting to hear both versions. Above all, The Kicker is great Bobby H. Like I said, it may not be as great as Idle Moments... though what is? There is some great playing by everyone here. Joe Henderson was really coming to his own, and his tenor sax playing is unique and perfect for this setting. Bobby Hutcherson is always good, whether straight ahead or avante garde. Green rules. And Duke Pearson, Al Harewood, and Bob Cranshaw make for a kickin' rhythm section. I love Pearson in particular and find his piano playing to be quite subtle and fun to listen to in the mix. Focusing on his playing is great. So get the album. It's a good one. Especially for one that took 35 years to release! ~ Frank Bock

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Bobby Hutcherson grabó con frecuencia para Blue Note en la década de 1960, aunque esta sesión no se publicó hasta 1999. La primera mitad presenta al vibrafonista en una sesión de cocina hard bop con Joe Henderson y Duke Pearson, comenzando con una toma energética de la normalmente lenta balada "If Ever I Would Leave You" y un original de Hutcherson, "For Duke P.". El guitarrista Grant Green se añade para la segunda mitad, comenzando con la primera grabación de "The Kicker" de Henderson, que se hizo muy conocida por su posterior interpretación en el exitoso lanzamiento de Song for My Father de Horace Silver. Como esto forma parte de la serie Jazz Connoisseur de edición limitada de Blue Note, no te demores en recogerlo. ~ Ken Dryden, AMG

Es interesante notar que en las notas de Grant Green en The Matador, describió esta sesión como "algo decepcionante". Ahora, Cuscuna sólo tiene elogios para The Kicker, aunque señala de manera similar a la crítica amazónica que este fue un Hutcherson mucho más directo de lo que la mayoría del público estaba acostumbrado.

Me sorprende bastante como Hutcherson tocó en algunas sesiones de vanguardia con Eric Dolphy, Andrew Hill, Jackie McLean y Archie Shepp, pero para cada sesión de vanguardia, hubo otra como la de Grant Green's Idle Moments, o sus Streets of Dreams ("Calles de Sueños") ("Streets of Dreams") ("Calles de Sueños de Grant Green") ("Idle Moments"). Y, Hutcherson grabó varias sesiones en línea recta, como la sesión de 1966 llamada Stick-Up! con Billy Higgins. Ese es un hermoso jazz de frente. Y álbumes como Patterns (con James Spaulding y Joe Chambers) son relativamente sencillos.

De todos modos, The Kicker. El álbum es genial. La misma alineación que Grant Green's Idle Moments (con Green apareciendo sólo en 3/6 pistas), The Kicker quizás carece de la inutilidad de Idle Moments, pero brilla mucho más brillante. Obviamente, hay comparaciones fáciles con ambos. Fueron grabados con el mismo personaje, con un mes de diferencia. Las contribuciones de las canciones provienen de Joe Chambers ("quien no está en la sesión"), Duke Pearson ("quien está"), Joe Henderson ("dos aquí"), y Bobby H ("1"), más un estándar para terminar la sesión.

El estándar es Si alguna vez te dejo, y es bastante bonito. Pero es la segunda canción, Mirrors, de Joe Chambers, la que realmente me llamó la atención. Es lento y sensual, y tiene el estilo de Joe Chambers. Es interesante oírlo con Al Harewood a la batería. Para Duke P. es para Duke Pearson (aunque sólo fue nombrado por Hutcherson para este lanzamiento en 1999), es grandioso.... de medio a alto tempo y tiene algunas vibraciones ultra-cool jugando. Las últimas tres canciones tienen Green en cada una de ellas, lo que cambia un poco la escena. Joe Henderson's, The Kicker ha sido grabado por casi todos, y se le da un buen tratamiento estándar aquí. Step Lightly es algo parecido a lo que habríamos encontrado en Idle Moments. El beduino ya estaba familiarizado con el bajista Bob Cranshaw y Grant Green cuando lo tocaron en El Matador de Green. Es interesante escuchar ambas versiones. Sobre todo, The Kicker es un gran Bobby H. Como dije, puede que no sea tan grande como Idle Moments... aunque ¿qué es? Hay una gran actuación de todos aquí. Joe Henderson estaba realmente llegando a lo suyo, y su saxo tenor es único y perfecto para este escenario. Bobby Hutcherson siempre es bueno, ya sea en línea recta o de vanguardia. Reglas verdes. Y Duke Pearson, Al Harewood y Bob Cranshaw son una sección rítmica muy buena. Me encanta Pearson en particular y su piano es muy sutil y divertido de escuchar en la mezcla. Centrarse en su forma de tocar es genial. Así que coge el álbum. Es uno bueno. ¡Especialmente para uno que tardó 35 años en salir! ~ Frank Bock

Modern Jazz Quartet • Plastic Dreams

Review by Uncle Dave Lewis

Christmas came early in 1971; in May, Atlantic released Plastic Dreams, the penultimate studio album from the Modern Jazz Quartet during their main, 22-year run as an ensemble. Of the MJQ's albums, Plastic Dreams has never been a critic's favorite, and was an album that mystified many of the group's longtime followers. First was the gatefold front cover, which featured a "plastic" image of a nude woman that was really pushing the envelope by 1971 standards; it was almost "indecent." Second, the liner notes by arch-New York jazz critic Martin Williams, while appreciative, really made you wonder if Williams was listening to the same album you were. Third was the inclusion of two Christmas selections on an album that didn't otherwise have anything to do with Christmas -- indeed, what was going on here? The answer, quite simply, was that Plastic Dreams was as close as the MJQ ever got to making a pop album, and the production work of Arif Mardin reflects that idea -- it utilizes a "hot" pop production rather than the dry-as-a-bone-styled mix that typifies the MJQ's recordings up to that time. The opener, "Walkin' Stomp," reasserts this concept in a big way; it is as far into playing pure funk that the MJQ ever got, with Percy Heath laying down a solid groove and Milt Jackson contributing a brilliant, blazing solo. "Trav'lin" is a strong point of departure also, a minimalist time-keeping exercise that contrasts rapid, repetitive figurations coordinated between John Lewis' left hand and Heath's bass with a very slowly evolving melody. Mardin further highlighted this by adding a subtle delay to the whole recording and sinking it slowly into the track, the only time the MJQ ever embraced the assistance of electronic technology into their work aside from participating in Gunther Schuller's "Conversation" (1957). While there is nothing else in the MJQ's book like "Trav'lin," Williams stated that it was "another one reminiscent of their early pieces." The title track, "Plastic Dreams," is a reflective and relaxed tune that benefits from Lewis' employment of the harpsichord over the piano, as does "England's Carol," a fresh spin on "God Rest Ye Merry Gentlemen." The version of "Piazza Navona" here utilizes five horns and is like an entirely different composition from the one that appeared on The Comedy and Lewis' album The Golden Striker in 1960. It has an irresistibly catchy, entirely new introductory figure that winds its way through the piece, and once you hear it on Plastic Dreams, you'll miss it when you listen to the older versions. Indeed, as a whole, Plastic Dreams does seem like a final refinement of several idealistic threads found throughout the MJQ's studio work stretching back to about 1960, with generous room made for new directions. By contrast, the album that followed -- Blues on Bach (1973) -- is more readily recognizable as belonging to the Third Stream context already established for the group. Despite the lukewarm criticism that has attended it, Plastic Dreams is one of the MJQ's most exploratory efforts, though in the opposite direction from albums like Third Stream Music. As such, Plastic Dreams deserves pride of place as one of the late, and last, high-water marks to be found among their studio work during their regular period of activity, and it remains one of the most hip sounding and easily enjoyed of the MJQ's albums decades on.

https://www.allmusic.com/album/plastic-dreams-mw0000591138

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Reseña de Uncle Dave Lewis

La Navidad llegó a principios de 1971; en mayo, Atlantic lanzó Plastic Dreams, el penúltimo álbum de estudio del Modern Jazz Quartet durante sus 22 años de carrera como conjunto. De los álbumes de MJQ, Plastic Dreams nunca ha sido el favorito de la crítica, y fue un álbum que desconcertó a muchos de los seguidores del grupo durante mucho tiempo. El primero fue la imagen de la portada, que mostraba una imagen "plástica" de una mujer desnuda que realmente estaba empujando el sobre para los estándares de 1971; era casi "indecente". En segundo lugar, las notas del crítico de jazz del archi-Nueva York, Martin Williams, aunque apreciativas, realmente te hicieron preguntarte si Williams estaba escuchando el mismo álbum que tú. La tercera fue la inclusión de dos selecciones navideñas en un álbum que no tenía nada que ver con la Navidad - de hecho, ¿qué estaba pasando aquí? La respuesta, simplemente, fue que Plastic Dreams estuvo tan cerca como el MJQ llegó a hacer un álbum pop, y el trabajo de producción de Arif Mardin refleja esa idea - utiliza una producción pop "caliente" en lugar de la mezcla seca como un hueso que tipifica las grabaciones del MJQ hasta ese momento. El primer disco, "Walkin' Stomp", reafirma este concepto a lo grande; el MJQ ha llegado hasta el punto de tocar el funk puro, con Percy Heath marcando un ritmo sólido y Milt Jackson aportando un brillante y ardiente solo. "Trav'lin" es también un fuerte punto de partida, un ejercicio de cronometraje minimalista que contrasta las figuraciones rápidas y repetitivas coordinadas entre la mano izquierda de John Lewis y el bajo de Heath con una melodía de evolución muy lenta. Mardin resaltó esto añadiendo un sutil retraso a toda la grabación y hundiéndola lentamente en la pista, la única vez que el MJQ acogió la asistencia de la tecnología electrónica en su trabajo, aparte de participar en la "Conversación" de Gunther Schuller (1957). Aunque no hay nada más en el libro de MJQ como "Trav'lin", Williams declaró que era "otro que recuerda a sus primeras piezas". El tema del título, "Plastic Dreams", es una melodía reflexiva y relajada que se beneficia del empleo de Lewis del clavicémbalo sobre el piano, al igual que "England's Carol", un nuevo giro de "God Rest Ye Merry Gentlemen". La versión de "Piazza Navona" utiliza aquí cinco trompas y es como una composición totalmente diferente de la que apareció en The Comedy y en el álbum de Lewis The Golden Striker en 1960. Tiene una figura introductoria irresistiblemente pegajosa y completamente nueva que se abre paso a través de la pieza, y una vez que la escuches en Plastic Dreams, te la perderás cuando escuches las versiones anteriores. De hecho, en su conjunto, Plastic Dreams parece un refinamiento final de varios hilos idealistas que se encuentran a lo largo de la obra del estudio de MJQ, que se remonta aproximadamente a 1960, con un generoso espacio para nuevas direcciones. Por el contrario, el álbum que siguió, Blues on Bach (1973), es más fácilmente reconocible como perteneciente al contexto de Third Stream ya establecido para el grupo. A pesar de las tibias críticas que ha recibido, Plastic Dreams es uno de los esfuerzos más exploratorios del MJQ, aunque en la dirección opuesta a álbumes como Third Stream Music. Como tal, Plastic Dreams merece un lugar de honor como una de las últimas y últimas marcas que se encuentran entre sus trabajos de estudio durante su periodo regular de actividad, y sigue siendo uno de los álbumes más modernos y fáciles de disfrutar de las décadas de los álbumes de MJQ.

https://www.allmusic.com/album/plastic-dreams-mw0000591138

Dave Pike • Got The Feelin'

 

From the late 60s Boogaloo/Psychedelic period here's a long unavailable session from US Detroit born master vibraphonist Dave Pike
–who worked in Germany, Belgium and the Netherlands between 68 and 73- that was originally released Dutch only in 1968
 on the Rock label Relax Records. joined by Rob Franken on organ, Joop Scholten on guitar, Ruud Jacobs on e-bass and Louis deBy behind the drums

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Desde finales de los 60's el período de Boogaloo/Psicodélico aquí está una larga sesión no disponible del maestro vibrafonista nacido en Detroit, Dave Pike
-que trabajó en Alemania, Bélgica y los Países Bajos entre el 68 y el 73, que fue originalmente liberado holandés sólo en 1968.
 en el sello de rock Relax Records. Junto con Rob Franken en el órgano, Joop Scholten en la guitarra, Ruud Jacobs en el bajo electrónico y Louis deBy detrás de la batería

 

Walt Dickerson • A Sense of Direction

Biography:

Dickerson made a fairly 'big splash' when his first recordings appeared in the early 60s (Down Beat Critics Poll “New Star”, 1962), but he's remained an enigmatic figure ever since. His early sides demonstrated a sure grasp of the Hampton/Jackson continuum in blazing through standards, but his original compositions on those dates reflected a spiritual, even mystical flavor that was expanded on in recordings into the early 80s.

Dickerson's distinctive melodic and rhythmic approach is complemented by his unique timbre on what is often a cold-sounding and unwieldly instrument - his use of rubber mallets specially-treated to produce a plush and very warm yet crisp sound, immediately recognizable. Of all his recordings, most are in the trio format, none larger than a quintet (with two drummers!), and no horn players appear. There is an underlying current of turbulence yet an overall air of serenity to his work.

Also curious (and frustrating to his small but devoted group of devotees) are Dickerson's long periods of inactivity; no recordings exist between 1966 and 1975, and his last released LP was in 1982. Word has it that he still performs sporadically around his native Philadelphia, even more rarely in New York and the west coast. (Anyone with more information is implored to contact the author!)

Among his more noted collaborators are Sun Ra (both in the 60s and 70s) and Andrew Cyrille, who performed on the great majority of Dickerson's recordings from 1961 (possibly Cyrille's first major recording?) through 1982.

Source: Damon Short

https://musicians.allaboutjazz.com/waltdickerson

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Biografía:

Dickerson causó un gran revuelo cuando sus primeras grabaciones aparecieron a principios de los 60 (Down Beat Critics Poll "New Star", 1962), pero sigue siendo una figura enigmática desde entonces. Sus primeros trabajos demostraron una comprensión segura de la continuidad Hampton/Jackson en el resplandor de los estándares, pero sus composiciones originales en esas fechas reflejaron un sabor espiritual, incluso místico, que se amplió en las grabaciones a principios de los 80.

El distintivo enfoque melódico y rítmico de Dickerson se complementa con su timbre único en lo que a menudo es un instrumento frío y poco manejable: su uso de mazos de goma especialmente tratados para producir un sonido afelpado y muy cálido pero nítido, inmediatamente reconocible. De todas sus grabaciones, la mayoría están en formato de trío, ninguna más grande que un quinteto (¡con dos bateristas!), y no aparecen trompetistas. Hay una corriente subyacente de turbulencia, pero un aire general de serenidad en su trabajo.

También son curiosos (y frustrantes para su pequeño pero devoto grupo de devotos) los largos períodos de inactividad de Dickerson; no existen grabaciones entre 1966 y 1975, y su último LP publicado fue en 1982. Se dice que todavía actúa esporádicamente alrededor de su Filadelfia natal, incluso más raramente en Nueva York y la costa oeste. (¡Se ruega a quien tenga más información que se ponga en contacto con el autor!)

Entre sus más notables colaboradores están Sun Ra (tanto en los 60 como en los 70) y Andrew Cyrille, que actuó en la gran mayoría de las grabaciones de Dickerson desde 1961 (¿posiblemente la primera grabación importante de Cyrille?) hasta 1982.

Fuente: Damon Short

https://musicians.allaboutjazz.com/waltdickerson
 

 

 

Modern Jazz Quartet with Guest Joe Harriott and Ronnie Ross • Manchester 04-12-59

Muy buen disco en vivo de MJQ, poco difundido.

Very good live disc of MJQ, little diffused.

Eddie Costa • Guys & Dolls Like Vibes

Biography by Ken Dryden
Eddie Costa emerged from an unlikely background into a heralded -- if too brief -- career in jazz. Born in a rural coal mining town, Costa studied piano with his brother Bill and developed a taste for the swing greats; later, exposure to Bud Powell turned him to bop. Self-taught on vibes, Costa became known as an excellent sight reader, which produced a lot of studio work. On piano, his trademark sound was the emphasis of the middle and lower registers while nearly ignoring the top two octaves. In addition to recording as a sideman with Tal Farlow, Woody Herman, Johnny Smith, the Bob Brookmeyer-Clark Terry Quintet, and Bill Evans, Costa led his own trio and quintet dates. Sadly, most of Costa's recorded output remains unavailable on CD, with the notable exception of the VSOP reissue of his Quintet LP. Costa died when his car careened off of a busy New York parkway in 1962.
https://www.allmusic.com/artist/eddie-costa-mn0000793779#biography

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Biografía de Ken Dryden
Eddie Costa emergió de un trasfondo improbable hacia una anunciada, aunque demasiado breve, carrera en el jazz. Nacido en un pueblo rural minero de carbón, Costa estudió piano con su hermano Bill y desarrolló un gusto por los grandes del swing; más tarde, la exposición a Bud Powell lo convirtió en bop. Autodidacta en vibes, Costa se hizo conocido como un excelente lector visual, lo que produjo una gran cantidad de trabajo de estudio. En el piano, su sonido característico era el énfasis en los registros medio e inferior, mientras que casi ignoraba las dos octavas superiores. Además de grabar como acompañante con Tal Farlow, Woody Herman, Johnny Smith, el quinteto Bob Brookmeyer-Clark Terry y Bill Evans, Costa dirigió sus propias fechas de trío y quinteto. Lamentablemente, la mayor parte de la producción grabada de Costa sigue sin estar disponible en CD, con la notable excepción de la reedición en VSOP de su LP de Quinteto. Costa murió cuando su automóvil se salió de una concurrida avenida de Nueva York en 1962.
https://www.allmusic.com/artist/eddie-costa-mn0000793779#biography

Red Norvo • The Forward Look

Biography:

Red Norvo was one of jazz's early vibraphonists. He helped establish the xylophone and later the vibraphone as viable jazz instruments.

Norvo was born Kenneth Norville in Beardstown, Illinois. The story goes that he sold his pet pony to help pay for his first marimba. Norvo's career began in Chicago with a band called “The Collegians”, in 1925. He played with many other bands, including an all-marimba band on the vaudeville circuit, and the bands of Paul Whiteman, Benny Goodman, Charlie Barnet, and Woody Herman. Norvo recorded with Mildred Bailey (his wife), Billie Holiday, Dinah Shore and Frank Sinatra, among others. Together, Red and Mildred were known as “Mr. and Mrs. Swing.” He also appeared in the film Screaming Mimi (1958), playing himself.

In 1933 he recorded two sessions for Brunswick under his own name. The first “Knockin' On Wood” and “Hole In The Wall” pleased Brunswick's recording director Jack Kapp and he was booked for another session. This time, Kapp was out of town and Norvo went ahead and recorded two of the earliest, most modern pieces of chamber jazz yet recorded; Bix Beiderbecke's “In A Mist” and Norvo's own “Dance Of The Octopus”, accompanied by Benny Goodman in a rare performance playing a bass clarinet, Dick McDonough on guitar and Artie Bernstein on slap bass. Kapp was outraged when he heard them and tore up Norvo's contract and threw him out. (Interestingly, this modern record remained in print all through the 1930's!)

Norvo recorded 8 modern swing sides for Columbia in 1934-1935, and 15 sides of Decca and their short-lived Champion label series in 1936 (strangely enough, Jack Kapp ran Decca, so they must've patched things up by then).

Starting in 1936 through 1942, Norvo formed a Swing Orchestra and recorded for ARC first on their Brunswick label, then Vocalion and finally Columbia, after CBS bought out the ARC company. Featuring the brilliant arrangements of Eddie Sauter and often featuring Mildred Bailey as vocalist, this series of recordings were among the more sophisticated and elegant swing records of the era.

In June 1945, while a member of the Benny Goodman Sextet, he recorded a session for Comet records using a Sextet which featured members of the Goodman group and also Charlie Parker and Dizzy Gillespie. He said: “Bird and Diz were dirty words for musicians of my generation. But jazz had always gone through changes and in 1945 we were in the middle of another one. Bird and Diz were saying new things in an exciting way. I had a free hand so I gambled”. [1]

In 1949, while trying to find work near home on the West Coast and running into difficulties with large groups, Norvo formed a trio with the novel combination of vibes, guitar, and bass. When the original guitarist and bassist quit (Mundell Lowe and Red Kelly), he brought in two previously little-known players. Tal Farlow became one of the most important of the post-War generation of guitarists, in part because the demands of the trio led him to explore new levels of both speed and harmonic richness on the instrument. Charles Mingus's prominence as a bass player increased through this group, though its repertoire did not reflect the major career he would develop as a composer. The trio lasted until 1951, and recorded two LPs for Savoy.

In 1959 Norvo's group played concerts in Australia with Frank Sinatra; Blue Note released these recordings in 1997. Red Norvo and his group also made several appearances on The Dinah Shore Chevy Show in the late 1950's and early '60s.

Norvo recorded and toured throughout his career until a stroke in the mid-1980s forced him into retirement (although he developed hearing problems long before his stroke). He died at a convalescent home in Santa Monica, California at the age of 91.

https://musicians.allaboutjazz.com/rednorvo

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Biografía:

Red Norvo fue uno de los primeros vibrafonistas del jazz. Ayudó a establecer el xilófono y más tarde el vibráfono como instrumentos de jazz viables.

Norvo nació como Kenneth Norville en Beardstown, Illinois. La historia dice que vendió su poni mascota para ayudar a pagar su primera marimba. La carrera de Norvo comenzó en Chicago con una banda llamada "The Collegians", en 1925. Tocó con muchas otras bandas, incluyendo una banda de marimbas en el circuito de vodevil, y las bandas de Paul Whiteman, Benny Goodman, Charlie Barnet, y Woody Herman. Norvo grabó con Mildred Bailey (su esposa), Billie Holiday, Dinah Shore y Frank Sinatra, entre otros. Juntos, Red y Mildred eran conocidos como "Sr. y Sra. Swing". También apareció en la película Screaming Mimi (1958), interpretándose a sí mismo.

En 1933 grabó dos sesiones para Brunswick con su propio nombre. La primera "Knockin' On Wood" y "Hole In The Wall" complacieron al director de grabación de Brunswick Jack Kapp y fue reservado para otra sesión. Esta vez, Kapp estaba fuera de la ciudad y Norvo se adelantó y grabó dos de las primeras y más modernas piezas de jazz de cámara hasta ahora grabadas; "In A Mist" de Bix Beiderbecke y "Dance Of The Octopus" del propio Norvo, acompañado por Benny Goodman en una rara actuación tocando un clarinete bajo, Dick McDonough en la guitarra y Artie Bernstein en el bajo. Kapp se indignó cuando los escuchó y rompió el contrato de Norvo y lo echó. (¡Interesantemente, este disco moderno permaneció impreso durante los años 30!)

Norvo grabó 8 modernos discos de swing para Columbia en 1934-1935, y 15 discos de Decca y su efímera serie de sellos Champion en 1936 (extrañamente, Jack Kapp dirigía Decca, así que ya deben haber arreglado las cosas para entonces).

Desde 1936 hasta 1942, Norvo formó una orquesta de swing y grabó para ARC primero en su sello de Brunswick, luego en Vocalion y finalmente en Columbia, después de que la CBS comprara la compañía ARC. Con los brillantes arreglos de Eddie Sauter y a menudo con Mildred Bailey como vocalista, esta serie de grabaciones fue uno de los discos de swing más sofisticados y elegantes de la época.

En junio de 1945, mientras era miembro del Sexteto Benny Goodman, grabó una sesión para Comet records usando un Sexteto que incluía a miembros del grupo Goodman y también a Charlie Parker y Dizzy Gillespie. Dijo: "Bird y Diz fueron palabras sucias para los músicos de mi generación. Pero el jazz siempre había sufrido cambios y en 1945 estábamos en medio de otro. Bird y Diz estaban diciendo cosas nuevas de una manera emocionante. Yo tenía una mano libre, así que aposté". [1]

En 1949, mientras intentaba encontrar trabajo cerca de su casa en la Costa Oeste y se encontraba con dificultades con los grandes grupos, Norvo formó un trío con la novedosa combinación de vibráfono, guitarra y bajo. Cuando el guitarrista y bajista original lo dejó (Mundell Lowe y Red Kelly), trajo a dos músicos poco conocidos. Tal Farlow se convirtió en uno de los más importantes de la generación de guitarristas de la posguerra, en parte porque las exigencias del trío le llevaron a explorar nuevos niveles tanto de velocidad como de riqueza armónica en el instrumento. La prominencia de Charles Mingus como bajista aumentó a través de este grupo, aunque su repertorio no reflejaba la importante carrera que desarrollaría como compositor. El trío duró hasta 1951, y grabó dos LPs para Savoy.

En 1959 el grupo de Norvo dio conciertos en Australia con Frank Sinatra; Blue Note publicó estas grabaciones en 1997. Red Norvo y su grupo también hicieron varias apariciones en The Dinah Shore Chevy Show a finales de los 50 y principios de los 60.

Norvo grabó y realizó giras a lo largo de su carrera hasta que un derrame cerebral a mediados de los 80 le obligó a jubilarse (aunque desarrolló problemas de audición mucho antes de su derrame cerebral). Murió en una casa de convalecencia en Santa Mónica, California, a la edad de 91 años.

https://musicians.allaboutjazz.com/rednorvo

 

 

Bill Le Sage • Bill's Recipes

Bill Le Sage (pianist, vibes player, composer, arranger) was one of Britain's Bebop pioneers.

Bill Le Sage / Bill's Recipes, very rare 1959 UK turquoise Saga label 12-track LP, featuring Bill on Accordion, Piano and Vibes, with the key ingredients of 4 Trombones, Trumpet, Clarinet, Tommy Whittle on Tenor, Piano, Bass & Tony Kinsey on Drums, to name a few.

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Bill Le Sage (pianista, intérprete, compositor, arreglista) fue uno de los pioneros de Bebop en Gran Bretaña.

Bill Le Sage / Bill's Recipes, muy raro 1959 LP de 12 pistas del Reino Unido con el sello Saga turquesa, con Bill on Accordion, Piano and Vibes, con los ingredientes clave de 4 Trombones, Trompeta, Clarinete, Tommy Whittle en Tenor, Piano, Bajo y Tony Kinsey en la batería, por nombrar algunos.

Freddie Mccoy • Lonely Avenue

 

 

Freddie McCoy, born in New York City in 1932, assembled a big crew to create the soulful canvas of his debut album on Prestige in 1965, Lonely Avenue. The coupling of vibes with trumpet, baritone sax, trombone, organ and guitar proved to be a remarkably flexible unit, both mean/funky and contemplative, which also, perhaps not entirely coincidentally, is a description of Freddie McCoy’s musical personality. The vibraphonist generates a lot heat but at the same time his playing is marked by a relaxed flow. Easygoing fellow but he’s not going to let you eat his lunch. One of few vibraphone players that focused on groove and grease. Yes, there’s a blues-drenched bit of Milt Jackson, without the dazzling technique of the God Of Vibes. And yes, there’s a bit of entertainment value that was inherent to the personality of pioneer Lionel Hampton, but the circus has left town before the roar of the lion. Freddie McCoy was more concerned with the kind of soul time that worked as a magnet for workers from all over the hood. Punch the clock, hurry home, slip into some shiny slacks and let’s hear it for the real mccoy’… Once settled in some upper Harlem joint, they shake their hips, shake their asses, shake their heads in amazement at the sight of this slick dude sweating it out behind that weird steel frame. Mallet boogie.

Plenty of warhorse and pop song for that kind of customer: When Sunny Gets Blue, Willow Weep For Me, Harlem Nocturne, Feeling Good. McCoy’s Roëll is a lovely ballad, his take on the Doc Pomus tune Lonely Avenue, best-known through the classic r&b version of Ray Charles, is super-soulful and the album’s crackerjack cookers, Collard Greens and Belly Full Of Greens, would serve well as background tracks for the volatile Ike & Tina Turner. Want some mean greens? Yes please, why not? Beats crème bruleé.

Freddie McCoy began to play the vibraphone in the Army in 1958 and subsequently played with Kenny Burrell, Johnny “Hammond” Smith, Philly Joe Jones and Doug Watkins. Following his debut, McCoy enjoyed a good stretch on Prestige, which released six albums between 1966 and 1968, focusing more and more on r&b and funk-ish ditties. Before he went off the radar, his last album Gimme Some was released by Cobblestone in 1971. Freddie McCoy was also a flight instructor who owned his own plane. No doubt he made some soulful maneuvers in that little booger.

Freddie McCoy passed away in 2009.
http://flophousemagazine.com/2019/02/18/freddie-mccoy-lonely-avenue-prestige-1965/

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Freddie McCoy, nacido en la ciudad de Nueva York en 1932, reunió a un gran equipo para crear el lienzo conmovedor de su álbum debut en Prestige en 1965, Lonely Avenue. El acoplamiento de vibraciones con trompeta, saxo barítono, trombón, órgano y guitarra demostró ser una unidad notablemente flexible, tanto mezquina/funky como contemplativa, que también, quizás no por casualidad, es una descripción de la personalidad musical de Freddie McCoy. El vibrafonista genera mucho calor pero al mismo tiempo su forma de tocar está marcada por un flujo relajado. Un tipo tranquilo, pero no te dejará comer su almuerzo. Uno de los pocos reproductores de vibráfonos que se centró en el groove y la grasa. Sí, hay un poco de Milt Jackson empapado de blues, sin la deslumbrante técnica del Dios de las Vibraciones. Y sí, hay un poco de valor de entretenimiento inherente a la personalidad del pionero Lionel Hampton, pero el circo se fue de la ciudad antes del rugido del león. Freddie McCoy estaba más preocupado por el tipo de tiempo del alma que funcionaba como un imán para los trabajadores de todo el barrio. Pon el reloj, apúrate a casa, ponte unos pantalones brillantes y escuchémoslo por el verdadero Mccoy' Once Una vez instalados en alguna articulación del alto Harlem, sacuden las caderas, sacuden el trasero, sacuden la cabeza asombrados al ver a este tipo resbaladizo sudando detrás de ese extraño marco de acero. Mallet boogie.

Mucho caballo de batalla y canciones pop para ese tipo de cliente: When Sunny Gets Blue, Willow Weep For Me, Harlem Nocturne, Feeling Good. Roëll de McCoy es una balada encantadora, su versión de la melodía de Doc Pomus Lonely Avenue, más conocida a través de la versión clásica de r&b de Ray Charles, es súper conmovedora y las cocinas crackerjack del álbum, Berza y Barriga Llena de Verduras, servirían bien como pistas de fondo para los volátiles Ike y Tina Turner. ¿Quieres algunos mean greens? Sí, por favor, ¿por qué no? Beats crème bruleé.

Freddie McCoy comenzó a tocar el vibráfono en el Ejército en 1958 y posteriormente tocó con Kenny Burrell, Johnny "Hammond" Smith, Philly Joe Jones y Doug Watkins. Tras su debut, McCoy disfrutó de un buen tramo en Prestige, que lanzó seis álbumes entre 1966 y 1968, centrándose cada vez más en canciones de r&b y funk. Antes de desaparecer del radar, Cobblestone lanzó su último álbum Gimme Some en 1971. Freddie McCoy también era instructor de vuelo y dueño de su propio avión. Sin duda hizo algunas maniobras conmovedoras en ese pequeño moco.

Freddie McCoy falleció en 2009.
http://flophousemagazine.com/2019/02/18/freddie-mccoy-lonely-avenue-prestige-1965/

The Modern Jazz Quartet • Third Stream Music

Rusty Bryant • Legends of Acid Jazz

Artist Biography by Steve Huey

The muscular, groove-oriented tenor of Rusty Bryant was heard to best effect on his funky soul-jazz albums for Prestige in the late '60s and early '70s, though he'd actually been leading bands since the '50s. Born Royal G. Bryant in Huntington, WV, on November 25, 1929, he grew up in Columbus, OH, where he became an important part of the local jazz scene, playing a robust, wailing tenor sax inspired by the likes of Gene Ammons and Sonny Stitt. He first worked as a sideman with Tiny Grimes and Stomp Gordon, and began leading his own bands in 1951. In the mid-'50s, Bryant signed with the Dot label and landed a major R&B hit with "All Night Long," a double-time cover of "Night Train." Bryant toured the country, but his association with Dot only lasted for a few sessions (including some where he attempted to introduce vocalist Nancy Wilson), and he soon returned to Columbus, where he was content to play on a strictly local basis. After around a decade, he returned to recording in 1968 on Groove Holmes' classic That Healin' Feelin', and began leading his own sessions again for Prestige, beginning with 1969's Rusty Bryant Returns, an anomaly where he played a Lou Donaldson-inspired, sometimes-electrified alto. His next few albums -- including Night Train Now!, Soul Liberation, Fire Eater, and Wildfire -- successfully updated his sound for the times, and became cult classics among acid jazz aficionados for their strong, funky grooves. Bryant returned for a couple of albums in the early '80s before settling back into his hometown once again. He passed away on March 25, 1991.

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Biografía del artista por Steve Huey

El tenor musculoso y orientado al groove de Rusty Bryant fue escuchado con el mejor efecto en sus álbumes de soul-jazz funky para Prestige a finales de los'60 y principios de los'70, aunque en realidad había estado dirigiendo bandas desde los'50. Nacido como Royal G. Bryant en Huntington, WV, el 25 de noviembre de 1929, creció en Columbus, OH, donde se convirtió en una parte importante de la escena del jazz local, tocando un saxo tenor robusto y llorón inspirado por gente como Gene Ammons y Sonny Stitt. Primero trabajó como sideman con Tiny Grimes y Stomp Gordon, y comenzó a dirigir sus propias bandas en 1951. A mediados de los 50, Bryant firmó con el sello Dot y consiguió un gran éxito de R&B con "All Night Long", una versión doble de "Night Train". Bryant recorrió el país, pero su relación con Dot sólo duró unas pocas sesiones (incluyendo algunas en las que intentó presentar a la vocalista Nancy Wilson), y pronto regresó a Columbus, donde se conformó con tocar a nivel estrictamente local. Después de alrededor de una década, volvió a grabar en 1968 en el clásico de Groove Holmes That Healin' Feelin', y comenzó a dirigir sus propias sesiones de nuevo para Prestige, comenzando con Rusty Bryant Returns de 1969, una anomalía en la que tocó una contralto inspirada en Lou Donaldson, a veces electrificada. Sus próximos álbumes - incluyendo Night Train Now, Soul Liberation, Fire Eater y Wildfire - actualizaron con éxito su sonido para la época, y se convirtieron en clásicos de culto entre los aficionados al acid jazz por sus ritmos fuertes y funky. Bryant regresó por un par de álbumes a principios de los'80 antes de volver a su ciudad natal una vez más. Falleció el 25 de marzo de 1991.

 

 

Bobby Hutcherson • Happenings

Happenings is the first album to present Hutcherson as the featured soloist fronting a conventional rhythm section, instead of amongst the experimentally-inclined sextets and quintets he'd led and guested with before. These had produced, most notably, Eric Dolphy's Out To Lunch (Blue Note, 1964) and Hutcherson's own Dialogue (Blue Note, 1965), the latter featuring two new thing auteurs in pianist Andrew Hill and saxophonist Sam Rivers.

More tellingly, the choice of material on Happenings makes for a safer, more mainstream affair than its predecessors. Previously, Hutcherson had either guested with premier league composers like Dolphy, Archie Shepp and Grachan Moncur III, or—with his own bands—relied on other writers (Dialogue was almost entirely written by Hill).

Here all but one of the tunes (pianist Herbie Hancock's "Maiden Voyage") are unremarkable, in-the-tradition Hutcherson originals. With the exception of "The Omen," an ambitious, wannabe-conservatoire construction which isn't convincing, they're a competent but derivative mix of swingers, ballads and Latin tunes.

There is, however, some great playing on Happenings. Hancock's stomping, cluster-chord chromaticism on the opening "Aquarian Moon" is a highlight, as is Hutcherson's own solo on "Maiden Voyage," a track also distinguished by drummer Joe Chambers' metronomic but magically propulsive, centre-of-the-cymbal stick work. "When You Are Near," a classy ballad (though one in search of a good bridge), is arguably the strongest Hutcherson original. But at less than four minutes, it is, perversely, by far the shortest track.

A year and a half after Happenings, Hutcherson, Hancock and Chambers returned to similar territory with Oblique (Blue Note, 1967). Crucially, half the six tracks were written by Hancock and the magnificently quirky Chambers, and the music was raised several storeys as a result.

History rarely runs in an entirely straight line. In the midst of his early-1960s avant-garde endeavours, Hutcherson was a featured soloist in the sextet that recorded Grant Green's exquisitely mellifluous Idle Moments (Blue Note, 1963). Hutcherson revealed himself as a formidable mainstream lyricist, and Happenings, Oblique and much of the work that has followed can be traced back at least as far as Green's album.

https://www.allaboutjazz.com/happenings-bobby-hutcherson-blue-note-records-review-by-chris-may.php

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Traducción Automática:

Happenings es el primer álbum en presentar a Hutcherson como el solista destacado al frente de una sección de ritmo convencional, en lugar de entre los sextetos y quintetos con tendencias experimentales que él había dirigido e invitado antes. Éstos habían producido, sobre todo, Out To Lunch (Blue Note, 1964) de Eric Dolphy y el propio Diálogo (Blue Note, 1965) de Hutcherson, este último con dos autores nuevos en el pianista Andrew Hill y el saxofonista Sam Rivers.De manera más reveladora, la elección del material sobre Acontecimientos hace que sea un asunto más seguro y más convencional que sus predecesores. Anteriormente, Hutcherson había invitado con compositores de primera clase como Dolphy, Archie Shepp y Grachan Moncur III o, con sus propias bandas, confiaba en otros escritores (Dialogue fue escrito casi en su totalidad por Hill).Aquí, todas menos una de las melodías ("Maiden Voyage" de la pianista Herbie Hancock) son originales de Hutcherson, tradicionales en la tradición. Con la excepción de "The Omen", una construcción ambiciosa, aspirante a conservador que no es convincente, son una combinación competente pero derivada de swingers, baladas y melodías latinas.Hay, sin embargo, algunos grandes juegos en Happenings. El pisotón de Hancock, el cromaticismo de grupo en la apertura "Aquarian Moon" es un punto culminante, como lo es el propio solo de Hutcherson en "Maiden Voyage", una pista que también se distingue por el metronómico baterista de Joe Chambers, centro de los platillos. trabajo de palo "When You Are Near", una balada con clase (aunque una en busca de un buen puente), es posiblemente el original más fuerte de Hutcherson. Pero a menos de cuatro minutos, es, perversamente, la pista más corta.Un año y medio después de Happenings, Hutcherson, Hancock y Chambers regresaron a un territorio similar con Oblique (Blue Note, 1967). De manera crucial, la mitad de las seis pistas fueron escritas por Hancock y las magníficamente extravagantes Chambers, y la música se elevó a varios pisos como resultado.La historia rara vez corre en línea recta. En medio de sus esfuerzos vanguardistas de los primeros años de la década de 1960, Hutcherson era un solista destacado en el sexteto que grababa los Momentos idéleos exquisitamente melifluos de Grant Green (Blue Note, 1963). Hutcherson se reveló a sí mismo como un formidable letrista principal, y Happenings, Oblique y gran parte del trabajo que siguió se remontan al menos hasta el álbum de Green.

https://www.allaboutjazz.com/happenings-bobby-hutcherson-blue-note-records-review-by-chris-may.php 

Roy Ayers • West Coast Vibes

Artist Biography:

Once one of the most visible and winning jazz vibraphonists of the 1960s, then an R&B bandleader in the 1970s and '80s, Roy Ayers' reputation s now that of one of the prophets of acid jazz, a man decades ahead of his time. A tune like 1972's "Move to Groove" by the Roy Ayers Ubiquity has a crackling backbeat that serves as the prototype for the shuffling hip-hop groove that became, shall we say, ubiquitous on acid jazz records; and his relaxed 1976 song "Everybody Loves the Sunshine" has been frequently sampled. Yet Ayers' own playing has always been rooted in hard bop: crisp, lyrical, rhythmically resilient. His own reaction to being canonized by the hip-hop crowd as the "Icon Man" is tempered with the detachment of a survivor in a rough business. "I'm having fun laughing with it," he has said. "I don't mind what they call me, that's what people do in this industry."

Growing up in a musical family -- his father played trombone, his mother taught him the piano -- the five-year-old Ayers was given a set of vibe mallets by Lionel Hampton, but didn't start on the instrument until he was 17. He got involved in the West Coast jazz scene in his early 20s, recording with Curtis Amy (1962), Jack Wilson (1963-1967), and the Gerald Wilson Orchestra (1965-1966); and playing with Teddy Edwards, Chico Hamilton, Hampton Hawes and Phineas Newborn. A session with Herbie Mann at the Lighthouse in Hermosa Beach led to a four-year gig with the versatile flutist (1966-1970), an experience that gave Ayers tremendous exposure and opened his ears to styles of music other than the bebop that he had grown up with.

After being featured prominently on Mann's hit Memphis Underground album and recording three solo albums for Atlantic under Mann's supervision, Ayers left the group in 1970 to form the Roy Ayers Ubiquity, which recorded several albums for Polydor and featured such players as Sonny Fortune, Billy Cobham, Omar Hakim, and Alphonse Mouzon. An R&B-jazz-rock band influenced by electric Miles Davis and the Herbie Hancock Sextet at first, the Ubiquity gradually shed its jazz component in favor of R&B/funk and disco. Though Ayers' pop records were commercially successful, with several charted singles on the R&B charts for Polydor and Columbia, they became increasingly, perhaps correspondingly, devoid of musical interest.

In the 1980s, besides leading his bands and recording, Ayers collaborated with Nigerian musician Fela Anikulapo-Kuti, formed Uno Melodic Records, and produced and/or co-wrote several recordings for various artists. As the merger of hip-hop and jazz took hold in the early '90s, Ayers made a guest appearance on Guru's seminal Jazzmatazz album in 1993 and played at New York clubs with Guru and Donald Byrd. Though most of his solo records had been out of print for years, Verve issued a two-CD anthology of his work with Ubiquity and the first U.S. release of a live gig at the 1972 Montreux Jazz Festival; the latter finds the group playing excellent straight-ahead jazz, as well as jazz-rock and R&B.

Source: Richard S. Ginell

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 Biografía del artista:

Una vez fue uno de los vibrafonistas de jazz más visibles y ganadores de los años 60, luego director de una banda de R&B en los 70 y 80, la reputación de Roy Ayers es ahora la de uno de los profetas del acid jazz, un hombre adelantado a su tiempo. Una canción como "Move to Groove" de 1972 de Roy Ayers Ubiquity tiene un ritmo de fondo chispeante que sirve de prototipo para el arrastrado del hip-hop que se convirtió, digamos, en omnipresente en los discos de acid jazz; y su relajada canción de 1976 "Everybody Loves the Sunshine" ha sido frecuentemente sampleada. Sin embargo, el propio juego de Ayers siempre ha estado enraizado en el hard bop: nítido, lírico, rítmicamente resistente. Su propia reacción al ser canonizado por la multitud del hip-hop como el "Hombre Icono" se templa con el desapego de un sobreviviente en un negocio difícil. "Me estoy divirtiendo riéndome con ello", ha dicho. "No me importa cómo me llamen, eso es lo que hace la gente en esta industria".

Creciendo en una familia musical - su padre tocaba el trombón, su madre le enseñó el piano - el niño de cinco años Ayers recibió un juego de mazos de vibración de Lionel Hampton, pero no empezó con el instrumento hasta los 17 años. Se involucró en la escena del jazz de la Costa Oeste a los 20 años, grabando con Curtis Amy (1962), Jack Wilson (1963-1967) y la Orquesta de Gerald Wilson (1965-1966); y tocando con Teddy Edwards, Chico Hamilton, Hampton Hawes y Phineas Newborn. Una sesión con Herbie Mann en el Faro de Hermosa Beach condujo a un concierto de cuatro años con el versátil flautista (1966-1970), una experiencia que le dio a Ayers una tremenda exposición y le abrió los oídos a otros estilos de música distintos del bebop con el que había crecido.

Después de haber aparecido de forma destacada en el exitoso álbum de Mann Memphis Underground y de haber grabado tres álbumes en solitario para Atlantic bajo la supervisión de Mann, Ayers dejó el grupo en 1970 para formar el Roy Ayers Ubiquity, que grabó varios álbumes para Polydor y contó con la participación de jugadores como Sonny Fortune, Billy Cobham, Omar Hakim y Alphonse Mouzon. Una banda de R&B-jazz-rock influenciada por el eléctrico Miles Davis y el Sexteto Herbie Hancock al principio, Ubiquity fue abandonando gradualmente su componente de jazz en favor del R&B/funk y la música disco. Aunque los discos de pop de Ayers tuvieron éxito comercial, con varios singles en las listas de R&B de Polydor y Columbia, se fueron quedando sin interés musical.

En el decenio de 1980, además de dirigir sus bandas y grabar, Ayers colaboró con el músico nigeriano Fela Anikulapo-Kuti, formó Uno Melodic Records y produjo y/o co-escribió varias grabaciones para varios artistas. Cuando la fusión del hip-hop y el jazz se afianzó a principios de los años 90, Ayers apareció como invitado en el disco seminal de Guru Jazzmatazz en 1993 y tocó en los clubes de Nueva York con Guru y Donald Byrd. Aunque la mayoría de sus discos solistas habían estado agotados durante años, Verve publicó una antología en dos CDs de su trabajo con Ubiquity y el primer lanzamiento estadounidense de un concierto en vivo en el Festival de Jazz de Montreux de 1972; este último encuentra al grupo tocando un excelente jazz directo, así como jazz-rock y R&B.

Fuente: Richard S. Ginell

 

 

 

royayers.net ...

 

 

The Modern Jazz Quartet • Three Windows

 

Teddy Charles • Salute To Hamp

Biography by Scott Yanow

Teddy Charles is a true rarity: a jazz musician who largely retired from the business. A skillful if not overly distinctive vibraphonist and (early in his career) quite capable on piano and drums, Charles was as important for his open-minded approach in the 1950s toward more advanced sounds as he was for his playing. He moved to New York to study percussion at Juilliard in 1946, but instead became involved in the jazz world. He had short stints with the big bands of Randy Brooks, Benny Goodman, Artie Shaw, Buddy DeFranco, and Chubby Jackson from 1948-1951 and then played with combos headed by Anita O'Day, Oscar Pettiford, Roy Eldridge, and Slim Gaillard. He also became a member of the Jazz Composers' Workshop (1953-1955) along with Charles Mingus and Teo Macero, opening his style up to the influences of classical music and freer improvising. Charles, who recorded with Mingus, Miles Davis, and Wardell Gray, among many others, began leading his own stimulating record dates in 1951, and by 1953 he was also working as a record producer, a field that took much more of his time from 1956 on. He led his own sessions for Prestige, Atlantic, Savoy, Jubilee, Bethlehem (where he produced around 40 records, mostly for other artists), and Warwick from 1951-1960, but was hardly heard from in the 1960s, other than a 1963 set for United Artists. Charles relocated to the Caribbean, where he opened a sailing business. After participating in a 1980 jam session, he eventually moved back to New York, making a "comeback" record for Soul Note in 1988, but still remaining semi-retired from music.

https://www.allmusic.com/artist/teddy-charles-mn0000747202/biography

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Biografía de Scott Yanow

Teddy Charles es una verdadera rareza: un músico de jazz que se retiró en gran parte del negocio. Un vibrafonista hábil, si no demasiado distintivo y (al principio de su carrera) bastante capaz en el piano y la batería, Charles fue tan importante para su enfoque de mente abierta en la década de 1950 hacia los sonidos más avanzados como lo fue para su forma de tocar. Se mudó a Nueva York para estudiar percusión en Juilliard en 1946, pero se involucró en el mundo del jazz. Estuvo brevemente con las grandes bandas de Randy Brooks, Benny Goodman, Artie Shaw, Buddy DeFranco y Chubby Jackson de 1948 a 1951 y luego tocó con combos encabezados por Anita O'Day, Oscar Pettiford, Roy Eldridge y Slim Gaillard. También se convirtió en miembro del Taller de Compositores de Jazz (1953-1955) junto con Charles Mingus y Teo Macero, abriendo su estilo a las influencias de la música clásica y a la improvisación más libre. Charles, que grabó con Mingus, Miles Davis y Wardell Gray, entre muchos otros, comenzó a dirigir sus propias y estimulantes fechas de grabación en 1951, y para 1953 también trabajaba como productor de discos, un campo que le ocupó mucho más tiempo a partir de 1956. Dirigió sus propias sesiones para Prestige, Atlantic, Savoy, Jubilee, Bethlehem (donde produjo unos 40 discos, en su mayoría para otros artistas) y Warwick de 1951 a 1960, pero apenas se le escuchó en el decenio de 1960, aparte de un conjunto de 1963 para United Artists. Charles se trasladó al Caribe, donde abrió un negocio de navegación. Después de participar en una jam session en 1980, finalmente regresó a Nueva York, haciendo un disco de "regreso" para Soul Note en 1988, pero aún permaneciendo semi-retirado de la música.

https://www.allmusic.com/artist/teddy-charles-mn0000747202/biography

Gary Burton & Friends • Six Pack

 

  

Features Pat Metheny, Steve Swallow, Paul Schaffer, Mulgrew Miller -- and guest work from Jack DeJohnette, John Scofield, Jim Hall, and BB King. 

 

 

Peter Appleyard • The Vibe Sound

Peter Appleyard, OC (26 August 1928 – 17 July 2013) was a British–Canadian jazz vibraphonist, percussionist, and composer. He spent most of his life living and performing in the city of Toronto where for many years he was a popular performer in the city's nightclubs and hotels. He also played and recorded with many of the city's orchestras and been featured on Canadian television and radio programs. In the early 1970s he drew wide acclaim for his performances with Benny Goodman's jazz sextet with which he toured internationally. In 1992, he was made an Officer of the Order of Canada in recognition of his being an "internationally renowned vibraphonist who has represented the Canadian jazz community across North America, Europe, the Middle East and Australia".

more ... https://en.wikipedia.org/wiki/Peter_Appleyard

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Peter Appleyard, OC (26 de agosto de 1928 - 17 de julio de 2013) fue un vibrafonista, percusionista y compositor de jazz anglo-canadiense. Pasó la mayor parte de su vida viviendo y actuando en la ciudad de Toronto, donde durante muchos años fue un popular intérprete en los clubes nocturnos y hoteles de la ciudad. También tocó y grabó con muchas de las orquestas de la ciudad y apareció en programas de radio y televisión canadienses. A principios del decenio de 1970 fue muy aclamado por sus actuaciones con el sexteto de jazz de Benny Goodman, con el que realizó giras internacionales. En 1992, fue nombrado Oficial de la Orden de Canadá en reconocimiento a su condición de "vibrafonista de renombre internacional que ha representado a la comunidad de jazz canadiense en América del Norte, Europa, Oriente Medio y Australia".

 

 

 

Milt Jackson • Bags & Flutes

Biography by Scott Yanow
Before Milt Jackson, there were only two major vibraphonists: Lionel Hampton and Red Norvo. Jackson soon surpassed both of them in significance and, despite the rise of other players (including Bobby Hutcherson and Gary Burton), still won the popularity polls throughout the decades. Jackson (or "Bags" as he was long called) was at the top of his field for 50 years, playing bop, blues, and ballads with equal skill and sensitivity. In its essence, Jackson did for the vibes what Dizzy Gillespie did for the trumpet -- revolutionize its approach. He slowed the speed on the instrument's oscillator, changed its vibrato and perfected slow, cleverly paced blues solos. His floating solos with long, sustained notes and darting rhythms became a bop staple. A former singer, guitarist and pianist, Jackson was an extremely versatile player, cutting big-band dates, working with orchestras, and fighting to maintain a successful solo career yet retain his ties with the Modern Jazz Quartet, the group he co-founded with pianist John Lewis in 1952.

Milt Jackson started on guitar when he was seven, and piano at 11; a few years later, he switched to vibes. He actually made his professional debut singing in a touring gospel quartet. After Dizzy Gillespie discovered him playing in Detroit, he offered him a job with his sextet and (shortly after) his innovative big band (1946). Jackson recorded with Gillespie, and was soon in great demand. During 1948-1949, he worked with Charlie Parker, Thelonious Monk, Howard McGhee, and the Woody Herman Orchestra. After playing with Gillespie's sextet (1950-1952), which at one point included John Coltrane, Jackson recorded with a quartet comprised of John Lewis, Percy Heath, and Kenny Clarke (1952), which soon became a regular group called the Modern Jazz Quartet. Although he recorded regularly as a leader (including dates in the 1950s with Miles Davis and/or Thelonious Monk, Coleman Hawkins, John Coltrane, and Ray Charles), Milt Jackson stayed with the MJQ through 1974, becoming an indispensable part of their sound. By the mid-'50s, Lewis became the musical director and some felt that Bags was restricted by the format, but it actually served him well, giving him some challenging settings. And he always had an opportunity to jam on some blues numbers, including his "Bags' Groove." However, in 1974, Jackson felt frustrated by the MJQ (particularly financially) and broke up the group. He recorded frequently for Pablo in many all-star settings in the 1970s, and after a seven-year vacation, the MJQ came back in 1981. In addition to the MJQ recordings, Milt Jackson cut records as a leader throughout his career for many labels including Savoy, Blue Note (1952), Prestige, Atlantic, United Artists, Impulse, Riverside, Limelight, Verve, CTI, Pablo, Music Masters, and Qwest. He died of liver cancer on October 9, 1999, at the age of 76.
https://www.allmusic.com/artist/milt-jackson-mn0000489845#biography

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Biografía de Scott Yanow
Antes de Milt Jackson, sólo había dos grandes vibrafonistas: Lionel Hampton y Red Norvo. Jackson pronto superó a ambos en importancia y, a pesar del auge de otros intérpretes (entre ellos Bobby Hutcherson y Gary Burton), siguió ganando las encuestas de popularidad a lo largo de las décadas. Jackson (o «Bags», como se le llamó durante mucho tiempo) estuvo en la cima de su campo durante 50 años, tocando bop, blues y baladas con igual habilidad y sensibilidad. En esencia, Jackson hizo por el vibráfono lo que Dizzy Gillespie hizo por la trompeta: revolucionar su enfoque. Redujo la velocidad del oscilador del instrumento, cambió su vibrato y perfeccionó los solos de blues lentos y de ritmo inteligente. Sus solos flotantes con notas largas y sostenidas y ritmos vertiginosos se convirtieron en un elemento básico del bop. Jackson, que había sido cantante, guitarrista y pianista, era un músico extremadamente versátil, que tocaba con big bands, trabajaba con orquestas y luchaba por mantener una exitosa carrera en solitario y, al mismo tiempo, conservar sus vínculos con el Modern Jazz Quartet, el grupo que cofundó con el pianista John Lewis en 1952.

Milt Jackson empezó a tocar la guitarra a los siete años y el piano a los once; unos años más tarde, se pasó al vibráfono. En realidad, debutó profesionalmente cantando en un cuarteto de gospel de gira. Cuando Dizzy Gillespie le descubrió tocando en Detroit, le ofreció trabajar con su sexteto y (poco después) con su innovadora big band (1946). Jackson grabó con Gillespie y pronto estuvo muy solicitado. Durante 1948-1949, trabajó con Charlie Parker, Thelonious Monk, Howard McGhee y la Woody Herman Orchestra. Después de tocar con el sexteto de Gillespie (1950-1952), que en un momento dado incluyó a John Coltrane, Jackson grabó con un cuarteto formado por John Lewis, Percy Heath y Kenny Clarke (1952), que pronto se convirtió en un grupo fijo llamado Modern Jazz Quartet. Aunque grabó regularmente como líder (incluyendo fechas en los años 50 con Miles Davis y/o Thelonious Monk, Coleman Hawkins, John Coltrane y Ray Charles), Milt Jackson permaneció con el MJQ hasta 1974, convirtiéndose en una parte indispensable de su sonido. A mediados de los 50, Lewis se convirtió en el director musical y algunos pensaron que Bags se veía limitado por el formato, pero en realidad le servía bien, ya que le ofrecía algunos escenarios desafiantes. Y siempre tenía la oportunidad de improvisar en algunos números de blues, incluyendo su «Bags' Groove». Sin embargo, en 1974, Jackson se sintió frustrado por el MJQ (sobre todo económicamente) y disolvió el grupo. En la década de 1970 grabó con frecuencia para Pablo en muchos grupos de estrellas y, tras unas vacaciones de siete años, el MJQ regresó en 1981. Además de las grabaciones del MJQ, Milt Jackson grabó discos como líder a lo largo de su carrera para muchos sellos, como Savoy, Blue Note (1952), Prestige, Atlantic, United Artists, Impulse, Riverside, Limelight, Verve, CTI, Pablo, Music Masters y Qwest. Murió de cáncer de hígado el 9 de octubre de 1999, a la edad de 76 años.
https://www.allmusic.com/artist/milt-jackson-mn0000489845#biography

 

 

Johnny Lytle • Happy Ground

Review by Craig Lytle

The spirited vibes player unarguably demonstrates his versatility on an instrument that few have been able to master. The gritty side of Johnny Lytle is manifested on the title track, "Happy Ground," a bluesy jump that swings with a classic big-band jazz sound and arrangement and reminiscent of the jam sessions of yesteryear. Lytle settles down on "A Child Is Born," a smoothly blended arrangement in which one solo complements the next. "Little Sunflower" has a serious Latin rhythm with the palpitative feel of Sam Figueroa's congas. Lytle has no problem finding his groove. As peppy as "Love for Sale" may be, it has its calming moments without sacrificing the tempo. All selections offer excellent solo exhibitions by all the musicians.

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Reseña de Craig Lytle

El animoso intérprete de las vibraciones demuestra indiscutiblemente su versatilidad en un instrumento que pocos han sido capaces de dominar. El lado arenoso de Johnny Lytle se manifiesta en el tema del título, "Happy Ground", un salto de blues que se balancea con un sonido y un arreglo de jazz clásico de big-band y que recuerda a las jam sessions de antaño. Lytle se sienta en "A Child Is Born", un arreglo suavemente mezclado en el que un solo complementa al siguiente. "Little Sunflower" tiene un serio ritmo latino con la palpitante sensación de las congas de Sam Figueroa. Lytle no tiene problemas para encontrar su ritmo. Por muy animado que sea "Love for Sale", tiene sus momentos de calma sin sacrificar el tempo. Todas las selecciones ofrecen excelentes exposiciones individuales de todos los músicos.

Dave Pike • Times Out Of Mind

 

 

Review by Scott Yanow
Vibraphonist Dave Pike's debut for Muse (which has been reissued on CD) has generally strong individual playing although the material (five group originals plus a brief version of the bop standard "Wee") and use of electronics sound a bit dated. Pike teams up with keyboardist Tom Ranier (who also plays some alto and tenor), guitarist Ron Eschete, either Luther Hughes or Harvey Newmark on bass, drummer Ted Hawke and (on three of the six numbers) guitarist Kenny Burrell. Nothing all that memorable occurs during this lesser effort.
https://www.allmusic.com/album/times-out-of-mind-mw0000612796

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Reseña de Scott Yanow
El debut del vibrafonista Dave Pike para Muse (que ha sido reeditado en CD) tiene en general una fuerte interpretación individual, aunque el material (cinco originales del grupo más una breve versión del estándar de bop "Wee") y el uso de la electrónica suenan un poco anticuados. Pike forma equipo con el teclista Tom Ranier (que también toca algo de alto y tenor), el guitarrista Ron Eschete, o bien Luther Hughes o Harvey Newmark en el bajo, el baterista Ted Hawke y (en tres de los seis números) el guitarrista Kenny Burrell. Nada tan memorable ocurre durante este menor esfuerzo.
https://www.allmusic.com/album/times-out-of-mind-mw0000612796


Colaborador / Contributor:  BOBpinBOB